MÁS MORENTE MÁS o EL ARTE QUE NO CESA
El Price de Madrid ha presentado durante los días 17,18 y 19 de este frio mes de enero un Memorial llamado Morente Más Morente, organizado para homenajear al desaparecido Enrique Morente, el sábado 18 tuve el inmenso placer de asistir y pese al frio madrileño el sol brillaba por todo lo alto en el interior del Price y la luna movía su bata de cola y nos llenaba del espíritu de D. Enrique que nos tocaba las palmas y nos cantaba al oído. Aparecieron en el escenario soleás, seguidiyas, fandangos, alegrías y hasta rap flamenco y flamenco-blues. Wyoming y Juan Luis Cano nos introducían con alegría y buen humor en cada una de las partes de un espectáculo que iba más allá, David Dorantes inundó el espacio con sus maravillosas manos y el piano era cante y baile y la emoción se metía por el cuerpo con notas imposibles, Pitingo nos daba arte a raudales en un flamenco nuevo y hermoso, Carmen Linares, como siempre, nos llenaba el corazón con su cante que sale de lo más profundo de los sentidos, Juan Carmona Habichuela hijo, nos decía que la guitarra es más que música, Tomasito, un trozo de arte puro, nos deleitaba con su talento y nos llenaba de juventud y alegría, Diego Carrasco rompía el aire y todavía había más, a todos había oído alguna vez y de algunos era fiel seguidor, pero aparece en escena una hembra por los cuatro costados, guapa, guapa como se dice en el Sur, Argentina, de Huelva, y su voz se mete en el alma y vibras con ella hasta el infinito y te enamoras, y si esto no era suficiente Arcángel sale a la palestra y abre los cielos o como quiera que se llame al lugar donde todo lo que se siente es gloria y ahora tocaba rematar la faena y Farruquito se retuerce en el aire y taconea y gira las piernas y los brazos para decirnos que el hombre sabe volar. Todos ellos dirigieron palabras hermosas, llenas de verdad y de cariño por D. Enrique Morente al que llamaron maestro de maestros y su mejor frase el Flamenco es el camino hacia la libertad, y señoras y señores es verdad, porque el sábado cuando volví al frio de Madrid mi corazón era más cálido y mi espíritu más libre. Gracias por todo D. Enrique y que siga Más Morente Más.
Ángel Savín
MADferia en Madrid
MADferia Artes Escénicas de Madrid, feria promovida por ARTEMAD, nació en el año 2005 con el propósito de convertirse en un mercado de referencia en el sector de las artes escénicas. A lo largo de sus ediciones, MADferia se ha ido situando como un elemento sumamente útil en la intersección entre el sector profesional (programadores, distribuidores, agentes, productores, empresas, etc.) y las compañías y artistas nacionales.
Así, MADferia se ha consolidado como una cita anual para los profesionales con intención y capacidad de compra-venta. No obstante, considerando su dimensión cultural, MADferia está diseñada para abarcar a todo aquel profesional interesado en el sector de las artes escénicas, así como al público en general que desee participar de sus actividades y espectáculos.
MADferia es la única feria de artes escénicas del Estado español organizada por empresas productoras y que se realiza en la Comunidad de Madrid, convirtiéndose así en uno de los focos fundamentales del sector escénico nacional, captando a su vez, la atención del panorama internacional.
Durante la última semana se ha llevado a cabo de Décima edición, permitiendo de nuevo en encuentro profesional de las artes escénicas nacionales.
ESCENOGRAFÍA Y PLÁSTIICA TEATRAL en la obra de José Luis Raymond
Pensar en el espacio escénico ha sido pensar en el volumen que él representa. Estos conceptos fueron surgiendo en mi trabajo ya desde muy joven, puesto que siempre he visto al cuerpo como objeto en un espacio rodeado de otros objetos y en conjunto participando de un todo, con el color, la luz, la textura y su contextualizad. Podríamos decir que son las bases de la composición plástica, pictórica, llevada a la tridimensionalidad.
Es cierto que estas ideas me llegan desde muy joven, donde percibo y trabajo con la plasticidad y la forma a la hora de contar una historia teatral. Intuitiva pero que a lo largo de mi carrera se va concretando en ciertas obras y que se aproxima a los desarrollos de otros autores y artistas anteriores a mí. Descubro un camino que tenía que seguir y que en España en los años 70 y 80 faltaba por desarrollar, solamente se presentaba en la plástica como los desarrollos de los performances y las acciones teatrales, sin la dramaturgia visual como desarrollo y estudio del hecho teatral.
El crear espacios teatrales incluyendo las historias que contar o expresar fue lo que me llevó a desarrollar un trabajo que por mi mentalidad abstracta, me hacía huir de la narración convencional aristotélica. Esta idea ya se trabajaba en artistas y escénicos del este de Europa, además de ser escenógrafos, también utilizaban la historia teatral para dirigir sus propios espectáculos, llamados Directores de Teatro Plástico y que hoy en día siguen desarrollando esa labor investigativa. Con esta figura me identifiqué desde el primer momento, siendo E. G. Craig, Tadeus Kantor, La Bauhaus y las corrientes de las vanguardias históricas las que hicieron que me fuera conformando mi pensamiento teatral plástico y espacial.
Con estos elementos como conceptos para entender el mundo de la representación, más los estudios en Bellas Artes y en teatro hace que funde una compañía de teatro,” Intervalo Teatro Studio de Bilbao” y “La Escuela de Teatro de Getxo,” donde pongo en práctica la concepción plástica teatral alejada de la decoración tradicional y el desarrollo escultórico de los personajes junto con sus movimientos y sus acciones como objeto escénico y narración o dramaturgia visual del espectáculo. Polonia en los últimos años del comunismo, hace la labor siguiente, la de concretar el trabajo anteriormente estudiado y céntralo en lo que iba a ser mi trabajo presente.
Mi llegada a Madrid fortuitamente hace el resto. Sigo con el desarrollo de trabajo en la Dirección escénica plástica y comienzo con la investigación de introducir estos procesos en los estudios de la RESAD, donde sigo en la actualidad enseñando y mostrando estas premisas de espacio plástico. Este trabajo lo compagino con la creación de espacios escénicos y escenografías para compañías privadas o estatales. Pedagogía y creación, dos elementos necesarios para seguir creando y enseñando. Arte y vida.
