DESDE EL LUGAR INESPERADO.
Cada edición del Festival Una mirada diferente ha tenido su correspondiente taller, en el cual profesionales de las artes escénicas compartían conocimientos con actores y actrices con y sin diversidad funcional. Este año el taller que se ofrecía era multidisciplinar, un taller de investigación para explorar qué y cómo contar utilizando las limitaciones como trampolín para el vuelo. José Luis Raymond trabajó cuerpo y espacio, Antonio Ruz el cuerpo, Sonia Megías el sonido y yo, lo narrativo. Laila Ripoll y Jose Padilla fueron los directores que se dejaron seducir por lo surgido durante la primera semana y, en la segunda semana, continuaron el proceso creativo que culminó en la presentación de la pieza que se vio el 1 de junio en Lunes con voz.
Durante estas dos semanas de taller, particularmente en la última, y en estos días de resaca, he pensado mucho en Momo, el personaje de Michael Ende. Momo, que sabe escuchar como nadie. Momo, que en el viejo anfiteatro lograba que con su sola presencia, su simple participación en el juego, los niños y las niñas jugaran mejor que nunca, no tuvieran tiempo de aburrirse. “Desde que Momo estaba allí, sabían jugar como nunca habían jugado.” Me gusta pensar que mi papel coordinando el taller fue intentar hacer lo que Momo: ofrecer la posibilidad de que todos, todas, jugaran como nunca habían jugado.
¿Qué pueden hacer 20 personas participantes, 4 artistas y 2 directores de escena jugando juntos? Arriesgarse. Probar con Antonio Ruz la duda en el cuerpo (y descubrir que solo se duda si se desea), entrar con Raymond en un espacio hecho de luz y oscuridad (y asombrarse de ambas), jugar con Sonia y el sonido (encontrando todo un mundo lleno de posibilidades), y a mi lado,jugar con los relatos y el espacio. Laila Ripoll y Jose Padilla lo metieron todo en su propia batidora, para ver qué salía. Lo que salió fueron exploraciones en el fértil territorio de lo imperfecto desde poéticas muy diferentes. Momentos de rara belleza y de belleza rara. Lo que salió fue pura alegría. Esa ave rara.
“Toda creación es una alegría” dice Compte-Sponville. No encuentro una manera mejor de expresar lo que viví durante las dos semanas de mayo que duró el taller. El lugar inesperado que apareció fue ese: la alegría de la creación. Por eso, más allá del resultado que el público vio el lunes, un resultado que soy incapaz de mirar con la debida distancia, yo recojo y guardo para mí la experiencia gozosa de momentos de creación compartida (¡desde el primer día!), belleza que sentía como algo que emanaba de los cuerpos y me tocaba, algo físico que ocupaba el espacio y me envolvía. Placer de estar viva exactamente donde estaba, compartiendo tiempo y espacio con 25 generosos artistas.
Magda Labarga
El triángulo azul de Laila Ripoll y Mariano Llorente en el Centro Dramático Nacional
En algún momento habrá que recoger en un libro el trabajo constante y arriesgado de algunas compañías de teatro madrileñas que han conseguido sobrevivir a una época donde los que deciden sobre cultura no han hecho más que mirar hacia otro lado. Estas compañías, a diferencia de las que se han formado en otros lugares de este país, han tenido que mantener la coherencia y la pelea por ser honestos con el teatro que hay que hacer y no con el que el respetable pide en un territorio lleno de confusión ideológica. Laila Ripoll y Mariano Llorente son dos profesionales de larga trayectoria en diferentes ámbitos de la escena. Aquí, al frente de un equipo espléndido, han escrito a cuatro manos una obra en la que, de nuevo, recuperan eso tan importante para el hombre moderno que es: La memoria. Porque sin memoria, sin saber cuáles son nuestros orígenes, no podemos «ser»: Sin pasado no existe el futuro. La obra es sencillamente necesaria en nuestros escenarios. Se propicia por fin esa labor que ha de tener el teatro, conseguir que la ciudadanía se encuentre y dialogue. Aunque es ficción, hay mucho de realidad porque sin mirar la vida no se puede imaginar un mundo mejor. Está hecha con amor y desde el amor, a la vida y al teatro. Una obra que debiera estar subvencionada para que se hiciese en todos las salas a puertas abiertas, para que nos reencontremos con el teatro y con el sentido profundo que este tiene. Y además, no lo hacen de manera maniquea ni fácil, juegan a la comicidad delirante de un cabaret de la muerte que permite distanciar el dolor para sentirlo de manera más profunda. Todas las piezas de esta propuesta encajan perfectamente, nada es casual ni gratuito. Si quieren ir al TEATRO, vayan a ver esta función.
