«Juicio a una zorra», con Carmen Machi, vuelve a La Abadía
Tras el éxito cosechado la anterior temporada en La Abadía, en la que muchas personas se quedaron sin verla podremos volver a disfrutar de esta obra que ha creado y dirigido Miguel del Arco hasta el 5 de Mayo. Una monólogo que acumula 3 nominaciones a los premios Max que se entregarán el 13 de mayo.
Carmen Machi se mete en la piel de Helena de Troya, la primera, considerada, gran puta de la historia y sobre la que se han escrito ríos de tinta. ¿Cómo puede ser la bella Helena a una edad ya madura, en la que ha ya vivido toda clase de tropelías y que ahora las ahoga en alcohol? ¿Qué le reprocha a la vida? ¿Ha sido un error amar a Paris?
Machi encarna perfectamente a esa Helena madura, destrozada, humillada, apasionada, tierna en ocasiones y retorcida de dolor en otras. Una mujer que el único error que cometió fue el de amar y que por eso, «ha sido la mujer más vilipendiada de la historia». No sabemos si Machi se ha metido en el papel o el papel se ha hecho a medida para ella pero está sencillamente espectacular y no nos extraña esa nominación a mejor actriz.
Le acompaña una escenografía y vestuario a la medida de sus posibilidades y que hacen de este monólogo algo casi perfecto.
Imprescindible.
Luis Mª García.
Marina en el Teatro de la Zarzuela
Marina con libreto de Miguel Ramos Carrión y música de Emilio Arrieta fue estrenada en 1855 como zarzuela, en 1871 el propio compositor realizó su refundición como ópera. La acción transcurre en Lloret de Mar y cuenta los amores y desamores de Marina, Jorge y Pascual. Se trata del título más conocido de su autor y de la adaptación lírica mas celebrada del periodo romántico en España. Esta producción, que va a combinar material musical de sus dos versiones —la ópera y la zarzuela—, avanza en el tiempo desde el puerto de pescadores original hacia un puerto industrializado, en que el petróleo y el acero marcan el ritmo de vida de los personajes. En esta nueva producción del Teatro de la Zarzuela se nos presenta una producción cuidada, con una espectacular escenografía que recrea los espacios precisos y un vestuario peculiar para la época en la que transcurre la acción. La dirección musical fue potente pero la puesta en escena, en esta ocasión, ha sido demasiado estática y oscura, dando un aire de propuesta de otra época.
Adolfo Simón
La caja oscura de Amparo Climent en el Teatro Arenal
La caja oscura permite que Amparo Climent se estrene como autora en los escenarios madrileños y Carmen Losa, actriz de larga trayectoria y también autora, dirija esta pieza en la que nada es lo que parece. Para ello se suman al proyecto las actrices Ana Goya, Carmen Arévalo, María Jesús Hoyos, Carolina Lapausa y la propia autora. Este grupo de mujeres se encuentran en una sesión de terapia de grupo en la que tratan de no abrir las puertas del infierno que todas llevan en su interior… Pero conforme avanza la acción, lo que al principio es una conversación insustancial se va tornando un crispado rompecabezas donde iremos descubriendo un pasado común terrorífico que las vincula. Este tránsito dramático está bien planteado en el texto pero sobre todo, está bien medido desde la dirección para que la tensión dramática, sea un gota a gota que taladre nuestro cerebro. Las actrices, generosas y valientes, viajan por este tobogán de emociones a cuerpo descubierto. Una obra que mantiene en vilo durante la hora que dura, sin dejarnos un momento de respiro.
Adolfo Simón
Inmortales en Cuarta Pared
El espectáculo que ha dirigido Javier G. Yagüe hablaba de las luces y sombras de la condición humana en un futuro que empieza ya. Antes, las ferias de monstruos donde los charlatanes nos recibían para vendernos pócimas milagrosas, se hacían sobre carromatos y en descampados. Pero eso era antes, cuando lo que nos parecía misterioso y enigmático era la mujer barbuda y el hombre de dos cabezas. Ahora y en el futuro próximo, los lugares de seducción serán espacios asépticos, virtuales. En ellos nos venderán de nuevo la idea de la vida eterna, sin lastres religiosos, al alcance de la mano de cualquiera, bastará con hacerse socio de una entidad que pueda prometernos recambios corporales. El recorrido planteado por la sala, siendo recibidos y despedidos por sujetos uniformados que nos informan de los beneficios y las necesidades de la organización que controla el futuro de nuestra existencia, es inquietante, por momentos estamos en un espacio claustrofóbico donde nos preparan para la experiencia de encontrarnos con los seres creados genéticamente. Dentro, en la sala, un tríptico escénico repetido, como los seres que allí se muestran. No podemos distinguir entre creador y ser creado porque ambos parecen ser una copia de algún original que tal vez ya no existe. Conforme la gente se va acumulando en la sala, vuelve la sensación de estar encerrados en un lugar sin salida, en un futuro maldito. Una propuesta muy sugerente que nos despierta múltiples preguntas sin respuesta.
