Ritual íntimo en la escena madrileña
A menudo, los cómicos usan la escena para hablar de su mundo privado, de esos espacios donde crean o buscan respuestas…o se hacen preguntas. A veces lo hacen directamente sobre cuestiones técnicas de la interpretación o de lo que pasa entre cajas y otras utilizan cualquier excusa para hablar del mundo a partir de sus rituales íntimos. En tres propuestas que hemos disfrutado este fin de semana, hay algo de todo esto…
Ciclo José Ricardo Morales en el CDN.
Y en la primera entrega del Ciclo, dirigida por Víctor Velasco, dos piezas breves y deliciosas. En la primera: Las horas contadas, Lola Manzano da luz al pensamiento del espectador como si ese torrente de palabras fuese el espectáculo en sí. Una íntima y deliciosa experiencia. Y en la segunda: La corrupción al alcance de todos…Un chispeante y delirante Felipe Andrés nos deleita con las reflexiones de una momia fuera de su sepultura, ante la atónita mirada de la investigadora y el vigilante de seguridad. Otra breve pieza que nos enseña lo que podría pasar más allá de la visita normal a un museo. Una buena ocasión, esta que nos propone el CDN para descubrir a unos de nuestros autores menos conocidos.
Método Le Brun de Juan Mayorga en La trastienda.
Visito de nuevo el íntimo espacio de La Trastienda para disfrutar de la precisión en la escritura de Juan Mayorga. Como cirujano del lenguaje, lo usa en su justa medida para mostrarnos el universo de dos seres que trafican con la gestualidad y las emociones, eso de lo que tanto se sabe en el teatro y que no siempre se valora cuando se realiza con destreza y convencimiento. Una lección sobre la expresión como código comunicativo social. La pieza, dirigida por Inés Piñole es interpretada con precisión y entrega por Manolo Caro y Rosario Santesmases.
Ciclosatánicos en Espacio Cultural La Victoria – Sala Samotracia.
En la cueva de este espacio en la Calle Santa Isabel de Madrid, hemos visto un tríptico enloquecido en el que hay parejas a las que se suman personajes y cuerpos del pasado para que puedan existir, hay perversas que juegan a meterse en otros oficios por el puro placer de disfrutar desmontando los tópicos de los mismos y hay muertos muy vivos que necesitan volver del más allá para resolver sus apetitos truncados. Un lugar céntrico en el que tomar algo y disfrutar de historias de humor y horror, ambas empiezan por «h» y son imprescindibles.
Adolfo Simón
Viaje a la Luna de Lorca en Nave 73
“Viaje a la Luna” es una adaptación a escena del guión cinematográfico inédito que Lorca escribió durante su estancia en Nueva York, en el poeta granadino se acerca al cine llevado por la estela de “Un perro andaluz” de sus amigos Buñuel y Dalí.
“Viaje a la luna” nos traslada al turbulento mundo interior del poeta granadino. Un “Viaje” por la infancia, la adolescencia y la juventud hasta el momento donde las máscaras y conductas adoptadas se quiebran bajo el impulso del deseo. Bajo el descubrimiento de la dificultad de asumir ese deseo como propio y vivirlo. Del paso evolutivo donde algo tiene que morir para que nazca algo nuevo.
La compañía La imperdible nos traslada a un mundo donde los personajes son cambiantes, como en el sueño, condensaciones de símbolos del que está soñando, caras de una misma experiencia: “pies que corren con calcetines de rombos blancos y negros”, “niño que llora”, “mujer que golpea”, “dos niños que cantan”, “hombre de la bata blanca”, “muchacho en traje de baño”, “mujeres de negro”, “tres tipos”, “chica semidesnuda”, arlequín…”
Convirtiendo el escenario en un plató de rodaje cinematográfico con una grúa y cámara en directo, se nos presenta un lenguaje basado en la creatividad y experiencia en el “uso poético” de los recursos visuales en la escena. Un diseño de imágenes que utiliza la técnica del video mapping y la realización en directo, y la música interpretada en directo creada para el espectáculo arropa, da texturas, color y temperatura a las escenas convirtiéndose en un personaje más.
Una propuesta que parte de los apuntes del poeta para abrirse a un mundo en el que se cruzan múltiples lenguajes artísticos.
