Mariano Rochman: Yo creo que el teatro es reflexión, emoción y posibilidad de hacernos preguntas, y un excelente vehículo para soñar e imaginar
¿Cómo surge el proyecto que presentáis en el Teatro Lara?…Háblanos del montaje, del texto…
El proyecto surge con la idea de formar un equipo con Adriana Roffi, donde realizamos una etapa de dramaturgia juntos y luego una segunda etapa donde ella dirigió y yo formé parte del reparto de actores.
Yo propuse como punto de partida un cuento de Borges, «La Intrusa», empezamos trabajando con una escaleta con la historia que queríamos contar y fuimos desarrollando el texto con a partir de ella, escena por escena. La base la teníamos clara una relación fraternal que compartían el amor de pareja. En seguida nos dimos cuenta que era mejor dar vuelta el género de los personajes del cuento de Borges, es decir en lugar de dos hermanos que compartían una mujer, pusimos dos hermanas que compartían un mismo hombre. Nos parecía más interesante, más rebuscado y sobre todo nos alejábamos de la violencia de género que hoy por hoy es tan actual.
En relación al montaje fue muy fluido, un proceso creativo muy intenso donde los actores aportamos muchas cosas, incluso los autores modificamos ciertas escenas para favorecer el avance de la acción y la historia que queríamos contar.
¿Hubo ocasión durante el proceso para que las actrices aportasen ideas en la puesta en escena?…¿Cómo ha sido el trabajo con ellas?…
Sí hubo muchas ocasiones donde aportaron ideas las actrices, por ejemplo las transiciones entre escenas son importantes ya que tienen que ver con el paso del tiempo, lo cual una de las actrices propuso cantar e incluso las elecciones de las canciones salió como propuesta de la actriz. Otro tema fue el vestuario, que surgió como parte del proceso creativo por parte de los actores. Hay propuestas musicales que aporté yo como actor, vamos que hubo mucho de creación en el montaje por el equipo de actores.
¿Hay algún referente técnico o artístico del que has partido para crear esta propuesta?…
Sí, Borges ha sido además referencia en la forma de contar la historia, la obra abre con un monólogo de un relator que introduce al público en los datos y pormenores de la obra que van a ver, lo hace a modo de mito, de leyenda… comienza diciendo «me lo contó un compañero de gimnasio donde entrenaba boxeo; su hermano mayor era compañero del instituto de los primos Rivas…» ahí está la clave, un relato transmitido de alguien a su hermano, que conoció a dos primos que se apellidaban Rivas, como las protagonistas de la obra, y que a su vez se lo contó a quien nos viene a presentar la obra, es decir está la deformación de historia, del mito, de lo transmitido en boca en boca hasta lo que llega a nuestros oídos hoy por hoy.
Creo también que hay claras influencias de Veronese, Daulte y Spregelburd. Dramaturgos y directores con los cuales Roffi y yo nos hemos formado y vinculado.
¿Cómo fueron tus inicios en el teatro?¿Por qué haces teatro?…
Mis inicios fueron en Argentina, algo vocacional y pasional. Comencé estudiando interpretación mientras estudiaba derecho y trabajaba vendiendo viajes y luego teléfonos móviles. Un buen día decidí apostar el todo por el todo por el teatro y dejé la carrera de derecho, asustando mucho a mis padres que son universitarios, jeje.
Luego poco a poco me fui vinculando a compañeros, conociendo directores, haciendo castings, etc. etc.
Varios años después, ya en España, comencé a escribir y a dirigir merced a una beca que me otorgó Casa de América para hacer un curso de 2 meses con prestigiosos autores y directores, ahí empezó un camino diferente para mi.
¿Por qué hago teatro? mmm… ¡Qué pregunta! Lo primero que quiero decir es: simplemente porque me apasiona. Me mueve sensaciones y emociones interiores que no me mueve ninguna otra cosa.
Yo creo que el teatro es reflexión, emoción y posibilidad de hacernos preguntas, y un excelente vehículo para soñar e imaginar; incluso lo que no podemos o no nos animamos… Ahí lo dejo.
¿Qué balances haces de tus trabajos como director-actor de teatro?… Háblanos de los más recientes…
Eso depende del día, de mi ánimo. Hay días que me levanto pensando que lo que hago no tiene ningún valor, que no le interesa a nadie y otros me doy cuenta o recibo respuestas que me hacen sentir que mi camino está siendo interesante.
Mis trabajos todos han sido sacados adelante con mucha tenacidad, con mucho esfuerzo. Tengo claro mi convicción y no me detengo. Sí hay algo que me dices es que no paro, que siempre estoy haciendo, sé que es cierto, pero no me conformo con eso, la verdad.
Cuesta mucho que las personas que cortan el bacalao, me refiero a los productores y programadores te escuchen, te lean y se interesen por ver que estás haciendo. Todo lo que voy logrando tiene que ver con formar parte de una productora, con saber un poco de producción y de haberme autoproducido mucho.
Siento que cada vez voy definiendo mi estilo, donde se puede ver que eso lo he escrito o dirigido y me parece que tener un sello que ha uno lo identifique es interesante.
Las Hermanas Rivas me ha dado muchas satisfacciones, que Javier Yagüe lo haya leído en mitad del proceso de escritura y me diga que le gustaba y que quería que lo estrenemos en La Cuarta Pared, fue algo que me llenó de orgullo. Luego vino la temporada en el Teatro Del Arte y el placer de ser programados en la Red de Teatros de La Comunidad de Madrid. Entrar ahora al Teatro Lara lo vivo como un enorme logro, sabemos que hoy por hoy es un espacio que casi todos quieren entrar y que no es nada fácil.
Me espera un otoño-invierno dulce, cosechando muchas cosas que sembré hace mucho tiempo. Mi obra «Pieza Inconclusa Para Sofá y Dos Cuerpos» la cual además dirigí con la prestigiosa actriz Blanca Oteyza sale de gira nacional y será editada por ediciones Antígona en finales de septiembre, con el sentido honor de contar con un prólogo de Pepe Henríquez, una de la súltimas cosas que ha escrito; Aitana Galán estrenará en noviembre un texto mio, «Sin Anestesia» en el Teatro del Arte, hay varios bolos cerrados de «Las Hermanas Rivas» y apostando para poder lograr producir «Noches de Hotel» una obra que escribí hace 2 años y que enamora a todo el mundo pero por diferentes circunstancias no he podido estrenar, sólo hacer una lectura dramatizada en el Matadero que fue un placer y la constatación del interés que genera ese texto. ojalá 2016 sea el año de su estreno.
¿Qué función crees que ha de tener hoy el teatro para la sociedad en la que vivimos?…
Emocionar, reflexionar y hacernos sentir que estamos vivos. No creo que el teatro tenga ni vaya a cambiar el mundo. Lo único que no puede pasar en teatro es generar aburrimiento. Eso es insoportable.
