El Corral de la Morería, Paseando por los tablaos (III) en Suma Flamenca
El Corral de la Morería es un tablao imprescindible en Suma Flamenca porque reune una decoración, ambiente y flamenco de primera calidad. Por algo dicen que es el tablao flamenco más famoso del mundo. Por él pasan artistas que mantienen el listón de su fama bien alto. Durante estos días podemos disfrutar del cante de «La Tana», un cante muy jondo y que se acompaña de el sentir especial que tiene esta artista recordándonos a otras grandes como pueden ser Lola Flores o la Chunga. El cuerpo de baile está compuesto por Francisco Hidalgo, que derrocha fuerza y ganas bailando por alegrías, y por Juan Ogalla, todo un maestro del taconeo y con un arte que embruja hasta la última mesa. Ogalla ha sido pareja artística de la mismísima Cristina Hoyos, ahí es nada, pero se nota que se lo ha ganado a pulso. Para completar, la mujer: Magdalena Mannion. Magdalena sabe bailar y técnicamente demuestra una maestría que ya ha paseado por medio mundo pero nunca pierde su estilo femenino pese a la abundancia y fuerza de zapateados que inserta en su baile y por eso también se merece pisar el tablao de El Corral de la Morería. Todo un elenco a la altura de estas tablas
Al cante disfrutamos de Antonio «El Pola», Daviz Vázquez y Roberto Lorente. A la guitarra Antonio «El Muñeco» Felipe Maya, que nos agasajó con un solo de guitarra con extractos del Concierto de Aranjuez.
Luis Mª García Grande
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El Corral de la Morería, inaugurado por Manuel del Rey en 1956, es el tablao flamenco más famoso del mundo.
A lo largo de su trayectoria, el espectáculo flamenco del Corral de la Morería ha presentado a los mejores artistas de este arte, entre los que podríamos destacar a Pastora Imperio, La Chunga, María Albaicín, El Güito, Mario Maya, Manuela Vargas, Lucero Tena, Isabel Pantoja, Antonio Gades y Blanca del Rey, junto a cientos y cientos de artistas del cante, la guitarra y el baile.
Emplazado en un lugar privilegiado del corazón de Madrid – junto al Palacio Real, en pleno casco histórico de la ciudad – sus muebles , ménsulas árabes y farolas de los siglos XVIII y XIX nos hacen retrocer en el tiempo y sitúan al visitante en un decorado que recuerda los genuinos tablaos de los orígenes del flamenco.
Considerado como la Catedral del Arte Flamenco en España, es frecuentemente visitado por muchas de las altas personalidades que pasan por Madrid, asi es que no resultará difícil encontrarse en la mesa de al lado con Reyes, Presidentes de Gobierno o famosos artistas internacionales.
CORRAL DE LA MORERÍA
TABLAO FLAMENCO – MADRID
c/ Morería, 17 – 28005 Madrid
Tel.: (+34) 913658446 – 913651137 – Fax: (+34) 913641219
Cardamomo, tablao flamenco(Paseando por los tablaos (II) en Suma Flamenca
Cardamomo está en el corazón de Madrid, a un paso de la Puerta del Sol y nada más entrar en la sala, un intenso olor a hierbabuena nos invade, nos acompañará toda la velada, desde el aire y desde el fondo del sabroso mojito que disfrutamos durante la función. La disposición del público es fantástica, nuestra mirada queda a la altura de los pies de los bailaores, disfrutando de los compases y ritmos que realizan con brío y fuerza.
El tablao flamenco Cardamomo une la danza que brota natural de la expresión del sentimiento, ofrece una experiencia de raza como soporte a la comunicación que propone el artista, ofreciendo al espectador la propia vivencia de su emoción interior mientras se cena o se toma una copa.
Durante esta semana, dentro del programa de Suma Flamenca, se puede disfrutar de un grupo de jóvenes artistas que darán mucho que hablar por su arte y duende…Al baile están Paloma Fantova, Kelian Jiménez, David Paniagua, al cante: Rafita de Madrid y Juañarito, a la guitarra: Amós Lora y Joni Jiménez y a la percusión: Antonio Losada.