Adolfo Simón
El viaje de ninguna parte de Fernando Fernán Gómez en el CDN
Fernando Fernán Gómez fue un hombre de teatro total, amó la escena profundamente y por eso, en muchas de sus obras hay homenajes a los cómicos, ese mundo que conoció profundamente y sobre el que tenía una visión objetiva. Creo que sus novelas y películas son muy teatrales, lógico si han sido creadas por un cómico de la legua…¿no?. El viaje a ninguna parte no había sido escenificada hasta ahora en una producción oficial y en ella habla de sus experiencias personales, es casi su autobiografía teatral y vital. Y al hablar de su vida, nos habla del teatro en mayúsculas y de rebote, de la vida. Esta obra no solo interesa a los cómicos, puede servir a todo tipo de público para conocerse mejor y entender cómo fue un tiempo que no es tan distinto al que vivimos hoy; desgraciadamente, todo se repite, la historia es un bucle y si no…Ahí está el comentario que hace un personaje… «¿Qué tiene el gobierno contra los cómicos?». Pues los cómicos somos esos gitanos sin país ni bandera que vamos vagando por los caminos, esperando a que aparezca un interlocutor con el que interactuar y expresarnos libremente…y eso no se perdona, por eso el teatro es lo primero que prohíben las dictaduras, por eso el poder trata de manipularlo o enjaularlo. A veces lo consigue, nos arrinconan en callejones sin luz ni aire, pero terminamos trepando por las paredes para huir hacia las estrellas. Pero en este viaje a todos los lugares, también nos habla el autor de las mediocridades del ser humano, del precio que hay que pagar por estar envenenado de un oficio imposible. Y nos enseña que, al final, no somos tan diferentes al carnicero o la florista, somos carne de contradicción, irremediablemente suspendidos en el precipicio de la razón. Los cómicos, la mejor familia y por tanto, el peor de los infiernos. Y en el montaje está todo esto, la vida atravesando páramos, durmiendo y actuando los actores entre matojos o en barrancos. Una propuesta dura, acorde con lo que se plantea en la obra, con unos actores jugando escena tras escena, quitándose un gorro para ponerse otro y convertirse así, en alguien distinto…Qué bello es ver como la vida se tropieza con el teatro. Y al final…¿final?…Ese hermoso telón rojo cayendo sobre la noche sin estrellas…mientras canta María Dolores Pradera…Camínenos.
Adolfo Simón
Ángeles de José Ignacio Serralunga en el Teatro del Arte
Nada es lo que parece y eso es lo que intenta siempre mostrar el teatro. En Ángeles, hay un juego constante entre el rito de la convención de la Iglesia y lo que hay debajo de la piel de los personajes. Así, podemos contemplar como el bien tiene otra cara y la torpeza otro impulso. Durante la hora que dura la función no hay un momento de pause y aunque a veces se prevé lo que va a pasar, no decepciona la manera en que ocurre. Dos actores jóvenes que defienden y resuelven con soltura todas las situaciones comprometidas que ocurren ante los ojos del espectador, gracias a un trabajo de dirección sencillo y esencial. Un teatro que trata temas que interesan al espectador de hoy con accesibilidad para este.
Adolfo Simón
Dionisio Ridruejo, una pasión española de Ignacio Amestoy en el Centro Dramático Nacional
No deja de ser curioso que una obra, como Dionisio Ridruejo, una pasión española, escrita por uno de nuestros más importantes dramaturgos vivos, Ignacio Amestoy, haya tardado más de treinta años en llevarse a la escena. Seguramente, en otro país, sin tanto miedo a mirar al pasado para poder entender mejor el presente y dar pasos firmes hacia el futuro, se habría estrenado nada más escribirse, a pesar de haber sido polémica o molesta. ¿Qué pasa en nuestra sociedad civil y teatral que tenemos tanto miedo a tener contradicciones como Dionisio Ridruejo las tuvo?…¿Hemos de ser de un bando u otro para poder tener derecho a un pequeño lugar bajo el sol?. Ignacio Amestoy construye una obra compleja y difícil de teatro documento que el espectador ha de ir desgranando poco a poco. Un puzle que no encaja fácilmente en la mente de los personajes que no entienden porque están en un país sin tierra firme y que para poder soportar el día a día han de sumergirse en un espacio a medio camino entre santuario y gimnasio donde dejar los cuerpos sin energía vital. Un campo de concentración sofisticado en el que el delirio se da la mano con la realidad y los personajes imaginan lo que podrían ser y lo que podrían vivir sin posibilidad real más allá de esos muros. ¿Seguimos siendo herederos de ese miedo y esa cobardía?…¿Cuándo abriremos las ventanas al futuro?.
