El sueño de la luna en Nave 73
Okina Teatro presenta este espectáculo para niños de 0 a 3 años en el que, a través del juego, la luz y la música transforman los elementos y el espacio, los cuerpos de las dos actrices interpretan la materia. Hay hallazgos muy sugerentes en la breve pieza a los que, tal vez, deberían dar más desarrollo para conseguir el máximo de efecto y emoción en los pequeños espectadores.
Adolfo Simón
«Los Brillantes Empeños» de Pablo Messiez en Nave 73
“Algo pasó con las palabras hace tiempo, algo que no nombran pero que temen. Es algo vergonzante, por eso ahora los hermanos hablan menos. Siempre que les hace falta utilizan versos clásicos porque les ayudan a calmar el dolor, a entrar en las situaciones en las que no se atreven a entrar con sus propias palabras. Son sus armas”
El teatro siempre ha tenido un matiz mágico, de catarsis, de superación y de cura. Messiez ha utilizado el verso clásico para deconstruirlo y crear un nuevo mundo, el mundo contemporáneo de seis hermanos que viven aislados en un mundo de libros y de sensaciones. Sensaciones que surgen a través de la palabra, del verso, de su musicalidad…
Unos clásicos descontextualizados y pasados por el tamiz de la visión de Messiez que no nos van a dejar indiferentes. Una escenografía sencilla nos introduce en el mundo aislado de estos seis hermanos en la que se nos muestra que con cuatro cosas, lo imprescindible para saciar nuestras necesidades primarias, como comer, lavarnos y dormir nos basta para disfrutar de otras vidas y para generar sentimientos a través de un montón de libros, de letras diseminadas por cada rincón. Los actores saben lo que quieren transmitir y han sido bien adoctrinados por su director, pero esto no es suficiente, hay que saber coger esa idea y hacerla suya y esto, lo demuestran con creces.
No es necesario conocer a los clásicos para disfrutar de esta obra en la que parece que nos adentramos en una especie de manicomio cultural en el que se mezclan Calderón con Lope, con Quevedo, con Santa Teresa… a pesar de que algunos ni se conociesen y que otros se odiasen entre sí y compitiesen… pero coincidían en los temas de fondo. Una obra sutil que sabe que las palabras se pueden ordenar de diferentes maneras, que pueden herir, sanar, desbocar pasiones, crear rencores, pero también pueden crear música, esa música que nos acerca a la luna, una luna que nos da respuestas.
Una propuesta más que interesante, que se estrenó en el Festival de Teatro Clásico de Almagro y que solo durará dos días más en Nave 73.
Luis Mª García Grande.
II Edición del Festival Experimental de Teatro Clásico de Madrid en NAVE 73
II Edición del Festival Experimental de Teatro Clásico de Madrid. Del 24 de julio al 3 de agosto se darán cita en nuestra Sala las seis mejores adaptaciones contemporáneas de grandes textos del Siglo de Oro español, entre los que destacan Los brillantes empeños (Pablo Messiez), Segismundo sueña. La vida es sueño 2.0 (Hugo Nieto) y El caballero de Olmedo. El de Lope no, el otro (Julián Ortega), que pasarán previamente por el Festival de Teatro Clásico de Almagro.
María Velasco: Detesto el entretenimiento.
¿Cómo surgen los proyectos dramatúrgicos y de dirección que han presentado este año?…
Cada uno tiene un punto de partida. “Günter” (dentro del ciclo ETC, de Cuarta Pared) es un viejo proyecto, de 2009, rescatado; “El Banquete” cumple ahora un año, habiendo sido estrenado en el Fringe 2013, y lo concebí con la directora Sonia Sebastián, mano a mano; “Intimidad” (Surge Madrid) fue un trabajo menos “comprometido” de adaptación y colaboración con Simbiontes Teatro; “Manlet”, ahora en cartel en la Nave 73, es una grata sorpresa: la directora, Inés Piñole, rescató el texto y lo montó por su cuenta, dando a luz una hermosa propuesta.
¿Cómo fue el proceso de ETC con los actores?…
Generalmente trabajo con actores de mi confianza, con los que comparto una trayectoria mínima. A veces el “casting” no es el ideal, sin embargo esto garantiza que la comunicación sea fluida y que no “escatimemos” riesgos en el proceso. Me gustan los actores-creadores, con iniciativa y creatividad. Mi carrera está unida a la de Aarón Lobato juntos creamos la firma “Pecado de Hybris”.
¿Cómo fue el trabajo de documentación sobre el tema antes de empezar a escribir?…
Descubrí la obra de Günter Brus, en la cual se inspira el texto, en el Museo de Arte Contemporáneo de Barcelona. Sentí un deslumbramiento. Una conexión. Desde entonces prestaba atención a todo lo que tenía que ver con el Movimiento Accionista que se desarrolló en Viena en los años 60 (de Goya y el expresionismo al arte de acción, pasando por la crueldad artaudiana). A partir del “metarelato” de las vanguardias de los años sesenta era posible pensarnos como artistas.
¿Cómo ha sido el proceso del texto a la puesta en escena?…
Ha consistido, en parte, en olvidar la puesta en escena que tenía en mente cuando lo concebí. Buscar imágenes que, sin emular la plástica del Accionismo, partían del mismo subsuelo conceptual. Me he acompañado de un codirector, Diego Domínguez, que aportaba cierta objetividad y frescura a un proyecto “masticado” a lo largo de años. Como tenemos miedo de la “violencia” en escena, preferimos generar imágenes poéticas y efectistas.
¿Ha cambiado tu visión del texto a partir de la lectura hecha en la puesta en escena?…
Siempre rehago mis textos en función de las puestas en escena, aunque las dirija yo misma. Los textos se publican y, de esa manera, se osifican, y no me disgusta, es romántico. Pero el teatro permite dar rienda suelta a la obsesión relacionada con la revisión que compartimos los escritores de todos los géneros. Cada montaje es la excusa para un replanteamiento.
