Ternura negra de Denise Despeyroux en Kubik dentro de Surge Madrid
Denise Despeyroux está creando una personal trayectoria como autora y directora. Su paisaje dramatúrgico transita entre historias de hoy que se cruzan con otras de tiempo y espacio diferente…y sus puestas en escena también juegan con planos superpuestos; la situación de algunos personajes ocurre en un aquí y ahora…y otros seres habitan en mundos paralelos o en espacios virtuales. Todas estas cuestiones crean una textura poética compleja a la que hay que estar atento en su transcurrir en escena, por momentos hay mucha información que paraliza la acción y después, toda esa materia se conecta con las situaciones y provoca en el imaginario del espectador el efecto que ella busca. En Ternura negra indaga sobre la hipótesis de lo que pudo ocurrir en un tiempo pretérito cuando se está tratando de convertirlo en ficción escénica actual y lo que esto obliga a que quienes protagonizan, esta indagación teatral, les descubrirá otros mundos que no conocían o a los que no querían enfrentarse. La puesta en escena es sencilla aunque dialogar con una pantalla obliga a los actores a realizar virtuosismo interpretativo.
Adolfo Simón
Entremeses de Cervantes del Teatro de la Abadía en el Teatro Alhambra de Granada
Asistir dos días después de celebrar el Día del Libro a este montaje de los Entremeses de Cervantes supone disfrutar de una gran fiesta de la literatura, pues constituye una puesta en escena del clásico cervantino muy difícil de superar.
Se trata de un montaje que ya fue llevado a cabo en la segunda temporada de La Abadía, rescatado veinte años después como una forma de autohomenaje. José Luis Gómez incluye en el programa una cita de Manuel Azaña en la que el escritor y político afirma que quienes hablamos español somos y seremos “criaturas cervantinas”. Ése es de manera precisa el espíritu que atraviesa el montaje de principio a fin: la de ofrecer el texto de Cervantes como esencia de identidad, como constitución de lo español, pero con el acento puesto en nuestros grandes defectos. En la puesta en escena hay un continuo ambiente carnavalesco, un desfile singular de hombres y mujeres desnortados, políticos ramplones, costumbres bulliciosas y alegres. La dirección es, como no podía ser de otra manera viniendo de quien viene, tremendamente minuciosa y prolija, una creación compleja que añade al texto cervantino toda clase de jolgorios, danzas, cantos y músicas, siempre con la mayor gracia y tino.
Con una apertura y cierre de función de un lirismo sublime, en la forma de unos pájaros que cantan en el campo en compañía de un coro de personajes cervantinos, los Entremeses de La Abadía (se han incluido solamente La cueva de Salamanca, El viejo celoso y El retablo de las maravillas) ofrecen una función intensísima, sin duda extenuante para los actores, que dota al clásico de un músculo y una intensidad magníficos. En los ciento diez minutos de representación, el espectador es sepultado en un universo de canto, baile y movimiento escénico que nunca deja de lado la palabra medida y clara del clásico.
Granada tardará mucho en acoger un evento teatral cervantino tan digno como el que se disfrutó el pasado fin de semana en el teatro Alhambra.
Rafael Ruiz Pleguezuelos
Anónimas de Amaranta Osorio en el Teatro del Barrio dentro de Surge Madrid
Tres hermanas- una actriz, una guitarrista y una muñeca- en una habitación con suelo de ajedrez, se cuentan las historias de sus abuelas y de sus madres, mujeres queridas pero “anónimas”. Sus sonrisas son ingenuas y peligrosas. Se rien de Barbazul y dedican música, cantos y danzas a Susana Chávez, periodista mexicana que acuñó la frase “ni una muerta más” para rescatar el derecho a la vida de otras mujeres que se han vuelto sólo estadísticas. Las historias recuerdan tiempos de guerra y de paz, amores y astucias para mantener a la familia junta. Las tres hermanas recorren un camino de piedras hecho con la historia silenciosa de muchas mujeres en busca de sus nombres.
El espectáculo combina música y teatro en un espacio en blanco y negro. Las imágenes transportan al espectador, incitándolo a re descubrir su propia historia y a recordar a las mujeres “anónimas” que han forjado su existencia.
