Crónica para un desgaste/Extenuarse por FESTUCS/Quim Bigas en el VII Ciclo Puente Aéreo de DT Espacio Escénico.
Crónica para un desgaste es una pieza directa y por encima de todo sincera. Refleja la energía de la juventud actual de una manera brutal, cargada de violencia, belleza y humanidad. Nos presentan una danza que comprendemos porque es parte de nuestra historia. Con un ritmo trepidante y una limpieza técnica admirable. No hay distancia en absoluto, nos identificamos con ellos y viajamos por los estados que transitan. De esta manera nos movilizan, casi sin darnos cuenta sentimos cada golpe, cada gota de sudor, cada temblor…
Son la voz de una generación de jóvenes encorsetados en rutinas, dudas y responsabilidades para las que no están preparados. Su vitalidad juvenil es comprimida en un estado de precariedad y falta de expectativas que acaba desbordándose a bocanadas en una noche.
Marian Patilla
Latente de Paula Quintana en BB 2016
La Fundación SGAE, con la colaboración de la Federación Estatal de Empresas y Compañías de Danza (FECED), ha organizado la II edición del ciclo de danza Bailar en la Berlanga (BB) del 16 al 21 de febrero en la Sala Berlanga. Una muestra cuyo objetivo es promocionar la danza que se hace en la actualidad en nuestro país en sus variados géneros y estilos: el neoclásico, el flamenco o el contemporáneo, abordados, en algunos casos, desde una perspectiva experimental. Bailar en la Berlanga (BB 2016) propone un diálogo permanente entre el público y una selección de creadores de reconocido prestigio en el panorama nacional e internacional. La programación ha comenzado hoy martes con la puesta en escena de Latente, espectáculo de flamenco experimental de Paula Quintana. Una pieza sencilla con un arranque mágico y sensorial donde la actriz-bailarina se deja bañar por la luz que provoca una corporeidad llena de sensualidad. En la segunda parte de la pieza, Paula instala un pequeño paraíso de juego y disparate para reflexionar sobre el sentido de la espera escénica a través de la palabra y el cuerpo.
Adolfo Simón
Si pudiera hablar de esto no haría esto de Janet Novas en el Teatro Pradillo dentro del Festival de Otoño a Primavera
Novás es una de las figuras más destacadas de la danza contemporánea española de los últimos tiempos. Con sus creaciones, de tinte experimental, ha sabido crear un lenguaje propio, empleando el cuerpo como herramienta y dotando sus montajes de un fuerte contenido emocional, que sirve de contrapeso a la estudiada sencillez estética de sus puestas en escena. Tras haber trabajado como bailarina junto a artistas y compañías de la talla de Daniel Abreu o Les Ballets C de la B, Novás comienza su carrera en solitario como creadora e intérprete en el año 2008. Sus últimos trabajos, Cara pintada y Who Will Save Today?, han sido presentados en prestigiosos festivales nacionales e internacionales, obteniendo una gran acogida entre público y crítica. Si pudiera hablar de esto no haría esto, coproducida por el Festival de Otoño a Primavera y el Teatro Pradillo con los festivales Escenas do Cambio y BAD Bilbao, es su cuarta creación en solitario, que encuentra en el muerte y en el dolor su punto de partida. En esta ocasión, se enfrenta a un solo complejo, un territorio lleno de obstáculos técnicos que ella va desentrañando a fuerza de constancia y energía. Su cuerpo, a veces frágil parece sucumbir en el intento pero, de nuevo, vuelve a esa cuenta numérica que le permite retomar el tránsito hacia un nuevo límite espacial o corporal; una indagación sobre el precipicio del cuerpo y la desnudez emocional.
Adolfo Simón
Nexo(s) en Nave 73
Desde el primer minuto flota en el ambiente una sensación de sondeo, de reconocimiento, como si al lanzar nuestra mirada por la nave semi-iluminada el receptor fueran unos ojos inquisitivos ansiosos por saber más de nosotros. Una vez terminan los preliminares se despliega un tejido ricamente hilado donde cada uno se reconoce donde quiere. Siento que la belleza de nuestros días ha de acoger cariñosamente el error, entendido como espasmo de humanidad frente a la perfección mecánica de la máquina. Yo me reconozco en los temblores, en los titubeos, y mirando con distancia creo que engrandecen un espectáculo que de otra forma estaría demasiado bailado.
