La CND presenta hoy en El Real su programa «de puntas»
Hoy, 14 de marzo, llegará al Teatro Real el programa con el cual José Carlos Martínez ha querido recuperar el lado «clásico» de la Compañía. Esta subdivisión, en la que se desarrollan proyectos relacionados con la técnica clásica, no quiere abordar lo que se entiende normalmente por ballet clásico, pensando sobre todo en los ballets Rusos, sino que también trata de abordar la modernidad y la vanguardia. 
Lo que podremos ver son piezas que van desde el neoclasicismo hasta nuestros días y que recogen esa técnica clásica. Es cierto que aún queda un trabajo por hacer a la hora de afrontar a esos grandes clásicos que todos tenemos en la cabeza y que por eso sólo vamos a ver la muestra del Cisne Blanco, pero, en compensación, tenemos un amplio abanico de obras, incluyendo «Who Cares» inspirada en Broodway y en las comedias musicales, es una pieza ligera, llena de vida y de humor.
Bajo estas premisas, en el programa que tiene como invitados a Lucía Lacarra y Marlon Dino, nos trae el famoso «Cisne Blanco» de El Lago de los Cisnes. Lacarra nos mostrará este paso a dos en versión de Ray Barra que implica una difícil técnica de la cual sale bastante airosa.
Pero también encontramos obras recientes que requieren la técnica clásica como «Holberg Suite», un trabajo creado en el año 2000 por Tony Fabre, que fue director artístico de la CND 2.
El programa se completa con «Tres preludios», de Ben Stevenson sobre música de Rachmaninov, una pieza neoclásica que se sitúa en una clase de danza. Los dos intérpretes ejecutan sus ejercicios de barra y esa cercanía, esa pasión común, hace que poco a poco los sentimientos de ambos vayan evolucionando hasta mostrarnos un sentimiento romántico.; «Who cares?», una de las obras maestras de Balanchine, sobre música de Gershwin.
Holberg Suite, de Tony Fabre
Para la segunda parte se ha reservado la nueva coreografía «Sonatas», del propio José Carlos Martínez con música de Scarlatti y el Padre Soler, una pieza basada en el vocabulario académico y la relación entre la música y el bailarín y creada a la medida de sus bailarines y acompañada por la pianista Rosa Torres-Pardo.
«Tres preludios», de Ben Stevenson
«Con este programa se ha pretendido dar una nueva identidad a la CND» en palabras de Martínez. Es un trabajo que requiere unos bailarines especializados en técnica clásica y tiempo para poder desarrollarla con total esplendor. Una nueva línea en la CND de la que esperamos muchos éxitos.
Luis Mª García Grande
Díptico del Festival de Otoño a Primavera
De nuevo a aflorado en la cartelera madrileña el Festival de Otoño a Primavera. En este caso han sido dos propuestas muy diferentes y al tiempo con cierta conexión en su discurso escénico.
Max Black de Heiner Goebbels / Théâtre Vidy-Lausanne
Heiner Goebbels crea un arte teatral tan refinado como su exquisita técnica instrumental, desarrollando un lenguaje muy personal donde confluyen estilos musicales aparentemente incompatibles. El genial director y compositor empleó textos de Valéry, Lichtenberg, Wittgenstein y Max Black para componer esta obra, que se ya presentó en en el Festival de Otoño de 2002. La peculiaridad de esta propuesta radica en como, la cotidianeidad de un investigador sumergido en su mundo, va generando una textura musical de gran espectacularidad, en un espacio que por momentos recuerda a las instalaciones de arte contemporáneo que podemos disfrutar en muchos de nuestros museos. Un concierto de objetos cotidianos instrumentalizados por la locura del protagonista.
