Cucú Haiku de Escena Miriñaque en Teatralia 2014
En la Sala de Columnas del Círculo de Bellas Artes se ha presentado este fin de semana la pieza Cucú Kaiku de Escena Miriñaque. Un haiku es un poema japonés de mínima expresión relacionado con la naturaleza. Con aires nipones y cuidada estética, esta compañía ha compartido con todos los miembros de la familia una sucesión de imágenes llenas de exquisita belleza plástica. A través de la obra, van surgiendo palabras, colores, formas, músicas y movimientos que nos deleitaron durante cerca de una hora. Un espectáculo sensible y sugerente para alentar la sensibilidad de los niños-as.
Adolfo Simón
MAGIA CAFÉ EN CUARTA PARED
Paloma Pedrero escribe y dirige “Magia Café” y se muestra estos días en la Sala Cuarta Pared de Madrid. El teatro tiene varias funciones, entre ellas está la de entretener con historias de temas universales como el amor, la venganza, la violencia, el odio etc… y la de reivindicar y mover el pensamiento del público y empujarle a actuar frente al poder, este es el caso de “Magia Café” donde a partir de la lucha por mantener la actividad de un Café ocupado por indigentes y que la autoridad quiere desalojar, se cuentan historias de tema universal y se reivindican los derechos de quienes despojados de todo, no pierden un ápice de dignidad para exigir un lugar donde poder reunirse y compartir lo que hemos perdido que es la solidaridad real y no la hipocresía social. Muy bien iluminado por Susana Romero, un espacio sonoro que alegra la tristeza que pesa en toda la historia de Raúl Barrio, divertidas coreografías de Sonia Dorado. Y un estupendo elenco que disfruta de lo que hace, con un Germán Torres brillante y creíble, representando a la autoridad de una forma real y sin fisuras, el mal o lo malvado se reviste siempre de cierta cordialidad y bondad que no es más que un paternalismo abusón y descarado. Con los tiempos que corren no sólo se hace necesario este tipo de funciones sino que casi tendría que ser obligatorio, para recordar que los responsables de esta situación de crisis no son los que nada tienen o todo han perdido, sino que por el contrario son los que más tienen y siguen teniendo más.
Ángel Savín
BERNARDA ALBA EN EL TEATRO ESPAÑOL
Una de las piezas teatrales más representada en el mundo “La casa de Bernarda Alba” del eterno Federico García Lorca, se muestra estos días en la que ha sido su casa, por tantas representaciones como ha ofrecido, el Teatro Español de Madrid. Irina Kouberskaya y Hugo Pérez de la Pica dirigen esta novedosa, aunque parezca mentira, representación en la que el naturalismo desaparece para dar entrada a un barroquismo que incide en la culpa que pesa sobre todas las mujeres, son o templos de virtud o fuentes de toda maldad, concepción católica, una imaginería que no da lugar a error, de la mujer y la represión del amor físico como única causa de la virtud. El luto negro como la pez hunde a estas mujeres en la flor de la vida ante la madre-autoridad, que hace gala de su cuna y menosprecia al gañan, ¿a qué nos suena?, Y se muestra como un albúm de fotos, las escenas son cuadros que están perfectamente iluminados por el propio Hugo Pérez de la Pica y Miguel Pérez Muñoz, y envueltos en una escenografía que presenta ese barroco católico que llena nuestras ciudades, sobre todo Castilla y Andalucía y un vestuario acorde a ese espacio escénico ambos diseñados por el propio Hugo Pérez de la Pica. La actrices estupendas, brillante, como siempre, Chelo Vivares, una Poncia amarga y divertida a la vez. Rocío Osuna, Magdalena, cuya presencia siempre es necesaria, muy bien Matilde Juárez, Martirio. Sobria y medida Carmen R. de la Pica, Bernarda y para terminar una magistral Irina Kouberskaya, Josefa que nos estremece con la verdad de su discurso y con su hermosa locura y así con ella me quiero casar a la orilla del mar.