¿Cómo crees que está afectando la subida del I.V.A. y los recortes al teatro?…
Un genocidio cultural. Algo injusto cuando lo comparas con el fútbol, los toros o el porno, actividades que tienen un IVA muy peor que muy inferior. Los 13 puntos que subieron al IVA cultural es insostenible y elimina cientos de miles de puestos de trabajo y si lo comparas con el resto de Europa dan ganas de o irte o de salir a prender fuego. Te da la sensación que la cultura, más precisamente el teatro y el cine, están siendo asfixiados a propósito, para que no sean espacios de reflexión. Yo no puedo entender que dejen de apoyar festivales y que por ejemplo los toros y si hilo más fino El Toro de La Vega estén subvencionados. Yo creo que la cultura tendría que tener un IVA reducido no superior al 10%, sinceramente no puede tener el mismo gravamen tomarte una copa o comprarte un coche que una entrada de teatro o cine.
¿Qué obra de teatro has visto últimamente?¿Qué te pareció?…
Veo mucho teatro. sinceramente son pocas las obras que me encantan. Lo último que me fascinó fue «Un Hombre Con Gafas de Pasta», una delicia de texto, dirección e interpretación.
¿Proyectos?…
Además de intentar sacar adelante «Noches de Hotel», tengo una propuesta como actor para 2016, un drama que me obligará a bajar a mis mas profundas miserias. Quiero dirigir algo y acabar una obra que me está costando hacerlo, algo de la temática se me resiste.
¿Se pueden hacer propuestas combativas hoy en día?…
Deberíamos definir «combativas», sí te refieres a un teatro que agite consciencias, no lo creo. Me parece que una persona frívola, poco interesada por la cultura, que nunca va al teatro o rara vez va a ver a la estrella de televisión de turno, no podemos convencerla, combatirla, simplemente porque no estará ahí, sentada en el patio de butacas. Yo no tengo que ir a ver una obra que combata la religión o la intolerancia o el problema de la atención sanitaria de los sin papeles, ya soy consciente como casi toda la gente del mundo del teatro. A la persona ficticia que ponía de ejemplo antes, sinceramente le da igual. Yo creo que el teatro es algo que debe estar en la cultura de base, en los colegios primarios y sobre todo secundarios, me parece que es una buena manera de abrir mentes y corazones; que las cosas que esencialmente importan tengan el lugar que merecen, eso es hacer propuesta combativa y cultural.
III Maratón de Danza Urbana y Aniversario I de Poesía o Barbarie en Cuarta Pared
Más info en: http://www.cuartapared.es
Conmemorando los 5 siglos de Santa Teresa
Una pulsión de tambor rojo sangre marca territorio alrededor del árbol que habita la Plaza de Felipe II en Madrid. Los redobles apuntalan los sonidos del entorno, que queda sumido en un atento y pesado silencio. Al tiempo que una masa negra avanza en procesión, una figura blanca emerge con esfuerzo de la misma. Liberada, es médium de la extasiada Santa Teresa de Bernini. Sitiada ahora por un negro muro de contención, exclama versos de la religiosa mientras lo recorre, logrando que algunas figuras negras dejen el luto y se sumen a su peregrinación.
Surge de nuevo la masa negra, pero esta vez abandona la plaza destilando una saeta. Junto con ella, una excitada piel de tambor agita el ambiente y lo dota de una densidad emocional más propia de Sevilla en Semana Santa que de Madrid en junio. ¿Acaso importa? El espacio-tiempo se agita y la marcada teatralidad de este tesoro barroco del s.XVII viaja por un agujero de gusano hasta el hoy, donde nos sigue impactando la luminosa misiticidad del “Éxtasis de Santa Teresa” a pesar de todo lo escrito, investigado, admirado y debatido sobre el tema desde entonces.
El mármol esculpido por Bernini emana una fuerza que simplemente es, independiente del tiempo y del espacio, y perpetua su influjo reverberando en puntos de apoyo a través de los siglos. En este caso, lo ha hallado en los alumnos de 1º de Interpretación de la madrileña escuela y sala de teatro Cuarta Pared, coordinados por Adolfo Simón.
Quique Rojas
«La Fiebre» en Cuarta Pared
Israel Elejalde se ha atrevido a meterse en este monólogo-catársis escrito por Wallace Shawn a pesar de que la obra ya tiente más de veinte años y que ahora estamos en un contexto muy diferente a cuando se escribió. De la mano del director Carlos Aladro, Elejalde interpreta soberbiamente un texto difícil, que requiere fuerza interpretativa y lucidez para tener al público completamente entregado durante más de una hora y para estimular los pensamientos que va provocando con una velocidad de vértigo. Un texto que ha tenido que actualizar a nuestros días en algunos aspectos para hacerlo más atractivo y con una escenografía algo hipster que nos va mostrando los esquemas mentales del intérprete a través de la proyección de una pizarra dinámica y que ayuda a remover más nuestros pensamientos. Aún así, las preguntas que se hacía Shawn siguen vigentes y siguen inquietándonos. Preguntas sobre la pobreza, sobre el modo en que vivimos y el modo en que viven los demás, asimilaciones que nos impresionan y hacen convulsionar nuestros pensamientos y que nos demuestran que un buen texto contemporáneo puede sobrevivir al paso del tiempo si se ejecuta con rigurosidad y ganas. Todavía se pueden pasar por Cuarta Pared para disfrutar con esta fiebre.
Luis Mª García Grande.
Penev en Cuarta Pared
Tras los éxitos cosechados la pasada temporada, la joven compañía valenciana La Teta Calva continua llevando a los escenarios, y por primera vez en Madrid, esta obra que pretende ayudarnos a entender a aquellos que tienden a tropezar en cualquier adoquín en alguna calle olvidada. Toni Agustí y Xavo Giménez, los dos actores y co-directores del espectáculo, proponen unir en el patio de butacas a «los que aman el fútbol y odian el teatro, y viceversa» con una pieza que rinde homenaje, en su título, al célebre valencianista Lubo Penev. Una pieza donde los objetos están cargados de memoria y que, a través del juego poético con ellos, nos narran con humor ácido el desmoronamiento de la sociedad actual, más atenta a lo que vales que no a lo que eres.
Adolfo Simón
“La Mirada del Otro” en Cuarta Pared
Decidme como es un árbol.
Decidme el canto del río
Cuando se cubre de pájaros.
Habladme del mar, habladme
Del olor ancho del campo,
De las estrellas y del aire (…)
MARCOS ANA
Del poema LA VIDA.
Prisión de Burgos, 1960.