Las mujeres han sido siempre las más innovadoras y las más arriesgadas… ¿Cómo sería un mundo sin mujeres?. Por eso, probablemente, los hombres han tratado, a lo largo de la historia, de silenciarlas, de volverlas invisibles. Este espectáculo comprometido da fe de nuevo que las mujeres no están dispuestas a callarse y dejarse anular. Una propuesta sencilla pero muy bella plásticamente, las dos actrices mutan y se transforman en la narración endiablada de muchas historias de mujeres. La dirección corre a cargo de Julia Varley, una directora de prestigio.
Adolfo Simón
El Caserio de Guridi en los Teatros del Canal
Arrigorri, la aldea imaginaria de Vizcaya donde el libreto sitúa la acción de El Caserío de Guridi, tiene algo de lugar idílico congelado en el tiempo, donde sabemos que todos los problemas tendrán un final feliz. El Teatro Arriaga ha hecho posible que ese breve instante haya vuelto cuando se cumplen 85 años del estreno de esta zarzuela. La oportunidad de la presentación de este montaje en Madrid se ha convertido en un acontecimiento con entradas agotadas desde el primer día. Una puesta en escena espectacular, digna de cualquier coliseo del bel canto ha conmovido al público madrileño. Imágenes de gran belleza plástica han acompañado a las canciones y escenas de esta recordada obra musical.
Adolfo Simón
Los muertos y los vivos viajan en Surge Madrid
Hay muchas maneras de viajar y a través del teatro se puede llegar a donde la imaginación desee. En la recta final de Surge Madrid 2015 siguen presentándose espectáculos personales a través de los que los artistas siguen reflexionando y viajando a destinos imposibles…
En Delirare, un texto de Cristina Redondo presentado en Cuarta Pared, la Compañía Último Baile nos muestra, dirigido por Fernando Soto, un viaje hacia paraísos soñados donde, como en Ítaca, el puerto nunca llega o el naufragio vital es un bucle del que no se puede escapar. Un cuarto de actores bailan, cantan y actúan en el borde de un precipicio submarino.
En Wichita Falls de Angélica Briseño Ortega presentada en La Usina, los personajes instalados en una cena familiar absurda irán mostrando sus íntimas mezquindades que estallarán como una bomba espacial cuando, la abuela de esta familia, les hace saber que realizará su sueño imposible que, de algún modo, les dejará a todos frente a sus pequeñas miserias diarias.
Adolfo Simón
Celestina y Don Juan again
De vez en cuando, vuelven a los escenarios los personajes clásicos con piel añeja o renovada… Suele inquietar a los jóvenes creadores la idea de cómo serían hoy aquellos mitos de la literatura y a menudo, encontramos que siguen conviviendo con nosotros reencarnándose constantemente. Sabido es de todos que Charo López es una gran actriz y que en los escenarios se encuentra como en el salón de su casa, en este caso no se sube a ellos a darnos lecciones de sexo si no a darnos guiños biográficos de ese personaje eterno que ya es: Celestina. En una propuesta muy sencilla e íntima, casi al oído del público nos va contando confidencias acompañada de música y canciones. La sala pequeña del Teatro Español, recién nombrada Margarita Xirgu, nos ha deparado grandes momentos con intérpretes geniales.
Y en otro espacio, cerca del Barrio de las Letras, en el Teatro del Arte, Auto(in)definido cuyo subtítulo es el Don de Juan se ha presentado dentro de Surge Madrid de la mano de los integrantes de Teatro Acción Candente y como se puede suponer por el título, es una mirada actual al mito de Don Juan, tratando de encontrar otro prisma del personaje que pocas veces se observa, la culpa del personaje y el arrepentimiento por todas sus tropelías realizadas y sus consecuencias.
Adolfo Simón
Cervantes y Shakespeare en el Día del Libro
Este año, el Día del Libro lo he celebrado de la mano de Shakesperare con una función deliciosa de Hamlet en el Teatro del Canal. Shakespeare’s Globe se embarcó en una gira mundial que durará dos años y los llevará a visitar todos los países del mundo con esta producción. Globe to Globe Hamlet, dirigida por el director artístico de Shakespeare’s Globe, Dominic Dromgoole, es una aventura teatral sin precedentes. Esta producción propone una puesta en escena fresca y jovial de la clásica tragedia shakesperiana, que da cuerpo tanto a sus venganzas como a su comicidad y enardecido uso del humor negro, latente a través de toda su obra; igualmente celebra la exuberancia y la inventiva de su lenguaje. Y lo hace desde una propuesta sin aparatosidad, centrando todo el trabajo en la creatividad de los actores de diferentes procedencias étnicas.
