Babel de Andrew Bovell en el Teatro Marquina – Dirección: Tamzin Townsend
Babel de Andrew Bovell en el Teatro Marquina – Dirección: Tamzin Townsend
Los seres humanos somos como muñecas rusas, dentro de nosotros hay otro y otro y otro…Y a veces, tenemos la sensación de haber vivido la misma situación con otra persona o un olor nos descubre un secreto…Babel tiene una estructura dramática fantástica y endiablada…es un juguete perfecto para que un buen reparto como es el de esta función…Aitana Sánchez Gijón, Pedro Casablanc, Jorge Bosch y Pilar Castro…se desdoblen y transformen en esas múltiples figuras que van surgiendo de la muñeca rusa…Los personajes son como rios que se van cruzando y transformando hasta desembocar en un mar de confusión emocional…Cuando salimos del teatro… la primera pregunta que me asalta es…¿Son un solo personaje?¿Son varias caras del mismo?¿Son muchos que se cruzan y confunden?…Y así nace…Babel, un lugar de incomunicación eterna…Relaciones personales que se dibujan y emborronan a cada palabra o gesto…Para terminar siendo más reales en lo imaginado. Tamzin Townsend realiza uno de sus trabajos de dirección más delicado y ajustado de los presentados en Madrid en los últimos tiempos.
Adolfo Simón
Shírley Valentíne de Willy Russell en el Teatro Maravillas
Todos tenemos una Shírley Valentíne en nuestro interior…todos hemos hablado alguna vez a la pared o a una piedra cuando no encontramos interlocutor, aunque estas materias no respondan…nos escuchan, nos permiten expresar todo eso que anda amordazado por dentro. Verbalizar los deseos y los sueños es una manera de darles vida, de hacerlos posibles aunque sea en nuestra imaginación. Shírley Valentíne es una obra aparentemente sencilla y sin embargo, nos habla de todos los temas importantes para el ser humano y aunque la voz es de una mujer, es trasportable a cualquier persona. La versión de Nacho Artime es transparente, permite que la obra se cuele en la actualidad con unos pocos detalles y aunque no transcurre la acción aquí, la sentimos cercana y propia. Manuel Iborra ha dirigido con una sutileza extraordinaria esta historia de una heroína de nuestro tiempo. Pero donde hay que detenerse y quitarse el sombrero es ante el trabajo que hace Verónica Forqué…El formato monólogo es de lo más difícil de realizar en escena y de lo más aspero para el espectador. La obra dura casi dos horas y no se hace larga ni cansa…Porque si alguien que no conoce a Verónica Forqué(cosa difícil)fuese al teatro, pensaría que lo que cuenta esta mujer es su propia biografía; es tal la mímesis que ha realizado la actriz, tan profunda la conexión con todo lo que hace y dice que por momentos me parecía estar sentado delante de la mesa de la cocina, escuchando a una amiga como desglosa y matiza, deliciosa y profundamente, el descubrimiento de que la vida es para vivirla y no para mirar como la viven los demás.
Adolfo Simón
Nadie verá este vídeo de Martín Crimp, dirección de Carme Portaceli. En el Centro Dramático Nacional
Nadie verá este vídeo de Martín Crimp, dirección de Carme Portaceli. En el Centro Dramático Nacional
Con esta obra empieza la temporada en el Teatro Valle Inclán, una de las sedes del Centro Dramático Nacional, en la nueva etapa dirigida por Ernesto Caballero. Carme Portaceli fiel a su pasión por los autores contemporáneos y por las historia de hoy en día que hablan de cómo somos y en qué barco transitamos a no se sabe donde…pone en pie Nadie verá este video del autor Martín Crimp. Aborda esta historia de vampiros emocionales que huyen de si mismos, intentando arrancar la esencia de los demás a través de entrevistas aparentemente banales, desde un planteamiento escénico en el que la realidad no es un espejo de lo que vemos a nuestro alrededor…como en las pesadillas, los lugares, los personajes, las atmósferas…están deformados, para que lo que nos cuenta Crimp se desvele y se zambulla en nuestro imaginario. Una apuesta dificil, un texto complejo…y unos actores jugando al borde del precipicio…Un trabajo que no debiera dejar indiferente al público inquieto de nuestra ciudad.
Adolfo Simón
“Pequeño defecto de fábrica”. DT ESPACIO ESCÉNICO. Dirección, texto e interpretación: Borja Roces.