Ayer volvía a Cuarta Pared el proyecto dirigido por Chani Martín y protagonizado por Ruth Cabeza, María San Miguel y un generoso Pablo Rodríguez. “La Mirada del Otro” escenifica la VERDAD como único hábito de supervivencia, la humanidad como único camino.
Cuando todo el mundo la da por perdida, reinventa la dignidad humana.
Impacta sostener la mirada ante el cruel enemigo de la vida, despertando a la crueldad de la vida… y duele mirar sus oscuras noches negadas de libertad.
Contiene una sola verdad: la Justicia es aquella que arranca la venda de los ojos, esa verdad esencia de la libertad. Y es que cada ser es completo tal y como es, y aunque nada justifique la violencia, quien un día se demostró enemigo de la vida, tiene derecho a una segunda oportunidad si en su corazón habita el cambio, si el rencor ha dado paso al amor por todo lo que le rodea. La cárcel tiene barrotes que no pueden ser derribados en los sueños. Lo más difícil es la libertad cuando no se puede ser libre.
¿Y qué dice la otra mirada?… Siento fascinación por el ser humano resarcido, capaz de restañar las más dolorosas heridas y perdonar, perdonar porque comprende el afán de vivir, de recobrar los colores, los olores perdidos de la vida… aunque el pecado a perdonar sea la muerte del amor en nombre del Amor.
¿Y mi mirada?… Es la compasión por los seres humanos lo que me lleva a sentir que no necesitábamos esa guerra… que no necesitamos ninguna guerra… que no necesitamos una triste casa teñida de gris en la que cobijarnos, porque el arco iris dibuja nuestro cielo, contiene los colores de nuestra tierra, es nuestra verdadera seña de identidad.
Paloma Martín
Los muertos y los vivos viajan en Surge Madrid
Hay muchas maneras de viajar y a través del teatro se puede llegar a donde la imaginación desee. En la recta final de Surge Madrid 2015 siguen presentándose espectáculos personales a través de los que los artistas siguen reflexionando y viajando a destinos imposibles…
En Delirare, un texto de Cristina Redondo presentado en Cuarta Pared, la Compañía Último Baile nos muestra, dirigido por Fernando Soto, un viaje hacia paraísos soñados donde, como en Ítaca, el puerto nunca llega o el naufragio vital es un bucle del que no se puede escapar. Un cuarto de actores bailan, cantan y actúan en el borde de un precipicio submarino.
En Wichita Falls de Angélica Briseño Ortega presentada en La Usina, los personajes instalados en una cena familiar absurda irán mostrando sus íntimas mezquindades que estallarán como una bomba espacial cuando, la abuela de esta familia, les hace saber que realizará su sueño imposible que, de algún modo, les dejará a todos frente a sus pequeñas miserias diarias.
Adolfo Simón
DAVID LUQUE: El teatro supone para mi una forma de observar la realidad que te rodea, de intentar comprerderla para compartir tu punto de vista con los demás.
¿Cómo fueron tus inicios en el teatro?…
Empecé a hacer teatro ya en el instituto con Lisístrata de Aristófanes, con el que participamos en un festival de teatro en las ruinas romanas de Segóbriga. Me volví a encontrar con el teatro en el último año de la universidad en Heidelberg (Alemania) a donde acudí con una beca Erasmus. Era mi último año de Filología Inglesa y participé en el montaje en inglés de Blithe Spirit (Un espíritu burlón) de Noël Coward. Al volver a Madrid comencé a trabajar con una compañía inglesa, The English Theatre Workshop, que por aquel entonces tenía su base en Madrid. Sin darme apenas cuenta y actuando siempre en inglés, comenzó realmente con ellos mi carrera profesional como actor. Después de 5 años con ellos, estudié con Mar Navarro y entré en el elenco del Teatro de la Abadía durante 8 años.
¿Realizaste otras facetas además de la actuación?…
En aquella primera etapa, hasta que entré en la Abadía, trabajé como profesor de inglés.
¿Qué es el teatro para ti?…
El teatro supone para mi una forma de observar la realidad que te rodea, de intentar comprerderla para compartir tu punto de vista con los demás. En ese compartir se realiza un ejercicio de mucha generosidad que implica esfuerzo pero, sobre todo, mucho disfrute.
¿Por qué haces teatro?…
Sinceramente, porque me lo paso muy bien.
¿Qué balance harías sobre tu trayectoria?…
Me considero muy afortunado con la trayectoria que he tenido hasta ahora. Desde los inicios tuve la suerte de trabajar con gente muy interasante en proyectos de mucha calidad con los que he viajado por medio mundo y que me han formando como actor y como persona. Cada nuevo proyecto me hace ilusionarme como el primer día.
¿Cómo surgió LOS LUNES?…
LOS LUNES surge de la amistad con personas con las que trabajé durante años en la Abadía, y en especial con Fefa Noia, junto a quien finalmente fundé LOS LUNES. En las giras con la Abadía, hablábamos de nuestros gustos artísticos y teatrales. En esto, un día acabamos hablando del De Profundis de Oscar Wilde, y sin más, estuvimos de acuerdo en que queríamos llevarlo al teatro y de paso montar un compañía.
¿Cuál ha sido el recorrido de la Compañía?…
Wild Wild Wilde fue nuestro primer proyecto. La respuesta fue muy positiva desde el comienzo. Tuvimos además desde el arranque, el apoyo de la Comunidad de Madrid y del Ministerio. Con nuestro segundo montaje, Cuerdas, fuimos nominados a los Max como mejor Espectáculo Revelación 2014. Y ahora con Ayuda, la Cuarta Pared nos ha brindado un oportunidad fantástica de poder mostrar todo nuestro trabajo hasta la fecha. Han sido cuatro años muy intensos pero estamos contentísimos con el desarrollo y la proyección que está teniendo la compañía. No puedo dejar de mencionar que Fefa y yo contamos con un equipo tanto artístico como técnico de lujo, que afortunadamente hemos podido mantener en todos los proyectos.
¿Qué función crees que ha de tener el teatro para la sociedad de hoy?…
La que ha tenido siempre, la de poder proyectar sus sueños y sus inquietudes; la de espejo de reflexión para intentar comprender mejor la paradoja y las contradicciones del ser humano. También la de entretener, y la de evadir de una realidad tantas veces tan aplastante.
¿En qué proyectos has participado durante el último año?…
He participado en Las Dos Bandoleras de Lope de Vega y, en televisión, en El Ministerio del Tiempo.
Háblanos de ello…
Las dos bandoleras dirigido por Carmen Posrtacelli para la CNTC me ha dado la oportunidad de conocer a una directora interesantísima además de a una persona con una calidad humana extraordinaria. Carmen Portacelli escogió un texto increíblemente moderno de Lope (y sin embargo no muy conocido) para hablarnos de mujeres fuertes que luchan por tomar las riendas de su destino. Me encantaría volver a repetir con Carmen Portacelli.