Ángel Savín
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Los Torreznos con La Cultura en el Teatro del Barrio
Descomposición de los elementos materiales y conceptuales que configuran una conferencia sobre la cultura. Estructura en tres partes: “No hay nadie inculto”: sobre la cultura en su sentido amplio, como pretendida diferencia entre el ser humano —quien la produce, almacena y distribuye— y el resto de seres vivos; “Si te cortan la cabeza, no hay cultura”: sobre la cultura en su sentido restringido, como bien elevado que permite diferenciar a unos seres humanos —los occidentales que la definen y evalúan— de otros; “La cultura es un pasatiempo de la muerte”: el espectáculo nos entretiene. Los Torreznos han desembarcado con su poética performática sobre La Cultura en el Teatro del Barrio. Este colectivo de creadores nos tiene acostumbrados a juegos disparatados en sus propuestas performáticas, en este caso, han mostrado un juego escénico-verbal muy interesante ya que abordan la idea de la cultura en un formato de conferencia estallada, como si los ponentes no pudieran soportar la idea soporífera de lo que es cultura, quién la censura y quién la consume. Realmente realizan un trabajo conceptual y comprometido a partir del tema planteado.
Adolfo Simón
La abducción de Luis Guzmán en el Teatro Lara
De nuevo, una propuesta sugerente en el Hall de este emblemático teatro. En esta ocasión, una obra escrita y dirigida por Pablo Remón: La abducción de Luis Guzmán. Todo transcurre en el pequeño y camp salón de una casa de provincias donde se encuentran tres personajes porque ha desaparecido el padre de dos ellos. De fondo están los programas de televisión y radio sobre fenómenos paranormales y más de fondo, una postal de Londres. Todo esto, unido al Disco de Oro de la Humanidad que está en estos momentos en órbita, saca a la luz los fantasmas que unen y aíslan a estas tres personas. Al final, no pasarán a la historia estos acontecimientos pequeños vividos en esta casa cargada de recuerdos, aunque tal vez deberían formar parte de ese disco de memoria colectiva o…¿Sólo han de trascender los grandes acontecimientos?.
Adolfo Simón
Illumination de Nehara Dance Group dentro del Festival de Arte Sacro en los Teatros del Canal
Dentro de la edición número veinticuatro del Festival de Arte Sacro se ha presentado Illumination de Nehara Dance Group en los Teatros del Canal. Un espectáculo de danza con técnica estilizada en el que las bailarinas demostraron destreza y sensibilidad. Aunque lo más interesante a destacar de esta propuesta sería el contenido del tríptico, una reflexión sobre la mujer y su participación en la religiosidad y cultura judía. Sin duda, una oportunidad de conocer más a fondo el mundo poético de esta comprometida compañía.
Adolfo Simón
PAREJA ABIERTA EN EL TEATRO NUEVO ALCALÁ
La sala II del Nuevo Alcalá presenta “Pareja abierta”, un texto de Darío Fo y Franca Rame, que plantea entre risas y llantos lo que ocurre en el corazón y la mente de una pareja que se plantea que es mejor amar a otros mientras cultivan su propio amor, todo ello bajo la dirección de Ota Vallés, quién, sabedora de la importancia del texto, la profundidad de lo planteado es como siempre en Fo y Rame su impronta, su marca de identidad, todo está pensado y muy pensado, nos presenta a los personajes en carne viva, desprovistos de artificio, un escenario simple y pocas cosas de atrezo o vestuario, si en cambio una música muy sugerente y divertida que marcan las distintas etapas del recorrido de esta historia. Siempre es difícil mostrar estos textos, por conocidos y porque se ha representado muchas veces, en este caso acierta de plano y nos hace pasar un rato divertido que nos hace pensar y de qué manera. Mabel del Pozo una excelente Antonia, que se maneja perfectamente en la escena y con el público y José Torna Dijo, Pio, un marido infiel que no lo comprende hasta que padece lo que predica. Dos temas eternos, el amor, y la fidelidad, siempre darán que hablar y muchos textos para representar. Merece la pena verla, aplaudirán con mucho gusto.
