«Ricardo III» en el Teatro Español
Eduardo Vasco lo tiene muy claro: «El mundo está vuelto del revés, tiene la cabeza donde tiene que tener los pies». Así es. Este montaje en el que se nos muestra la condición humana a través del mismísimo diablo encarnado en Ricardo III gracias a Arturo Querejeta, es una pequeña joya que necesita de un público que la arrope y la admire. Vasco ya tiene experiencia tras cinco montajes de Shakespeare en recrear el mundo de las intrigas, emociones y contradicciones que se nos propone en las obras de El Bardo de Avon.
Un montaje brillante con escenografía sencilla, a base de mostrar y ocultar maletas y baules y de telas nos sumerge en la sanguinolenta mente del duque de Gloucester, que aspira a ser rey de Inglaterra, y lo consigue tras ir dejando a su paso los cadáveres ensangrentados, no solo de sus enemigos, son también de amigos y parientes traicionados. Todo tiene sentido en el montaje, hasta regalar un reino por un caballo dentro de una batalla naval… porque el sinsentido, el mundo del revés es el producto de la maldad producida por la mente humana…y aquí se demuestra que hay mucha.
Y hablando de sinsentidos… ¿Cómo puede ser que el teatro no se llene, no se regale, no se comparta y las calles estén llenas de Ricardos en busca del regalo navideño perfecto?
Luis Mª García Grande
«La tempestad» en Teatro La puerta estrecha
Las propuestas teatrales pueden conseguir la magia de la fascinación de muchas maneras, tanto si el texto es bueno, mediocre o malo. En este caso estamos ante una pequeña joya de El Bardo en lo que se refiere a lo literario y, además, ante una muy buena adaptación para emprender ese viaje inesperado hacia nuestro interior. La magia del espacio de La Puerta Estrecha contribuye al disfrute de estas letras y a sumergirnos en el viaje que nos proponen. La utilización de todo ese pequeño mundo detrás de «la puerta» para crear esta propuesta escénica a medio camino entre lo clásico y lo contemporáneo, el aprovechamiento de todo su espacio, de sus salas, su patio, sus recovecos y su decoración que nos evoca el aislamiento en esa pequeña isla de Próspero es un elemento clave junto a la actuación de los componentes de Almaviva Teatro y la Compañía La Puerta Estrecha que hacen desatar todo un plantel de sentimientos y pasiones.
Luis Mª García
Del 6 de octubre al 27 de noviembre | jueves, sábados y domingos 20:30h
Shakespeare, la mujer silenciada en Lagrada
La historia siempre la ha contado los hombres y los vencedores que, casi siempre, suelen ser ellos lo que se alzan con las victorias. Siempre hubo mujeres interesantes y avanzadas a su tiempo y, sin embargo, tuvieron que silenciar su nombre porque un padre, un marido o un hermano las sumió en la oscuridad del tiempo. Shakespeare,la mujer silenciada propone una revisión sobre el más célebre autor de todos los tiempos, mostrando realmente como se comportó en aquella época, de dónde salió su productiva obra y cuál fue su verdadera identidad. Un monólogo en el que la actriz transita por la amargura de una existencia gris a la sombra del gran bardo.
Adolfo Simón
Hamlet Kamikace
Hamlet lo escribió Shakespeare y lo reescribe todo artista que encuentra una pista para dar una visión personal del personaje más difícil y complejo de la literatura dramática de todos los tiempos. En esta ocasión, Miguel del Arco se pone frente a la peripecia del personaje y toma decisiones a cada momento de la obra, justo lo que no hace Hamlet que se debate siempre en la duda. Este Hamlet Kamikace es el puzle endiablado que surge a partir de una premisa…Hamlet, en realidad, está muerto…y si los muertos, en vez de ver pasar su vida en el último aliento, se sumergiesen en un sueño del que despiertan para aparecer en otro sueño y así sucesivamente, ir trasladándose de un lugar a otro y de un momento a otro de su existencia reciente, en este caso a partir de la muerte del padre de Hamlet…Esto le situaría en un bucle semejante al que experimenta Segismundo y así, no terminará de saber si lo que le ocurre es la realidad o lo que sueña. Solo, al final, como Edipo, descubrirá que lo que va a cubrir el resto de su no vida, será el silencio. La propuesta escénica está llena de juegos teatrales que transitan por múltiples géneros escénicos, unos encajan mejor con el texto que otros, pero todos nos llevan por esa montaña rusa a la que se ha subido Hamlet hasta parar en seco, suspendido en el aire.
