CENICIENTA y las ZAPATILLAS DE CRISTAL en Cuarta Pared
Dos bailarinas dramatizan con danzas, zapatos, sombreros, vestidos, títeres y otros objetos el cuento clásico de Perrault. Cenicienta es una joven huérfana que se ve obligada a ser la sirvienta de su madrastra y hermanastras. Un día llega una invitación para una gran fiesta que ofrecerá el Príncipe. Cenicienta ve una oportunidad de ser capaz de sentir como las otras chicas de su edad. Con la ayuda mágica de su hada madrina puede ir al baile. A las doce de la noche la magia termina y Cenicienta debe de abandonar precipitadamente la fiesta. En su huida pierde una zapatilla de cristal. El príncipe, que se ha enamorado de ella, comienza a buscarla por todo el mundo…Lo más sugerente de esta propuesta es el cruce entre danza y teatro de títeres ya que consigue momentos donde no se narra el cuento con palabras pero se hace a través de objetos o movimiento expresivo.
De la Compañía Luna Teatro Danza
en el Ciclo Pablo Vergne.
QRLA
Flamenco en Vallecas en la Taberna flamenca «El Cortijo»
En Vallecas siempre ha habido tradición flamenca y ahora se amplía la oferta con la Taberna flamenca «El Cortijo», situada en el metro Portazgo, en los bajos del Mercado de Nueva Numancia.
La dirección y el alma de la taberna corren a cargo de La Rubia de Vallecas y Caro Fernández que, con su don de gentes y su salero y alma acogedora, se han sabido rodear de excelentes artistas flamencos para ofrecer actuaciones todas las semanas dignas de los mejores tablaos. Además su cocina ofrece una carta a la andaluza que nos permite degustar platos y viandas típicas, a buen precio y disfrutar de una noche con buen ambiente y un servicio de mesas muy atento y que te recomendará lo mejor de la casa. El sábado pasado pudimos disfrutar del arte de Miguel Cañas, maestro puntero de nuestro flamenco más actual y de Caro Fernandez, bailaora con alma y gran expresión jonda y la Rubia de Vallecas también al baile. Por sus tablas han pasado también nombres importantes como «Anita de Cádiz», María Keck, Sara Ramos, Amelia Vega, o Miguel Téllez y un largo etc…
Entre semana ofrecen clases de flamenco y el espacio para grupos de baile que quieran ensayar ya que poseen un amplio salón y la infraestructura adecuada para poder impartir y extender más el Flamenco por el barrio.
No hace falta salir del barrio para disfrutar de un buen toque, cante y baile y, también, para los que no viven en él, es necesario descubrir este nuevo espacio y pasar una buena velada en la mejor compañía.
Luis Mª García Grande
«Banqueros vs. Zombis» en el Teatro Galileo
El teatro interactivo ha llegado al público madrileño con este montaje de La Pitbull. Ustedes pensarán que eso ya existía… que romper la cuarta pared lo han hecho ya muchos artistas… pero romperla a través de una APP en el móvil del público, que es el que decide en parte, cómo va a transcurrir la historia que están viendo en directo y ver los resultados inmediatamente en el escenario… pues es innovador y la experiencia merece la pena experimentarlo en las propias carnes.
Pero les cuento un poco más… imaginen que se encuentra la solución definitiva a la crisis económica que asola al mundo, que en el futuro todos los que adquieren una deuda con el banco y no lo pueden pagar acaban siendo esclavos del mismo a través de una zombificación… Una pequeña inyección y usted se convierte en un trabajador al servicio del banco para pagar su deuda. Esta es la trama principal de la obra que nos llevará a plantearnos muchas reflexiones mientras tecleamos insistentemente en nuestro móvil para intentar cambiar el mundo, para manejar esos hilos invisibles de la economía y de los movimientos sociales.
Esta idea, surgida de esta crisis actual y del movimiento 15M, ha sido elaborada concienzudamente para que todo cuadre dramatúrgicamente a través de las nuevas tecnologías y con la participación «virtual» de muchas caras conocidas que nos van a guiar a través de la historia satírica y demoledora sobre el actual sistema económico y social que vivimos a través de un montaje escénico con un fuerte componente audiovisual.
Luis Mª García Grande
Así que levántense del sofá y dejen de ver ya The Walking Dead para vivir una experiencia estremecedora de verdad… la que podría ocurrir con sus propias vidas en un futuro ¿lejano?
«Los Modernos» con «Rómulo» en el Teatro Nuevo Alcalá
¿Si tuviera que elegir una propiedad única para definir a la especie humana, ¿cuál elegiría?… así comienza un librito sobre «El lenguaje humano» que todo filólogo hispánico debe haber leído y haber reflexionado sobre él… Y es que lo que caracteriza al ser humano es QUE HABLA, que razona y que puede recrear con ese lenguaje realidades completamente ideadas y externas…
Luego están los matices…es decir, hay personas que hablan y no saben ni lo que dicen, personas que por sus hijas ma-tan y luego están «Los Modernos». Esta pareja que ha conseguido llegar a manejar el lenguaje y el habla como un rompecabezas, moldearlo a su forma y con ello divertirnos, hacernos disfrutar, trasladarnos a otros planetas llenos de poesía, cabaret,humor, descaro, ocurrencias, orgías y sensatez, entre otras muchas cosas. Los modernos salen con sus trajes-chaqueta-faralaes-aterciopelados y nos meten una inyección de adrenalina en el cerebro que hace que salgamos sobreexcitados mentalmente entre juegos de palabras, canciones absurdas e historias estrafalarias con final feliz. ¿Qué tiene que ver Rómulo con Christian Dior? Eso lo tienen que ir a descubrir ustedes una noche al Nuevo Alcalá. Imprescindibles, inenarrables, indescriptibles… y modernos de verdad.