Simón Ribes
Kafka enamorado de Luis Araujo en el CDN
Kafka enamorado presenta una historia real y compleja que terminó de forma dramática ante la imposibilidad de realización del amor que sentían Franz Kafka y Felice Bauer. Felice, una mujer muy moderna en su época, directiva de una firma comercial de Berlín, en continuo viaje de negocios, económicamente independiente, conoció a Franz en casa de Max Brod, amigo común que daría a conocer a Kafka al mundo. Franz, bajo la influencia traumática de la autoridad paterna e incapaz de liberarse del influjo familiar y de su trabajo de funcionario, buscaba desentrañar los enigmas de la existencia humana a través de la escritura literaria. Y a pesar de que ambos estaban de verdad enamorados, su relación se convirtió en un constante malentendido en el que, insatisfechos ambos, se hicieron sufrir hasta abandonar sus planes de matrimonio, tras tres sucesivos compromisos y rupturas. Kafka llegó a la conclusión de que una vida matrimonial, burguesa, familiar y ordenada era incompatible con su anhelo artístico, y acabó sacrificándola –sacrificándose él mismo– para legarnos su obra, ese monumento literario que inaugura la modernidad y define de modo exhaustivo la sensibilidad existencial del hombre contemporáneo. Este texto escrito por el autor para el programa de mano nos situa ante la posibilidad de indagar sobre la biografía personal e íntima de Kafka. Hay muchos elementos interesantes y sugerentes en esta tercera y última pieza presentada dentro del ciclo de la novela al teatro. En primer lugar, el texto escrito por Luis Araujo nos sumerge no solo en la cotidianeidad del escritor si no también en su mundo obsesivo de manera precisa, José Pascual ha sabido leer muy bien el material dramático y lo ha instalado atmosféricamente en el espacio escénico propuesto para el ciclo, que aquí está muy bien utilizado y con grandes resultados plásticos al sumársele una inquietante luz. La música de Luis Delgado crea el acompañamiento perfecto a la trama y por último, hay tres actores…Beatríz Argüello, Chema Ruíz y un soberbio Jesús Noguero que dan vida con gran emoción y verosimilitud a cada retazo del diario del amor imposible de Kafka.
Adolfo Simón
Wakefield Poole: Visiones y revisiones de Mauricio González
Wakefield Poole es el nombre de un bailarín americano que formó parte de los Ballets Rusos de Montecarlo y que fue también director de cine erótico gay. En Wakefield Poole: Visiones y revisiones, Mauricio González hace un estudio comparativo entre dos obras: por un lado, el segundo acto de El Lago de los Cisnes, que bailó innumerables veces con los Ballets Rusos, y, por otro, su primera película Boys in the Sand, del año 1971, un hito del cine erótico gay. El título Visiones y Revisiones sintetiza la propuesta del coreógrafo y bailarín canario. Visión como capacidad de ver y también como percepción imaginaria, percibida como verdadera. Revisión como acción de mirar el detalle y detenidamente algo. Con este trabajo, Mauricio González comparte con el público, a modo de conferencia performance, su visión coreográfica de estas dos piezas que le identifican. Ya tuvimos ocasión de disfrutar de esta pieza cuando la presentó hace unos meses en la Sala DT, ahora, en OFF LIMITS vuelve a deleitarnos con una reflexión inteligente e irónica sobre el arte y los caminos compartidos que el imaginario de un artista puede tener en su experiencia vital y creativa. Mauricio González abre el corpus inventivo de Wakefield Poole con un fino bisturí para hablarnos de él y de nosotros…Nada es casual en el arte, todo tiene mayor conexión de la que creemos.
Adolfo Simón
Kremel y Gurruchaga, «Los reyes de la risa».