DT ESPACIO ESCÉNICO.
“Pequeño defecto de fábrica”.
Dirección, texto e interpretación: Borja Roces.
Todos tenemos “pequeños defectos de fábrica”. Imperfecciones. Cosas que no nos gustan de nosotros mismos a nosotros o a los demás. Jean Cocteau decía que hay que cultivar lo que los demás rechazan de ti… porque eso eres tú. Borja Roces ha buscado esos pequeños defectos suyos, y, por qué no, de los demás, y se ha inspirado en ellos para crear este montaje en el que da vida a seres imperfectos y atrayentes por serlo y nos hace reconocer muchas frases que nos han dicho para intentar “redirigir” nuestras vidas que hemos decidido llevar “por el camino más difícil”. Toda una reflexión sobre nuestra forma de vernos, aceptarnos, rechazarnos, gustarnos, renegar de lo que nos gusta, de ver nuestras contradicciones (”me gusta J. S. Bach…y lo flipo, LO FLIPO… con Rocío Jurado”)y deseos…
Influenciado por Bette Davis, Cocteau, Renato Carosone, Raphael,… y con una dramaturgia muy acertada, Borja nos lleva a un viaje interior que nos desvelará una cosa que ahora creo que nos queda bien clara: Nuestras imperfecciones nos hacen únicos.
Luis M. García.
Primer programa dentro del Festival Miradas al Cuerpo en Lagrada
Primer programa dentro del Festival Miradas al Cuerpo en Lagrada
El triptico femenino del primer programa del Festival que celebra su quinta edición en Lagrada consigue un nivel por encima de la media de lo que se suele ver en nuestros escenarios. Si bien son muy distintas las tres piezas, la primera muy energíca y expresiva, la segunda más descriptiva y la tercera de movimientos convulsos…Juntas crean un collage que nos hace viajar por el cuerpo femenino a diferentes revoluciones. A las piezas en directo hay que sumar el visionado inicial de un videodanza: Cinética, en el que también, un grupo de cuerpos, se convierten en paisajes sugerentes.
Simón Ribes
En construcción, dirigida por Tristán Ulloa en Microteatro por dinero
En construcción, dirigida por Tristán Ulloa en Microteatro por dinero
El futuro puede que ya esté tatuado en un tango, en ese baile primero que permite sumar latidos de corazón para empujarnos al abismo…Después llega el día a día…construir la vida sobre cimientos pantanosos. Y aparecen los anuncios donde solo importa la imagen y…la obra en la que construir espacios pequeños que alberguen retazos de esperanza…Y llegan los hijos de la mano móvil de un gato de los chinos…Y…¿Qué se puede hacer si no esperar…?.
Hacía tiempo que no me acercaba a Microteatro, estuve viendo la propuesta dirigida por Tristán Ulloa, un ejercicio íntimo con el que conseguir que la mirada de los actores, Carolina Román y Nelson Dante, brille a un palmo del público. Este espacio sigue vivo, generando momentos de íntimidad y delicadeza extrema, como la que se construye nota a nota, sorbo a sobre de mate…En construcción.
Adolfo Simón
Llorar por llorar de Pez en raya en el Teatro Alfíl
Llorar por llorar de la Compañía Pez en raya en el Teatro Alfil
Con Cristina Medina y Joan Estrader
Dirigidos por David Sant
Celebrar que una Compañía lleva quince años creando sobre un lenguaje tan peculiar como es el clown, es una gran noticia y si se hace con un espectáculo en el que también celebra quince años de emisión: Radio Misterio, pues es una doble alegría. Llorar por llorar es un placer para los espectadores porque en él se rien de todo y nos liberan de esa pose de respeto frente a los grandes investigadores de crimenes, el circo espectacular, los conciertos heaves e incluso de la danza contemporánea y lo hace dos interpretes en estado de gracia y disparate…Creando apartes cómplices con el público para dejar claro que aquello no es más que un juego escénico sin medida, pero un juego muy serio aunque sea desternillante…Nada de lo que ocurre sobre la escena está improvisado aunque parezca que todo se les ocurre en ese momento, ese es el gran acierto de esta obra, que sigue fresca aunque la hayan ensayado mil veces. Estoy seguro que todos los que acudan al Teatro Alfil a ver esta delicia disparatada, saldrá con el mismo dolor de mandíbulas que yo…
Adolfo Simón
Las visiones de Hildegard, dramaturgia y dirección de Ignacio Calvache. En Casa Encendida
Las visiones de Hildegard, dramaturgia y dirección de Ignacio Calvache
Ciclo Artes Escénicas y Discapacidad en Casa Encendida
Hay propuestas escénicas que son mucho más que una obra de teatro. Ignacio Calvache lleva mucho tiempo investigando con actores ciegos, buscando una poética que permita que estos intérpretes expresen su oscuridad con el máximo de luz. En esta ocasión, su propuesta dramaturgica de Las visiones de Hildegard a partir del libro Vida y visiones de Hildegard von Bingen de Victoria Cirlot es el marco en el que las actrices Mariu del Amo y Mamen Martín se instalan como verdaderas iluminadas de la escena. Hay otros elementos que apoyan la puesta en escena y el trabajo actoral…La música en directo interpretada por Werner Glaser y el espacio, vestuario y proyecciones que, siento austero, es de una belleza impactante. Dos mujeres ciegas transitan como funambulistas por el escenario, teniendo la luz y claridad necesaria para comprender mejor al ser humano y hacernos reflexionar a los espectadores sobre la libertad y la imaginación.