La belleza de las dos intérpretes en los fragmentos de juego coreografiado es conmovedora. Cuando aparece el teatro, la palabra, cuando los cuerpos estallan y gimen, me es imposible no identificarme con ellas y revolverme en el asiento. Prefiero las imágenes más grotescas, las articulaciones llevadas a su límite y la copia recíproca de las torpezas. No se trata de destreza técnica (de sobra demostrada durante todo el espectáculo) sino de la intensidad. Ésta se reconoce mejor cuando no está disimulada por la geometría del ballet clásico.
Creo que la profusión de recursos es a la vez el punto débil y el punto fuerte de este montaje. Hay una bellísima armonía entre ellas dos, y entre ellas dos y el espacio. La acción es por momentos muy sincera y al estar compuesta con maestría la impresión es de gran belleza. Sin embargo echo de menos el agotamiento, la profundización en menos elecciones. En lo formal se queda a medio camino entre dos pinturas: “La amistad” de Egon Schiele y “Gabrielle d’Estrées y una de sus hermanas”, el famoso cuadro anónimo que cuelga en el Louvre. La preferencia por uno u otro es cuestión de gustos, aunque después de Nexo(s) queda claro que el equilibrio, aunque diplomático, también es bello.
Francisco Martínez
De flor en flor de la Cia. de danza Fernando Hurtado en Cuarta Pared
Hay que estimular a los niños-as a colaborar y poner empeño en la realización de sus deseos…En esta propuesta, atravesando las cuatro estaciones, dos personajes nos muestran las dificultades que van surgiendo para poder relacionarse y que vencen gracias a la constancia. Una pieza de danza y plasticidad muy sugerente.
Adolfo Simón
Silicon Valley Ballet en Los Teatros del Canal
El Silicon Valley Ballet nos acerca su repertorio durante unos días en los Teatros del Canal, en los que podemos disfrutar de toda una mezcla, unas veces más interesante que otras, de clásico y contemporáneo.
El menú que nos presenta es heterogéneo y pretende mostrarnos una degustación de varias de las veinte piezas que presumen de montar al año…(una barbaridad). Pero puede servir de muestra y ejemplo para los que van empezando a familiarizarse con el ballet
La versatilidad, por lo tanto, es una característica que puede jugar a favor o en contra de uno mismo: a favor si se logra un mínimo nivel de exigencia en todo y en contra cuando uno de los lados de la balanza falla. Aún así es interesante ver un Pas de Deux -el que vi era Diana y Acteón– que, aunque inspirado en Petipa, huele a norteamericano.
En Glow-Stop nos dejamos envolver por la música de Phillip Glass, maravillosa por sí misma, y apreciamos más control sobre la coreografía y sobre la técnica de los bailarines, seguramente más motivados por ésta.
En Prism hay un bajón interpretativo, de vestuario y de coreografía. Juegos de colores muy vistos, montajes con hilvanes… Algo anticuado para haber sido creado en 2014 a pesar de la brillante música también de Keith Jarrett, aún así los bailarines ponen todo su empeño en defender este montaje.
La guinda del pastel está bien elegida: la famosa Minus 16 de Ohad Naharin que abre puertas a una corriente más fresca en el mundo de la danza, con estudiadas «improvisaciones» y con música más popular y accesible a un público que acabará participando e implicándose en la coreografía como invitado especial.
El aderezo justo para salir con buen gusto de boca en el postre aunque el menú sea plat de resistance.
Luis Mª García.
