Trilogía de la ceguera en el CDN
Total oscuridad. Líquido, el tiempo gotea sobre tu cabeza como una tortura china. Silencio. Una gota y otra y otra y otra perforan las defensas naturales del ser humano, desgastan la resistencia de tu instinto de supervivencia. Los miedos, fantasmas del espíritu, se liberan y van tejiendo una densa telaraña neblinosa alrededor de tus córneas que, finalmente, empaña tus pupilas. Empaña tus sentidos. La sinestesia se instala en las puertas de tu percepción y gobierna todo lo que dentro de ellas acontece. En el corazón de la noche más oscura, en un callejón húmedo de ladrillo negro, se abre una puerta de emergencia al subconsciente. Los temores, drogados con estímulos desconocidos, bailan con la mirada perdida y la mandíbula desencajada al son de la adrenalina. Un unicornio del color de la espuma irrumpe en la sala a golpe de epilepsia reventando una pared de ladrillo visto, a lomos cabalgan dos enanos ciegos con nistagmus, envueltos en una nube de estupor, pintados de amor y miseria, emanan perfume a terror destilado. Tras ellos oscuridad, cristales rotos en el suelo con sabor a regaliz. Inundan la sala estridentes auroras boreales del color de las voces de los familiares que en este momento te esperan, te lloran sin saberlo, eternamente. Una pesada bola de espejos centrifuga las luces del norte para escupir después en escala de grises recuerdos vitales contra las paredes de piedra, musgo, árboles, tierra y raíces. Esto te devuelve a la realidad de estar perdiendo energía, la esperanza. Estás perdiendo la vida. Sabes que hay un agujero negro en algún lugar, te está tragando, te succiona, pero no logras descifrar el espacio que te rodea. No ves, sólo sufres con el viento que despeina a tirones la verdad de las cosas. Con las fuerzas que te quedan, imploras a la cruda negritud que todo termine cuanto antes, para bien o para mal. Que algo o alguien ponga fin a tu angustia, a tu estado de no ser, de sentir, degustar, oír, oler y ver más allá de los límites humanos. Estás asustado, estás aterrorizado. Es una pesadilla nocturna, debes tener fiebre. Pero te tocas la frente y estás frío, estás helado. Estás muerto.
Quique Rojas
Elektra de la Cia. Cant del Cigne en Lagrada
No dejaré de insistir en la necesidad de revisar las obras clásicas y a veces, perderles el respeto, algo muy sano en el mundo de la creación, pero tampoco dejaré de decir que cuando uno realiza una lectura personal sobre un texto, aunque esté el actor en escena con el libro que contiene la obra, ha de dejar constancia de que el autor original se ha quedado aparcado en algún lugar y que la versión y lectura escénica no tiene nada que ver con lo que plantea el original. Por eso, no nombro en esta nota al autor de Electra si no que dejo, al equipo artístico de esta compañía, la responsabilidad del resultado de su planteamiento. Evidentemente no sabemos cómo se haría en Grecia el teatro, solo podemos especular, aquí no se especula si no que se hace una escenificación absolutamente libre, con lo que esto puede suponer.
Adolfo Simón
La hermosa Jarifa en La Compañía Nacional de Teatro Clásico
A partir de la Historia del abencerraje y la hermosa Jarifa de Antonio Villegas, el romancero popular y otras fuentes. La Hermosa Jarifa aparece ante nosotros como una voz antigua que nos muestra un precioso retablo andalusí en los difíciles tiempos de frontera en España; de la Granada de los Abencerrajes y del amor a caballo entre los campos del olivo. Y es, ante todo, la voz de unos hombres que se mantuvieron en la encrucijada de llegar a entenderse, anteponiendo su razón humana por encima de la raza, religión, casta o hidalguía, para encontrarse cara a cara con el ser humano. Con estas palabras presenta el director de la obra, Borja Rodríguez, el espectáculo que ha acogido la Compañía Nacional de Teatro Clásico en un pequeño ciclo donde mostrará el trabajo que realizan sobre el verso otras compañías españolas. La hermosa Jarífa es una fábula sugerente que aquí es llevaba a escena con una plasticidad de gran belleza acompañada de una musicalidad de gran calidad, ejecutada por el grupo Vandalus y con la voz virtuosa de Inés León.