¿Cómo ha sido el proceso de varios autores en El Banquete?…
Creamos un molde, o una estructura englobante. Nunca pretendimos que se tratara de una obra homogénea, sino que dimos prioridad a las texturas. Cinco discursos sobre el amor y cinco plumas. Parte de la gracia de la obra está en la heterogeneidad. Para que esa heterogeneidad fuera “organizada” y “conciliada” hicieron falta muchas reuniones y diálogos. Cuando la escritura colectiva (respetando todas y cada una de las individualidades) funciona, se produce algo mágico. Uno empieza a creer en lo “asambleario”.
¿Participas siempre del proceso de puesta en escena de tus textos?…
Lo intento. No lo puedo evitar, es como una enfermedad. Sin embargo, no creo que sea la única vía. A veces se sobrevalora. Inés Piñole, por ejemplo, ha hecho una lectura muy fidedigna de mi texto “Manlet” sin haber mantenido una sola conversación conmigo. A veces dedicamos demasiado tiempo a “teorizar” y a las “relaciones públicas”. No hay que olvidar la dimensión solitaria del trabajo del escritor, por mucho que el teatro sea un trabajo en grupo.
¿Crees que ha habido crecimiento técnico en lo actoral y la puesta en escena para abordar textos contemporáneos?…
Desde luego. Considero que la literatura dramática –cuando es estimulante- sirve, como decía Heiner Müller, para sugerir desafíos, forzar los ingenios y recursos de la interpretación y la puesta en escena. No es algo exclusivo de la contemporaneidad. Tiene más que ver con un “modo” que desafía el academicismo y el realismo para abordar lo “impresentable” (Lyotard).
¿Se potencia el aprendizaje contemporáneo en las escuelas?…
No demasiado. En la RESAD, por ejemplo, se echa de menos una “apertura” hacia la investigación artística contemporánea. A menudo, se justifica su cerrazón porque la escuela, como su propio nombre indica, es de arte dramático… pero lo posdramático y lo performativo hunden sus raíces en el mismo sustrato. No podemos ignorar una tendencia viva.
¿Cómo ves las nuevas generaciones de creadores?…
En general, creo que hace falta más compromiso y radicalidad. Y me incluyo. Somos demasiado tibios. Hacemos cultura, pero raras veces arte. En el teatro, concretamente, seguimos yendo a la zaga de la música y de las artes plásticas. Seguimos sin sacudirnos al pariente pobre del drama.
¿Están surgiendo nuevos valores en la dramaturgia?…
Disfruto mucho leyendo a algunos de mis contemporáneos (José Manuel Mora, Alberto Conejero, Antonio de Paco…). Infinitamente más que con muchos clásicos. Falta perspectiva (histórica). Sin embargo creo que es un buen momento para la escritura de los países hispanoparlantes. Hace poco con ocasión de un ciclo de textos noruegos organizado por Draftinn y el Teatro Español unos nórdicos nos comentaban sus facilidades económicas para el desarrollo de nuevas dramaturgias, pero hablaban casi con celo de la “crisis”, o el dolor como acicate creativo.
¿Qué opinas sobre el Festival Surge Madrid?…
Creo que hay más cantidad que calidad. Que se ha hecho con poco “mimo” y un gran desconocimiento de los déficits y demandas de la profesión teatral. Se trata de una primera edición… confío en que pueda mejorar.
¿Qué opinas de los espacios no convencionales que están apareciendo en Madrid?…
Por una parte, una cierta ebullición es inherente a la multiplicación de estos espacios. Por otra, empezamos a estar sobrados de salas que ofrecen poco más que unos metros cuadrados, con escasa dotación técnica e infraestructura, y sin un organigrama para la producción o la distribución, etcétera.
¿Qué sentido ha de tener el teatro hoy?…
Rabia. Detesto el entretenimiento. En los tiempos que corren me parece un insulto a la inteligencia.
Alguna sugerencia para crear en tiempos de crisis…
Considerar que la crisis es un momento para el riesgo.
¿Qué obra de teatro has visto últimamente que te haya interesado? ¿Qué te pareció?…
Me gustó mucho “La cena del rey Baltasar”, dirigida por Carlos Tuñón, en la Sala Kubik. Exprimía toda la vigencia del auto sacramental de Calderón. Un gran guiñol de las pasiones humanas. Ardo en deseos de ver qué puede hacer este director con un texto contemporáneo; tampoco puedo dejar de mencionar la propuesta escénica de Inés Piñole sobre “Manlet”, no por el texto, sino por la rigurosísima dirección de actores, la economía de las imágenes, y su elegancia.
¿Proyectos?…
El 1 de julio, en el marco del Orgullo Gay, se estrena “Infamia”, una dramaturgia sobre textos de Oscar Wilde que se centra en los procesos judiciales por los cuales fue condenado por sodomía a dos años de prisión y trabajos forzados. Es un seudomusical de pequeño formato, dirigido por Diego Domínguez y protagonizado con Richard Collins Moore, con el que hice migas en mi experiencia de Escritos en Escena en el CDN. Por lo demás, el proyecto más personal que tengo entre manos tiene que ver con un texto autobiográfico, “Líbrate de las cosas hermosas que te deseo”, que se presenta la próxima temporada en Cuarta Pared dirigido por Jorge Sánchez.
Manlet de María Velasco en Nave 73
A veces oyes hablar de teatro moderno, de propuestas contemporáneas, de escena diferente, de teatralidad que habla de nuestros días…A veces se oye tanto discurso hueco y vacio…Y no solo entre los profesionales que ya no saben cómo definir su trabajo o difundirlo, también desde el público llegan esos comentarios, muchas veces despectivos; como sintiéndose estafados por un discurso que les deja fuera de juego con respecto a lo que debe ocurrir entre el escenario y el patio de butacas: Un pacto de sangre y emoción. En otras ocasiones, se oye el típico…He actualizado un clásico o he modernizado personajes de época…Como si se les pasase por la I.T.V. o como si se les sumergiese en una sesión de revitalización hormonal o lo que es peor, como si se les vistiese con la ropa del más rabioso diseñador de moda del momento. Todo este preámbulo es para decir que…Manlet es justo lo contrario. Un texto contemporáneo que juega con personajes de obras clásicas pero dándoles un valor actual, re-escribiendo su lenguaje pero también su paisaje poético existencial…con belleza y humor, mucho humor negro…Creo que con esta obra habrá un antes y un después en la escritura de la autora. Pero, además, si, hay más…El texto está servido en bandeja de plata oxidada, en una propuesta de dirección y con unos actores que navegan en el filo de la navaja, jugando al peligro sin red protectora. Ay! a veces uno sale del teatro pensando que ese es el mejor lugar del mundo, porque de allí solo se puede tocar el cielo o abandonarse en el infierno. Todavía quedan funciones de Manlet…¿Se la van a perder?.
