Wakefield Poole: Visiones y revisiones de Mauricio González
Wakefield Poole es el nombre de un bailarín americano que formó parte de los Ballets Rusos de Montecarlo y que fue también director de cine erótico gay. En Wakefield Poole: Visiones y revisiones, Mauricio González hace un estudio comparativo entre dos obras: por un lado, el segundo acto de El Lago de los Cisnes, que bailó innumerables veces con los Ballets Rusos, y, por otro, su primera película Boys in the Sand, del año 1971, un hito del cine erótico gay. El título Visiones y Revisiones sintetiza la propuesta del coreógrafo y bailarín canario. Visión como capacidad de ver y también como percepción imaginaria, percibida como verdadera. Revisión como acción de mirar el detalle y detenidamente algo. Con este trabajo, Mauricio González comparte con el público, a modo de conferencia performance, su visión coreográfica de estas dos piezas que le identifican. Ya tuvimos ocasión de disfrutar de esta pieza cuando la presentó hace unos meses en la Sala DT, ahora, en OFF LIMITS vuelve a deleitarnos con una reflexión inteligente e irónica sobre el arte y los caminos compartidos que el imaginario de un artista puede tener en su experiencia vital y creativa. Mauricio González abre el corpus inventivo de Wakefield Poole con un fino bisturí para hablarnos de él y de nosotros…Nada es casual en el arte, todo tiene mayor conexión de la que creemos.
Adolfo Simón
Murmurs en el Festival de Otoño a Primavera en los Teatros del Canal
Tildada por la crítica internacional como una “absoluta hipnotizadora”, Aurélia Thierrée regresa a Madrid con Murmurs tras la calurosa acogida que recibiera su anterior pieza El oratorio de Aurélia, que ha colgado el cartel de aforo completo en teatros de todo el mundo durante la última década. La bella y poética pieza de Aurélia tiene, además, un eco argumental que nos sitúa en la actualidad rabiosa en la que vivimos…Podría decirse, que toda la pieza es la pesadilla que vive alguien tras ser desalojado de su casa, de su mundo personal…Desgraciadamente, algo que ocurre a diario con los desahucios en nuestro país. Aquí el personaje de esta joven no solo transita por su ensoñación si no que lo hace por los muros de su barrio y ese viaje le lleva a otros tiempos, otros paisajes, tratando de encontrar la clave de dónde se equivoco al elegir una puerta, un ventana, una mirada o una sonrisa. El espectáculo está trufado de todas las artes escénicas…Baile, teatro de objetos, circo, acrobacia, cabaret…funambulismo. El mismo vértigo que vivimos los espectadores desde el patio de butacas.
Adolfo Simón
Los martes yo iba al cole en bicicleta por la Mínima en la Sala Dt
Cuando pasa el tiempo y miramos en el álbum de fotos de la adolescencia encontramos aquellas instantáneas que dan respuesta a muchas preguntas del presente…
¿Por qué jugábamos a caminar con los dedos en la alfombra de la habitación?…
¿Por qué jugábamos a ser novios para sentir el beso del otro?…
¿Por qué nos pintábamos un bigote y nos vestíamos del otro sexo?…
¿Por qué solo jugábamos con niñas?…
¿Por qué siempre andábamos sobre los tacones de mamá?…
La joven compañía La Mínima se atreve con imágenes olvidadas para recuperar el verdadero color y olor que tuvieron, revivirlas permite que el dolor enquistado desaparezca.
Adolfo Simón
Homenaje al bolero de Ravel en los Teatros del Canal
El ballet de la Generalitat Valenciana y la Compañía Nacional de Danza han aunado fuerzas para ejecutar obras contemporáneas bailadas al ritmo del famoso bolero. Entre ellas «B/olero» interpretada por Isao Tomita del coreógrafo Ohad Naharin y «Bolero» con la coreografía de Thierry Malandin, principal representante de la danza neo-clásica francesa y cuyas obras están en el repertorio de importantes compañías internacionales. Esta última destacable por el trabajo coral que supone y por su vestuario, diseñado por Jorge Gallardo que imprime una corporeidad a la obra recordándonos las clásicas coreografías de Bejart.