Adolfo Simón
Personare Experimento en La Escalera de Jacob
En la obra de Cyrano de Bergerac, el joven usurpa las palabras del personaje central porque no tiene la capacidad para elaborar un discurso bello que enamore a su amada, Como un títere de guante, Cyrano insufla poemas y palabras al joven para que consiga su objetivo. Es una metáfora hermosa ya que nos muestra que a veces, el corazón y la inteligencia no tienen lugar en un mundo donde solo tienen sitio los jóvenes y los bellos…Cuando la belleza y la juventud es efímera. Muchos siglos después, un grupo de jóvenes ha elaborado una breve pero intensa performance en la que seis espectadores son convocados a un ficcional encuentro, en él, asistirán con una máscara en la que estará incrustado un móvil. Cuando el rito se inicia, el público-actor se mimetiza curiosamente con la personalidad y el discurso que le ha tocado en su móvil, una extraña simbiosis hace que nuestro cuerpo y diría, nuestra mente, se fusione en el juego mecánico y terminemos asumiendo lo que se dice a lo que sumamos nuestros gestos y muecas. Ha llegado la tecnología al mundo de la emoción y vamos a ser juguetes programados para poder expresarnos si no somos capaces de decir y mostrar aquello que pensamos y sentimos. Recomiendo que estéis atentos cuando se vuelva a programar esta experiencia y no os la perdáis, os sorprenderá.
Adolfo Simón
Piezas de otro mundo por ti en Microteatro por dinero
Microteatro por dinero se ha convertido en uno de los formatos más imitados escénicamente en los últimos tiempos. La ciudad de Madrid y otras del país están trufadas de piezas breves que se muestran en recónditos espacios. Este mes, Microteatro por dinero ha tenido el tema de «Por ti» como estímulo para las historias que han representado en su peculiar teatro. Acudir a Microteatro es una experiencia que siempre depara satisfacciones…Se descubre un autor o una directora…Se ve por primera vez una intérprete desconocido que tiene energía y magia…Y sobre todo, se encuentra uno, allí, a profesionales de larga trayectoria que se quieren medir con ese espacio mínimo en el que han de cohabitar con el público. En esta ocasión he transitado por piezas de la sesión de tarde y la golfa…
En la tarde he de destacar los trabajos de Juan Meseguer, Lola Blasco, Nancho Novo, Miquel Mars y en la golfa a Sonia Sebastián, Estefanía de los Santos, Rodrigo Poisón o José Ignacio Tofé…acompañados en todas ellas de un buen grupo de jóvenes promesas escénicas.
Todas las historias tenían algo en común, la necesidad de creer en algo externo que nos hará libres y nos llevará a la felicidad eterna, para ellos, los personajes no escatimarán recursos y locura que, al final, no les sitúa en ese tiempo de calma zen si no en una vida al borde del precipicio y la locura con terribles consecuencias, en algunos casos divertidas.
Adolfo Simón
Lady Turbio en La Nao 8
Hay piezas golfas que nos incitan a saltar al precipicio sin red, hay performances que nos hablan de oscuros mundos y hay testimonios sobre lo vivido y amado…Todo esto es Lady Turbio; un viaje y mirada al pasado, sin ira o con toda la rabia del mundo, para entender mejor dónde estamos y quienes somos…Una pequeña pieza de locura y trasgresión.