Monsieur de Pourceaug de Molière y Lully en los Teatros del Canal
Estrenada en 1669, “para los divertimentos del Rey”, raramente representada en fechas modernas, Monsieur de Pourceaugnac resume algunos de los temas preferidos de Molière: matrimonio, dinero, enfermedad…Recién llegado de Limoges para contraer matrimonio, Pourceaugnac es manipulado por doctores, mujeres, autoridades, pícaros, etc., hasta que debe huir de París. Tomando la forma de una sencilla comedia, inspirada en la commedia dell’arte italiana, Monsieur de Pourceaugnac es una de las más sombrías y crueles obras de Molière. Desde que William Christie fundó Les Arts Florissants en 1979, su actividad ha sido incesante. Especializados en música barroca, el ensemble debe su nombre a la ópera homónima de Marc-Antoine Charpentier, que fue su primera representación integral. Una producción firmaba por el Théâtre des Bouffes du Nord es garatía de investigación, rigor y placer, además, para esta ocasión se han aliado con Arts Florissants y el Centre International de Créations Théâtrales consiguiendo una obra total como resultado final. Pocas veces se puede disfrutar de un espectáculo donde el texto nos muestra, de manera critica, la hipocresía de la sociedad a través de una exquisita música en directo y una propuesta escénica inteligente en la que los actores cantan, bailan y actúan con entrega energética y emoción.
http://www.teatroscanal.com/espectaculo/monsieur-de-pourceaugnac/
Adolfo Simón
«Don Quijote» de la Compañía Nacional de Danza en el Teatro de la Zarzuela
Estas Navidades vamos a poder disfrutar de un montaje excepcional de la Compañía Nacional de Danza. Hace muchos años que no se montaba un ballet académico en gran formato para ser mostrado al público por esta compañía, concretamente desde 1989 (!).
Por eso ha sido todo un acierto elegir «Don Quijote» para retomar el repertorio de puntas y José Carlos Martínez ha montado la obra basándose en las coreografías originales de Marius Petipa y Alexander Gorski sobre la partitura de Ludwig Minkus con gran acierto y suficiente capacidad para alcanzar una calidad exquisita.
«Creo que la CND ha evolucionado mucho desde que llegué, cuando era exclusivamente contemporánea y tuve que volver a introducir el trabajo en puntas para completar mi proyecto, con la puesta en escena de un ballet de repertorio y con música en vivo» ha comentado el director.
Se ha dotado de poética los personajes de Don Quijote y Sancho, que acompañan a los bailarines principales que rememoran el pasaje de Las bodas de Camacho de la segunda parte del libro. Además se ha buscado salir de la rigidez de la escuela rusa incorporando pasos más españoles de bolero y fandango, completando enriqueciendo esa labor de Petipa y Gorski y haciendo más compacta e interesante la obra para el público español. Hay que mencionar la gran capacidad de trabajo que ha debido suponer, no sólo para Martínez sino para toda la compañía, sacar adelante semejante tarea a pesar de la escasez de medios y presupuesto con el que cuenta.
Para todo esto se ha ayudado de la labor de la bailarina de la compañía de Antonio Gades: Mayte Chico, que ha declarado que «Petipa estuvo en España y llevó a Rusia el baile español, pero, claro, los rusos son más envarados bailando. He querido hacer el Don Quijote que Petipa habría soñado, sin alejarme del espíritu tradicional».
Por destacar algo en concreto dentro de este montaje, hay que decir que en el segundo acto sobresale la escena de las dríadas, con un cromatismo en vestuario y luces sorprendente y la resolución que se ha pensado en la escena en que Don Quijote se enfrenta a los Molinos de Viento, creando la puerta hacia ese mundo maravilloso lleno de dríadas por el que transita su adorada Dulcinea.
En lo que respecta a los bailarines principales invitados en el estreno, Joaquín de Luz y Seh Yum Kim, estuvieron a la altura de semejante partitura y montaje, luciendo y exhibiendo toda su profesionalidad en sus solos y pas a deux.
En definitiva, todo un bombón para disfrutar solo o en familia del resurgimiento esplendoroso del ballet clásico en la CND.
Luis Mª García Grande
El cínico de Chevi Muraday en la Sala Margarita Xirgú del Teatro Español
La danza regresa al Teatro Español y lo hace de la mano del coreógrafo Chevi Muraday y su espectáculo El cínico. El montaje sobre el filósofo Diógenes de Sínope, que estará en la sala Margarita Xirgu hasta el 10 de enero, es una idea original del coreógrafo, que cuenta con la dirección escénica de David Picazo y los textos de Pablo Messiez. Cuando murió Francis Bacon, dejaron su estudio de trabajo tal como estaba el último día en el que el genial pintor estuvo allí peleando con sus fantasmas, hoy se puede visitar como si de la sala de un museo de tratase; es una oportunidad única para entrar en el imaginario de este creador, convivir con sus fantasmas y sus inseguridades. Chevi, fiel a su línea de trabajo, en la que no baja el listón del riesgo, realiza un ritual donde confluye la danza, la música, la palabra y el espacio, este último es un intérprete más en ese baile catártico en el que se busca una luz al final del tunel que de sentido a la existencia.