Adolfo Simón
El último vuelo de Saint-Exupéry de Mon Hermosa en Nave 73
Resulta sorprendente que El principito sea una de las obras más conocidas de la historia de la literatura y en cambio, su autor sea un misterio, sobre todo el final de sus días. Teatro de Poniente se ha planteado indagar sobre los últimos vuelos personales y poéticos de Saint-Exupéry y lo hace de manera sencilla, como quien narra un cuento fantástico que se aloja en un teatro, como si pudiésemos ver a vista de pájaro lo que ocurrió en ese hipotético último vuelo. Antonio Velasco es un actor versátil que transita por la escena con comodidad, pasa de un estado a otro con naturalidad, viaja por paisajes reales e imaginarios con aplomo y en esta aventura escénica le acompaña Ana Parra que se convierte en su alter ego, su sombra, su pesadilla, su imaginación y lo hace en otro plano interpretativo, más físico. La suma de ambos trabajos, sumergida en ese desierto circular nos ayuda a imaginar lo que tal vez pudo ocurrir mientras abandonaba el paisaje real para trasladarse al mundo de la creación de El Principito. Tal vez hay que medir los bucles en los cuentos de ensoñación, a veces, con un viaje se cuentan todos.
Adolfo Simón
Nieves Rosales con No es la lluvia, es el viento en Nave 73
En la escena es complicado encontrar trabajos de flamenco contemporáneo donde se cuente una historia, todo suele ser técnica y movimiento. Y en la vida es difícil aceptar esa parte de nosotros que no nos gusta, esa sección del mundo llena de errores y fealdad. A veces, el teatro es el espacio para buscar y comunicar…Ahí, los artistas han de arriesgar por encontrar lenguajes nuevos, otras formas de mostrar la vida. Nieves Rosales encabeza el proyecto conjunto de Silencio Danza y Trasto Teatro en la adaptación de la obra No es la lluvia, es el viento y sobre el escenario del inquieto y comprometido espacio, Nave 73…Nos lleva a paisajes desconocidos del corazón.
Adolfo Simón
«Bolo y Claus en busca de El Dragón verde» en Nave 73
Tenemos una asignatura pendiente: aprender Inglés. Los niños asimilan mucho mejor el aprendizaje y qué mejor que repasar las lecciones que yendo a ver un número de clown divertido y con una historia tierna. Bolo y Claus Clowns nos ofrecen esta pequeña obra que conjuga la música, humor, magia, cuentos y creatividad.
El espectáculo está dirigido a niños de entre 0 y 9 años y utiliza de una manera efectiva técnicas de clown, lenguaje corporal y visual, con una escenografía versátil y divertida que atrae la atención del público.
Pedro Serka y Christian Harwig componen este dúo de «payasos» que nos introducen un mundo creado especialmente para los niños y para sumergirse en el inglés y en el que demuestran su experiencia artística y su saber hacer teatro infantil a través del juego dramático.
Un espectáculo bilingüe que tiende más al inglés que al castellano y que consigue mantener la atención de los más pequeños y también de los papis que se acercan con ellos. Aquí nadie se aburre y todo el mundo practica su english los sábados por la mañana at Nave 73.
Luis Mª García Grande
«El Banquete. Noche de borrachera filosófica» llega a Nave 73
Después de haber pasado por FRINGE y por «Ateneo mucha vida», El Banquete, inspirado en la obra de Platón llega a Nave 73 para filosofar sobre el amor. Para ello María Velasco ha coordinado dramatúrgicamente a cinco jóvenes autores: Alberto Conjero, Elena Lombao, Sergio Martínez Vila, Anna R. Costa y ella misma y ha contado con cinco actores que saben encarnar perfectamente personajes como Fedro, Áristófanes, Sócrates y los jóvenes Alcibíades y Agatón, entre los que destaca Miquel Insúa en el papel de Sócrates.
El resultado es fresco, trangresor e innovador, tal y como lo era Platón, y con una calidad que hace que se pueda adaptar perfectamente a diferentes ambientes, ya que lo que importa es el texto y la actuación puesto que un banquete se puede organizar en cualquier lugar y así lo han demostrado. In vino veritas, decía algún romano filosofando… y a partir de este aforismo se construyen visiones diferentes sobre lo que es el amor, una excusa banal entorno a una comida y bebida para hablar de un tema básico en nuestra filosofía desde el principio de los tiempos: el mismo discurso de Platón pero visto con un prisma de modernidad y unido dramatúrgicamente de manera compacta, el texto no presenta fisuras debido a haber sido escrito por diferentes autores y desgrana los puntos básicos que nos proponía el autor de manera fiel pero adaptada a nuestros tiempos.
Merece la pena disfrutar de una propuesta cultural que nos hace pensar, nos hace darnos cuenta de que a veces vivimos tan deprisa y hablamos de cosas tan banales y de tantas sandeces en torno a una mesa que nos hacen indignos de probar una gota de vino.
Luis Mª García Grande.
Viaje a la Luna de Lorca en Nave 73
“Viaje a la Luna” es una adaptación a escena del guión cinematográfico inédito que Lorca escribió durante su estancia en Nueva York, en el poeta granadino se acerca al cine llevado por la estela de “Un perro andaluz” de sus amigos Buñuel y Dalí.
“Viaje a la luna” nos traslada al turbulento mundo interior del poeta granadino. Un “Viaje” por la infancia, la adolescencia y la juventud hasta el momento donde las máscaras y conductas adoptadas se quiebran bajo el impulso del deseo. Bajo el descubrimiento de la dificultad de asumir ese deseo como propio y vivirlo. Del paso evolutivo donde algo tiene que morir para que nazca algo nuevo.