Adolfo Simón
La velocidad del otoño de Eric Coble en el Teatro Lara de Madrid
Los seres humanos somos como árboles…si no nos lo impiden, trepamos y nos colamos hasta el último rincón de las personas. A veces, el camino es sencillo y otras está lleno de trabas que obstaculizan el trayecto. El final no puede ser otro que la decadencia y el olvido… la sabia deja de ser verde y se vuelve gris…pero entonces, todavía hay tiempo para seguir atravesando las estaciones y llenar el paisaje de colores, del verde al amarillo. Esta función empieza cargada de tópicos y uno prevé lo que va a pasar en cada momento, pero sorprendentemente…conforme avanza la acción, deja de ser un ajuste sobre lo perdido entre una madre y un hijo, deja de importarnos si la madre es más joven de lo que debiera ser o si el hijo es demasiado mayor para el personaje…Nos atrapa el pequeño mundo de deseos compartidos, de complicidades creadas a base de realizar pequeños viajes a través de la belleza y al arte. Nos queremos quedar en esa casa bunker donde la protagonista quiere seguir viviendo en los recuerdos hermosos que le dieron sentido a su vida, a su deseo de ser libre. Al final, cuando volvemos a la realidad sabemos que el teatro se parece a la vida pero no lo es…Y hay que seguir construyendo utopías. Esperanza Elipe y Javier Martín tienen una escucha escénica imprescindible para crear este microcosmos familiar.
Adolfo Simón
«El Señor Ye ama los dragones» en Matadero Madrid
«El Señor Ye ama los Dragones» nos sumerge en una ciudad lúgubre, apestada y que se equipara a una gran colmena, una colmena humana donde conviven las abejas obreras, los zánganos y las abejas reinas. A través de un pequeño cuento sobre un hombre que quería adorar a los dragones, pero no era cierto, ya que por lo que realmente se sentía atraído era por el ser mitológico y no el real, se nos plantea una dramaturgia perfecta, concisa y con la duración necesaria para meternos de lleno en el fenómeno de la inmigración china en las grandes ciudades y el despropósito que ha causado en las clases «acomodadas» representadas por las señoronas de un barrio bien de la ciudad.
Merecen especial mención Gloria Muñoz y Lola Casamayor en su compromiso con la interpretación de sus personajes. Gloria Muñoz, metida en la piel de la abeja reina sigue a la perfección su papel, embuchada en ese abrigazo de señora arreglada, con su cardado que se retoca deliberadamente y cada vez que exige el libreto (porque lo exige literalmente) y Lola Casamayor encarna la vecina que ya ha visto de todo y a la que le da lo mismo ocho que ochenta mientras no le quiten su dulce diario y su televisión a todo volumen. Ellas recrean este thriller cañí como si hubiesen vivido toda la vida en esos pisazos decorados con el gusto más refinado de los sesenta, con su refinado gusto por el encaje. Además, la exigencia de el libreto de incorporar a actrices chinas, ya que el autor partía de la investigación en el teatro entre dos culturas y lenguas diferentes, aporta una nota original en el reparto, incorporando a dos estupendas actrices chinas como son Huichi Chiu y Chen Lu
Muchas veces un «cuento chino» nos ayuda a abrir los ojos y bajar a la tierra para darnos de bruces con la realidad porque detrás de las pequeñas historias hay grandes consejos. Paco Bezerra es especialista en escoger temas sociales actuales y maquillarlos de esperpento valleinclanesco, barnizarlos con toques cañís y rebozarlos con salsa agridulce para que salga una obra luminosa, atrayente e interesante para cualquier persona, como dice él desde un punky hasta una señora del barrio de Salamanca.
Luis Luque le ha dado un acabado final exquisito que coloca a cada personaje en el plano intelectual que merece y además lo enmarca en la escenografía, también plenamente acertada que nos sugiere una mezcla de muralla china a través de unas escaleras que asemejan la muralla por donde transitan los cuatro personajes de panal en panal. Además infunde a cada personaje una extraña mezcla entre la forma de interpretación china y la occidental.
En definitiva, una galleta de la suerte rellena con palabras de sabiduría en forma obra para todo el mundo: actores, directores y público.
Luis Mª García Grande
«Pluto» en La Latina
Magüi Mira está haciendo cosas muy interesantes como directora en los últimos tiempos y ahora nos propone, de nuevo en La Latina, después de haber pasado por Mérida, una versión musical de la obra clásica de Aristófanes.
