Staying alive de Camille Hanson en el Festival Ellas Crean en Conde Duque
Staying alive: the sacrifice of giants es un nuevo y original trabajo coreográfico de carácter ecológico a cargo de la compañía Camille Hanson, que combina danza contemporánea e imagen para sensibilizar a las personas sobre el comportamiento natural de los habitantes del mar, los cetáceos. Esta creadora sigue mostrando unos trabajos sencillos y honestos, nada en sus propuestas es gratuito y en este caso, ha sabido combinar el contenido de la pieza con la plasticidad de la misma, creando un universo onírico contundente.
Adolfo Simón
Nina de José Ramón Fernández en Teatro Guindalera
Todos hemos sido Nina alguna vez…o peor, seremos Nina en algún momento de nuestra vida. Aún revolotean en mí cabeza algunas imágenes del estreno de este texto de José Ramón Fernández en lo que todavía era la cafetería del Teatro Español antes de convertirse en la Sala II. Es lo que tiene de bueno el paso del tiempo, que el disco duro de la cabeza va acumulando información. Las comparaciones son odiosas y no creo que tenga sentido comparar aquella propuesta hiperrealista con esta que juega a eso que tan de moda está ahora en los escenarios y que nunca se termina de saber si es una elección estética o una cuestión de producción, me refiero a «jugar al teatro dentro del teatro»…A mostrar el proceso más que el resultado. Aquí, hay un espacio único que contiene todos los elementos para llevar a cabo la acción o la no acción. Tengo la sensación de que estoy más a favor del texto en este momento, creo que vivimos un momento en el que entendemos perfectamente que Nina se haya convertido en un juguete roto del sistema y sin embargo, desde la propuesta actoral me llega más clara la idea del castigo a un personaje que no ha aceptado las reglas del juego por una rebeldía sin justificación profunda. Una propuesta dura que hay que digerir con templanza.
Adolfo Simón
Lover en el Teatro Lara
¿Quién ha dicho que los objetos no tienen emociones y sentimientos?…Los objetos guardan memoria entre los pliegues del cartón y la tela, acumulan imágenes y momentos de muchas vidas y al tiempo, tienen que vivir la propia en cada momento de su presente real. Anoche vi una exquisita pieza de teatro de objetos donde se soñaba, se viajaba, se sufría y se amaba. Si, los objetos también se duchan, se masturban y van a la discoteca…y al tiempo se vuelven peces o pájaros en un instante… Todos los martes de marzo a las 22 horas pueden disfrutar de esta micro delicia en el Teatro Lara. En escena está Marta Marco dirigida con fragilidad por Andrés Beladiez.
Adolfo Simón
«En el baño» en el Teatro Arlequín-Gran Vía
Es el 40 cumpleaños de Lu y sus tres mejores amigas, Coco, Marisol y Ángela han decidido hacerle el mejor regalo posible; una fiesta sorpresa de cumpleaños en la casa de su novio.
También para sorpresa aparece Carmen, La madre de Lu. A lo largo de una noche de fiesta donde se mezclan borrachera, descontrol, desencuentros y descubrimientos. Sin salir del cuarto de baño.
Las cuatro amigas se enfrentan a una noche de locura pero también a la verdad de su AMISTAD.
«En el baño» es una comedia contemporánea sobre cinco mujeres que se reúnen en la fiesta de cumpleaños de una de ellas, centrando la acción precisamente en ese lugar donde la intimidad está concentrada, fluye y a veces… puede estallar. Me refiero a la cantidad de noticias personales, secretillos y secretazos, cotilleos, sorpresas e improvisaciones que cada persona debe afrontar en su vida. Cinco mujeres muy diferentes en las que va a prevalecer la amistad se encierran en el baño y lo utilizan de improvisado confesionario, bañando sus confidencias con alcohol… y aquí comienza a fluir una comedia al más puro estilo almodovariano, con sus desencuentros, descontrol, descubrimientos y con una buena puesta en escena minimalista, una buena dirección que ha pensado en los toques de teatro contemporáneo muy acertadamente y una interpretación intensa y bien adaptada a la situación por parte de las actrices que se desatan y desbocan para alcanzar el nivel de locura necesario para dar esplendor a la comedia.