Y la otra celebración la he vivido en la Sociedad Cervantina donde pude disfrutar de un exposición de libros de artista y de un texto exquisitamente adaptado por María Velasco sobre las peripecias de insigne Cervantes en los días previos a la publicación del Quijote, representado con entusiasmo por Estefanía de los Santos y Rodrigo Posión alrededor de la imprenta donde se hicieron los primeros ejemplares de esta obra y que está en los sótanos de esta institución. Pieza dirigida con humor y destreza por Sonia Sebastián.
Adolfo Simón
Enrique VIII y La cisma de Inglaterra de Calderón de la Barca en la Compañía Nacional de Teatro Clásico
Ignacio García, el director de este montaje propone una puesta en escena sobria y oscura, tratando de mostrarnos el clima de traiciones y abusos que había en aquella época…Tiempo de intolerancia y despropósitos que provocaron muchos cambios, generado una herencia que anima a los poderosos a pensar que el lugar donde imprimir solidaridad y respeto se convierta en un espacio para el uso particular y partidista de los derechos, algo que sigue ocurriendo hoy en día. El reparto está conjuntado aunque las apariciones de Sergio Peris-Mencheta suben el tono y la energía de la obra. Un espectáculo que sigue con coherencia la programación de la CNTC.
Adolfo Simón
La piel de Maltrago Teatro y La Cabra Cia. en Surge Madrid
Surge Madrid es un escaparate para presentar propuestas no convencionales de los creadores que viven y trabajan en Madrid. Un espacio para la experimentación y la búsqueda, un lugar para tratar de reflexionar sobre qué se está creando hoy y para qué. El tono de este año es muy negativo, en muchos de los trabajos, los artistas plantean la desesperación o la asfixia que sienten al ver como su obra no tiene respuesta por parte del respetable…Sea público, instituciones, espacios de exhibición. En esta línea podría situarse La Piel, un espectáculo a medio camino entre el teatro y la performance donde el público asiste y participa del vértigo de una artista que se siente fuera del foco, al borde del suicidio artístico y ya que está ahí…Pues lo mejor que se puede hacer es: Representarlo.
Adolfo Simón
Reflexiones de una disléxica de Inés Narváez Arróspide en la Sala DT dentro de Surge Madrid
Cuando ya hemos atravesado el ecuador de la edición de Surge de este año, creo que para próximas convocatorias, deberían dar más espacio o estimular más a los creadores de danza o danza-teatro a participar. Sin duda, de lo presentado hasta el momento, la danza ha sido de los más interesante, como el caso de estas Reflexiones de una disléxica de Inés Narváez Arróspide en la Sala DT. Un trabajo sobre el que la joven creadora lleva tiempo investigando y que está dando muy sugerentes resultados. Además, en esta ocasión, ha estado acompañada de Mónica Runde; un lujo ver a esta veterana creadora sudando y trabajando codo con codo junto a Inés, una ocasión perfecta para que dos trayectorias distintas se den la mano y compartan su mirada personal de la danza, un regalo para el público asistente.
Adolfo Simón
“ENAJENATORIUM THEATRE SHOW” en el TEATRO ARLEQUÍN
Seguro que en más de una ocasión se han preguntado por lo que hay y ocurre por detrás del escenario de un teatro. Seguro que alguna vez les hubiera gustado entrar por la puerta de artistas, por esa que suele dar a un callejón sin salida. Seguro que han soñado alguna vez…o han tenido la pesadilla… en la que se quedan atrapados en los pasillos laberínticos de un teatro donde no solo habitan seres reales. Pues todo eso ahora puede ser una experiencia en directo para un público inquieto, deseoso de vivencias no convencionales. No siempre es posible que un teatro ponga a disposición de la creatividad escénica todos sus recovecos. En esta ocasión, en “ENAJENATORIUM THEATRE SHOW”, no hay un centímetro del Teatro Arlequín que se libre de la magia y el misterio. Creo que no conviene que les desvele lo que puede ocurrirles, mejor será que vayan y no se despisten de las indicaciones de los guías…Ah!…Y no pierdan detalle de todo lo que vaya ocurriendo a cada paso porque el protagonista, en esta ocasión, es el público…El Misterioso señor H será un anfitrión excelente, no lo duden…O si.