Merece la pena destacar estas dos obras e indicar que la primera que se ejecutó no debería tener espacio en este homenaje. Me refiero a «Two Duets & Two Trios», que no alcanzaban la plasticidad de las siguientes. Aún así el ballet de la Generalitat las defendió con bastante holgura.
En cuanto a a la CND con su «Walking Mad», estrenado este año en el teatro de La Zarzuela, hay que decir que encuentra perfectamente su sitio en este espectáculo y que lo cierra «con un estado sin control» a medida del crescendo musical. Una coreografía con muchas referencias visuales a Magritte, Dalí o a autores minimalistas. La coreografía de Johan Inger fue creada para el Nederlans Dans Theater I en 2001. Inger quedó cautivado por una vieja grabación para televisión de Bolero con Zubin Mehta.
Un pequeño homenaje en el que nos faltaron las famosas coreografías del 20th Century Ballet.
«Bolero» de Thierry Malandain
Luis Mª García.
Arkania, a new World is possible en Dt
Aprended a mirar fuera de vosotros mismos. Aprovechad ese tiempo libre para preguntaros el verdadero sentido de la existencia, esa línea fugaz. ¿Es posible apreciar la vida cuando sólo sabes amarte a ti mismo? ¿De qué sirve seguir la línea cuando uno sabe que al otro extremo hay un abismo? Amar es la actitud, respetar y creer que un mundo mejor siempre es posible. Hagámoslo, al menos, un lugar habitable, amable… sí. Aunque parezca increíble, todos los animales somos hermanos. Construyamos un Nuevo Mundo Arkania, universo opuesto a Babilonia, un lugar en el que los humanos hagamos un todo para seguir viviendo y no sobreviviendo. Paz.
Hay espectáculos de cabaret que necesitan lentejuelas y boas…hay espectáculos de cabaret que necesitan ser complacientes…hay espectáculos de danza que son bellos y nada más…hay espectáculos de danza en los que no sudan los bailarines…
Arkania, a new world is possible es un país diferente donde la provocación es mucho más que eso…los cuerpos son algo más que músculos y la mirada va más allá de los muros del teatro. Algún día, el cabaret será algo más que ruido para renacer en Arkania.
Adolfo Simón
Return de Chevi Muraday en Matadero Madrid
Vuelve a nuestros escenarios Chevi Muraday con una nueva producción de Losdedae. En esta ocasión es un dúo titulado Return, una historia de amor que parte del juego del enamoramiento para adentrarse en espacios donde la lucha por la individualidad en la pareja y la fascinación y empatización con el otro, a menudo, hieren el viaje de las relaciones. Chevi Muraday siempre es fiel a su estética coreútica y a sus obsesivos temas, pero al tiempo, indaga en cada propuesta desde perspectivas diferentes, siempre hay algo que se descubre en sus piezas…en la estética, los textos o la forma en que se dibuja su lenguaje en el escenario. En esta ocasión ha contado con dos elementos inspiratorios, los textos de Pablo Messiez y la compañía en la escena de Marta Etura. A priori podría ser una bomba la mezcla de estos factores y sin embargo, algo propicia que los distintos lenguajes encuentren espacios en común y se contaminen en el mejor sentido de la palabra. Así vemos a dos intérpretes que bailan y a dos bailarines que actúan. Una propuesta diferente de danzateatro.
Adolfo Simón
Teatralia: Tríptico de cierre
Introdans
Con Rainbow Blue (Arco Iris Azul), Introdans propone a los jóvenes un viaje al fantástico mundo de Alwin Nikolaïs, artista multidisciplinar que diseñó, no solo las coreografías, sino el resto de elementos escénicos de sus cerca de cien producciones. Él mismo se llamaba «arquitecto del movimiento» y concebía al acto escénico como un conjunto de elementos: coreografía, música, iluminación, escenografía…Un espectáculo espléndido a la medida del público al que va dirigido, bello en imágenes y contundente en la ejecución de la jóven compañía.