Adolfo Simón
Estamira en la Sala Pradillo dentro de Teatralia 14
Estamira, beira do mundo, es un monólogo dramático, un retrato, un documental, un testimonio personal y artístico interpretado magistralmente por Dani Barros, bajo la dirección de Beatriz Sayad. El montaje es la adaptación realizada a cuatro manos del premiado documental de Marcos Prado (2005), Dani Barros y Beatriz Sayad han sido las responsables de la dramaturgia sobre la historia real de Estamira, una mujer esquizofrénica que sobrevivía con lo que encontraba en un vertedero de Río de Janeiro. Vivir como espectador la experiencia de este montaje es un viaje emocional profundo a los laberintos de la mente humana, esos donde se esconde lo que soñamos y lo que tememos, allí donde solo podemos sobrevivir sonriendo y llorando. Un buen trabajo como cierre del Festival Teatralia 2014.
Adolfo Simón
Rudolf de Patricia Suárez en la Sala Mirador
Las víctimas de los holocaustos no son solo los que desaparecen durante el horror de esos tiempos, hay víctimas que heredan terribles heridas físicas o psíquicas que les acompañarán el resto de sus vidas. En Rudolf, Patricia Suárez nos habla de las hojas de un calendario en el que Alemania se reconstruye tras el salvaje paso del nazismo por sus calles y plazas. En ese tiempo donde parece que el sol volverá a salir, siguen viviendo en la bruma y el ruido de la pesadilla reciente, dos personajes heridos por ese desastre humano. Dos personajes que tratan de olvidar el pasado, creyendo que fue la vida de otros y soñando por un futuro que no saben qué lugar tendrá en su piel. Dos seres frágiles que se esconden en la comida y las caricias torpes. Dos seres complejos y contradictorios que interpretan con delicadeza y verdad dos actores en estado de gracia: María Botto y Roberto Drago. Cristina Rota ha huido, acertadamente, de una puesta aparatosa para centrarse en la vida en escena a través de sus actores.
Adolfo Simón
La visita de Antonio Muñoz de Mesa en La pensión de las pulgas
Tras meses programada en La casa de la portera y con listas de espera para poder disfrutar de esta inquietante visita escrita por Antonio Muñoz de Mesa, los responsables de este espacio que también lo son del recién inaugurado La pensión de las pulgas, han decidido trasladar la obra a este último lugar, donde puede ser vista por más espectadores en cada representación. Cuando vi en un ensayo general este texto y puesta en escena de Antonio Muñoz de Mesa me quedé atrapado en la butaca, de repente, me sentí ante una de esas piezas perturbadoras que no se sabe bien si lo que descoloca es lo que pasa o lo que imaginamos, ahora, tras muchas funciones, la obra ha crecido en intensidad. El gran hallazgo del teatro y de esta obra aparentemente sencilla pero de una complejidad profunda por el tema que trata y como lo trata…El teatro ha de provocar mundos en la mente del público. Viéndola me venía a la mente El veneno del teatro o La huella…esos pedazos de ficción inmortales que son un combate para que dos buenos actores hagan un pulso escénico hasta el último minuto. En esta ocasión, Iván Villanueva y Rosa Mariscal tejen una tela de araña macabra tratando de que el otro quede atrapado, con el peligro que supone que, al final, el cazador sea cazado. Se han escrito muchas obras sobre los desastres que las religiones hacen a la Humanidad pero terminan ocupando unos renglones escritos en la historia, en La visita, ocurren cosas que son tan antiguas como el tiempo y que es lo perturbador de verdad, saber que el bien y el mal no son exclusividad de unos u otros si no que habita en todos, solo hay que girar un poco la mirada para ver el mundo desde otra perspectiva. Acudan a ver La visita, es teatro-teatro.