Adolfo Simón
Regreso al hogar de Harold Pinter en Teatro Tribueñe
Harold Pinter nos presenta, en Retorno al hogar, un mundo de seres instalados en la desidia y el encierro psicológico, nos muestra un abanico de hombres que viven como animales en una cárcel familiar elegida. A este mundo inhóspito llega una mujer inocente, un ser lleno de luz que viene del afuera, de la sociedad reglada, llega para dejar en evidencia que ese lugar es la cueva de Platón que teme ver la realidad de afuera, aunque finalmente quedará atrapada en la tela de araña. La actriz Rocío Osuna realiza un trabajo inquietante de contención y presencia escénica muy difícil de mantener en ese sitio donde los hombres ya no son humanos si no meros muñecos de un guiñol grotesco.
Adolfo Simón
Seres de otro mundo en el Teatro Alfil y La Usina
Las noches del fin de semana, en los escenarios madrileños, están llenas de personajes extraños y estrafalarios…Como los que poblarán este mundo dentro muuuuuuuuuuuuuuuuchos años, cuando el ser humano haya ¿evolucionado?…En el Teatro Alfil, hay un buen ramillete de situaciones de lo que está por venir en Futuro 10.0. Y en La Usina, dentro de Surge Madrid, una obra de crímenes e infidelidades con cambios de identidad en los personajes de D.E.P.(DEJADMEENPAZ), en esta corrala delirante, las mujeres son barbudas y los hombres…mujercitas sin carácter.
Adolfo Simón
FO-Fuente ovejuna de Lope de Vega/Juan Mayorga por La Joven Compañía
Todavía hay oportunidad para no perderse la primera propuesta escénica de La Joven Compañía que se ha recuperado de nuevo para disfrute de todo el público que no tuvimos ocasión de verla en su presentación original. Un espectáculo contundente y sintético; la versión de Juan Mayorga va al corazón y a la columna de la obra, sin perderse en los detalles anecdóticos del texto. La puesta en escena es bella y cruda, llena de signos y momentos que entran profundamente en las situaciones y psicología de cada momento y de los personajes. Todo aporta y suma…luz, video en directo, música improvisada…Y unos actores potentes y arriesgados, nadie diría que son tan jóvenes…Y además, hacen que el verso llegue natural al patio de butacas. Un juego popular que se convierte en un cuento terrible para volver al reencuentro de la ciudadanía en la plaza del pueblo.
Adolfo Simón
Disparando al público de Surge Madrid
La programación de la muestra madrileña sigue su curso…Los artistas disparan con pistolas cargadas de rabia por las injusticias desde una versión actualizada de Tio Vania-Descansaremos de Apata Teatro o lanzan bolas de papel como balas desde el escenario para que la poesía haga reaccionar al respetable en el Deseo de Elisa de Cia. Omosuno.
Adolfo Simón
¿Eres un delincuente?
¿No eres un delincuente?…¿Estás seguro?…¿Nunca has cometido ni un pequeño delito?…Este es el arranque sugerente que plantearon ayer las performers Rosa Casado y Belén Cueto en Ateneo Mucha Vida. En la programación de este evento que se ha prolongado hasta el mes de abril se ha podido disfrutar de los rincones más peculiares del lugar con propuestas contemporáneas como A party for bad people en el que las creadoras hacen del público el verdadero protagonista de la acción. Lo primero que nos repartieron fue una media para que nos la pusiésemos en la cabeza como cuando se atraca un banco…Después iban lanzando preguntas al aire y cuando alguien sentía que había realizado ese delito específico, se incorporaba a la sala continua donde había música, pizza y bebida….Habías entrado en el exclusivo club de los delincuentes!!!…Una chapita en la solapa daba constancia de ello…»Me he portado mal»…Ese era el lema. Esta performance no podía ser más oportuna ya que ayer, también fue detenido otro de los presuntos delincuentes de nuestra era democrática… ¿Alguien no ha delinquido en este país?…¿Tú eres delincuente?…Pues entra la fiesta!!!…Al final, parece que si no eres un ladrón, no eres nadie.