Adolfo Simón
Rotas de Luis Lorente en el Teatro Marquina
De vez en cuando, las noticias nos asaltan con un caso más de violencia de género, es una pesadilla que no termina nunca. Por eso, es importante levantar la voz desde cualquier medio artístico contra este horror. Creo que Rotas tiene unos elementos esenciales que la convierten en un vehículo excelente para hablar de este tema. Por un lado, la propuesta es muy sencilla, despojada…Un apoyo audiovisual de fondo va marcando los momentos y sensaciones que se abordan a lo largo del espectáculo y unos breves textos en off enmarcan el devenir de los personajes. Y sobre todo, el trabajo físico de las dos bailarinas que, desde diferentes formas de flamenco, nos permite acompañar a las dos mujeres por un mundo de miedos y oscuridad; la lucha a veces es con el otro, con uno mismo o con el compañero de viaje…Y en muchas ocasiones se pierden cosas en el camino, pero, lo importante es tener claro que la decisión está en cada uno de nosotros, modificar el viaje e ir hacia un espacio de libertad y sin dolor, es lo esencial.
Adolfo Simón
SUMA FLAMENCA: Paseando por los tablaos (I) Café de Chinitas.
El Café de Chinitas es un pequeño joyero decorado por dentro con mantones de Manila, sillas de enea pintadas de rojo y fotografías de grandes flamencos que nos recuerda la iconografía creada por Federico García Lorca a través de sus poemas y dibujos y nos transmite la sensación de estar dentro de una pieza de chinoserie. Un lugar agradable donde poder cenar, tomarse una copita y disfrutar de un buen flamenco. Sobre sus tablas han pisado grandes artistas, algunos incluso descalzos, como La Chunga, claro que ella, si no pisaba descalza, no lo pisaba. Un lugar para todos los públicos, nacionales y extranjeros. En Suma Flamenca mantienen su programación con el cuadro flamenco de la casa, que tiene solera y saber hacer. Saben hacer que el público se sienta agusto viéndoles y saben transmitir lo mejor del cante y baile jondo. La Antonia es el alma de este cuadro y lo gobierna con la maestría de sus años y su experiencia. Además cada noche tiene artistas invitados y entre ellos podemos ver a Marcos Jiménez, que se trae en las espaldas todas las «tablas» que tiene. Empieza tranquilo pero luego se crece y acaba pisando el tablao y demostrando que puede bailar tranquilo en este espacio que respira solera y buenos momentos vividos.
Luis Mª García Grande.
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CAFÉ DE CHINITAS
http://www.chinitas.com/espectaculo/
- Programación especial con Pilar León, Soledad Gómez, Antonia González, La Pescailla Chica, Domingo Jiménez, El Canto, Enrique Bermúdez, Jesús Soto Pantoja, Pedro Jiménez ‘Perrete’, Artistas invitados
Del 4 al 29 de junio, de lunes a sábados, a las 20:15 y 22:30.
Inside de el Niño de los Reyes en Off Latina, dentro de Suma Flamenca
En el recién inaugurado Off Latina que tan buenas expectativas propone en su futura programación, se ha presentado el Niño de los Reyes con Inside, acompañado con arte por Alain Pérez al bajo, David de Jacoba al cante y Juan José Suárez «Pakete» a la guitarra. Este viaje hacia adentro como propone el título no solo lo realizan los espectadores al adentrarse en la entradas de Madrid bajando a las cuevas del Off Latina, también lo realizan los intérpretes mostrando esa intimidad, donde los artistas, de la mano de un vaso de vino, dejan asomarse al duende, ese que se sabe que existe pero que nunca se puede prever cuando aparecerá. El Niño de los Reyes se rodea de arte para ser empujado en el vuelo que realiza con sus manos y pies. Un joven con gran talento que sabe conseguir el equilibrio entre lo flamenco y los elementos precisos para hacerlo accesible a un público de hoy. Duende de siempre en un lienzo contemporáneo. Un placer para los sentidos.
Adolfo Simón
La Compañía Nacional de Danza con «Casi-casa» de Mats Ek en el Teatro Real
Neoclásica, Clásica y Contemporánea. Estas son las variaciones que nos está presentando durante estos días la CND en el Teatro Real. Un programa muy variado con obras de Balanchine, Forsythe, Mats Ek y José Carlos Martínez y que nos hace mirar el mundo de la danza desde varios ángulos y facetas.