Adolfo Simón
Júbilo en Kubik Fabrik
Una persona tiene la capacidad de gozar de la vida en el momento en que tiene una experiencia acumulada, también en su cuerpo. Solo entonces podrá mirar al mundo desde una perspectiva diferente de aquel que carece de dicha experiencia vital. JÚBILO trata de colocar en escena a personas que por alguna razón han sido tachadas de obsoletas poniendo frente a los ojos del espectador, únicamente lo positivo; el concepto de júbilo está basado en la idea de mirar hacia adelante y no dejar que el peso de la edad cultural nos hunda en el reino de las sombras. Con este texto presentan el proyecto: Júbilo, los integrantes de la Compañía F. de Asfalto que han estado mostrando en la Sala Kubik Fabrik, el espacio más inquieto y coherente de la cartelera madrileña. En Júbilo se presentan, a modo de collage, las vivencias y experiencias de un grupo de «jubilados» que no «sin júbilo». Y lo hacen con humor, sensibilidad, belleza y contundencia…Dejan muy claro que, aunque nos hagan creer todo el tiempo que somos un cero a la izquierda, sin el cero no existirían las matemáticas. Una propuesta no convencional que el público de teatro necesita como opción entre tanta ruido teatral como hay en nuestra sociedad.
Adolfo Simón
«El arte de la entrevista» en el Centro Dramático Nacional
La entrevista puede ser un arma de doble filo, al igual que la cámara que lo graba todo y entra a ser un personaje más en la obra teatral. Un personaje que se va a encargar de desestabilizar a todos los demás personajes solamente con su presencia callada. Esta cámara va a ser capaz de encontrar «la brecha» con la que todo buen entrevistador sueña: ese momento donde el entrevistado se rompre y se sincera ante el otro gracias a la pregunta que taladra su inconsciente. Juan Mayorga, con innumerables premios a sus espaldas, ha sabido renovar el lenguaje dramatúrgico y seguir buscando nuevos lenguajes teatrales en el panorama contemporáneo español y, aunque no es el mejor texto que podía haber exhibido en el María Guerrero, el director Juan José Afonso ha intentado mejorarlo centrándose en las relaciones entre los personajes.
Para construir todo este entramado se ha rodeado de excelentes actores: Alicia Hermida sigue siendo esa mujer que interpreta dulcemente y que convence en todos los papeles que hace, no sabemos si es porque los elige con sumo cuidado o porque los hace suyos con gran maestría. Elena Rivera me ha recordado a una joven Amparo Larrañaga interpretando y físicamente también. Por fin he logrado no ver en Luisa Martín a ese personaje que salía en esa serie de Emilio Aragón cuyo nombre no recuerdo ya…pero que ha dejado serias secuelas en mi modo de ver la interpretación de ciertos actores. Y por último Ramón Esquinas, que interpreta un papel pequeño pero al que se adapta perfectamente. De la cámara no sabemos ni su marca ni su identidad… cosa que no vendría mal si le hemos dado la importancia de un personaje.
Como he apuntado, no es lo mejor que se puede ver de Mayorga, pero ahí está.
Luis Mª García Grande.
Baños Roma de Línea de sombra en Matadero Madrid
Hay veces que se usa el nombre de Brecht en vano, por suerte, hay propuestas que no son tan prepotentes y que desde la sencillez y humildad abordan temas de nuestro tiempo con valentía. Baños Roma de la Compañía Mejicana Línea de sombra, dentro del programa Sinergia, ha sido toda una sorpresa en la cartelera madrileña, lástima que solo se pueda ver hasta este domingo. En esta obra que muestra trabajo actoral, con música, proyecciones y performance, se denuncian las terribles experiencias vividas por un grupo de jóvenes que van buscando su lugar de un rincón a otro del país, sabiendo que existe el peligro de moverse en una sociedad llena de violencia desatada y todo esto, con la metáfora de unos personajes reales de la historia mejicana y con los golpes del boxeo dados en el vacío.
Adolfo Simón
MAGIA CAFÉ EN CUARTA PARED
Paloma Pedrero escribe y dirige “Magia Café” y se muestra estos días en la Sala Cuarta Pared de Madrid. El teatro tiene varias funciones, entre ellas está la de entretener con historias de temas universales como el amor, la venganza, la violencia, el odio etc… y la de reivindicar y mover el pensamiento del público y empujarle a actuar frente al poder, este es el caso de “Magia Café” donde a partir de la lucha por mantener la actividad de un Café ocupado por indigentes y que la autoridad quiere desalojar, se cuentan historias de tema universal y se reivindican los derechos de quienes despojados de todo, no pierden un ápice de dignidad para exigir un lugar donde poder reunirse y compartir lo que hemos perdido que es la solidaridad real y no la hipocresía social. Muy bien iluminado por Susana Romero, un espacio sonoro que alegra la tristeza que pesa en toda la historia de Raúl Barrio, divertidas coreografías de Sonia Dorado. Y un estupendo elenco que disfruta de lo que hace, con un Germán Torres brillante y creíble, representando a la autoridad de una forma real y sin fisuras, el mal o lo malvado se reviste siempre de cierta cordialidad y bondad que no es más que un paternalismo abusón y descarado. Con los tiempos que corren no sólo se hace necesario este tipo de funciones sino que casi tendría que ser obligatorio, para recordar que los responsables de esta situación de crisis no son los que nada tienen o todo han perdido, sino que por el contrario son los que más tienen y siguen teniendo más.