Adolfo Simón
Jose Luis Patiño nos habla sobre su fructífera trayectoria en el teatro
¿Qué es el teatro para ti?…¿Por qué haces teatro?…
Me es difícil resumir lo que es el teatro para mi. Un juego exigente y divertido, una forma artística de comunicación, un lugar de encuentro con los otros y con uno mismo, un acto simultáneo de vanidad y generosidad…
Empecé en el grupo de teatro del instituto, después en el de la facultad y cuando llevaba dos años en la universidad me presenté a las pruebas de ingreso para la RESAD. Me cogieron y estando en el primer curso empecé a trabajar en la Compañía Nacional de Teatro Clásico, primero como figurante y enseguida haciendo pequeños papeles… Hago teatro porque la vida me ha llevado por este camino y porque siempre he sentido que éste era mi camino.
¿Qué balance haces de tu trayectoria como actor?…Háblanos de tus últimos trabajos…
El balance que puedo hacer de mi trayectoria es muy positiva: He tenido la fortuna de haber estado en espectáculos estupendos y haber hecho personajes muy interesantes y muy variados. Gracias a este oficio he podido conocer gentes y sitios inolvidables, a mis amigos, (casi todos) a mi mujer… Llevo más de 25 años haciendo teatro, viviendo con pasión esta profesión y siento que mi condición de actor es mi gran tesoro (algunas veces también mi maldición).
En los últimos meses antes de «EL Triángulo Azul» he estado interpretando a Tomás Moro en «Tomás Moro, una utopía», bajo la dirección de Tamsin Towsand. Una función muy curiosa escrita por varios autores isabelinos,( Shakespeare entre otros).Se estrenó en el último Festival de Almagro y hemos girado con ella hasta el mes de abril, con temporadas en Madrid (teatro Fernando Fernan Gomez) y Barcelona (Teatro Barts). Ha sido un trabajo muy intenso y muy agradable, con un equipo fantástico.
¿Cómo surge tu participación en el proyecto de El Triángulo azul?…Háblanos de tu personaje…
«El Triángulo Azul» es un proyecto muy personal de Mariano Llorente y Laila Ripoll que el CDN ha acogido como producción propia. Laila y Mariano son unos de mis mejores amigos, con los que, junto a Juanjo Artero, fundamos en 1991 la compañía Producciones Micomicón. Desde entonces hemos compartido muchas cosas. Mi participación en este espectáculo, como la de varios actores más, habituales en los espectáculos de Micomicón,(Manuel Agredano, Marcos León) viene de esa trayectoria de grupo.
Mi personaje en la obra es Toni (Antonio García en la realidad), uno de los miles de republicanos españoles que después de haber tenido que huir de España tras la guerra civil, acabaron en el campo de concentración de Mathausen.
Toni y Paco (Francisco Boix en la realidad) fueron asignados al laboratorio fotográfico del campo y consiguieron salvar miles de fotografías,(que los nazis intentaron destruir al final de la guerra), en los que quedaba exhaustivamente documentado todo el horror al que fueron sometidos aquellos seres humanos.
Aparte de este personaje también participo en los números musicales del espectáculo.
¿Cómo ha sido el proceso creativo?…
«EL Triángulo Azul» es un espectáculo complejo y muy exigente. El proceso ha sido muy intenso con la sensación en algunos momentos de que no había tiempo suficiente. Entre la mayoría de las personas del equipo ya había de entrada una gran complicidad por haber trabajado juntas muchas veces, y «las nuevas incorporaciones» gente maja,como Paco Obregón, enseguida fueron como compañeros de toda la vida y, especialmente los más jóvenes (Elisabet Altube y Jorge Varandela) nos han puesto las pilas a los más talluditos. Laila Ripoll es una directora que quiere a los actores, confía en ellos y que, teniendo muy claro el espectáculo, escucha.
¿Hay algún referente técnico o artístico del que has partido para crear el personaje?…
En este caso los referentes son básicamente históricos. Nos hemos documentado sobre la peripecia que pasaron estos hombres, leyendo, viendo imágenes reales y también alguna película que aunque no tratara directamente el tema, nos alumbrara sobre la vida en los campos.