A través de estos años me he encontrado siempre con un dicotomía entre la investigación plástico espacial y la narración teatral. Cómo introducir los conceptos plásticos contemporáneos en la actualidad teatral? Esta pregunta es la que me ha llevado a la investigación desde la enseñanza a la creación teatral. Por un lado sigo trabajando con los estudios espaciales en el ámbito de la narración teatral y que en pocas ocasiones se pueden presentar en escena y por otra, un desarrollo escénico más tradicional donde me encuentro con equipos que no conocen el desarrollo plástico contemporáneo y siguen pensando en conceptos que dejan poco ámbito a la creación e investigación, resintiéndose la puesta en escena.
Después de más de 30 años de profesión el balance es positivo en cuanto sigo trabajando por adaptación al medio y por conocer el espacio de creación que se produce en el país, y donde la investigación desde hace pocos años ha comenzado a institucionalizarse con profundos estudios y donde se ha hecho que la enseñanza teatral sea un espacio creativo y el teatro una pedagogía investigativa.
Montenegro es ese espacio donde las ideas anteriores se expresan con claridad. Espacio y cuerpo, espacio y objeto. Escenografía al completo.
Desde hace bastantes años trabajo con el dramaturgo y director de escena Ernesto Caballero y hacemos un buen tándem de conocimiento escénico y personal. Imprescindible para entender el pensamiento de la puesta en escena. Es este compendio de entendimiento y gusto por una determinada mirada de ver la plástica y el universo teatral, el que hace que Montenegro sea otro trabajo más a preparar con minuciosidad y proceso creativo. Ernesto desde el primer momento ya me comunicó la idea de un puente que reflejara, por una parte la trayectoria del personaje central de Montenegro, su recorrido y por otra parte el lado costumbrista de la zona donde se desarrollaban las tres historias. Galicia…El resto, quiero decir el concepto global de este personaje “el puente”, fue creciendo en color, forma, textura y luz a través de los ensayos y las necesidades que los actores iban necesitando para darle más vida, para ser un compañero más de actuación.
Al tiempo que se representaba Montenegro en el CDN, en la Sala Valle Inclán, se encontraba en cartelera otra obra también diseñada y realizada con Ernesto Caballlero, “Doña Perefecta” de Benito Pérez Galdós y que se reponía con el éxito de la temporada pasada.
Además había presentado en el Museo del Prado, otra escenografía para una obra de Calderón, “Dar todo y no dar nada” con dirección escénica de Nuria Alkorta, se reponía la obra “Málaga” con dirección de Aitana Galán, “Tres hermanas” de Chéjov con dirección de Jesús Salgado, y algunos montajes más con alumnos de la RESAD, sin olvidar el trabajo de investigación espacial al que sigo fiel.
En la actualidad estoy en dos proyectos escenográficos y dos Puestas en escena, sin confirmar, por lo que no puedo comentar nada hasta que no estén más desarrollados y avanzados los proyectos.
Algunos de estos posibles proyectos vienen dados si el famoso y aterrador 21% de I.V.A sigue afectando al teatro, al cine y en general a la cultura, tanto a los creadores como a los receptores del hecho creativo. Se siente y se percibe que han dejado de consumir cultura un gran número de público y esto está haciendo peligrar a los sectores culturales y sobre todo a los creadores. Solamente bajarlo y ponerlo al nivel de los países europeos, hará que haya una atracción más plena y más sugerente de atraer más público a los recintos artísticos.
Veo bastante creación artística tanto de los nuevos creadores porque me encuentro en la enseñanza de estos o de ideas de creadores que no siendo tan jóvenes realizan procesos en ocasiones más novedosos que los anteriores. Desde que se han institucionalizado las enseñanzas artísticas los procesos han evolucionado de tal manera que hoy en día hay pocas diferencias creativas entre países, aunque sí hay diferencias de realización y de concepto, y por sus presupuestos económicos sociales y culturales.
De esta manera, estoy viendo grandes ideas, buenos profesionales individuales, creadores que con otro proceso de trabajo y ayuda, estarían en la vanguardia universal y que se quedan mutilados por falta de estas ayudas y de tranquilidad creativa. La tranquilidad viene dada por la estabilidad emocional y por el apoyo moral a su trabajo.
En la actualidad la creación llega desde la necesidad, aunque esta siempre ha estado presente en el desarrollo creativo y nuestra generación ha crecido con ella, el teatro independiente de los 8o, era eso, la crisis actual. Ver, observar, ser curioso y trabajar son los conceptos para participar de la creación. La economía ayuda.
La formación escenográfica ha crecido y está comenzando a dar sus resultados más globales en las artes escénicas, desde que han aparecido los estudios específicos tanto de estos como de otras disciplinas artísticas. La escenografía siempre ha estado presente en nuestros teatros, mejores o peores, pero siempre han sido admiradas por el público porque les colocaban en espacios que imaginaban y que les gustaría estar. Los estilos artísticos les han acompañado, y se han ido desarrollando al tiempo que la evolución del arte. España ha tenido y tiene grandes artistas que las diseñan, que las hacen visibles para que el conjunto de creadores que trabajan en la escena, entre todo formen parte del cuadro viviente que es la escena.
Los escenógrafos actuales son los artistas actuales que reflejan lo que viven y lo que necesitan para contar sus historias de manera expresiva y que nos dan con su creación la posibilidad de dibujar el futuro, su futuro y nuestro futuro. Del arte a la escena y de la escena al arte.