Luis Mª García Grande
«Déjame ser la sombra de tu perro» en La Nao 8
¡Damas y caballeros! Mesdames et messieurs! Ladies and gentlemen! Entre estos pobres pacientes míos, todos miembros de una desagradable subespecie, está la infeliz que la última madrugada llegó al hospital prácticamente desangrada. Y también quien la hirió. ¿Los demás? Son unos tristes neuróticos escogidos al azar por la producción de mi cabaret con la única finalidad de despistarlos a todos ustedes hasta que termine de contarles la historia…
«Déjame ser la sombra de tu perro» es un cabaret llevado a la locura dramatúrgica por su director y autor Daniel Dimeco.
Imaginen que entran en un espacio en el que siete personajes nos muestran sus heridas nacidas de la soledad. Una soledad que genera rabia, dolor, desesperación, … tanto que van a ser capaces de todo por recuperarlo. Pero además imaginen que todo esto se entremezcla en un cabaret frenético en el que las músicas hacen fluir los sentimientos más perversos, eróticos y ocultos… Una labor árdua para unos actores muy bien formados, con capacidad dramática y que saben sacarle jugo a la historia que se nos quiere contar: una historia desestructurada, como sus personajes, con brotes de cierta locura, de desvarío y que a veces hace que perdamos el hilo argumental y nos descoloquemos para volver a seguirla, una historia que se presenta interesante, en la que hay instantes dramáticos fuertes y además el nuevo espacio de La Nao 8 se presenta idóneo para este tipo de obra. Un espacio versátil, recién estrenado, con una estructura de viejo sótano de edificio y con varias puertas que permiten una distribución fluida de los actores que visten al cabaret, y que han sabido explotarlo bien.
Luis Mª García Grande
‘ELEGY’: TEATRO DE AMOR, PÉRDIDA Y EXILIO
Una obra de teatro sobre refugiados, el amor y la pérdida en Irak. Dirigida por Carlos Alonso Callero con Andrés Requejo a partir de un texto de Douglas Rintoul. Ayer, abría el sumario de muchas noticias el asesinato y tortura de un homosexual en Oriente Próximo. Si el teatro no está atento a la realidad, pierde su sentido profundo. El domingo vi una función sencilla, llena de poesía escénica y de valentía dramática. Elegy ha estado en varios teatros de nuestra ciudad y espero que sigan programándola y les sugiero que cuando la vean en alguna cartelera, acudan a verla, no les defraudará. Tiene el sentido trágico y ético que el teatro busca desde sus orígenes en Grecia. Y hoy, no es fácil encontrar una pieza en la que lo pequeño se vuelva en algo tan grande en nuestro imaginario. Hay teatros que suben y bajan grúas o desmontan patios de butacas para no contar nada, aquí, con una silla, una historia honesta y un actor en estado de gracia, nos hizo volar por encima de los focos hacia la emoción y la conciencia social.
Adolfo Simón
«Constelaciones» en el Teatro Lara
Imaginen que pudieran repetir ciertas cosas que les han sucedido en su vida y darle un nuevo matiz, una nueva orientación. Esas situaciones donde después hemos pensado: qué mal lo he hecho, ahora lo haría así… Situaciones que, incluso, nunca han existido realmente, solo en nuestra cabeza. Constelaciones nos habla de nuestras relaciones, del amor y de la posibilidad de repetir una misma escena infinitas veces pero con distintos resultados…una cuestión de física cuántica, al fin y al cabo…
Nick Payne nos introduce en un mundo desconocido a través de su obra, un mundo imaginario y un entramado dramatúrgico que juega con el trabajo actoral de interpretación y que ofrece una golosina a directores y actores porque les da la posibilidad de expresar registros infinitos en una sola actuación. Fernando Soto se ha lanzado a la montaña rusa emocional que supone dirigir esta obra con soltura y muy buen resultado.