Luis Mª García Grande
Ne m’oublie pas (Forget me not) de Philippe Genty en los Teatros del Canal
Con Ne m’oublie pas (Forget me not), espectáculo que se ha presentado en los cuatro rincones del mundo desde su estreno en el Teatro de la Ville de París en 1992, Philippe Genty ofrece a su público uno de sus espectáculos más bellos que ha creado. Para esta recreación, Philippe Genty y Mary Underwood emprendieron un intenso trabajo de reescritura y se rodearon de nueve actores de la Escuela de teatro gestual de Verdal en Noruega. Nos ofrece aquí una odisea visual en la que actores y marionetas de tamaño humano se confunden y se mezclan, en los magníficos entornos nórdicos. Magritte es uno de los pintores más interesantes del siglo XX, todos sus cuadros son ensoñaciones, en ellos, los hombres con bombín vuelan por las nubes…Philippe Genty parece haberse inspirado en la obra de este artista para llevar a cabo su espectáculo Ne m´oublie pas, solo que un cuadro es una imagen fija en la que la imaginación del observador ha de dar movimiento a lo allí pintado. Genty, en cambio, da vida a todas esas pesadillas o sueños que recordamos a veces al despertar. Todo fluye en la escena de manera mágica, como si estuviese suspendido en el aire. Lo seres vivos y los inanimados se conjugan magistralmente en este universo imaginario que se desarrolla con asombro ante nuestros ojos. http://www.teatroscanal.com/espectaculo/ne-moublie-pas-philippe-genty/
Adolfo Simón
El reportaje de Santiago Varela con Federico Luppi en Los Teatros del Canal
Un ex militar argentino que participó en la represión estatal durante la dictadura, hoy en la cárcel, acepta una entrevista para un reportaje televisivo sobre su participación en el incendio del teatro El Picadero, que ardió una noche de julio de 1981. Cuando en un país se impone una dictadura, lo primero que se hace es cerrar los teatros…¿Por qué será?…¿Cuál es la razón para callar la boca del espacio vivo donde se expresa un pueblo?. En la Dictadura Argentina también se atentó contra artistas, haciéndoles desaparecer, matándoles…y contra lugares emblemáticos como el Teatro El Picadero que fue destruido. El reportaje permite que conozcamos a fondo cómo ocurrieron aquellos hechos y sobre todo, la intolerancia de los que asaltaron la libertad de pensamiento de aquel país. Federico Luppi hace un trabajo magistral en esta pieza, por muchas razones, porque él está muy lejos de ese personaje que interpreta porque fue una de las víctimas de aquel tiempo y porque sin justificarle, le da veracidad profunda, para que podamos entrar en la psicología y absurdo de las mentes de los torturadores. Una pieza de teatro documento ficcional que nos ha de ayudar a seguir alertas ante el abuso que, en ocasiones, se hace sobre la cultura y la libertad.
http://www.teatroscanal.com/espectaculo/el-reportaje-federico-luppi/
Adolfo Simón
Historia de un cuadro de Alfonso Zurro en el Centro de Arte Fernán Gómez
En pintura hay un término que se llama Pentimento y que sirve para denominar ese momento en el que un cuadro empieza a perder capas de pintura y aparecen otros momentos del proceso de creación del pintor… No se sabe si corresponden, esos trazos ocultos, a errores o a ideas desechadas. En Historia de un cuadro de Alfonso Zurro que también la ha dirigido, hay un proceso estructural en la pieza muy interesante, es como si se realizase un pentimento sobre un cuadro que debió pintar El Greco desde el momento, en el siglo XX, en que se pretendió destruir por obsceno hasta el origen y razones por las que se pintó…Así, realizamos un viaje hacia atrás en el tiempo, como quitando capas del periplo vital del cuadro, conociendo así, todas aquellas manos por las que pasó el lienzo y el juego de poder que estableció en cada momento o estamento social al que perteneció. En un breve epílogo, descubrimos al final, un encuentro curioso entre dos personajes históricos, queda saber si fue real o no. Otro elemento curioso, en la propuesta escénica, es el uso de unos paneles móviles que ocultan trozos de algunos cuadro del Greco, poco a poco van invadiendo la escena, consiguiendo llenar de color y luz el escenario en el último acto de la obra. Tres actores espléndidos: Roberto Quintana, José Manuel Seda y Manolo Caro dan vida, con credibilidad, a todos los personajes necesarios para contar esta historia.
Adolfo Simón
De viajes y sueños para público familiar
Los fines de semana sigue siendo un buen momento para disfrutar del teatro en familia…
LA DISTANCIA DE LA LUNA
En Nave 73 vimos a cinco personajes que navegaban hasta el punto en el que la luna llena se sitúa más cerca del mar. En uno de los viajes algo cambiará el curso de sus vidas…Una historia mágica, cómica y surrealista, que nos transportó a un mundo onírico y delirante en el que todo era posible. Basada en un cuento de Italo Calvino, realizan una propuesta de teatro físico-clown muy sugerente gracias a los efectos que consiguen al transformar elementos sencillos en poética escénica.
PINOCHO Y MEDIO
En esta versión han intentado alejarnos de los tópicos más comunes que giran en torno a la figura de Pinocho, ya no es un mentiroso compulsivo a quien le crece la nariz por sus mentiras, ni es un títere desobediente que recibe una serie de castigos por su comportamiento. Tampoco es convertido en un niño de verdad como recompensa a su buena conducta. En la adaptación que ha hecho la Compañía El Retablo en Cuarta Pared se centran en el mundo de las emociones y de los sentimientos, de los sueños y de los recuerdos. Una propuesta de diferentes técnicas de guiñol para contar esta mirada al corazón de madera del personaje.