Adolfo Simón
«El mercader de Venecia» en Matadero Madrid
¿Qué es lo importante para disfrutar de un buen Shakespeare? Yo pienso que una buena interpretación por parte de los actores y una atención por parte del espectador para impregnarse de cada palabra encadenada sabiamente en frases sabias. Todo lo demás es accesorio: la escenografía, el vestuario, la iluminación…
Pero si todo esto se mezcla si altas pretensiones por un experto como Eduardo Vasco, si la palabra va unida a una escenografía sencilla pero eficaz de Carolina González, a un vestuario lujoso, bien pensado y que no deslumbra al espectador a pesar de la maestría con la que está hecho por Caprile, pues el resultado es magnífico.
En el Teatro Español, Naves del Matadero podemos disfrutar de esa esencia del teatro gracias también a buenas interpretaciones de todos los que intervienen en «El mercader de Venecia» y sobresaliendo la de Arturo Querejeta.
Acérquense a darle su libra de carne al teatro.
Luis Mª García Grande
Cervantes y Shakespeare en el Día del Libro
Este año, el Día del Libro lo he celebrado de la mano de Shakesperare con una función deliciosa de Hamlet en el Teatro del Canal. Shakespeare’s Globe se embarcó en una gira mundial que durará dos años y los llevará a visitar todos los países del mundo con esta producción. Globe to Globe Hamlet, dirigida por el director artístico de Shakespeare’s Globe, Dominic Dromgoole, es una aventura teatral sin precedentes. Esta producción propone una puesta en escena fresca y jovial de la clásica tragedia shakesperiana, que da cuerpo tanto a sus venganzas como a su comicidad y enardecido uso del humor negro, latente a través de toda su obra; igualmente celebra la exuberancia y la inventiva de su lenguaje. Y lo hace desde una propuesta sin aparatosidad, centrando todo el trabajo en la creatividad de los actores de diferentes procedencias étnicas.
Y la otra celebración la he vivido en la Sociedad Cervantina donde pude disfrutar de un exposición de libros de artista y de un texto exquisitamente adaptado por María Velasco sobre las peripecias de insigne Cervantes en los días previos a la publicación del Quijote, representado con entusiasmo por Estefanía de los Santos y Rodrigo Posión alrededor de la imprenta donde se hicieron los primeros ejemplares de esta obra y que está en los sótanos de esta institución. Pieza dirigida con humor y destreza por Sonia Sebastián.
Adolfo Simón
Sergio Otegui: El teatro ha de ser un lugar desde donde se exprese una visión crítica de la sociedad
¿Cómo fueron tus inicios en el teatro?…¿Realizaste otras facetas además de la actuación?
Empecé junto a Lola Herrera, interpretando a su hijo en «Cinco horas con Mario», y dirigido por Josefina Molina – inolvidable debut -.
También he trabajado como utilero, regidor y técnico y diseñador de iluminación.
¿Qué es el teatro para ti?…¿Por qué haces teatro?…
El teatro es mi modo y mi forma de vida.
Hago teatro porque me divierte, porque me apasiona y porque me da la oportunidad de aprender algo de mí mismo con cada personaje que interpreto.
¿Qué balance harías sobre tu trayectoria?…
Valoro mi trayectoria en el mundo del teatro como muy positiva; ya que he tenido la oportunidad de encarnar grandes personajes de grandes autores (Shakespeare, Chejov, Lope, Pinter, Jardiel, Delibes, Lorca, Molière, etc…) y en la mayoría de los casos dirigido por directores y directoras de gran talento. Sin embargo no puedo decir lo mismo de mi paso por la televisión, donde he alternado muy buenos trabajos con algún que otro fiasco.
¿Qué función crees que ha de tener el teatro para la sociedad de hoy?…
El teatro ha de ser un lugar desde donde se exprese una visión crítica de la sociedad, un espacio de libertad en el que quepan todos los puntos de vista posibles e imposibles, un lugar donde el espectador se enriquezca y se divierta.
¿En qué proyectos has participado durante el último año?…Háblanos de ellos…
Este año he participado en «Instantes» bajo la dirección de Roberto Cerdá, un montaje compuesto por tres textos de tres autores españoles contemporáneos en el que se narra lo incierto de nuestra existencia, siempre dependiente de decisiones tomadas en determinados instantes de nuestra vida cotidiana.
También he vuelto, después de cuatro años, al Festival de Mérida con «Pluto» una maravillosa comedia de Aristófanes dirigida magistralmente por Magüi Mira. Sátira escrita hace más de cuatrocientos años que engloba una visión mordaz y precisa de nuestra actual crisis económica y política.