Ángel Savín
BERNARDA ALBA EN EL TEATRO ESPAÑOL
Una de las piezas teatrales más representada en el mundo “La casa de Bernarda Alba” del eterno Federico García Lorca, se muestra estos días en la que ha sido su casa, por tantas representaciones como ha ofrecido, el Teatro Español de Madrid. Irina Kouberskaya y Hugo Pérez de la Pica dirigen esta novedosa, aunque parezca mentira, representación en la que el naturalismo desaparece para dar entrada a un barroquismo que incide en la culpa que pesa sobre todas las mujeres, son o templos de virtud o fuentes de toda maldad, concepción católica, una imaginería que no da lugar a error, de la mujer y la represión del amor físico como única causa de la virtud. El luto negro como la pez hunde a estas mujeres en la flor de la vida ante la madre-autoridad, que hace gala de su cuna y menosprecia al gañan, ¿a qué nos suena?, Y se muestra como un albúm de fotos, las escenas son cuadros que están perfectamente iluminados por el propio Hugo Pérez de la Pica y Miguel Pérez Muñoz, y envueltos en una escenografía que presenta ese barroco católico que llena nuestras ciudades, sobre todo Castilla y Andalucía y un vestuario acorde a ese espacio escénico ambos diseñados por el propio Hugo Pérez de la Pica. La actrices estupendas, brillante, como siempre, Chelo Vivares, una Poncia amarga y divertida a la vez. Rocío Osuna, Magdalena, cuya presencia siempre es necesaria, muy bien Matilde Juárez, Martirio. Sobria y medida Carmen R. de la Pica, Bernarda y para terminar una magistral Irina Kouberskaya, Josefa que nos estremece con la verdad de su discurso y con su hermosa locura y así con ella me quiero casar a la orilla del mar.
Ángel Savín
![martirio_de_martirio[1]](https://querevientenlosartistas.com/wp-content/uploads/2014/03/martirio_de_martirio1.jpg?w=590)
Los Torreznos con La Cultura en el Teatro del Barrio
Descomposición de los elementos materiales y conceptuales que configuran una conferencia sobre la cultura. Estructura en tres partes: “No hay nadie inculto”: sobre la cultura en su sentido amplio, como pretendida diferencia entre el ser humano —quien la produce, almacena y distribuye— y el resto de seres vivos; “Si te cortan la cabeza, no hay cultura”: sobre la cultura en su sentido restringido, como bien elevado que permite diferenciar a unos seres humanos —los occidentales que la definen y evalúan— de otros; “La cultura es un pasatiempo de la muerte”: el espectáculo nos entretiene. Los Torreznos han desembarcado con su poética performática sobre La Cultura en el Teatro del Barrio. Este colectivo de creadores nos tiene acostumbrados a juegos disparatados en sus propuestas performáticas, en este caso, han mostrado un juego escénico-verbal muy interesante ya que abordan la idea de la cultura en un formato de conferencia estallada, como si los ponentes no pudieran soportar la idea soporífera de lo que es cultura, quién la censura y quién la consume. Realmente realizan un trabajo conceptual y comprometido a partir del tema planteado.
Adolfo Simón
La abducción de Luis Guzmán en el Teatro Lara
De nuevo, una propuesta sugerente en el Hall de este emblemático teatro. En esta ocasión, una obra escrita y dirigida por Pablo Remón: La abducción de Luis Guzmán. Todo transcurre en el pequeño y camp salón de una casa de provincias donde se encuentran tres personajes porque ha desaparecido el padre de dos ellos. De fondo están los programas de televisión y radio sobre fenómenos paranormales y más de fondo, una postal de Londres. Todo esto, unido al Disco de Oro de la Humanidad que está en estos momentos en órbita, saca a la luz los fantasmas que unen y aíslan a estas tres personas. Al final, no pasarán a la historia estos acontecimientos pequeños vividos en esta casa cargada de recuerdos, aunque tal vez deberían formar parte de ese disco de memoria colectiva o…¿Sólo han de trascender los grandes acontecimientos?.