Alexis, una tragedia griega de MOTUS
Una mirada al pasado con el fin de reflexionar sobre el presente. Así define la compañía Motus el leiv motiv de su proyecto Antígona, dentro del cual se enmarca Alexis, una tragedia griega, la pieza que la formación transalpina ha presentado en el Festival de Otoño a Primavera. Alexis, una tragedia griega es una investigación documental y poética sobre la complejidad de la historia contemporánea. Con ella, los artistas escuchan el latido de la actualidad, de lo que sucede en la calles cada día, y lo incorporan de forma constante e infatigable a su audaz trabajo sobre las tablas. Con Motus, el escenario se convierte en un ente dominado por una presencia coral, emotiva y conmovedora, donde fluye un texto de naturaleza fulminante e híbrida: sobre las tablas se dan la mano diálogos, entrevistas, reflexiones solitarias, intentos de traducción del griego al inglés y al italiano, fragmentos de audio y vídeo interactivos, descripciones de ambientes y paisajes, declaraciones políticas y un sinfín de testimonios. Un documento imprescindible para los artistas y espectadores de hoy, para que entiendan que los lenguajes contemporáneos no tienen porque estar reñidos con un discurso combativo. Una obra esencial.
Adolfo Simón
Teatralia: Hacedores de magia
Hay algo en común en las propuestas que he disfrutado este fin de semana en Teatralia: El uso de objetos y materiales para crear una poética nueva. No solo magia, que la ha habido, si no también manejo mágico de elementos para contar historias de otra manera.
Le Miroir aux fourmis(El espejo de las hormigas) de la Compagnie pupella Nogués
Le miroir aux fourmis es un haïku (poema breve de tradición japonesa) marionético, teatral y musical para niños pequeños. Un espectáculo que habla con humor y frescura del mundo que nos rodea, marcado por el ritmo del tiempo que va pasando, de las cuatro estaciones, del paso del día a la noche. Mezcla, con excelente habilidad, sonido, vídeo, poesía y cuento. El espectáculo presentado en el Círculo de Bellas Artes mezclaba expléndidamente diferentes lenguajes escénicos sin olvidar lo lúdico como un lenguaje expresivo más. Una propuesta de gran riqueza plástica que nos trasladó a paisajes de ensoñación
Prometeu de Lafontana-Formas Animadas
Prometeu, coproducida con la Casa de Música de Oporto y el Festival Internacional de Cortometrajes de Vila do Conde, es una performance multimedia inspirada en el tradicional teatro de sombras indonesio, el Wayang Kulit y su transposición en el universo de signos y referencias occidentales. Wayang significa, en javanés, iluminación e ilusión, pero también es un término utilizado para designar a las marionetas. La práctica de este tipo de teatro es milenaria y en Java (Indonesia) está considerado como la más alta manifestación de cultura del país. En este caso, el espectáculo presentado en el Teatro de la Abadía era de una plasticidad exquisita…el juego del dibujo sobre arena que se proyectaba en una pantalla, mezclándose a veces con otras filmaciones y sobre las que se superponían sombras recortadas, nos permitía entrar en los mil y un lugares sugeridos por la mítica historia. Además, el actor que manipulaba todos estos espacios visuales, nos iba relatando las peripecias de Prometeu con toques de humor y actualidad.
La Asombrosa historia de Mr. Snow de Antonio Díaz
Descrita por algunos de sus espectadores como un espectáculo de magia, humor, emociones y buena música, La asombrosa historia de Mr. Snow es un viaje de risas y de asombro donde el ilusionismo sirve de pretexto para contar una conmovedora historia llena de imaginación, humor, nostalgia y fantasía. Un universo en el que es posible que las mariposas se toquen sin tocarse, que la nieve inunde un espacio cerrado y que un pez adivine el pensamiento de un espectador. No siempre la magia tiene su espacio en Teatralia, por suerte, en los Teatros del Canal, este año se ha programado un espectáculo que va más allá de la convención de los trucos de magia, aquí había una historia que se iba cruzando con los diferentes números de ilusionismo.