Comenzando con Allegro Brillante de Balanchine, nos sumergimos en la frescura de la danza abstracta, el nuevo clásico representa el «romanticismo ruso expansivo» en palabras de Maria Tallchief. Un ritmo musical vigoroso como el de Chaikovski nos impulsa a meternos en coreografía de una técnica complicada y una velocidad que ya quisieran algunos Ferraris, pero todo está bien resuelto porque los pasos están hilvanados, cosidos y reforzados para que nada rompa el ritmo enérgico de la música. Balanchine sabía lo que hacía y él mismo lo dijo: «contiene todo lo que sé acerca del ballet clásico en trece minutos». 
Delibes Suite nos devuelve a los grandes ballets clásicos con un paso a dos. La pieza está coreografiada por José Carlos Martínez y en ella se pretende recoger pasos complejos dotándolos de ligereza y aportando así un pequeño grano de arena al mundo de la danza.
La impactante música de Thom Willems nos anuncia que ha llegado el cambio de registro y nos sumergimos en los electrónicos años ochenta con In the Middle, Somewhat Elevated de Forsythe. Con ella llega uno de los platos principales de la noche sumergiéndonos en el mundo de la creación coreográfica a través de bailarines que desarrollan el tema inicial y lo amplifican hasta que el conjunto se convierte en variaciones y pas de deux de creciente complejidad. Una coreografía impactante y bien llevada por la compañía que demuestra más soltura aún en lo contemporáneo que en lo clásico, y en la que un acertado vestuario verde metálico acompaña y acentúa las notas musicales. Sólo una pega: «el título hace referencia a dos cerezas que penden del centro del escenario y que sirven de reflexión sobre el vasto interior de la Ópera de París, para el que fue creado el ballet»… nos dice el programa…y la verdad es que hay que leer el programa para darse cuenta de qué es lo que cuelga sobre el escenario.
Mats Ek y José Carlos Martínez
Pero el plato fuerte esta vez es Casi-Casa de Mats Ek que se estrena por primera vez en Europa y que nos habla de la cotidianeidad, de lo importante que es vivir las pequeñas cosas de la vida como leer el periódico, observar a los hijos, los animales, el tráfico, la gente…cosas que no están hechas para ser miradas. El coreógrafo busca resaltar en una puesta en escena minimalista, compuesta por un sillón, una puerta y una cocina, nuestro pequeño mundo, el arte que se encuentra en nuestro día a día. La poética con la que aborda el hecho cotidiano nos crea un sentimiento de optimismo al lograr resaltar nuestro pequeño mundo. La expresividad en los movimientos que crea Ek y la conjunción con el grupo nos hace pensar que la vida es como un regalo y hay que cuidarla. Toda una declaración de principios.
La CND está haciendo un gran esfuerzo de la mano de José Carlos Martínez para ampliar su repertorio y consolidar sus vertientes clásica y contemporánea de manera que se llegue a ser referencia entre los ballets internacionales y se nota el ímpetu con el que poco a poco va saliendo ese trabajo por el que ha apostado y que va dando sus frutos
. Un gran esfuerzo que no está siendo recompensado por la administración pública que asfixia con unos salarios que no llegan al mileurismo a los que son el cuerpo y alma de la compañía y que impide que haya giras internacionales y que el bailarín se dedique a bailar al cien por cien. Menos mal que nos queda Ek para recordarnos que con la danza podemos disfrutar todos los días pese a la escasez económica.
Luis Mª García Grande.
Fotografía J. Vallinas
«Dunas» de María Pagés y Sidi Larbi Cherkaoui en Los Teatros del Canal
“Ni el aire ni la tierra son iguales después de que María Pagés haya bailado”. José Saramago.
María Pagés y Sidi Larbi Cherkaoui se han encontrado en las «Dunas» del desierto para crear un espectáculo bello, positivo y energético que nos demuestra que el flamenco puede evolucionar constantemente y fundirse con otras disciplinas y danzas. Pagés aporta su visión del flamenco como baile contemporáneo y Cherkaoui colabora en esto y además le sumerge dentro de sus raíces tangerinas pero a través de la danza contemporánea. Esto no es «fusión», una palabra en la que Pagés no cree, esto es creación a través del flamenco. 