Adaptar una obra de Neil Simon a la española y hacer que parezca tuya es una labor bastante ardua después de habérsela visto hacer a Danni de Vito y Woody Allen, Walter Mathau, etc. en Broadway y en diferentes películas con el nombre de The Sunshine Boys, la última de 1996.
La inspiración de esta mezcla le vino el verano pasado durante su estancia en «The Cavern» para actuar con la Orquesta Mondragón en un homenaje a los Beatles y una pequeña visita a Londres donde pudo ver a Danny de Vito haciendo esta comedia.
Parece ser que aquí se ha españolizado todo y se ha creado una adaptación de personajes que han tenido un pasado de cómicos famosos a lo Pajares y Esteso por Miguel Hermoso Arnao. Esto le da a la obra un toque rancio, a lo españolada en ciertos momentos, como cuando sale la enfermera rubia mazizorra, pero también un toque familiar y todo esto lo ha logrado dirigir Juan José Afonso y darle un toque de congruencia y saber hacer. 
La interpretación de Kremel y Gurruchaga se adapta a los personajes pero siempre con ese toque distinguible que tiene cada uno de los actores y que tanto conocemos de haberles visto actuar no solo en teatro, sino también en televisión. Y esto es lo que me atrae, ver a Gurruchaga haciendo suyo el papel y ver a Kremel con esa cara que pone de no haber roto un plato así que supongo que mucha gente va atraída también por eso, para reírse con ellos como lo han hecho siempre. Kremel ya había hecho esta comedia bajo el nombre de La extraña pareja. Gurruchaga además pone la «banda sonora» a la comedia con una canción de los Beatles titulada When I’m Sixty-Four.
La escenografía está bien acabada y sorprende por su decoración que mezcla varios elementos que dan cercanía y hacen que el espectador piense que podría estar en la casa del mismísimo Gurruchaga.
Lo único que se le puede pedir a esta producción es que cambie algo su marketing ya que la imagen de la publicidad no se corresponde muy bien con lo que se va a ver.
Luis Mª García.
La serva padrona en el Teatro Real
La compañía Etcétera está presentando en el Teatro Real la ópera bufa más famosa de todo el repertorio: La serva padrona de Giovanni Battista Pergolesi. En ella, cantantes y títeres se confunden entre el juego teatral y la magia que propone la ópera, potenciando los códigos de la commedia dell’arte. La ópera se estrenó en Nápoles, en mil setencientos treinta y tres y está considerada como la primera obra maestra de las óperas bufas. Fue compuesta como intermedio de una ópera seria y larga, su duración es de cuarenta y cinco minutos repartidos en dos actos que correspondían a los dos intermedios de la ópera que se representaba, después se escenificó ya con enorme éxito en toda Europa como ópera de repertorio. El espectáculo está dirigido a público familiar y a niños a partir de siete años. No deben perderse, alguna de las funciones que quedan este fin de semana, todo aquel amante del bell canto y del mundo de los títeres, en esta propuesta, ambos lenguajes de dan la mano creando un espectáculo preciosista.
Adolfo Simón
Caso 315 en el Centro de Nuevos Creadores-Sala Mirador
El Centro de Nuevos Creadores-Sala Mirador, presenta estos días CASO 315 de Julián Egea, bajo la dirección de Eduardo Fuentes e interpretado por Juan Díaz, quien, en un monólogo recio y durísimo, nos adentra en la selva latinoamericana en tiempo de guerrillas, lo hace desde el recuerdo de quien, habiendo vivido los horrores de la violencia extrema, del refuerzo mental a base de odio al enemigo, es capaz de matar, siendo esto lo menos violento que puede hacer, matar es casi ayudar al enemigo, quien es torturado de mil formas, él mismo lo vive en sus propias carnes, cuando perdido en la selva es capturado y torturado hasta la extenuación, cuando al fin lo recuperan, su físico esta mermado y su psique, como no puede ser de otra manera, esta distorsionada y perdida. A través de esta violenta y cruda historia, Juan Díaz, tocado por la magia de los grandes, nos sumerge en un dolor extremo, nos muestra sus vísceras y su alma hecha jirones, haciéndonos reflexionar sobre el horror, mostrándonos sin tapujos lo violenta que es la violencia y el daño profundo que infringe a las personas, a las que devora todo sentimiento humano. Muy bien iluminado por Pablo R. Seoane, Juan Díaz nos asusta y conmueve al mismo tiempo y nos pide ayuda, no se la pierdan, el 20 y el 27 de abril estará todavía en la Mirador y merece la pena este durísimo y a la vez hermoso trabajo.