Teatro del barrio, un espacio de encuentro
Cuando el teatro se convierte en un lugar donde el pueblo no puede interactuar con él, deja de tener el sentido profundo por el que nació. El teatro siempre ha sido el parlamento vivo del ciudadano, cuando aparece una dictadura, lo primero que se prohíbe es el teatro. En estos tiempos de crisis, hasta los cómicos están confusos y terminan perdiendo el sentido de por qué hacen teatro, y de eso se beneficia el poder ya que no hay nada más inútil que un cómico marioneta. La cartelera está llena de centros oficiales que tratan de hacer el teatro que corresponde a estos tiempos, hay salas que sobreviven haciendo lo que pueden y hay grandes templos dedicados a divertir y entretener. En Lavapiés, barrio particular por excelencia de Madrid, una antigua sala se ha transformado y ha cambiado de nombre, ahora es EL TEATRO DEL BARRIO y ese es su primer objetivo, acercar la escena, en principio, al entorno del lugar…Viendo sus propuestas se descubre el objetivo que pretenden…Un lugar de diálogo con el ciudadano. Hay en su programa opciones de música, de baile, de teatro, de intercambio en definitivas cuentas. Lavapiés ya tiene un teatro para que el pueblo tenga un espacio de diálogo. El Teatro del Barrio abre una nueva línea para la escena madrileña.
Adolfo Simón
Scena Simulacro: nueva sangre en el teatro
A mediados de abril, Scena Simulacro contactó con The Zombie Company para proponernos la dirección de la grand finale del festival de nuevas tendencias teatrales. La programación había iniciado su andadura ese mismo mes y las siete compañías emergentes ya desfilaban por los cuatro espacios escénicos en los que, por primera vez en esta edición, se repartían los espectáculos: el Sol de York, la Sala Tú, el Garaje Lumière y Azarte.
La grand finale de Scena Simulacro se presentó el martes 7 de mayo en El Sol de York. Al escenario subieron las tres compañías finalistas del festival, La Panda de Yolanda, Teatro Colaborativo y Teatro al Punto, y representaron un fragmento a su elección de las obras. Habían llegado hasta ahí gracias al voto propicio de un jurado plural que se presentaba noche tras noche en las diversas salas. No obstante, durante esta velada sería al público asistente a la grand finale a quien le correspondería decidir el ganador de Scena Simulacro de este año.
La presentación del acto corrió a cargo de la Toñi, Lucía y Ángel, trío de personajes rebeldes y alocados con un sentido común tan aplastante que desarma cualquier impostura y dramatis personae de Elepé, obra de The Zombie Company interpretada por Fran Arráez, Carmen Mayordomo e Iván Ugalde en La Casa de la Portera.
La primera compañía en presentar su trabajo fue La Panda de Yolanda con Üiqüi’s, una propuesta inicialmente de manipulación de objetos que transporta al público, gracias a su escenografía portátil, a los entresijos que acontecen en los bastidores entre los manipuladores. La compañía procede de Valencia y está constituida por David Durán, Raquel Hernández, Merce Tienda y Josep Maria Zapater.
Le siguió Teatro Colaborativo con Borderline, monólogo postdramático que reproduce sobre el escenario la ilimitada capacidad de la mente humana para estallar como metralla ante una situación extrema. Este espectáculo es una creación del autor y director Rodrigo Hernández y la intérprete Karina Eguia y aúna creadores de España y México.
Los madrileños Teatro al Punto presentaron un fragmento de La Violence variétés, espectáculo con un lenguaje escénico colmado de inquietudes, procaz y cuya mayor violencia radica en desnudar la verdad de las vidas de sus personajes ante el público. Actúan Carmen Barquilla, Laura Moreno, Javier Prieto y Fernando Mercé bajo la dirección de Paloma Rodera.
Llegados al final de la velada, se entregaron los premios. Teatro Colaborativo recibió el Premio del Público La República Cultural, entregado por Julio Castro, director de este medio cultural. Finalmente, el Premio al Mejor Espectáculo lo recibiría La Panda de Yolanda de parte de los organizadores del festival, Rafa Romero de Ávila, Mélanie Pindado, Natalia Ortega y Raúl Baena, consistente en volver a actuar durante la temporada 2013-14 en la sala donde fueron programados durante el festival, en su caso en el Garaje Lumière.
¡El año que viene, más sangre teatral nueva!
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Podéis completar este artículo con:
Más información sobre las compañías finalistas en sus correspondientes páginas en Facebook:
La Panda de Yolanda (http://www.facebook.com/pages/La-Panda-de-Yolanda/295071893930570)
Teatro Colaborativo (http://www.facebook.com/BORDERLINETEATRO)
Teatro al Punto (http://www.facebook.com/teatro.alpunto)
Más información sobre Scena Simulacro: http://mrsimulacro.wix.com/scenasimulacro
Carlos Be
Titirimundi en Madrid
De plástico…
L’apres midi d’un foehn ha presentado en Madrid una propuesta nada habitual en el universo de los títeres y objetos, casi de manera mágica, un mago ilusionista crea una figura a partir de recortar una bolsa de plástico, otras figuras se irán sumando a la anterior que, mecidas por el aire de unos ventiladores, bailarán al son de una música inquietante. Novedosa manipulación de materia.
De madera…
Sogolón hizo las delicias de todos los viandantes que transitaban por la plaza de Lavapiés, al aire libre y sumergidos en la voz de un narrador, las marionetas y muñecos de esta compañía evocaron fascinantes ritos ancestrales.
De cuentos…
Titiiriteros de Binéfar ha traido hasta el corazón de Madrid «En la boca del lobo», un puñado de adivinanzas, canciones y cuentos populares para deleite de niños y mayores…Con grandes dosis de humor, música en directo y unos títeres sencillos nos hiceron una tarde agradable al aire libre.
De madera e hilo…
Todos conocemos el cuento de Blancanieves pero siempre hay una posibilidad de recontarlo como lo hizo la Compañía Vita Marcìk de la República Checa con su tradicional teatrito de madera lleno de sorpresas bajo sus hilos.
De mopas y tijeras…
La fauna animal es enorme, en nuestra cabeza se guardan las formas de todos ellos, los reconocemos con tan solo ver su silueta. El Retablo sabe que puede jugar a sugerir que una mopa sea una oveja o que con unas tijeras recortemos elefantes en una cartulina.
De fragilidad y palabras…
Michèle Nguyen con Vy nos traslada a la infancia y sus paisajes reales e imaginarios, por momento se convierte en los personajes que le dan la réplica al pequeño títere y de golpe se transforma en la sombra del mismo. Una propuesta mágica en su sencillez.
De cachiporras…
El Retablillo llenó de disparate y juego la plaza de Lavapiés con su obra Encierros, una tradicional propuesta que deleitó a los congregados.