Para la televisión he interpretado a Heinrich Himmler, el jefe de las SS, para, en mi opinión, una de las producciones audiovisuales más interesantes de los últimos años. Todo mi papel lo he interpretado en Alemán (no cayó en saco roto mi año de Erasmus en Heidelberg) y ha tenido un impacto en las redes sociales que nunca hubiera podido imaginar.
¿Cómo surgió el tríptico que presentáis en Cuarta Pared?…
Surgió a partir de una reunión con Javier Yagüe, director de la Cuarta Pared, en la que nos hablaba las pocas compañías que tienen un recorrido sostenido en el tiempo. De ahí su interés en mostrar al público la línea de trabajo de LOS LUNES.
Háblanos de estos trabajos. Wild Wild Wilde, como ya he mencionado antes, es la teatralición de la magnífica carta que Oscar Wilde escribió a asu amante desde la cárcel. Lejos de ser un carta llena de reproches, se trata de un alegato al amor y de una lúcida reflexión sobre la naturaleza del arte y del ser humano. Cuerdas es la historia de tres hermanos que van a ver a su padre, funambulista de fama mundial, tras muchos años sin tener contacto. Durante el viaje los hermanos sacan a relucir sus carencias afectivas y sus anhelos. Una estupenda comedia en torno a la familia fantásticamente construida por la mexicana Bárbara Colio y finísimamente dirigida por Fefa. Ayuda de la holandesa Maria Goos hace que un banquero de inversiones recién despedido conozca en su casa a su empleado del hogar, un inmigrante del este. A través de esta inesperada relación se reflexiona sobre los resortes de la crisis y sobre lo intercambiable que puede ser el rol que jugamos en ella.
¿Cómo creas tus personajes?…
La base para mi siempre es el texto. De ahí surge todo.
¿Tienes un método?…
Mucha observación del mundo, y como te decía, el propio texto de la pieza como fuente inagotable de inspiración. Y también, mucha escucha.
¿Cómo crees que están afectando los recortes y el aumento del I.V.A. a los proyectos de teatro?…
Están afectado de una forma terrible. Lo ponen muy difícil. Pero en España hay muchísimo talento, así que las cosas solo pueden ir a mejor, como dice mi admirada Fefa Noia.
¿Qué montaje que hayas visto últimamente, te ha interesado?…
Me gustó muchísimo Hacia la Alegría dirigido por Olivier Py con un enorme Pedro Casablanc.
¿Por qué?…
Hablaba del hombre urbano de hoy y sus miserias, pero desde una poesía muy esperanzadora. Tenía además una propuesta escénica muy interesante sostenida en la brillante actuación de Pedro Casablanc. Una gozada.
¿Proyectos?…
País un texto de Fefa Noia para LOS LUNES, La Entrevista de Luisa Etxenike y Gustavo Schwartz dirigido por Pablo Viar y otras ofertas todavía por confirmar. Estoy feliz.
«Ayuda» de la Compañía Los Lunes en Sala Cuarta Pared
Durante estas semanas podremos ver en la Sala Cuarta Pared las tres obras que tiene en su currículo la compañía Los Lunes. Empezamos con Ayuda, su último montaje que investiga las relaciones individuales en tiempos de crisis. Ayuda parte de una brecha existencial en un especialista en inversiones que en menos de veinticuatro horas ha sido abandonado por su mujer y suspendido de empleo y sueldo en el Banco donde trabaja. Inmovilizado en su casa por una lesión en su espalda no le queda otra alternativa que compartir toda esta situación con su empleado del hogar, el cual le va a cuidar «desinteresadamente» durante este tiempo de crisis. Una nochevieja le regala 40.000 euros para que pueda abrir una farmacia en su país. A partir de aquí se desencadena una historia en la que se reflexiona sobre las relaciones humanas y el interés que las mueve.
¿Qué sucede cuando nuestro cómodo sofá de repente se hunde en el abismo cenagoso de la incertidumbre? ¿Cuando hay un naufragio existencial somos capaces de reaccionar y cambiar nuestra manera de pensar? Nos encontramos con una dramaturgia aparentemente simple que no lo es tanto una vez que se empiezan a desgranar los acontecimientos que dirige la mente humana, da igual que sea un banquero o un inmigrante, siempre hay algo que huele a podrido y a interés y que se va imponiendo subrepticiamente en nuestra forma de actuar. Ayuda es una obra que nos descoloca, nos inquieta y nos hace reflexionar sobre nuestra actitud ante la vida.
Luis Mª García Grande
Tríptico familiar
En la recta final de Teatralia hemos podido disfrutar de dos propuestas muy distintas, una poética y delicada y otra disparatada y sur real…
Skabelse (Creación) presentada en Teatro Pradillo, visita España por primera vez en el marco de Teatralia 2015, es un cuento con dos titiriteros y un músico. Es un paisaje, poesía, delicadeza y un profundo ejercicio sobre la belleza. La luz del espectáculo nos habla de su origen geográfico y nos transporta inmediatamente al norte de Europa. Una de las propuestas más delicadas y elaboradas de la edición de este año del Festival. Hay espectáculos que debería recorrer toda nuestra Comunidad una vez han llegado hasta aquí desde su lejano lugar de origen.
La pecora nera (La oveja negra) se presentó en Cuarta Pared…un montaje sin palabras, basado en el movimiento de los actores y el juego de objetos utilizados en el escenario. Es el resultado de un proyecto creativo que nació en 2011 con jóvenes estudiantes de jardín de infancia y escuela primaria. Una obra en clave de clown físico a través del lenguaje objetual y corporal.
Y como cierre de este tríptico: Ylusicala, un cuento en luz negra con imprescindible participación de los niños que se puede disfrutar los sábados por la mañana en La Puerta Estrecha. Juego y narración hacen las delicias de pequeños y mayores.
Adolfo Simón
Cuentos en bicicleta
Este fin de semana ha empezado la nueva edición de Teatralia, el primer espectáculo que hemos podido ver ha sido en La Casa Encendida: Lágrimas junto al río, con este espectáculo nos llevaron al corazón de África a ritmo de tambores para, de la mano de un cuento escenificado a través de pequeñas máscaras y títeres, descubrir lo que se oculta en el corazón de los animales. En Cuarta Pared se mostró Villa Quitapenas que es el nombre de un taller de bicicletas muy especial que se encontraba en el Barrio del Cabanyal (Valencia). El tío Pep era el mecánico de ese taller, él y sus creaciones inspiraron para crear una obra escénica interactiva que lleva el nombre de su taller y con la cuál pretenden mantener viva la memoria de un tiempo en el que los barrios eran espacios de convivencia y comunicación.