Ángel Savín
Fragmente de Lars Norén en el Teatro de La Abadía
Lars Norén, uno de los dramaturgos contemporáneos más prominentes de Europa, y Sofia Jupither, destacada directora sueca, se unen en esta nueva creación enmarcada en ‘Cities on Stage/Ciudades en Escena’. Este proyecto de cooperación internacional, en el que La Abadía participa como único teatro español, pretende crear propuestas escénicas vivas y conectadas a una sociedad en constante evolución.
Fragmente, escrito expresamente para ‘Cities on Stage’, explora las consecuencias de un entorno urbano donde las diferencias entre los distintos grupos es cada vez mayor, donde el centro y la periferia se alejan cada vez más. Habla de personas que conviven, o simplemente viven sin reparar los unos en los otros. Personas que cargan con historias de traición, de abuso, de mentiras, de brutalidad. Personas que habitan en la misma ciudad, muy cerca unos de otros, pero que en muchas ocasiones son invisibles los unos para los otros. Gente invisible, en permanente espera y tratando de sobrevivir.
Pocas veces se cuela la vida en el teatro, pocas veces tiene uno la ocasión de tener la cruda realidad a un palmo y en carne viva. Fragmente es mucho más que un texto o una propuesta escénica…Es una experiencia que pocas veces se encuentra en nuestros escenarios, es verdad que, ahora, todo el mundo está huyendo de ver las cosas tal como son, todos queremos que nos entretengan y nos distancien del horror en que vivimos…pero…¿Cuál es nuestro cometido como espectadores de la vida?: Mirar para otro lado?. Este texto de Lars Norén nos habla de manera fragmentada de algunos momentos de personajes que se encuentran y desencuentran en el laberinto de la vida y Sofia Jupither lo expone literalmente en un vertedero, allí… se ama, se odia, se mata, se muere… allí, los personajes se convierten en objetos abandonados a la desidia…y como en el tobogán de una lavandería…todos terminan confluyendo en un centrifugado, descubriendo quienes son y cómo somos. El elenco de actores es sencillamente genial y preciso, hacen un trabajo de verdad vertiginosa. No lo duden, si aman el teatro no se pierdan alguna de las dos funciones que quedan de Fragmente.
Adolfo Simón
«Hombres de 40” en el Teatro Marquina
«Hombres de 40” es una comedia nacida del corazón con la vista puesta en la sonrisa y en la risa más descarada del espectador… ¿Quién no se ha reído de sus propias neuras, de sus propios errores, de sus complejos y miedos, de sus fanfarronadas o de sus fobias? La risa es esencial para soportarnos a nosotros mismos. Desde esa sana risa está escrita “Hombres de 40”, con la intención de llenar de ilusión vital a los espectadores, de contagiar la risa a los que sientan curiosidad por saber cómo es la crisis de los 40… Porque la verdadera crisis es la de la vida, la crisis de quienes deben plantearse el tiempo de permanencia en la vida… Amor, humor, sexo, fortaleza, ternura, generosidad, todo ello se funde en un espectáculo que persigue la risa, la sonrisa y la reflexión. Eduardo Galán ha escrito una comedia amarga que nos entretiene al tiempo que nos hace pensar sobre nuestra responsabilidad con esta sociedad a la deriva. Mariano de Paco dirige con buen pulso y ritmo a los actores que se mueven como pez en el agua en un espacio que reproduce un antigüo gimnasio, metáfora de ese ring en el que vivimos en la actualidad. Todos los intérpretes dar veracidad a los personajes pero destaca un Santiago Nogués en estado de gracia.
Adolfo Simón
El guardián de los cuentos en Cuarta Pared
La Tartana Teatro nos presenta El guardián de cuentos durante los domingos de abril en la Sala Cuarta Pared. Algún día, los libros serán objeto de estudio como el vehículo de comunicación y aprendizaje que desapareció cuando las nuevas tecnologías se convirtieron en el único medio donde informarse e imaginar. Así mismo, los personajes de los cuentos, si no son leídos, se evaporan. Esta idea es el motor para que un viejo bibliotecario haga que sigan vivos los personajes más famosos de los cuentos, en una suerte mágica de aparición y desaparición entre los libros guardados en las estanterías. Una obra para que niños y adultos sigamos amando la letra impresa.