La compañía La imperdible nos traslada a un mundo donde los personajes son cambiantes, como en el sueño, condensaciones de símbolos del que está soñando, caras de una misma experiencia: “pies que corren con calcetines de rombos blancos y negros”, “niño que llora”, “mujer que golpea”, “dos niños que cantan”, “hombre de la bata blanca”, “muchacho en traje de baño”, “mujeres de negro”, “tres tipos”, “chica semidesnuda”, arlequín…”
Convirtiendo el escenario en un plató de rodaje cinematográfico con una grúa y cámara en directo, se nos presenta un lenguaje basado en la creatividad y experiencia en el “uso poético” de los recursos visuales en la escena. Un diseño de imágenes que utiliza la técnica del video mapping y la realización en directo, y la música interpretada en directo creada para el espectáculo arropa, da texturas, color y temperatura a las escenas convirtiéndose en un personaje más.
Una propuesta que parte de los apuntes del poeta para abrirse a un mundo en el que se cruzan múltiples lenguajes artísticos.
Adolfo Simón
Función especial nudista de DESNUDANDO A LOS CLÁSICOS
El próximo 5 de abril a las 22.30 horas tendrá lugar en Nave 73 (C/ Palos de la Frontera, 5) una función especial de Desnudando a los clásicos, acto íntimo de Santi Senso. Con esta representación se celebrarán los dos años en cartel de esta obra que ha llegado a teatros de toda España y que se ha podido ver en festivales nacionales e internacionales.
De esta forma, cumpliendo el deseo manifestado por los espectadores en numerosas ocasiones, en la función del 5 de abril el público asistente tendrá que entrar desnudo físicamente. Una vez dentro de la obra el espectador vivirá la experiencia sin prejuicio, sin corazas, atrezzos, ni adornos, hasta conseguir si así lo desea desnudarse emocionalmente.
¿Qué es Desnudando a los clásicos?
Es un acto íntimo teatral en el que se descubren los secretos más íntimos que los autores de los textos clásicos no desvelan para protegerse de las censuras morales de la época. Un viaje por obras como Don Juan, de Zorrilla, La Divina Comedia, de Dante y Romeo y Julieta y Hamlet de Shakespeare.
El precio de las entradas es de 10 euros y pueden adquirirse en la web del teatro: http://www.nave73.es
Día Mundial del Teatro en Nave 73
Nave 73 se une por vez primera a la conmemoración del Día Mundial del Teatro que tendrá lugar el próximo jueves, 27 de marzo. Y lo haremos abriendo nuestras puertas a todos aquellos que quieran disfrutar de todo lo que se esconde detrás del proceso teatral.
Queremos que en este día tan señalado para las Artes Escénicas os acerquéis a los actores, directores y profesores que conforman el elenco de profesionales de Nave 73 y disfrutéis con ellos del mayor espectáculo escénico que se puede ofrecer: la creación en vivo y en directo.
Para terminar una jornada llena de emociones, y tras la lectura del Manifiesto del Día Mundial del Teatro que se realizará a las 20:30 horas, Nave 73 se suma a la programación especial de la Comunidad de Madrid para La Noche de los Teatros con un Especial de Improvisación que completará el proceso vivido durante el día.
PROGRAMACIÓN DÍA MUNDIAL DEL TEATRO
– De 11:00 a 13:00 horas sé testigo del proceso de creación de un espectáculo teatral de la mano de Pablo Messiez y los chicos de Grumelot Teatro (entrada sujeta al orden de ensayo y al proceso del director).
– De 16:00 a 18:30 horas cuélate en los laboratorios de creación y formación de Sucursales Emocionales con Carmen Rico. Ríe, llora y vive la magia del teatro desde el corazón.
– 20:30 horas Lectura del Manifiesto del Día Mundial del Teatro.
– A las 20:35 horas comienzo del Especial de Improvisación coordinado por los chicos de ImProducciones. No es un Match, ni un Catch, es una función homenaje a este género ‘menor’ en la noche más importante del teatro.
QUÉ: Día Mundial del Teatro / La Noche de los Teatros
CUÁNDO: 27 de Marzo durante todo el día
DÓNDE: Nave 73 (C/ Palos de la Frontera 5, Madrid)
MÁS INFORMACIÓN: http://www.nave73.es O EN EL 917 04 95 83
‘SEMIOLOGÍA, SEMÁNTICA Y MEMORIA EN EL IMAGINARIO URBANO’, LA EXPOSICIÓN DE MIGUEL ÁNGEL REGO
Nave 73 acoge desde el jueves, día 20 de febrero hasta el 27 de marzo, la exposición Semiología, semántica y memoria en el imaginario urbano, del artista madrileño Miguel Ángel Rego.
Una palabra. Semiótica. Si alguien pretende trabajar mediante el lenguaje simbólico puede considerar en inicio que resultará cómodo, incluso, fácil. Miguel Ángel Rego nos demuestra que para saber concretar una serie de valores y variables acertadas, hace falta ser conocedor en profundidad del campo desde el cual se trabaja.
La firmeza y la solidez de su planteamiento creativo nos llevan a creer que su sistema de comunicación es el camino para encontrar una aportación innovadora que aún está por fraguarse a pesar de su enorme seriedad.
Miguel nos brinda la ocasión de celebrar lo que bien podría ser una fiesta, una fiesta con distintos sabores que mediante la crítica visual podría tornarse en una fiesta completamente ácida; sobre todo si no aprendemos de la historia.
Una exposición para la historia.
