DESDE EL LUGAR INESPERADO.
Cada edición del Festival Una mirada diferente ha tenido su correspondiente taller, en el cual profesionales de las artes escénicas compartían conocimientos con actores y actrices con y sin diversidad funcional. Este año el taller que se ofrecía era multidisciplinar, un taller de investigación para explorar qué y cómo contar utilizando las limitaciones como trampolín para el vuelo. José Luis Raymond trabajó cuerpo y espacio, Antonio Ruz el cuerpo, Sonia Megías el sonido y yo, lo narrativo. Laila Ripoll y Jose Padilla fueron los directores que se dejaron seducir por lo surgido durante la primera semana y, en la segunda semana, continuaron el proceso creativo que culminó en la presentación de la pieza que se vio el 1 de junio en Lunes con voz.
Durante estas dos semanas de taller, particularmente en la última, y en estos días de resaca, he pensado mucho en Momo, el personaje de Michael Ende. Momo, que sabe escuchar como nadie. Momo, que en el viejo anfiteatro lograba que con su sola presencia, su simple participación en el juego, los niños y las niñas jugaran mejor que nunca, no tuvieran tiempo de aburrirse. “Desde que Momo estaba allí, sabían jugar como nunca habían jugado.” Me gusta pensar que mi papel coordinando el taller fue intentar hacer lo que Momo: ofrecer la posibilidad de que todos, todas, jugaran como nunca habían jugado.
¿Qué pueden hacer 20 personas participantes, 4 artistas y 2 directores de escena jugando juntos? Arriesgarse. Probar con Antonio Ruz la duda en el cuerpo (y descubrir que solo se duda si se desea), entrar con Raymond en un espacio hecho de luz y oscuridad (y asombrarse de ambas), jugar con Sonia y el sonido (encontrando todo un mundo lleno de posibilidades), y a mi lado,jugar con los relatos y el espacio. Laila Ripoll y Jose Padilla lo metieron todo en su propia batidora, para ver qué salía. Lo que salió fueron exploraciones en el fértil territorio de lo imperfecto desde poéticas muy diferentes. Momentos de rara belleza y de belleza rara. Lo que salió fue pura alegría. Esa ave rara.
“Toda creación es una alegría” dice Compte-Sponville. No encuentro una manera mejor de expresar lo que viví durante las dos semanas de mayo que duró el taller. El lugar inesperado que apareció fue ese: la alegría de la creación. Por eso, más allá del resultado que el público vio el lunes, un resultado que soy incapaz de mirar con la debida distancia, yo recojo y guardo para mí la experiencia gozosa de momentos de creación compartida (¡desde el primer día!), belleza que sentía como algo que emanaba de los cuerpos y me tocaba, algo físico que ocupaba el espacio y me envolvía. Placer de estar viva exactamente donde estaba, compartiendo tiempo y espacio con 25 generosos artistas.
Magda Labarga
Corpo sobre tela de Marcos Abranches en el Festival Una mirada diferente del CDN
Hay antes y después
El ser humano expresa con todo aquello que le es desconocido o inalcanzable:
expresa sus anhelos y su interminable búsqueda.
En este nuevo viaje, virgen para mí,
he tenido que desprenderme de lo aprendido
para vivir con plenitud la experiencia libre de otro cuerpo.
Cada cuerpo experimenta una cosa y ayer bailó la libertad del ser humano.
Lo que contemplé en el escenario con verdadera admiración,
fue la Danza como lenguaje del alma.
Lenguaje natural del alma convertido en movimiento corporal.
Mágica comunión, adentrándose en las profundidades del cuerpo
abierto a una escucha real, libre, armoniosa.
Mutación del cuerpo, de las emociones,… a medida que la danza se hacía presente, apoderándose, guiando los movimientos desde el fluir verdadero: la batalla con el ser, la fuerza del huracán, el gozo del niño revolcándose en el juego, la serenidad de un lago en calma, la pasión del fuego,…
El cuerpo fluyendo cual pincel que se desliza por el lienzo
hasta llegar a un lugar de íntima comunión con uno mismo y con el universo rebosante de colores,… blanco, azul, verde, rojo, amarillo,… también el negro.
El negro y el peso del mundo en una frágil espalda.
Permitirse manifestar la emoción y convertirla en gratitud o protesta.
La danza trascendiendo el cuerpo.
Plenitud y gozo experimentados a través de la creación única y la entrega.
Atención plena en cada movimiento.
El ofrecimiento de Marcos Abranches, su romance entre técnica y libertad,
su expresión corporal intensa y pura, me sugieren que…
¡Hay un antes y un después!
Paloma Martín
Teatro abierto con una mirada diferente
«Soy sordo, gordo y bajo…» por eso estoy aquí, en el Festival Una Mirada Diferente, así empezaba su breve actuación Domingo Pisón y a partir de ahí y con mucho sentido del humor, llenó de magia la antesala del teatro Francisco Nieva. Allí, disfrutamos de unos trucos en los que el público fue el protagonista de la magia que allí se generó, gracias a la sensibilidad del mago. La magia había empezado con un breve concierto improvisado que se pudo disfrutar en las puertas del Teatro Valle Inclán al que siguió la representación de un cuento solidario en las escaleras del interior del teatro. Dentro del Valle Inclán, unos números sugerentes de cabaret y expresión corporal nos permitieron seguir descubriendo el edificio desde otras perspectivas. El recorrido se cerró con una instalación plástica danzada en el espacio del Mirlo Blanco. El programa de este año del festival nos está deparando muy gratas sorpresas que en esta experiencia de Teatro abierto, realizada por integrantes de Lysarco, Danza Luna, Afanias, Avatares y del mago Domingo Pisón, alcanzó grandes cotas de creatividad.
Adolfo Simón
Diversidad en la diversidad.
Este lunes el Valle Inclán, santuario escénico de la diversidad, nos ha regalado un teatro inclusivo, sin aditamentos, una igualitaria propuesta que, desde la investigación, Desde un lugar inesperado, ha sido partero de la facilidad y la belleza artística de lo raro, en una edición más del Festival Una Mirada Diferente, alumbrado en 2013 por el Centro Dramático Nacional.
Incapacidad
Invalidez
Minusvalía
Inutilidad
Discapacidad
Dependencia,…
Ellos y ellas frente a nosotros y nosotras,
su dignidad o nuestro desprecio,
su problema o nuestra ceguera.
Diversidad en la diversidad.