Ángel Savín
Lágrimas, mocos y sangre en el Teatro Lara
La vida es un combate en el que todo el tiempo están Nina y Macbeth peleando en el asalto 10. En Lágrimas, mocos y sangre de Oscar Sanz Cabrera estos personajes de ficción tiene perfil actual, son dos juguetes rotos que viven de la nostalgia y los deseos imposibles. De nuevo, en el hall del Teatro Lara, una historia representada a un palmo del espectador, ya son una tradición las propuestas sugerentes en este recoleto lugar. Noe Denia juega constantemente con el espacio y sus posibilidades escénicas de la mano de los tres actores Irene Arcos, Jorge Cabrera y Alicia Lobo…Con algún efecto sugerente como la pelea a cámara lenta. Un combate de boxeo en el que todos estamos en el ring.
Adolfo Simón
Bartolomeo de Carrasco Dance en Teatralia
Desde Suecia llega este estupendo trabajo dirigido a jóvenes y público adulto. Bartolomeo es una propuesta que indaga sobre el cuerpo, sus distintas energías y sus impulsos con diferentes músicas como estímulo. Un trabajo de precisión técnica impecable y una sincronía corporal excelente entre las intérpretes. Al principio cuesta que los adolescentes conecten con las coreografías pero en un momento dado, quedan atrapados por la belleza del sencillo espectáculo que, al final, estalla en un efecto sensorial de gran impacto. En Cuarta Pared se ha visto esta propuesta durante el fin de semana.
Adolfo Simón
VIVA MADRID en los Teatros del CANAL
La sala Roja de los teatros del Canal presenta estos días una magnífica antología de la zarzuela, La verbena de la Paloma, La chulapona, La Gran Vía, Luisa Fernanda, El último romántico, Don Manolito, La Calesera, El barberillo de Lavapiés, El tambor de granaderos, Los claveles, El año pasado por agua, María Manuela, La del manojo de rosas, Doña Mariquita de mi corazón y Doña Francisquita de los maestros Bretón, Moreno Torroba, Chapí, Chueca y Vives. Bajo la dirección musical de Manuel Coves y la dirección escénica de Jaume Martorell, perfectos los movimientos de tantos artistas en el escenario, una escenografía de Ricardo Sánchez Cuerda, moderna y con mil trucos para adaptarse a las distintas obras; una impecable iluminación de Juan Gómez Cornejo que envuelve los diferentes ambientes y un vestuario hermosísimo y variado de Pedro Moreno y Alejandro Andújar que nos mete en diferentes épocas, con cancanes y carambas y mantillas y todo lo que puedan imaginar. Para mover los corazones y hacernos sentir lo nuestro sin aspavientos, ni alaracas, la zarzuela es española y nos identifica y nos conmueve. Los cantantes magníficos, a destacar a una extraordinaria Marisa Martins, a quien he visto en óperas importantes y que no sólo canta como los ángeles sino que se comporta como una auténtica actriz y mantiene sus personajes vivos en escena. Maravillosa Anna Tobella y con toques de galán un impresionante César San Martin, el resto magníficos, el cuerpo de baile brillante y los coros de poner la piel de gallina. El público aplaudió a rabiar y el ánimo se llenó de optimismo y alegría que no viene nada mal en estos tiempos, No se la pierdan me lo agradecerán.