QRLA
La Reina del cuplé ha muerto…Viva Sara Montiel!!!
Tras el estreno en 1957 de El último cuplé, este género musical ha estado inseparablemente unido al nombre de Sara Montiel. Ella contribuyó a recuperar y popularizar unas canciones que, en muchos casos, estaban casi olvidadas. La reina del cuplé es un homenaje a esta artista recientemente fallecida. Tres excelentes cantantes de hoy y una magnífica actriz se encuentran en un espectáculo creado por Pedro Víllora, escritor a su vez de las conocidas memorias de la estrella: Vivir es un placer. Entre todos recordaron a ese singular mito del cine que fue la insustituible Sara Montiel: su vida, su tiempo, su trabajo, su arte, su música.
Hay personajes que uno piensa que no morirán nunca y tal vez es así, Sara Montiel no morirá nunca porque estará siempre en nuestra memoria, en aquellas sesiones continuas de cine en las que los niños pequeños nos colamos bajo el abrigo de nuestra madre para ver el estreno de sus singulares películas. Con ella crecimos, con su aureola mágica…su aire de divina, de ser libre por encima de todo. No importa lo que un personaje haga en su carrera, lo que importa es la impronta que deja en los que les miran y les han seguido durante años. Por eso, la Reina del cuplé puede haber muerto pero el mito de Sara Montiel pervivirá por siempre en nosotros…Viva Sara Montiel!.
Adolfo Simón
‘Fiestas del 2 de Mayo de la Comunidad de Madrid 2013’
‘Fiestas del 2 de Mayo de la Comunidad de Madrid 2013’ , que se desarrollarán del 27 de abril al 5 de mayo e incluye: música, teatro, danza, cine, folclore, flamenco, corrida de toros, exposiciones y visitas guiadas a diferentes espacios regionales.
Más info en: http://www.madrid.org/agenda-cultural
A PROPÓSITO DE TEATRO X ALIMENTO
Emoción. Si tuviera que expresar lo que pasó ayer por la noche en la experiencia Teatro x Alimento en la Sala Cuarta Pared en una sola palabra, esa sería: EMOCIÓN, y así, sin más, con mayúsculas. Sin nada de artificio, a luz de público, los actores con su propia ropa, es decir, más desnudos que nunca, y con las palabras de García Lorca en su Comedia sin título (más vivas que siempre), nos demostraron una vez más que el teatro es magia y verdad, que el teatro es educación y sueño, que el teatro es solidaridad y vida, que el teatro puede dar de comer al hambriento (y no digo ninguna metáfora). El escenario se llenó de kilos y kilos de comida no perecedera que será entregada a quien realmente lo necesita en estos duros momentos, gracias a la generosidad de esos grandísimos actores que lo dieron todo a cambio de todo para el que lo necesita, y a la solidaridad del público que abarrotó la sala. No faltéis en las próximas convocatorias del 21 y el 28 de abril. Vuestro corazón os lo agradecerá.
Más info en: http://teatroxalimento.wix.com/dante-ac
ANA MARTÍN PUIGPELAT
¿CUÁNTOS POETAS HAN MUERTO EN LOS ANDAMIOS DE LA CARPINTERÍA TEATRAL?
DOS GENERACIONES DE DRAMATURGOS ESPAÑOLES CONVERSAN
Es emocionante escuchar de boca de Ignacio Amestoy que el dramaturgo español tiene algo de Sísifo: consecuciones y logros efímeros salteados de caídas sin arnés; y, asimismo, el titular: “Seguimos con la furgoneta” (para ilustrar nuestra perenne necesidad de auto-producirnos a falta de que otros lo hagan). Amestoy (Ederra, Chocolate para desayunar, Cierra bien la puerta, etc.) Premio Nacional de Literatura Dramática, venía a corroborar que la etiqueta “emergente” no es solo aplicable a los autores menores de treinta años, aún en ese “purgatorio de duración variable, tras el cual se instalan en la gloria de los elegidos o en el infierno del olvido” (Fernando Savater), sino una condición sine qua non.
El lunes 11 de marzo, sobre la escena del teatro María Guerrero, nos sentamos a conversar dos generaciones de dramaturgos españoles nacidos, respectivamente, en derredor de los cuarenta y de los ochenta. Se trataba de una nueva cita de los “Lunes con voz”, punto de encuentro para el gueto teatral madrileño. Aunque el moderador, Ignacio García May (Alesio, El dios tortuga, Los vivos y los muertos, etc.), envalentonado por “el buen momento que vive la dramaturgia”, dictaminó que esta mesa iba a diferenciarse de otras sobre autoría en evitar el llanto y el deporte de la queja, no pudimos menos que sacar el vaso de lágrimas. La situación (recortes, subida del IVA, etc…) no es para menos.
El veterano, Domingo Miras (Una familia normal, Las brujas de Barahona, La Monja Alférez, etc.), asimismo Premio Nacional de Literatura Dramática, comenzó diciendo que los autores de su quinta, la generación realista, ganaban premios, pero no estrenaban sin haber encanecido. Nada ha cambiado, como pronto tuvimos oportunidad de aclarar los noveles (Lola Blasco –Pieza Paisaje, Proyecto Milgram-, Carlos Contreras –Verbatim Drama, La comedia que nunca escribió Mihura-, Verónica Fernández –Presas, Serena Apocalipsis- y yo –Perros en danza, La ceremonia de la confusión-), que concurríamos allí gracias al nuevo programa “Escritos en la escena”. Esta iniciativa, semejante a otras en Europa (el Royal Court) o, sin ir más lejos, el T6 del Teatro Nacional de Cataluña, ni siquiera nos depara la oportunidad de un montaje profesional. El resultado, difícil de categorizar es un semi-montado o muestra. No obstante supone un conato, un primer esfuerzo, por parte de la nueva dirección del Centro Dramático Nacional, de apoyar la creación dramatúrgica contemporánea.