Sociedades imperfectas imponiendo un modelo pasivo de funcionamiento físico, sensorial, mental, intelectual, sexual,… a seres humanos perfectos tal y como son. Nadie funciona de la misma manera: TODOS y TODAS tenemos una capacidad propia, una forma exclusiva de pensar, sentir y actuar,… una manera irrepetible de funcionar en la vida.
Pensar, expresarnos, movernos, actuar con libertad: esa es la verdadera diversidad, la verdadera igualdad. Lo “normal” es una ficción estadística al servicio de las mayorías desiguales, opresoras. La lucha por la dignidad del ser humano es reconocernos, amarnos en nuestra diversidad.
Alas en unas manos presentes en la ausencia; el peso muerto de la institución familiar en un andador, báculo de un hermoso cuerpo al que no ha sido posible negarle el movimiento, partículas de polvo en unos ojos que no quieren ver el desamor…
Vida en cada objeto, en cada átomo del espacio escénico
La existencia disfrutada con toda su plenitud
por cada SER ÚNICO Y DIVINO.
Paloma Martín
“no despiertes el camino que duerme”…
Cuando M-A-M-Á es silencio, porque el horror dejó paso a la locura…
Cuando un coro de voces bernardinas
claman “no despiertes el camino que duerme”…
una comprometida dirección escénica respirada profunda, serena-mente por Adolfo Simón, sobre un repleto texto de verdad del dramaturgo Otso Kautto, inauguraba ayer en el Matadero el Festival Eurodrama 2015 dedicado este año a Finlandia, con la lectura dramatizada ¡Es niña! en la Casa del Lector.
Sobre un blanco lienzo la infancia como juguete sexual del adulto: sin edad, sin rostro, sin condición social, con la identidad del mundo…, apisonando a una indiferente sociedad, de la suave y violenta mano de un estremecedor Blas Nusier que trazó interminables caminos de confusión, caos, negruzca culpa, roja vergüenza…
Unas sucias manos portadoras del candado de la casa-coche,
en un viaje a ninguna parte de una, dos, tres… miles de hijas
en el asiento contiguo del padre.
Hablando de lo que no puede hablarse, diciendo lo que no puede hacerse…
tal vez por ello, deba ser pintado con los colores del mundo…
A los pies… los restos de un secreto naufragio
en los inmundos mares de la vieja Europa.
Y en medio, caricias de maestro en mi corazón,
despertando un camino que nunca debió dormir.
Paloma Martín
¿Qué es un cuerpo en movimiento?
¿Qué es un cuerpo en movimiento? Difícil pregunta… Imaginemos por un momento un vaso medio lleno de agua. Alguien lo lleva de un lado a otro en una bandeja. Y sucede lo inevitable: el agua se mece, escala y desciende por las paredes del vaso. Al compás del movimiento que lo desplaza, vibra, se agita, salta, se derrama y baila sobre la bandeja. Imaginemos ahora que cada célula de nuestro cuerpo es ese vaso y bailemos…
El ser humano se compone de alrededor de un 70% de agua. Está en las células, en la saliva, en la sangre, en las cuencas de los ojos. Y esto se hace evidente en «Mirage», la admirable y más que sugerente pieza de danza contemporánea que ha clausurado “Cada palabra es como una innecesaria mancha en el silencio y en la nada”, obra de Eugenio Ampudia que ha habitado el espacio “Abierto por obras” del antiguo Matadero de Madrid desde el 5 de febrero hasta el pasado 17 de mayo. El antiguo frigorífico, habiendo sobrevivido a un incendio, ha sido convertido en un lago con pasarelas de madera y luz tenue. En su sencillez radica la potencia de la instalación, que es completada por el espectador cuando realiza una llamada al número de teléfono indicado, generando ondas en el agua estancada. Eugenio Ampudia nos invita así a reflexionar sobre los procesos de comunicación y con ello sobre la sociedad, el artificioso individualismo, las nuevas tecnologías…
La coreografía, exclusiva para la ocasión, ha corrido a cargo de Mattia Russo y Antonio de Rosa, con la colaboración de bailarines de la CND. La búsqueda de un diálogo con el espacio físico y con la obra de Ampudia les ha llevado a generar un espectáculo de claroscuros y belleza líquida. Los intérpretes (inicialmente en fila, en el centro del lago, unos pilares más de la sala) comienzan a fundirse a través de su arte con la piscina de agua negra, que nos devuelve algún que otro destello amarillo de vez en cuando. Como guiñando un ojo, nos advierte de la experiencia que estamos a punto de vivir. Con una música de fondo cambiante y de contrastes, los cuerpos cobran vida y se convierten en corrientes que despiertan al agua de su hibernación, son conductores de electricidad vital, son la fuerza de las mareas. Las ondas provocadas surgen como un elenco paralelo de bailarines. La coreografía se confunde: ¿está en los cuerpos o en las ondas? ¿Es la coreografía la comunicación misma que se da entre el cuerpo y el agua, una y otra vez, suave, violenta, infinita, inevitable?
Mi atención se ha sumergido en la atmósfera creada de tal modo que, cuando llega el final, distingo en el aire las ondas provenientes de mis aplausos, enredándose en el pelo largo y rizado de alguna mujer; veo cómo el eco de mis pasos sobre la madera hacen carambola en calzado cercano y rápidamente, como pequeñas tortugas marinas, se adentra en el agua para comunicar desde su libertad ingrávida mis sinceras felicitaciones a los artistas uno a uno, onda a onda, gota a gota, célula a célula.
Quique Rojas
Celestina, la tragicomedia de Atalaya en la CNTC
Supe de mi amor por la literatura clásica cuando aún muy niña, en la búsqueda de un paraíso terrenal inexistente, cayó en mis manos un hermoso ejemplar de libro, encuadernado en piel roja, que con incomprensibles, aún para mí, letras de oro decía: “La Celestina” de Fernando de Rojas. Desde la perplejidad, intuía que algo elevado estaba inmortalizado en aquellas páginas de color sepia.
Sé de mi renovado amor por el teatro, cuando ayer entre los ruidos de bolsas de plástico y móviles de un profanador público, las emociones me arrojaron una tabla de salvación, para un viaje en el que de la mano de Ricardo Iniesta, Elicia, Areúsa y una soberbia Celestina, eran rescatadas del escarnio de una hipócrita sociedad que compra los servicios de supervivientes prostitutas, pero que se niega a nombrarlas y reconocerlas como lo que son: sus iguales.