Ángel Savín
El alma buena de Se-Chuan en las Naves del Español-Matadero
Llevar a escena a un autor muerto conlleva riesgos lógicos…Él no está para defenderse de la lectura teatral que se hace de su obra. Si es el caso de un autor de vodevil no está bien trasgredir su discurso o sus gags pero no es un mal mayor, el público no se ríe y no va a ver la función. Pero si es uno de los dramaturgos más grandes del siglo XX y probablemente de la historia del teatro y además, un autor político y comprometido como fue Bertold Brecht, pues implica mayores consecuencias si no se respeta el contenido y la formas de sus piezas teatrales. Hacer de El alma buena de Se-Chuan una obra entretenida y populista no aporta nada al teatro y menos a una sociedad como la que estamos viviendo hoy, ajena a las dificultades y penurias del individuo de a pie. Y no hablo del tipo de producción que se ha llevado a cabo, que también, trato de poner el acento en que esta obra no es un cuentecito moral si no una alerta sobre los mecanismos perversos de la sociedad para traficar con los derechos y deberes de las personas. Esa es la obra que escribió Brecht.
Adolfo Simón
Identidad y género en las buhardillas del teatro.
En algún momento habrá que añadir un apartado nuevo en nuestro D.N.I. en el que ponga: El amor perjudica seriamente la salud. Y con la partida de nacimiento, añadirnos un boletín de usos correctos de la afectividad. Así, tal vez un día, no haya que sufrir por amor ni dejarse la piel en cada viaje que hacemos en las relaciones personales.
En Dt, dentro del programa Sinergia España-México, se ha presentado la performance Desfragmentado de Luis Daniel Pérez. Un recorrido por la sala desde la calle donde el performer va dejando literalmente las huellas de su paso. Después, entre el público asistente, nos invita a ser testigos de sus reflexiones y miedos que convierte, en marcas en el espacio y en la mirada y cuerpo de los presentes. Una reflexión escénica sobre quién es y qué es para los otros.
Y en la recién inaugurada sala íntima: La puerta de al lado, en pleno corazón de Lavapiés, tres portales más allá de donde nació hace más de veinticinco años Cuarta Pared y con ella, otra forma de entender los espacios de exhibición. Pues en este bienvenido nuevo espacio, presencio las confesiones privadas de tres mujeres que escriben sus recuerdos y el daño recibido en la piel de las compañeras y sobre el chocolate derretido. Desnudas es un trabajo expuesto no solo por la cercanía del público si no también, por la desnudez, no de los cuerpos si no de la memoria de estas mujeres que han tenido que aprender a amarse para dejar que las amen mal. Todos hemos sido víctimas y verdugos alguna vez, desgraciadamente, no nos pasaron los apuntes para el buen uso del amor. Alberto Velasco acompaña desde la dirección a Rosalinda Galán, Begoña Mencía y Karmen Garay para que conozcamos las hojas perdidas de sus diarios.
Adolfo Simón
Combates dialécticos en escena
Cuando nos amordacen, morderemos.
Cuando nos empujen, levantaremos la mirada.
Cuando tengamos que marchar, no lloraremos.
Afuera, la ciudad ruge con sus luces de neón y con el sonido de las máquinas tragaperras, adentro la palabra.
Hay veces que necesitamos reír y reír…pero otras necesitamos que las palabras nos sumerjan en océanos oníricos, en ciudades amuralladas, para salir de esta realidad tonta que nos asfixia. Y para eso hemos de volver a entrar en los espacios del rito, en el teatro…
Ya sé que la Gran Vía está en el centro de la ciudad de Madrid, ya sé que allí están los espectáculos de masas, pero a mí me gusta perderme por los barrios, por las calles estrechas e ir a espacios donde el tiempo se detiene o se dilata…
Hoy toco ir a EL TALLER, en el barrio de Usera…Y allí me he encontrado un trozo de teatro donde la palabra se ha hecho carne gracias a las actrices que interpretan Visiones de Margarita de Navarra de Ángeles Carmona; de LA MALA COMPAÑÍA…Es un ritual de puro teatro, donde se viaja a través de las imágenes escritas, palabras que crean formas en el espacio. Un lenguaje hermoso y contundente…Y me pregunto… ¿Por qué la ciudad y sus dirigentes dan la espalda a estos lugares?…Seguramente les da miedo sentir, mirar de frente, ver la realidad. Acudan a ver este trabajo, no les defraudará.