El Gallo de las Veletas de La canica teatro de títeres
El Gallo de las Veletas es un espectáculo de títeres que combina el relato poético en las voces de dos actrices con el juego teatral de los protagonistas de la historia. La puesta en escena está caracterizada por la expresividad de los objetos, el poder evocativo de la música, los momentos de coreografía corporal y otros recursos teatrales. La canica consigue, en esta propuesta presentada en La Casa Encendida, que viajemos con el gallo hacia sus lugares soñados y disfrutemos de la transformación poética que le dan a objetos cotidianos; un trabajo sencillo y emocionante, gracias a la evocación y poesía que nos genera la recuperación de la memoria de la infancia.
Adolfo simón
Transición en el Centro Dramático Nacional
“Transición”, es una coproducción de Teatro del Temple, L’Om Imprebís, Teatro Meridional y el Centro Dramático Nacional, escrita por Alfonso Plou y Julio Salvatierra y dirigida por Carlos Martín y Santiago Sánchez, en un espacio sencillo, realizado por Dino Sánchez, se nos hace desfilar por momentos esenciales de la transición política española, yo era adolescente en esa época y reconozco todos ellos. Una historia que se estructura con un esqueleto musical, las canciones más de moda de esa época sirven de pegamento para la historia, Mariano Marín es el responsable y todos los actores cantan juntos y por separado, parece que está de moda, nos envuelven en algo casi tierno, Antonio Valero que encabeza el reparto hace un ejercicio estupendo de interpretación bien arropado por sus compañeros, tengo la impresión de que el magnífico Álvaro Lavín está un poquito desaprovechado, la historia desde el punto de vista de un Adolfo Martínez o Suarez desde su Alzheimer muestra la memoria de esa época. Entretenida, intenta aproximar ese tiempo al actual en tanto causa y efecto del presente político que vivimos, del consenso a la división, de la pérdida de valores a la demagogia individualista, pero no sé si quizá por reciente, o vivido para mucha parte del posible público, puede quedarse en algo que ya sabemos y no nos dice nada nuevo, bueno el caso es que habrá que verla y que cada uno opine lo que quiera, que para eso está el teatro.
Ángel Savín
Koozá del Cirque du Soleil
Las carpas blancas del Circo del Sol ya son una seña de identidad de esta compañía que ha devuelto la dignidad y la pasión por este tipo de espectáculos. Y nada más entrar a la sala, desde la animación previa a la función, ya se reconoce el sello estético del Cirque du Soleil. Cuando se apagan las luces, las mariposas revolotean en nuestro estómago ante la curiosidad de lo que surgirá del corazón de la pista central. Koozá tiene dos elementos que han desarrollado desde el principio, la teatralidad y la espectaculidad. Proponen un viaje de lo pequeño a lo grande…Una caja mágica depositada en el centro del escenario generará la locura de los payasos, la belleza de la música en directo y los números acrobáticos de gran riesgo. Aquí, en Koozá están los ingredientes esenciales du Soleil aderezados con magia y belleza. Una nueva ocasión para que el público de Madrid disfrute de esta experiencia exotica.
Adolfo Simón
La amante inglesa en el Matadero
Las Naves del Español-Matadero, en su sala 2, presenta estos días bajo la dirección de Natalia Menéndez, quién firma también la adaptación, la conocida obra de Duras. La responsabilidad y la culpabilidad, conceptos jurídicos bien diferenciados, se mezclan en el alma humana en sus acepciones más intimas cuando enfrentamos la comisión de un hecho delictivo tan grave como el asesinato y el descuartizamiento del asesinado. En una propuesta, que incluso podría haber sido desnuda, escenográficamente hablando, se nos propone, con acierto por Alfonso Barajas, un laberíntico jardín y un patio con sillas oxidadas y caídas, como nuestra mente y nuestra conciencia, la experiencia va pasando de un lado a otro de la balanza iguales sentimientos, dependiendo de cada momento concreto, en un interrogatorio estupendamente llevado por José Luis Torrijo, se desgrana la condición humana, desde el amor al odio, desde la razón a la locura, desde la emoción del recuerdo hasta la obstinación de un presente que ya no tiene solución, un ejercicio actoral magnífico, un gusto de las palabras con un José Pedro Carrión que nos hipnotiza con su voz y su presencia y una Gloria Muñoz que engrandece con su valiente y frágil interpretación el maravilloso oficio de actriz.