Adolfo Simón
Harket(Protocolo) de Juan Pablo Mendiola en Cuarta Pared
Harket(Protocolo) dramaturgia y dirección de Juan Pablo Mendiola, coreografía de Cristina Fernández. Sala Cuarta Pared
En Harket hay una serie de elementos espacio-dramaturgicos que se utilizan con versatilidad y acierto…La escena se transforma con proyecciones de gran precisión y cuidada estética, sin embaro, toda la vituosidad técnica dispuesta para nuestros ojos y oídos, bloquea la emoción del espectador que deja de interesarse en el devenir del personaje; muy pronto se desvela que está encerrado en un experimento y que aquello no terminará bien…Lo que si nos atrapa son los momentos en que el cuerpo de la intérprete habla y transmite con movimientos o ejercicios…Cuando sucumbe a las conversaciones del «hermano mayor» que la custodia, nos deja frios en la butaca. Menos palabra y más silencio-movimientos.
Simón Ribes
¿Quién teme a Virginia Woolf? de Edward Albee. Dirección: Daniel Veronese. Teatro de La Latina
¿Quién teme a Virginia Woolf? de Edward Albee. Dirección: Daniel Veronese. Teatro de La Latina
Este texto es de una carpintería teatral perfecta, nada está de sobra, todas las piezas van encajando para hacer que la acción dramática crezca hasta el desolador final. También es un ejercicio perfecto para un buen director de escena y sobre todo de actores…En realidad da igual el aparato escénico que se articule, lo importante es tener cuatro intérpretes dispuestos a dejarse la piel en escena, en dos planos diferentes pero perfectamente conectados. Sin los dos personajes secundarios, el combate a fondo de la pareja protagonista no se podría realizar, son las cuerdas contra las que rebotan en ese ring personal imaginario, en ese juego cruel en el que están acostumbrados a vivir y sufrir día a día. Aquí el reparto es perfecto, Mireia Aixalà e Iván Benet son ese coro perplejo que sobrevuela alrededor de los protagonistas trágicos…Pere Arquillé y Carmen Machi hacen un despliegue interpretativo que no es habitual en la escena contemporánea, algo que el público agradece al final, aplaudiendo puesto en pie.
Adolfo Simón
Viva Verdi en el Centro de Arte Fernán Gómez. Dirección: Gustavo Tambascio
Viva Verdi en el Centro de Arte Fernán Gómez. Dirección: Gustavo Tambascio
Hay ideas interesantes que si no se desarrollan pueden terminar aplanando una propuesta escénica. Gustavo Tambascio ha acertando eligiendo piezas de diferentes óperas de Verdi sin tener que elegir las más conocidas del autor; esto le da más libertad para crear una dramaturgia que aglutine todas ellas, componiendo una puzle operístico autónomo…La dificultad para el espectador, que si no conoce profundamente las obras en juego y al no tener subtítulos con los que seguir las historias; por mucho que la actriz-narradora hace un impecable trabajo para acercarnos a la acción dramática, llega un momento en que la presencia de las pintadas de fondo y la leve evolución del vestuario, provoca que nos parezca la misma escena, que se repite una y otra vez, bellamente iluminadas si y bien situados los intérpretes en escena, pero sin avance dramático. Lo que es un placer en este espectáculo es disfrutar del trabajo actoral de los cantantes, nada habitual en los espectáculos de bell canto y el fantástico acompañamiento al piano.