Ignacio Sánchez
Ceniza en el Centro de Arte Fernán Gómez
La sala 2 del Centro de Arte Fernán Gómez, ha presentado desde el 9 de marzo hasta ayer mismo, “Ceniza: Quién no tiene un miserable en su vida” de José Pascual Abellán, una historia de desestructura familiar que dirige Lluís Elías y que parte de un acontecimiento trágico, un padre y un hijo se reencuentran después de muchos años tras la incineración de la que fuera esposa de uno y madre del otro, el padre alcohólico y el hijo casi modélico, de éxito en la vida y que vive acomodadamente. Los reproches no se hacen esperar y entre risas y emociones se va resquebrajando el velo que tapa la realidad y las cosas no son como nos parecían al principio, un sermón estupendo y provocador da una idea de confrontación entre lo auténtico de algunas personas y lo hipócrita de la sociedad en general, la voz de la madre en una cinta de cassette, voz que presta Paca Aguirre, desvelará la verdad, alrededor de la urna que contiene las cenizas de esta y que se van colocando por el escenario como un objeto de decoración. El espacio escénico de María Fenollar, nos recuerda al espléndido Hay que deshacer la casa, y en el pasean un excepcional Guillermo Montesinos, el padre, que nos hace reír y llorar, pleno de facultades con un peso y una presencia escénica que hace que te creas todo lo que ves y Antonio Campos, el hijo, un actor joven que aguanta bien el vuelo que hace por escena su padre. El público encantado lo agradece con una fuerte ovación.
Ángel Savín
Subprime, un hombre solo contra el poder de Fernando Ramírez Baeza en el Teatro Fernán Gómez
Subprime fue Premio Carlos Arniches el año 2009. La obra es un thriller que nos sumerge en los entresijos de la política y la economía de las más altas esferas. Es curioso compromar la actualidad de la corrupción y el abuso de poder, da igual en la época o país que se inscriba. Aquí, un video casual supone una revolución en los mecanismos de chantaje personal y profesional. Hay una propuesta espacial muy sugerente pero excesivamente claustrofóbica; demasiado fácil la resolución de otras secuencias mediante proyecciones…la tecnología no siempre ayuda al teatro. Los actores están demasiado afectados para una historia que llegaría más si nos mostrase las tripas de estos tiburones del poder.
Adolfo Simón
A cielo abierto de David Hare en el Teatro Español
¿Pueden los capitalistas vivir realmente con los idealistas sociales? ¿Podemos perdonar el pasado? Y todavía más, ¿podemos perdonarnos a nosotros mismos?. Tom Sergeant, rico propietario de prósperos restaurantes se queja de los 18 años de su hijo Edward e intenta reconciliarse con Kyra Hollis, su joven ex amante, ex camarera y ex canguro de su hijo. Kyra, después de una relación sentimental de seis años con Tom, se ha convertido en una profesora de escuela comprometida socialmente. Un loft de la periferia de Londres se convierte en el punto de encuentro, un confesionario de amores perdidos donde él, viudo rallando los sesenta y ella, una joven profesora idealista, descubrirán que la vida no permite dar marcha atrás. Tom y Kyra reencuentran, por unos instantes, la pureza de su infidelidad sin la presencia de la esposa, muerta de cáncer un año atrás. Son dos personajes con dos filosofías de vida muy diferentes. Discuten sobre la traición, la culpabilidad, la dicotomía entre “la cultura de empresa” y “la vocación pedagógica y el trabajo social”, la compatibilidad de valores…
A cielo abierto (Skylight) que cuenta una historia de amor tan angustiosa como creíble, se estrenó el 4 de mayo de 1995 en el Teatro Nacional de Londres, y se ha convertido, sin duda, en una de las obras de mayor éxito representadas en los últimos años, repitiendo temporada tras temporada en los teatros más emblemáticos del West End y de Broadway, así como en el resto del mundo.
Hay obras que tratan de las relaciones humanas y otras nos muestran cómo somos los seres humanos…En este fantástico texto se nos muestran ambas cosas…Nos introducen en un concepto muy moderno del amor, mostrado como un país donde es difícil hacer cohabitar intereses diferentes, maneras distintas de pensar y filosofías contrarias de vida. Así, lo que podría ser una comedia se convierte en una tragedia contemporánea con dos actores que viven la escena más allá de los personajes.