La técnica del bailarín y la bailaora ya está más que demostrada y consolidada y es obvio hablar de ella, lo que aquí nos importa es su utilización para crear nuevos conceptos en danza y la pasión y energía con la que se enfrentan a esa creación. La escenografía aporta sus granos de arena, metafórica y literalmente, al crear mediante enormes telas elásticas unas dunas ficticias en las que se sumergen, vagan y, sobre todo, danzan los dos protagonistas. Los efectos visuales que se crean a través de la luz y de las telas aportan la poética necesaria al espectáculo que se completa con los dibujos que Cherkaoui pinta sobre la arena y que son proyectados sobre el escenario, creando una complicidad entre la creación artística de Sidi y el movimiento de María.
Totalmente recomendado en http://www.teatroscanal.com
Luis Mª García Grande
PLANETARIO de Project Limb
El concepto de Teatro está cambiando. A esta constante transformación se le ha unido un momento en el que muchos creadores no encuentran espacios donde trabajar y mostrar sus obras. Pero ¡Qué mejor escenario que la vida! Algo así debió pensar el coreógrafo Gabriel Forestieri, quien está girando alrededor de las principales ciudades del mundo creando diferentes piezas. Y girando cual planeta aterrizó en Madrid, donde ha desarrollado «Planetario», una perfomance que viaja de la danza contemporánea al teatro gestual, donde catorce intérpretes en órbita con el público se desplazan por el Parque de Arganzuela (Planetario). Más allá del trabajo corporal y las elaboradas figuras grupales, cabe destacar su integración con la arquitectura, la naturaleza y la luz del atardecer, componiendo un collage de hermosas imágenes en movimiento. Todo está vivo: dos músicos completan el espectáculo, lo que convierte este trabajo multidisciplinar en un claro ejemplo de cómo el Arte abre la mente y amplifica sentidos que la vida cotidiana nos atrofia. Nos hipnotiza con una escalera agrietada, algo que a diario ni percibimos. Su próximo destino: Barcelona.
Jorge Azcona
Thiono Rerul en La Strada Teatro
África es un continente maravilloso, lleno de enigmas…El Ballet Jammu de Senegal nos ha traído una muestra de ello. Durante dos semanas, han presentado en La Strada un cuento de la tradición oral senegalesa con la particularidad de que lo desarrollan a través de canciones y bailes. Una ocasión única para descubrir la magia de otras latitudes. A veces, para conocer de verdad las tradiciones populares de algunos lugares, no hay que acudir a grandes espectáculos si no a pequeñas piezas creadas desde los rituales ancestrales.
Adolfo Simón
Nieves Rosales con No es la lluvia, es el viento en Nave 73
En la escena es complicado encontrar trabajos de flamenco contemporáneo donde se cuente una historia, todo suele ser técnica y movimiento. Y en la vida es difícil aceptar esa parte de nosotros que no nos gusta, esa sección del mundo llena de errores y fealdad. A veces, el teatro es el espacio para buscar y comunicar…Ahí, los artistas han de arriesgar por encontrar lenguajes nuevos, otras formas de mostrar la vida. Nieves Rosales encabeza el proyecto conjunto de Silencio Danza y Trasto Teatro en la adaptación de la obra No es la lluvia, es el viento y sobre el escenario del inquieto y comprometido espacio, Nave 73…Nos lleva a paisajes desconocidos del corazón.
Adolfo Simón
«Siente el vestuario del Ballet Nacional de España»
Celebrar el día Internacional de la Danza a través de un desfile con muestras del vestuario histórico del BNE es una idea brillante. Una idea defendida por Antonio Najarro, su actual director, y una idea que nos demuestra que la «marca España» puede conjugar disciplinas de una manera soberbia.
Hemos podido apreciar 130 trajes de una selección de piezas representativas y emblemáticas de coreografías del BNE creadas por Karinsca, Pedro Moreno, José Granero, Miguel Narros, Sonia Grande, Nicolas Vaudelet y el propio Najarro, entre otros.