Y no podrán ver, de momento…En Defensa, hoy ha sido la última función de este poema dramático que ha estados las últimas semanas en Cuarta Pared. Creo que el equipo de esta propuesta no sabe que han hecho una ópera contemporánea, un espectáculo de una sensibilidad exquisita, comprometido y generoso. Cuando nos comunicamos por sms o a gritos desde los balcones, aquí se instalan en un espacio de poesía visual donde la palabra, las imágenes, la música, el espacio…todo, adquiere una dimensión de poema clásico atravesado por una contemporaneidad rabiosa. Estén atentos, si vuelven a ver programado…En Defensa de Lola Blasco, acudan a verlo con el silencio en la cabeza.
Adolfo Simón
Alceste de Gluck en el Teatro Real
Vivimos tiempos en los que el amor no tiene valor como algo mágico, las nuevas tecnologías han situado al amor y al deseo a la altura de la comida basura, rápida y sin paladar. Por eso, la historia de amor de Alceste se vuelve trasgresora para este tiempo sin poesía ni espacio para las caricias. Es casi un cuento de ciencia ficción en el que una mujer, Alceste, brinda su vida para que el hombre al que ama vuelva del otro lado, de la mano de Caronte, aunque sea para darle un último abrazarlo. Ahí surge el conflicto, porque ninguno de los dos amantes quiere que el otro pierda la apuesta por la vida. La primera parte transcurre en una realidad escénica con elementos de extrañamiento ya que lo que ocurre no es en realidad un pedazo de vida si no el preámbulo de la muerte. En la segunda parte, hay un estallido en la frontera entre el mundo de los vivos y los muertos, allí se ama, se sueña, se desea y se juega al mejor postor. Como en los cuentos, al final, llega un ser mítico que resuelve el problema y la vida se queda como lo que es, el aperitivo de la muerte. Un montaje espectacular, lleno de contrastes escénicos que a veces, sitúan la acción al borde del precipicio poético. Unos interpretes excelentes entre los que destaca la protagonista que crea una contemporánea Alceste y una orquesta y coros excepcionales.
Adolfo Simón
«Cabaret magnético para usos rurales» de Funfanfarria en Selectos Puraenvidia
No se necesita una gran producción para hacer un buen cabaret y hacer disfrutar a tu público. Basta con un tocadiscos de los años 60 y un espacio «envidiable» y especial como el de Selectos Puraenvidia para montar con recortes de textos de Darío Fo, Jim Jarmusch, Gustavo Gonzalo, Paolo Sorrentino, Juan José Millás y Mrozek, y con un poco de imaginación un ambiente magnético, ecléctico, informal, disparatado, sensual y afrodisíaco… para mentes en proceso de perversión.
Si además toman las riendas dos actores experimentados en estas lides como Sara Nieto y Gustavo Gonzalo, los creadores de Fun-fanfarria en el 2001, la noche se presentará única. Aunque ellos no son los únicos que van a actuar, ya se sabe que en el cabaret el público es una parte esencial en la inter-actuación y deberá asistir con ganas de pasárselo bien y petardear todo lo que le dejen los cabareteros.
Una propuesta original y desenfadada para la noche de los jueves, no se lo pierdan.
Luis María García Grande.
«Tokio dream» en Teatro Galileo
En «Tokio dream» nos encontramos una apuesta por la utopía y por alcanzar los sueños. Mey-Ling Bisogno, coreógrafa venezolana, ha soñado con un Tokio futuro y virtual, un Tokio imaginado, y ha conseguido una vez más crear un ambiente especial que nos sumerge en ese sueño: Una gran ciudad contada a partir de siete bailarines, que viven situaciones dentro de ella como nosotros las vivimos a diario. En la ciudad experimentamos sensaciones, agobios, estreses, alegrías, libertades, represiones, … Para representar todo esto se necesita imaginación y un hilo conductor que se crea a través de la música en vivo creada por Martín Ghersa y por una escenografía casi virtual y muy acertada que nos sumerge de pleno en la obra experimentando las mismas pulsiones que los bailarines. La dramaturgia está bien pensada y cada escena está unida gracias a un personaje ataviado a la manera japonesa, que nos va llevando por diversas situaciones imaginadas dentro de una gran ciudad.