ADOLFO SIMÓN
«El Crédito» vuelve al Teatro Maravillas
De nuevo tenemos la posibilidad de ver a dos grandes de la escena luchando como titanes sobre las tablas: Carlos Hipólito y Luis Merlo se ponen al frente de esta obra de Jordi Galcerán, conocido por otros éxitos como El Método Grönholm». El crédito nos habla de una situación que casi todos hemos vivido en algún momento de nuestras vidas: ir al banco a pedir un crédito. En los tiempos que corren cada vez se deniegan más peticiones de este tipo, e incluso, se está convirtiendo en un lujo poder disponer de uno… Luis Merlo, Antonio en la ficción, es el pobre incauto que va a ir a pedir ese crédito, un hombre normal y corriente con una necesidad económica urgente… Carlos Hipólito, el banquero perfecto, en su despacho perfecto y con una vida «perfecta» le indicará que no puede dárselo porque no tiene «garantías, avales»… Hoy no nos basta con ser buenas personas y tener palabra… hay que tener un aval… Ante esta situación hay dos opciones: marcharse con el rabo entre las piernas o… encontrar el punto de fisura necesario como para conseguirlo… Y hasta aquí puedo leer… que decía una famosa presentadora.
Tendrán que ir ustedes a ver por dónde se puede descomponer a un personaje perfecto y cómo se hace… y se hace muy bien, con maestría por parte de los actores y del director, Gerado Vera, que de eso tiene mucha.
La frescura de Carlos Hipólito y la manera de actuar, tan de los merlo-larrañaga, de Luis nos harán pasar una hora y media muy rápida e intrigante… y, a lo mejor, quién sabe, mañana se van ustedes a ver a su banquero de confianza y lo mirarán de otra manera.
Luis Mª García Grande
«Rinoceronte» en el Centro Dramático Nacional
Ernesto Caballero ha rescatado de nuevo esta obra del teatro del absurdo en una época social y política en la que nos puede sugerir muchas cosas. En palabras de Caballero, Rinoceronte es una fábula dramática acerca de la propagación y aceptación social del totalitarismo» Ionesco nos intentó explicar mediante su concepción de la vida «absurda» cómo podemos convertirnos en ovejas de un rebaño, en meros autómatas con tal de no asumir nuestra propia soledad y nuestras propias convicciones. En esta fábula las personas de una ciudad poco a poco se van convirtiendo en rinocerontes, porque es lo que se lleva, porque es lo más cómodo, porque lo hacen todos… y «cualquiera puede convertirse ahora en un robusto y vigoroso rinoceronte». Una situación absolutamente Kafkiana, pero en este caso referida a la sociedad y no a la persona en sí. Imagínense a cuantas situaciones se puede aplicar esto y qué vigencia tiene hoy en día.
Caballero ha pretendido seguir a Ionesco en su afán de creando situaciones escénicas que no tienen ninguna lógica y utilizando el lenguaje sin sentido alguno para poder resaltar el aislamiento y la extrañeza de los seres humanos. Para ello, durante el primer acto utiliza todo el teatro, y no sólo el escenario para que sus personajes circunden e invadan nuestro espacio también , provocando situaciones de inseguridad y desasosiego, más tarde va a centrarse más en el escenario, no sin renunciar a dos pasarelas instaladas en los laterales del patio de butacas por las que van a aparecer esos fantasmas rinocerontes creados para atraernos hacia el abismo.
Si bien el montaje escénico y escenografía de Paco Azorín pretende mantenernos en constante tensión, y cumple con este fin de una manera bastante firme, el texto sigue siendo algo farragoso, incluyendo escenas que a veces se hacen pesadas y redundan sobre la situación, escenas que pudieron ser más efectivas en su tiempo, pero que hoy en día necesitan algún retoque. A partir de la escena de la metamorfosis de Fernando Cayo, bastante conseguida y con un gran trabajo actoral y corporal del intérprete, la atención dramática va en declive. La que la trama empieza fresca y ágil pero luego se va ralentizando todo y espesando bastante y el acto final no consigue despuntar más que otras escenas. Aún así, merece la pena asistir a ver un Ionesco y sumergirse a pensar sobre nuestra existencia y la banalidad de adorar a ídolos.
Luis Mª García Grande.
VERmentiDAD de Acción Escénica Inclusiva Avatares en La Casa Encendida
El Teatro es un arte milenario, inmortal, que ha sobrevivido a la llegada de nuevas tecnologías y lenguajes como el cine, a crisis políticas y económicas, etc. Está por encima de las modas, es atemporal, universal, su poder transformacional lo convierte en algo esencial para la sociedad. La propuesta de la compañía Acción Escénica Inclusiva Avatares, en la que trabajan personas con discapacidad física, es una prueba fehaciente de ello.
Más de 80 millones de personas (alrededor del 16% de la población de la Unión Europea) tiene algún tipo de discapacidad. La tasa de empleo de este sector de la población asciende al 45% en la UE, siendo además uno de los grupos sociales más afectados por la crisis económica.
El 3 de Diciembre, Día Europeo de las personas con discapacidad, fue la fecha elegida para estrenar VERmentiDAD, una obra onírica donde personajes mitológicos como Medusa o una sirena y literarios como el doctor Jekyll y Mr. Hyde se mezclan con el mundo a pesar de sus diferencias. Juzgamos la apariencia externa y vemos lo que nos distingue en lugar de lo que nos une: el amor.
Las preguntas también nos las deberíamos hacer los profesionales de las artes escénicas: ¿Por qué no pueden interpretar personajes de Shakespeare, Lope, Calderón o Lorca actores con discapacidad? ¿Por qué es tan poco habitual ver una silla de ruedas en un escenario?
Pero como siempre, aunque el teatro viva del conflicto, la realidad supera la ficción. La calamitosa organización del Parlamento Europeo sólo habilitó sitio para dos personas en silla de ruedas en el auditorio dejando fuera al resto, que tuvieron que visionar la obra desde el patio en una pantalla… Y el terrible monstruo social que llamamos exclusión enturbió el acto el peor día posible.