Adolfo Simón
Trágala, trágala de Íñigo Ramírez de Haro en el Teatro Español
Iracundo y sudoroso, aunque pulcramente uniformado, se levanta Fernando VII (Fernando Albizu) de su tumba destrozando las tablas del Teatro Español en “Trágala, trágala”. Irrumpe así en una paródica performance contemporánea y “gavacha” con la que arranca la función. Herido en su acto de resurrección y en su orgullo absolutista y crónico por la actual realidad política de España, Fernando VII necesita atención médica. Acude a la llamada un espectador y psicoanalista argentino (Luis Mottola) a quien le resulta muy fácil reírse de los disparates de este país, empezando por el absolutismo del monarca. Comienza así esta farsa musical, esculpida con, también absoluta, precisión por Juan Ramos Toro (YLLANA) y RON LALÁ, donde lo histórico y lo actual conviven la mar de bien, tanto que parecen venir las ideas de una misma fuente de sabiduría. Dos horas de función se ven amenizadas, especialmente, gracias a la conexión de una intrépida reportera dicharachera (Ana Cerdeiriña), capaz de viajar entre siglos. O quizás el tiempo es el mismo…
Según el polémico Íñigo Ramírez de Haro, autor del texto, España no es una tragedia, es un sainete. Además de ser una palabra castellana con un sufijo gracioso, sainete deriva de saín. Y saín, según la RAE, es “grasa que con el uso suele mostrarse en los paños, sombreros y otras cosas”. Otras cosas como, por ejemplo, la Constitución. No por casualidad, Ramírez de Haro nos traslada al tiempo en que se gestó y parió ese libro gordo que, supuestamente, protege y preserva la libertad del pueblo y, como en este montaje, ha sido lanzado al suelo polvoriento del sótano ideológico español en repetidas ocasiones. No se le escapa al autor, faltaría más, la ironía histórica y aparece en todo su esplendor Pepa La Malagueña (Paula Iwasaki), una salerosa prostituta andaluza cuyos vientos bebía el monarca que calzó su trono con el homónimo, aunque gaditano, documento.
Más de una década después del escándalo que removió con “Me cago en Dios” desde el escenario del Teatro Bellas Artes de Madrid, el célebre cuñado de Esperanza Aguirre hace ruido de nuevo, esta vez en el antiguo Teatro del Príncipe, por sus dardos envenenados, por no dejar títere con cabeza, por disparar a matar, por ladrador y por mordedor, con el mazo dando en oídos necios, porque para oídos sordos, los de Goya. Y hasta eso cuestiona el XX Marqués de Cazaza que, ríase la gente, siempre anda caliente.
Quique Rojas
Tríptico de grafías en movimiento en Teatro Pradillo
Anoche se inauguró el ciclo Primavera 2015 en Teatro Pradillo con un tríptico en el que se reunió a tres de los creadores escénicos que han desarrollado un lenguaje personal desde sus inicios hasta hoy. Son tres veteranos en el universo de la danza, cada uno con su peculiar manera de entender la escena en movimiento.
Oscar Dasí con Ánima nos mostró unas hojas arrancadas del diario de trabajo sobre la última fase en la que está tratando de indagar sobre el vértigo al cambio, una pieza dialogada con el público.
Ana Buitrago con Boira, niebla en el cuerpo nos sumergió en su espacio atmosférico, cargado de penumbras donde las figuras están desdibujadas y cuesta sujetarlas en el paisaje de un cuerpo. Un trozo íntimo expuesto.
Mónica Valenciano con Impregnaciones en la Srta. Nieve y Guitarra volvió a deleitarnos con ese personal mundo de indiscutible sello donde una silla, un papel o una presencia intangible se convierten en la partitura perfecta para dibujar y escribir en el aire con su cuerpo. Si hay alguien en nuestro panorama de danza contemporánea a quién se le reconoce su lenguaje sin discusión es Mónica Valenciano.