Adolfo Simón
Resilenza D´Amore de Rossy de Palma en el Teatro Español
Rossy de Palma transita por el escenario del Teatro Español como una sonámbula, como una loba herida que busca que alguien le lama las heridas. Este espectáculo podría llamarse «Páginas arrancadas de un diario de desamor»…pero no, se llama Resilenza D´Amore porque la artista consigue que el arte, a través de su extraña belleza, redima su dolor y desesperanza. A veces lo hace desde el llanto, en otras juega paródicamente o crea sensaciones a través de presencias e imágenes impactantes. Todo el conjunto, construye un collage surrealista y emotivo en el que cada espectador puede reconocerse en alguno de los fragmentos de un espejo que se estrella contra el patio de butacas, cegando al público y propiciando lucidez al animal herido que, al final, besa con fervor las paredes del teatro.
Adolfo Simón
Vuelos de Aracaladanza en el Teatro de la Abadía
Después de inspirarse en Miró, Magritte y El Bosco, la compañía Aracaladanza, se adentra en la imaginación del genio visionario de Leonardo de Vinci. Aracaladanza pretende con este nuevo espectáculo —tras su trilogía basada en artistas plásticos, que ha girado por todo el mundo— dar alas a la imaginación con el impulso creador que multiplicó, sin tregua, el hombre renacentista interesado por todos los campos del saber y la creación. Enrique Cabrera, junto a un equipo creativo de lujo y a unos intérpretes excepcionales, construye una propuesta sobria, luminosa en la que las formas y las figuras van componiento un puzle exquisito que nos refiere al universo inventivo de Leonardo. Un espectáculo de factura impecable que hará las delicias de todo el público que acuda a verlo.
Adolfo Simón
Cierre de ciclo de danza
Esta semana se han cruzado dos eventos de danza en la cartelera madrileña, por un lado, el señero Certamen Coreográfico de Madrid con un gran nivel creativo y de participación por parte del público, resultaron ganadores de la edición de este año: Primer Premio para Carmen Fumero y Miguel Ballabriga por «Eran casi las dos” y Mención especial del Jurado a un coreógrafo con voz clara de autor y programación en Tanec Praha, Praga: David Guerra por «Outline”. Y por otro, se clausuró Madrid en danza 2015 con un espectáculo curioso: Pavement, creado en un contexto social gracias al cual se demuestra que el arte puede ser una buena herramienta para conseguir la rehabilitación de un entorno de difícil convivencia.
Adolfo Simón
La pensión de las pulgas propone…(remor) en el Barrio de las Letras
El barrio de las letras de Madrid crea espacios de cultura para potenciar la peculiaridad de esta zona del corazón de la ciudad. Este fin de semana hay una experiencia insólita fomentada por La pensión de las pulgas. Tras una gira internacional, (remor) recala en la calle de Huertas, 71… Al aire libre, para que los transeúntes puedan acercarse e introducirse en el cubo donde les espera una experiencia nada convencional…Pocas veces tenemos la oportunidad de vivenciar lo que ocurre en esos espacios de privación de libertad cuando solo queda, como posibilidad de huida, dejar que nuestra mente se aferre a los recuerdos, a las experiencias vividas que siguen dando aliento vital al aislamiento. Para público inquieto, que no tiene oportunidad, en esta ciudad, de asistir al rito contemporáneo y existencial…Acudid a esta cita para grupos pequeños en pases continuados. El Microteatro ha cobrado mucha popularidad en los últimos tiempos, aquí hay una pieza breve que tiene los ingredientes de una obra compleja y emocionante.
Dentro se recrean las dimensiones exactas de la celda de una cárcel. Solo 16 espectadores entran a cada pase de esta insólita función.
La obra ha ganado el Premio: TOTAL THEATRE AWARD a la Mejor Creación de Teatro Físico/Visual en el Festival de Edimburgo 2012.