Ángel Savín
El malentendido de Albert Camus en el Centro Dramático Nacional
En ocasiones, la mejor manera de entender el presente es mirando al pasado. Albert Camus ya es un clásico de la literatura universal. Gracias a su pasión por el teatro nos dejó en herencia algunas piezas dramáticas esenciales para entender al ser humano. El malentendido es una obra esencial que partió de un acontecimiento real que impactó al autor. En ella, con un enfoque filosófico y trágico, se nos muestra como el ser humano, escondido en la caverna, luchará por la protección de la tribu. Pero, y ahí está el salto dramático que plantea el autor, el error del hombre puede llevarle a dar pasos en falso cuando más firme quiere pisar la tierra que hay bajo sus pies. La propuesta de Eduardo Vasco es sobria, en un espacio inmenso que deja en mayor soledad y fragilidad a los intérpretes-personajes. Todo el elenco se entrega para desvelar lo que Camus dejó escrito entre líneas en su texto.
Adolfo Simón
Dos propuestas para arrancar Teatralia 2013
BerrRRinche es un espectáculo de Hélène Ducharme tiene como tema principal el manejo de la ira en una relación entre madre e hijo. Fue presentada por primera vez en Québec con el nombre de La Crise en 2004. Llevan ciento cincuenta funciones realizadas con gran éxito entre Francia y Canadá. La nueva versión que se presentó en Teatralia 2013 es un proyecto de coproducción entre FiguraT S.C. (México) y Théâtre Motus (Québec), en el que participan creadores mexicanos y canadienses, con la intención de ofrecer el mismo espectáculo en dos idiomas, en español y en inglés. La plásticidad, manejo de títeres y trabajo actoral delicado hizo las delicias del público asistente.
Y…
En Corps ha sido creado por Laurent Dupont en colaboración con Agnés Desfosses y su Compañía ACTA. Es un espectáculo inspirado en la pintura de Picasso y Velázquez y en la tradición musical española. Composición visual y sonora viva, en constante evolución, dedicada tanto a público adulto como al infantil. No deja de ser curioso que dos artistas franceses, dos pesos pesados de la creación para la primera infancia, Agnés Desfosses con su compañía ACTA y Laurent Dupont dirijan su mirada hacia el patrimonio cultural español para componer este montaje. Una propuesta exquisita de gran carga de plasticidad.
Ignacio Sánchez
Málaga de Lukas Bärfuss en el Teatro del Arte
Málaga es un texto fantástico porque empieza y se desarrolla en una primera parte por derroteros cotidianos…Nos encontramos frente a una pareja separada haciendo un pulso por imponer su visión de cómo educar a la hija de ambos; una anécdota pequeña desencadena una guerra dialéctiva y física. Esta tensión personal en la enloquecida vida de nuestro tiempo, va dando un giro hacia una situación trágica y ancestral que nos lleva al rito en esencia. La segunda parte se convierte en una lucha al borde del precipicio por parte de los personajes; ya nada tiene que ver con la cotidianidad, ahí están, frente a frente, el animal primitivo que somos. Los actores transitan por este vértigo de sensaciones con aplomo, es un espacio aséptico y dirigidos con mano firme.
Adolfo Simón
La historia de Babar, el elefantito en los Teatros del Canal
La historia de Babar, el efefantito llegó a los Teatros del Canal. El cuento de Jean de Brunhoff, con música de Francis Poulenc, fue interpretado en directo por la Orquesta de la Comunidad de Madrid, dirigida por Andrés Salado. Un espectáculo que hizo disfrutar a toda la familia con una introducción didáctica para conocer las peculiaridades de los instrumentos musicales. La música y la narración del cuento hizo las delicias de todos los espectadores.