«Desnudando a los clásicos» en los Actos íntimos de Santi Senso
Santi Senso ha desembarcado en Nave 73 para desnudar a los clásicos a su manera. En esta ocasión deja que los personajes femeninos sean interpretados por un hombre: Vicente Navarro y acompañados por la música de Cary Varona. Si ustedes se apuntan a esto de los «actos íntimos» y únicos creyendo que van a ver a estos actores declamar y recitar textos se equivocan… Santi lo que quiere es acercarse por medio de un acto íntimo a lo que sienten esos personajes a través de un trabajo muy concienzudo que los va deconstruyendo hasta llegar a su alma para luego cogerla y reinterpretarlos tal y como él los siente. Santi ha logrado crear una técnica, por ahora, inclasificable para interpretar y expresar textos de estos autores y para que nosotros lleguemos a sentir cada uno nuestras impresiones sobre un determinado personaje.
Acérquense no a ver, sino a sentir a los clásicos de la mano de Senso.
Luis Mª García Grande.
Magia y danza-teatro para público familiar
Además de los espectáculos habituales en Navidad, hay salas que programan propuestas diferentes que el público agradece.
En el Teatro Alfil hay un delicioso y enloquecido espectáculo llamado Boomer de Los Taps que tiene magia y teatralidad a raudales. ¿Qué pasaría si la ayudante del mago es una díscola patosa?. La química que se establece entre los dos actores-magos es fantástica y en determinados momentos, convierten a los espectadores en un personaje más al que hacen travesuras de todo tipo.
Y en Nave 73…Agua Salada, coreografía de Helena Berrozpe para la Compañía Lacla. Se agradece que entre tanta pandereta y belenes aparezca un espectáculo de danza-teatro para toda la familia lleno de imaginación y además, para hacernos reflexionar sobre qué estamos haciendo con el agua, ese bien preciado imprescindible para vivir. También hay que destacar la poética sobre reciclaje de la escenografía y elementos con los que juegan en escena las bailarinas.
Adolfo Simón
«Tres sombreros de copa» en Nave 73.
La compañía 300 pistolas tiene por objeto recuperar los clásicos y darlos una vuelta de tuerca, haciendo un trabajo de investigación sobre ellos y llevándolos a su terreno y restaurando viejas joyas para que luzcan como nuevas. En este caso un Mihura reconvertido al vaudeville y al cabaret nos deja una grata sensación de boca. Nada como una pieza que fue precedente del teatro del absurdo para darle ese baño de locura y desfachatez del cabaret y de las ferias ambulantes durante los locos años veinte, con una escenografía sencilla pero eficaz y suficiente para situarnos en la época. La capacidad de la compañía para transformar una vieja pensión en un teatro de varietés le hubiese encantado a Mihura, muy amigo de la noche, las mujeres y la buena vida. Mihura sabía poner en entredicho una institución como el matrimonio, jugar con la vida alegre, y reírse de la misma, romper con lo establecido a través siempre de personajes algo estereotipados como el hombre apocado (Ninette y un señor de Murcia) las señoritas alocadas y cachondonas (La decente, Maribel y la extraña familia), los esperpentos maduros, … y hubiese disfrutado mucho con esta versión que imprime velocidad, comicidad y paroxismo al reflejo de lo que fue su propia vida.
El espectáculo se adapta perfectamente al espíritu de la sala Nave 73, de la cual puedes ver en nuestra revista también un reportaje aquí. Una sala acogedora y preparada para afrontar una larga trayectoria. Lo único que echo de menos es un poco más de información en los flyers y en la web sobre elencos y compañías, aspecto que estoy seguro de que van a mejorar con su rodaje.
Concluyendo, una versión excelente, muy bien interpretada y adaptada por los actores, que demuestran su versatilidad y buen hacer cambiando de registros y una puesta en escena para disfrutar en la que se agradece que se acorte la obra gracias al ritmo vertiginoso que le ha imprimido Alvaro Morte, director de la compañía y en la que se reconoce perfectamente el espíritu de Mihura.
Luis Mª García
Los gestores de Nave 73 nos hablan de su proyecto
¿Cómo surgió el proyecto de NAVE 73? ¿Cuáles son las premisas para seleccionar los proyectos programados en este espacio?…
Nave 73 nace de la rebelión y el grito en alto de tres jóvenes hartos de que se les impida encontrar su sitio en el sistema actual. Un actor, una periodista y un comunicador audiovisual nos hemos unido en este ilusionante proyecto para poder dar cabida a nuestras inquietudes y necesidades profesionales en uno de los ámbitos que más nos gusta: el de la cultura.
A la hora de seleccionar proyectos nos guiamos principalmente por un criterio de calidad. Intentamos tener siempre nuestras puertas abiertas, no las cerramos ante la innovación o la diversidad, lo que otros pueden ver con recelo, a nosotros nos entusiasma. Buscamos obras que nos emocionen y provoquen, por supuesto, siempre teniendo presente al público y las características del espacio. Además, como espacio multidisciplinar que somos, estamos abiertos a cualquier disciplina artística, desde el teatro y la danza, hasta la música, las artes plásticas, la literatura…
¿Qué equipo conforma este proyecto a nivel producción y gestión?…
El equipo de Nave 73 lo conformamos tres personas: Álvaro Moreno (actor) encargado de la gestión de la Sala y de la programación, Alberto Salas (comunicador audiovisual) responsable de la imagen, el diseño gráfico y la comunicación de Nave 73 y Rocío Navarro (periodista) encargada de las áreas de prensa y comunicación. Y entre los tres hacemos un poco todas las demás funciones que conlleva un espacio como éste.
¿Habrá talleres y actividades paralelas en el espacio?…
Sí. Desde que abrimos el pasado mes de abril, ya hemos realizado varios talleres y programas de formación. Nuestra idea es llegar a conformar una línea de formación propia, combinada con varias propuestas externas que ya tienen cabida en Nave 73, como el Curso Anual de Formación para Jóvenes Actores de Grumelot o los laboratorios de Sucursales Emocionales. Esperamos poder iniciar varias propuestas en enero, tanto para profesionales como para aficionados, y lo que sí podemos ir adelantando, es un taller intensivo con Antonio Gil y un Curso de interpretación ante la cámara con Jimmy Shaw que organizamos junto a Grumelot.