SÁBADO 5: 20h, 20.20, 20.40, 21h, 21.40, 22, 22.20. 22.40.
DOMINGO 6: 17h, 17.20, 17.40, 18h, 18.40, 19h, 19.20, 19.40
Adolfo Simón
Triángulo de danza
¿No has tenido la sensación, a veces, de estar viendo unos espectáculos y que ellos van conformando líneas en tu cerebro, formando figuras geométricas?…Este fin de semana podría haber construido un triángulo equilátero pero ha salido una figura extraña…dos líneas breves y rectas, contundentes, de trazo grueso y de líneas definidas, que no alteran nuestro cuerpo porque se transforman en un trazo mental; estas dos propuestas fueron: Eran casi las dos de la COMPAÑÍA CARMEN FUMERO y The Primate Trilogy de la DRESDEN FRANKFURT DANCE COMPANY…Sin embargo, el otro lado del triángulo, todavía sigue transitando por mi cerebro, como creo que todavía sigue latiendo en el escenario… La obra que ha presentado Daniel Abreu: Venere…Existía antes de que llegásemos al teatro y seguí viva tras nuestra marcha. Allí, encerrada en la sala Verde del Teatro del Canal y en nuestras cabezas…Hay espectáculos que no se pueden describir porque las palabras no pueden acotarlos, porque las imágenes, las texturas o el latido que se instala en la escena son de otro tipo de mixtura idiomática. Realmente, Abreu está llegando a un momento de creación y concreción estilística y poética abrumadora. Probablemente, ha sido, lo mejor del Festival.
Adolfo Simón
Danzad malditos dirigida por Alberto Velasco en Matadero Madrid
Hay una metáfora poderosa suspendida entre el polvo que deja en el aire las zancadas de los caballos humanos que transitan desbocados y perdidos por esa tierra yerma que va engullendo lo que fuera un salón de baile…y en medio de ese lugar de lucha y muerte inútil…una pequeña planta da muestras de vida, de futuro posible. Habría sido fácil reconstruir la película, la desazón de bailar hasta la extenuación para nada, pero el equipo de esta propuesta ha sido más inteligente y se ha quedado con esa pelea animal que habita en el fondo trayéndola a nuestros días…a esta constante lucha por sobrevivir y existir en la nada, por querer acceder al triunfo y al éxito aunque sea pisando al otro o llenándote la boca de tierra…El espacio escénico es de una belleza dolorosa, inquietante, la luz ciega a los personajes para que pierdan aún más la orientación…y el grupo de intérpretes se dejan la biografía personal entre los pliegues de la ropa…Félix Estaire ha ido al corazón de la historia para exprimirla y dejar solo arañazos de palabras en boca de los cuerpos exhaustos…Y Alberto Velasco acompaña sin titubeo este engranaje poético al abismo, esta experiencia salvaje para el imaginario del espectador.
Adolfo Simón
Danza despojada
Este fin de semana han coincidido en Madrid una serie de espectáculos de danza que tenían como denominador común, la esencialidad, el despojamiento absoluto de cualquier detalle superfluo que distrajese sobre lo que se quería contar y como.