Ignacio Sánchez
“Todo por el dinero” de Antonio Gil y Zárate en la Compañía Nacional de Teatro Clásico
El teatro Pavón, sede la Compañía Nacional de Teatro Clásico, dentro de un ciclo de dramatizaciones, ha presentado ayer, bajo la dirección de Rosa Briones, “Todo por el dinero” de Antonio Gil y Zárate, en una rica versión de Ana Martín Puigpelat, y para gusto del espectador asistimos a una auténtica representación teatral, donde el hecho de que los actores llevaran el texto en la mano queda como una anécdota de la función, una ambientación acertadísima, moderna, de Jone González Sistiaga, una iluminación de Pedro Yagüe que recorre el espacio escénico generando ambientes y un espléndido vestuario hacen de la propuesta una auténtica representación, el ritmo de la pieza, que se adorna en las transiciones con la guitarra de Rainer Seiferth, genera una agilidad que convierte el verso de Gil y Zárate en una delicia, que en ocasiones nos lleva a la carcajada. Los actores soberbios, Francesco Carril, guapo galán, vivo y fresco, Petra Martínez, para llevársela a casa, Helio Pedregal magnifico, y Marian Arahuetes, Marcial Álvarez y Ángel Solo siempre al quite, que elenco tan estupendo, Rosa Briones que lleva la batuta, conocedora del teatro clásico como lo es, reivindica y eleva la comedia a un cielo que nos hace concebir esperanzas de que el teatro clásico sigue siendo una buena apuesta para hacer TEATRO con mayúsculas.
Ángel Savín
El Lindo Don Diego de Agustín Moreto en la Compañía Nacional de Teatro Clásico
El Teatro Pavón, sede la Compañía Nacional de Teatro Clásico, presenta estos días una versión de Joaquín Hinojosa de la comedia de figurón El Lindo Don Diego, de Agustín Moreto, dirigido por Carles Alfaro, una escenografía de Paco Azorín, espléndida, por lo moderna y barroca a la vez, espejos que descienden, transparencias y pantallas que permiten observar lo de atrás, un vestuario de María Araújo variopinto, mezcla de épocas, muy colorido y a la vez moderno, nos preparan para este divertimento del Narciso, para este enredo con final feliz, y para unos versos y figuras literarias de aliteración, anáforas y concatenaciones que hacen que el público ría con las repeticiones de Mosquito explicando a su señor si estaba y donde estaba porque allí estaba, un humor fino y los galanes, muy buena pinta el don Mendo, enamorados de las damas y don Diego de si mismo, para caer en el ridículo final. Edu Soto, pavonea con acierto su don Diego, Carlos Chamarro nos divierte con su Mosquito y un elenco que acierta en sus recitados, ya no gritados, como en otras ocasiones, y que dejan ganas de volver al Clásico, ojalá no se pierda nunca y el público sepa que tenemos clásicos para rato.
Ángel Savín
La sombra de Lear de Ultramarinos de Lucas en Cuarta Pared
Ultramarinos de Lucas, compañía de Guadalajara, cumple 18 añitos y viene a celebrarlos a su casa de Madrid, que no es otra que la sala Cuarta Pared, y nos presenta un Shakespeare, con dos… y lo hace desde lo más profundo de su ideología y de su manera de entender el teatro, la búsqueda, el ensayo, esa deriva hasta que se encuentran los anclajes de un texto, y aciertan, nos cuentan El Rey Lear, aunque no quiera su protagonista y nos hace participes de un proceso de trabajo con comentarios dirigidos desde el actor al espectador, con fina ironía y mucho humor y nos enseña la tragedia haciéndonos ver, por enésima vez, que se puede hacer teatro con cualquier cosa, una zapatilla, la cabeza de un maníqui, un velo… y en las manos adecuadas todo adquiere vida y es un gozo para el que lo ve. Una adaptación e interpretación de Juan Berzal, que sale muy airoso de estar casis dos horas, él solito, frente al público y dirigido por Jorge Padín, una puesta en escena honesta y que obtiene la recompensa de una gran ovación, no podía ser de otra manera, feliz cumpleaños y seguid celebrándolo para que nosotros lo veamos.