Fran Calvo e Inma Cuevas, reciente premio de la Unión de Actores como actriz secundaria, se lanzan al abismo que crea este texto con una total naturalidad y soltura que demuestra sus tablas y que hace brillar como estrellas a los personajes que deambulan por el universo de las emociones y del amor.
Una propuesta poética, luminosa y creativa que nos provoca una excitación de nuestra mente y que se ha prorrogado otro mes en el Teatro Lara, para que puedan salir a volar por el universo interestelar de las emociones.
Luis Mª García Grande
Díptico de listos en Microteatro por dinero
Hacía tiempo que no me acercaba a las pequeñas dependencias escénicas del Microteatro por dinero, han añadido un telón rojo que franquea la entrada a todas las salas que da más calor teatral al lugar… Esta noche he disfrutado de dos piezas disparatadas bajo el lema de «Por listo»
No sin mi escaño de Miguel Catarecha
El diputado Luis León Gutiérrez lleva diez días encerrado en el Congreso porque no quiere dejar su escaño. Lourdes Pérez, reportera del Canal 8, es la única que tiene acceso a hablar con él…De este encuentro surgirá la cara oculta que todos tenemos y que aparece cuando nos dan a elegir entre honestidad y dinero. Marta Navarro y Zoe Sepúlveda juegan con precisión el asalto ético.
Normal dirigida por Chiqui Carabante
Dos amigos intentan convencer a un tercero, de que no está bien ir dando besos a todo el mundo por la calle…¿Es de locos dar besos al tún tún?…¿O los locos somos los que frenamos cualquier impulso afectivo ante los demás?. Varios equipos de actores rotan para mostrarnos esta revelación a través de los besos…Vito Sanz, Font García, Juan Vinuesa, Silvia Rey y Estefanía de los Santos.
Adolfo Simón
Líbrate de las cosas hermosas que te deseo en Cuarta Pared
Hay una imagen de Joseph Beuys que me persigue desde hace mucho tiempo, el artista está sentado en una silla extraña con una liebre en los brazos. La última foto que aparece en esta pieza multiforme que se ha estrenado en Cuarta Pared, me llevó inevitablemente a aquel recuerdo, a las emociones que sentí ante la desolación de aquel hombre con un ser frágil abrazado a su pecho. Creo que María Velasco ha escrito un viaje vertiginoso entre el presente y las contradicciones de una mujer de este tiempo, una mujer marcada a fuego por recuerdos y retazos de memoria. Un caos dramatúrgico en el que ha investigado dentro del espacio ETC de Cuarta Pared. A ese pulso entre culturas que ha mantenido la autora con honestidad, se ha sumado Jorge Sánchez para trazar líneas y discurso escénico que mantengan la simbiosis de estas texturas escénicas. Un espectáculo de búsqueda y complejidad técnica.
Adolfo Simón
Títeres y malabares para los pequeños de la casa
Este fin de semana hemos podido disfrutar de dos propuestas muy diferentes para el público familiar. Por un lado, en el Teatro Rialto se ha estrenado Pinocho, el musical. Una nueva versión del cuento adaptado a la actualidad con canciones pegadizas y bailes divertidos. Y en Cuarta Pared…Mobil, un espectáculo que aunaba música, clown y malabares. Decididamente, tiene más variedad la cartelera infantil que la de adultos. Hay de todo como en botica y para todo tipo de paladares.
Adolfo Simón
Los cuentos de la peste de Mario Vargas Llosa
Hace años, salió publicada en la prensa una noticia en la que se informaba sobre un grupo de niños y sus profesores que habían sobrevivido, durante días, en un refugio, a los bombardeos de una de las tantas injustas guerras que pueblan nuestro mundo. Scheherezade salvó su vida contando cuento tras cuento para que el tirano no la ejecutase en las Mil y una noches. Los cuentos siempre son un vehículo para imaginar y crecer en la vida. En este maratón que está siendo la escenificación de la obra teatral del Premio Nobel Mario Vargas Llosa, le ha tocado el turno a Los cuentos de la peste, una excusa literaria para que se expusieran en escena una serie de historias burlescas o jocosas. Protegidos en un palacio, unos personajes sobreviven a la peste a través de narraciones fantásticas, la muerte acecha pero la imaginación podrá con ella. Esta idea, sobre el papel podría haber sido muy interesante, en escena, con todo el patio del teatro levantado sin una razón de peso que lo justifique, se desgranan las historias, en las que, los momentos más sugerentes son aquellos en los que la pareja de jóvenes actores dan vida y ritmo a la obra.