¿Cómo preparas los personajes?…¿Cuál es tu método?…
En general, mi manera de prepararme los personajes parte de la lectura del texto. Esto puede parecer una perogrullada pero creo que a veces no se le otorga la importancia que tiene. Una lectura atenta del texto puede darte las claves fundamentales para crear el personaje. Lo siguiente es descubrir cómo anda, escuchar y por último ponerte la ropa.
¿Qué función crees que ha de tener hoy el teatro para la sociedad en la que vivimos?…
Creo que el teatro tiene una función maravillosa de entretenimiento, ese mecanismo por el cual el espectador te concede el permiso para llevártelo a «otro lado» con la única condición de que no le aburras, en sí mismo es fascinante y nos conecta con algo muy básico, muy primitivo que todavía llevamos dentro. Pero es que además desde ahí podemos encontrarnos y hacer reflexionar sobre aspectos profundos del ser humano con una intensidad,creo,mayor que en ninguna otra manifestación artística.
¿Cómo crees que está afectando la subida del I.V.A. y los recortes al teatro?…
Es evidente que entre la subida del IVA y los recortes en los presupuestos dedicados al teatro, tanto para la producción como las partidas destinadas a la contratación por parte de los teatros de titularidad pública, han dejado al sector sumido en una auténtica depresión de la que no sé como y cuando saldremos.
¿Cómo ves el teatro en estos momentos en Madrid?…
Creo que esta ciudad, a pesar de la crisis y de unos políticos municipales que no nos merecemos, tiene una vitalidad y una creatividad potentísima y creo que en los últimos años mucha gente joven encuentra en el teatro su forma de expresión. Teatralmente esto es lo más interesante de Madrid ahora mismo.
¿Alguna sugerencia para seguir creando en tiempos de crisis?…
No rendirse.
¿Qué obra de teatro has visto últimamente?¿Qué te pareció?…
Dionisio Ridruejo, una pasión española. interesante, buena dirección, buenos actores, factura impecable.
¿Proyectos?…
Tengo la sensación de que «El triángulo Azul» nos va a dar sorpresas agradables, tenemos funciones de «Tomás Moro» para el otoño y también hemos remontado un espectáculo histórico de Micomicón: «Atra Bilis». También hay algún proyecto con UNIR (la productora de «Tomás Moro»).
Micomicón cierra su trilogía con «Santa Perpetua» en la Cuarta Pared
Afrontar con humor las barbaridades sucedidas durante la Guerra Civil Española y hacernos reflexionar sobre ellas es una tarea ardua que exige mucho tacto y mucha mano izquierda. ¿Se puede ser santa y hacer milagros? Parece ser que Perpetua puede hacerlo. Postrada en su cama durante años se dedica a ser la futoróloga y cura enfermos más famosa de su entorno. Ella ha sabido ir modelando su vida, por las buenas o por las malas, para llegar a ser una santa reconocida y de prestigio… pero nada es gratuito y pronto se dará cuenta de que el pasado siempre vuelve por muy santa que seas y por mucho que hayas predicado y sanado. Una bicicleta muerta de risa en el garaje de Santa Perpetua será el desencadenante del destino, que siempre está escrito, aunque intenten reescribirlo o borrarlo. Y… cuando menos te lo esperas, el destino te da un puñetazo en el estómago.
Laila Ripoll se ha encargado de recuperar la memoria histórica a raíz de la aparición de esas fosas de represaliados del franquismo que pusieron en pie muchos recuerdos enterrados. Y lo hace a través del sarcasmo, de la ridiculización, del esperpento y de los valores tradicionales distorsionados en visiones apocalípticas. Ripoll se atreve a representar tradiciones que encubren moralidades pacatas y mojigatas y darles una vuelta de tuerca para demostrar lo engañado que ha estado un pueblo a costa de las invenciones de dirigentes y canónicos que no han hecho más que enterrar cadáveres a su paso.
Como ya habíamos dicho en las anteriores críticas, recalcamos:una trilogía indispensable.
Luis Mª García Grande.