¿Cómo surgió tu participación en Inmunidad…?…Háblanos de este trabajo…
Alberto Herrreros, autor y director de la obra, andaba buscando un actor de mi edad y características y mi amiga Chusa Barbero tuvo la gentileza de darle mi nombre.
«Inmunidad diplomática» es un thriller sobre espías británicos que se mueven en el mundo de los grandes poderes ocultos que manejan la política de los países de nuestro entorno.
¿Cómo creas tus personajes?…¿Tienes un método?…
No tengo ningún método. Trato de entender al personaje y sus motivaciones. Me dejo llevar por mi intuición y la de mis compañeros de reparto, e intento seguir el camino que marca el director.
¿Cómo crees que están afectando los recortes y el aumento del I.V.A. a los proyectos de teatro?…
Es obvio que está afectando negativamente. Ha disminuido el numero de espectadores, las taquillas de los teatros se resienten y los productores dejan de invertir. En mi opinión con un I.V.A. de no más del 10% todos saldríamos ganando, público y trabajadores del sector, y además el estado ingresaría más dinero.
¿Qué montaje que hayas visto últimamente, te ha interesado?¿Por qué?…
«Continuidad de los parques», un texto original y valiente de Jaime Pujol hecho por grandes actores y bajo la imaginativa y brillante dirección de Peris-Mencheta.
¿Proyectos?…
Voy a participar en «Enrique VIII y la cisma de Inglaterra», montaje del Centro Nacional de Teatro Clásico que se estrenará en febrero del año que viene bajo la dirección de Ignacio García.
«La violación de Lucrecia» en Teatro de La Abadía
«La violación de Lucrecia» se ha prorrogado hasta el día 15 de junio en el Teatro de la Abadía.
Imprescindible. Tendríamos que utilizar millones de palabras para describir el trabajo que Nuria Espert y Miguel del Arco han realizado con este texto de Shakespeare, tendríamos que escribir tesis doctorales sobre este montaje que hace que una obra menor, de esas que no se tienen en cuenta cuando se quiere montar un Shakespeare de verdad, se convierta en la obra más importante que se puede ver ahora sobre las tablas españolas.
Espert destripa cada personaje de la obra y lo hace suyo como si estuviera poseída, pasando de uno a otro con una velocidad increíble y con una maestría que solo ella es capaz de conseguir. Podemos ver a Lucrecia y de repente se convierte en Tarquinio, Colatino, la doncella, Lucio Bruto…da igual, ella los asume de manera tan natural que es imposible no verlos. Su expresión facial, su dicción y su manera de moverse cambia como lo haría un plano de una cámara a otra si la obra estuviera interpretada por varios actores. No le hacen falta ni siquiera esas túnicas, tan acertadamente ideadas por Miguel del Arco, para transformarse. Toda una lección de teatro y de interpretación que ella imparte con total naturaridad, como si estuviera ensayando en su casa.
Miguel del Arco ha sabido rodearse de profesionales que han creado una escenografía, iluminación y ambiente sonoro dignos de tal actriz. No hace falta mucho atrezzo ni mucha innovación tecnológica para crear el ambiente preciso, pero sí mucha maestría para acompañar a La Espert y empujarla a meterse en este discurso de hora y media. Los dos han sabido sacar lo mejor del otro para concebir una obra maestra. Una cama con dosel, una silla y una mesita, varias telas y dos túnicas bastan para recrear una Roma en crisis y una mujer que cambió la Historia: la caída de los reyes y la instauración de La República.
Solo hay una cosa que me desconcierta: un cartel que anuncia la obra bastante anodino… pero eso no importa porque ahora la Historia del teatro está reescrita a través de un director y una actriz.
Adolfo Simón
«Julio César» llega al Bellas Artes
Después de haber sido estrenado en Mérida y haber viajado por España «Julio Cesar» de Shakespeare y dirigido por Paco Azorín, se ha instalado en el teatro Bellas Artes. Afrontar este tipo de obras y darles un aire contemporáneo es una labor complicada, y Azorín se ha encargado de darle una imagen sencilla y asequible para todos los públicos, incluso los que gustan de proyecciones audiovisuales, aunque en este montaje no cumplan una función esencial. En el escenario se representa de manera sencilla el poder mediante una reunión de sillas al estilo del senado romano y un obelisco de grandes dimensiones que podría representar el poder que en aquella época tenía César después de haber conquistado las Galias, haber luchado contra Pompeyo y haber cruzado el famoso río hacia Roma mientras decía que la suerte estaba echada. Pero lo que no esperaba César es que la suerte le sorprendiera al comprobar que Bruto también le iba a dar una puñalada también, ya que lo consideraba su hijo adoptivo.