Adolfo Simón
PAREJA ABIERTA EN EL TEATRO NUEVO ALCALÁ
La sala II del Nuevo Alcalá presenta “Pareja abierta”, un texto de Darío Fo y Franca Rame, que plantea entre risas y llantos lo que ocurre en el corazón y la mente de una pareja que se plantea que es mejor amar a otros mientras cultivan su propio amor, todo ello bajo la dirección de Ota Vallés, quién, sabedora de la importancia del texto, la profundidad de lo planteado es como siempre en Fo y Rame su impronta, su marca de identidad, todo está pensado y muy pensado, nos presenta a los personajes en carne viva, desprovistos de artificio, un escenario simple y pocas cosas de atrezo o vestuario, si en cambio una música muy sugerente y divertida que marcan las distintas etapas del recorrido de esta historia. Siempre es difícil mostrar estos textos, por conocidos y porque se ha representado muchas veces, en este caso acierta de plano y nos hace pasar un rato divertido que nos hace pensar y de qué manera. Mabel del Pozo una excelente Antonia, que se maneja perfectamente en la escena y con el público y José Torna Dijo, Pio, un marido infiel que no lo comprende hasta que padece lo que predica. Dos temas eternos, el amor, y la fidelidad, siempre darán que hablar y muchos textos para representar. Merece la pena verla, aplaudirán con mucho gusto.
Ángel Savín
Lágrimas, mocos y sangre en el Teatro Lara
La vida es un combate en el que todo el tiempo están Nina y Macbeth peleando en el asalto 10. En Lágrimas, mocos y sangre de Oscar Sanz Cabrera estos personajes de ficción tiene perfil actual, son dos juguetes rotos que viven de la nostalgia y los deseos imposibles. De nuevo, en el hall del Teatro Lara, una historia representada a un palmo del espectador, ya son una tradición las propuestas sugerentes en este recoleto lugar. Noe Denia juega constantemente con el espacio y sus posibilidades escénicas de la mano de los tres actores Irene Arcos, Jorge Cabrera y Alicia Lobo…Con algún efecto sugerente como la pelea a cámara lenta. Un combate de boxeo en el que todos estamos en el ring.
Adolfo Simón
El alma buena de Se-Chuan en las Naves del Español-Matadero
Llevar a escena a un autor muerto conlleva riesgos lógicos…Él no está para defenderse de la lectura teatral que se hace de su obra. Si es el caso de un autor de vodevil no está bien trasgredir su discurso o sus gags pero no es un mal mayor, el público no se ríe y no va a ver la función. Pero si es uno de los dramaturgos más grandes del siglo XX y probablemente de la historia del teatro y además, un autor político y comprometido como fue Bertold Brecht, pues implica mayores consecuencias si no se respeta el contenido y la formas de sus piezas teatrales. Hacer de El alma buena de Se-Chuan una obra entretenida y populista no aporta nada al teatro y menos a una sociedad como la que estamos viviendo hoy, ajena a las dificultades y penurias del individuo de a pie. Y no hablo del tipo de producción que se ha llevado a cabo, que también, trato de poner el acento en que esta obra no es un cuentecito moral si no una alerta sobre los mecanismos perversos de la sociedad para traficar con los derechos y deberes de las personas. Esa es la obra que escribió Brecht.
Adolfo Simón
Identidad y género en las buhardillas del teatro.
En algún momento habrá que añadir un apartado nuevo en nuestro D.N.I. en el que ponga: El amor perjudica seriamente la salud. Y con la partida de nacimiento, añadirnos un boletín de usos correctos de la afectividad. Así, tal vez un día, no haya que sufrir por amor ni dejarse la piel en cada viaje que hacemos en las relaciones personales.
En Dt, dentro del programa Sinergia España-México, se ha presentado la performance Desfragmentado de Luis Daniel Pérez. Un recorrido por la sala desde la calle donde el performer va dejando literalmente las huellas de su paso. Después, entre el público asistente, nos invita a ser testigos de sus reflexiones y miedos que convierte, en marcas en el espacio y en la mirada y cuerpo de los presentes. Una reflexión escénica sobre quién es y qué es para los otros.