Adolfo Simón
Murmurs en el Festival de Otoño a Primavera en los Teatros del Canal
Tildada por la crítica internacional como una “absoluta hipnotizadora”, Aurélia Thierrée regresa a Madrid con Murmurs tras la calurosa acogida que recibiera su anterior pieza El oratorio de Aurélia, que ha colgado el cartel de aforo completo en teatros de todo el mundo durante la última década. La bella y poética pieza de Aurélia tiene, además, un eco argumental que nos sitúa en la actualidad rabiosa en la que vivimos…Podría decirse, que toda la pieza es la pesadilla que vive alguien tras ser desalojado de su casa, de su mundo personal…Desgraciadamente, algo que ocurre a diario con los desahucios en nuestro país. Aquí el personaje de esta joven no solo transita por su ensoñación si no que lo hace por los muros de su barrio y ese viaje le lleva a otros tiempos, otros paisajes, tratando de encontrar la clave de dónde se equivoco al elegir una puerta, un ventana, una mirada o una sonrisa. El espectáculo está trufado de todas las artes escénicas…Baile, teatro de objetos, circo, acrobacia, cabaret…funambulismo. El mismo vértigo que vivimos los espectadores desde el patio de butacas.
Adolfo Simón
Pareidolia en La casa de la portera
La vida se pasa en dos días y cambia en un instante. Si a las dos hermanas churreras que nos reciben en La Casa de la Portera les hubieran dicho que Lavapiés cambiaría tanto en pocos años y ya no olería a churro sino a chop-suey, hubieran dicho: “no, no, no, no” muy decididamente y habrían seguido amasando su masa madre para hacer los mejores churros de Madrid, esos que les enseño a amasar su difunta madre. Dos hermanas, Gerónima y Alameda, que tienen miedo del mundo exterior cambiante pero que viven encantadas en su vetusta casa, antes la churrería, y que han decidido contribuir a la perdida cultura madrileña enseñando cómo se amasa un churro, con la ayudita de una subvención, claro está. Devotas y practicantes, muy practicantes, a su manera, no dejan de rezar para que este mundo en crisis encuentre su recto camino, a su manera, pero lo importante es la devoción.
Pero ¡ay!, algo está sucediendo en su casa que las tiene intranquilas: ¡Pareidolias! ¿No saben ustedes lo que es una Pareidolia? ¿Qué tienen que ver las mechas californianas y la laca Nelly en todo esto? ¿Es este el único secreto de belleza de Gerónima y Alameda o tienen más? Me temo que tendrán ustedes que visitarlas para descubrirlo.
Ángel Savín y Roberto Martínez, de la mano de su director Adolfo Simón, han sabido sacarle tanto partido al texto de Nico Grijalba, que no podemos pasar la hora que dura la obra sin sentir toda clase de sensaciones: desde la risa más desternillante al dolor, terror, asombro y emoción más extremos. Lo importante de la obra no es la historia en sí, sino todo lo que la rodea: la personalidad de dos viejas hermanas churreras puede dar para desvaríos y tomos enteros a lo Pérez Galdós, pero no se equivoquen porque aquí el realismo y naturalismo aparentes están completamente desvirtuados… De eso se trata, de recrearse en las pequeñas cosas que cada uno llevamos por dentro, en nuestras pequeñas «actuaciones» y girar la tuerca hasta que se pase de rosca…
Cuando se exprime tanto un guión para encontrar cada gesto y cada actuación y cuando se pone todo el corazón y la experiencia en una actuación suele salir una pequeña perla digna de lucir en los escenarios más grandes, pero que se ve mejor en la caja de bombones de La Portera. Una apuesta que se adapta perfectamente al maravilloso e inquietante espacio de La Casa, con una caracterización y escenografía de David Utrilla tan original como esperpéntica, y que nos deparará un montón de sorpresas.
¿Todavía están pensando en las mechas? ¿En la laca?¡Corran, llamen y reserven porque sólo les quedan tres oportunidades para verla!.