Disfrutar en primera fila de las creaciones e ballets como «Paso a Cuatro», «Grito», «Bolero», «Ángeles caídos» o «Suite Sevilla» en el entorno de Matadero Madrid es un auténtico lujo. Porque en la danza los volúmenes y texturas del vestuario son importantes para conseguir transmitir el movimiento del bailarín, porque los bailarines se tienen que sentir a gusto con su vestuario y porque el vestuario puede realzar y optimizar completamente una coreografía.
«Vestir a mis bailarines es también vestir mi coreografía y conozco perfectamente lo que quiero para el vestuario para que se realce del movimiento. Me introduje en ese mundo y ahora hago los diseños de vestuario en algunas ocasiones», ha afirmado Najarro.
Si al desfile se le añade la maestría de treinta bailarines del BNE que, aparte de modelar, transmitían el espíritu de la Danza española se le pone la guinda al pastel…
Luis Mª García Grande.
Tania Arias en Teatro Pradillo
Tania Arias es una intérprete de danza y performance con una formación excelente. A lo largo de su trayectoria ha tenido ocasión de colaborar con diferentes profesionales de las artes escénicas de los que, seguro, se ha nutrido a nivel formativo. En el último trabajo presentado en la Sala Pradillo nos mostró su visión sobre la danza y el movimiento, acompañada de unos profesionales de lujo como son Mónica Valenciano, Mauricio González y Sindo Puche. Durante las dos horas que duraba la propuesta, mostró sus perspectivas sobre el espacio, el público, la música, el movimiento y la interpretación…Un laboratorio ante los ojos del espectador. Una propuesta arriesgada en la que tal vez sobraba la dilatación de algunas piezas que terminaban perdiendo el sentido del planteamiento inicial.
Adolfo Simón
Blanca Li: Entre la poética y el estrés tecnológicos.
Para Blanca Li el mundo siempre va para adelante y ella le planta cara sin miedo. A través de «Robot» ha logrado convencernos de que la «Revolución tecnológica» tiene más ventajas que inconvenientes y que hay que adaptarse a lo que venga, aunque sea a fuerza de un duro trabajo. A Blanca le ha costado comprender cómo baila un robot y cómo puede ayudarle en su trabajo, pero al final ha salido fortalecida y ha ganado la batalla tecnológica.
La reflexión que se realiza en la obra sobre el mundo contemporáneo y la adaptación del hombre a la máquina es profunda, partiendo de un trabajo corporal de los bailarines que pasa de lo orgánico a lo robótico en continuas evoluciones. La experimentación sobre el movimiento comienza con un acercamiento y, a medida que sube el ritmo de la música los bailarines experimentan en sus carnes ese cambio tecnológico que cada día nos va invadiendo. La metáfora es pura, lo que se ve no necesita aclaraciones.
Estas reflexiones crean una coreografía para 8 bailarines cuyos movimientos activan los extraños instrumentos musicales de Maywa Denki y la música del español Tao Gutiérrez.
Pero el Talento de Blanca, aparte de residir en una buena formación y coreografía, reside en su manera de ver la vida y de reflejarla en sus espectáculos: El humor y el contraste de visiones sobre la danza se reflejan fielmente en este espectáculo que pasa por la música japonesa, la africana, la electrónica, la samba y el cuplé mezclándose con retazos de escenas pop y pas à deux con robots que nos enternecen y nos recuerdan a Fred Astaire y Ginger Royers.
En fin, un espectáculo que ensalza el arte de la danza y que nos hace pensar, emociona, llega al corazón y nos recuerda que merece la pena arriesgar en la vida y andar con paso firme y tacón alto por la vida.
Luis Mª García Grande.
www.teatroscanal.com/espectaculo/robot-danza-blanca–li
En la memoria del cante: 1922 del Ballet Flamenco de Andalucía de Rafaela Carrasco en el Nuevo Teatro Alcalá
El Ballet Flamenco de Andalucía estrenó el pasado enero en Córdoba el espectáculo “En la memoria del cante: 1922” bajo la dirección de Rafaela Carrasco. Un espectáculo en el que la energía, el equilibrio y la pulcra ejecución consiguen homenajear a las figuras del flamenco y de la intelectualidad de la época que se reunieron en la Alhambra en 1922 en el mítico concurso de cante. Las voces y los ecos de aquel tiempo transitan por el espectáculo mientras un cuerpo de baile espléndido va desgranando distintos palos sobre la geografía de un balcón. Los solistas hacen alarde de bailes llenos de garra y fuerza, acompañados magistralmente al toque y al cante. Cuando aparece Rafaela Carrasco, el escenario se llena de un duende escalofriante que nos traslada a otro tiempo sin dejar de tener el pulso del baile de hoy. Tal vez están demasiado oscuras las escenas y hay demasiado efecto deslumbrante del proyector de video en el patio de butacas. Por lo demás, un espectáculo sobrio e inteligente para hablar de la historia del baile a través de las voces de grandes cantantes.