Aunque sea obvio recordarlo, la obra nos habla de temas universales como pueden ser el poder, la amistad, la nobleza y la traición y los actores que se encargan de representar a estos personajes lo comunican perfectamente.
Es un placer poder ver a Mario Gas de nuevo interpretando y asumiendo el personaje de Julio César con credibilidad y con una dicción de la que muchos actores tienen envidia. Hay que destacar la actuación de Tristán Ulloa en el papel de Bruto y de Sergio Pérez-Mencheta en el de Marco Antonio. El primero por dar al personaje una credibilidad indiscutible y porque demuestra una gran madurez interpretando y el segundo por poner toda la carne en el asador y el matiz emocional que da al conocido monólogo de la obra.
El valor de la palabra es el punto sobre el que Azorín se ha querido centrar, en su fuerza poética y evocadora. Julio César, además de político y militar era escritor, y eso muy bien lo sabemos los que hemos estudiado Latín y traducido sus batallas, y, como buen político sabía muy bien utilizar la palabra para modificar conductas, para influir en los ánimos de los demás. De manera sencilla, pero efectiva barría para su casa. Shakespeare supo recoger de los clásicos toda esa intriga que ocurría dentro del senatum y desarrollarla de manera excepcional. Azorín ha sabido recortar la obra de manera que quede lo justo para comprenderla, que sea fluída y que suponga toda una lección moral y estética para el que vaya a verla.
Luis Mª García Grande.
CONSUELO TRUJILLO nos habla de su trayectoria y proyectos para la escena
¿Cómo fueron tus inicios en el teatro?…¿Realizaste otras facetas además de la actuación?
Yo comenzé en el teatro universitario, despues inicié mi formación en el Instituto de Teatro de Sevilla y mi pasion por la interpretación me llevo a Buenos Aires a estudiar con Carlos Gandolfo. Aquel viaje cuando yo tenía 27 años me cambió la vida y y me orientó hacia el tipo de actriz que yo quería ser. Se me abrió un camino en el arte pero también en la vida. La búsqueda del “ser” en la actuación, ser. La necesidad de encontrarme de romper bloqueos, resistencias conocerme más…. En aquella época la pregunta era ¿quién so yo? ¿quen es esta mujer que desea tanto actuar?
Y claro Carlos Gandolfo era un gran maestro en desvelar la verdad y sobretodo en señalar la falsedad de la que ni tu te das cuenta. Allí también conocí a Juan Carlos Corazza quién también ha sido un maestro importante y con quién he colaborado en su escuela durante 14 años, a él le debo el despertar de mi vocación por enseñar.
¿Qué es el teatro para ti?…¿Por qué haces teatro?…
El teatro es mi pasión, mi destino, mi vocación, el lugar donde puedo dar lo mejor de mí misma, donde me expando, crezco y me desarrollo siendo útil a los demás. Me siento muy identificada con ese texto de Nina en La Gaviota “Y cuando pienso en mi vocación no le temo a la vida”.
¿Tu labor en el teatro lo has compatibilizado con otros trabajos?…
He tenido la suerte y la posibilidad de desarrollarme en el teatro desde varios frentes,: la actuación, la enseñanza, la dirección y esto me ha abierto puertas y a la vez he tenido que trabajar muy duro para prepararme y también para compatibilizarlo.
¿Qué balance harías sobre tu larga trayectoria?…
De lo que estoy más contenta es de haber estado siempre en el teatro desde que decidí que era mi camino, también de todo lo que he dedicado y sigo dedicando a formarme, reciclarme, experimentar, buscar nuevos retos. Yo por dentro me siento con la misma ilusion, la misma ansia por saber, el mismo extasis amoroso por actuar… El teatro es ese camino insondable, inabarcable, en el que me adentré con 21 años y todavía sigue siendo para mí un misterio por descifrar, o no, no lo quiero descifrar, quiero que siga siendo un misterio para mí, sorprendente, lleno de nuevos retos…. En realidad el teatro es mi maestro.
¿Qué diferencia hay para ti del teatro que se hacía en tus principios al que se hace hoy en día?…
Ya he comentado antes que yo empecé en el teatro universitario y el teatro independiente, era un teatro de guerrilla, ahora volvemos a las trincheras pero la diferencia es que estamos más preparados, sabemos más, nuestro arte ha crecido, los profesionales se preparan mucho más, y yo me siento más cerca de estas inquietudes de ahora que de las de antes… Y vibro en la esperanza de que desde las trincheras del teatro, este off tan vivo y fuerte que está emergiendo en Madrid se van a producir cambios muy importantes que con el tiempo se recordará como una época gloriosa para la escena de nuestro pais.