La fuerza de una puesta en escena por la Compañía Atalaya, evocaba imágenes que hacen justicia a un texto que minimiza a Calisto, el hombre, elevando a la categoría de diosa a Melibea, la mujer, y que apalea las castas y aquellas construcciones sociales opresoras de la condición humana en cualquiera de sus manifestaciones: el linaje, el ideal de belleza masculino, la sexualidad manipulada por los hombres, el matrimonio… ladrillos de un muro que va siendo derribado por la inteligencia, astucia, determinación y el coraje de unos personajes femeninos, que más allá de sus circunstancias, elevan un sonoro canto al deseo de vivir con mayúsculas.
Ante la grandeza del texto, añoré en este viaje una ruta interior hacia la necesidad de superar ese vigente e interesado consenso social sobre el placer y el disfrute en un modelo de sexualidad que olvida a las mujeres. En la afirmación de Elicia: “yo le tengo odio a este oficio” está contenida la letra de una asignatura pendiente: alcanzar cotas más humanas e igualitarias en las relaciones sexuales.
La propuesta coloca un espejo delante del ser humano: su codicia, orgullo, envidia,… la estúpida venda en los ojos para sostener el propio egoísmo…
Al contemplar la verdadera imagen…
¿Volveremos a colocarnos de espaldas al espejo?.
Paloma Martín
“La Mirada del Otro” en Cuarta Pared
Decidme como es un árbol.
Decidme el canto del río
Cuando se cubre de pájaros.
Habladme del mar, habladme
Del olor ancho del campo,
De las estrellas y del aire (…)
MARCOS ANA
Del poema LA VIDA.
Prisión de Burgos, 1960.
Ayer volvía a Cuarta Pared el proyecto dirigido por Chani Martín y protagonizado por Ruth Cabeza, María San Miguel y un generoso Pablo Rodríguez. “La Mirada del Otro” escenifica la VERDAD como único hábito de supervivencia, la humanidad como único camino.
Cuando todo el mundo la da por perdida, reinventa la dignidad humana.
Impacta sostener la mirada ante el cruel enemigo de la vida, despertando a la crueldad de la vida… y duele mirar sus oscuras noches negadas de libertad.
Contiene una sola verdad: la Justicia es aquella que arranca la venda de los ojos, esa verdad esencia de la libertad. Y es que cada ser es completo tal y como es, y aunque nada justifique la violencia, quien un día se demostró enemigo de la vida, tiene derecho a una segunda oportunidad si en su corazón habita el cambio, si el rencor ha dado paso al amor por todo lo que le rodea. La cárcel tiene barrotes que no pueden ser derribados en los sueños. Lo más difícil es la libertad cuando no se puede ser libre.
¿Y qué dice la otra mirada?… Siento fascinación por el ser humano resarcido, capaz de restañar las más dolorosas heridas y perdonar, perdonar porque comprende el afán de vivir, de recobrar los colores, los olores perdidos de la vida… aunque el pecado a perdonar sea la muerte del amor en nombre del Amor.
¿Y mi mirada?… Es la compasión por los seres humanos lo que me lleva a sentir que no necesitábamos esa guerra… que no necesitamos ninguna guerra… que no necesitamos una triste casa teñida de gris en la que cobijarnos, porque el arco iris dibuja nuestro cielo, contiene los colores de nuestra tierra, es nuestra verdadera seña de identidad.
Paloma Martín
“ENAJENATORIUM THEATRE SHOW” en el TEATRO ARLEQUÍN
Seguro que en más de una ocasión se han preguntado por lo que hay y ocurre por detrás del escenario de un teatro. Seguro que alguna vez les hubiera gustado entrar por la puerta de artistas, por esa que suele dar a un callejón sin salida. Seguro que han soñado alguna vez…o han tenido la pesadilla… en la que se quedan atrapados en los pasillos laberínticos de un teatro donde no solo habitan seres reales. Pues todo eso ahora puede ser una experiencia en directo para un público inquieto, deseoso de vivencias no convencionales. No siempre es posible que un teatro ponga a disposición de la creatividad escénica todos sus recovecos. En esta ocasión, en “ENAJENATORIUM THEATRE SHOW”, no hay un centímetro del Teatro Arlequín que se libre de la magia y el misterio. Creo que no conviene que les desvele lo que puede ocurrirles, mejor será que vayan y no se despisten de las indicaciones de los guías…Ah!…Y no pierdan detalle de todo lo que vaya ocurriendo a cada paso porque el protagonista, en esta ocasión, es el público…El Misterioso señor H será un anfitrión excelente, no lo duden…O si.
Adolfo Simón
CONFESIONES A ALÁ
CONFESIONES A ALÁ
El talento de María Hervás y de Saphia Azzeddine me han hecho entrega de aquello que más valoro: la necesidad de hacerme preguntas, y lo que es más inusual, me han dado algunas respuestas. Y me he preguntado quién era para mí la protagonista de esta magnífica y profunda pieza teatral: Jbara Ait Goumbra: una buscadora de la verdad. Responsable única de su propia vida. Dueña exclusiva de sus pensamientos y sentimientos, así como de sus hechos. Valiosa por quien es. Nadie pertenece a Jbara y no es propiedad de nadie. Tiene hambre de pan y letras, el frío en los huesos y un dolor profundo emana de cada una de las heridas de su herida alma, pero… ¡bebe ríos de dignidad! Es la respuesta en escena a las grandes cuestiones de la vida: ¿Quién soy? ¿Por qué estoy aquí? ¿Cuál es mi camino?
Jbara es la belleza.
La alegría y el gozo.
La pureza, la valentía y la fuerza.
La parte y el todo.
El amor y la verdad.
Jbara desnuda su alma ante Alá, su fiel y eterno compañero.
Jbara es su abusador, su torturador y su sanación.
La alegría y la tristeza
La miseria y la riqueza.
La fortaleza de cada amanecer y la oscuridad de cada anochecer.
Está en cada abuso, en cada golpe, en cada humillación,
en cada pensamiento y en cada acción.
Es la muerte y la vida.
La crueldad y la compasión.
Ella sola puede salvarse de este infierno.
Y en cada paso, en cada caída… solo él: Alá.
No es lo suficientemente mala para ser juzgada,
Nadie es lo suficientemente bueno como para juzgarla.
A los ojos de Alá Jbara ES quien realmente ES,
lo que ha decidido ser y lo que SERÁ por decisión propia.
Sabe que está aquí para ser feliz, ese es su camino.
Alá está en su corazón.