Adolfo Simón
Naranja azul de Joe Penhall en Teatro Guindalera
Naranja azul (Blue/Orange) es un texto del aclamado dramaturgo y guionista británico Joe Penhall. Se estrenó en Abril de 2000 en el National Theatre y fue galardonado con el Olivier Award a la Mejor Obra Novel 2001, el Evening Standard a la Mejor Obra 2000 y el Critic´s Circle Award de Nueva York a la Mejor Obra Novel 2001. La recién creada Compañía Cronopios ha puesto en pie este texto en castellano, en una propuesta sencilla, haciendo hincapié en el combate de boxeo dialéctico que se establece entre dos médicos con ideas diferentes sobre la utilidad y uso de la medicina. Entre ellos, un joven negro que se convierte en el conejillo de indias para el juego perverso donde lo humano queda desplazado a un lugar sin prioridad, ganando la batalla los intereses creados. En un momento como el que estamos viviendo en este país, donde el ciudadanos de a pie está perdiendo todos los derechos fundamentales, hablar de estos temas en un escenario es importante y necesario.
Adolfo Simón
Hey Boy Hey Girl / La Joven Compañía Teatro electroquímico a partir de «Romeo y Julieta» de Jordi Casanovas en el Conde Duque
La Joven Compañía ha presentado la segunda producción de la temporada en Conde Duque tras recibir el Premio Ojo Crítico de Teatro 2014 de Radio Nacional de España. Esta obra ha sido un encargo a Jordi Casanovas que, a partir del Romeo y Julieta de Shakespeare, ha presentado una reflexión sobre los estereotipos y la imagen de los jóvenes españoles en los medios de comunicación. Tal vez, si hubiera que poner un pero a esta versión de Casanovas es haber dejado de lado muchas de las líneas dramáticas que, en el original, nos muestran las claves de por qué los jóvenes actúan de ese modo caótico y suicida. Aún así, de nuevo, conectan con el público más difícil, el adolescente, consiguiendo llenar el teatro y hacerles disfrutar del arte de Talía.
Adolfo Simón
«PRISCILLA, el Musical», en el Nuevo Teatro Alcalá
Hace unos días Belén Esteban dividía a la raza humana en hombres, mujeres y maricones… se olvidaba de varias categorías muy importantes,… entre ellas las Drag Queens. Pero aquí ha llegado el viejo autobús escolar rebautizado «Priscilla» para poner las cosas en orden. Para devolvernos la sensibilidad y el sentido común en este mundo de locos y de locas, para soñar con que algún día no habrá categorías y todos bailaremos los grandes éxitos de la música disco bajo el mismo cielo. Esto es lo que nos demuestra «Priscilla», que existen vidas y que todas tienen los mismos derechos y los mismos sentimientos y que todas se levantan a bailar «I will survive» con una alegría desbocada, que puede haber peligrosas Drags que pelean con rudos mineros, y que saben cuidar de sus hijos como el mejor de los padres, que es necesario tener el valor de coger un viejo autobús y recorrerse media Australia para cumplir con tus sueños.
Simon Phillips, el director, ha sabido plasmar, con prudencia, como él dice, el alma de la película escrita por Stephan Elliot y Allan Scott, imaginando ese desierto y creando escenas e interpretaciones que brillan con luz propia, incorporando unas divas voladoras que le dan más entidad al espectáculo y que se entremezclan en la historia otorgándole más glamour aún. El elenco español es excepcional, con actores curtidos en el musical y en el que no desentona ni un secundario. En nuestra visita vimos a José Luis Mosquera y a Víctor González exultantes en su papel e imaginamos que así también estará Mariano Peña y Christian Escudero.