Dentro de Madrid en danza, tres propuestas a cuál más radical y sugerente. En el Teatro de la Abadía se presentó “Tsura” que se traduce como “rostro” o “superficie”. Con esta pieza, que se ha visto por primera vez en España, la compañía OrganWorks se adentró en el concepto de identidad recurriendo al arte y la literatura, en un proyecto que une a la artista visual Midori Harima y a los músicos Masayuki Kagei y Kazunari Abe, maestro del shinobue (flauta japonesa). Sobre el escenario ocho intérpretes desplegaban una hipnótica coreografía que giraba alrededor del elemento simbólico de la máscara, descubriendo un sutil universo de poesía contenida y una fuerte vinculación con las artes escénicas tradicionales japonesas, como el teatro Noh. En la sala roja de los Teatros del Canal, Tragédie, a través de la cual, Olivier Dubois nos enfrentó a un “sentimiento del mundo”. Sobreexpuestos en su desnudez, nueve mujeres y nueve hombres se fundían, produciendo, con el roce de sus acciones y movimientos, un estrépito. Conjurando una forma corporal única y distinta que les despojaba no solo del vestido, sino también de todo su bagaje histórico, sociológico y psicológico. Y en Cuarta Pared, una experiencia única e inolvidable: MatchAtria, una instalación coreográfica multimedia que nos invitaba, a los exclusivos espectadores, a establecer un contacto íntimo con el corazón de la bailarina. El título combina las palabras “matcha” (“té”), en alusión a la ceremonia japonesa del té, y “atria”, el término anatómico para la aurícula, el atrio del corazón. En colaboración con el internacionalmente reconocido artista visual y director de cine Yoshimasa Ishibasi, la bailarina y coreógrafa japonesa Yui Kawaguchi ha diseñado “una ceremonia del corazón”. Sobre el escenario, la artista interaccionaba con proyecciones de vídeo en 3D que configuran paisajes oníricos. Mientras, una herramienta diseñada al efecto permitía a los espectadores sentir los latidos de Kawaguchi en directo, conectando con ella en una experiencia única. MatchAtria permite ver, oír, tocar y experimentar los mundos vibrantes que contiene nuestro cuerpo; más que nunca, es imposible contar lo que se sentía en el patio de butacas.
Y en Teatro Pradillo, un programa doble performático, en la primera pieza, Magdalena Leite & Aníbal Conde nos ofrecieron una sesión de dance sin ningún tipo de elemento externo añadido, los cuerpos desnudos se movían inspirados por una música que solo escuchaban ellos, una deconstrucción músico corporal curiosa y como cierre, en la segunda pieza, Luis Moreno Zamorano empieza su trabajo cuando está saludando al público al final de una supuesta pieza, lo que ocurre a partir de ese momento es el laberinto en el que el artista se sumerge para entender qué ha realizado sobre el escenario, intentando descubrir si sus miedos han sido más poderosos que el deseo de comunicar.
Adolfo Simón
INÉS NARVÁEZ: «Me considero un bebé creativo y hoy por hoy mis asideros son mis vivencias, necesito que sean muy reales para no perderme y divagar más de lo que ya divago.»
¿Cómo fueron tus inicios en la danza?…
Empecé en la escuela de Carmen Senra con 21 años. Venia del teatro y necesitaba hacer más trabajo corporal y menos texto.
Después de Senra entré en el Conservatorio Profesional de Danza de Madrid y tube la suerte de tener grandes maestros que me enseñaron y prepararon para la creación y la escena, en especial Pedro Berdayes y Christine Tanguay.
¿Qué balance haces sobre tu trayectoria?…
Como intérprete he tenido la suerte de participar en trabajos de Berdäyes, Friedman, Werner, Runde y Sarmiento y como creadora e intérprete he participado en varios proyectos de creación de compañías – TACH, La Mínima y Kubuk – las dos primeras de creación colectiva.
Ahora con algo de bagaje he decidido empezar a crear mis propias piezas.
«Un minuto de silencio» fue mi primer trabajo en solitario y «Reflexiones…» es mi segunda pieza.
¿Cómo ves el panorama de la danza en nuestro país?
Complejo.
Creo que la falta de apoyos y de trabajo han hecho que mi generación se instale en el pesimismo. No se puede, por tanto no hago. Y si hago es en unas condiciones que no son las idóneas. No nos dejan, ni nos dejamos, soñar.
¿Qué colectivos te interesan?…
Me interesan todos los públicos y con todos me refiero a cualquier persona que pase por la calle sea cual sea su condición, raza, formación o sexo.
Háblanos del proyecto que presentas en DT…
«Reflexiones de una disléxica» nace antes que «Un minuto de silencio», lo que pasa es que entre medias mi madre muere y la «Disléxica….» se quedó guardada en un cajón.
Durante la producción de 10 & 10 danza EPISODIOS trabajé como ayudante de producción y de la dirección con Mónica Runde con quien compartí la idea del proyecto y se ofreció a formar parte de el.
Me considero un bebé creativo y hoy por hoy mis asideros son mis vivencias, necesito que sean muy reales para no perderme y divagar más de lo que ya divago.
¿Qué temas o propuestas te seducen a la hora de poner en pie un proyecto?.