Adolfo Simón
«El disco de cristal» de Secun de la Rosa en el Teatro Lara
Secun de la Rosa se lanzó a dirigir una obra más intimista después de haber escrito «The Hole» y haber dirigido «Hoy no me puedo levantar». Se inspiró en El Zoo de Cristal de Tennessee Williams para trasladarnos las situaciones personales de desencanto con la vida e incertidumbre desde el universo íntimo de su personaje: Tommy Tomás, un antiguo cantante melódico al estilo de Nino Bravo, Pablo Abraira, Danny Daniel…y un largo etcétera. Cantantes que obtuvieron el éxito con un single o dos y se quedaron en eso. Cantantes condenados a repetir ese éxito eternamente en bolos mal pagados hasta morir…aunque sea en el peor antro del barrio. Un personaje que intenta conseguir que sus hijos lleguen donde él no ha podido llegar…
Una comedia bien contada, con una escenografía sencilla pero suficiente, con toques kitsch y con una carga dramática intensa y con unos jóvenes actores que acompañan a Secun y que se renueva en el Teatro Lara, donde podemos volver a disfrutarla.
Luis Mª García Grande.
Dignidad de Ignasi Vidal en la sala negra del Teatro del Canal
Un viaje a las entrañas de la política, que traslada a los espectadores a un despacho de cualquier partido político. En él, dos hombres, cerca de alcanzar el poder, tras años de dedicación a la política, ponen al descubierto sus deseos, ambiciones, ilusiones y miedos. Lo que en un primer momento es una distendida reunión improvisada, acaba convirtiéndose en un tenso intercambio de reproches. Ignasi Vidal está escribiendo un teatro accesible y comprometido, tanto en su anterior obra estrenada en Madrid, El plan como en Dignidad, aborda temas candentes que pueden interesar al ciudadano medio. Aquí, la trama es laberíntica y sutil, poco a poco nos va mostrando la cara oculta de aquellos que mueven los hilos de nuestra sociedad. La propuesta de Juan José Afonso es sencilla y se agradece, ha puesto el acento en el trabajo de los actores, el propio autor y Daniel Muriel, de este modo, entramos más a fondo en la psicología de dos personajes aparentemente inofensivos que finalmente muestran lo que verdaderamente les mueve en la vida.
http://www.teatroscanal.com/espectaculo/dignidad-teatro-ignasi-vidal/
Adolfo Simón
El extraño caso de la Marquesa de Vadillo de Teatro El Zurdo
El actor, teme siempre, quedarse en blanco en escena y por eso rememora una y otra vez, en su memoria, aquellos pasajes de la obra que ha de representar…¿Qué pasaría si en ese recuento aparecen pasajes de otras obras o momentos vividos en las interminables giras que se realizan para poder sobrevivir?. Esta podría ser la premisa de este montaje en el que a modo de puzle se van intercalando escenas de El extraño caso de la Marquesa de Vadillo con otras situaciones creadas o imaginadas alrededor de esta obra angular que ha deparado muchas satisfacciones a la Compañía a lo largo de su historia. Una pieza emotiva que homenajea a los cómicos de siempre y en este caso a los cómplices que durante años han hecho posible que este grupo fuese un núcleo familiar escénico que acercó el teatro hasta el último rincón de nuestra geografía.
Adolfo Simón
Supervivientes en Surge Madrid II
Liberté de Paco Anaya en el Teatro del Arte y Peces de Miguel Ángel Cárcano en Azarte nos mostraron una galería de personajes instalados en su intimidad como espacio combativo a través del cual intentar sobrevivir a el mundo hostil en el que viven.
Adolfo Simón
La Mirada del Otro en la Sala Cuarta Pared dentro de Surge Madrid II
La mirada del otro es el segundo montaje de la compañía, después del éxito de Proyecto 43-2, una obra que gozó de cierta difusión como muestra de teatro pedagógico. La obra presentada el pasado jueves 9 de abril en la Sala Cuarta Pared, dentro de la segunda edición del Surge madrileño, tiene una conexión temática directa con el primer montaje, y lleva a escena el programa que se realizó a finales de 2010 en la prisión de Nanclares, cuando unos presos de ETA mostraron su deseo de entrevistarse con los familiares de sus víctimas. Las grandes preguntas que plantea al espectador La mirada del otro es si tal diálogo es posible, y si puede llegarse al perdón en una situación así.