Ángel Savín
La vida en tiempos de guerra de Saraband Teatro en La casa de la portera
Hay un principio delecioso en esta adaptación libre y actualizada de Casa de muñecas de Henrik Ibsen…Los actores, copa de vino en mano nos dan la bienvenida con una canción que se cuela suavemente en nuestros oídos, a continuación, dicen unas frases celebres sobre la dificultad de amar, nombrando al autor de las mismas. Cuando este momento se evapora, entramos en otra propuesta escénica, una suerte de teatro naturalista donde se nos muestra una versión actualizada de la obra de Ibsen, todo parece que fluye, los personajes creados hace más de un siglo podrían existir hoy. Una de las cosas positivas de esta propuesta es el equilibrio que se ha dado a todos los personajes de la obra, las cinco columnas sobre las que se asienta la historia tienen prácticamente la misma importancia, son, en definitiva…unos niños inmaduros atrapados en experiencias adultas. La primera parte transcurre bastante fluída pero a partir del ecuador, todo empieza a dilatarse y las situaciones crispadas lo son excesivamente. No se qué hubiera pasado si aquella imágen inicial hubiera sobrevolado sobre toda obra…
Adolfo Simón
La lengua en pedazos en el Centro de Arte Fernán Gómez
Juan Mayorga se estrena en la faceta de director y lo hace de manera humilde e inteligente. Podría haberse planteado un proyecto aparatoso con grandes medios pero sabe muy bien como funciona esta profesión y que todo el mundo está atento a lo que hacen los demás, para ver si brillan en aquello que acometen. Juan Mayorga ha escrito un texto apropiado para crear pulso escénico y acción emocional. Está claro que le fascina el personaje de Santa Teresa pero podría haberse quedado en un monólogo donde la visionaria mujer expresase sus zonas claras y su mundo oscuro, y no, la pone frente a un contrincante para que el combate dialéctico exista. Y siguiendo en la línea de dar pasos firmes, plantea una propuesta sencilla donde una mesa y dos sillas pueden ser una cocina, el espacio de confesión o el lugar de juicio. Y se rodea de dos actores curtidos en la escena, no cae tampoco en la tentanción de elegir a dos figuras de relumbrón que no entren al corazón de su idea. Y así, el resultado es un trabajo equilibrado y ajustado, en el que hay grandes dosis de todo lo que precisa un espectáculo teatral para que interese a múltiples tipos de público.
Adolfo Simón
La Verbena Postmoderna en los Teatros del Canal.
¿Cuantas veces habrán intentado actualizar La Verbena de la Paloma desde 1894? Seguramente muchas. Ahora nos encontramos en los Teatros del Canal con la Noche en la Verbena de la Paloma de Marina Bollaín. Una adaptación que pretende ser un reflejo de nuestra sociedad actual, revisitando el libreto y reinterpretando de nuevo el manido tema del amor, los celos y la sociedad que nos rodea. Pero hay cosas que nunca cambian, o por lo menos no han cambiado desde el XIX, y hay cosas que cambian demasiado rápido como para adaptarse constantemente: cambiemos las corralas por la peluquería, cambiemos al viejo boticario por un chulo-liga-maduras, cambiemos las tabernas por un disco bar, cambiemos las chulapas por chonis (total, empiezan por ch), cambiemos a Julián, el cajista a la profesión de butanero…y hagamos un retrato de este momento…y tendremos una zarzuela postmoderna. Una visión colorista, un divertimento, unos diálogos bien adaptados y mezclados con típicos chascarrillos de actualidad. La escenografía, a lo 13 Rue del Percebe, o a lo colmena humana potenciada por la burbuja inmobiliaria, es potente y efectiva, ofreciendo un resultado innovador y ágil.
Nos encontramos entonces con una obra fresca y entretenida, para pasar un buen rato y que merece la pena ir a ver pero tenemos un problema: Reponer obras. Lo que hace un año podía ser fresco ahora ya se ha pasado de moda, el año pasado se llevaba el cardado a lo Amy Winehouse, este año no podemos ni ir a la peluquería, ni salir a tomar una copa y lo de ir a la verbena, no nos engañemos, ya no se lleva.