Creo que te he contestado en la pregunta anterior, pero no puedo dejar a un lado la estética.
Mis ideas empiezan por ahí. De hecho «La disléxica» comenzó por unos trajes blancos (que Mónica inmediatamente sacó de un flycase de 10 & 10) y el retrato de Ofelia.
¿Hay un proceso o plan de trabajo que sigues habitualmente cuando empiezas un nuevo trabajo?…Háblanos de ello…
Divago, hablo de las ideas, tomo té con las personas que van a participar. No ensayo antes de tener clara la estética y lo que quiero comunicar con la pieza.
¿Cómo está afectando los recortes y el aumento del I.V.A. a tu trabajo?…
Hasta ahora he autofinanciado mis proyectos trabajando en otras cosas y he tenido la suerte de tener un gran apoyo por parte de DT Espacio Escénico y de 10 & 10 danza.
Obviamente si el IVA fuera menor tendríamos más espectadores y teniendo en cuenta que el caché es ciencia ficción y vamos a taquilla…
¿Se pueden plantear propuestas arriesgadas hoy?…
Teniendo claro dónde presentarlo, si.
¿Qué referentes en la danza internacional tienes?…
Pina, Sasha, DV8… pero no tanto referentes, sino que los disfruto y los aprendo.
¿Qué espectáculo de danza has visto últimamente que te haya interesado?…¿Por qué?…
EPISODIOS. Muy interesante porque he podido seguir el proceso de cinco distintos creadores. El trabajo de Claudio Faci en la Dirección Escénica me ha parecido espectacular, y ver a cuatro creadores muy distintos en su forma de concebir una obra y cómo una misma intérprete habita universos tan dispares.
¿Proyectos?…
Siempre.
Ahora mismo tengo dos en la cabeza.
El más inmediato – aún sin título – es un trio que espero estrenar en abril o mayo. De nuevo trabajaré junto a Runde y nos acompaña Denislav Valentinov con quien ya coincidí en TACH y estudiamos juntos en el CPDM.
Luego queremos seguir con las «Reflexiones ¿de qué?…».
Las 4 estaciones de Teresa Nieto en Compañía dentro de Madrid en Danza 2015 en el Teatro de la Abadía
Teresa Nieto presenta una nueva producción en la edición de Madrid en Danza 2015, un trabajo concebido desde la esencialidad del espacio y las figuras de baile. Durante la obra recorre paisajes, recorre las cuatro estaciones, no tanto en lo formal y si más en lo espiritual, es un trayecto por las emociones y sensaciones interiores que solo en algunos momentos se verbalizan. Paisajes sensoriales donde descubrimos como el cuerpo se modifica por un cambio de temperatura o color, como el espacio se vuelve más frio o vulnerable según es transitado por los bailarines de un modo u otro.
Adolfo Simón
Siete lunas de Malpelo con María Muñoz y El niño de Elche en Pradillo
Siete Lunas nace del encuentro entre Niño de Elche y María Muñoz en la edición 2013 del programa Flamenco Empírico / Ciudad Flamenco de Barcelona como propuesta de su director artístico Juan Carlos Lérida, en colaboración con el Mercat de Les Flors de Barcelona. María Muñoz siempre está indagando en nuevos mestizajes escénicos, no hay propuesta de Malpelo que se parezca a la anterior y, sin embargo, siempre hay ese sello de rigor en el trabajo corporal y discurso conceptual sobre todo aquello que le puede preocupar a un artista de hoy. La pieza es un delirio delicioso al encontrarse escénicamente esos dos mundos peculiares…el de la danza de María y el cante y toque de El niño. Una obra que recupera el placer y riesgo de los creadores para deleite del público.
Adolfo Simón
Origamí de Ángels Margerit dentro de las Semanas Internacionales de Teatro en Cuarta Pared
Origamí es el arte de hacer figuras y mundo a partir de los pliegues de un papel. Àngels Margerit crea un espectáculo lleno de imágenes poéticas en movimiento, como si cada paso de los bailarines o de los materiales que aparecen en escena fuesen esos pliegues que van creando formas y figuras constantemente. Los cuerpos, el espacio, los objetos, las proyecciones, todo va conformando los pliegues y repliegues de esta sugerente pieza de danza y poesía visual.