Y en la recién inaugurada sala íntima: La puerta de al lado, en pleno corazón de Lavapiés, tres portales más allá de donde nació hace más de veinticinco años Cuarta Pared y con ella, otra forma de entender los espacios de exhibición. Pues en este bienvenido nuevo espacio, presencio las confesiones privadas de tres mujeres que escriben sus recuerdos y el daño recibido en la piel de las compañeras y sobre el chocolate derretido. Desnudas es un trabajo expuesto no solo por la cercanía del público si no también, por la desnudez, no de los cuerpos si no de la memoria de estas mujeres que han tenido que aprender a amarse para dejar que las amen mal. Todos hemos sido víctimas y verdugos alguna vez, desgraciadamente, no nos pasaron los apuntes para el buen uso del amor. Alberto Velasco acompaña desde la dirección a Rosalinda Galán, Begoña Mencía y Karmen Garay para que conozcamos las hojas perdidas de sus diarios.
Adolfo Simón
Combates dialécticos en escena
Cuando nos amordacen, morderemos.
Cuando nos empujen, levantaremos la mirada.
Cuando tengamos que marchar, no lloraremos.
Afuera, la ciudad ruge con sus luces de neón y con el sonido de las máquinas tragaperras, adentro la palabra.
Hay veces que necesitamos reír y reír…pero otras necesitamos que las palabras nos sumerjan en océanos oníricos, en ciudades amuralladas, para salir de esta realidad tonta que nos asfixia. Y para eso hemos de volver a entrar en los espacios del rito, en el teatro…
Ya sé que la Gran Vía está en el centro de la ciudad de Madrid, ya sé que allí están los espectáculos de masas, pero a mí me gusta perderme por los barrios, por las calles estrechas e ir a espacios donde el tiempo se detiene o se dilata…
Hoy toco ir a EL TALLER, en el barrio de Usera…Y allí me he encontrado un trozo de teatro donde la palabra se ha hecho carne gracias a las actrices que interpretan Visiones de Margarita de Navarra de Ángeles Carmona; de LA MALA COMPAÑÍA…Es un ritual de puro teatro, donde se viaja a través de las imágenes escritas, palabras que crean formas en el espacio. Un lenguaje hermoso y contundente…Y me pregunto… ¿Por qué la ciudad y sus dirigentes dan la espalda a estos lugares?…Seguramente les da miedo sentir, mirar de frente, ver la realidad. Acudan a ver este trabajo, no les defraudará.
Y no podrán ver, de momento…En Defensa, hoy ha sido la última función de este poema dramático que ha estados las últimas semanas en Cuarta Pared. Creo que el equipo de esta propuesta no sabe que han hecho una ópera contemporánea, un espectáculo de una sensibilidad exquisita, comprometido y generoso. Cuando nos comunicamos por sms o a gritos desde los balcones, aquí se instalan en un espacio de poesía visual donde la palabra, las imágenes, la música, el espacio…todo, adquiere una dimensión de poema clásico atravesado por una contemporaneidad rabiosa. Estén atentos, si vuelven a ver programado…En Defensa de Lola Blasco, acudan a verlo con el silencio en la cabeza.
Adolfo Simón
La punta del iceberg de Antonio Tabares en La Abadía
Cuando oigo a alguien decir…»Trabajo en un edificio inteligente» me provoca risa y vértigo. ¿Edificio inteligente?, me recuerda aquella computadora que cobraba vida en una famosa película de ciencia ficción y terminaba devorando mecánicamente a los pasajeros de la nave. ¿Se puede devorar mecánicamente?, si, hoy en día hay más violencia y criminalidad en el mundo virtual, este ya se ha instalado en nuestros espacios de trabajo y personales… ¿Quién no tiene hoy, como una extensión de sí mismo, un móvil o una tableta?. En La punta del iceberg, su autor, Antonio Tabares, plantea una situación cotidiana que de tan normal que es, adquiere tintes terroríficos. Es un texto aparentemente realista que va adquiriendo planos dramáticos conforme avanza la acción y los personajes, sobre todo la protagonista, interpretado fantásticamente por Nieve de Medina, van girando lentamente, como si el propio lugar, donde están tratando de averiguar unos hechos inquietantes que han ocurrido allí, fuese un testigo mudo que va escuchando y modificando sus comportamientos. En teatro, el terror es muy difícil de conseguir y para el público de hoy hay pocas cosas que le remuevan en la butaca pero en esta obra, hay algo sutil y horrible que se va instalando en el escenario, un terror psicológico que todos hemos sentido alguna vez, ese momento en que sabemos que podríamos perder el control de nosotros mismos y caer al vacío. El espacio escénico es muy efectivo gracias a su sencillez, es muy interesante ver como se convierte en un laberinto que no permite ver su fin y un autentico hallazgo que se convierta, con un cambio de plano, en la azotea del edificio. Todavía están a tiempo de vivir una experiencia inquietante que le puede ocurrir a cualquiera en nuestro lugar de trabajo o en nuestro día a día. Un espectáculo dirigido con aplomo por Sergi Belbel, con un reparto que juega al máximo la tensión escénica de la obra.