Premiers pas sur la dune (Primeros pasos en la duna) de Tof Théâtre
¿Cuál es el hilo conductor entre una col, un patito de goma, las nubes, un pez de colores y una casa? Esta acumulación de objetos evocadores de la infancia compone la arquitectura interior de un hombrecillo, en busca de su propia identidad. Manipulado por cuatro marionetistas que parecen salidos de una pintura de Magritte, el hombrecillo sigue su camino a través de una desconcertante asociación de situaciones cómicas cuya lógica solo está determinada por su inconsciente. Pocas veces se consigue en el teatro de muñecos la evocación de un sueño por el que transitamos poéticamente.
Ultra de Zététique théâtre
Treinta minutos de danza contemporánea que enganchan a los más pequeños. Sola sobre el escenario, la bailarina danza y juega con cuadernos colgados de muelles; un clasificador blanco se convierte en una cara… Y luego hay una mosca que hay que cazar, atrapar, tragar… en una clara reminiscencia de un sketch de Dario Fo. El final en el que la intérprete se embadurna de colores e invita a los niños a que jueguen con la pintura de su piel, es una performance de gran carga poética.
Ignacio Sánchez
Dani Panullo en los Teatros del Canal con Uirapurú y El pájaro de fuego
Dos leyendas con los pájaros como protagonistas,héroes míticos: Uirapurú, de Heitor Villa-Lobos, y El pájaro de fuego, de Ígor Stravinsky. Esto es lo que nos propone Panullo en una muy cuidada puesta en escena con su toque personal inconfundible en el cual mezcla la danza urbana con una poética muy particular.
Sobre la música de Heitor Villalobos la danza va recreando la leyenda amazónica de Uirapurú, “el pájaro que no es pájaro”. Son varias las leyendas que hablan sobre este pájaro que tiene un canto maravilloso y que suele ser difícilmente escuchado. Panullo recrea la leyenda ayudándose de una escenografía novedosa que recrea espacios a base de superposiciones de luz. La música tiene afinidad con la siguiente obra de Stravinski y con la famosa «Consagración de la Primavera», reconociendo en la estética de su danza ciertas influencias, como por ejemplo de Béjart o de Nijinsky pero renovando el lenguaje y actualizándolo hacia influencias de break-dance, orientales, etc.
Para «El pájaro de fuego» Panullo también actualiza la estética, llevándonos a los subterráneos de Madrid y creando la historia concibiendo los grandes salones de palacios como grandes estaciones de metros, como caminos a recorrer a modo de vía de ferrocarril. Nos presenta la historia en forma de travesía hacia un fin.
El gran logro de Panullo pues es hacer un buen conglomerado con todo lo que domina y crear una obra estética y con una perfección no formal pero que convence que ya quisieran para sí otras compañías, incluso las que actúan en el Real.
Tish dentro del Festival Arte Sacro en el Teatro de la Abadía
Ka’et Ensemble es un grupo de danza cooperativo formado exclusivamente por los graduados de la escuela de danza masculina, Kol Atzmotai de Jerusalén. Los miembros del conjunto Ka’et desean expresar a través de sus coreografías su identidad cultural y social, trasladando sus propuestas personales al lenguaje artístico y universal del mundo de la danza contemporánea. Para esta ocasión, trajeron a La Abadía las siguientes piezas: Highway nº 1, Tish y Nenyah, todas ellas sin estrenar aún en nuestro país. Gracias al Festival de Arte Sacro hemos podido disfrutar de un programa de danza exquisita en la que lo ritual, lo religioso y lo contemporáneo se daban la mano para crear una teatralidad en movimiento y unas imágenes estáticas de gran calado emocional.