Clásica y tan clásica porque aborda problemas contemporáneos y fue escrita hace 2.500 años. ¿Cómo es posible? Abordar una utopía -el reparto igualitario de la riqueza- consiste en eso, en que la utopía sigue existiendo con el paso de los años y seguirá siendo algo imposible de alcanzar. El montaje destaca por el coro clásico formado por los propios personajes y transformado por Mira en bambalinas movibles mediante el simple gesto de quitarse la máscara.
El reparto de actores es un lujo para estos tiempos que corren y se agradece ver ciertas caras sobre las tablas hartos de verlas hacer papeles en series de televisión y encasillados en determinados personajes. El coro de personajes acompaña al omnipresente y fabuloso Javier Gurruchaga, que lo mismo puede encarnar un papel dramático como el de Pluto, con expresión contenida y controlando sus aspavientos que hacer de su reverso: La Pobreza, un personaje hilarante y exagerado pero que suelta verdades como puños del que merece la pena disfrutar. Además, Gurruchaga ha intervenido en la creación musical junto a Marco Rasa, incorporando canciones que acompañan al texto, y que aportan agilidad y dinamismo al contenido, a veces demasiado denso y se cuenta con el acertado vestuario de Lorenzo Caprile que reinterpreta el estilo clásico adaptándolo a nuestros días.
En definitiva, esta obra nos hacer replantearnos el concepto del reparto justo de la riqueza, la pérdida del respeto a los dogmas sociales, el enfrentamiento a la corrupción y al poder desmedido de ciertas personas, la pobreza y pérdida de derechos…todo esto a través del humor y la fiesta…porque aunque no tengamos dinero siempre nos quedará un plato de lentejas y mucha LIBERTAD.
Luis Mª García Grande
Ternura negra de Denise Despeyroux en Kubik dentro de Surge Madrid
Denise Despeyroux está creando una personal trayectoria como autora y directora. Su paisaje dramatúrgico transita entre historias de hoy que se cruzan con otras de tiempo y espacio diferente…y sus puestas en escena también juegan con planos superpuestos; la situación de algunos personajes ocurre en un aquí y ahora…y otros seres habitan en mundos paralelos o en espacios virtuales. Todas estas cuestiones crean una textura poética compleja a la que hay que estar atento en su transcurrir en escena, por momentos hay mucha información que paraliza la acción y después, toda esa materia se conecta con las situaciones y provoca en el imaginario del espectador el efecto que ella busca. En Ternura negra indaga sobre la hipótesis de lo que pudo ocurrir en un tiempo pretérito cuando se está tratando de convertirlo en ficción escénica actual y lo que esto obliga a que quienes protagonizan, esta indagación teatral, les descubrirá otros mundos que no conocían o a los que no querían enfrentarse. La puesta en escena es sencilla aunque dialogar con una pantalla obliga a los actores a realizar virtuosismo interpretativo.
Adolfo Simón
Entremeses de Cervantes del Teatro de la Abadía en el Teatro Alhambra de Granada
Asistir dos días después de celebrar el Día del Libro a este montaje de los Entremeses de Cervantes supone disfrutar de una gran fiesta de la literatura, pues constituye una puesta en escena del clásico cervantino muy difícil de superar.
Se trata de un montaje que ya fue llevado a cabo en la segunda temporada de La Abadía, rescatado veinte años después como una forma de autohomenaje. José Luis Gómez incluye en el programa una cita de Manuel Azaña en la que el escritor y político afirma que quienes hablamos español somos y seremos “criaturas cervantinas”. Ése es de manera precisa el espíritu que atraviesa el montaje de principio a fin: la de ofrecer el texto de Cervantes como esencia de identidad, como constitución de lo español, pero con el acento puesto en nuestros grandes defectos. En la puesta en escena hay un continuo ambiente carnavalesco, un desfile singular de hombres y mujeres desnortados, políticos ramplones, costumbres bulliciosas y alegres. La dirección es, como no podía ser de otra manera viniendo de quien viene, tremendamente minuciosa y prolija, una creación compleja que añade al texto cervantino toda clase de jolgorios, danzas, cantos y músicas, siempre con la mayor gracia y tino.