Mey-Ling Bisogno cuenta con un repertorio de 25 piezas, muchas de ellas bastante conocidas, como Hermosura, Peep Box, Chik y Freak, etc…
En Tokio Dream nos encontramos con una pieza que acaba con un final tranquilo y sorprendente que nos deja tiempo para reflexionar sobre lo que hemos visto como si estuviésemos en un viaje en tren.
Luis Mª García Grande.
La punta del iceberg de Antonio Tabares en La Abadía
Cuando oigo a alguien decir…»Trabajo en un edificio inteligente» me provoca risa y vértigo. ¿Edificio inteligente?, me recuerda aquella computadora que cobraba vida en una famosa película de ciencia ficción y terminaba devorando mecánicamente a los pasajeros de la nave. ¿Se puede devorar mecánicamente?, si, hoy en día hay más violencia y criminalidad en el mundo virtual, este ya se ha instalado en nuestros espacios de trabajo y personales… ¿Quién no tiene hoy, como una extensión de sí mismo, un móvil o una tableta?. En La punta del iceberg, su autor, Antonio Tabares, plantea una situación cotidiana que de tan normal que es, adquiere tintes terroríficos. Es un texto aparentemente realista que va adquiriendo planos dramáticos conforme avanza la acción y los personajes, sobre todo la protagonista, interpretado fantásticamente por Nieve de Medina, van girando lentamente, como si el propio lugar, donde están tratando de averiguar unos hechos inquietantes que han ocurrido allí, fuese un testigo mudo que va escuchando y modificando sus comportamientos. En teatro, el terror es muy difícil de conseguir y para el público de hoy hay pocas cosas que le remuevan en la butaca pero en esta obra, hay algo sutil y horrible que se va instalando en el escenario, un terror psicológico que todos hemos sentido alguna vez, ese momento en que sabemos que podríamos perder el control de nosotros mismos y caer al vacío. El espacio escénico es muy efectivo gracias a su sencillez, es muy interesante ver como se convierte en un laberinto que no permite ver su fin y un autentico hallazgo que se convierta, con un cambio de plano, en la azotea del edificio. Todavía están a tiempo de vivir una experiencia inquietante que le puede ocurrir a cualquiera en nuestro lugar de trabajo o en nuestro día a día. Un espectáculo dirigido con aplomo por Sergi Belbel, con un reparto que juega al máximo la tensión escénica de la obra.
Adolfo Simón
La meute dentro del Ciclo Miradas de Circo en el Price
Dentro del Ciclo Miradas de Circo en el Price se presenta esta semana La Meute, compañía francesa que tiene una peculiar manera de entender el ritmo y las acrobacias. En su propuesta nos provocan una tensión añadida ya que, añaden al vértigo de los saltos y piruetas, una tensión dramática en los paréntesis entre cada uno de los números con la que provocan un suspense interesante. La indumentaria de los artistas, a medio camino entre el pañal y la ropa de ritual, genera un extrañamiento que da peculiaridad a la figura de los performers. La música en directo es otro de los elementos sugerentes que se añaden a es personal espectáculo de circo contemporáneo que podéis disfrutar hasta el próximo domingo.