¿Qué función crees que ha de tener el teatro para la sociedad de hoy?…
Ayudar a cambiar el mundo, parece muy grande pero así lo siento, contribuir a la revolucción de la conciencia, revelar lo que esta oculto. Lo dicen todos los grandes: Chejov, Shakespeare y yo humildemente y desde mi modesta situación me sumo a ese proposito. Los artistas tenemos que contribuir con nuestro arte al cambio que esta emergiendo y que tanto necesita nuestro mundo.
Despertar conciencias, reflexionar sobre el sentido, la gran pregunta. Ya se la hace Chejov: “¿Para qué nacemos, para qué vivimos?”.
¿En qué proyectos has participado durante el último año?…Háblanos de ellos…
Este año he estado sumergida en un proyecto de creación en el que también seguiré en 2014 “Criatura” en el participo como creadora, codirectora e interprete y que es una apuesta personal muy arriesgada de la que estoy muy contenta. He dirigido por primera vez una Opera como proyecto pedagógico para el Auditorio Nacional “El rio de la vida” algo muy especial que hicimos con la compositora Marisa Manchado, la orquesta nacional, el coro nacional y casi 70 niños de primaria y secundaria, una locura que resultó una experiencia maravillosa. He seguido con el Laboratorio que realizo en CriaturadelArte para actores, este año iniciamos el laboratorio en torno a la la obra de Mouawad y por ultimo el regalo grandísimo que me ha hecho Raul Tejón con el personaje de Andrea en el Huerto de Guindos para La Casa de la Portera.
¿Cómo surgió tu participación en El Huerto de los Guindos?…¿Qué te atrajo de la propuesta…
Raul Tejón me lo propuso y no me lo pensé. El me transmitió mucha confianza, tenía más fé en mi que yo misma. Y la verdad que me pareció tan bello, que él que había sido mi alumno, quisiera dirigirme y me trajera este regalo a mi vida. El personaje de Lubov Andreievna, Andrea en nuestra version es un personaje que me apasiona, es un reto para cualquier actriz, te obliga a rajarte las vestiduras, a entregarte a un viaje apasionante, sin control, un tobogan de emociones, procesos irracionales, locura, contradicciones, desgarro. Ella lo pierde todo, ya lo dice “mi huerto, mi dulce y querido huerto, mi vida, mi juventud, mi felicidad”… pero también es el adios a una forma de vida, a una época y quitando capas es el adios que todo decimos a ese anhelo de felicidad que hemos sentido tan vibrante en la niñez y la juventud, cuando te ibas a comer el mundo, cuando todo era posible…y llega el momento de bajar las armas y aceptar que no sera posible, entonces se nos abre la brecha… o claudicar o abrirnos a una nueva vida, en la que nada es como parecia que tenía que ser, la aceptación…Parece que Andrea esta dispuesta a quemar todos los cartuchos y vivir en la intensidad hasta morir, es su opción y yo la respeto y cada noche viajo con ella, bailo su danza y me da mucho. También esta siendo un viaje actuar en La Casa de la Portera con esa cercania e intimidad con el publico y con un grupo de compañeros maravillosos que me estan enseñando mucho, mucho de humildad, amor al teatro y generosidad…
¿Hay algún proyecto que nunca pudiste realizar y te gustaría?…
Este Huerto es uno de ellos y este personaje es uno de ellos, Criatura mi proyecto de creación en torno al universo poético que me ha marcado en la vida es otro y está en marcha…Me gustaría mucho mucho hacer una puesta con la obra de Wjadi Mowaud con un grupo actores que siento muy afín y con los que llevamos trabajando un tiempo. Y que sigan viniendo textos interesantes, me interesa mucho el teatro contemporaneo, pero también la creación colectiva y hacer nuevas lecturas de los grandes textos.