Simón Ribes
La CND presenta hoy en El Real su programa «de puntas»
Hoy, 14 de marzo, llegará al Teatro Real el programa con el cual José Carlos Martínez ha querido recuperar el lado «clásico» de la Compañía. Esta subdivisión, en la que se desarrollan proyectos relacionados con la técnica clásica, no quiere abordar lo que se entiende normalmente por ballet clásico, pensando sobre todo en los ballets Rusos, sino que también trata de abordar la modernidad y la vanguardia. 
Lo que podremos ver son piezas que van desde el neoclasicismo hasta nuestros días y que recogen esa técnica clásica. Es cierto que aún queda un trabajo por hacer a la hora de afrontar a esos grandes clásicos que todos tenemos en la cabeza y que por eso sólo vamos a ver la muestra del Cisne Blanco, pero, en compensación, tenemos un amplio abanico de obras, incluyendo «Who Cares» inspirada en Broodway y en las comedias musicales, es una pieza ligera, llena de vida y de humor.
Bajo estas premisas, en el programa que tiene como invitados a Lucía Lacarra y Marlon Dino, nos trae el famoso «Cisne Blanco» de El Lago de los Cisnes. Lacarra nos mostrará este paso a dos en versión de Ray Barra que implica una difícil técnica de la cual sale bastante airosa.
Pero también encontramos obras recientes que requieren la técnica clásica como «Holberg Suite», un trabajo creado en el año 2000 por Tony Fabre, que fue director artístico de la CND 2.
El programa se completa con «Tres preludios», de Ben Stevenson sobre música de Rachmaninov, una pieza neoclásica que se sitúa en una clase de danza. Los dos intérpretes ejecutan sus ejercicios de barra y esa cercanía, esa pasión común, hace que poco a poco los sentimientos de ambos vayan evolucionando hasta mostrarnos un sentimiento romántico.; «Who cares?», una de las obras maestras de Balanchine, sobre música de Gershwin.
Holberg Suite, de Tony Fabre
Para la segunda parte se ha reservado la nueva coreografía «Sonatas», del propio José Carlos Martínez con música de Scarlatti y el Padre Soler, una pieza basada en el vocabulario académico y la relación entre la música y el bailarín y creada a la medida de sus bailarines y acompañada por la pianista Rosa Torres-Pardo.
«Tres preludios», de Ben Stevenson
«Con este programa se ha pretendido dar una nueva identidad a la CND» en palabras de Martínez. Es un trabajo que requiere unos bailarines especializados en técnica clásica y tiempo para poder desarrollarla con total esplendor. Una nueva línea en la CND de la que esperamos muchos éxitos.
Luis Mª García Grande
Flamenkass y el duende
Al igual que a un pobre no se le puede echar de la calle » porque es suya», al duende no se le puede echar de un antiguo tablao porque este se venda. El inmueble se vende con todo, con sus paredes, con sus lámparas, con sus vecinos, con sus pobres en la calle y con sus fantasmas. Sí señor ¡También con los fantasmas! Las historias cómicas, trágicas y viscerales de un recinto que ha albergado mucho arte y mucha vida son contadas por tres flamencas y un piano muy especiales que se nos «aparecen» para reivindicar lo que es suyo: el duende flamenco.
Amalia Hornero y Arturo Menoyo han conseguido mezclar con buen atino el teatro con el cante y baile flamencos en una «tragicomedia farsesca», como ellos lo llaman, en la que da cita a su particular forma de ver el duende. No es fácil encontrar artistas que puedan unir una buena interpretación teatral con el cante y baile flamenco y es aquí donde queda demostrado el trabajo multidisciplinar que un actor debe ser capaz de conseguir. Un buen toque de piano de la mano de Pablo Rubén Maldonado remata la faena.
Una pequeña obra hecha a medida para unos actores y unos personajes que se adaptan a la obra hacen que salgamos con un ánimo optimista a pesar de la que está cayendo.
Luis Mª García Grande
Díptico del Festival de Otoño a Primavera
De nuevo a aflorado en la cartelera madrileña el Festival de Otoño a Primavera. En este caso han sido dos propuestas muy diferentes y al tiempo con cierta conexión en su discurso escénico.