Adolfo Simón
Líbrate de las cosas hermosas que te deseo en Cuarta Pared
Hay una imagen de Joseph Beuys que me persigue desde hace mucho tiempo, el artista está sentado en una silla extraña con una liebre en los brazos. La última foto que aparece en esta pieza multiforme que se ha estrenado en Cuarta Pared, me llevó inevitablemente a aquel recuerdo, a las emociones que sentí ante la desolación de aquel hombre con un ser frágil abrazado a su pecho. Creo que María Velasco ha escrito un viaje vertiginoso entre el presente y las contradicciones de una mujer de este tiempo, una mujer marcada a fuego por recuerdos y retazos de memoria. Un caos dramatúrgico en el que ha investigado dentro del espacio ETC de Cuarta Pared. A ese pulso entre culturas que ha mantenido la autora con honestidad, se ha sumado Jorge Sánchez para trazar líneas y discurso escénico que mantengan la simbiosis de estas texturas escénicas. Un espectáculo de búsqueda y complejidad técnica.
Adolfo Simón
Títeres y malabares para los pequeños de la casa
Este fin de semana hemos podido disfrutar de dos propuestas muy diferentes para el público familiar. Por un lado, en el Teatro Rialto se ha estrenado Pinocho, el musical. Una nueva versión del cuento adaptado a la actualidad con canciones pegadizas y bailes divertidos. Y en Cuarta Pared…Mobil, un espectáculo que aunaba música, clown y malabares. Decididamente, tiene más variedad la cartelera infantil que la de adultos. Hay de todo como en botica y para todo tipo de paladares.
Adolfo Simón
Canícula del Colectivo La casa en el árbol en Cuarta Pared
Vicente Colomar y el colectivo La casa en el árbol llevan a escena este detallado y rico retrato familiar escrito por Lola Blasco. El teatro contemporáneo sobre el papel necesita propuestas enloquecidas para que conecten con el espectador. En esta ocasión, el tercer proyecto surgido de ETC de Cuarta Pared se presenta y consigue que los laboratorios puedan seguir su curso de desarrollo para convertirse en producción escénica.
Luis García Grande
De viajes y sueños para público familiar
Los fines de semana sigue siendo un buen momento para disfrutar del teatro en familia…
LA DISTANCIA DE LA LUNA
En Nave 73 vimos a cinco personajes que navegaban hasta el punto en el que la luna llena se sitúa más cerca del mar. En uno de los viajes algo cambiará el curso de sus vidas…Una historia mágica, cómica y surrealista, que nos transportó a un mundo onírico y delirante en el que todo era posible. Basada en un cuento de Italo Calvino, realizan una propuesta de teatro físico-clown muy sugerente gracias a los efectos que consiguen al transformar elementos sencillos en poética escénica.
PINOCHO Y MEDIO
En esta versión han intentado alejarnos de los tópicos más comunes que giran en torno a la figura de Pinocho, ya no es un mentiroso compulsivo a quien le crece la nariz por sus mentiras, ni es un títere desobediente que recibe una serie de castigos por su comportamiento. Tampoco es convertido en un niño de verdad como recompensa a su buena conducta. En la adaptación que ha hecho la Compañía El Retablo en Cuarta Pared se centran en el mundo de las emociones y de los sentimientos, de los sueños y de los recuerdos. Una propuesta de diferentes técnicas de guiñol para contar esta mirada al corazón de madera del personaje.
ADOLFO SIMÓN
Escenario ambulante de Laví e Bel en Cuarta Pared
El Escenario Ambulante navega a la deriva por un mar de arenas movedizas. Va cargado de buenos deseos e indignación. Desde el proscenio, Flavia “la mujer bala”, Walter el Rojo y Alegre Nain alias “El Camaleón” miran desconcertados el horizonte infinito. El viejo oficio de las tablas se enfrenta a la vida con alegría y creatividad. La realidad se siente en todas las costuras. A partir de estas premisas, los integrantes del grupo invitan al público a participar de un viaje enigmático de incierto destino. Una propuesta en la línea de los últimos trabajos de la compañía.
Adolfo Simón
Daniel Abreu(Premio Nacional de Danza): Pretender que todo tenga un resultado “salvavidas” es pedirle a un árbol que dé flores bajo una gran nevada.
¿Cómo llegas a la danza contemporánea?¿Cómo fue surgiendo tu personal lenguaje en el escenario?…
Llego de manera casual. Cuando estaba en el instituto una amiga me propuso acompañarla a bailar en las fiestas del pueblo, era como un juego, ella hacía playbacks y yo la acompañaba moviéndome. Era divertido. De ahí a hoy ha sido un viaje no planeado, no ha sido fácil pero había una especie de destino a la hora de tomar la decisión de seguir. No creo que lo mío sea pasión, pero sí que la vida me ha llevado a hacer esto. Cuando he intentado ir por otro camino acababa volcado en esta profesión. Así que el lenguaje que yo bailo surge de todo esto. De alguien con pocas condiciones físicas de libro para la danza y con una inquietud inconsciente y constante. Recuerdo que un día en un ensayo de Provisional Danza me movía por el suelo y de pronto sentí que bailaba. Ahí empezó algo de mi forma. Luego las horas y el poco descanso han dado el resultado. No sé hacerlo de otra manera, por más que quiera. Este lenguaje personal es lo que no puedo decir con palabras.
¿Qué balance haces de tu trayectoria?…
Ha sido muy intensa. No he parado en estos años, así que a pesar de poder ver mi viaje y estar feliz por ello, también la miro algo cansado. Nunca imaginé tener un repertorio así y haber estado acompañado de un equipo con tanto talento. Estoy feliz y agotado. Para hacer un balance más neutral necesito parar un poco. Al fin y al cabo he estado presente, mi compañía ha cosechado éxitos, y yo he sido reconocido teniendo público y espacios para trabajar, a lo que se han sumado premios, claro. Cuando era un adolescente esto no estaba en mis planes, estaba en posibles sueños y hoy puedo decir que el esfuerzo y los resultados fueron reales.
¿Qué evolución ha hecho tu Compañía a lo largo de este tiempo?
La experiencia da mucho en todos los sentidos. Ahora la burocracia pesa, al igual que la experiencia (en lo bueno y en malo). A nivel creativo son muchos trabajos a las espaldas, con lo cual la exigencia se ha hecho más grande, y los lugares a los que mirar requieren más energía. También soy un poco más mayor. Eso no implica tener las ideas más claras, estar en esta profesión significa volar un poco y tener la sangre fría para perderse. A pesar de que tengo las puertas abiertas en muchos sitios, otros lugares se resisten, y siento que no es por una cuestión de gusto o factura, es más por una cuestión de rigidez cultural en este país. Si has salido en la tele significa que hagas lo que hagas puedes estar en cualquier teatro, pero si el recorrido es más a paso lento, hay que pasar muchos exámenes, y por desgracia, muchos exámenes en este país no son exámenes a la obra en sí, sino a la imagen. Sigo disfrutando de la escena alternativa y poco a poco se abren otros espacios. Veremos por donde va.