Este es el peligro de hacer adaptaciones…
Luis Mª García.
El café-la comedia del dinero en el Teatro de la Abadía
Se estrena en el Teatro de la Abadía una obra de Fassbinder…El café, inspirada en la obra de Goldoni. El autor alemán fue un provocador y suversivo creador, en este texto trata de denunciar una sociedad a la deriva, por tanto, hay muchas razones hoy en día para llevar a la escena este texto y es muy elogiable el empeño que los actores hacen aportando su sueldo a la producción para que esta se pudiera llevar a cabo. La posibilidad de conseguir que un espectáculo sea un acontecimiento teatral es un misterio, si hubiese una fórmula todos harían uso de ella. Aquí hay muy buenas intenciones sobre el papel pero creo que se han dejado seducir por la posibilidad de establecer un discurso formal poco habitual en la puesta en escena y la interpretación, creando un distanciamiento enorme, alejándonos de los personajes y sus circunstancias y por tanto, quedando ajenos a sus peripecias, salvo el dueño del café que es nuestro puente con la historia. Una obra como esta hay que hacerla accesible porque es muy necesaria hoy.
Adolfo Simón
Autopsia de José Manuel Mora en la Sala Triángulo-Escena Contemporánea
Autopsia es una propuesta que surge de la colaboración de tres líneas artísticas, la necesidad de reflexionar sobre el dolor por parte de Fernando Soto, la escritura sobre la búsqueda actoral de esta idea por parte de José Manuel Mora y la construcción espacial de un universo donde habiten las preguntas y respuestas del proceso y que ha diseñado Mónica Boromello. Da gusto ver como un equipo que trabaja en diferentes proyectos para la escena, se encuentra en este tipo de viaje sin saber cuál será el puerto al que llegue finalmente el barco. Hay momentos en el espectáculo muy bellos y pontentes. Hay textos profundos en boca de un actor comprometido con la escena y hay una propuesta espacial que en si misma es una instalación poética que grita constantemente el dolor sobre el que todos ellos reflexionan y por el que transitan. Tal vez, me sobró el humor, que por momentos, me parecía de otra obra.
Adolfo Simón
Mirage Compañía de Teatro en el Matadero-Escena Contemporánea
Acudir a ver ¡Quieto todo el mundo! el 24 de febrero justo después de la marea humana que había llenado las calles de muchas ciudades de nuestro país el día anterior, me inquietaba sobre manera. Fuí esperando encontrar un espacio de reflexión profunda sobre lo que había ocurrido aquel fatídico 23-F o una conexión con nuestra realidad. Y claro que la propuesta tiene que ver con pensar sobre unos acontecimientos que hicieron temblar los cimientos de la democracia en este país, como en tantos otros ocurrió. Pero salí con la sensación de haber asistido a una animación sobre el tema, me desconcertó que un grupo de jóvenes actores tuviese un discurso tan ligero sobre algo tan terrible, sin duda, tenemos que reflexionar por qué nos cuesta tanto enfrentarnos a corazón abierto sobre los temas que pueden llegar a pudrir nuestro futuro.
Ignacio Ribes
Los Cenci de Artaud en el Teatro Español
Artaud es una figura clave para entender la evolución del teatro contemporáneo del siglo pasado. Los Cenci es un texto que fluye de la realidad para instalarse en el universo de las pesadillas, está escrito con sangre de sueño. Sonia Sebastián establece un pulso muy interesante con las palabras e imágenes del autor, lo exprime y comprime en la escena hasta llegar a su esencia. Hay momentos prodigiosos visualmente y un grupo de actores jóvenes que se entregan ceremonialmente a lo que se quiere dibujar con la tinta extraída de las venas de Artaud. Solo hay dos pequeñas objeciones…¿Por qué los actores de otras generaciones no entienden que un personaje puede ser algo más que postura y declamación?…Y la luz…Hay momentos de atmósferas inquietantes…pero en otros, la luz es demasiado plana y abierta. Aún así, Los Cenci es un viaje deliciosamente decadente que debió tener mejor respuesta por el público de nuestra ciudad.