Adolfo Simón
«La Cenicienta» de Malandain en los Teatros del Canal
Los cuentos reflejan muchas veces la realidad. Imitan a la vida idealizándola y haciéndola más bella. «La Cenicienta» de Perrault y de los hermanos Grimm ha tenido muchas versiones y visiones a lo largo de la historia, unas más poéticas, otras menos. Malandain y el el Ballet Biarritz nos traen una versión «moderna» de esta cenicienta, con unos Louboutin debajo del brazo y que se fija más en los vicios y perversiones de la sociedad, en la hipocresía de las reuniones sociales y de las relaciones protocolarias que en el amor y los flechazos principescos en los bailes de palacio. La protagonista queda eclipsada por una madrastra y hermanastras travestis que llevan la voz cantante y a las que no les interesa el amor ni la pasión. Lo que ellas quieren es estar en los saraos modernos, posar en el photocall y llenar su armario con zapatitos para superar con creces a Imelda Marcos.
Las palabras de Massenet en las que se ha inspirado el coreógrafo dicen que Cenicienta «nace para escapar a la negrura de las cosas demasiado reales, para olvidar la humanidad que sangra, la ignorancia y la necedad humanas». El objetivo ha sido conseguido y nos encontramos con una protagonista que está fuera de este mundo y que flota sobre la mediocridad que le rodea. El ballet Biarritz destaca por una ejecución muy correcta y una depuración en el estilo Neoclásico que no tiene nada que envidiar a muchos ballets europeos. El decorado y vestuario de Jorge Gallardo destacan ya que no hacen más que acentuar lo que Malandain nos quiere transmitir. Son pocos medios, sencillos pero eficaces: quedamos sorprendidos por un escenario minimalista pero plagado de zapatos escrupulosamente ordenados que nos sumergen desde el principio en este cuento bailado con música de Prokofiev.
La cenicienta y su corte estará en los Teatros del Canal del 3 al 6 de Abril. Si asisten, no olviden el tacón de aguja.
Luis Mª García Grande.
«Nothing’s for Something» de Heine Avdal & Yukiko Shinozaki / Fieldworks en La Casa Encendida
«Nothing’s for Something» de Heine Avdal & Yukiko Shinozaki / Fieldworks en La Casa Encendida nos ha permitido ver lo que hay tras los materiales u objetos cuando cobran vida, lo que pasa cuando los elementos desaparecen y quedan los cuerpos con su huella en el espacio. Una propuesta de teatro experimental donde el espectador no asiste a una representación convencional si no a la oportunidad de observar lo que no se puede contemplar habitualmente desde el patio de butacas. Como siempre, en Casa Encendida se puede disfrutar de lo inaudito.
Adolfo Simón
Gold de Cas Public en Teatralia 2014
La reputada compañía Cas Public vuelve a Teatralia con una nueva creación, Gold, que por primera vez firman conjuntamente Hélène Blackburn y Pierre Lecours, y en la que la fuerza de Hélène, directora artística y fundadora de la compañía, se funde con la sensibilidad de su más estrecho colaborador. Pensada para niños y niñas de a partir de 5 años, Gold demuestra una vez más la habilidad que tiene esta compañía para conectar y fascinar a los espectadores más pequeños. En esta ocasión, la compañía revisita uno de las grandes obras maestras de la música clásica: Las Variaciones Goldberg de J.S.Bach, en la inimitable grabación de Glenn Gould. Inspirados en esta famosa pieza, alabada en todo el mundo por su extraordinaria riqueza de formas, armonías, ritmos y sutilezas técnicas; los bailarines crean una enérgica danza movida por la poesía y los efectos de trampantojo. Convirtiendo audazmente objetos cotidianos infantiles y aprovechando su uso lúdico, Cas Public transforma literalmente el escenario en un teatro, en un espacio de confrontación entre lo real y lo imaginario, un juego de escondite que subyugará a grandes y pequeños. No dejaré de insistir sobre la idea de que en Teatralia se presentan espectáculos de nivel excepcional, por suerte para el público del mañana, hay trabajos pensados para niños de una calidad y delicadeza máxima como es el caso de Gold, donde no solo hay elementos fantásticos escénicamente hablando si no un equipo de jóvenes bailarines de técnica depurada. Y además…¿Han creado la danza clown?.