Adolfo Simón
ROMA EN EL TEATRO ALFIL
El eterno tema del amor y la pareja da siempre juego a cualquier género artístico y el teatro no podía ser menos, siempre hay cosas novedosas que aparecen de la reflexión de los autores, en esta ocasión Paco Mir (Tricicle) es el autor de “Roma “ y en ella nos presenta a una pareja de una cierta edad y una joven pareja que celebran, la primera el paso de los años y vuelven a recuperar su amor al lugar donde se citaron por primera vez y la segunda se citan por primera vez, ambas en un hotel de la eterna Roma. El íter de la acción dramática nos hace comprender que son la misma pareja, cuando empezaron y cuando, quien sabe si van a terminar. Todo ello aderezado de humor y cargas de profundidad que te hacen pensar en cómo es el amor y cómo evoluciona en la pareja. Paola Matienzo dirige y actúa como la joven y nos hace cruces escénicos donde se simultanean las dos relaciones a la vez y presenciamos las situaciones de antes y ahora en un mismo tiempo, lo que provoca interés en la propuesta. Una guapísima María José del Valle, derrocha experiencia y saber estar junto a un José Navar, que no sólo está a gusto en escena, sino que disfruta de su personaje con naturalidad. Iago García, el joven, vive su experiencia con gracia y eficacia, en una comedia que nos hace reír y pensar.
Ángel Savín
«Cenizas»: Relaciones tóxicas en La casa de la Portera
Relaciones tóxicas hay en todas partes… ¿Acaso ustedes no las han sufrido? Imaginen y piensen… Hablar de relaciones tóxicas está de moda, y si no que se lo pregunten a Lucía Etxevarría. Pero es mejor que ustedes experimenten en sus propias carnes la visión externa de una de ellas: Chevi Muraday y Alberto Velasco nos traen una visión muy personal basándose en textos de Pablo Messiez y Guillem Clua. Textos excepcionales que les dejarán huella en cuanto los oigan. Yo todavía estoy pensando en todo lo que implica ponerse a hacer una tortilla de patatas después de haber visto «Cenizas».
Pero un texto no es nada sin una buena interpretación y una coreografía que intensifica ese sabor agridulce que produce descubrir que la persona que más te ama te puede ir matando poquito a poco mientras se come con un tenedor, afilado y brillante de limpio que está, esa suculenta tortilla que tu has hecho con todo tu «amor» y que todos tus amigos alaban…
Muraday y Velasco ponen poesía y locura a una muerte anunciada desde que entras en el saloncito de La Casa de la Portera.
«The Show Dystopia» en Theatre for the people
Adán Black nos quiere mostrar una nueva experiencia teatral en un espacio no convencional donde se mezcla la realidad y la ficción de manera natural. Me refiero al espacio que ha creado y ha conseguido en Theatre for the People. Entre unos escaparates de lo que podía ser una antigua tienda y su sótano transcurre una nueva prolongación de la realidad, una nueva experiencia que intenta perseguir la búsqueda personal auténtica y que plantea los límites de nuestra intimidad. Y qué mejor para planteárselo que el texto de George Orwell, 1984. Su grupo de alumnos, a través de un buen trabajo grupal, se atreven a poner en pie una experiencia que les transformará y les hará experimentar su redescubrimiento personal. Antonella Broglia hace de maestra y de gran hermano entre ellos en un papel que nos absorbe y nos demuestra que ella ha experimentado con creces esa búsqueda personal a través de su propia experiencia.
Pero Adán quiere llegar más allá y, como en toda experiencia teatral, el público es el fin. «El primer paso de una transformación social radica en recuperar el poder de la libertad de expresión» decía Howard Brenton y usando esta libertad se intenta provocar, atormentar, emocionar, descubrir y someter a un público que acaba descubriendo que también está siendo observado, tanto o más que los actores.
Luis Mª García Grande.
Gin & Toni en el Teatro Caser Calderón
Dentro del ciclo de programación del nuevo abono del Teatro Caser Calderón, se estrena Gin and Tony. Jesús García Gallera y Julián Fontalvo son GINÉS Y ANTONIO, «GIN and TONY», una pareja artística descubierta por Tricicle en 2008.
Estos dos artistas nos proponen una sesión golfa, muy golfa, para pasar un buen rato al estilo de tantos dúos cómicos a los que ellos mismos mencionan: Martes y Trece, Cruz y Raya,… Pero la diferencia es notable, ya que poseen unas voces privilegiadas para hacernos disfrutar con las parodias más disparatadas que se les puedan ocurrir. Pronto los podríamos ver en algún «especial» de esos de Nochevieja porque están al nivel de los grandes y tienen todas las papeletas para ganarlo.Por el escenario desfilarán voces conocidas y petardas en acción que hacen que pasemos un buen rato mientras nos tomamos una copa, un buen plan para después de cenar y comenzar bien el fin de semana.