Con una apertura y cierre de función de un lirismo sublime, en la forma de unos pájaros que cantan en el campo en compañía de un coro de personajes cervantinos, los Entremeses de La Abadía (se han incluido solamente La cueva de Salamanca, El viejo celoso y El retablo de las maravillas) ofrecen una función intensísima, sin duda extenuante para los actores, que dota al clásico de un músculo y una intensidad magníficos. En los ciento diez minutos de representación, el espectador es sepultado en un universo de canto, baile y movimiento escénico que nunca deja de lado la palabra medida y clara del clásico.
Granada tardará mucho en acoger un evento teatral cervantino tan digno como el que se disfrutó el pasado fin de semana en el teatro Alhambra.
Rafael Ruiz Pleguezuelos
Anónimas de Amaranta Osorio en el Teatro del Barrio dentro de Surge Madrid
Tres hermanas- una actriz, una guitarrista y una muñeca- en una habitación con suelo de ajedrez, se cuentan las historias de sus abuelas y de sus madres, mujeres queridas pero “anónimas”. Sus sonrisas son ingenuas y peligrosas. Se rien de Barbazul y dedican música, cantos y danzas a Susana Chávez, periodista mexicana que acuñó la frase “ni una muerta más” para rescatar el derecho a la vida de otras mujeres que se han vuelto sólo estadísticas. Las historias recuerdan tiempos de guerra y de paz, amores y astucias para mantener a la familia junta. Las tres hermanas recorren un camino de piedras hecho con la historia silenciosa de muchas mujeres en busca de sus nombres.
El espectáculo combina música y teatro en un espacio en blanco y negro. Las imágenes transportan al espectador, incitándolo a re descubrir su propia historia y a recordar a las mujeres “anónimas” que han forjado su existencia.
Las mujeres han sido siempre las más innovadoras y las más arriesgadas… ¿Cómo sería un mundo sin mujeres?. Por eso, probablemente, los hombres han tratado, a lo largo de la historia, de silenciarlas, de volverlas invisibles. Este espectáculo comprometido da fe de nuevo que las mujeres no están dispuestas a callarse y dejarse anular. Una propuesta sencilla pero muy bella plásticamente, las dos actrices mutan y se transforman en la narración endiablada de muchas historias de mujeres. La dirección corre a cargo de Julia Varley, una directora de prestigio.
Adolfo Simón
Los muertos y los vivos viajan en Surge Madrid
Hay muchas maneras de viajar y a través del teatro se puede llegar a donde la imaginación desee. En la recta final de Surge Madrid 2015 siguen presentándose espectáculos personales a través de los que los artistas siguen reflexionando y viajando a destinos imposibles…
En Delirare, un texto de Cristina Redondo presentado en Cuarta Pared, la Compañía Último Baile nos muestra, dirigido por Fernando Soto, un viaje hacia paraísos soñados donde, como en Ítaca, el puerto nunca llega o el naufragio vital es un bucle del que no se puede escapar. Un cuarto de actores bailan, cantan y actúan en el borde de un precipicio submarino.
En Wichita Falls de Angélica Briseño Ortega presentada en La Usina, los personajes instalados en una cena familiar absurda irán mostrando sus íntimas mezquindades que estallarán como una bomba espacial cuando, la abuela de esta familia, les hace saber que realizará su sueño imposible que, de algún modo, les dejará a todos frente a sus pequeñas miserias diarias.