Sin duda «Priscilla» es el mejor musical que se puede ver ahora en España, por su elenco, por su vestuario, escenografía y gran producción, y no está en esa «Gran Vía Madrileña» está algo apartado, pero rompiendo taquilla. Es indispensable verlo y pasar una noche mágica en ese desierto australiano para darnos cuenta de que lo que nos rodea es prescindible cuando suena una buena canción y tenemos a mano una buena plataforma a la que subirnos. Y esto es debido a que está muy bien montado, a que los actores, cantantes y bailarines son excelentes y a que es un pedazo de guión mezclado con grandes éxitos como en una jukebox que hará sacar a la luz todos nuestros sentimientos. Hay musicales basados en películas que están bien, pero Priscilla no defrauda y se ha vengado de ese bajo presupuesto que tuvo el film australiano para derrochar toda la pluma, lentejuela, strass, y brillantina que ha querido sin dejar de lado la poesía.
Luis Mª García Grande
El público de Federico García Lorca en el Teatro Real
Siempre es una buena noticia que se estrene una obra lírica española y más si está inspirada en un texto como El público. Cuentan que cuando Lorca le enseñó a Dalí su poemario del Romancero Gitano, el pintor, le hizo una crítica tan destructiva por lo popular de la obra que el poeta entró en crisis y se marchó de viaje a América. De ese viaje volvió con unas experiencias transformadoras y quedó constancia de ello en Poeta en Nueva York. Su obra ya no volvió a ser la misma, ya estaba escrita en otro papel y con otra tinta. El surrealismo se alojó en su cabeza y de ahí surgieron sus piezas más transgresoras y modernas; si Lorca no hubiera sido asesinado, habría sido el precursor de muchas corrientes dramatúrgicas que marcaron la segunda parte del siglo XX. El silencio que instauró la dictadura española hizo que su obra quedase dormida durante décadas. El propio Lorca no quería que El público viese la luz; seguramente era consciente de lo adelantado que era este texto para su tiempo, aún hoy, es un misterio para muchos y hay que ser muy atrevido para enfrentarse a él. Pero hay que intentarlo, El público no puede quedarse sin subir el telón. En la ópera que se estrena en el Teatro Real hay todos los medios y elementos necesarios para hacer una gran obra de arte. Tal vez se ha pecado en la primera parte de permitir que la obra se sumerja en algunos pasajes con aroma flamenco, no sé si Lorca reconocería esos rasgos en su texto. La segunda parte vuela mucho más y la puesta en escena salta a otras dimensiones plásticas y poéticas, más libres y abstractas. Aún así, un equipo espléndido se deja la piel en todos los frentes de este monumental proyecto que deja constancia que nuestros artistas pueden acceder a los templos internacionales de la opera.
Adolfo Simón
Canícula del Colectivo La casa en el árbol en Cuarta Pared
Vicente Colomar y el colectivo La casa en el árbol llevan a escena este detallado y rico retrato familiar escrito por Lola Blasco. El teatro contemporáneo sobre el papel necesita propuestas enloquecidas para que conecten con el espectador. En esta ocasión, el tercer proyecto surgido de ETC de Cuarta Pared se presenta y consigue que los laboratorios puedan seguir su curso de desarrollo para convertirse en producción escénica.
Luis García Grande
El amigo de mi hermana en Nave 73
Una historia de pequeños sentimientos y minúsculas emociones en la que se habla de la vulnerabilidad de las personas, del amor, de la amistad y de hermanos y hermanas. La desaparición de una persona obliga a los seres que había a su alrededor a recomponer el puzle de sus vidas; en la jugada, siempre se pierde y se gana. Un espacio sugerente realizado con palets de madera genera los espacios donde los personajes se reinventan con música de fondo.
Adolfo Simón
El cubo libre en Titerescena
El cubo libre es un encuentro entre la música, el teatro de calle y teatro de objetos. Un montaje donde cuatro personajes giran en torno a un cubo negro que se transforma en una espiral de imágenes surrealistas y poéticas acompañadas de música en directo. Dos chaquetas cobran vida para contarnos su trágica historia de amor, un guitarrista virtuoso enmaraña sus cuatro manos al ejecutar un tango, un músico enano nos introduce en la danza de dos extraños bailarines…Un espectáculo sencillo que provoca sensaciones inquietantes en el espectador.