La compañía nos presenta tres personajes en escena: un etarra arrepentido, representado por un meritorio Pablo Rodríguez, la mediadora que hace posible tal entrevista entre verdugo y pariente de la víctima, encarnada por Ruth Cabeza, y María San Miguel, en el papel de hija de un concejal asesinado. Si el teatro mantiene ese estrecho vínculo con la realidad que lo convierte en una de las artes más vivas, Marta San Miguel (dramaturgia) y Chani Martín (dramaturgia y dirección), hacen que la realidad lo ocupe todo, ya que han optado por la versión más desnuda del hecho teatral, dejando fuera prácticamente cualquier juego dramatúrgico, sin permitirse más especulación que la simulación escenográfica de los espacios y algún volátil pasaje en el que la hija del concejal asesinado revive su niñez. Esta apuesta por la realidad de magnetófono es acertada la mayor parte del espectáculo, ya que le dota de la frialdad escénica apropiada para un tema tan crudo como el que trata, aunque puede parecer excesiva en momentos determinados de la representación, como si se asistiera a una reconstrucción de los hechos sin mayor aderezo.
La obra es un canto valiente al diálogo como única vía posible de tratamiento del conflicto, y una muestra tan directa como inteligente de cómo se puede tomar un material duro y trabajarlo en escena. La preparación del diálogo entre el arrepentido y la hija del político asesinado que arrastra un dolor sostenido durante catorce años está muy bien conducido, y han sabido distribuir de una manera inteligente el material que remueve las entrañas del espectador, apartando lo sensiblero o lo que conduce negatividad gratuita al espectador.
La Mirada del Otro volverá a la Cuarta Pared los días 7, 8, 9, 14, 15 y 16 de mayo, y es sin duda una recomendación para todo aquel que (como un servidor) guste del teatro que toma su inspiración a ras de tierra.
Rafael Ruiz Pleguezuelos
Carmen de Johan Inger para la Compañía Nacional de Danza
Cuando Johan Inger recibió el encargo de la CND, de montar una nueva versión de Carmen, siendo él sueco y Carmen una obra con un marcado carácter español, se encontró ante un enorme reto, pero también una gran oportunidad. Su aproximación a este mito universal tendría que aportar algo nuevo. Para ello, Inger decidió centrarse en el tema de la violencia, aproximándose a ella a través de una mirada pura y no contaminada… la de un niño. Ante un gran texto clásico o un mito dramático, lo mejor que se puede hacer, lo más inteligente, es no pensar que ya se ha hecho alguna versión de ese material. Es complicado abstraerse de una idea o referencia cuando se ha convertido en parte de la memoria popular de la gente. Pero hay que atreverse a ello o mejor no hacer un intento por releer lo que ya se considera ha sido escrito definitivamente. Para poder hacer esto hay que actuar como un niño, sin prejuicios, con ojos nuevos, aún a riesgo de equivocarse; en la creación hay que equivocarse e indagar, porque para hacer copias de copias, mejor tirar la toalla.
Resulta curioso que Inger haya elegido un niño como interlocutor de su versión de Carmen para con el público, tengo la sensación de que ese niño es también él, que de algún modo, mira al personaje con sorpresa, curiosidad y profundidad. Y al igual que el niño va creciendo durante el desarrollo de la pieza, el propio coreógrafo va siendo más contundente y atrevido en su lectura personal.
Muchas veces se piensa que hay determinados personajes o historias que no se pueden llevar al lenguaje de la danza, se cree complicada la traslación de la palabra al movimiento. En esta ocasión, se puede seguir sutilmente los acontecimientos de la historia de Carmen pero lo más importante es que esta Carmen se abre en canal para mostrarnos lo que está escrito entre líneas, profundizando en la cronología de los sucesos.
La obra empieza luminosa y juguetona para ir entrando en un laberinto oscuro, lleno de espejos que desdoblan las personalidades de los protagonistas, haciendo que tengamos la sensación de presenciar los sueños y pesadillas de estos seres, abocados al abismo del dolor como precio ante la imposibilidad de amar y ser correspondido.
Inger se ha rodeado de un equipo espléndido que le ha apoyado en la dramaturgia, el espacio escénico, la iluminación y el vestuario… Todo son piezas de un puzle imposible que termina encajando perfectamente. Y el elenco de bailarines realiza un trabajo fascinante, llenando cada movimiento de sensaciones que crean imágenes que se instalan en nuestro cerebro para no borrarse nunca más.
José Carlos Martínez está dando pasos cuidados para ir conformando un nuevo repertorio de la Compañía que será, con el tiempo, de los más sólidos de las compañías de danza europeas.
Adolfo Simón
Que Revienten los Artistas 
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