Adolfo Simón
Percival ha muerto en la Sala Mirador
Percival ha muerto en la Sala Mirador(Centro de Nuevos Creadores) por la Compañía La mínima
Esta pieza de danza con música en directo que firma como dirección, coreografía e interpretación la Compañía La mínima, es una delicia para los sentidos, lástima que solo haya estado un fin de semana en la Sala Mirador…Cuando entramos en la sala ya están los personajes deambulando por la escena…son como piezas de un puzle perdidas en el espacio…cuando se hace el oscuro, ese engrañaje encaja y se engrasa con una sensibilidad enorme…Todo transcurre sin brusquedad, como si cada movimiento o sonido nos acariciase…Pasan por mil y una gamas de colores con una precisión técnica envidiable. Habrá que estar atentos a los trabajos que presente está joven Compañía, seguro que nos sorprenderán.
Simón Ribes
Mis padres no lo saben en la Sala AZarte. Dirección de Javier Corral
Mis padres no lo saben en la Sala AZarte. Dirección de Javier Corral
Basado en el libro homónimo de Marce Rodríguez y Mariola Cubells
Lo que más se agradece de Mis padres no lo saben es la sencillez con la que se aborda todo…Las historias, los personajes, la puesta en escena…Por momentos parece que estamos asistiendo a la confesión íntima de cada uno de esos seres que se quedaron atrapados en las ondas de la radio, la conexión de internet, la oración o la amistad mal entendida. Podrían ser historias que se hubieran contado en aquel famoso programa de televisión de los setenta…Crónicas de un pueblo… Y tal vez la vida de los homosexuales y lesbianas de hoy en día no tendrían que contar sus historias a escondidas. Una banqueta, un sofá y unas cuantas cajas de frutas vacías son suficientes para crear el universo donde transcurre la memoria de un tiempo que todavía puede ser el de hoy. Está muy bien que se represente en la sala AZarte, con ese guiño de que las pequeñas biografías varían cada fin de semana, como en la vida…cada día nos llegan anécdotas diferentes de la existencia de los otros…Pero sería muy bueno que estos cómicos comprometidos viajasen a todo tipo de sala y sobre todo, sería muy pedagógico que pudieran colarse en las aulas de todos los institutos de nuestro país.
Adolfo Simón
AMIGOS hasta la muerte en el Teatro Muñoz Seca
AMIGOS hasta la muerte en el Teatro Muñoz Seca
Texto y dirección de JAVIER VEIGA
El teatro es un espacio que constantemente se está reinventando…Bebe de todas las fuentes y de todas se empapa…En AMIGOS hasta la muerte hay una primera parte que recuerda a las propuestas de El club de la comedia, incluso el espacio tiene ese aire de bar con escenario donde se suben los amigotes a cantar o contar historia en clave de humor…Toda la primera parte de esta obra escrita y dirigida por Javier Veiga es un chiste grueso, de esos que se podrían contar en la barra de un bar, delante de un sol y sombra…Hacia la mitad da un giro y la emoción se cuela entre los chistes…Y lo que parecía un extraño triángulo termina siendo una extraña pareja con bebé. El público disfrutó de una manera de hacer teatro que recuerda a aquel cine de los setenta que tan buenos ratos nos hizo pasar.
Ignacio Sánchez
Mujeres de Shakespeare de Rafael Álvarez «El brujo» en el Teatro Cofidis
Teatro Alcázar-Cofidis
“Mujeres de Shakespeare”
Interpretación y dirección: Rafael Álvarez
Decir…”Se estrena una nueva propuesta de El brujo…” ya es garantía de una buena sesión de comunicación teatral…Aunque uno sabe qué se va a encontrar al acudir a ver a Rafael Álvarez, no puede evitar ir de nuevo…Da igual la excusa…en realidad, cada temporada es necesario recibir una nueva dosis de encantamiento escénico de El brujo…Aparentemente se escribe la obra durante la representación, con el tintero del público…pero todo lo que en escena parece fruto de la casualidad, en realidad es el resultado de muchas horas de escenario. Rafael Álvarez maneja a la perfección la narración clásica cruzada de la actualidad más rabiosa…Provoca la risa constante para dejarnos el paladar con sabor a hiel…Aquí, en Mujeres de Shakespeare, en un espacio ritual y con solo un violín como compañía, recorre el tiempo del bardo y el nuestro, consiguiendo que aquellas mujeres de ficción nos permitan conocernos mucho mejor a los ciudadanos de hoy. Nadie duda que tendrá un encuentro sagrado teatral al acudir al rito de El Brujo…una de las más antiguas experiencias…un actor frente al auditorio: El TEATRO.