Luis Mª García 
El hijo del acordeonista en el CDN
David y Joseba son amigos desde la infancia. Apenas han dejado de ser unos niños cuando David descubre el colaboracionismo de su padre con los nacionales durante la guerra civil. Fascinados por el descubrimiento de la lucha antifranquista, deciden por razones ideológicas uno, emocionales el otro, militar en la incipiente ETA de comienzos de los 70. Tras un corto y torpe período de lucha clandestina, llega el exilio a Francia. Poco después el desencanto de David, y más tarde el abandono, la traición al amigo y al colectivo. Tras salir de la cárcel, apestado entre los suyos, David se va a América a empezar una nueva vida. Treinta años más tarde, David, a punto de morir en su rancho de California después de haber vivido por fin feliz, recibe la visita de Joseba, que llega para ajustar cuentas del pasado. El hijo del acordeonista tendrá que enfrentarse a los fantasmas de los que quiso huir. Es tiempo, tal vez, de empezar a contar la historia reciente de este país de otro modo y es sano que lo haga una compañía de teatro independiente y se muestre en el Centro Dramático Nacional…Tal vez todavía hay que esperar más tiempo para hablar más abiertamente de todo lo que ocurrió y de manera más sencilla…Hay algo de cinematográfico en la puesta en escena que dificulta el rítmo para seguir la narración y entrar en el corazón de la historia.
Adolfo Simón
“La madre pasota” de Darío Fo y “Cosas nuestras” de Petra Martínez y Juan Margallo en el Teatro Arenal
El Teatro Arenal presenta “La madre pasota” de Darío Fo y “Cosas nuestras” de Petra Martínez y Juan Margallo, unidas en una sola obra bajo la dirección de Olga Margallo. Qué puedo decir ante la experiencia y el amor al teatro que se respira en el escenario y vuela por toda la sala empapando al público, de ese amor que se convierte en dicha durante una hora y pico. Por conocido que sea el texto de Darío Fo, La madre pasota sigue vigente y Petra Martínez nos hace reír y disfrutar, es ágil y jovial, es una actriz que vive el espacio teatral y esta como en su casa, cuando termina el monólogo de Fo, sube al escenario Juan Margallo y entonces comienza un juego entre los dos “Cosas nuestras: de nosotros mismos” donde nos cuentan cosas de la vida, del mundo del cómico, de la lucha por trabajar en este oficio que es tan hermoso y tan difícil, por todo lo que le rodea, es un auténtico espectáculo verlos a los dos en un mano a mano cotidiano, real y quién sabe si no es la verdad misma la que está en escena, que fuerza y que generosidad seguir amando el teatro como lo hacen, esto además crea oficio, que dure y que yo os siga viendo.
Ángel Savín
Nuestra señora de las nubes en el Matadero
En el plató de la Cineteca, espacio provisional que Kubik utiliza cedido por Matadero-Las Naves del Español, hasta mediados de abril cuando se reabrirá Kubik Fabrik, se ha presentado el espectáculo de El Óbolo producciones, Nuestra Señora de la Nubes de Arístides Vargas, un texto del realismo mágico que tanto me hace disfrutar y que tan difícil es, a veces, llevar a las tablas o al cine. Lino Ferreira dirige esta propuesta y la pone en escena con un espacio árido creado por Carlos Ibarra, que a veces se hace cálido y otras recuerda los mares de trigo de cualquier hermoso paisaje campero. Unos magníficos Inma Nieto y Julio Cortázar se dirigen al público y nos cuenta esta historia de reflexión sobre un país llamado Nuestra Señora de las Nubes, donde los exiliados son los que tienen el valor de hablar, los que no poseen nada y los que buscan únicamente poder ser; nos llevan por diversos personajes que plasman sin acritud, pero con total claridad, la maldad del poder, el abuso del estado, la hipocresía social y todo ello mezclado con risas, que hace más dulce la píldora. Un propuesta seria y buena que llega y que el público recompensa con fuertes aplausos, entre ellos los mios.
Ángel Savín
Louella Persons en La Casa de la Portera
Louella Persons es el monólogo escrito por Secun de la Rosa inspirado en Louella Parsons, la más viperina columnista de cotilleos del Hollywood de los años dorados, manejó tanto poder que una frase suya bastaba para destrozar la carrera de una actriz. Un monólogo interpretado por Natalie Pinot y dirigido por Benja de la Rosa. Ahora, cuando conectamos la televisión y nos encontramos con esos programas que despellejan a los personajes del artisteo, pensamos que es un invento del presente y no, en otras épocas hubo columnistas, como se les llamaba entonces, que desvelaban todas las intimidades de las estrellas, siendo capaces de destruir carreras cinematográficas. El texto está escrito con ritmo rabioso y trepidante, en una hora consigue que viajemos por los años dorados de Hollywood y Benja de la Rosa lo dirige con habilidad y destreza, pero el milagro de esta función es Natalie Pinot, una actriz que si hubiera nacido en los años cincuenta podría ser Claudette Colbert o si hubiera nacido en Inglaterra podría ser una Maggie Smith o una espléndida Laly Soldevila en nuestro país. No hay función en la que aparezca que no atrape la mirada del público, da igual que su personaje sea episódico o protagonista, tiene la magia de atrapar la atención con golpes de humor y dramatismo de gran efecto. Si este país no fuese tan cruel con sus artistas, reconocería el talento de esta actriz que hace una verdadera creación del personaje de Louella.