Adolfo Simón
Celestina y Don Juan again
De vez en cuando, vuelven a los escenarios los personajes clásicos con piel añeja o renovada… Suele inquietar a los jóvenes creadores la idea de cómo serían hoy aquellos mitos de la literatura y a menudo, encontramos que siguen conviviendo con nosotros reencarnándose constantemente. Sabido es de todos que Charo López es una gran actriz y que en los escenarios se encuentra como en el salón de su casa, en este caso no se sube a ellos a darnos lecciones de sexo si no a darnos guiños biográficos de ese personaje eterno que ya es: Celestina. En una propuesta muy sencilla e íntima, casi al oído del público nos va contando confidencias acompañada de música y canciones. La sala pequeña del Teatro Español, recién nombrada Margarita Xirgu, nos ha deparado grandes momentos con intérpretes geniales.
Y en otro espacio, cerca del Barrio de las Letras, en el Teatro del Arte, Auto(in)definido cuyo subtítulo es el Don de Juan se ha presentado dentro de Surge Madrid de la mano de los integrantes de Teatro Acción Candente y como se puede suponer por el título, es una mirada actual al mito de Don Juan, tratando de encontrar otro prisma del personaje que pocas veces se observa, la culpa del personaje y el arrepentimiento por todas sus tropelías realizadas y sus consecuencias.
Adolfo Simón
Cervantes y Shakespeare en el Día del Libro
Este año, el Día del Libro lo he celebrado de la mano de Shakesperare con una función deliciosa de Hamlet en el Teatro del Canal. Shakespeare’s Globe se embarcó en una gira mundial que durará dos años y los llevará a visitar todos los países del mundo con esta producción. Globe to Globe Hamlet, dirigida por el director artístico de Shakespeare’s Globe, Dominic Dromgoole, es una aventura teatral sin precedentes. Esta producción propone una puesta en escena fresca y jovial de la clásica tragedia shakesperiana, que da cuerpo tanto a sus venganzas como a su comicidad y enardecido uso del humor negro, latente a través de toda su obra; igualmente celebra la exuberancia y la inventiva de su lenguaje. Y lo hace desde una propuesta sin aparatosidad, centrando todo el trabajo en la creatividad de los actores de diferentes procedencias étnicas.
Y la otra celebración la he vivido en la Sociedad Cervantina donde pude disfrutar de un exposición de libros de artista y de un texto exquisitamente adaptado por María Velasco sobre las peripecias de insigne Cervantes en los días previos a la publicación del Quijote, representado con entusiasmo por Estefanía de los Santos y Rodrigo Posión alrededor de la imprenta donde se hicieron los primeros ejemplares de esta obra y que está en los sótanos de esta institución. Pieza dirigida con humor y destreza por Sonia Sebastián.
Adolfo Simón
Enrique VIII y La cisma de Inglaterra de Calderón de la Barca en la Compañía Nacional de Teatro Clásico
Ignacio García, el director de este montaje propone una puesta en escena sobria y oscura, tratando de mostrarnos el clima de traiciones y abusos que había en aquella época…Tiempo de intolerancia y despropósitos que provocaron muchos cambios, generado una herencia que anima a los poderosos a pensar que el lugar donde imprimir solidaridad y respeto se convierta en un espacio para el uso particular y partidista de los derechos, algo que sigue ocurriendo hoy en día. El reparto está conjuntado aunque las apariciones de Sergio Peris-Mencheta suben el tono y la energía de la obra. Un espectáculo que sigue con coherencia la programación de la CNTC.
Adolfo Simón
La piel de Maltrago Teatro y La Cabra Cia. en Surge Madrid
Surge Madrid es un escaparate para presentar propuestas no convencionales de los creadores que viven y trabajan en Madrid. Un espacio para la experimentación y la búsqueda, un lugar para tratar de reflexionar sobre qué se está creando hoy y para qué. El tono de este año es muy negativo, en muchos de los trabajos, los artistas plantean la desesperación o la asfixia que sienten al ver como su obra no tiene respuesta por parte del respetable…Sea público, instituciones, espacios de exhibición. En esta línea podría situarse La Piel, un espectáculo a medio camino entre el teatro y la performance donde el público asiste y participa del vértigo de una artista que se siente fuera del foco, al borde del suicidio artístico y ya que está ahí…Pues lo mejor que se puede hacer es: Representarlo.