JBARA ES ALÁ
Paloma Martín
Décimo aniversario de la Compañía Daniel Abreu
Esta semana se ha celebrado en la Sala Cuarta Pared un ciclo especial dedicado al décimo aniversario de la Compañía Daniel Abreu, residente de la propia sala, que recientemente ganó el Premio Nacional de Danza. Un premio que debería empujar y ensalzar el trabajo de uno de los creadores más arriesgados del panorama actual, que sin embargo es programado más fuera de nuestras fronteras que en su país natal… El coreógrafo y bailarín canario se desligó hace más de diez años de Carmen Werner y Provisional Danza para desarrollar sus propios trabajos, creando una danza de autor, un lenguaje propio donde el cuerpo y el movimiento se transforman en poesía. Esta pequeña compañía que sobrevive a base de subvenciones ha sufrido la mitad de su trayectoria uno de los peores momentos del sector, y el propio Abreu reconoce sentirse cansado no tanto por las más de cuarenta producciones que lleva a sus espaldas sino por la propia burocracia.
El ciclo comenzó con «Acto de fe», un encuentro de algunos de los intérpretes que han bailado y actuado con Daniel en estos diez años, que narraban sus experiencias los procesos creativos y bailaban fragmentos de algunas de sus piezas. Un relato improvisado que costó arrancar pero que se fue cargando de una emoción y energía desbordantes con momentos hipnóticos maravillosos como el final, en el que, a petición del público, todos los que poseían «el gen Abreu» en su ADN arrancaron a bailar al ritmo de un «temazo» cerrando una noche conmovedora.
El segundo día se mostró «Cada persona», el resultado de un taller intensivo desarrollado durante cuatro días en la propia Cuarta Pared, en el que Abreu trabajó con 17 actores y bailarines herramientas físicas de composición de una pieza a través de su lenguaje escénico. Después hubo un encuentro abierto con el público donde pudo hablar de estos diez años y responder a las dudas de los espectadores.
El ciclo se ha cerrado con la reposición de dos de sus obras más representativas: «Silencio», uno de sus trabajos más abstractos, estrenada en la propia Cuarta Pared en 2013 dentro del Festival Madrid en Danza; y el emblemático solo «Perro», estrenado en 2006.
Esperemos que esta gran Compañía cumpla muchos más años y nos siga regalando esos trabajos tan personales bailados desde el corazón, a ser posible en nuestros Teatros.
Jorge Azcona
VERmentiDAD de Acción Escénica Inclusiva Avatares en La Casa Encendida
El Teatro es un arte milenario, inmortal, que ha sobrevivido a la llegada de nuevas tecnologías y lenguajes como el cine, a crisis políticas y económicas, etc. Está por encima de las modas, es atemporal, universal, su poder transformacional lo convierte en algo esencial para la sociedad. La propuesta de la compañía Acción Escénica Inclusiva Avatares, en la que trabajan personas con discapacidad física, es una prueba fehaciente de ello.
Más de 80 millones de personas (alrededor del 16% de la población de la Unión Europea) tiene algún tipo de discapacidad. La tasa de empleo de este sector de la población asciende al 45% en la UE, siendo además uno de los grupos sociales más afectados por la crisis económica.
El 3 de Diciembre, Día Europeo de las personas con discapacidad, fue la fecha elegida para estrenar VERmentiDAD, una obra onírica donde personajes mitológicos como Medusa o una sirena y literarios como el doctor Jekyll y Mr. Hyde se mezclan con el mundo a pesar de sus diferencias. Juzgamos la apariencia externa y vemos lo que nos distingue en lugar de lo que nos une: el amor.
Las preguntas también nos las deberíamos hacer los profesionales de las artes escénicas: ¿Por qué no pueden interpretar personajes de Shakespeare, Lope, Calderón o Lorca actores con discapacidad? ¿Por qué es tan poco habitual ver una silla de ruedas en un escenario?
Pero como siempre, aunque el teatro viva del conflicto, la realidad supera la ficción. La calamitosa organización del Parlamento Europeo sólo habilitó sitio para dos personas en silla de ruedas en el auditorio dejando fuera al resto, que tuvieron que visionar la obra desde el patio en una pantalla… Y el terrible monstruo social que llamamos exclusión enturbió el acto el peor día posible.
Aún quedan muchas barreras por derribar…
Jorge Azcona
PREMIOS DEL PÚBLICO AL TEATRO MUSICAL “BROADWAY WORLD SPAIN 2014”
Este último lunes 24 de noviembre tuvo lugar en el Nuevo Teatro Alcalá de Madrid la cuarta gala de los premios del público al teatro musical, bajo el nombre de “Broadway World Spain 2014”, un evento que me despertaba curiosidad debido a la unión de disciplinas que el género musical requiere, por lo cual las actuaciones programadas en la gala debían ser de cierta calidad, más allá del interés que pudieran generarme los nominados y ganadores, siendo como soy, tan poco fan de las entregas de premios, las cuales suelen hacerse densas y largas. Para mi sorpresa, una vez comenzada la gala, resultó todo bastante dinámico, ya que los premios eran recibidos en el mismo patio de butacas, ganando por goleada “Mierda de Artista”, musical que crítica el mercado y consumo del arte. Igualmente la selección de actuaciones me pareció de lo más limpia y entretenida, pasando por alto algún problema con el sonido, la calidad artística estuvo a la altura.
Cierto es que eché de menos un poco más de palabras reivindicativas, según se encuentra la situación teatral en nuestro país. Tras un par de incisos de algunos ganadores, es el ganador al premio honorífico, Nacho Artime (adaptador textual con más de 60 musicales a sus espaldas), quien envía el mensaje más rotundo, cerrándose la gala con un llamamiento a las autoridades por parte del director de la revista “Broadway World Spain”, el cual aprovechó para pedir hechos urgentes a los responsables de la cultura española, y bajo el lema “el show debe continuar”, se negó a creer que el género teatral pueda desaparecer.
Finalizo esta pequeña reseña aplaudiendo el trabajo de la organización y el de los ganadores y no ganadores, por el esfuerzo y la dedicación que requiere esta profesión sobre todo ahora, momento en el que grandes talentos no cuentan con el apoyo que merecen, y un premio puede significar un pequeño gran impulso.
BLAS NUSIER
I Seminario de Estudios Teatrales: El teatro de Alfonso Zurro y José Moreno Arenas
I Seminario de Estudios Teatrales: El teatro de Alfonso Zurro y José Moreno Arenas
Albolote, Granada
Los días 3 y 4 de noviembre se celebró en Albolote el I Seminario de Estudios teatrales, dedicado en esta primera edición a analizar el teatro minimo de Alfonso Zurro y Jose Moreno Arenas. Fue inaugurado por el director de dicho seminario, el profesor D. Francisco Linares Alés, quien destacó el hecho de que en los últimos años se haya multiplicado la bibliografía académica dedicada a estos dos dramaturgos, señal inequívoca de que su obra posee un valor perdurable. Dedicó también parte de la introducción a subrayar algunas de las características del género teatral mínimo que lo hacen un formato tan actual y atractivo.