Adolfo Simón
La isla del tesoro en SanPol
Madrid tiene otros espacios más allá de la Gran Vía para el público que gusta del teatro musical. En Sanpol vienen produciendo espectáculos de formato multidisciplinar desde hace mucho tiempo. Los títulos son muy conocidos y su tratamiento busca el deleite de toda la familia. En este caso, La isla del tesoro, se plantea desde la aventura y la música. Durante casi dos horas, los pequeños y sus familiares se sumergen en un viaje a la búsqueda del tesoro. Con pocos elementos y un plantel de diez actores, crean múltiples espacios y situaciones que aderezan con canciones y coreografías pegadizas, sin duda, una opción más de ocio en la maltrecha cartelera de nuestra ciudad.
Ignacio Sánchez
A por todas! de David Mamet en el Círculo de Bellas Artes
De nuevo un Mamet en la cartelera de Madrid. Es un autor imprescindible hoy en día para entender la sociedad en la que vivimos. En esta ocasión, hace un retrato corrosivo sobre el funcionamiento de la industria cinematográfica en Estados Unidos. En un despacho donde se decide cómo y qué cine hay que producir para hacer negocio, dos aves de rapiña se relamen pensando en las estrategias para llevar a cabo sus planes, un tercer personaje entrará en juego para hacer más compleja la trama. David Mamet escribe historias y personajes que aunque vivan en un lugar alejado a donde se represente, podemos igualmente reconocernos en ellos, en sus miserias y sus deseos. En esta ocasión, la propuesta se decanta por un planteamiento sin referentes concretos, para no caer en la tentación de los localismos. Ornitorincs realiza un montaje que podría funcionar perfectamente en la cartelera comercial de cualquier ciudad.
Ignacio Ribes
David Larible en The Clown – Circo Price de Madrid
A David Larible se le considera el mejor payaso del mundo. Ha trabajado en los circos más importantes del mundo y fue el ganador del Clown de Oro de Montecarlo en 1999. En esta ocasión, nos ha presentado The Clown, su nuevo espectáculo para todos los públicos, el él hay una recopilación de los mejores momentos de su carrera. Hasta ahora no se había presentado en nuestro país y hay que decir que ha conectado perfectamente con la peculiaridad de nuestro público. David Larible maneja el escenario como pocos, se mueve por todas partes atendiendo casi personalmente a cada espectador, uno termina pensando que hace el show a cada uno, de manera individual. Se nota que tiene una larga experiencia en provocar la risa con apenas un gesto y en hacer cómplice de su locura y juegos a todo aquel al que le propone salir a la arena del circo.
Ignacio Sánchez
El sur de Europa/Días de amor difíciles de La Tristura en Cuarta Pared-Escena Contemporánea
El teatro no morirá nunca…o si, no se…Un deseo constante es…Que se de relevo en el testigo para seguir usando esa caja negra que es la escena como un espacio para el compromiso de una sociedad con su tiempo y seguir elevando la poética teatral, adaptada a nuestra época. Si el teatro que se considera joven y promesa para el futuro tiene que sumergirnos en el desconcierto mientras estamos en el patio de butacas, pues no se si llegarán tiempos mejores o este discurso es el que corresponde a este tiempo incierto que vivimos. Uno puede subir a un escenario y más si le dan la ocasión, a contar lo que quiera y como quiera. Otra cosa es que se convierta en el acontecimiento de la temporada y que todo el mundo de el beneplácito por no llevar la contraria a la masa. Las tres escenas que ha presentado La Tristura en Escena Contemporánea son un diálogo en la niebla de dos jóvenes que estuvieron enamorados tiempo atrás…Un karaoke desafinado en el que si hubiera aparecido Chabela Vargas con su pistola cargada no habría disparado a los globos y una copia ligera de La voz humana de Cocteau; la primera y la tercera hemos de oírla a través de unos auriculares…¿La razón?…Si este es el teatro que corresponde a las nuevas generaciones…¿?.
Adolfo Simón
Que Revienten los Artistas 
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