Adolfo Simón
“ENAJENATORIUM THEATRE SHOW” en el TEATRO ARLEQUÍN
Seguro que en más de una ocasión se han preguntado por lo que hay y ocurre por detrás del escenario de un teatro. Seguro que alguna vez les hubiera gustado entrar por la puerta de artistas, por esa que suele dar a un callejón sin salida. Seguro que han soñado alguna vez…o han tenido la pesadilla… en la que se quedan atrapados en los pasillos laberínticos de un teatro donde no solo habitan seres reales. Pues todo eso ahora puede ser una experiencia en directo para un público inquieto, deseoso de vivencias no convencionales. No siempre es posible que un teatro ponga a disposición de la creatividad escénica todos sus recovecos. En esta ocasión, en “ENAJENATORIUM THEATRE SHOW”, no hay un centímetro del Teatro Arlequín que se libre de la magia y el misterio. Creo que no conviene que les desvele lo que puede ocurrirles, mejor será que vayan y no se despisten de las indicaciones de los guías…Ah!…Y no pierdan detalle de todo lo que vaya ocurriendo a cada paso porque el protagonista, en esta ocasión, es el público…El Misterioso señor H será un anfitrión excelente, no lo duden…O si.
Adolfo Simón
Regreso al hogar de Harold Pinter en Teatro Tribueñe
Harold Pinter nos presenta, en Retorno al hogar, un mundo de seres instalados en la desidia y el encierro psicológico, nos muestra un abanico de hombres que viven como animales en una cárcel familiar elegida. A este mundo inhóspito llega una mujer inocente, un ser lleno de luz que viene del afuera, de la sociedad reglada, llega para dejar en evidencia que ese lugar es la cueva de Platón que teme ver la realidad de afuera, aunque finalmente quedará atrapada en la tela de araña. La actriz Rocío Osuna realiza un trabajo inquietante de contención y presencia escénica muy difícil de mantener en ese sitio donde los hombres ya no son humanos si no meros muñecos de un guiñol grotesco.
Adolfo Simón
Seres de otro mundo en el Teatro Alfil y La Usina
Las noches del fin de semana, en los escenarios madrileños, están llenas de personajes extraños y estrafalarios…Como los que poblarán este mundo dentro muuuuuuuuuuuuuuuuchos años, cuando el ser humano haya ¿evolucionado?…En el Teatro Alfil, hay un buen ramillete de situaciones de lo que está por venir en Futuro 10.0. Y en La Usina, dentro de Surge Madrid, una obra de crímenes e infidelidades con cambios de identidad en los personajes de D.E.P.(DEJADMEENPAZ), en esta corrala delirante, las mujeres son barbudas y los hombres…mujercitas sin carácter.
Adolfo Simón
FO-Fuente ovejuna de Lope de Vega/Juan Mayorga por La Joven Compañía
Todavía hay oportunidad para no perderse la primera propuesta escénica de La Joven Compañía que se ha recuperado de nuevo para disfrute de todo el público que no tuvimos ocasión de verla en su presentación original. Un espectáculo contundente y sintético; la versión de Juan Mayorga va al corazón y a la columna de la obra, sin perderse en los detalles anecdóticos del texto. La puesta en escena es bella y cruda, llena de signos y momentos que entran profundamente en las situaciones y psicología de cada momento y de los personajes. Todo aporta y suma…luz, video en directo, música improvisada…Y unos actores potentes y arriesgados, nadie diría que son tan jóvenes…Y además, hacen que el verso llegue natural al patio de butacas. Un juego popular que se convierte en un cuento terrible para volver al reencuentro de la ciudadanía en la plaza del pueblo.
Adolfo Simón
Disparando al público de Surge Madrid
La programación de la muestra madrileña sigue su curso…Los artistas disparan con pistolas cargadas de rabia por las injusticias desde una versión actualizada de Tio Vania-Descansaremos de Apata Teatro o lanzan bolas de papel como balas desde el escenario para que la poesía haga reaccionar al respetable en el Deseo de Elisa de Cia. Omosuno.