Max Black de Heiner Goebbels / Théâtre Vidy-Lausanne
Heiner Goebbels crea un arte teatral tan refinado como su exquisita técnica instrumental, desarrollando un lenguaje muy personal donde confluyen estilos musicales aparentemente incompatibles. El genial director y compositor empleó textos de Valéry, Lichtenberg, Wittgenstein y Max Black para componer esta obra, que se ya presentó en en el Festival de Otoño de 2002. La peculiaridad de esta propuesta radica en como, la cotidianeidad de un investigador sumergido en su mundo, va generando una textura musical de gran espectacularidad, en un espacio que por momentos recuerda a las instalaciones de arte contemporáneo que podemos disfrutar en muchos de nuestros museos. Un concierto de objetos cotidianos instrumentalizados por la locura del protagonista.
Alexis, una tragedia griega de MOTUS
Una mirada al pasado con el fin de reflexionar sobre el presente. Así define la compañía Motus el leiv motiv de su proyecto Antígona, dentro del cual se enmarca Alexis, una tragedia griega, la pieza que la formación transalpina ha presentado en el Festival de Otoño a Primavera. Alexis, una tragedia griega es una investigación documental y poética sobre la complejidad de la historia contemporánea. Con ella, los artistas escuchan el latido de la actualidad, de lo que sucede en la calles cada día, y lo incorporan de forma constante e infatigable a su audaz trabajo sobre las tablas. Con Motus, el escenario se convierte en un ente dominado por una presencia coral, emotiva y conmovedora, donde fluye un texto de naturaleza fulminante e híbrida: sobre las tablas se dan la mano diálogos, entrevistas, reflexiones solitarias, intentos de traducción del griego al inglés y al italiano, fragmentos de audio y vídeo interactivos, descripciones de ambientes y paisajes, declaraciones políticas y un sinfín de testimonios. Un documento imprescindible para los artistas y espectadores de hoy, para que entiendan que los lenguajes contemporáneos no tienen porque estar reñidos con un discurso combativo. Una obra esencial.
Adolfo Simón
Partner/you de Chantal Yzermans y Radical Low en DT-Escena Contemporánea
Me gusta ser voyeur…
Me gusta pensar que una bailarina se mueve en mi ordenador solo para mí…
Me gusta estar en un teatro conectado a un chat…
Me gusta ver que un internauta se masturba sin que sepa que yo le miro…
Me gusta seguir la conversación de un visitante del chat y un fantasma…
Me gusta sentir que el escenario vuela a miles de kilómetros…
Me gusta que las nuevas tecnologías se crucen con los cuerpos vivos…
Me gusta sonreir viendo una propuesta porno…
Ignacio Sánchez
Sofia Dias & Vitor Roriz en Pradillo-Escena Contemporánea
El cuerpo humano es un disco duro lleno de memoria física y sonora. En esta breve pieza titulada Um gesto que nâo passa de uma ameaça…Sofía Dias y Vítor Roriz nos involucran en un viaje deconstruído sobre la deriva que un gesto o un sonido pueden provocar en una relación y el desarrollo de la misma. A medida que avanza el trabajo, la segmentación en dos direcciones que llegan a realizar sobre una partitura de movimientos y ecos, es sencillamente…genial!, por momentos dejamos de ver cuerpos para encontrarnos con máquinas.