Adolfo Simón
ROMA EN EL TEATRO ALFIL
El eterno tema del amor y la pareja da siempre juego a cualquier género artístico y el teatro no podía ser menos, siempre hay cosas novedosas que aparecen de la reflexión de los autores, en esta ocasión Paco Mir (Tricicle) es el autor de “Roma “ y en ella nos presenta a una pareja de una cierta edad y una joven pareja que celebran, la primera el paso de los años y vuelven a recuperar su amor al lugar donde se citaron por primera vez y la segunda se citan por primera vez, ambas en un hotel de la eterna Roma. El íter de la acción dramática nos hace comprender que son la misma pareja, cuando empezaron y cuando, quien sabe si van a terminar. Todo ello aderezado de humor y cargas de profundidad que te hacen pensar en cómo es el amor y cómo evoluciona en la pareja. Paola Matienzo dirige y actúa como la joven y nos hace cruces escénicos donde se simultanean las dos relaciones a la vez y presenciamos las situaciones de antes y ahora en un mismo tiempo, lo que provoca interés en la propuesta. Una guapísima María José del Valle, derrocha experiencia y saber estar junto a un José Navar, que no sólo está a gusto en escena, sino que disfruta de su personaje con naturalidad. Iago García, el joven, vive su experiencia con gracia y eficacia, en una comedia que nos hace reír y pensar.
Ángel Savín
«Cenizas»: Relaciones tóxicas en La casa de la Portera
Relaciones tóxicas hay en todas partes… ¿Acaso ustedes no las han sufrido? Imaginen y piensen… Hablar de relaciones tóxicas está de moda, y si no que se lo pregunten a Lucía Etxevarría. Pero es mejor que ustedes experimenten en sus propias carnes la visión externa de una de ellas: Chevi Muraday y Alberto Velasco nos traen una visión muy personal basándose en textos de Pablo Messiez y Guillem Clua. Textos excepcionales que les dejarán huella en cuanto los oigan. Yo todavía estoy pensando en todo lo que implica ponerse a hacer una tortilla de patatas después de haber visto «Cenizas».
Pero un texto no es nada sin una buena interpretación y una coreografía que intensifica ese sabor agridulce que produce descubrir que la persona que más te ama te puede ir matando poquito a poco mientras se come con un tenedor, afilado y brillante de limpio que está, esa suculenta tortilla que tu has hecho con todo tu «amor» y que todos tus amigos alaban…
Muraday y Velasco ponen poesía y locura a una muerte anunciada desde que entras en el saloncito de La Casa de la Portera.
«The Show Dystopia» en Theatre for the people
Adán Black nos quiere mostrar una nueva experiencia teatral en un espacio no convencional donde se mezcla la realidad y la ficción de manera natural. Me refiero al espacio que ha creado y ha conseguido en Theatre for the People. Entre unos escaparates de lo que podía ser una antigua tienda y su sótano transcurre una nueva prolongación de la realidad, una nueva experiencia que intenta perseguir la búsqueda personal auténtica y que plantea los límites de nuestra intimidad. Y qué mejor para planteárselo que el texto de George Orwell, 1984. Su grupo de alumnos, a través de un buen trabajo grupal, se atreven a poner en pie una experiencia que les transformará y les hará experimentar su redescubrimiento personal. Antonella Broglia hace de maestra y de gran hermano entre ellos en un papel que nos absorbe y nos demuestra que ella ha experimentado con creces esa búsqueda personal a través de su propia experiencia.
Pero Adán quiere llegar más allá y, como en toda experiencia teatral, el público es el fin. «El primer paso de una transformación social radica en recuperar el poder de la libertad de expresión» decía Howard Brenton y usando esta libertad se intenta provocar, atormentar, emocionar, descubrir y someter a un público que acaba descubriendo que también está siendo observado, tanto o más que los actores.
Luis Mª García Grande.
Que Revienten los Artistas 
Debe estar conectado para enviar un comentario.