¿Hay colaboradores habituales en el equipo artístico y técnico? ¿Participan del proceso de gestión y creación?…
Por ahora, el equipo artístico lo conformamos sólo los tres que nos lanzamos a la piscina con el proyecto. Para la parte técnica de escena contamos con un técnico contratado, que se encarga de coordinar los montajes de las compañías. El resto del trabajo de la Nave lo realizamos nosotros, aunque es importante decir que hay mucha gente detrás, que no participan directamente en el proceso de gestión y creación, pero siempre están ahí aconsejándonos, hablando de nosotros a todo el mundo, trayendo proyectos preciosos que no habrían llegado de ninguna otra manera y, sobre todo, aguantándonos en los malos ratos.
¿Van a producirse espectáculos o solo se va a programar?…
En principio, nuestra idea es funcionar como punto de exhibición para producciones externas, ya que consideramos que fuera hay muchísimo, pero que muchísimo talento y llegar a la calidad de las obras que nos envían sería un difícil reto que por ahora no tenemos la intención de asumir. En un futuro, quién sabe…
¿Hay una línea ética y estética prevista para la programación o habrá diferentes tipos de teatro programado?…
Como ya indicábamos en una de las primeras preguntas, en Nave 73 tienen cabida todo tipo de disciplinas artísticas y así queremos reflejarlo también en nuestra programación teatral. Así, por ejemplo, intentaremos tener siempre una semana al mes dedicada a la danza y, al menos, un espectáculo infantil para los fines de semana. Y en cuanto al teatro en general, no nos cerramos a nada siempre y cuando, repetimos, nos parezca una obra de calidad. Intentar cerrarnos ahora a una línea estética no tiene mucho sentido. No sólo es nuestro gusto, o lo que funcione para el público, sino que el espacio se va, poco a poco, definiendo a sí mismo. Éticamente tenemos claro que la búsqueda artística y creativa, y la necesidad de transmitir un mensaje, por parte de las compañías, es nuestra base.
¿Se pueden realizar propuestas combativas y alternativas en estos tiempos de crisis?…
No sólo se puede, lo mejor es que se están haciendo. Nosotros hemos nacido al cobijo de salas como El Sol de York, Kubik Fabrik o muchas otras que ya estaban reivindicando la calidad de lo ‘alternativo’ en Madrid. Es precisamente en momentos de crisis como el actual cuando más debemos unirnos y apoyarnos entre nosotros y creemos que es lo que se está haciendo y de ahí que estén surgiendo tantas y tan buenas propuestas teatrales en el ‘off’ madrileño. De alguna manera, los momentos de crisis incentivan la creatividad y el espíritu reivindicativo y eso se nota también en la calidad y la potencia de los proyectos teatrales que se programan actualmente en las salas alternativas. Por supuesto, si nos alejamos un poco de la oferta escénica, vemos también varios ejemplos de este nuevo eje cultural alternativo que está surgiendo en los últimos años, no hay más que pasear por el centro de Madrid para ver puestos en mercados reconvertidos en librerías, editoriales o estudios de creación, cafeterías con cine incorporado o pequeñas salas de exhibición audiovisual, espacios de creación colectiva y por supuesto, no podemos olvidar toda la red de medios culturales online que están acercando la cultura a muchísima gente.
En las grandes ciudades de la escena, el “off” es el trampolín mediante el cual se lanzan los futuros grandes directores, donde se crean los nuevos lenguajes escénicos. Madrid debe dejar de mirar a los demás, como una ciudad pequeña y temerosa, y decidirse a asumir el lugar que ocupa, entre las mejores ciudades del panorama mundial, aunque las políticas culturales del momento no ayuden precisamente a ello.
¿Qué fórmulas pondréis en marcha para crear el público de NAVE 73?…
Nosotros buscamos fidelizar a un público de todas las edades gracias a una oferta cultural de calidad, heterogénea y asequible para todos los bolsillos. Para esto último contamos con múltiples ofertas y descuentos para parados, estudiantes, pensionistas, etc., que se pueden consultar en nuestra web (www.nave73.es). Asimismo, también buscamos convertirnos en un punto de encuentro para la gente del barrio. Un lugar de reunión y disfrute para ellos en el que no sólo puedan venir a ver una buena obra de teatro, por supuesto, con descuento por ser vecino de la zona, sino que también puedan apuntarse a uno de nuestros cursos, tomarse un café o una caña en nuestra cafetería o proponernos sus ideas y sugerencias para nuestro espacio.
Como exclusiva, comentaros que estamos preparando diversos bonos para que todo el mundo pueda venir a Nave 73 siempre que quiera.
¿Qué proyectos tenéis previstos?..
Ahora acabamos de conceder a dos fantásticos proyectos nuestras Becas de Creación de Artes Escénicas. Nuestra idea con esta beca es la de facilitar el encuentro y la colaboración entre distintas disciplinas y personas del ámbito escénico para enriquecer un proceso de creación del que salga una obra final de calidad, en el que todas las partes nos llevemos nuestra parte de aprendizaje.
Luego, más a medio plazo, tenemos previsto poner en marcha las dos ‘patas’ que le faltan a nuestro proyecto: nuestra línea de formación propia, como ya comentábamos antes, y la creación y puesta en marcha, mediante la unión de varios profesionales bajo un colectivo que funcione de agencia de comunicación centrada principalmente en el sector cultural.
También queremos continuar las iniciativas que comenzamos este año, como El Festival Internacional de Teatro Clásico, el Encuentro Internacional de Teatro Joven que realizamos en Agosto y por último, pero puede que el más importante, seguir hablando con otros espacios y salas para ir mejorando y dar mayor visibilidad al circuito off de Madrid.
¿Cómo están afectando los recortes y el aumento del I.V.A. a las salas de teatro?…
Están afectando sobre todo en el resultado económico final. Es decir, todos, las compañías, los actores, los programadores, etc., lo tenemos crudo a la hora de ver una ganancia económica en todo esto. Nosotros, por ejemplo, hemos abierto sin recibir ninguna subvención ni ningún tipo de ayuda pública. Y las compañías y los actores ven mermado aún más, su ya de por sí limitado capital, por culpa de la subida del IVA. Porque, aunque el ministro Montoro diga que lo único que se ha subido es el precio final de la entrada al espectáculo, él sabe tan bien como todos nosotros que eso no es verdad y que, desde el Gobierno, se le está haciendo un flaco favor a todo el sector de la cultura española con las medidas económicas adoptadas en los últimos tiempos y, como no, con las declaraciones realizadas por varios de sus representantes en las últimas fechas.