Mal de muchos, consuelo de todos: las distintas generaciones no solo resemblábamos una problemática similar a la hora de ganar cierta visibilidad… También se evidenció que ciertos referentes seguían vivos y el nombre de Federico García Lorca, aquel que anhelaba el momento de “abrir los viejos escotillones del teatro” salió varias veces a colación, al igual que fuentes inspiradoras, sugeridoras de una mayor libertad dramatúrgica, como la Nouvelle Vague. No faltaron las manidas discusiones sobre si, en paralelo al teatro, podemos hablar de una literatura dramática: ¿es la obra un simple pretexto para el hecho escénico? Se trata de una cuestión cáustica, infalible a la hora de agitar una mesa de dramaturgos… Nunca nos pondremos de acuerdo: mi opinión, que el placer de leer Hamlet es distinto al de verlo representado y que ciertas obras, algunas de reciente factura, son mucho más que un cuaderno de dirección, un libro de cabecera: pequeñas biblias dialogadas.
Y mientras los veteranos discutían acerca de los pormenores biobibliográficos de Goethe (con envidia de su erudición), pensé por un momento en el viejo Allen Ginsberg revolviéndose en su tumba (querido, Ginsberg, ya queda menos para la literatura transgénero; pensé en cuántos poetas habían muerto en los andamios de la carpintería teatral; y cuánto tiempo nos lleva (como decía Picasso) llegar a ser jóvenes.
María Velasco
Díptico del Festival de Otoño a Primavera
De nuevo a aflorado en la cartelera madrileña el Festival de Otoño a Primavera. En este caso han sido dos propuestas muy diferentes y al tiempo con cierta conexión en su discurso escénico.
Max Black de Heiner Goebbels / Théâtre Vidy-Lausanne
Heiner Goebbels crea un arte teatral tan refinado como su exquisita técnica instrumental, desarrollando un lenguaje muy personal donde confluyen estilos musicales aparentemente incompatibles. El genial director y compositor empleó textos de Valéry, Lichtenberg, Wittgenstein y Max Black para componer esta obra, que se ya presentó en en el Festival de Otoño de 2002. La peculiaridad de esta propuesta radica en como, la cotidianeidad de un investigador sumergido en su mundo, va generando una textura musical de gran espectacularidad, en un espacio que por momentos recuerda a las instalaciones de arte contemporáneo que podemos disfrutar en muchos de nuestros museos. Un concierto de objetos cotidianos instrumentalizados por la locura del protagonista.
Alexis, una tragedia griega de MOTUS
Una mirada al pasado con el fin de reflexionar sobre el presente. Así define la compañía Motus el leiv motiv de su proyecto Antígona, dentro del cual se enmarca Alexis, una tragedia griega, la pieza que la formación transalpina ha presentado en el Festival de Otoño a Primavera. Alexis, una tragedia griega es una investigación documental y poética sobre la complejidad de la historia contemporánea. Con ella, los artistas escuchan el latido de la actualidad, de lo que sucede en la calles cada día, y lo incorporan de forma constante e infatigable a su audaz trabajo sobre las tablas. Con Motus, el escenario se convierte en un ente dominado por una presencia coral, emotiva y conmovedora, donde fluye un texto de naturaleza fulminante e híbrida: sobre las tablas se dan la mano diálogos, entrevistas, reflexiones solitarias, intentos de traducción del griego al inglés y al italiano, fragmentos de audio y vídeo interactivos, descripciones de ambientes y paisajes, declaraciones políticas y un sinfín de testimonios. Un documento imprescindible para los artistas y espectadores de hoy, para que entiendan que los lenguajes contemporáneos no tienen porque estar reñidos con un discurso combativo. Una obra esencial.
Adolfo Simón
Teatralia: Hacedores de magia
Hay algo en común en las propuestas que he disfrutado este fin de semana en Teatralia: El uso de objetos y materiales para crear una poética nueva. No solo magia, que la ha habido, si no también manejo mágico de elementos para contar historias de otra manera.
Le Miroir aux fourmis(El espejo de las hormigas) de la Compagnie pupella Nogués
Le miroir aux fourmis es un haïku (poema breve de tradición japonesa) marionético, teatral y musical para niños pequeños. Un espectáculo que habla con humor y frescura del mundo que nos rodea, marcado por el ritmo del tiempo que va pasando, de las cuatro estaciones, del paso del día a la noche. Mezcla, con excelente habilidad, sonido, vídeo, poesía y cuento. El espectáculo presentado en el Círculo de Bellas Artes mezclaba expléndidamente diferentes lenguajes escénicos sin olvidar lo lúdico como un lenguaje expresivo más. Una propuesta de gran riqueza plástica que nos trasladó a paisajes de ensoñación
Prometeu de Lafontana-Formas Animadas
Prometeu, coproducida con la Casa de Música de Oporto y el Festival Internacional de Cortometrajes de Vila do Conde, es una performance multimedia inspirada en el tradicional teatro de sombras indonesio, el Wayang Kulit y su transposición en el universo de signos y referencias occidentales. Wayang significa, en javanés, iluminación e ilusión, pero también es un término utilizado para designar a las marionetas. La práctica de este tipo de teatro es milenaria y en Java (Indonesia) está considerado como la más alta manifestación de cultura del país. En este caso, el espectáculo presentado en el Teatro de la Abadía era de una plasticidad exquisita…el juego del dibujo sobre arena que se proyectaba en una pantalla, mezclándose a veces con otras filmaciones y sobre las que se superponían sombras recortadas, nos permitía entrar en los mil y un lugares sugeridos por la mítica historia. Además, el actor que manipulaba todos estos espacios visuales, nos iba relatando las peripecias de Prometeu con toques de humor y actualidad.
La Asombrosa historia de Mr. Snow de Antonio Díaz
Descrita por algunos de sus espectadores como un espectáculo de magia, humor, emociones y buena música, La asombrosa historia de Mr. Snow es un viaje de risas y de asombro donde el ilusionismo sirve de pretexto para contar una conmovedora historia llena de imaginación, humor, nostalgia y fantasía. Un universo en el que es posible que las mariposas se toquen sin tocarse, que la nieve inunde un espacio cerrado y que un pez adivine el pensamiento de un espectador. No siempre la magia tiene su espacio en Teatralia, por suerte, en los Teatros del Canal, este año se ha programado un espectáculo que va más allá de la convención de los trucos de magia, aquí había una historia que se iba cruzando con los diferentes números de ilusionismo.