Adolfo Simón
Gran misa de Mozart en los Teatros del Canal
La sala Roja de los Teatros del Canal presenta desde hoy hasta el domingo, todas la localidades están vendidas, La Gran misa de Mozart, interpretado por el Ballet de Leipzig, con dirección musical de Andreas Schuller y acompañado por la Joven Orquesta de la Comunidad de Madrid bajo la batuta del Víctor Pablo Pérez y el coro dirigido por José Ramón Encinar. Ayer asistí al ensayo general y me congratulo de haber asistido, un espectáculo completo de música, poesía y danza, me reconcilia con la danza contemporánea y me llena los ojos de hermosura, me abre las puertas al infierno y me lleva en volandas a la gloria, un grupo de bailarines chicos y chicas, jóvenes, que muestran el extremo del ejercicio físico convertido en elegante armonía, frágil y fuerte a la vez, un vestuario simple, blanco flotante de ellas y torso descubierto de ellos en unos pasajes y negro de mallas en los más oscuros purgatorio e infierno en otros. Un homenaje a la música sacra de Wolfgang Amadeus Mozart que se fusiona con compositores contemporáneos, Arvo Pärt, Thomas Jahn y György Kurtág. La coreografía de La Gran Misa es considerada la obra álgida del prontamente desaparecido Uwe Schollz. Espero y deseo que aquellos que tengan entrada para estos días disfruten como yo y les sirva para llenar sus ojos de hermosura y para limpiar sus almas de las penas.
Ángel Savín
Lisbeth Gruwez en Casa Encendida-Escena Contemporánea
Cuerpo, discurso y poder. Bailar un mitin
Un rectángulo de luz. Alguien de aspecto andrógino (camisa y pantalón masculinos, zapatos de charol, pulcritud) entra en escena. Una mujer vestida de hombre. Se acerca. Nos mira. Hace un gesto. Nos sigue mirando. No pide nada. No exige nada del público. Una voz masculina suena entrecortada. El número de gestos aumenta progresivamente. Hay agresividad en los movimientos. Parece que la voz la atrapa y la obliga a moverse. ¿De qué hablan los gestos? Recuerdan un mitin. Movimientos contundentes, duros. Alguien quiere convencer de algo. Gestos de dictador la atraviesan a ella, que no quiere convencer de nada. Cambios sencillos en el vestuario: las medias por encima del pantalón, una faja de color carne hasta más arriba de la cintura. Luz verde sucio. Sonidos articulados cada vez más inteligibles. La voz dice una frase en inglés. Los movimientos son más libres y grandes y el ritmo más acelerado. El discurso posee al cuerpo. Se tumba en el suelo. Al ponerse de pie la voz suena lejana, como emitida por los altavoces de un estadio. Ella vibra, una vibración dolorosa, extenuante.
Y finalmente, música. Por primera vez ella sonríe y salta, salta, salta. Libre. El cuerpo libre del dominio del discurso que aplasta y atrapa.
Relato, como puedo, el trabajo de Lisbeth Gruwez/Voetvolk It’s going to get worse and worse and worse, my friend. Un trabajo hipnótico, austero, perfecto, en el que el cuerpo piensa acerca del poder y la palabra.
Para curiosear entra en http://www.voetvolk.be/
Magda Labarga
Recuerdo de Provisional Danza en Cuarta Pared
Recuerdo es el último trabajo de Carmen Werner en co-producción con la compañía japonesa Shun Projet. El título ya evoca que el discurso de la pieza tendrá que ver con algo que ya no está y así es…tan solo queda, de la naturaleza de otro tiempo, el sonido grabado de unos pájaros y unos objetos que se han podido salvar del final de unas vidas; no importa si el cataclismo fue espontáneo o provocado. La pieza transcurre sobre todo en el presente de unos seres que vagan amarrados a esos objetos que les recuerda que, en otro tiempo, tuvieron emociones vivas. Y nos muestran su ahora, convertidos en maquinas que funcionan cotidianamente, como robots humanizados. Una pieza profunda y dura, como nos tiene acostumbrados la creadora. Todos los componentes son espléndidos pero los bailarines japoneses tienen una técnica excepcional.
Adolfo Simón
Mozart Dances en el Teatro Real
Mark Morris Dance Group ha presentado su producción Mozart Dances en el Teatro Real de Madrid. El tríptico que compone esta obra está envuelto de la maravillosa música del genial Mozart…Con lo amplia que es su obra, tal vez se podrían haber elegido diferentes texturas musicales. La propuesta plástica era semejante también en los tres bloques…Un enorme lienzo con tres trazos abstractos. Y la coreografía, que es lo que podría haber creado tensión escénica, también eran dibujos de movimiento en bucle. Así, la obra, al finalizar, generaba la sensación de cierta monotonía y eso, que los intérpretes, ponían estusiasmo en la ejecución.