Adolfo Simón
Tomorrow’s Parties (Las fiestas del mañana) de Forced Entertainment en el Teatro de la Abadía dentro del Festival de Otoño a Primavera
Pioneros del teatro europeo de vanguardia, los británicos de Forced Entertainment visitan el Festival de Otoño a Primavera por segunda vez tras el éxito de Quizolaa! en 2010. El espectáculo que Forced Entertainment ha presentado en España: Tomorrow’s Parties (Las fiestas del mañana), imagina una multitud de hipotéticos futuros para ello. Dos intérpretes, bajo unos farolillos de colores, como si de una extraña atracción de feria se tratase, esas en las que los charlatanes vaticinan el futuro, estos intérpretes, especulan sobre lo que ocurrirá en el mañana. Explorando visiones utópicas, escenarios de ciencia ficción, pesadillas políticas y fantasías absurdas.
Me encontré, camino del teatro, con un compañero de la profesión y me dijo…»Buah!…Te vas a aburrir, ayer estuve en el estreno y no me podía creer lo que veía: Dos tipos hablando sobre un palet, diciendo lo que todos ya sabemos». Menos mal que no le hice caso, cuando me dicen estas cosas, tengo más ganas de ir al teatro, para comprobar si es cierto o no. Es curioso comprobar cómo se pueden hacer lecturas tan diferentes de una misma propuesta. Es verdad que toda la obra transcurre con esos dos personajes subidos a esa especie de balsa que les tiene perdidos en el tiempo y el espacio, también es cierto que solo proponen hipótesis sobre el futuro. Pero esa constante verborrea iba creando una especie de bucle intelectual que generaba mil imágenes y sensaciones en mi cerebro. Pasé por todos los colores del arco iris…Sentí horror, pánico, fragilidad, impotencia… Creo que todavía nos cuenta distinguir cuando hay una propuesta contemporánea y cuando nos dan gato por liebre, aquí había un trabajo portentoso.
Adolfo Simón
¡Ay! de Eva Yerbabuena en las Naves del Español
Eva Yerbabuena da un nuevo salto vertiginoso de riesgo en su carrera, con este Ay!, sonido del quejío que transforma en grito de tragedia griega. Asistimos a un ritual realizado desde la contención y el gesto mínimo. No hay aspavientos ni desmesura, desde el principio en el que atraviesa la luz cenital como entrando en el círculo de lucha hasta el recorrido que realiza durante la obra, por la cotidianeidad deformada de los elementos habituales en el espacio vital de la gente…una silla, una mesa…Todo está medido y elaborado con precisión dramatúrgica. Y detrás, el coro duro de hombres que cantan y tocan para que ella luche con los fantasmas de la intolerancia y busque la salida del laberinto. Un trabajo honesto, esencial y de trazos puros. Una obra llena de emociones amordazadas. Un espectáculo que no se evaporará fácilmente de la memoria de los que lo vimos.
Adolfo Simón
La sesión final de Freud de Mark St. Germain en el Teatro Español
De la escena hacia el interior del teatro, todo es truco y mentira…con estos elementos se consigue crear, en la mente del espectador, todos los paraísos imaginables. El actor sabe que trabaja entre paredes de papel y un suelo de cartón pero es capaz de transformar esa irrealidad para que la historia sea contada, donde no puede haber mentira es en el patio de butacas, el público es necesario que no esté pintado o desconectado porque la magia de la escena se evaporará. Ayer, en la función a la que asistí, Helio Pedregal tuvo que interrumpir la función porque un espectador se dormía en la primera fila…No somos conscientes de que el teatro es un ritual entre dos, actor-espectador y que si uno falla, todo el castillo imaginario se derrumba. Aún así, pudimos ver un duelo interpretativo inquietante, el que realiza el propio Helio junto a Eleazar Ortiz, gracias a ese pulso, asistimos al debate entre C.S. Lewis, con su vitalidad y optimismo, un hombre que está en su momento profesional más álgido y Freud gravemente enfermo y desencantado que encara la recta final de su vida. Este pulso entre estas dos personalidades tan fuertes, se enmarca en un momento histórico tan dramático como el comienzo de la Segunda Guerra Mundial…Y suspendida en el aire, quedó una sensación extraña…¿Esto ocurrió hace medio siglo o ayer?.