El Gallo de las Veletas de La canica teatro de títeres
El Gallo de las Veletas es un espectáculo de títeres que combina el relato poético en las voces de dos actrices con el juego teatral de los protagonistas de la historia. La puesta en escena está caracterizada por la expresividad de los objetos, el poder evocativo de la música, los momentos de coreografía corporal y otros recursos teatrales. La canica consigue, en esta propuesta presentada en La Casa Encendida, que viajemos con el gallo hacia sus lugares soñados y disfrutemos de la transformación poética que le dan a objetos cotidianos; un trabajo sencillo y emocionante, gracias a la evocación y poesía que nos genera la recuperación de la memoria de la infancia.
Adolfo simón
Vértigo en Microteatro por dinero
No es que se haya realizado, en el mes de febrero, una versión de la película de Hitchcock en Microteatro, no…Quiero aprovechar una anécdota vivida en el peculiar espacio teatral durante mi última visita a él para justificar este título. Siempre pienso en la vertiginosa experiencia que supone ser espectador en Microteatro; estar codo con codo en las pequeñas habitaciones del lugar, a un palmo de los personajes, es algo difícil de olvidar, es una vivencia única. ¿Y para los actores?…Sin duda es un trabajo arduo repetir cinco veces cada día la pequeña peripecia de su propuesta, en un metro cuadrado y sintiendo la respiración del público…Pero…¿Aquí termina la peculiaridad del lugar?…No, hay muchas anécdotas que algún día alguien recogerá…El pasado domingo, un espontáneo saltó al ruedo mínimo de las salas, como lo haría un torero joven que quiere que le vean enfrentarse al toro a pecho descubierto…Cuando la situación dramática empezaba, alguien se levantó en una de las salas y pidió un momento de gloria ya que, al ser actor en paro, no tenía un lugar donde mostrar su «arte». En la pieza a la que asistí, los actores pidieron que esperase al final y retomaron el hilo perdido de la acción. Al finalizar la pieza titulada: «El gol en propia puerta»…el espectador-actor pidió un momento para mostrar su frágil performance que abrumó a los presentes por la ingenuidad de la misma.
Adolfo Simón
Arco o estorb-arte
Arco o estorb-arte
¿El arte estorba? En poco tiempo asistimos a un nuevo caso de censura en el ámbito cultural. Esta vez la víctima ha sido Camila Cañeque, una artista catalana que pretendía exponer su performance ilustrativa de la muerte de España en el suelo de Ifema, contando con una idílica libertad que a efectos Reales no existe. Asegura haber mostrado su pieza por Nueva York y por Europa, donde nunca había sufrido una repuesta o una anti-respuesta similar a la que le acaban de brindar en Madrid. Es curioso que para esto sí reaccionen ipso facto los empleados de seguridad, que levantaron a la artista a los diez minutos de haber empezado a exponer. Ella reaccionó anonadada, teniendo que recoger de manera humillante sus claveles y sus textos de Lorca envuelta en traje de faralaes. ¿Ha pecado Camila Cañeque de ingenua mostrando en Arco algo demasiado crítico, demasiado pesimista y perturbador del hipócrita Estado del bienestar? ¿Ha pecado quizá de competencia desleal? Su anuncio a los españoles de que España ha muerto era la única creación artística que no se vende en todo el catálogo de obras de la feria de Arco. ¿Es casualidad por tanto que quieran retirarla con tanto afán? Se tapa la boca a la creatividad, se castiga al librepensador, se tapona la cultura. ¿En qué año estábamos? Ah, sí…
Nora
Arco 2013
Cada vez que llega febrero hay dos citas imprescindibles: Escena Contemporánea y Arco. Ir a la Feria de Muestras es toda una experiencia, hay que decidir el momento para desplazarse hasta allí y sumergirse en la vorágine de Arco. Este año, tal vez por la crísis, se ha reducido el número de expositores en solo dos pabellones, uno oficial y otro alternativo, dedicados a galerías nacionales e internacionales. Sin duda, es preferible que haya mayor selección de obras expuestas que no esa especie de cajón sin fondo de otros años. En esta edición tampoco ha habido esa pieza cargada de escandalo y provocación que acapara todos los titulares y eclipsa al resto de artistas. Creo que la Feria de este año pasará a la historia como la más acertada de los últimos tiempos. Ha sido un placer vagar por las calles formadas por las galerías, dejandome sorprender por el guiño que alguna obra me hacía, escondida entre las paredes, estableciendo un diálogo con ella. Arco, una cita anual imprescindible.
Adolfo Simón
MESTIZAJE INTELECTUAL – DRAMATURGOS ESPAÑOLES Y MEJICANOS HACEN SOPA DE PIEDRA EN DRAFT.INN CON OCASIÓN DE LA XIII EDICIÓN DEL FESTIVAL DE ESCENA CONTEMPORÁNEA
MESTIZAJE INTELECTUAL
DRAMATURGOS ESPAÑOLES Y MEJICANOS HACEN SOPA DE PIEDRA EN DRAFT.INN CON OCASIÓN DE LA XIII EDICIÓN DEL FESTIVAL DE ESCENA CONTEMPORÁNEA
Por María Velasco
Ahora que vuelven las invasiones bárbaras con recortes masivos al mundo de la cultura (equiparada a un bien de lujo) y que por el Plan Bolonia el templo del saber, o sea, la universidad, pasa a maridarse con la empresa, cada vez son más necesarios los espacios de pensamiento. No pasa inadvertida la emergencia de un montón de salas y salitas por las que el teatro renuncia a su aspiración de un arte total y, plegándose a la infraestructura disponible, demuestra su posibilismo; obligado te veas, como decía Lope, solo se necesitan “dos actores, cuatro tablas y una pasión….” Que no es poco
Salvo el ingrediente de la pasión, Draft.inn no alberga parecido alguno con esos otros espacios. Es “quijotesco”, en el mejor sentido de la palabra, y supedita la rentabilidad al ingenio. Comentaba con uno de los socios fundadores, José Manuel Mora, el parecido de esta empresa con el cuento de la “sopa de piedra”. En él, un extranjero hambriento llegaba a una aldea con una piedra que decía milagrosa, pues solo a partir de su esencia se podía obtener una nutritiva sopa. Superada la incredulidad inicial, los aldeanos, entusiasmados por el proyecto común, se aprestaban a enriquecer la sopa con sus viandas. José Manuel Mora y Javier Bastías han puesto la piedra, un menhir de categoría… Falta la substancia.