Adolfo Simón
Los martes yo iba al cole en bicicleta por la Mínima en la Sala Dt
Cuando pasa el tiempo y miramos en el álbum de fotos de la adolescencia encontramos aquellas instantáneas que dan respuesta a muchas preguntas del presente…
¿Por qué jugábamos a caminar con los dedos en la alfombra de la habitación?…
¿Por qué jugábamos a ser novios para sentir el beso del otro?…
¿Por qué nos pintábamos un bigote y nos vestíamos del otro sexo?…
¿Por qué solo jugábamos con niñas?…
¿Por qué siempre andábamos sobre los tacones de mamá?…
La joven compañía La Mínima se atreve con imágenes olvidadas para recuperar el verdadero color y olor que tuvieron, revivirlas permite que el dolor enquistado desaparezca.
Adolfo Simón
Homenaje al bolero de Ravel en los Teatros del Canal
El ballet de la Generalitat Valenciana y la Compañía Nacional de Danza han aunado fuerzas para ejecutar obras contemporáneas bailadas al ritmo del famoso bolero. Entre ellas «B/olero» interpretada por Isao Tomita del coreógrafo Ohad Naharin y «Bolero» con la coreografía de Thierry Malandin, principal representante de la danza neo-clásica francesa y cuyas obras están en el repertorio de importantes compañías internacionales. Esta última destacable por el trabajo coral que supone y por su vestuario, diseñado por Jorge Gallardo que imprime una corporeidad a la obra recordándonos las clásicas coreografías de Bejart.
Merece la pena destacar estas dos obras e indicar que la primera que se ejecutó no debería tener espacio en este homenaje. Me refiero a «Two Duets & Two Trios», que no alcanzaban la plasticidad de las siguientes. Aún así el ballet de la Generalitat las defendió con bastante holgura.
En cuanto a a la CND con su «Walking Mad», estrenado este año en el teatro de La Zarzuela, hay que decir que encuentra perfectamente su sitio en este espectáculo y que lo cierra «con un estado sin control» a medida del crescendo musical. Una coreografía con muchas referencias visuales a Magritte, Dalí o a autores minimalistas. La coreografía de Johan Inger fue creada para el Nederlans Dans Theater I en 2001. Inger quedó cautivado por una vieja grabación para televisión de Bolero con Zubin Mehta.
Un pequeño homenaje en el que nos faltaron las famosas coreografías del 20th Century Ballet.
«Bolero» de Thierry Malandain
Luis Mª García.
Così fan tutte en el Teatro Real
Michael Haneke, el director de cine austríaco ha regresado a la ópera con una de las obras más emblemáticas de Mozart…Così fan tutte bajo la dirección musical de Sylvain Cambreling. Wolfgang Amadè Mozart es el compositor estrella de la actual temporada del Teatro Real, Gerard Mortier, su director artístico, ha programado tres óperas del genio de Salzburgo: La flauta mágica, Don Giovanni y Così fan tutte.
Con una trama en la que dos jóvenes deciden probar la fidelidad de sus prometidas, Così fan tutte constituye la última de las tres óperas de la trilogía surgida de la colaboración entre la música de Mozart y los textos del libretista Lorenzo Da Ponte. Dos actos, tres hombres y tres mujeres, dos parejas y prácticamente el mismo número de arias para todos los solistas hacen de esta ópera, un auténtico homenaje a la simetría, tan característica de la ópera italiana del siglo XVIII.
La profunda y compleja mirada de Michael Haneke ha creado un doble plano escénico en el que conviven el pasado y el presente, los personajes de época se cruzan con los actuales en un espacio que suma poéticamente ambos paisajes, dejando al espectador suspendido en un tiempo sin tiempo en el que el poder y la manipulación de las emociones y sentimientos tiene el mismo valor. Sin duda, una visión inteligente a través de la cual se actualiza la obra sin modernidades.
Adolfo Simón
Que Revienten los Artistas 
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