Aún quedan muchas barreras por derribar…
Jorge Azcona
PREMIOS DEL PÚBLICO AL TEATRO MUSICAL “BROADWAY WORLD SPAIN 2014”
Este último lunes 24 de noviembre tuvo lugar en el Nuevo Teatro Alcalá de Madrid la cuarta gala de los premios del público al teatro musical, bajo el nombre de “Broadway World Spain 2014”, un evento que me despertaba curiosidad debido a la unión de disciplinas que el género musical requiere, por lo cual las actuaciones programadas en la gala debían ser de cierta calidad, más allá del interés que pudieran generarme los nominados y ganadores, siendo como soy, tan poco fan de las entregas de premios, las cuales suelen hacerse densas y largas. Para mi sorpresa, una vez comenzada la gala, resultó todo bastante dinámico, ya que los premios eran recibidos en el mismo patio de butacas, ganando por goleada “Mierda de Artista”, musical que crítica el mercado y consumo del arte. Igualmente la selección de actuaciones me pareció de lo más limpia y entretenida, pasando por alto algún problema con el sonido, la calidad artística estuvo a la altura.
Cierto es que eché de menos un poco más de palabras reivindicativas, según se encuentra la situación teatral en nuestro país. Tras un par de incisos de algunos ganadores, es el ganador al premio honorífico, Nacho Artime (adaptador textual con más de 60 musicales a sus espaldas), quien envía el mensaje más rotundo, cerrándose la gala con un llamamiento a las autoridades por parte del director de la revista “Broadway World Spain”, el cual aprovechó para pedir hechos urgentes a los responsables de la cultura española, y bajo el lema “el show debe continuar”, se negó a creer que el género teatral pueda desaparecer.
Finalizo esta pequeña reseña aplaudiendo el trabajo de la organización y el de los ganadores y no ganadores, por el esfuerzo y la dedicación que requiere esta profesión sobre todo ahora, momento en el que grandes talentos no cuentan con el apoyo que merecen, y un premio puede significar un pequeño gran impulso.
BLAS NUSIER
Tras el estreno de Fracasadas de Nacho de Diego en RUSSAFA ESCÈNICA
FRACASADAS, impresiones de un autor
Fracasadas surgió del empeño de mi gran amigo Carlos Bosch en que yo tenía que escribir comedia, algo, por otra parte, para lo que me veo totalmente incapacitado. Así que escribirla fue un reto, pero aquel proyecto, finalmente, no salió. Cuando me llamó otro gran amigo, Manuel Puchades, pidiéndome un texto de comedia me acordé de Fracasadas, pero ni siquiera tenía yo una copia, así que tuve que pedirla y se la mandé. Fue en ese momento cuando empezó esta maravillosa travesía de aprendizaje, pues un texto al que yo prejuzgué y maltraté injustamente por no pertenecer a mi, tal vez, demasiado reduccionista forma de entender la escritura dramática, de repente, había suscitado el interés de gente a la que yo respetaba y admiraba. ¿El desenlace? Impagable. El trabajo actoral de Marina Viñals y de Manuel Puchades es inconmensurable. Sólido, lleno de matices y ambos entregados a la causa con fuerza y mucho amor (los dos tienen momentos antológicos). Y eso se nota muchísimo en el resultado final, pues aún siendo una comedia, el momento del clímax me puso los pelos de punta. Y lo que ha hecho Amparo F. Báguena con la dirección, desde mi punto de vista, ha sido toda una clase magistral porque he descubierto que entiende este texto y a estos personajes mucho mejor que yo. Amparo ha conseguido que en «FRACASADAS», todo cobre una dimensión que yo, sinceramente, desconocía. Muchas gracias a todos y también al resto del equipo, en especial, a la coreógrafa Annie Tébar, una de mis maestras.
Nacho de Diego
Tríptico sobre El Brujo
Me hago la pregunta de por qué estos textos cuando asisto a esta triple representación de Rafael Álvarez, El Brujo, en el Teatro Cofidís de Madrid. Francisco de Asís, Cristo y San Juan de la Cruz son los personajes seleccionados. ¿Cuál es el motor que para el intérprete puede haber tras esta selección de textos? ¿Hay un estudioso tras el juglar que a sí mismo se autodenomina? ¿De dónde nace el impulso que le lleva a contarnos esa visión suya tan particular de estos y otros personajes históricos?.
¿Hay un denominador común en ellos? ¿Qué hace para acercárnoslos? En muchos casos, quizá por primera vez.
Ayer mismo, en la última de las tres representaciones a las que tuve el gusto de asistir: “La luz oscura de la Fe”, él decía: “Esto es lo que pasó, bueno, en el libro no está contado así, pero es lo que pasó”.
Los espectadores que acudan por primera vez se encontrarán con este aspecto didáctico que a veces nos muestra el teatro, y además a un intérprete que es el relato en si mismo porque poco a poco nos va embaucando introduciéndonos en él, al tiempo que su presencia se muestra dividida entre lo que nos viene a contar y lo que allí mismo se va generando. No se le escapa una de entre las reacciones en el patio de butacas, y trata de jugarlas cada vez que puede, le divierte, se le nota. Así asistimos a la representación única porque siempre está viva por ese contacto de inmediatez con el público y a la consecución de una serie de escenas con varios personajes que él va relatando uno a uno.
Ellos aparecen en los espacios que nos regala en el paso a paso del relato y comprendemos de inmediato lo bonito de la convención, eso de que en el teatro lo que se dice es. Es decir, la imaginación en su estado puro. Ya todo colabora. Estás dentro.
Acompaña una luz, maravillosa por sencilla de Miguel Ángel Camacho. En “San Francisco, Juglar de Dios” unas bombillas que cuelgan del peine hasta prácticamente el suelo harán las veces de un montón de lugares. En “La luz oscura de la Fe” asistimos a la celda angosta del santo y a la plenitud de un cielo de estrellas o de una constelación infinita, según se mire, porque pareciera que tras el relato puede haber varios niveles de entendimiento, tantos como preguntas pueda tener alguien al enfrentar el misterio de la vida, del hombre, de lo más elevado de cada uno de nosotros.