Adolfo Simón
Danza apocalíptica en Madrid
Este fin de semana en el que se inicia Madrid en Danza se han podido disfrutar de varios espectáculos de baile apocalíptico, en la primera, Introducing The Star de Pablo Esbert y Federico Vladimir en Cuarta Pared no se usa este término en ningún momento, pero, tanto su estética, música, iluminación y proyecciones, parece que aluden a un tiempo futuro donde los seres estarán mutando hacia otra dimensión mental y corporal…Una paranoia enloquecida de principio a fin.
Y en La Casa Encendida, fuera del ciclo de Madrid en danza, la artista Sonia Gómez ha invitado a Amalia Fernández para trabajar juntas en «Bailarina III» donde hay un momento apocalíptico…Una experiencia en proceso a través de la cual, Sonia va invitando a diferentes performers para que reinterpreten su pieza de danza. En esta ocasión, en la Terraza de la Casa, hemos disfrutado de una mañana soleada con baile y juego imaginativo por parte de las intérpretes.
Adolfo Simón
2 x 4 de Leire Amonarriz en la Casa de Vacas de Madrid
Dentro del sugerente circuito cultural del Ayuntamiento de Madrid, se ha presentado hoy, en La Casa de Vacas, una pieza de danza plástico escénica muy curiosa que ha atrapado al público familiar. 2 x 4 de El Lagarto baila combina teatralidad de manipulación de objetos con danza contemporánea. Una pieza sencilla llena de guiños a los niños a través de formas y colores. Otra forma novedosa de acercar la danza y el arte a los más pequeños.
Adolfo Simón
Beautiful Beach de Antonio Ruz en LazonaKubik
Todos hemos estado alguna vez en un hotel donde han tratado de hacernos sentir bien con métodos un tanto extraños, el tiempo no podrá borrar las escenas de aquellos momentos y vuelven a nuestra memoria una y otra vez…¿Deformadas?…¿Nítidas?…Antonio Ruz trata de indagar en Beautiful Beach con lo que recuerda y lo que le provoca el recuerdo de la experiencia vivida hace diez años en un hotel peculiar. En escena, los bailarines y los músicos entran en la atmósfera del recuerdo para construir imágenes reales y a veces inventadas en un cuerpo a cuerpo contra el espacio, los objetos y lo recuperado del imaginario desenfocado…Una pieza donde lo teatral se cruza con el movimiento y la danza crea situaciones escénicas de esa memoria reinventada.
Adolfo Simón
Cuisine & confessions de Les 7 Doigts de la Main en el Circo Price
Al día siguiente del estreno me crucé con cuatro de los intergrantes de Les 7 Doigts de la Main que recorrían la calle preciados pasadas las doce de la noche. Iban abrazados y alegres, soltando alguna risa y bromeando con sus bufandas. Verlos en la calle hacía parecer lo que había sucedido en el circo price unas horas antes un suceso de otro mundo. La descomunal destreza que desplegaron el miércoles (y eso que se notaba que no tenían su mejor noche) era invisible al verlos camuflados entre los peatones. Pero en escena se vieron fuertes, brillantes, arriesgando al máximo mientras desde las butacas conteníamos la respiración. Ver Cuisine&confessions es ver una receta de circo: ritmo ágil, sorpresa constante y un alarde técnico increíble. El público no paraba de aplaudir, agradeciendo cada gota de sudor. El aglutinante de sus acrobacias era la cocina como espacio y excusa de experiencias íntimas y colectivas. Y fue llevado con frescura, con ligereza, permitiendo también que entraran ráfagas de melancolía a través de los recuerdos de los intérpretes. Esta afortunada decisión contribuyó a redondear el conjunto y trascender lo anecdótico. Les 7 Doigts de la Main nos conquistaron literalmente. Y cocinaron con y para nosotros, dejando a ratos las acrobacias para batir la masa y hervir unos tallarines. Un juego cálido, familiar y sencillo que dio como resultado un espectáculo sabroso. El público participó con entusiasmo de una noche de cocina y ellos fueron a la vez acróbatas, bailarines y niños con las manos llenas de harina.
Javier Tirado
Que Revienten los Artistas 
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