A nivel artístico me he vuelto más profundo. Ahora cuento más desde adentro, entro más y eso no siempre es fácil ni para mi ni para el espectador, pero soy mucho más honesto.
¿Es importante tener colaboradores habituales en el equipo artístico y técnico?… ¿En qué medida participan del proceso de creación?…Yo no tengo un equipo muy amplio y cuento con pocas colaboraciones. Me gusta escuchar a quien me rodea y entre todos vamos a habitar un espacio creativo que nos toma a nosotros, pero suelo tener la voz cantante. Me gustaría colaborar con más gente pero no pasa. No es fácil para mi encontrar colaboradores que entiendan la obra desde lo que es y no desde lo que uno quiere imponer o le gustaría hacer, así hago yo con ella. Muchas veces no la entiendo ni quiero, y por lo tanto a veces me niego a explicarla. Eso hace difícil colaborar. Yo soy el primero que soy capaz de sacrificar horas de trabajo porque no es lo que se respira en el global. Tiro material a la basura como nadie. Y todos nos entristecemos por algunas escenas maravillosas desechadas pero no tenían espacio. Luego todos entendemos que salvar el cuerpo a veces requiere la poda.
Sí que tengo en mente que renovarme tras estos años requiere otras formas, cambiar la dieta del proceso creativo. Y será la fórmula, colaborar más.
Impartes cursos habitualmente…¿Cómo enfocas el trabajo en ellos…?¿Cuáles son los objetivos?…
Lo defino en una frase “bailar desde lo que cada uno es, buscando lo que cada uno puede”.
Lo que pasa es que yo soy un amante de la técnica. Me gusta ver a cuerpos formados y que sepan trabajar desde la forma, desde la energía, desde lo conceptual… y luego transformarlo. No es fácil y eso requiere mucha formación; cabezas pensantes, pero sobretodo y por encima de eso, cuerpos actuantes y en forma. Para mi el entrenamiento físico es una parte fundamental, prefiero que sea el cuerpo el que entienda y el que exprese; y eso requiere movimiento, cansancio, repetición… muchas variables que un cuerpo y una cabeza controladora no pueden admitir. Si no usas tu cuerpo explotando sus recursos al máximo hay algo que no funciona. Bailar es mover todo el cuerpo y eso despertará sensaciones que darán lugar a emociones… sin eso no hay danza, hay movimiento. El corazón debe estar presente como motor físico y poético, y es él quien va a ordenar las direcciones que mi musculatura va a tomar. La sensación la pongo yo, y la emoción la pondrá el que mira. Entender eso y saber manejarlo es el objetivo.
¿Qué ha supuesto la concesión del Premio Nacional?…
De momento alegría, y muchas entrevistas que algunas me han servido para recorrer lo que he hecho y otras para enfadarme por las malas interpretaciones y las frases fuera de contexto. Pero bueno, así somos y así leemos, se prefiere el morbo a la verdad. Dejando esto de lado, no sé si un Premio Nacional viene acompañado de seguridad pero siento que algo de eso habrá. Me ha permitido sentir la confianza. Lo recibo con mucha emoción, también con susto, pero eso me lo tendré que arreglar con el psicólogo. La frase que más he escuchado es que es un premio merecido y eso me emociona. Yo estoy dentro de la bola y no veo lo que se ve desde fuera. Ha sido una pequeña pausa para salir, ver donde estoy y seguir. No me cambia a mi, cambia la forma en que debo ver mi trabajo y presentarlo. Natalia Medina me decía que debo cambiar el chip de cómo me presento y lo decía con razón, recogí de una preciosa charla con ella, que el premio pesa, y eso cuesta, así que debo exigir otras cosas.
¿Cómo ves el panorama de la danza contemporánea en nuestro país?¿Qué colectivos te interesan?…
Ando muy despistado de lo que de verdad pasa. En los últimos meses a penas paso por Madrid, y me pierdo bastante. Lo que sé es de oídas. Cualquier valoración que pueda hacer sería errónea. Tengo curiosidad por ver en directo algunos nombres nuevos para mi. Aunque me da miedo desde hace años ver como se lanza a nuevos creadores sin plataformas a las que arroparse. Todo bailarín para sobrevivir debe crear, pero me pregunto si todos estamos preparados para eso. No sé si las instituciones saben qué están haciendo, cómo van a sostener todo lo que se lanza. Y pregunto si se lanza talento, sostenibilidad y plataformas, o si se está lanzando novedad. A mi me hubiera gustado ser explotado como bailarín y no pude. Ahora me toca apechugar con tareas que no me gustan nada.
¿Qué temas o propuestas te seducen a la hora de poner en pie un proyecto?…
Estoy muy abierto a todo, pero a todo lo que venga desde la fisicalidad, muchas veces compleja. Tengo que reconocer que yo tengo un lenguaje, que aunque siempre quiero modificar no puedo. Siempre trabajo desde la intuición y luego veo que es lo que hay. Al comienzo de mi carrera hablaba de la imagen, luego pasé por el amor, por la lucha, por la rendición, por lo religioso… y el público siempre ha visto animalidad. Cuando un cuerpo se mueve en todas las direcciones representa toda la vida del planeta. Yo considero que la poca vida que queda está en los animales, la imagen del hombre cada vez se parece más a una foto. Todo bien puesto, todo ordenado y empaquetado, la imagen de Narciso nos ha absorbido a la gran mayoría. Así que en el escenario intento salir de eso, para ver a cuerpos que expresan y ocupan todo. ¿Animales?, bueno, si es lo que el público ve, yo feliz con ello. El caso es que me interesa bailar. Todo lo que la arropa me aburre. A mi un par de minutos de entrega me bastan.
¿Hay un proceso o plan de trabajo que sigues habitualmente cuando empiezas un nuevo trabajo?…Háblanos de ello…
Sí, y es el no saber qué voy a hacer ni cómo. Llego al estudio vacío y dejo que sucedan las cosas. Mi trabajo es observar y ver por dónde camina todo. Miro a los bailarines saco “mis interpretaciones”, y hacemos que los cuerpos se muevan, para luego recoger estados. De ahí a la obra yo me pierdo en cómo lo hago. No sé cómo llegan las cosas, ni me interesa. Está claro que cuando llega la palabra mágica de lo que hay detrás todo se hace más fácil. Sería como el emergente, esto que dicen los psicólogos para referirse al estado general de un grupo en un momento concreto. Mis obras parten de ahí, del emergente que yo veo, que por supuesto no tiene nada que ver con la realidad.