Luis Mª García Grande.
EL CASTIGO SIN VENGANZA en los TEATROS DEL CANAL
Ernesto Arias dirige este conocido y hermoso Lope de Vega trágico, con montaje acertado que se resuelve con una espléndida escenografía original de Almudena López Villalba, una hermosa iluminación de Chaine Yavroyan y un movimiento de actores en escena que crea unas realidades continuas, superpuestas y oníricas que llenan de belleza los ojos. Propuesta actual de la Fundación Siglo de Oro (RAKATá), en la que el verso está muy bien dicho en general, lo que hace comprensible toda la historia, algo que se agradece desde el público, con un efectista final que se queda en la retina como un cuadro barroco, hermoso y trágico. Destacar cómo no a Julio Hidalgo, siempre creíble. Alejandro Saá que se dobla en narrador y criado y que juega tan bien las intenciones del verso. Jesús Fuente, un Duque que transmite seguridad y experiencia. Elena González como Lucrecia, una madrastra dulce y generosa que termina amando con toda la pasión del amor y Pablo Gómez Pando, que defiende con mucha dignidad el personaje de Federico. El resto muy bien. Un grupo compenetrado y compensado. El público abarrotaba la Sala Verde de los Teatros del Canal y la ovación fue grande y merecidísima, así sale uno del teatro encantado de pasar dos horas entretenido y feliz.
Ángel Savín
http://www.teatroscanal.com/espectaculo/el-castigo-sin-venganza-teatro/
Mentiras y verdades en la escena madrileña
Si hay un mandamiento que no permite mentir, será por algo. Mentimos muchas veces para ocultar la verdad, porque si dijésemos siempre la verdad, sería terrible y no podríamos convivir con los demás…
En la cartelera de Madrid hay dos propuestas que juegan en ambos bandos…en una la mentira es el eje del espectáculo y en la otra, decir la verdad a toda costa es lo que mueve la acción.
Sushi_mentiras_y_cintas_del_pelo_ de Luis García-Ferreras en Labruc, nos muestra el laberínto enloquecido de estrategias que la protagonista ha de hacer para conseguir que su pareja no asista a la primera cena con los padres de ella. Habría sido tan sencillo como decirle que tenía miedo a que al hacer pública su historia de amor, los demás la desmontasen. Pero como no somos capaces de aceptar nuestras inseguridades, convertimos momentos de placer en situaciones terroríficas. La comedia es la mejor manera para afrontar estas situaciones y en Sushi…hay muchos gags delirantes que acompañan al público en horas golfas de programación y de los que son artifices los dos actores de esta pieza… Mónica García-Ferreras y Joan Pico.
Los cuatro de Düsseldorf de José Padilla en El Sol de York, es el resultado obtenido gracias a las residencias artísticas que promueve este espacio escénico. Y aquí, el eje de la trama es, precisamente…¿Qué pasaría si siempre decimos la verdad?…Pues que esta opción se convierte en un arma potente con la que cambiar las manos de quién mueve los hilos del poder. Solo la verdad no puede existir, para que ella entre en juego ha de situarse encajada entre un par de mentiras creíbles. El ingenio de los que están manejados por los poderosos, provoca ideas disparatadas con las que conseguir que quien manda se convierta en un pelele y quien ha estado oprimido consiga desligarse de esta lacra. Rítmo escénico y juego teatral en un espacio sencillo para mostrar este loco juego del ratón que persigue al gato. Y para ello, cuatro actores entregados a la ficción: Mon Ceballos, Helena Lanza, Delia Vima y Juan Vinuesa.
Adolfo Simón
Que Revienten los Artistas 
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