¿Qué montaje que hayáis visto últimamente, fuera de vuestra sala os ha interesado?¿Por qué?…
Desgraciadamente, desde que hemos abierto, no hemos podido asistir al teatro como nos gustaría. Lo último que hemos visto, hace un par de semanas ha sido “La Tigresa y otras historias”, de Darío Fo, en El Sol de York. Una función muy interesante, sobre todo debido al increíble trabajo de su actor protagonista. Hace unos meses pudimos escaparnos al Fringe para ver alguna función. Entre ellas, “Calígula”, nos pareció estupenda, en la versión de Mathilde Rambourg, y “Lo único que necesita una gran actriz, es una gran obra y las ganas de triunfar”, de Vaca35, que fue absolutamente brutal.
Nos gustaría salir mucho más, pero hasta que la situación y el funcionamiento de la sala no se estabilice, va a ser muy difícil. Viendo la programación del resto de salas, muchos días nos morimos de ganas de salir corriendo y acercarnos a El Sol de York, a Kubik, o a la Sala Tú (que aún no conocemos) o a otras tantas, pero… desgraciadamente, por ahora nos tenemos que quedar con las ganas.
La biblioteca de Scardanelli en Nave 73
En Nave 73 se ha presentado el espectáculo de La Biblioteca de Scardanelli de Hernán Gené. Hemos asistido al estreno en el que siempre hay nervios de más, seguro que cuando se lleven a cabo las siguientes funciones, encajará la propuesta de esta obra. En clave de clown poético, Gené transita por el espacio en diferentes épocas, sumergiéndose en esa biblioteca mágica para traernos historias y aromas de otros mundos.
Adolfo Simón
Plan doble para los sábados en Nave 73
Hace un tiempo, en las salas alternativas parecía que no había lugar para el verso y el teatro de humor, es como si con este tipo de obras no se pudiesen realizar laboratorios o pruebas desde una poética más contemporánea, por suerte, este prejuicio está desapareciendo, en parte, gracias a la crisis que obliga a buscar otras fórmulas de programación para que la taquilla funcione. En Nave 73 hay una gran diversidad de propuestas…Teatro Latinoamericano, Propuestas jóvenes, Teatro familiar, Revisión de clásicos y Teatro ácido para reflexionar sobre estos tiempos convulsos que nos ha tocado vivir. El programa de los sábados está compuesto de estas dos últimas opciones. A primera hora se puede asistir a Barrocamiento, una dramaturgia sobre tres personajes femeninos del teatro clásico que tienen un encuentro hipotético en el que debaten sobre el pasado y el presente. Y por la noche: Que nadie se mueva, un disparate que ironiza sobre la responsabilidad de que este país esté en un estado irreversible.
Adolfo Simón
Las cosas también tienen mamá de La mona ilustre en Nave 73
Continúa en Nave 73 el espléndido ciclo de IV Americana-Celcit España, esta semana se ha presentado el espectáculo Las cosas también tienen mamá de la Compañía chilena La mona ilustre. Una propuesta sorprendente por el trabajo que realizan las actrices con el espacio, objetos y muñecos. Una poética inquietante que nos habla de lo que hay tras los silencios y tras las palabras, una propuesta que nos remonta a los grandes trabajos escénicos en el que los límites entre los corpóreo y lo objetual desaparece, para los que no han podido disfrutar del trabajo excelente de este colectivo, no os perdáis su nueva participación en el ciclo con Juan Salvador Tramoya.
Adolfo Simón
La razón blindada de Malayerba en Nave 73
Hoy he tenido doble inauguración, por un lado era la primera vez que acudía a Nave 73 y justo hoy, coincidía con la inauguración de IV Americana, un pequeño e interesante ciclo sobre Creadores de Teatro Iberoamericano que se llevará a cabo hasta el 29 de octubre en este nuevo espacio teatral. Los textos de Arístides Vargas siempre tienen varios niveles de percepción, por un lado nos encontramos a personajes que parece que están instalados en un espacio real, en este caso es una cárcel pero más allá de lo anecdótico, fluyen entre líneas múltiples lecturas sobre el hombre y su necesidad de ser libre, aunque solo sea a nivel imaginario. Aquí, en La razón blindada, estupendamente realizada por el grupo Malayerba, dos hombres juegan a Quijote y Sancho en un laberinto de imágenes y temores que les lleva a una cárcel mayor que la del cuerpo, la de la mente.
Adolfo Simón
I Encuentro Internacional de Teatro Joven en Madrid
Siguiendo con su línea de actuación experimental e innovadora Nave 73 se convertirá, del 10 al 18 de agosto, en sede del I Encuentro Internacional de Teatro Joven celebrado en Madrid.
Más info en: nave73.es
BECA CREACIÓN DE ARTES ESCÉNICAS
Nave 73 , a través de esta primera convocatoria destinada a la creación de artes escénicas, concede dos becas a compañías profesionales con el fin de promover proyectos de experimentación o creación que favorezcan el desarrollo en el ámbito artístico y cultural de las artes escénicas.
Más info en: http://nave73.es/beca-creacion-artes-escenicas/
DER ZEIT IHRE KUNST… por Pablo Huetos
DER ZEIT IHRE KUNST…
por Pablo Huetos (compañía Teatro defondo)
Verano y crisis: dos condicionantes que hacen que el teatro florezca en Madrid de formas muy variadas. Un paseo por el panorama teatral madrileño en esta situación nos permite ver la cantidad de sinergias que se están movilizando para luchar contra la parálisis que parece querer imponer un Gobierno insensible y estrecho de miras.