Adolfo Simón
“El año que viene será mejor”. Mercè Vila Godoy. TEATRO BELLAS ARTES.
TEATRO BELLAS ARTES
“El año que viene será mejor”
Marta Buchaca, Carol López, Mercè Sarrias, Victòria Szpunberg
Dirección: Mercè Vila Godoy.
Una buena historia que contar puede tener dentro muchas pequeñas historias. Nuestra vida está llena de esas pequeñeces que muchas veces tenemos que compartir para desahogarnos, para luchar, para combatir, para liberarnos…
Las mujeres, en este caso las treintañeras, tienen muchas micro-historias que contar y padecer y, de vez en cuando, viene bien publicarlas y sacarlas a la luz para quitarse los fantasmas y reírse de ellos: la primera vez que te llaman “señora”, las cenitas guays en las que sales perdiendo pagando “a escote” cuando tu no has comido nada porque no tienes un duro, esos sábados por la noche en los que no sabes si sales a ligar o a emborracharte, los hombres que te dejan por mail…”No eres tú. Soy yo…”; “Hola, me llamo Vane, tengo 35 años y quiero volver con mi ex.”, …
Tenemos delante una obra pensada para reírse de la situación actual que vivimos y con un ritmo que engancha, que nos hace salir con algo de optimismo y pensar que sí, que el año que viene ¿será mejor?
Luis Mª García Grande.
Luisa Fernanda en el Teatro COMPAC Gran Vía
Teatro Compac Gran Vía
“Luisa Fernanda”
Producciones Nieves Fernández de Sevilla
Libreto: Federico Romero y Guillermo Fernández Shaw
Música: Federico Moreno Torraba
Hay piezas de nuestra querida zarzuela que ya forman parte de la memoria personal de todos nosotros. Seguro que tenemos asociada alguna canción a momentos inolvidables…Así, cuando presenciamos un espectáculo se da un cruce particular, ante un tema conocido, aparece, superpuesta a la imagen de la escena, aquella otra en la que también oímos esa canción. En Luisa Fernanda hay muchos temas que nos resultan populares y que nos apetece tararear al tiempo y la historia tiene los mimbres dramáticos necesarios para que haya una trama sugerente que apetece seguir cada vez que se monta esta hermosa pieza. El montaje que se ha estrenado en el Teatro Compac Gran Vía tiene los elementos necesarios para resultar atractivo al público afín…Unos decorados sencillos que se complementan muy bien con las proyecciones que se realizan al fondo, una orquesta bien dirigida que nos deleitó durante toda la representación y unos actores-cantantes que permiten seguir la historia sin perder un ápice del argumento…Y el vestuario e iluminación precisos. Seguro que el público que acuda este fin de semana no saldrá decepcionado.
Adolfo Simón
Enrique VIII de William Shakespeare en los Teatros del CANAL
Teatros del CANAL
“Enrique VIII”
Autor: William Shakespeare
Dirección: Ernesto Arias
Enrique VIII es la obra menos representada de William Shakespeare, en nuestro país probablemente este ha sido el estreno oficial y tal vez hay razones para que así haya sido… Es una obra cargada de información y con poca acción, sobre todo en la segunda parte cuando se lleva a cabo el juicio. Esto dificulta la tarea de todo el mundo implicado en la producción…Hay que crear una escenografía que facilite la posibilidad de muchos espacios sin cambios aparatosos y esto a veces obliga a dejar demasiado indefinidos los lugares… Hay que conseguir un reparto homogéneo que además permita dobletes porque son muchos los personajes que aparecen y no siempre se consigue ese equilibrio actoral y sobre todo, hay que conseguir que la obra no parezca una historia museística y para ello, la versión es esencial, es preciso ir al eje de la obra aunque se pervierta lo que propone Shakespeare, sobre todo si se le quiere dar contemporaneidad y para que esta no quede solo en el detalle de que se asoma el vestuario actual de los actores por debajo de los ropajes clásicos; muy poco acertados en casi todos los casos. Cuando hay un material tan complejo al que poner en pie, hay que usar el bisturí fino para pulir y ajustar todo; para crear climas y mundo particulares hay que iluminar con detalle y aquí la luz, en general, dejaba demasiado abiertos los espacios dramáticos. Lo que está más cuidado es el trabajo actoral, probablemente porque Ernesto Arias tiene, en realidad, una trayectoria solida como actor y conoce bien los mecanismos de la interpretación. En la escena final, cuando la reina enloquece en medio de ese paisaje de personajes fantasmagóricos, empieza a abocetarse lo que habría sido una propuesta de dirección personal, más allá de lo que el autor dicte en sus acotaciones.