Adolfo Simón
La bella durmiente de Carmen Roche
La programación de navidad en el Centro de Arte Fernán Gómez consistió en la presentación en Madrid de la última producción de danza para todos los públicos de la Compañía Carmen Roche. No es habitual que un trabajo dedicado a toda la familia se realice con una factura de producción tan exquisita. Tanto la dramaturgia, la dirección y la interpretación eran estupendas y el público respondía con atención a todo lo que se mostraba en el escenario. Además, la idea de la función permitía realizar el viaje desde el espacio de creación a la representación final, una ocasión única para que los niños que asistían pudieran conocer a fondo lo que ocurre también más allá de las luces de candilejas.
Adolfo Simón
Mercedes Ruiz en Baile de palabra en el Teatro Figaro
Lo que más se agradece en un espectáculo, sea del tipo que sea, es que no tenga adornos superficiales, que lo que ocurra en escena sea coherente con lo que se quiere contar y cómo. Mercedes Ruiz con su montaje de flamenco: Baile de palabra, expone ante nuestros ojos lo esencial para entrar en el mundo profundo del duende. Hay una voz fantástica, la de David Lagos al cante, un guitarrista excepcional a la guitarra, Santiago Lara y el cuerpo-presencia de Mercedes Ruiz que va transitando por diferentes canciones y melodías, transformando el espacio y la atmósfera del lugar con apenas un cambio de vestuario o la diferente manera de mover los brazos y la cintura. Cuando la cartelera está llena de obras efectistas que confunden más que emocionar, se agradece que Baile de palabra no distraiga al espectador, si no que le haga mirar en su interior.
Adolfo Simón
Habitaciones de Belén Maya en la Sala Triángulo
Es una buena metáfora desglosar la vida de una persona en habitaciones, aunque lo interesante es elegir cuáles fueron las importantes durante esa existencia. Belén Maya hace un ejercicio arriesgado al llevar el flamenco a otros niveles de lenguaje escénico pero debería mirar con lupa el resultado de ese curioso puzle habitable. La habitación que está al fondo, la de los padres es la que da sentido a este espectáculo, las previas, son como esos lugares en los que uno se entretiene por no enfrentarse a lo que hay tras la puerta cerrada con siete candados. David Montero trata de acompañarnos en el recorrido entre cada una de las estancias, pero distrae más que conducir; no por poner más entusiasmo y energía en una acción, esta será más efectiva.
Simón Ribes
Constelaciones de Aracaladanza en el Teatro de la Abadía
Un rayo de luz sobre la escena podría ser un brochazo de color sobre un lienzo…Esta parece la premisa de la que parte Enrique Cabrera al crear su nueva propuesta de danza para niños o público familiar: Constelaciones; un espectáculo inspirado en la obra de Joan Miró. Este nuevo trabajo de Aracaladanza sigue fiel a la búsqueda de ese lenguaje corporal y espacial que tenga entidad artística sin olvidar que el receptor al que va dirigido es el público infantil. El resultado es contundente y va más allá de la inspiración sobre la estética de Joan Miró. Habría sido torpe tratar de reproducir los signos y el lenguaje peculiar del pintor mallorquín, el punto de partida es la obra de Miró pero solo como la punta del ovillo del que se empieza a tirar para terminar encontrando los trazos propios de Constelaciones. La obra transcurre por diferentes planos visuales, consiguiendo que el escenario se transforme en un enorme lienzo en el que aparecen y desaparecen cuerpos y formas que van creando poéticas múltiples, bellas, sensoriales…de gran plasticidad. De nuevo, Aracaladanza, investiga y llega a un resultado comprometido con la danza y el público al que se dirige.