Las intervenciones corrieron a cargo de especialistas de universidades como la de Granada, Málaga, Sevilla o UNED. Dª Remedios Sánchez, con una ponencia titulada “La construcción del personaje en las trilogías mínimas de José Moreno Arenas. Estudio de San Romerito, esposo virginal y ecologista perpetuo”, destacó el enorme apego a la realidad del teatro de Moreno Arenas, y la admirable manera en que el autor puede subvertir el hecho cotidiano, armonizando el realismo español con el surrealismo. Para la profesora, la mayor importancia de su teatro radica en la manera tan particular en la que la propia creación de personajes ya constituye una crítica social por sí sola. El profesor D. Antonio Sanchez Trigueros eligió el tema “Objetos y gestos en el teatro mínimo de José Moreno Arenas”, destacando en primer lugar la forma en que el propio autor cree y defiende su teatro, siendo consciente —desde la prudencia y la humildad— del valor de lo que ha escrito hasta el momento. La disertación del profesor Trigueros abordó la importancia que debe concederse al hecho de que muchas de las piezas de Moreno Arenas giren en torno a un objeto cotidiano, que actúa como punto de gravedad de la propia narración y que nunca es casual, sino que está elegido con un significado muy concreto y que merece la pena ser interpretado. D. Adelardo Méndez Moya, director del Ciclo de Lecturas del Teatro Español de Hoy, realizó un exhaustivo y bien informado recorrido por el teatro de Alfonso Zurro, desde su llegada a Sevilla en los años 70 a la actualidad. Se ocupó de montajes y ediciones, distinguió etapas y subrayó continuidades, presentando la obra del salmantino como un todo orgánico y consistente, que bebe de dos fuentes fundamentales: el teatro popular, algo que siempre le fascinará —inmerso en la tradición como siempre lo ha estado, desde Lope de Rueda a Cervantes— y el absurdo de Beckett o Ionesco. D. Francisco Gutierrez Carbajo, absoluto especialista de teatro contemporáneo, tituló su intervención “Lo lúdico en el teatro mínimo de Moreno Arenas y Zurro”, y resultó admirable la manera en que encontró puntos comunes entre ambos dramaturgos, especialmente en la forma en que simultanean atractivos de dos tendencias literarias tan distintas como la vanguardia y el realismo, hundiendo sus raíces en la picaresca y la literatura de lo popular, aunque siempre dotándolas de una contemporaneidad de temas y preocupaciones que une con el espectador y le conmueve. Dª María Jesús Orozco Vera, profesora en la Universidad de Sevilla, participó con “Arte dramático y sutileza de ingenio: el teatro microscópico de José Moreno Arenas y de Alfonso Zurro”, un interesante y bien documentado viaje por la capacidad de observación y plasmación literaria de ambos autores, así como los mecanismos compositivos de su teatro, expresando de manera muy bien definida de qué detalles conceptuales se valen ambos autores para conmover, escandalizar o despertar el pensamiento del espectador. D. Francisco Morales Lomas, profesor de la Universidad de Málaga y dramaturgo él mismo, presentó en el Seminario “La hermenéutica de lo cotidiano popular en el teatro de Alfonso Zurro.”, una interpretación lúcida y muy pulida en lo ensayístico sobre la manera en que el autor salmantino conecta con la realidad inmediata, así como su interés por lo festivo popular y modos dramáticos pasados, tales como el teatro de la legua. Para Morales Lomas, el gran valor del teatro de Alfonso Zurro reside en la capacidad del dramaturgo para extraer de momentos cotidianos aparentemente poco interesantes y de diálogos supuestamente anodinos y hasta erráticos un fino lirismo, provocando siempre una reflexión final en el espectador.
El seminario concluyó con una mesa redonda que ofrecía el privilegio de contar con la presencia de ambos dramaturgos, que asistieron al seminario al completo, de manera que público y ponentes tuvieron la oportunidad de hacer preguntas directas a los autores. Se aclararon detalles de las comunicaciones oidas, y se habló mucho de la pervivencia del teatro en general y del teatro mínimo en particular, en un momento histórico de tecnificacion y dominio de lo digital en el que tantas manifestaciones artísticas parecen encontrarse en crisis.
Especial acierto por parte de la organización del Seminario fue amenizarlo —más bien ilustrarlo, me atrevería a decir— con representaciones del teatro de Moreno Arenas y Alfonso Zurro intercaladas, realizadas de manera lúcida por las actrices Carmen Ruiz-Mingorance, Cristina Carrascosa Vega y Ana Ibáñez. Entre las piezas más destacadas que se pudieron ver en el Centro Sociocultural Fernando de los Rios de Albolote cabe destacar “Las Gafas”, una de las célebres pulgas dramáticas de Moreno Arenas, y “Caricias”, una obrita presente en la última publicación de Alfonso Zurro, Cien viajes en ascensor.
Rafael Ruiz Pleguezuelos
Taller de Dramaturgia sobre la visión contemporánea de los mitos puesto en marcha por el Teatro de la Ciudad
Durante cuatro jornadas se ha llevado a cabo el Taller de Dramaturgia sobre la visión contemporánea de los mitos, centrando el estudio sobre Medea / Edipo / Antígona. Teatro de la Ciudad ha puesto en marcha esta iniciativa para lo que terminará siendo una fiesta teatral en la primavera de 2015 en el Teatro de la Abadía y en el corazón de este evento se representará Edipo dirigida por Alfredo Sanzol, Medea dirigida por Andrés Lima y Antígona dirigida por Miguel del Arco. En estas jornadas de indagación dramatúrgica se ha contado con la reflexión y experiencia de creadores y estudiosos como José Sanchís Sinisterra, Juan Mayorga, Bernardo Souvirón, José Padilla y Juan Cavestany. De nuevo, una ocasión para seguir documentándome y creciendo en el conocimiento del origen del teatro.
Adolfo Simón
“Las Muchas” en La casa encendida
“Las Muchas” esboza la atemporalidad de la ternura, la sensibilidad, la seducción, la soledad acompañada de cada cuerpo de mujer, singular e irrepetible,… igual en la verdad de su movimiento. Perfila el recato de una época que perdura, la resurrección de la carne.
Nos habla del arte de la vida, de la estética de la existencia; de la conversión del objeto en sujeto, visibilizando la presencia de la mujer madura, desafiando a través de la belleza de cada gesto las reglas del biopoder y de la economía del deseo, dejando de lado el sufrimiento causado por las prohibiciones y restricciones a las que ha sido sometido durante siglos el cuerpo de la mujer, su sumisión al mercado de la misma mirada.