Me encanta el lema de la Secesión vienesa: “Der zeit ihre kunst, der kunst ihre freiheit” (“A cada tiempo su arte, a cada arte su libertad”). Parece que la cultura y el arte lo han revisado recientemente, están despertando de un letargo producido por la comodidad de años anteriores y se están poniendo manos a la obra (valga la expresión) para generar públicos, interesar a todos los sectores de la sociedad y dar un servicio social a todo aquel que se siente perdido, ahogado o enrabietado por el crujido de nuestros huesos aplastados por la enorme rueda del sistema, parafraseando a Herman Hesse (aunque ponerse demasiado germanófilo no parece lo más adecuado en estas horas).
La efervescencia de las artes escénicas en Madrid es, según algunos amigos argentinos, lejanamente comparable con el Buenos Aires del Corralito. El fenómeno, sin embargo, es extraordinario: se multiplican los lugares de muy diverso formato donde mostrar distintas expresiones escénicas. En los últimos meses, por ejemplo, se ha abierto La Neomudéjar de Atocha, un espacio maravilloso (antiguos almacenes de RENFE) dedicado a la videocreación, el arte y la performance que trata de paliar un inmenso vacío; se ha abierto también Nave 73 en Embajadores, donde he tenido la fortuna de trabajar con Escriba su nombre aquí frente a un público deseoso de recibir historias sobre lo que le está pasando ahora mismo; también en Embajadores acaba de abrir La Belloch; se reafirma en el panorama la Kubik Fabrik, una sala en pleno barrio de Usera levantada con muchísimo esfuerzo y disgustos y contra la aplastante burocracia que, parece, sí va a conseguir acabar con otro precioso sueño, el de Garaje Lumiere; prosperan los lugares de investigación, formación y ensayo; los microteatros (dentro de poco se abren nuevas salas en la plaza de Luna), teatros “S” (la Sala Tú, Nudo Teatro, Estudio 2…), cafeterías que ofrecen espectáculos, teatro en lugares inhabituales (como la experiencia hecha en el Hotel Intercontinental por los compañeros de Metatarso), teatros “M”, como El Sol de York que se está haciendo un estupendo hueco en el barrio de Chamberí con programación tan interesante como Muda, de Pablo Messiez, Cuando fuimos dos, de Cría Cuervos… todo ello para complementar la oferta, bien distinta, que ofrecen los teatros talla “L” y “XL”. Todo esto está enriqueciendo y dotando de densidad al tejido teatral madrileño, algo muy necesario tras los recortes y los abusos impositivos.
Ahora mismo la sensación es que hay programación para todos los tipos de público. Ahí van algunos ejemplos:
El estreno de Maribel y la extraña familia, con dirección de Gerardo Vera, en el Teatro Infanta Isabel nos remite a los teatros de mayor capacidad. El espectáculo es una buena forma de conocer o revisitar a Mihura y tiene un reparto encabezado por una estupenda Lucía Quintana. Es un espectáculo sin pretensiones ni mensajes, una comedia entretenida para pasar una tarde de verano. Seguro que va a hacer una gira muy extensa. En ella pueden encontrar satisfacción, especialmente, aquellos espectadores que buscan un teatro conocido y sin sorpresas.
En un sentido parecido (que no igual) se estrenó en el patio del Teatro Galileo La esmeralda de Kapurtala, que continuará allí durante todo el verano como parte de la programación de Veranos de la Villa. En este caso el espectáculo tiene una propuesta basada en la comedia, la interacción con el público y el cabaret, que funciona muy bien en un ambiente distendido en el que la gente cena mientras ve el espectáculo. Es una buena ocasión, además, para conocer a parte del equipo de Teatro de Malta que ganó el Premio MAX a Mejor Espectáculo Infantil en la última edición hasta la fecha, con Alegría (palabra de Gloria Fuertes).
También en un contexto puramente veraniego se celebra el Festival Fringe en Matadero Madrid (y en algunas salas asociadas como Lagrada o La Cervantina). Se trata de una propuesta que prima los lenguajes escénicos contemporáneos. Allí hemos visto Las amistades peligrosas, de Metatarso Producciones, un espectáculo arriesgado y redondo que espero que dé mucho de qué hablar porque está hecho con calidad, imaginación, trabajo, talento, frescura… Es ésta una propuesta de teatro a la italiana, pero también se pueden ver propuestas en espacios inhabituales (a veces inverosímiles) como el tejado, un callejón… a esto se une una actividad de mesas redondas y conciertos gratuitos que atraen a mucho público (como en el caso de María Betania) o a no tanto (en el caso de propuestas más “ambient”), pero que siempre han conseguido que haya mucha circulación de gente en la zona de Arganzuela. Por lo que nos comenta alguno de los participantes en el Fringe 13 la asistencia de público teatral también ha sido irregular: en general las compañías madrileñas han sido capaces de movilizar a mucha gente, pero varias compañías “foráneas” han visto que la promoción para dar visibilidad a sus propuestas no ha sido la más adecuada. Recordemos, en cualquier caso, que se trata de un Festival con una media de actuaciones de 8 por día, aproximadamente.
En salas de aforo mediano, como Cuarta Pared, hemos visto La fiebre, dirigida por Carlos Aladro. Es otro caso de teatro que la gente necesita ver hoy en día. Igual que en el caso de Escriba su nombre aquí, en Nave 73, o de Allí, en la Sala Nudo, el público está deseando ver en escena un reflejo, sea realista o más poético, de la tormenta de ideas, sensaciones y sentimientos que nuestras almas están experimentando en los últimos años.
Este análisis, evidentemente, se queda cortísimo, pero permite sacar una conclusión: que el teatro en Madrid, lejos de agonizar, está más vivo que nunca. Las condiciones laborales y salariales no son siempre las más adecuadas, los ingresos de taquilla han bajado en los grandes espacios y el 21% de IVA hace que las cuentas no cuadren ni comiendo arroz para desayuno, comida y cena, pero hay un gran sector de la profesión que necesita expresarse y dar voz a sus conciudadanos y que está generando nuevos ámbitos y posibilidades para que el teatro sea viable y accesible. Y hay mucha gente que se está acercando al teatro para encontrar un sentido de comunidad, un sentido de energía colectiva que, quizá, sea una de las mejores herramientas que tengamos para enfrentarnos a la bomba de succión del neoliberalismo.
Que Revienten los Artistas 
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