Hay momentos muy poéticos, y otros de ironía, chiste, crítica, actualidad. El sentido del humor que siempre conecta con el público; cuando se ríe de sí mismo y su gesto se transforma en el de un niño travieso haciendo de las suyas, es también verle tocar el cielo porque conecta con la propia inocencia que todos queremos seguir llevando dentro.
La música en directo a veces sutil, determinada otras. Los que asistimos al “Evangelio según San Juan” disfrutamos de un grupo de músicos espléndidos y yo especialmente me sentí muy bien acogida al inicio de la representación por una especie de espiritual negro que podría venir del Mississippi, o un blues, no sé exactamente. Lo que si se es que me predispuso a lo que iba a ver a continuación.
Crear atmósferas a través de los sentidos, impresiones recibidas, un olor a incienso en otro momento, casi imperceptible pero penetrante al olfato. Estímulos y empatía, aprendizaje de una parte de la historia, divertimento, y misterio. Se queda corta la descripción porque además de pasar una agradable velada, y esto ya sí que es muy personal, permitan la licencia, a mi estos textos, personajes, historias y su manera de contar el cuento me inspiran, me motivan, me dejan más preguntas, me animan a comprender un poquito más lo inabarcable. ¿A ver qué les parece a ustedes? Les animo. Es toda una experiencia.
Chusa Barbero
IN SU CHELU SIAT de la compañía teatral “LUCIDO SOTTILE” en Fringe 14
De entre las sesenta propuestas de ámbito internacional (Alemania, Argentina, Colombia, España, Francia, Italia, Portugal, etc.), que este año han ocupado los espacios más tentadores del Matadero, dedico unas destacadas líneas por su verdad, a una creación dramatúrgica que brinda al “peregrino público” emociones encontradas a través de un histriónico lenguaje corporal, una irreverente propuesta audiovisual y reflexivos discursos, en la robada y viva lengua sarda, contaminada de pensamiento contemporáneo y creatividad, sobre la ausencia de espiritualidad en las religiones occidentales: IN SU CHELU SIAT de la compañía teatral “LUCIDO SOTTILE” (creada por Tiziana Troja y Michela Sale Musio), presencia italiana en el Festival de Artes Escénicas FRINGE 2014.
Partiendo de la fábula decimonónica “Pinocchio” de Carlo Collodi, la compañía nos cautiva con una serie de poéticos pasajes cargados de fuerza dramática.
Acertada la elección de la compañía, ya que resulta un deleite la lectura de la narración del cocinero del Marqués de la Toscana, en la que Maese Cereza regaló un tronco hablador al carpintero Geppetto, que rodeado de penalidades: hambre, frío, soledad…, decidió tallar la extraña madera para obtener algún beneficio. Y tallando y tallando, hizo un muñeco que ¡cual Dios creador! acabaría convirtiendo por amor en “su hijo”: un ser con vivarachos ojos, nariz puntiaguda que crecía y crecía al compás de mentiras proyectadas en su desvergonzada boca, rematada con una barba. Todavía inacabado -sin orejas-, al cobrar vida, decidió que su primera acción fuese la ofensa al padre; apareciendo entonces un grillo parlante que, advirtiéndole de las consecuencias de hacer el mal, fue amorosamente asesinado por Pinocho. A pesar de su empeño, no pudo contener el manantial de la conciencia, guía permanente del protagonista, que prefirió apartarse una y otra vez del camino trazado por la experiencia, para avanzar raudo por el sendero de la vida propia, ese que conduce inevitablemente a la muerte. Encadenando conflictos cargados de sufrimiento, se salvó de morir ahorcado en la Encina Grande, a manos de unos codiciosos ladrones –el Gato y el Zorro-, tras implorar compasión a una niña blanca de cabellos añil: “El Hada Azul”.
Sacerdotes de cualquier religión, ataviados con sotana negra y cuello blanco almidonado, abren el espectáculo diciendo a la expectante audiencia que “todos los seres de esta tierra están admitidos en este lugar santo, sin distinción alguna, y que el camino directo a la cumbre es siempre cuesta arriba, no tengáis miedo, el ojo limpio siempre ve la salida del sol”… y haciendo entrega a cada persona del público, de una imagen sacra estereotipada y de un rosario, del que separan con unas tijeras la cruz que pende de la parte final, apropiándosela una sacerdotisa: “qui la croce non può entrare”. Este camino sin retorno, se inicia tras la apertura de unas pesadas puertas que conducen al “público-peregrino”, dirigido por los Padres/Madres Espirituales (Angelo Trofa, Valentina Fadda y Vanessa Podda ¡ni siquiera esta iglesia puede negar la presencia femenina!) por un angosto camino, carente de luz. A lo largo del recorrido, diversas apariciones obligan a detenerse:
El Grillo Parlante/Santa María Mercedes López (una locuaz Antonella Puddu), que hace una advertencia: “en este lugar no se puede comprar a Dios, aquí solo podemos sentirlo y entenderlo. ¡Quedaos escuchando vuestros propios sentimientos! La religión es el alma del mundo, acosado y sin corazón ¡El opio del pueblo! Empezad a drogaros de vosotros mismos, porque Dios está dentro de cada uno de nosotros! Si cada ser humano contuviese la divinidad,… ¿me equivoco si digo que no habría espacio para mediadores?
Geppetto/ San Francisco (Daniele Meloni), despojado de todo lo mundano para dedicarse a la oración, nos habla de la entrega. Habiendo Geppetto vendido su abrigo, el único refugio para el frío invierno, para alimentar con un huevo a Pinocho, pide desgarradoramente a un “público-esfinge” un huevo por persona para erradicar el hambre en el mundo. Me libero de todo, no necesito nada… “Cayó el cielo dentro de mí”. Siendo tan pequeños, no podemos más que reclamar nuestra condición espiritual y elevarla por encima de cualquier otra cosa por Amor. Esto fue lo que comprendió el de Asís. En la ausencia de ego hallamos el único camino que puede aproximarnos a la perfecta Felicidad.