Desecha la poshumanidad de simulacros corporales reconstruidos artificialmente a la luz de la publicidad como tentáculo del poder, insinuando imágenes enunciadoras de la libertad del cuerpo como esencia de cada mujer.
El cuerpo como lenguaje en construcción de una nueva identidad corporal ajena a la cárcel-escrita, derribando los muros del matrimonio, la familia, la contaminada sexualidad.
Diferencia en la igualdad. Poder en el cuerpo. Cuerpos rebosantes de alegría.
Lo de Mariantònia Oliver es una apuesta por la Vida de las Mujeres: ¿Quiénes son? ¿Qué necesitan? ¿De qué son capaces? La tridimensión corporal puesta en escena, no sólo el cuerpo físico, también el interior. La esencia de las mujeres es un misterio que debe ser desvelado. Ella, se ha puesto manos a la obra, revelando a nuestros ojos el tesoro de esas infinitas profundidades.
Un gesto tímido coreografiado, el sutil roce de unas cuidadoras manos,… la victoria sobre la atávica vergüenza del cuerpo femenino.
No sólo veo aquello que se mueve… percibo lo que no se oye. Sus piernas se asemejan al viento. Me llevan a lugares que no conozco, cercanos a la realidad. Ávidas de vida, en sus cansadas extremidades la vida.
Liberadas manos reprimidas… ¡Míralas, empápate de su presencia!
Deja caer la venda de tus prejuicios…
Es… ¡tan sólo belleza!
Paloma Martín
En la intimidad de la creación de La Bodas de Figaro
En otro tiempo, los grandes creadores tenían lo que se denominaba “escuela” que era la posibilidad de que los jóvenes pudieran acceder al espacio de trabajo para seguir el día a día de la construcción de una obra artística, desde que se ideaba hasta que se llegaba al resultado final. Hoy en día, la escuela es otra cosa, es un espacio donde se recibe información pero no se asiste al misterio de la inspiración, de la pelea con la materia, del boceto o el tallado en el que ir dando forma a los sueños y a los fantasmas. En las escuelas hay demasiada teoría y poca práctica y sobre todo, hay poca posibilidad de apreciar en la distancia corta la manera en que un maestro va dando forma a la obra que hay en su cabeza. Durante casi un mes he tenido la suerte de poder acudir día a día a ese espacio privado e íntimo que es la sala de ensayos, donde el director de escena, con la complicidad y generosidad del resto del equipo, va generando trazos y líneas sobre el lienzo del espacio, un lugar que empieza cargado de elementos de atrezo que van generando lo que finalmente será la ficción de la realidad. Durante varias semanas he visto como el maestro Emilio Sagi ha ido trasladando todo lo que ocurre en la ópera de Las bodas de Figaro en el espacio de la planta octava del Teatro Real, bajo la luz que se colaba por la claraboya. Pero también he podido disfrutar de cómo inventaba mil y una peripecias para que el papel cobrase vida a través del cuerpo y la voz de los intérpretes. Comprobar la complejidad de un obra de arte de estas dimensiones es un privilegio, poder ver cómo se va acumulando capa a capa cada fracción poética exhalada desde el libreto y la música equivale a asistir a esa ceremonia privada donde la pasión por la escena genera belleza, ritmo y teatralidad. Y ver que todo transcurre con tanta facilidad es sorprendente. El paso de la sala de ensayos al teatro no hizo más que continuar acumulando líneas, sombras y colores al boceto que se había realizado en el anterior espacio de trabajo. Un engranaje fascinante donde cada cual asume su responsabilidad y rol con respeto y compromiso, así se puede llegar a la semana anterior al estreno y poder mostrar previas, de otro modo no sería posible. Todos, desde los que mueven los hilos de la escena desde dentro o fuera a los que ocupan el escenario para hacer realidad la ficción, tienen su parte esencial para que esto ocurra, hacerles sentirse a todos importantes es algo que provoca un resultado de gran calado, gracias al respeto y al trabajo.
Todavía tengo en mi memoria aquella primera tarde en la que parecía que se habían reunido allí un grupo de jóvenes entusiastas de la ópera y como cierre de ese hermoso viaje de aprendizaje, la última imagen, aquella en la que el telón se levantaba para mostrar que la vida está siempre a un paso de la irrealidad y que esa leve frontera es la que hay que atrapar en las obras de arte.
Adolfo Simón
Tras el estreno de Fracasadas de Nacho de Diego en RUSSAFA ESCÈNICA
FRACASADAS, impresiones de un autor
Fracasadas surgió del empeño de mi gran amigo Carlos Bosch en que yo tenía que escribir comedia, algo, por otra parte, para lo que me veo totalmente incapacitado. Así que escribirla fue un reto, pero aquel proyecto, finalmente, no salió. Cuando me llamó otro gran amigo, Manuel Puchades, pidiéndome un texto de comedia me acordé de Fracasadas, pero ni siquiera tenía yo una copia, así que tuve que pedirla y se la mandé. Fue en ese momento cuando empezó esta maravillosa travesía de aprendizaje, pues un texto al que yo prejuzgué y maltraté injustamente por no pertenecer a mi, tal vez, demasiado reduccionista forma de entender la escritura dramática, de repente, había suscitado el interés de gente a la que yo respetaba y admiraba. ¿El desenlace? Impagable. El trabajo actoral de Marina Viñals y de Manuel Puchades es inconmensurable. Sólido, lleno de matices y ambos entregados a la causa con fuerza y mucho amor (los dos tienen momentos antológicos). Y eso se nota muchísimo en el resultado final, pues aún siendo una comedia, el momento del clímax me puso los pelos de punta. Y lo que ha hecho Amparo F. Báguena con la dirección, desde mi punto de vista, ha sido toda una clase magistral porque he descubierto que entiende este texto y a estos personajes mucho mejor que yo. Amparo ha conseguido que en «FRACASADAS», todo cobre una dimensión que yo, sinceramente, desconocía. Muchas gracias a todos y también al resto del equipo, en especial, a la coreógrafa Annie Tébar, una de mis maestras.
Nacho de Diego
La teatralidad de Francis Montesinos
Francis Montesinos ya es un clásico en la moda española. Probablemente, sea uno de los creadores más originales e innovadores que hemos tenido en toda la historia del vestir español. Transgresor, provocador, original…Nunca se queda satisfecho con lo realizado, siempre está pensando cómo seguir buscando esa prenda que se queda adherida a la piel de sus clientes y a la mirada de todos los que nos cruzamos, en el día a día, con sus piezas de arte. Este año también ha estado presente en Cibeles, con una colección inspirada por el universo que habita en el fondo de ese mar mediterráneo que le evoca tantas formas y colores sugerentes.