¿Cómo crees que están afectando los recortes y el aumento del I.V.A. a los proyectos de teatro?…
Esto es una bomba que nos han tirado para acabar con la cultura pero no lo están consiguiendo. Todo esto está hacienda que los artistas y la gente de la cultura estemos hacienda de tripas corazón y derrochando amor e imaginación para seguir creando. Esto implica mucho sacrificio pero estamos resistiendo y abriendo una brecha de esperanza que los politicos y poderos no esperaban. El arte nunca muere y la gente necesita el alimento del arte. A mi me inspira e ilumina este texto de Federico para saber que vamos por el buén camino: El teatro es una escuela de llanto y de risa y una tribuna libre donde los hombres pueden poner en evidencia morales viejas o equívocas y explicar con ejemplos vivos normas eternas del corazón y del sentimiento del hombre. Un pueblo que no ayuda y no fomenta su teatro, si no está muerto, está moribundo…
¿Qué montaje que hayas visto últimamente, te ha interesado?¿Por qué?…
Quede fascinada con SEUL el ultimo montaje que ha traido Mowaud, es un creador que me interesa mucho y su obra me estimula a llevar mi mundo, mi historia a escena, comprometiendome con la universalidad de la mi historia y la de mi pueblo. Y acabo de descubrir a Christiane Jatahy con la version de JULIA que trajo al Valle Inclán… en ambos me facinó la libertad de los creadores, la combinación de lenguajes, como se interrelacionaban lo cinematográfico y lo teatral, la presencia viva y salvaje de los actores en escena, textos llenos de poesía que nos hablaban de un aquí y ahora que nos traspasaba por inmediato y a la vez atemporal.
¿Qué proyectos tienes entre manos?…
Creo que esta pregunta ya te la he contestado en las otras. Hay también un proyecto de cine que me apetece mucho que es la primera película de Albalá-Deudero… En tus huesos afilo mis dientes y depues hay dos proyecto de adaptaciones de textos dramaticos al lenguaje cinematográfico que ojalá lleguen a buen termino porque para mi supondrán dos personajes maravillosos para este momento de mi camino como actriz.
Fernando Sansegundo nos habla de su trayectoria en el teatro
¿Cómo surge el proyecto de Barrocamiento?… ¿De qué va la obra?..
Lo primero que surgió fue la iniciativa de las actrices de crear un equipo para poder llevar a cabo un espectáculo juntas, y a partir de ahí me eligieron como director del proyecto.
Comenzamos proponiendo todos diversos temas que nos interesaban hasta dar con uno que nos convenció a los cuatro pese a su dificultad inicial: recuperar para el público actual y con una visión de hoy la lucha y la obra de las mujeres que se atrevieron a luchar por llevar a cabo su derecho a la expresión, literaria en este caso, en la época del Barroco, el llamado Siglo de Oro español, que se extendió también a las colonias de la corona.
La función transcurre en nuestro siglo, ellas pertenecen al XVII. Lo de convertirlas en fantasmas que tienen la oportunidad de juntarse durante una noche de ánimas vino rodado.
¿Hiciste algún tipo de búsqueda o documentación sobre el tema antes de empezar a escribirla y dirigirla?…
En este caso la investigación era imprescindible, puesto que la dramaturgia parte de la obra y la vida de estas tres mujeres y algunas más que participaron de sus inquietudes.
Los textos originales no fueron tan difíciles de conseguir, aunque en algunos casos fue realmente complicado encontrar algunos que sólo figuraban en facsímil, como los datos biográficos. Se conoce muy poco de la vida (y sobre todo de la última parte de la vida) de dos de ellas, tan sólo hay documentación extensa sobre Sor Juana. En los otros casos, tuve que buscar, analizar y atar cabos, porque no me importaba imaginar (la función es una recreación literaria, no un documento histórico neto) pero nunca inventar sin datos o suposiciones verosímiles.
¿Cómo fue el proceso de creativo hasta su estreno?…¿Participaron en él las actrices?…
Partiendo de algunos textos originales de las autoras y de otras autoras de la misma época, empecé a componer otros siguiendo una estructura similar, y por tanto, naturalmente, trabajando a partir de la composición en verso.
El tratamiento de la expresión y del ritmo fueron vitales, partimos de ahí y fuimos encontrando una forma de decir que sin ser afectada estuviera dentro del estilo correcto que convierte el verso en una estructura casi musical.
La aportación de las actrices en la búsqueda de las relaciones entre ellas y sobre todo en la parte sensorial (no son seres de carne y hueso, pero tampoco buscábamos marcianos ni personas que no fueran reconocibles físicamente) resultó fundamental, así como en la evolución de la edad (a lo largo de la obra reviven desde su infancia hasta su muerte, y su comportamiento debía “evocar” ese transcurrir más imitar.
¿Cómo ha sido el trabajo de puesta en escena al ser autor-director?…
Cuando comenzamos con ensayos de modo más estructurado y constante, estaba escrita una buena parte del texto, pero en absoluto completo.
Poder crear y modificar sobre el terreno ha sido una forma apasionante de colaboración con las actrices.