Santos Padres Pedófilos/ El Gato y el Zorro, atrapados en la tristeza y la penitencia, fueron apedreados por cometer un atroz pecado. Piden clemencia al público, justificando su acción como la representación terrenal del amor de Dios y ellos el medio para ese “noble fin”. Como el gato y el zorro del cuento de Collodi, quedarán definidos por sus palabras: “engañar es nuestro trabajo”. ¿Acaso puede la iglesia reconciliarse con Dios? ¿Pueden acaso los hermanos sacerdotes afligidos por dificultades que obstaculizan el don divino reparar el daño causado? Infantofilia, el daño se llama infantofilia… el público contempla inerte la escena. Todavía siento sus manos, su cuello, su aliento, el sudor de su cuerpo pegado al efebo… Tristeza… ¡Mienten! Repugnancia… ¡Mienten! Celibato…
Todo es calma… El “público-peregrino” juega con los Padres lanzándose globos de colores!
Los niños de Fátima/ El Campo de los Milagros, la danza y la alegría cobran vida en esta escena en la que de la mano de dos niñas y un niño, todo es posible, los sueños se tornan en realidad, o… ¿no? El juego, la risa de una niña, me devuelven la paz perdida.
Jesús y María Magdalena/ Pinocho y el Caracol, Jesús-Pinocho, una escuálida figura barbada con pies de chivo, a la que da vida Michela Sale Musio, que carga con una larga nariz, impuesta por el diablo, y con una pesada cadena alrededor del cuello, es juzgada y condenada por los sacerdotes a morir en una enorme cruz. ¿La cruz no puede entrar golpea en mis sienes?… Ante la exuberante voz de Alessandra Leo, espíritu puro de rojos tules, teñidos de lascivia y lujuria por las mundanas creencias de los hombres, llora y se desespera gritando: “Padre… ¿por qué me has abandonado?
Así como la marioneta de Pinocho muere para convertirse en un niño de carne y hueso, Jesús-Pinocho reza usando las palabras del comienzo del salmo 22, a través de las cuales expresa, no solo el sentimiento de abandono por parte de Dios, sino también la seguridad de su presencia en medio de su pueblo.
Todos los seres humanos miramos al cielo en busca de consuelo, esperamos una respuesta… somos iguales ante los ojos de Dios. Jesús manifiesta su condición humana: “soy uno con todos vosotros”. En este momento de sufrimiento y abandono por los hombres, confiesa su confianza en la íntima presencia divina, en el padre, haciendo referencia al sufrimiento del pueblo de Israel, ese mismo que ahora contempla como sus gobernantes cambian las aves del cielo palestino por drones. Jesús carga sobre sí el dolor y la pena de todos los hombres oprimidos por el mal.
El Obispo con el Guardia y Pinocho, el máximo cargo de la iglesia católica, un aterrador y manipulador ser (Felice Montervino), desde las alturas dirige el país, sometiendo como dóciles marionetas no solo a los otros poderes fácticos, sino a todo el público asistente. “Sacerdotes destruyeron la inocencia de los niños, sacerdotes llevaron a la mendicidad a los más débiles con la promesa de la vida eterna. Sacerdotes clavaron en la cruz al verdadero Cristo, vendiendo luego los clavos y la madera de la cruz”.
El Hada Azul/ La Virgen María, personaje medular en la vida de Jesús-Pinocho, ajena a la belleza arquetípica y a una edad eterna, en un íntimo y reducido encuentro con el público, en un espacio lleno de fantasía, color y olor a frescas flores… ironiza sobre la realidad de ese “santo lugar”. Sabiamente, como si de un preciado secreto se tratase, la imponente presencia escénica de Tiziana Troja, confiesa que “en casa del herrero, cuchillo de palo”.
Mentira, codicia, injusticia… la condición humana y la posibilidad de transformación: en la nobleza de corazón está el verdadero milagro.
El padre espiritual Angelo, despedirá a un desconcertado público con dulces palabras: “Que los caminos se abran ante ustedes. Que el sol brille cálido sobre vuestras caras. Que la lluvia caiga suavemente sobre vuestras conciencias. Y, hasta que nos volvamos a encontrar, que Dios te tenga en la palma de su mano”. Repitiendo cual coreografiado mantra: mente, espíritu, corazón.
Al recoger la entrada en la taquilla, un llamativo cartel alertaba de que la obra podía “herir la sensibilidad del público” ¡Cierto! Enfrentarse a la verdad, causa dolor. Hiere la autenticidad de la propuesta, heredera de “Holy Peep Sow”, haciendo uso de un lenguaje universal, que conecta con públicos que agradecemos no ser engañados.
Paloma Martín
Buscando a Carmen en Sevilla III…Hallada?…
A veces hay que dejar pasar un tiempo y poner distancia en algunas experiencias, para comprenderlas o entenderlas más profundamente. En la recta final del Campus de la Fundación SGAE sobre el Mito de Carmen ya se empezaba a crear una dinámica y aprovechamiento de nuestra estancia en Sevilla. Las ponencias de Olga Mesa y Francisco Ruíz de Infante, así como la de Imanol Uribe nos situaron en lecturas creativas en las que el personaje de Carmen transitó por sus obras de manera inspiradora pero periférica en la manifestación final. Así mismo, en las sesiones de la tarde los bocetos de propuestas apuntados por los distintos grupos de creadores convocados, empezaban a tomar forma. Creo que si este Forum dura una semana más hubieran surgido más de una pieza con un resultado más concreto. Tal vez ese no era el objetivo, tal vez lo interesante era que viviésemos en una burbuja teñida por la pasión de Carmen y que nuestro imaginario se entroncase con el de otros creadores de lenguajes diferentes al propio. Y de este modo, ver que las sinergias son posibles, que las barreras que muchas veces la distancia física o intelectual nos empuja al aislamiento y no nos permite experimentar sobre el cruce de caminos creativos, se pueden y deben derrumbar.