«Los niños perdidos» de Micomicón en Cuarta Pared
Seguimos disfrutando, y mucho, de la «Trilogía de la Memoria» de Ripoll en la Sala Cuarta Pared con estos «niños perdidos». Un espectáculo dedicado a los padres y abuelos que padecieron la Guerra Civil y el Franquismo. La obra fue estrenada en el Teatro María Guerrero en 2005 y aún hoy tiene plena vigencia debido a la denuncia social que supone. Los niños, hijos de republicanos y olvidados del Franquismo que sufrieron las calamidades de esa institución llamada «Auxilio social».
Es importante destacar la labor dramatúrgica que nos aporta la iluminación en la obra creada por Luis Perdiguero y la escenografía de Arturo Martín Burgos, que nos trasladan a la estética de comics de terror o películas de Tim Burton y que nos cuentan lo que no se ve…
El trabajo de los actores sigue siendo magnífico, metiéndose en la piel de un niño que tiene que pasar por esas calamidades o en la de una monja de esas que tanto ayudó a que el régimen funcionara como debía funcionar.
Una obra imprescindible en una lección de lo que hoy llamamos «Memoria histórica»
Luis Mª García
Micomicón y la «Trilogía de la memoria» arranca con «Atra bilis»
Durante este mes podremos disfrutar de la trilogía que Laila Ripoll ha ido construyendo a lo largo de estos años. Años difíciles en los que nos ha hecho recordar las miserias y penurias de la España negra, como la bilis de los cuatro personajes que nos presentan esta semana su vida.
Es fácil hacer humor negro con todo lo que nos ha rodeado históricamente, pero no es fácil hacerlo bien y con una crítica encubierta entre las risas del público. Atra bilis es una obra redonda, en la que vemos a cuatro mujeres, y digo mujeres, de verdad -aunque sean interpretadas por actores masculinos- que dan vida a las penurias y engaños que ya nos relataba Lorca en su casa de Bernarda Alba. Una mezcla esperpéntica y sagaz de cuatro personajes, que defienden muy bien los cuatro actores, alrededor de un féretro nos hace darnos cuenta de que no hace muchos años los sucesos macabros más habituales se callaban con total impunidad… y muchas veces me pregunto si no estamos volviendo a esta situación cuando, por ejemplo, se da un paso atrás con una ley cualquiera…como la del aborto, se me ocurre.
Son tiempos complicados, en los que debemos mirar atrás pero saltar hacia adelante y no dejar que nos atrapen las arenas movedizas del miedo y del qué dirán y eso lo sabe muy bien esta compañía que ha tenido el desahogo de poder recuperar este repertorio comprometido políticamente, aunque no se hable de política y poéticamente, aunque no se hable en verso.
Pero es mejor que ustedes mismos comprueben estos días que la realidad no es como parece y que hay maestros del humor negro y de la dramaturgia que dan una vuelta de tuerca necesaria, incluso hoy en día aunque la obra se haya estrenado hace doce años.
Luis Mª García
Paco Bezerra nos habla de sus proyectos.
¿Cómo surge el proyecto AHORA EMPIEZAN LAS VACACIONES?…¿De qué va la obra?…¿Cómo ha sido el viaje dramatúrgico de El Pelícano a tu propuesta textual?…
Luis Luque había pensado montarla, ya tenía los actores y todo, de hecho hasta había hablado con ellos y se lo había propuesto, así que me pidió hacer la versión y yo acepté. Podríamos decir que se trata de un encargo, como la obra anterior que hice con él, La escuela de la desobediencia. La obra va de una madre desnaturalizada que tiene muertos de hambre y de frío a sus hijos desde el día en que nacieron, y esto lo utilizo para hablar de nuestro presente. El viaje dramaúrgico ha partido de los personajes y conflictos del original, pero podría decirse que he reescrito la obra. He metido elementos nuevos y he eliminado a uno de los personajes. También me he inventado alguna escena que otra, la del final, por ejemplo, en la que creo que no hay ni una sola palabra escrita por Strindberg.
¿Hiciste algún tipo de documentación sobre el tema antes de realizar tu texto final?…
Partí de las lecturas del original, vi varias veces el Estudio Uno que interpretó en su día Irene Gutiérrez Caba y Tina Sáinz, y, a partir de lo que todo esto me sugirió, empecé a investigar sobre el hambre y el apetito. Entonces, descubrí una isla en la que nadie jamás había pasado nunca hambre, en el Pacífico Sur, Vanuatu se llama, el lugar con mayor calidad de vida de todo el planeta Tierra. Y eché la imaginación a volar a partir de ahí.