Adolfo Simón
Tríptico sobre El Brujo
Me hago la pregunta de por qué estos textos cuando asisto a esta triple representación de Rafael Álvarez, El Brujo, en el Teatro Cofidís de Madrid. Francisco de Asís, Cristo y San Juan de la Cruz son los personajes seleccionados. ¿Cuál es el motor que para el intérprete puede haber tras esta selección de textos? ¿Hay un estudioso tras el juglar que a sí mismo se autodenomina? ¿De dónde nace el impulso que le lleva a contarnos esa visión suya tan particular de estos y otros personajes históricos?.
¿Hay un denominador común en ellos? ¿Qué hace para acercárnoslos? En muchos casos, quizá por primera vez.
Ayer mismo, en la última de las tres representaciones a las que tuve el gusto de asistir: “La luz oscura de la Fe”, él decía: “Esto es lo que pasó, bueno, en el libro no está contado así, pero es lo que pasó”.
Los espectadores que acudan por primera vez se encontrarán con este aspecto didáctico que a veces nos muestra el teatro, y además a un intérprete que es el relato en si mismo porque poco a poco nos va embaucando introduciéndonos en él, al tiempo que su presencia se muestra dividida entre lo que nos viene a contar y lo que allí mismo se va generando. No se le escapa una de entre las reacciones en el patio de butacas, y trata de jugarlas cada vez que puede, le divierte, se le nota. Así asistimos a la representación única porque siempre está viva por ese contacto de inmediatez con el público y a la consecución de una serie de escenas con varios personajes que él va relatando uno a uno.
Ellos aparecen en los espacios que nos regala en el paso a paso del relato y comprendemos de inmediato lo bonito de la convención, eso de que en el teatro lo que se dice es. Es decir, la imaginación en su estado puro. Ya todo colabora. Estás dentro.
Acompaña una luz, maravillosa por sencilla de Miguel Ángel Camacho. En “San Francisco, Juglar de Dios” unas bombillas que cuelgan del peine hasta prácticamente el suelo harán las veces de un montón de lugares. En “La luz oscura de la Fe” asistimos a la celda angosta del santo y a la plenitud de un cielo de estrellas o de una constelación infinita, según se mire, porque pareciera que tras el relato puede haber varios niveles de entendimiento, tantos como preguntas pueda tener alguien al enfrentar el misterio de la vida, del hombre, de lo más elevado de cada uno de nosotros.
Hay momentos muy poéticos, y otros de ironía, chiste, crítica, actualidad. El sentido del humor que siempre conecta con el público; cuando se ríe de sí mismo y su gesto se transforma en el de un niño travieso haciendo de las suyas, es también verle tocar el cielo porque conecta con la propia inocencia que todos queremos seguir llevando dentro.
La música en directo a veces sutil, determinada otras. Los que asistimos al “Evangelio según San Juan” disfrutamos de un grupo de músicos espléndidos y yo especialmente me sentí muy bien acogida al inicio de la representación por una especie de espiritual negro que podría venir del Mississippi, o un blues, no sé exactamente. Lo que si se es que me predispuso a lo que iba a ver a continuación.
Crear atmósferas a través de los sentidos, impresiones recibidas, un olor a incienso en otro momento, casi imperceptible pero penetrante al olfato. Estímulos y empatía, aprendizaje de una parte de la historia, divertimento, y misterio. Se queda corta la descripción porque además de pasar una agradable velada, y esto ya sí que es muy personal, permitan la licencia, a mi estos textos, personajes, historias y su manera de contar el cuento me inspiran, me motivan, me dejan más preguntas, me animan a comprender un poquito más lo inabarcable. ¿A ver qué les parece a ustedes? Les animo. Es toda una experiencia.
Chusa Barbero
Buscando a Carmen en Sevilla III…Hallada?…
A veces hay que dejar pasar un tiempo y poner distancia en algunas experiencias, para comprenderlas o entenderlas más profundamente. En la recta final del Campus de la Fundación SGAE sobre el Mito de Carmen ya se empezaba a crear una dinámica y aprovechamiento de nuestra estancia en Sevilla. Las ponencias de Olga Mesa y Francisco Ruíz de Infante, así como la de Imanol Uribe nos situaron en lecturas creativas en las que el personaje de Carmen transitó por sus obras de manera inspiradora pero periférica en la manifestación final. Así mismo, en las sesiones de la tarde los bocetos de propuestas apuntados por los distintos grupos de creadores convocados, empezaban a tomar forma. Creo que si este Forum dura una semana más hubieran surgido más de una pieza con un resultado más concreto. Tal vez ese no era el objetivo, tal vez lo interesante era que viviésemos en una burbuja teñida por la pasión de Carmen y que nuestro imaginario se entroncase con el de otros creadores de lenguajes diferentes al propio. Y de este modo, ver que las sinergias son posibles, que las barreras que muchas veces la distancia física o intelectual nos empuja al aislamiento y no nos permite experimentar sobre el cruce de caminos creativos, se pueden y deben derrumbar.
Para mí lo más interesante de este Campus ha sido la urgencia por asimilar información sobre un personaje como Carmen, la posibilidad de compartirla con compañeros conocidos o no y que de ahí, nos liberásemos de prejuicios y fuésemos capaces de implicarlos en las ideas de otros y aportar a ellas un granito de arena o la simple posibilidad de probar el dialogo creativo entre algunos de nosotros o sencillamente, escuchar los primeros apuntes de un texto o material dramático iniciado en las aulas de trabajo por alguno de los compañeros.
Todo está inventado, si…pero a veces hay que desempolvar las fórmulas para revisarlas y darles vida. En estos tiempos donde a diario se cierran espacios creativos y colectivos de trabajo, es bueno abrir una ventana y mirar el cielo de Sevilla, por si se asoma Carmen. Gracias a Teresa Nieto, David del Puerto, Antonio Álamo y Pablo Berger que de manera generosa nos han acompañado y asesorado en este viaje.
Adolfo Simón
Un viaje a nuestras piedras más antiguas por Carmen Losa
Los días 10 y 11 de julio se ha desarrollado en el Teatro Central de Sevilla el I Foro Internacional de Teatros Romanos de Andalucía con la participación de especialistas de todos los sectores que tienen que ver con el teatro grecolatino. La visión desde la que hemos podido acercarnos a estos espacios ha sido amplia y bastante profunda a pesar de la agilidad de las ponencias que se sucedían en el foro, dentro de un programa bien organizado por Guillermo Galán y Antonio Tejedor.