Adolfo Simón
Lady, be good! & Luna de miel en el Cairo en el Teatro de la Zarzuela
Un programa doble que nos ha permitido viajar de Nueva York a Madrid con el sabor ligero de la comedia musical. En la primera parte se estrena en España la comedia Lady, be good!, de los hermanos Gershwin y en la segunda, se escenifica la revista Luna de miel en El Cairo del maestro Francisco Alonso. Por momentos, podemos estar en el estreno de un musical en pleno corazón del Broadway neoyorquino, disfrutando de una obra montada al más puro estilo de musical americano… Elegancia, juego y buena música, pero también podríamos estar en unos estudios de cine en Hollywood donde se está rodando un musical que recupera la estética de las películas más representativas de este género. Y tras ese estreno en un teatro o en la parte de atrás de ese hipotético rodaje, podría estar ensayándose la próxima comedia o película, en este caso, la presentación internacional de un autor español que escribe historias y música muy alejadas de la caspa y naftalina habitual. Así, entre decorados de Egipto y trastienda escénica, las dos historias se ensamblan perfectamente, salvo que una es en inglés y la otra en castellano, no hay nada que las diferencie, ambas tienen los mismos interesantes ingredientes que, jugados en esa hipótesis dramatúrgica, nos lleva en volandas del Nilo a New York o a Madrid…Del musical a la opereta y de esta al aroma de la revista española… Todo fluye y todo se ensambla en ese espacio escénico que nos muestra lo fascinante del teatro y lo que ocurre entre cajas, tras el telón del escenario…Una oportunidad única para conocer como se inicia el boceto de un espectáculo y como llega a las últimas pinceladas. El artífice de todo esto es Emilio Sagi que ha ideado y dirigido la versión escénica con una escenografía, vestuario, luz y coreografía que consiguen grandes niveles de locura y bellas formas; sin olvidar que el reparto, que está excelente en todos sus cometidos. Kevin Farrell aporta la estupenda dirección de la orquesta a este programa doble que podría parecer imposible sobre el papel pero que en escena funciona sin fisuras.
Adolfo Simón
Un cuento de Invierno de Shakespeare en Nave 73
Ocho actores dan vida casi a una veintena de personajes; intérpretes que no sólo juegan diferentes registros y estilos, sino que generan el espectáculo desde dentro, “sin trampa ni cartón”: parte importante de la luz, el sonido, el vídeo incluso, se realiza y crea en directo… y en ocasiones con la colaboración del público. ¿Qué mejor vehículo que el teatro isabelino en el que público y actores convivían imaginativamente bajo el mismo sol… o la misma lluvia, sin apenas efectos teatrales?. En Nave 73 se está presentando la versión de esta obra realizada por Carlos Martinez-Abarca. La pieza comienza áspera y liviana pero poco a poco va creando una telaraña compleja, dramatúrgicamente hablando, donde la psicología y complejidad de los personajes, en la piel y el juego escénico que crean los actores, van construyendo la trama que el autor quiere transmitirnos a través de este filosófico cuento. Una propuesta en la que se da la mano el clasicismo y la contemporaneidad.
Adolfo Simón
Perrita china de Amalia Fernández y Nilo Gallego en La Casa Encendida
La música que evoca la sola visión del instrumento musical. La música que imaginarías viendo un concierto con los oídos tapados. La música ante la cual dirías: ¡eso no es música! La música indiscutible. La música que cierto tipo de atención crea a partir de una secuencia de ruidos. La música como un orden de cuerpos y objetos en el espacio. La música que vive en el corazón de cualquier cancioncilla. Una propuesta performática en la que los intérpretes usan sus habilidades expresivas para realizar anti-música, creando sonidos y atmósferas sugerentes.
Adolfo Simón
Que Revienten los Artistas 
Debe estar conectado para enviar un comentario.