Adolfo Simón
Shapeless de Charlotte Vanden Eynde en La Casa Encendida
En Shapeless, Charlotte Vanden Eynde continúa la investigación sobre el movimiento que comenzó en el solo I’m Sorry It’s (Not) A Story (2009). Entonces el foco estaba en el significado, ahora vuelve a la forma. El punto de partida son los aspectos puramente físicos, formales y dinámicos del movimiento. La dinámica, algo que no estaba especialmente presente en sus trabajos anteriores, aquí se vuelve relevante. Asimismo Charlotte se adentra en un diálogo con el vocabulario de movimiento que ha conformado su cuerpo de bailarina: algo de lo que hasta el momento intentaba desprenderse o más bien ignorar. Tantea los límites de la abstracción, sin excluir la emoción. Charlotte deja levemente atrás la visualidad y la quietud. El cuerpo sigue siendo su punto de partida, pero conscientemente busca una especie de “aformidad”, lo caótico e intangible, una “forma que sea no forma”. Durante la casi hora que duró la performance, el cuerpo de la bailarina no dejó de establecer un pulso entre el rítmo y la energía, consiguiendo momentos de fuerza escénica a pesar de la sencillez de la propuesta teatral.
Adolfo Simón
Illumination de Nehara Dance Group dentro del Festival de Arte Sacro en los Teatros del Canal
Dentro de la edición número veinticuatro del Festival de Arte Sacro se ha presentado Illumination de Nehara Dance Group en los Teatros del Canal. Un espectáculo de danza con técnica estilizada en el que las bailarinas demostraron destreza y sensibilidad. Aunque lo más interesante a destacar de esta propuesta sería el contenido del tríptico, una reflexión sobre la mujer y su participación en la religiosidad y cultura judía. Sin duda, una oportunidad de conocer más a fondo el mundo poético de esta comprometida compañía.
Adolfo Simón
Bartolomeo de Carrasco Dance en Teatralia
Desde Suecia llega este estupendo trabajo dirigido a jóvenes y público adulto. Bartolomeo es una propuesta que indaga sobre el cuerpo, sus distintas energías y sus impulsos con diferentes músicas como estímulo. Un trabajo de precisión técnica impecable y una sincronía corporal excelente entre las intérpretes. Al principio cuesta que los adolescentes conecten con las coreografías pero en un momento dado, quedan atrapados por la belleza del sencillo espectáculo que, al final, estalla en un efecto sensorial de gran impacto. En Cuarta Pared se ha visto esta propuesta durante el fin de semana.
Adolfo Simón
«Tokio dream» en Teatro Galileo
En «Tokio dream» nos encontramos una apuesta por la utopía y por alcanzar los sueños. Mey-Ling Bisogno, coreógrafa venezolana, ha soñado con un Tokio futuro y virtual, un Tokio imaginado, y ha conseguido una vez más crear un ambiente especial que nos sumerge en ese sueño: Una gran ciudad contada a partir de siete bailarines, que viven situaciones dentro de ella como nosotros las vivimos a diario. En la ciudad experimentamos sensaciones, agobios, estreses, alegrías, libertades, represiones, … Para representar todo esto se necesita imaginación y un hilo conductor que se crea a través de la música en vivo creada por Martín Ghersa y por una escenografía casi virtual y muy acertada que nos sumerge de pleno en la obra experimentando las mismas pulsiones que los bailarines. La dramaturgia está bien pensada y cada escena está unida gracias a un personaje ataviado a la manera japonesa, que nos va llevando por diversas situaciones imaginadas dentro de una gran ciudad.