Y, de cualquier modo, cuando el director y el autor no se entendían del todo, siempre quedaba el conflicto en casa, ¿no?
¿Qué balances haces de tus últimos trabajos como actor/director de teatro?…
Durante muchos años he sido casi exclusivamente actor, o al menos es la faceta que he mostrado, porque escribir siempre he escrito de un modo u otro, con mayor o menor asiduidad.
Como actor es cierto que me siento satisfecho. He tenido la suerte de trabajar con los mejores en todos los campos, y eso es un privilegio. También me ha ayudado la cabezonería de elegir incluso cuando no debía permitírmelo.
Mi labor como director ha sido mucho más intermitente. Durante muchos años la abandoné completamente porque parecía que las labores de director y productor, al menos en proyectos de bajo presupuesto, tenían que ir juntas, y yo, como pude comprobar, no valgo como productor. En los últimos años he podido ejercitarme en una sin que fuera necesaria mi participación en la otra, fuera de las labores que corresponden a un director a la hora de elegir y decidir, claro está.
¿Qué función crees que ha de tener hoy el teatro para la sociedad en la que vivimos?…
La función imprescindible que ha tenido siempre y que han definido desde Aristóteles al creador más actual que se te ocurra, pasando por Shakespeare por citar un caso. No es por ponerme “estupendo”, de verdad, es porque en toda época ha sido evidente. Bueno, evidente para los creadores, necesario para los públicos e inevitable pero no gustoso para los gobiernos.
El teatro, por dicho que esté, es forma directa, por el directo, e insustituible de comunicación, de encuentro, de confrontración.
Los problemas, las inquietudes, las ilusiones, y sobre todo los seres que los viven, se “encarnan” para quienes los ven, y eso es único.
¿Qué te motiva o inspira para hacer teatro?…
Debe ser un instinto de no apartarme de ello (que no debe confundirse con una costumbre), de necesitar seguir contando, viviendo y haciéndolo vivir.
Y esa lucha colectiva que no termina y que apasiona. Cada vez que una sala se ve en la trágica necesidad de cerrar, se abren dos o tres. Hay más iniciativas que nunca, y si hay menos público acabará por responder, porque esto no lo paran ni las crisis ni los que se empeñan.
Y además, eso que los argentinos (luchadores teatrales donde los haya, incluyendo a un público que secunda fervorosamente su arte) llaman un “teatrista”, esa faceta que abandona en casos la especialización exclusiva y hace que muchos creadores se hayan convertido en multiprofesionales que escriben, dirigen, actúan, conocen la parte técnica, producen en muchos casos, son docentes… está resultando muy bien también aquí. A todos nos vienen a la cabeza muchos casos. Y es una forma de hacer en que también yo me siento realizado y a gusto.
¿Cómo crees que está afectando la subida del I.V.A. y los recortes en las ayudas al teatro?…
Como lo creemos todos los que lo vemos desde dentro. Bueno, es tan evidente que creo que la mayoría de la gente que no está en ello, aun los que no son público habitual, lo ve también como una carnicería estúpida y vengativa. Tan estúpida que la subida del IVA sólo revierte en recaudar menos para Hacienda.
Y que no somos santos de la devoción de muchos políticos es bastante evidente, ahora y siempre.
¿Qué obra de teatro has visto últimamente?¿Qué te pareció?…
Desde el final del verano, ninguna. No es deserción, es que tengo la suerte de trabajar todas las tardes en un teatro y todos nuestros días de descanso coinciden.
De los últimos meses me acuerdo de una maravilla llamada “Safronia” que pude ver en la Casa de la Portera y de “Praga”, de Javier de Dios, tan estupenda como todo lo que toca La Barca Teatro.
«Romeo y Julieta» en los Teatros del Canal
Enfrentarse a la partitura de Prokofiev y transformar un ballet para explicar la historia de Romeo y Julieta en la Revolución rusa es una tarea ardua de la que se puede salir no tan bien parado como se quisiera.
La coreografía de Bertrand D’At para la música de Prokofiev es arriesgada e intenta conjugar elementos estéticos de la época a la que nos quiere trasladar con el espíritu del Romeo y Julieta renacentista. Además, una potente escenografía basada en plataformas móviles que asemejan edificios de estilo constructivista y que llenan el escenario ayuda a situarnos en la acción de la Revolución rusa y acompaña perfectamente a la partitura.
El Ballet e l’Opéra National du Rhin, fundado en 1972, es una de las pocas compañías francesas que se desplaza sin problemas del barroco a lo moderno y de lo clásico a lo contemporáneo, y su ejecución coreográfica está a la altura de las circunstancias.