En la web http://www.teatrosromanosdeandalucia.es se puede ver la declaración de intenciones que fundamenta el evento: La idea central del I Foro Internacional de Teatros Romanos de Andalucía es dialogar acerca de los teatros clásicos desde varios puntos de vista: el del arqueólogo que investiga y excava; el del arquitecto que restaura y acondiciona; el de los creativos que escriben, diseñan, producen y dirigen; el de los técnicos que ponen en funcionamiento los espacios y, especialmente, el de los usuarios últimos a los que todo el trabajo está dirigido: el público, tanto turistas como espectadores.
El programa de las jornadas comenzaba con una sesión dedicada al aspecto más académico, aunque la primera ponencia, que disertaba sobre la comedia grecolatina, corría a cargo de José Luis Alonso de Santos, un auténtico comunicador, tan sabio como ameno. Después habló sobre la tragedia Francisco Socas, que expuso las dificultades que suponía adentrarse desde la escena en el universo de Séneca.
Se insertaba entre las ponencias la presentación de la programación de los Teatros Romanos de Andalucía: Itálica, Málaga y Baelo Claudia, compuesta por siete producciones: Dos comedias de Plauto: Los gemelos y Amphitrión; Augusto fortuna pública dolor privado, una dramaturgia llevada a escena por La Tarasca, La bella Helena de Troya, contada en clave de comedia musical, Las bacantes de Eurípides, Medea la extranjera, un trabajo muy sugerente de Atalaya y la Lisístrata de Aristófanes.
Por la tarde los ponentes nos mostraban el esfuerzo por la recuperación de los espacios en un interesante recorrido que nos desvelaba el trabajo de arqueólogos e investigadores sobre el Teatro Griego de Siracusa, y los Teatros Romanos de Mérida y Acinipo (Ronda).
Luego vino la parte que más nos apasiona a los teatreros, la recuperación de esos lugares monumentales para los fines para los que fueron creados: la representación teatral. Ahí empezamos a ver cables camuflados entre las piedras, focos, entarimados, dotación de camerinos, disposición del material y elementos necesarios para la consecución del hecho escénico. En esta sección pudimos disfrutar con el conocimiento práctico de Guillermo Galán en su faceta de director técnico, del iluminador Juan Gómez Cornejo, del escenógrafo Damián Galán Nogales y del director de Atalaya, Ricardo Iniesta. En la parte sobre infraestructura y legislación escuchamos con interés al ingeniero industrial Enrique del Pozo y al especialista en prevención y evacuación Germán Pérez Zavala. Para terminar, la ponencia de Jesús Cimarro, actual director del Festival de Mérida.
Esta es la primera edición de un foro que al que deseamos larga vida. Es necesario recordar la historia para dar sentido a nuestra profesión, para que veamos más allá de las piedras que han perdurado a través de los siglos y rescatemos con respeto y admiración las ceremonias con que se iniciaron los oficios de la interpretación y de la escritura y del artefacto. La tragedia primero y luego la comedia. Ritos que formaban y transformaban. Voces que llenaban los espacios, palabras y sonidos, representaciones a la puesta de sol…
Muy recomendable este viaje a nuestros clásicos más antiguos, que las más de las veces nos sorprenden por su vigencia y resultan más modernos que algunas de las moderneces que ocupan nuestros escenarios.
Carmen Losa
Buscando a Carmen en Sevilla II
El viaje continua, un recorrido personal y creativo, una experiencia rica y sorprendente a cada paso. Esta semana empezamos con la ponencia de Margarita Aizpuru y la visión del personaje de Carmen desde la perspectiva de género, para ello apoyo su discurso con videos de la obra de Erika Bornay, Fernando Iñiguez y María Cañas…www.youtube.com/watch?v=RcHAKJo9c9U
Continuamos con los trabajos de creación entre los diferentes profesionales que hemos acudido a este Forum, una ocasión estupenda para conectar con otras poéticas para las que habitualmente no tenemos acceso en la gran ciudad. El siguiente momento de encuentro con profesionales que han abordado la obra de Carmen fue en el Teatro de la Cuadra de Sevilla donde pudimos escuchar a Salvador Távora desgranar todas las anécdotas y peripecias de su creación y hoy volvimos a ver la Carmen de Antonio Gades y escuchamos a Carlos Saura recorrer su extensa y exitosa carrera en la escena y el cine. Ya empezamos a entrar en la curva final de esta experiencia que dejará huella en muchos de nosotros y que nos ha permitido acercarnos a otras formas de ver a Carmen y a las diferentes maneras de poner en marcha una creación.
Adolfo Simón
Buscando a Carmen en Sevilla I
El encuentro de creadores alrededor del mito de Carmen se ha seguido desarrollando durante esta semana, cuando hemos llegado al ecuador, Carmen se ha convertido en una obsesión en el propio Campus, todo descubrimos una arista nueva del personaje en cada ponencia y todos vamos imaginando qué Carmen habita en nosotros o a cuál desearíamos dar vida. El miércoles descubrimos las razones sociológicas de esa mujer que aspiraba a ser libre en un tiempo de pobreza gracias a la ponencia de Francisco Aix: ‘Andalucía, flamenco y mito’. El jueves disfrutamos del viaje creativo de dos hombres de teatro que abordaron el mito en una creación conjunta: Antonio Álamo y Alfonso Zurro dramaturgos y directores de escena los dos y visionamos el video y la partitura original que creó David del Puerto para el ballet ‘Carmen replay’. Las sesiones teóricas de las mañana se cerraron con una visita estupenda de Antonio Canales que no solo habló de su ‘Carmen, Carmela’ de 2004 si no de todas las Carmenes en las que ha tenido ocasión de participar, descubriendo que en todos hay una Carmen; pero también compartió su temor ante las dificultades para crear hoy en día y nos alentó a encontrar un espacio común desde el que luchar y reivindicar el espacio de derecho que ha de tener la cultura y los artistas.
Las tardes han sido un espacio de creación donde las múltiples disciplinas de los creadores que aquí nos hemos reunido, hemos tenido ocasión para compartir lenguajes y poéticas, tal vez, la semana que viene empiecen a surgir pequeños bocetos de lo que, en el futuro, puedan llegar a ser «Otras nuevas Carmenes».
Hoy sábado hemos visitado la Universidad de Sevilla que en su tiempo fue la famosa fábrica de tabacos donde trabajó y latió la Carmen de Merimé.
Adolfo Simón
Que Revienten los Artistas 
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