Adolfo Simón
Lo Real/Le Réel/The Real de Israel Galván en el Teatro Real
Israel Galván ya ha cruzado la frontera del flamenco…ha dado un salto al vacío en su trayectoria para descubrir un lenguaje personal, único e intrasferible. En Lo Real prolonga su sombra artística muy lejos, hace cohabitar música, danza, performance, instalación plástica y a pesar de ser piezas de distintos puzles, encajan perfectamente porque la genialidad de Israel Galván las pone en sintonía. Lo Real es un espectáculo complejo, conceptual y de una emoción profunda…Durante la representación se marcharon algunos espectadores del teatro, estoy seguro que se debió a la imposibilidad de digerir la multiplicidad de signos poéticos y dramáticos que se desarrollan en escena. Aparentemente siempre está trabajando sobre un lenguaje semenjante pero no es así, en cada propuesta, este transgresor del flamenco, reinventa una cultura milenaria que tenía que encontrar la comunicación con los espectadores de estos tiempos compulsos que vivimos.
Adolfo Simón
El Cascanueces del Ballet Imperial Ruso en el Teatro Nuevo Alcalá
El Teatro Nuevo Alcalá, estrenó ayer “El Cascanueces” de Piotr Chaikovsky, coreografía de Gedeminas Taranda e interpretado por el Ballet Imperial Ruso, el más popular y navideño de los ballets, con muy buena entrada, casi lleno, una voz por megafonía nos pedía clemencia con los niños de la escuela de ballet de Madrid, que actuaban por primera vez en un espacio profesional, y empezaba la obertura de la conocidísima pieza moviendo los recuerdos de muchas representaciones del Cascanueces. Se levanta el telón y la calle de la ciudad se va llenando de niños que pasean y juegan con sus vigilantes padres y por la magia del teatro empiezan a suceder juegos, alegría y esperanza el espacio se va llenando de bailarines y bailarinas que fusionan la música con sus cuerpos y ofrecen la imagen viva de la armonía, los colores y el movimiento de los trajes y empieza a crecer la belleza por el escenario, algo clásico, pero magnífico, puro teatro. Bendita imperfección de los niños que me reconcilian con el espíritu navideño y me hacen olvidar la crítica realidad que nos envuelve. En dos actos, con un pequeño descanso, el Ballet Imperial Ruso parece ir recuperando su esplendor, recuerdo hace dos años haber sentido tristeza por apreciar cierta oxidación, tanto en la coreografía como en la puesta en escena, de otro clásico de su repertorio, y hoy, el vestuario de Andrey Zlobin y Anna Epatieva nos llena los ojos de belleza que flota y vuela, de transparencias que parecen primaveras y de tutús que me reconcilian con el mejor ballet clásico de la escuela rusa. Los bailarines y bailarinas muestran su ligereza haciendo fácil esos pasos de a dos, a tres y a lo que haga falta, giran, saltan y tocan el cielo. Los bailarines de la danza española, árabe y rusa son magníficos pero a destacar la pareja formada por los chinitos, presenta a un excepcional bailarín que te hace pensar que el cuerpo no pesara y no tuviera articulaciones. Masha, no sé quien lo interpretaba esta vez pues en el programa de mano aparecen dos nombres Lina Sheveleva y Radamaria Duminika, es brillante en su actuación, pero mención especial para Nariman Bekzhanov, que representa con fuerza y virilidad la verdadera armonía de la danza, que brilla en cada giro, que vuela por el espacio y sonríe y hace fácil lo imposible y nos hace soñar. Cuando el telón cae, con público aplaudiendo en pie, lo que sentí fue que estábamos en Navidad, con mayúsculas, que pese a todo hay que encarar estas fiestas con alegría y bondad, que los niños nos hacen creer en la magia y que un ballet como el Cascanueces sirve para recordárnoslo, que ojalá se llene todos los días y mis mejores deseos para el Ballet Imperial que ha recuperado lo que siempre fue suyo, el esplendor
Ángel Savín
Que Revienten los Artistas 
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