Esta coreografía no es nueva y ya ha obtenido muy buenas críticas pero, a pesar de esto, creemos que muchas veces faltan elementos de unión entre las diferentes partes de manera que se producen lapsos en escena que hacen que se pierda la atención por lo que se está viendo. Por otro lado destaca la frialdad de los movimientos coreográficos nos aleja de lo que realmente se está contando, entre una guerra, sí pero al fin y al cabo es una historia de amor.
Luis Mª García
Coriolanus de Ralph Fiennes
La primera impresión al enfrentarse a Coriolanus es el extrañamiento que produce ver a los actores declamando líneas del texto original de Shakespeare y refiriéndose a las guerras entre Roma y los volscos del siglo V a.C. mientras observamos lugares y escenas contemporáneas, en realidad en un lugar y un tiempo indefinidos pero que parecen situarse en la contienda de los Balcanes (de hecho, la película se rodó en Serbia y los actores que interpretan a los ciudadanos son de aquel país). En esa arriesgada decisión está el mayor atractivo de esta adaptación teatral –la primera que se lleva a la pantalla de esa obra- y que supone el debut tras la cámara de Ralph Fiennes, quien anteriormente ya había interpretado al mismo personaje en un teatro de Londres.
Con ese gesto, el británico establece un diálogo trágico entre pasado y presente para poner de manifiesto la vigencia y la modernidad de Shakespeare, incluso en casos de obras aparentemente menores como ésta, pero que encierra un argumento con mucho intríngulis. Cayo Marcio (Fiennes) ha sido un hombre educado para la guerra, una máquina de matar que, tras sus misiones victoriosas, regresa a Roma y, bajo el consejo de su madre dominante y ambiciosa (espectacular Vanessa Redgrave), decide presentarse al Senado. El pueblo no lo acepta por sus maneras despóticas y es expulsado de la ciudad. Resentido, Marcio se unirá a sus rivales, los volscos, para traicionar a Roma. Fiennes traduce esto en imágenes de impacto y una puesta en escena inteligente, con la presencia de la televisión como elemento perturbador, y narra las secuencias bélicas con cámara al hombro y una gran fisicidad a la manera de En tierra hostil, todo ello para completar un duelo interpretativo en el que también sobresalen Jessica Chastain, Gerard Butler y Brian Cox.
Título: Coriolanus
Director: Ralph Fiennes
Género: Drama
Reparto: Ralph Fiennes, Vanessa Redgrave, Gerard Butler, Brian Cox, Jessica Chastain, Paul Jesson y James Nesbitt
Guión: John Logan
Fotografía: Barry Ackroyd
Música: Ilan Eshkeri
Estreno: 25.01
“Hamlet”. William Shakespeare. Will Keen. Naves del Español-Matadero Madrid.
Naves del Español-Matadero Madrid
“Hamlet”
Autor: William Shakespeare
Dirección: Will Keen
Siempre vale la pena acudir a ver Hamlet, la obra cumbre de William Shakespeare, siempre hay la esperanza de descubrir algo nuevo de la condición humana a través de sus personajes y sus diálogos. No importa que sepamos que todos mueren al final, da igual, podemos seguir de nuevo, paso a paso, la trama, porque en cada versión parece que los personajes van a ser dueños de su destino y cambiar el rumbo de los acontecimientos. Es lo que tiene ser una obra genial, da para todo, para mil y una variantes. Al salir de ver la propuesta de Will Keen tuve una sensación extraña en el cuerpo, una mezcla de frialdad y ligereza. Me habían contado la peripecia del príncipe de Dinamarca en una adaptación actualizada, habían usado elementos que le daban contemporaneidad a la historia…Y había un equipo de actores entregados a la propuesta y sin embargo…No me ha emocionado, al revés, hubo momentos, sobre todo en los que se indagaba en el posible humor del texto, en que sentí que se alejaban del corazón de la obra para hacer justo lo que Hamlet pide que no hagan en la clase magistral que da a los cómicos antes de hacer la función en la que conseguirá que su tío, asesino de su padre, quede al descubierto. Hay un par de escenas en la que desapareció la realidad y el efectismo que me hicieron pensar que la intuición del director había acariciado una mirada diferente sobre este texto, pero se esfumaron de inmediato. Por momentos, tenía la necesidad de mirar a los actores que hacían personajes secundarios, en su mirada y su cuerpo encontraba un Hamlet más profundo.
Adolfo Simón
EL SUEÑO DE LA REINA DE LAS HADAS – Cía. Pedro Lagarta
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Que Revienten los Artistas 
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