El día 7 de febrero, el starlux, lo puso el Festival de Escena Contemporánea, y su director Salva Bolta, propiciando al medio día y en esta casa el encuentro entre dramaturgos autóctonos y los mejicanos Bárbara Colio, Edgar Chías y Richard Viqueira (director), entre otros. Pese a disfrutar de la agradable compañía de Jacob Amo, Guillermo Heras, Borja Ortiz de Gondra, José Padilla, etc., como suele suceder, estaban presentes no pocas ausencias, pero, en esta ocasión, lo importante era escuchar a los visitantes mejicanos. Con ellos sucede lo que es extensible al ámbito sudamericano: pese al inestimable vínculo lingüístico, sabemos los unos de los otros menos de lo necesario… Ahora bien, las generalizaciones son odiosas y, en este caso, uno de los invitados de honor, Guillermo Heras, director ejecutivo del Programa de Iberescena, llegaba recién de La Patagonia.
Conversando distendidamente alrededor de la mesa, pudimos darnos cuenta de que los comunes del teatro español y el mejicano son más que las diferencias: ellos también habían acusado en los últimos años la proliferación de espacios no convencionales. Hablamos de las ventajas y desventajas de este fenómeno; asimismo, de los pros y contras de la solidaridad que caracteriza a este sector: el voluntarismo parece equivalente a los recortes; como dramaturgos, nos preguntamos si escribíamos teniendo en cuenta los criterios de producción, cada vez más estrechos y, entre todos, llegamos a la conclusión de que no podíamos empezar dinamitando la libertad creadora por el texto teatral… Una charla que fue animándose al calor del vino, para derivar en aquellas cosas que verdaderamente nos importan, pues, al fin y al cabo, no somos gestores ni productores sino a la fuerza de las circunstancias. A colación de la obra de Edgar Chías Ternura Suite, dirigida por Richard Viqueira dentro del marco de Escena Contemporánea en la Sala Cuarta Pared, hablamos, por ejemplo, de cómo representar la violencia y el sexo en escena. En un mundo en el que la hiperrealidad se impone en medios, la teoría del simulacro encuentra mil giros de tuerca y somos inmunes a la agresión visual, nos parecía, en general, que habíamos de encontrar metáforas específicas de nuestro propio medio. El intercambio de ideas y anécdotas al respecto fue lo más enriquecedor de este día de mestizaje intelectual. El colorismo del otro continente y la energía preciosa de los cerebros de Draft.inn propiciaron una sobremesa ajena al victimismo que hoy le duele a la cultura.
Las cuerdas de Los lunes en Escena Contemporánea
La cartelera de nuestra ciudad está confusa y con ella el público y la responsabilidad de esta confusión es de los profesionales del teatro. ¿Qué hace un texto muy sugerente con una puesta en escena resolutiva e ingeniosa y con unos actores estupendos en sus roles y composición de personaje en Escena Contemporánea?…¿Por qué no está en la cartelera normal para un público habitual al teatro y no para el espectador que acude a un festival como este?…¿Ayuda que alguien, al acudir por casualidad a ver Las cuerdas piense que esa propuesta es teatro de últimas tendencias?…Tal vez piense que solo ahí podrá ver un montaje así o que nunca lo podría encontrar en la cartelera comercial…¿Y entonces?…Cada vez habrá menos opciones diferentes en nuestra Gran Vía, si no se lucha porque propuestas como esta se muestren en el marco apropiado…Se seguirá confundiendo el público y seguramente a los profesionales del teatro…Y si es un problema que no haya nadie conocido de la televisión en esta obra…¿No será que estamos dejando que la escena se convierta en una prolongación de la televisión?. Por favor, pongamos orden en la escena, que bastante caos hay en la calle.
Adolfo Simón
Censura al cartel de Yerma en los autobuses de Madrid
Es difícil tratar de opinar sobre el artículo acerca de la censura del cartel de Yerma sin caer en la demagogia. Resulta alarmante, increíble, asusta, que a estas alturas de la película alguien pueda sentirse ofendido por una pintura que evoca a una mujer desnuda. Estamos hartos de ver todo tipo de aberraciones en los telediarios, en los carteles publicitarios que empapelan la ciudad, oímos salvajadas que son eslóganes publicitarios que venden basura y la compramos, nos comen el cerebro y damos las gracias, pero una insinuación de las partes púdicas de la mujer nos da dentera. Creo que quien sea el representante de la empresa de autobuses que se ha quejado por eso es un verdadero hipócrita, un machista y un retrógrado. Más que asombro (que también) e indignación, me produce lástima. Ojalá no hubiera tanta ignorancia inundando el país, ojalá fuera verdad que hemos ampliado horizontes y abriendo las mentes después de la castradora dictadura.
Qué pena que sea todo mentira. Que se ningunee la cultura, el arte y la libertad a favor de la represión y la violencia. Es violento que un equipo de artistas no pueda manifestarse como quisiera, sin dañar a nadie, sólo con la mera intención de transmitir, como ese cartel coartado hacía.
Nora
Se inaugura Escena Contemporánea XIII en el Teatro del Canal
Ayer hubo un llenazo impresionante en la inauguración oficial de Escena Contemporánea XIII, la sala roja del Teatro del Canal estaba a rebosar, los profesionales de las artes escénicas acudieron para apoyar el evento. Se ha realizado un gran esfuerzo para que allí estuviesen congregados creadores de muy diversos territorios del arte, había una mezcla muy curiosa de disciplinas y teatreros de diferentes épocas, daba la sensación de reencuentro, de ocasión para volver unirse, codo con codo y apoyarse ante la situación desoladora que estamos viviendo en este país. Desde Cataluña vino La Veronal para presentar Islandia… Un proyecto conceptual con mezcla de lenguajes físicos e idiomáticos…Un reflexión sugerente de lo ocurrido en aquel país cuando estalló la crísis. La conferencia escénica que mostraron unos jóvenes intérpretes adquiría gran interés cuando el lenguaje era transcrito a signos corporales…Tal vez, el humor ingenuo sobre la realidad, hacía desmerecer la propuesta.