Adolfo Simón
«La Verbena de la Paloma». Compañía Lírica Dolores Marco. JARDINES DE SABATINI – VERANOS DE LA VILLA.
JARDINES DE SABATINI – VERANOS DE LA VILLA.
«La Verbena de la Paloma»
Compañía Lírica Dolores Marco
Dirección: Ángel Fernández Montesinos.
La «maestra Marco» se preocupó por mantener siempre vivo y con mucha dignidad un género como la zarzuela que se va extinguiendo poco a poco y creó escuela. Una escuela exigente y dura como a ella misma la definían muchos de sus sus alumnos. Escuela que siguen sus hijos y escuela que ha formado a muchos de los grandes «zarzueleros» españoles.
Su compañía siempre ha sido referencia de lo que es el «montaje clásico» de la zarzuela en España y por eso merecía estar en Los Veranos de la Villa.
Sin embargo se nota su falta en muchas cosas. Obviemos esos decorados de cartón piedra y bajo presupuesto que yo he definido siempre como de «teatro fin de curso de las monjas» dentro del marco incomparable de los jardines con fondo de Palacio Real porque, eso, el presupuesto es el presupuesto y una compañía de más de cuarenta personas que mantener pues sale muy cara. Eso es lo que menos importa. Pero no obviemos que Don Hilarión parecía sacado del actual parlamento y no del pueblo llano. ¿Dónde estaba la picaresca, socarronería y gracia del boticario? Se debió quedar en la botica junto a las pastillas del Prozac.
Los descendientes de La Marco mantuvieron el nivel en esta verbena «pobre» y triste que se salvó por los números excepcionales -Lorenzo Moncloa y Enrique R. del Portal– y que supusieron un buen paréntesis para superar el aburrimiento de ver a una Susana sin emoción y una Casta con pelucón (lo siento pero no encuentro la foto con el pelucón) ya que no encontraron a una rubia teñida que recitase dos frases. Hasta Milagros Martín estaba apagada y eso que ella sabe de esto más que la Señá Rita. Amelia Font, que empezó sin voz de cazallera-tía-Antonia luego se desató al final y encandiló al público con su «ebria» locura.
El coro estuvo muy correcto, uno de los puntos fuertes de esta compañía.
Una pena de Verbena para los tiempos que corren…
Luis M. García.
As The Flames Rose We Danced To The Sirens, The Sirens. Sammy Metcalfe. FRINGE MADRID -CONDE DUQUE
FRINGE MADRID -CONDE DUQUE
«As The Flames Rose We Danced To The Sirens, The Sirens»
Dirección: Sammy Metcalfe.
Intérprete: Lara Solano Arana.
Las sirenas pueden ser personajes mitológicos, bellas mujeres con terminación en cola de pez en vez de piernas que inducen a los aguerridos marineros al desastre mediante su voz melodiosa e hipnótica, com nos demuestra Lara Solano a través de la figura de Iara, pero también pueden ser señales de alarma, peligro y aviso de que algo malo está pasando.
Con este doble juego se pone en escena una obra-performance que pretende implicar al público asistente en el via-crucis de una mujer indecisa, temerosa, atractiva, insegura, herida y confusa por una situación emocional compleja y que nos muestra a través de una poética inusual. ¿Cuántas mujeres se habrán sentido identificadas y reflejadas en esa escena de La Garbo que da nombre a esta obra?
Es muy complicado que una sola protagonista, con tres lámparas, una botella de vino y una proyección nos mantenga pendientes durante una hora en su transcurso hacia la respuesta que tanto espera encontrar y Iara lo consigue con creces. No dejéis de verla, aunque al principio no entendáis nada y al final sintáis que una mujer ebria ha confesado sus emociones ante un publico que también ha bebido de su vino ¿o no?