¿Cómo surge llevarlo a La Casa de la Portera?
Ya estaba en la propuesta de Luis, venía con el encargo, todo en el mismo paquete. Si yo no hubiese hecho la versión, él la hubiese estrenado igualmente en La casa de la portera.
Eres un autor premiado…¿Sirven los premios para que tus textos se visibilicen?…
Sí, pero para que se visibilicen los textos que no han sido premiados. Curiosamente, los textos que han ganado premios importantes no se han hecho, esos no se representan, se representan otros que me encargan, pero las obras que han ganado más premios aún no se han hecho.
¿Opinas como algunos autores, que no hay que publicar un texto hasta verlo estrenado?…
No, si yo pensara así ahora no tendría más que tres textos publicados, y dos de ellos versiones o dramaturgias de otras obras que no son mías, originales, entonces, habría publicado sólo Grooming. Además, si no se publican antes de estrenarse… ¿cómo llega el texto a manos de un director de escena? ¿Cómo puede montar alguien un texto si no está publicado? ¿O cuántas obras hubiésemos leído de Don Ramón del Valle-Inclán? Imagino que habrá dramaturgos que tengan contactos y que conzcan a productores y directores de teatros, pero si no conoces a nadie publicar es la única manera de que tu trabajo tenga cierta difusión. No, qué barbaridad, yo no pienso así, yo soy dramaturgo, escribo para la Literatura Dramática, no para la escena. Si mis obras se hacen, fenomenal, pero si no se hacen yo las voy a seguir escribiendo igualmente. ¿Por qué no iba a poder tener la gente acceso a leerlas?
¿Qué balances haces de tus últimos trabajos como autor?…
El balance ha sido positivo. He estrenado tres obras en el último año y medio, así que no me puedo quejar.
¿Qué función crees que ha de tener hoy el teatro para la sociedad en la que vivimos?…
La de siempre: la de plantearle preguntas al lector/espectador, no ofrecerle respuestas, la de hacerle dudar de lo que piensa, la de cuestionarle y ponerle en un dilema moral ante una situación determinada… Viene siendo así desde antes de que naciera Jesucristo. El teatro ha cambiado mucho, pero sólo en su forma, en el fondo, el teatro sigue siendo muy parecido al de hace más de dos mil años.
¿Qué te motiva o inspira para escribir teatro?…
El paisaje desértico de Almería, mi padre y mi madre, mi abuela, mi hermana, mi tía, mis vecinas y todo lo que sale por boca de estas personas que acabo de enumerar. Un pozo sin fondo.
¿Crees que afectará mucho la subida del I.V.A. y los recortes al teatro?…
¿Y no está afectando ya?
¿Qué obra de teatro has visto últimamente? ¿Qué te pareció?…
Vi Alma de Dios, de Carlos Arniches y Enrique García Álvarez, con Cristina Marcos, Tomás Pozzi y Manuela Velasco, dirigida por Jesús Castejón, en el Teatro de la Zarzuela. Una maravilla. Me encantó. De hecho, creo que voy a escribir una Zarzuela, que es algo que los dramaturgos españoles no deberían haber dejado de hacer. La Zarzuela es lo más.
¿Cómo ves la autoría teatral en estos momentos en nuestro país?…
Pues muy bien, mejor que nunca, la veo tal que así: Alfredo Sanzol, Manuel Calzada Pérez, Sergi Belbel, María Velasco, Lluisa Cunillé, José Manuel Mora, Guillem Clua, Angélica Liddell, Carlos Be, Josep María Miró, Miguel del Arco, Juan Mayorga, Guillermo Heras, Jordi Galcerán, Luis García-Araus, Pau Miró, José Ramón Fernández, Marta Buchaca, Alberto Conejero, Lucía Vilanova, Antonio Rojano, Eva Hibernia, Gracia Morales, Zo Brinviyer, José Cruz, Jordi Casanovas, Juan Carlos Rubio, David Desola, Laila Ripoll… y se me olvidarán por lo menos ciento cincuenta más.
¿Proyectos?…
Me acaba de conceder el INAEM una beca para el Desarrollo de las Dramaturgias Actuales, creo que se llama, así que es la primera vez que me ayudan económicamente antes de escribir una obra y eso me alegra porque creo que han empezado a confiar en mí. Voy a escribir una obra que se llama El rescate del dragón.
Que Revienten los Artistas 
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