Adolfo Simón
Legado teatral del siglo XX en Casa Encendida
El sótano de la Casa Encendida, con aforo a rebosar, asiste a la reproducción de un interesante y bien montado vídeo sobre el s. XX y sus catástrofes, (algunas enmascaradas como ‘avances’), a modo de introducción a lo que será una tarde dedicada a Caryl Churchill. Esta peculiar dramaturga inglesa se interesa por temas como la represión, especialmente la de la mujer, la injusticia sociopolítica y los deseos escondidos que alberga el ser humano. Cuatro actores, mediante una especie de lectura dramatizada, nos muestran cómo escribe Caryl Churchill, cómo suena, qué palabras escoge, y de esta manera proponen lo que podría ser una opción para acercarse a la dramaturga. El lenguaje es evocador, cargado de símbolos y metáforas para explicar situaciones que no son lo que parecen, que se hayan escondidas en el subtexto. Los actores nos leen Far Away, también la interpretan a veces, mínimo juego de luz, mínimas acciones para contextualizar. ¿Resultado conseguido? El público está lejos. Lejos de ella, de Caryl Churchill, no como título de la actividad, sino como realidad que defrauda. Poca intención, mínima implicación, el trabajo actoral no funciona. El texto, al final, resurge como un ave fénix y con su carga de imaginación y mensaje brechtiano mantiene un quebradizo hilo de atención, a duras penas seguimos conectados. Churchill 1-Propuesta de montaje 0.
Sin embargo, ganas (todas) por investigar más a fondo en la vida y obra del aperitivo de Churchill que nos han ofrecido.
Nora
Novena edición de Madferia en Madrid
Durante tres días se ha llevado a cabo en Madrid la Novena edición de Madferia, organizada por Artemad. Un escaparate para la exhibición del trabajo de un grupo de Compañías elegidas para ser presentadas ante un nutrido grupo de programadores. Y una serie de debates y reuniones para reflexionar sobre el momento actual de las artes escénicas. Dos espacios han albergado este encuentro: Cuarta Pared y Matadero. Entre las Compañías seleccionadas podemos reseñar: Iker Gómez Teatro Físico, Fil d´Arena, Sudhum Teatro, Morboria Teatro y El Óbolo Producciones. También hubo una Showcase de teatro dirigido a la infancia.
Más info en: http://www.madferia.com
Ignacio Sánchez
TREN DE LA NAVIDAD
En Navidad, un tren histórico recorre la Comunidad de Madrid con duendes y Magos de Oriente a bordo
Fiel a su cita anual, el Tren de Navidad volverá a salir desde el Museo del Ferrocarril de Madrid para que niños y adultos puedan disfrutar de un recorrido en un tren histórico, lleno de sorpresas. El recorrido previsto para estas fiestas navideñas se inicia en el interior de la antigua estación de Delicias, sede del Museo, e incluye una vuelta completa a la capital, pasando por la estación de Príncipe Pío, la Casa de Campo, Pozuelo, Las Rozas, el Monte de El Pardo, Chamartín y Atocha, entre otros puntos, para regresar de nuevo a Delicias. Un trayecto muy atractivo, que incluye zonas de gran valor natural, como el Monte de El Pardo, atraviesa las estaciones históricas de Madrid y durará alrededor de dos horas.
Más info en: http://www.museodelferrocarril.org
Día mundial del sida…Sidario
SIDARIO
Un año más la belleza y la emoción, que es lo mismo que decir la poesía. Una vez más, ese gran creador de imágenes que es Adolfo Simón, nos pone a latir al ritmo de lo solidario. El teatro al servicio de la lucha y la información, como debería ser siempre. Gracias, una apuesta más.
Ana Martín Puigpelat
ARTE Y POLÍTICA: PURA SIMBIOSIS
ARTE Y POLÍTICA: PURA SIMBIOSIS
Durante el encuentro que tuvo lugar el lunes 12 de noviembre en La Asociación de Autores de Teatro sobre la relación entre política y teatro, se tocaron muchos temas, sin embargo, a mí me gustaría resaltar uno en especial: la dimensión de lo político en el arte y, en concreto, en el teatro. El debate derivó de la lectura dramatizada de tres textos con un marcado posicionamiento político: “Punto Muerto” de Blanca Doménech, “Columna” de Clara Brennan y “El precio” de Lena Kitsopoulou. Estos textos se enmarcan en un proyecto llamado Theatre Uncut, nacido en Inglaterra. Dicho proyecto aglutina a autores y dramaturgos de diferentes países que escriben obras teatrales breves hablando sobre la situación de sus países, a su anorama económico, social y político. Así pues, volvamos al tema que nos preocupaba: ¿Cuál es la dimensión de lo político en el teatro? ¿Influye el teatro en la política? Estas son dos de las preguntas fundamentales que se barajaron. No existe una respuesta clara que permita contestarlas. Sin embargo, aun siendo incierto el grado de influencia del teatro sobre la política, lo que sí es muy cierto es que la política influye en el teatro. Y esto no debe ser un espanto o algo de lo que debamos huir. Al revés, en el encuentro se apoyó el desarrollo de textos politizados. Se expresó la necesidad de una nueva poética que vaya de la mano de este nuevo teatro social, así como la necesidad de una mayor organización del teatro. No puede existir un teatro politizado y reivindicativo que siga dependiendo del capricho de los productores. Se necesita un teatro independiente, que haga lo que quiera donde quiera. Por ello, es necesario prestar atención al teatro callejero, al teatro que se desarrolla en espacios que no son propiamente escénicos. Se proclamó, en fin, la necesidad de desarrollar un teatro de la multitud, alejado de las presiones administrativas o económicas.
A raíz de toda esta línea de pensamiento, no obstante, apareció una duda, a la que no podemos dejar de prestar atención. ¿Cuáles son las posibilidades reales de ser un artista profesional en esta esfera, lejos del mundo del ocio y el entretenimiento? ¿Cuál es el futuro de este teatro? ¿Podrá sobrevivir?
NIMUE
Que Revienten los Artistas 
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