Pero la creación es muy curiosa, yo pongo un título y reuno a gente… al final el título lo contiene todo. La primera palabra vale más que todo el discurso.
Háblanos de los proyectos que presentas en CUARTA PARED…
El lunes comienzo un taller creativo, la idea es imaginar que la gente forma parte de una compañía que dirijo y trabajar con ellos así. Siempre trabajo de forma individual, y luego voy organizando. Así será, un taller que se llama “Cada Persona”, y que tendrá una muestra el día 18. Antes que eso el día 17 propuse a todos los intérpretes que han pasado por mi compañía juntarnos y ver qué fue aquello que hicimos. No hay guión, solo la intención de contar cómo fue y bailarlo… Y el fin de semana repito programa. Por un lado Silencio, la última producción que bailé en Cuarta Pared y con lo que sigo dando vueltas, y para cerrar Perro; reconozco que esta última no es una decisión mía, pero ahí volvemos. Es un trabajo que para mi ya se queda muy atrás pero es verdad que cada vez que lo bailo renace arrollador. Fue un chantaje a mi negativa de presentar mi última obra, Tierra. Con los años y el nivel de exigencia sé que no puedo estar en todo como me gustaría. Una obra recién estrenada aún debe madurar, y presentarse con la solidez para la que ha sido creada.
¿Cómo está afectando los recortes y el aumento del I.V.A. en vuestra compañía?…
Empiezo diciendo que no me gusta hablar de estos temas. Está claro que cuesta más trabajo todo y también aburre todo. Lo que más me molesta es oír el discurso acerca del poco dinero que hay, cuando en el programa de un festival sabes que va a estar un artista que tiene un caché alto y no lo va a bajar, al tiempo que se pide una reducción de mi coste. Me molesta el lloriqueo y el que traten a uno como idiota. A estas alturas uno sabe dónde quiere estar y cómo. Todos somos conscientes de los recortes y de las formas de inversión. Está claro que las compañías sin marca serán las perjudicadas. Yo desconozco mucho de lo que hay detrás y estoy seguro que todos queremos hacerlo bien. Pero a veces me siento escuchando discursos vacíos que responden a justificaciones de la culpa por no ser justos con todos.
Los políticos no consumen cultura, al menos no la que hacemos nosotros, entonces cómo es que son ellos los que la gestionan… Pero sumo como autocrítica, los estudiantes de danza tampoco van a ver danza…
El IVA y los recortes están matando algo a lo que las personas tampoco estamos dando de comer.
¿Se pueden plantear propuestas arriesgadas hoy?…
Supongo que la pregunta tiene un matiz económico o de rentabilidad, porque todos tenemos nuestro público. El caso es a dónde quieres llegar con lo que haces. Depende de lo que esperes de ello. Arriesgado puede ser contar desde un lugar poco convencional, llenar un auditorio de 1000 personas o una sala alternativa de 80 butacas, o en el peor de los casos hacer una exposición que no deja de ser terapia con público. Yo creo que si uno tiene claro qué es lo que está haciendo puede lanzarse sin más. En mi caso yo no pretendo hacer propuestas arriesgadas, no me sale otra cosa, y soy consciente de que no todo lo que hago llega o no se entiende, pero si existe por algo será.
¿Qué le dirías a un joven que empiece hoy en la danza?…
En cada clase no te olvides de tu cuerpo y sus posibilidades. Uno puede estar por encima de determinadas circunstancias, y aunque la imagen está muy relacionada con la danza, pensar sólo en ella no nos va a hacer mejores. Mirar dentro sería la clave, mirar cada hueso, cada músculo, cada órgano… y pedir a cada uno que realice su función, respetar la función del cuerpo y agradecer por ello. Para mi falta formación e información de quién somos y quién podemos llegar a ser. Veo a muchos que se lanzan con talento y poca formación. Y otros que se forman mucho y no arriesgan. La conciencia es el trabajo más duro, pero también es el que mejor resultados dará. Estar en esta profesión es una decisión y no es fácil.
¿Qué le pedirías a las Instituciones Culturales para la danza?…
Lo primero que me sale decir es que en general se habla mucho para no decir nada, así que se mueve también mucho para no contar demasiado. Las instituciones culturales están dirigidas por personas que lo hacen lo mejor que pueden, pero también se les critica mucho y supongo que con razón, no nos podemos equivocar tantos a la vez. A veces por falta de criterio, de profesionalidad o de muchas cosas que desconozco. Parece que la institución cultural es un ente feroz que decide si vales o no en cuestión de criterios personales o económicos, y no artísticos. Una pega que yo tengo aquí y ahora, es que cuando llamo a un gestor cultural, la gran mayoría de las veces está reunido, o tiene la programación cerrada y da igual lo que se insista, no importa el trabajo, sino la imagen que la institución o sus colegas tengan de los trabajos, no el real. Este tipo de respuestas que en algunos casos serán reales, genera desconfianza y poca credibilidad, al menos eso me pasa a mi. Y se da mucho. De 100 llamadas sólo se habla con dos personas. Entiendo el juego y el desborde, pero eso no justifica las formas. Ser honestos y entender que la institución cultural existe porque hay cultura sería el primer paso. Luego habría que diferenciar entre arte, cultura y entretenimiento. Y parece que la institución, hablando en general ha hecho distinción en dos apartados, entretenimiento y economía (que no estaba en mi lista). Pretender que todo tenga un resultado “salvavidas” es pedirle a un árbol que dé flores bajo una gran nevada.
¿Qué referentes en la danza internacional tienes?…
Pina Bausch siempre me inspiró, nunca falla o mejor dicho, nunca falló. Luego me gusta seguir la gran mayoría de los trabajos europeos. Anouk Van Dijk, siendo menos conocida me gusta mucho. Y por lo general trabajos concretos no artistas. Las grandes marcas de Bélgica no me llegan tanto, supongo que hay una explotación del factor sorpresa que como el chiste que se repite ya no hace gracia. Pero reconozco el talento y la fábrica de trabajos tan comprometida. Me quedo con el estudio. Ver a la gente de cerca me seduce más, y cuando veo lo que pasa fuera hay mucho que me toca en la cercanía y otro tanto que me aburre con su discurso intelectual.
¿Qué espectáculo de danza has visto últimamente que te haya interesado?…¿Por qué?…
Como acabo de decir, me quedo con la cercanía de los ensayos en movimiento. Ver de cerca a gente como Janet Novas, Laura Marrero, Carmen Werner o los bailarines que trabajan en mi compañía me despierta el alma. Cada vez necesito ver a la gente más de cerca. Los espectáculos no me conmueven. Prefiero cinco minutos de honestidad con el cuerpo que los grandes despliegues económicos.