Luis M. García.
“Una temporada en el Congo”. Nuevo Teatro Fronterizo. Juan Ayala. FRINGE MADRID – CONDE DUQUE
FRINGE MADRID – CONDE DUQUE
“Una temporada en el Congo”
Nuevo Teatro Fronterizo
Dirección y adaptación: Juan Ayala.
Una reinterpretación de la obra de Aimé Cesaire que aborda los problemas de la descolonización del Congo a través de la vida de Patrice Lumumba y de cómo dar sentido a la emancipación de un pueblo, cómo crear su cultura y buscarla, cómo abordar los diferentes puntos de vista que se pueden dar en el mismo pueblo, las tensiones y contradicciones de la emancipación de los pueblos oprimidos en el contexto de la Guerra Fría e intentar sacar algo en común.
La compañía nos propone desde un principio sumergirnos en la situación del Congo en 1960 mediante un “acto de fe” haciéndonos ver que interpretan a negros con unos ideales y que nosotros mismos podemos participar, como pueblo, de esa toma de decisiones y diferentes visiones. Mediante música y participación se nos sumerge poco a poco en la vida de Lumumba y la lucha que mantuvo con los Belgas y con su propio pueblo para hacernos pensar sobre si hoy en día se pueden mantener los ideales y luchar por ellos. Da igual si la música que nos proponen es del congo o no, si los actores son negros o blancos, si la situación ha sido más real o más ficticia, lo importante es que nos inspira un ánimo reivindicativo que nos acerca a los tiempos que actualmente también exigen de nosotros ciertos compromisos y ciertos actos de fe.
Luis Mª García Grande.
“Caprichos para Violín y Cuerpo”. Dragones en el Andamio y Ara Malikian. Teatro Bellas Artes
Teatro Bellas Artes
“Caprichos para Violín y Cuerpo”
Dragones en el Andamio y Ara Malikian
Ara Malikian nos propone de nuevo los “caprichos” de Paganini reinterpretados con un aire fresco gracias a las coreografías propuestas por Marisol Rozo, Ángel Bello y Santiago Congote. En escena aparecerán junto al violinista cinco bailarines, incluida Marisol, que se han atrevido a acompañar esta majestuosa obra con su cuerpo. Malikian se mueve como por su casa con el violín, como si fuese una tarea diaria tocar estos caprichos, acercándonos a todos la música clásica sin ningún tipo de ceremoniales ni purismos aunque manteniendo un virtuosismo y una interpretación impecable. Así nos demuestra que para ser un gran intérprete no hace falta ser lejano, excéntrico y orgulloso, todo lo contrario, humilde y cercano. El mismo Nicolo Paganini dio nombre a sus caprichos para acercarlos a la humanidad, a la naturaleza, a los sentimientos… y así lo ha querido también el intérprete en esta ocasión.
La dramaturgia propuesta por Rozo es vitalista, armónica y cercana y encuadra con esa visión que hace que Malikian esté muy cómodo en el escenario, participando de las risas cuando es necesario e implicándose en la obra. A muchos puristas que van a oir los enrevesados y diabólicos caprichos y la interpretación maestra toda esta parafernalia les parecerá que sobra, que rompe la armonía…pues yo les doy la solución: cierren los ojos y escuchen.
Luis Mª García Grande.
«En compañía» . Carmén Cortés . Veranos de la Villa
Carmén Cortes
Veranos de la Villa – Jardines de Sabatini
“En compañía”
CARMEN CORTÉS – Danza
A favor…
Las tablas y el poderío escénico de Carmen Cortés.
En contra…
Demasiada compañía musical y poca presencia de la intérprete en escena.
Macabaret. Rob Hartmann y Scott Keys. Teatro Alfil
Teatro Alfil
Macabaret
Autores: Rob Hartmann y Scott Keys
Dirección musical: Frederic Salvador
Dirección de escena: Jose Masegosa
A favor…
Una música y letras perfectas para contar historias breves sobre el horror. Una dirección musical ajustada y unos interpretes dúctiles vocal y físicamente.
En contra…
Una dirección de escena que construye signos paralelos que no añadían nada si no, mas bien, entorpecían y oscurecían las historias y el trabajo actoral.
Que Revienten los Artistas 
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