Para mí lo más interesante de este Campus ha sido la urgencia por asimilar información sobre un personaje como Carmen, la posibilidad de compartirla con compañeros conocidos o no y que de ahí, nos liberásemos de prejuicios y fuésemos capaces de implicarlos en las ideas de otros y aportar a ellas un granito de arena o la simple posibilidad de probar el dialogo creativo entre algunos de nosotros o sencillamente, escuchar los primeros apuntes de un texto o material dramático iniciado en las aulas de trabajo por alguno de los compañeros.
Todo está inventado, si…pero a veces hay que desempolvar las fórmulas para revisarlas y darles vida. En estos tiempos donde a diario se cierran espacios creativos y colectivos de trabajo, es bueno abrir una ventana y mirar el cielo de Sevilla, por si se asoma Carmen. Gracias a Teresa Nieto, David del Puerto, Antonio Álamo y Pablo Berger que de manera generosa nos han acompañado y asesorado en este viaje.
Adolfo Simón
Barcelona, fin de temporada
Escaparse a Barcelona unos días obliga a visitar de nuevo el Parc Güell o la Sagrada Familia pero también es necesario entrar en sus teatros, allí siempre hay propuestas en las que demuestran que el arte de Talia es un vehículo espléndido de expresión para su idioma y su manera de entender el mundo. Hemos tenido ocasión de ver dos espectáculos muy diferentes, por un lado, el estreno en nuestro país de Cels de Wadji Mouawad producida por La Perla 26 en la Biblioteca de Cataluña, en esta ocasión Oriol Broggi aborda el texto desde la cabeza y el corazón, creando un espacio que se incrusta entre el público para que todos nos sintamos parte de esa tragedia contemporánea a través de la cual, el autor nos hace reflexionar sobre una nueva forma de entender los mitos.
Y en el Teatre Nacional de Catalunya, Josep María Flotats lleva a escena un Marivaux: El arte del amor y del azar. Con su manera artesanal y sus colaboradores habituales en la escenografía: Ezio Frigerio y en el vestuario: Franca Squarciapino, se rodea de un grupo de actores, muchos de ellos jóvenes, con los que lleva a cabo este juego de espejos donde los personajes sueñan por un momento por ser otros, para tener que volver a aceptar el linaje de origen.
QRLA
Que no caiga el telón en el Teatro Albéniz
Hoy en día es noticia cualquier disparate y pasa desapercibido que se cierre un teatro, eso habla de cómo es nuestra sociedad en estos tiempos en los que, la cultura, que antaño dio libertad de pensamiento y crecimiento humano, está devaluada, devolvamos a la escena el lugar que le pertenece. El viernes pasado se realizó un acto en las puertas del Teatro Albéniz para reclamar su apertura y uso lógico. No al cierre de ningún teatro!!!.
QRLA
PLANETARIO de Project Limb
El concepto de Teatro está cambiando. A esta constante transformación se le ha unido un momento en el que muchos creadores no encuentran espacios donde trabajar y mostrar sus obras. Pero ¡Qué mejor escenario que la vida! Algo así debió pensar el coreógrafo Gabriel Forestieri, quien está girando alrededor de las principales ciudades del mundo creando diferentes piezas. Y girando cual planeta aterrizó en Madrid, donde ha desarrollado «Planetario», una perfomance que viaja de la danza contemporánea al teatro gestual, donde catorce intérpretes en órbita con el público se desplazan por el Parque de Arganzuela (Planetario). Más allá del trabajo corporal y las elaboradas figuras grupales, cabe destacar su integración con la arquitectura, la naturaleza y la luz del atardecer, componiendo un collage de hermosas imágenes en movimiento. Todo está vivo: dos músicos completan el espectáculo, lo que convierte este trabajo multidisciplinar en un claro ejemplo de cómo el Arte abre la mente y amplifica sentidos que la vida cotidiana nos atrofia. Nos hipnotiza con una escalera agrietada, algo que a diario ni percibimos. Su próximo destino: Barcelona.
Jorge Azcona
El crédito de Carlos Hipólito
Hace unas semanas vi la función de El crédito, todavía no se habían otorgado los Premios Valle Inclán pero viendo el trabajo que hacía Carlos Hipólito, no me extraña que se lo hayan concedido. Normalmente se premian trabajos excesivos o extraños, pocas veces se tiene en cuenta la comedia o las actuaciones precisas y medidas. Carlos Hipólito es un gran actor, nadie lo va a discutir ahora pero en esta obra, está sencillamente espléndido, con una naturalidad en cada momento de la obra que parece se ha escapado de la oficina del banco para meterse en un teatro. Sin ninguna duda, el teatro es el mundo del actor pero en esta función, el éxito final de la misma, es resultado del trabajo de los dos actores.
Adolfo Simón
Don Quijote de la Mancha en Cómicos de la Lengua en el Pavón
De nuevo, los cómicos de la lengua transitan por nuestros escenarios, en este caso, el Pavón, sede de la Compañía Nacional de Teatro Clásico. En una noche fantástica dedicada a Don Quijote de la Mancha, con un acercamiento a la creación del texto por parte del Académico Francisco Rico, deleitándonos sobre la singularidad de la que probablemente es la obra más importante de la historia de la literatura. Y con dos pasajes sobre la obra leídos, con riqueza de matices, por Ernesto Arias. El teatro lleno de un público que ha decidido seguir los pasos de los cómicos de lengua por los teatros de Madrid.
Adolfo Simón
Nico Grijalba nos cuenta su experiencia en «Tres-en-una»
«Tres-en-una» dirigida por Adolfo Simón y escrita por Nico Grijalba, Carlos Be y Ángel Abascal PRORROGA sus funciones en DT espacio escénico los días 7 y 8 de marzo a las 23.00 hs.