Con todo esto no me puedo sacar de la cabeza algunos cuadros de la última obra de Angélica Lidell, aún siendo teatro, hubo momentos de pelos de punta; tuve la suerte de ver el estreno en Zagreb junto con otros trabajos de danza, y gana ella y su elenco en el sufrir del músculo.
Un espectáculo no deja de ser un viaje, y lo que pasa en los viajes se mueve entre el agrado y el desagrado, y más después de viajar tanto.
ETC en Cuarta Pared
Espacio Teatro Contemporáneo es un ámbito de investigación y desarrollo de nuevos lenguajes escénicos que, en colaboración con el Ayuntamiento de Madrid y Ministerio de Cultura, facilita a los profesionales de las artes escénicas realizar las búsquedas que no son posibles en las producciones habituales. Las propuestas escénicas contemporáneas y lo textos innovadores necesitan nuevas formas de presentarse en el escenario, pero las urgencias y las limitaciones que imponen los procesos de producción tan sólo permiten aplicar fórmulas preexistentes que desactivan la potencia y la carga renovadora de las nuevas propuestas.
ETC ofrece un espacio y un tiempo en donde poder trabajar sin la presión de los resultados inmediatos y contando con los recursos adecuados para desarrollar los procesos. El lunes pasado se presentaron los bocetos de los nuevos proyectos dramatúgicos, escritos por Lucía Carballal, Javier Hernando, Juan Pablo Heras, Eva Redondo y Albert Boronat.
QRLA
Mi barrio a capela en Cuarta Pared
Una vez más, la Compañía Cuarta Pared trata de sorprender con la puesta en escena de un teatro actual, escrito con un lenguaje innovador y diferente, que busca la sorpresa continua y además produce experiencias intensas en el espectador.La intención es hacer del teatro una experiencia única. Mi barrio es una obra coral en donde, a través de una sucesión de más de treinta pequeñas escenas, se nos muestra la vida de un barrio diferente, en él, sus habitantes prefieren compartir con el otro en vez de abusar de él. Pero ningún lugar es un paraíso si aparece la tentación y se convierte en un deseo inevitable aunque sea inútil. Con esta fábula, la Compañía titular de la sala vuelve a provocar en los pequeños la necesidad de jugar pensando.
Adolfo Simón
Viva el suicidio!!! en La Usina y Cuarta Pared
Una Forma Fácil de Acabar con Todo de María M. Cabeza de Vaca es un solo de danza-performance que reflexiona con sentido del humor sobre la existencia. Inspirado en un breve texto de la artista Louise Bourgeoiss: “7easy ways to end it all” que trata el tema del suicidio, utiliza el concepto final como motivo recurrente, tanto a nivel formal como argumental. “Final” entendido no como una manera definitiva de acabar con todo, sino como transición necesaria para cerrar etapas, es decir como “motor de cambios”. No hay mejor manera de enfrentarse al suicido y a la vida que con humor negro y con distanciamiento e inteligencia. De otro modo no es posible. La intérprete, en esta pieza, nos lleva por siete paisajes, como las vidas de un gato, para mostrarnos que el horror está a un paso de la carcajada y que si nos tomamos todo tan a la tremenda, igual nos perdemos algo interesante del guión. Así de caprichoso es el mundo, uno quiere suicidarse y termina descubriendo, al borde del precipicio, las respuestas a su existencia, este ocurría en Happy en de Borja Ortíz de Gondra que la Compañía Vaivén Teatro ha mostrado en Cuarta Pared. Una hipotética posibilidad que no está tan alejada de la realidad: Una empresa ayuda a suicidarse a todo aquel que está convencido de que ya le ha llegado el «final». Pero…el teatro es un espacio de sorpresas y a veces, incluso puede proponer dos finales diferentes, porque así es la vida…todo cambia si te tiras por la ventana o si en el último momento, decides dar un paso atrás.
Adolfo Simón
Los impostores en Cuarta Pared
Esta propuesta de los autores Enrique Bazo y Yeray Bazo, surgida dentro del proyecto ETC de Cuarta Pared, ha sido llevada a escena por la compañía canaria República Teatro. En estos tiempos de intolerable impostura, la historia muestra la familia como un continuum: lo que somos dentro determina lo que hay fuera, y el sentir de que somos una familia, un país, para observar con lupa como quedan atrapados en una tela de araña que ellos mismos construyen. Un espectáculo sencillo que muestra una forma peculiar de contar los entresijos enfermos del núcleo de la sociedad: La familia.
Adolfo Simón
Lo orgánico y lo tecnológico en Madrid en Danza
En el ecuador de Madrid en Danza, se han presentado dos propuestas similares por contrarias. Por un lado hemos disfrutado de la suma de lo tecnológico con el cuerpo humano en Moving in this World de Marie Brassard y Sarah Williams en Cuarta Pared, en la que, en un espacio virtual creado con proyecciones, la intérprete ejecutaba secuencias coreográficas fundiéndose con la luz y las formas proyectadas a su alrededor. Una muestra más de lo que puede llegar a ser la creación audiovisual sumada al latido corporal. Virtuosismo en estado puro. Y en Nave 73, Marina Mascarell presentó The Unreality of Time, un espectáculo compuesto de imágenes sensoriales donde casa secuencia nos remite a pasajes desérticos creados con los cuerpos de los bailarines en contacto con un suelo de tierra. Belleza inquietante a la que acompañó musicalmente el compositor neoyorquino Chris Lancaster.
Adolfo Simón
Broche de oro para cerrar las 29 Semanas Internacionales de Acción Educativa
Un año más se han celebrado las estupendas semanas de teatro y música para niñ@s que organiza Acción Educativa desde hace veintinueve años. Por la programación de este año, desarrollada en varias salas de la ciudad de Madrid, se han mostrado espectáculos para todas las edades con diferentes estéticas y propuestas escénicas. El cierre ha sido espectacular, en La Casa Encendida se representó: Tubos del mundo del colectivo Bufa & Sons de Cataluña, un concierto divertido, lleno de imaginación, en el transcurrir del mismo no solo podíamos deleitarnos con músicas que nos hacían mover los pies bajo el asiento si no que, además, descubríamos como se pueden construir instrumentos con materiales de desecho. Y la función que cerró la programación fue una versión de El Quijote presentada en Cuarta Pared por el colectivo de la Comunidad Valenciana: Bambalina. Carles Alfaro ha dirigido con suma sensibilidad el guión abstracto que ha escrito Jaume Policarpo. Una función especial a la luz de las velas. Como digo, un cierre de lujo para las jornadas de este año… Ahora toca esperar el XXX cumpleaños.
Adolfo Simón
Que Revienten los Artistas 
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