Mey-Ling Bisogno cuenta con un repertorio de 25 piezas, muchas de ellas bastante conocidas, como Hermosura, Peep Box, Chik y Freak, etc…
En Tokio Dream nos encontramos con una pieza que acaba con un final tranquilo y sorprendente que nos deja tiempo para reflexionar sobre lo que hemos visto como si estuviésemos en un viaje en tren.
Luis Mª García Grande.
«Cenizas»: Relaciones tóxicas en La casa de la Portera
Relaciones tóxicas hay en todas partes… ¿Acaso ustedes no las han sufrido? Imaginen y piensen… Hablar de relaciones tóxicas está de moda, y si no que se lo pregunten a Lucía Etxevarría. Pero es mejor que ustedes experimenten en sus propias carnes la visión externa de una de ellas: Chevi Muraday y Alberto Velasco nos traen una visión muy personal basándose en textos de Pablo Messiez y Guillem Clua. Textos excepcionales que les dejarán huella en cuanto los oigan. Yo todavía estoy pensando en todo lo que implica ponerse a hacer una tortilla de patatas después de haber visto «Cenizas».
Pero un texto no es nada sin una buena interpretación y una coreografía que intensifica ese sabor agridulce que produce descubrir que la persona que más te ama te puede ir matando poquito a poco mientras se come con un tenedor, afilado y brillante de limpio que está, esa suculenta tortilla que tu has hecho con todo tu «amor» y que todos tus amigos alaban…
Muraday y Velasco ponen poesía y locura a una muerte anunciada desde que entras en el saloncito de La Casa de la Portera.
Flamenco feeling en el Teatro Figaro
Sara Lezana tiene una larga e indiscutible trayectoria en la danza. Lleva años peleando por mantener una compañía propia donde seguir desarrollando su arte. Durante meses el público ha podido disfrutar de sus espectáculos en la ciudad de Madrid. Ahora, presenta, con un elenco reducido de exquisito nervio y fuerza una nueva propuesta, más intimista, con aroma de tablao y por supuesto, con música en directo. Durante hora y media, recorren todos los palos del flamenco haciendo combinaciones de solos, dúos y grupo. Flamenco feeling es un espectáculo que hará las delicias de todos los que acuden a nuestra ciudad en busca de duende.
Adolfo Simón
NIPPON-KOKU de Marcos Morau para la CND
Está claro que para que la siembra de buenos frutos, hay que dar tiempo. Ahora que las nuevas direcciones de las compañías nacionales de teatro y danza tienen ya un recorrido en el que ir implantando la visión de sus directores, empieza a aparecer la personalidad propia que quieren conseguir. Ayer, en la sala I del Matadero se presentó el nuevo trabajo de la Compañía Nacional de Danza: Nippon-Koku de Marcos Morau & La Veronal, probablemente, uno de los mejores espectáculos de danza que he visto en los últimos años. José Carlos Martínez director de la Compañía, ha propuesto, inteligentemente, esta producción a Marcos Morau para que realizase un trabajo personal y al tiempo, para seguir construyendo esa línea de repertorio único y diverso para la CND. El equipo que ha rodeado a esta idea es de lujo y no puedo menos que nombrarlo porque lo que realizan en sus distintos campos es excepcional: Luis Miguel Cobo en la composición musical, Pablo Gisbert en la dramaturgia, Enric Planas en el diseño de la escenografía, Albert Faura en la luz y David Delfín en el vestuario. Una suma de talentos fantásticos. Y aunque parezca un tópico y por mucha inspiración que hay en todos los apartados artísticos, he de nombrar en mayúsculas a los INTÉRPRETES. Y digo intérpretes y no bailarines porque hacen mucho más que bailar que ya es bastante. Recorren un espectáculo complejo, lleno de atmósferas y lenguajes diferentes y en todo momento están en la precisión y creación que requiere la situación. He dejado pasar unas horas desde el estreno para bajar el nivel de euforia que sentí al terminar la representación…Un cuento fantástico de terror y realidad donde nos muestran profundamente el horror de un mundo dominado por la manipulación y la anulación del individuo. Una pieza de danza-teatro que no debería perderse nadie que ame el arte en su máxima expresión.
Adolfo Simón
Que Revienten los Artistas 
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