Adolfo Simón
Trágala, trágala de Íñigo Ramírez de Haro en el Teatro Español
Iracundo y sudoroso, aunque pulcramente uniformado, se levanta Fernando VII (Fernando Albizu) de su tumba destrozando las tablas del Teatro Español en “Trágala, trágala”. Irrumpe así en una paródica performance contemporánea y “gavacha” con la que arranca la función. Herido en su acto de resurrección y en su orgullo absolutista y crónico por la actual realidad política de España, Fernando VII necesita atención médica. Acude a la llamada un espectador y psicoanalista argentino (Luis Mottola) a quien le resulta muy fácil reírse de los disparates de este país, empezando por el absolutismo del monarca. Comienza así esta farsa musical, esculpida con, también absoluta, precisión por Juan Ramos Toro (YLLANA) y RON LALÁ, donde lo histórico y lo actual conviven la mar de bien, tanto que parecen venir las ideas de una misma fuente de sabiduría. Dos horas de función se ven amenizadas, especialmente, gracias a la conexión de una intrépida reportera dicharachera (Ana Cerdeiriña), capaz de viajar entre siglos. O quizás el tiempo es el mismo…
Según el polémico Íñigo Ramírez de Haro, autor del texto, España no es una tragedia, es un sainete. Además de ser una palabra castellana con un sufijo gracioso, sainete deriva de saín. Y saín, según la RAE, es “grasa que con el uso suele mostrarse en los paños, sombreros y otras cosas”. Otras cosas como, por ejemplo, la Constitución. No por casualidad, Ramírez de Haro nos traslada al tiempo en que se gestó y parió ese libro gordo que, supuestamente, protege y preserva la libertad del pueblo y, como en este montaje, ha sido lanzado al suelo polvoriento del sótano ideológico español en repetidas ocasiones. No se le escapa al autor, faltaría más, la ironía histórica y aparece en todo su esplendor Pepa La Malagueña (Paula Iwasaki), una salerosa prostituta andaluza cuyos vientos bebía el monarca que calzó su trono con el homónimo, aunque gaditano, documento.
Más de una década después del escándalo que removió con “Me cago en Dios” desde el escenario del Teatro Bellas Artes de Madrid, el célebre cuñado de Esperanza Aguirre hace ruido de nuevo, esta vez en el antiguo Teatro del Príncipe, por sus dardos envenenados, por no dejar títere con cabeza, por disparar a matar, por ladrador y por mordedor, con el mazo dando en oídos necios, porque para oídos sordos, los de Goya. Y hasta eso cuestiona el XX Marqués de Cazaza que, ríase la gente, siempre anda caliente.
Quique Rojas
«El disco de cristal» de Secun de la Rosa en el Teatro Lara
Secun de la Rosa se lanzó a dirigir una obra más intimista después de haber escrito «The Hole» y haber dirigido «Hoy no me puedo levantar». Se inspiró en El Zoo de Cristal de Tennessee Williams para trasladarnos las situaciones personales de desencanto con la vida e incertidumbre desde el universo íntimo de su personaje: Tommy Tomás, un antiguo cantante melódico al estilo de Nino Bravo, Pablo Abraira, Danny Daniel…y un largo etcétera. Cantantes que obtuvieron el éxito con un single o dos y se quedaron en eso. Cantantes condenados a repetir ese éxito eternamente en bolos mal pagados hasta morir…aunque sea en el peor antro del barrio. Un personaje que intenta conseguir que sus hijos lleguen donde él no ha podido llegar…
Una comedia bien contada, con una escenografía sencilla pero suficiente, con toques kitsch y con una carga dramática intensa y con unos jóvenes actores que acompañan a Secun y que se renueva en el Teatro Lara, donde podemos volver a disfrutarla.
Luis Mª García Grande.
Que Revienten los Artistas 
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