El autor de «Espe» nos habla de cómo se fraguó la obra…
RETRATOS DE UN MUNDO NUEVOLa realidad, como decía Nabokov, está demasiado sobrevalorada. Lo mismo que opina Nicolás Grande, que pinta y repinta con savia de papel couché a sus artistas. Para Nicolás no basta con la absurda realidad, siempre hay que darle un borbotón de color, un ojo morado, la coleta azul y una dama de alta alcurnia pasada por el cálido limón de una cera de color.Nicolás Grande existe, no es ficción, es el motor y el alma por el que el proyecto escénico Tres en Una echó a andar hace unos cuantos meses. [Ahora se puedes ver en el Espacio DT: tímido, dominguero, ojeroso, no dejen de ir al teatro, es un arma cargada de saliva].Pues bien, un buen día el director y dramaturgo Adolfo Simón me citó en una whiskería de mala muerte del centro de Madrid. Putas a borbotones y botones descosidos, mucho olor a fritanga, bravas y tal. Él se pidió su cocacola con mucho limón, yo, creo que pedí un whisky con agua. A lo que vamos. “Necesito que escribas un texto sobre Esperanza Aguirre”, sentenció. Mis ojos hicieron carambola. ¿Esperanza Aguirre? Tamaño personaje, la Comunidad de Madrid en la garganta. Siguió explicando: “Tres en Una versará sobre tres personajes femeninos claves de esta España nuestra. A saber: la Duquesa de Alba, la Baronesa Thyssen y nuestra querida –retintín, retintín- Esperancita”.Llegados a este punto observé si quien se estaba bebiendo el whisky era yo o era Adolfo. Él seguía con su cocacola. Todo en orden. O más bien, bienvenidos al desorden. Por si las bravas y las putas nos parecían poco, y el camarero subiendo y bajando el Sálvame, Adolfo sacó de una carpeta una docena de retratos imposibles de clasificar.Oligofrenía Mon Amour, pensé yo para mis adentros.Los retratos representaban caras semi-conocidas, escocidas, desprendían familiaridad de espanto y de cariño, el dibujante –quienquiera que fuese- prestaba mucha atención a la bisutería, a los distintos cortes de pelo, también al tallaje y a las narices. ¿Quiénes son?, me preguntó Adolfo. Son maravillas de la naturaleza, respondí yo.
Me contó que los dibujos pertenecían a Nicolás Grande, un anciano nacido en 1925, que desde su retiro en una residencia castellanoleonesa no paraba, cada día, a cada hora, de dibujar y dibujar. Su método de trabajo es puramente warholiano: con el¡Hola! como inspiración, reinterpreta a todas aquellas damas que pueblan este BOE visceral. Cientos de dibujos, de retratos – hechos con pinturas plásticas- de artistas de relumbrón, ricas y famosas, labios finos de la España finisecular. Sin quererlo, o queriendo, vete a saber, las neuronas son muy presuntuosas, Nicolás Grande en su retiro de transistor y jersey de pico, le imprime a la actualidad del ¡Hola! una cierta pose picassiana y un aleluya de Matisse. Por supuesto que Tita Cervera, Doña Cayetana y Esperanza están entre sus preferidas; él conoce a las musas de este dintel algo cochambroso llamado Spain.El whisky se acabó. Adolfo ya tenía en su telaraña a otros dos ideólogos: Carlos Be se quedaría con Tita, y Ángel Abascal con Doña Cayetana, ye-yé de Alba. La menestra teatral estaba servida.Meses después se hizo carne esta exposición-teatro. El artefacto funciona, precisamente, por su carga explosiva. La gente piensa que aquellas obras de Nicolás Grande son producto de la imaginación de algún zascandil pensador, pero no: Grande, ajeno al runrún de la ciudad y al compadreo de la cultura, sigue pintando y dibujando a sus chulas favoritas. Malena Polo se desgañita por poner en pie a estas insignes representantes de su especie, borda sin la burla del imitador las fisuras de estas tres, también de Anita, Ana Botella, tres en una, no lo olviden. Relaxing Tararí Que te Vi. El sirviente (interpretado por Luis María García) sabe que aquellos retratos que cuelgan de las ominosas paredes tienen memoria.Que sí, que ya lo dijo Nabokov que también, por cierto, estudiaba a los lepidópteros, pero hoy Nicolás Grande le ha pintado un culazo a Beyoncé que ya quisieran las de Rubens…NICO GRIJALBA
Arco excita los sentidos
Un año más, Arco desembarca en Madrid en el corazón del mes de febrero para inundar nuestros sentidos de colores, trazos, formas…Este año la Feria es más condensada, y menos saturada de stands y obras que, otros años, no permitían ni transitar entre ellas y salir de allí con un empacho indigesto. Este año se puede transitar por los stands y paladear las mil propuestas que surgen a nuestro paso. Por suerte no hay la clásica pieza provocadora que se lleva la atención de medios y público, este año todo tiene un sabor de viaje en el arte plástico en todos sus sentidos, sin estridencias. Y la zona dedicada a Finlandia, contiene sorpresas inquietantes que no debiera perderse todo aquel al que emocione el arte.
Adolfo Simón
¿QUIEN ES UN CLOWN? de Vladimir Olshanky en Residui Teatro
Residui Teatro no es una sala de teatro al uso, es un espacio laboratorio que muestras los resultados de sus trabajos. Vladimir Olshanky va a impartir durante dos semanas un taller sobre el clown y para ello, hizo una clase magistral abierta para todo tipo de público. Con el título de ¿Quién es un clown? mostró durante cerca de una hora pequeños números llenos de pantomima, magia y poesía. Fue un regalo para los futuros clowns y para todos los amantes de este arte legendario.
Adolfo Simón
Que Revienten los Artistas 
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