Tierra de nadie de Harold Pinter en el Matadero Madrid
Harold Pinter siempre es una garantía de teatralidad y comprometida dramaturgia, es uno de los mejores autores del pasado siglo XX. En sus obras siempre hay personajes poliédricos llenos de enigmas. En Tierra de nadie, de nuevo enfrenta mundos y creencias, sitúa a personajes en encierros deliberados donde se llevan a cabo combates dialécticos que nos sumergirán en la tierra de todos. Aquí, el combate se establece entre dos hombres de muy distinto nivel social en un lugar confortable; pero en los claros del bosque también acechan las bestias y como en una pelea de lobos, ambos tratarán de ganar la partida, además, hay dos jóvenes que observan la pelea, aprendiendo las técnicas que en el futuro tendrán que usar. Para este ceremonial intenso y delicioso, hay cuatro actores fantásticos, pero dos de ellos, gracias a su experiencia y profesionalidad, nos atrapan minuto a minuto, José María Pou y Lluís Homar, este último, en una interpretación memorable.
Adolfo Simón
El policia de las ratas de Àlex Rigola en el Teatro de La Abadía
Ya somos ratas, la mutación llegó, el problema para la nueva especie es continuar con hábitos poco recomendables como la poesía y el arte. Afuera de las alcantarillas la vida está seca, solo se puede sobrevivir en las alcantarillas y allí, la muerte acecha; los seres débiles y delicados son buenas presas de los depredadores. ¿Estamos en manos de otros animales salvajes o seremos nosotros mismos los que terminaremos despertando nuestra parte salvaje para destruir la sub-especie?. El relato de Roberto Bolaño es esplendido y a través de la metáfora nos sitúa en un rabioso presente. Àlex Rigola opta por mostrarnos la historia con la precisión que un científico analiza las pruebas a través del microscopio y a ello ayuda el espacio escénico que semeja un laboratorio y dos intensos actores que transita por la obra con paso firme.
Adolfo Simón
![elpoliciadelasratas_portadaweb[2]](https://querevientenlosartistas.com/wp-content/uploads/2014/01/elpoliciadelasratas_portadaweb2.jpg?w=590)
Sobre identidades y deseos
El teatro es el espacio idóneo para hacerse preguntas importantes…¿Quiénes somos?¿Qué somos?¿Cómo amamos?¿A quién amamos y por qué?…Hay dos propuestas en estos momentos en Madrid que tienen como eje dramatúrgico preguntarse y preguntarnos sobre qué hacemos en este paraíso perdido.
El esperanza de Quique Culebras en La casa de la portera nos invita a una cena fuera de fecha para entender mejor porque nos perdemos en el laberinto del amor y no encontramos la salida…Porque…¿De qué nos enamoramos?…¿Del otro?¿De nosotros mismos?…¿De la imposibilidad de amar?¿De la torpeza de las caricias y las palabras?…Bueno, tendrán que ir a ver El esperanza si quieren conocer las respuestas o hacerse las propias.
Y en la Sala II del Teatro Español se representa Cuestión de Altura de Sandra García Nieto. Una obra que parece habla de esos personajes atrapados en la belleza y el arribismo pero al final nos muestra la cara oculta que todos tenemos, esa que no enseñamos ni al espejo. ¿Somos tan bellos o tan horribles como pensamos o nos dicen?…¿Qué pasaría si un día sale atravesando el espejo nuestra miseria y nos abraza?…Pues también tendrán que ir a ver esta función si quieren verse en los espejos del callejón del gato y de paso, disfrutarán de dos actores en estado de gracia.
Adolfo Simón
Garage D´Or de Familie Flöz en los Teatros del Canal
La Compañía Familie Flöz son unos precursores del lenguaje de la mímica más allá del concepto de expresión corporal, ellos han creado una manera personal de mostrar mundos y personajes en silencio. Los seres que muestran con máscaras de un hiperrealismo inquietante nos sumergen en extraños espacios donde los gags y la poesía se dan la mano. Hasta ahora había una maquinaria endiablada teatralmente hablando que nos seducía en gran medida a los que estamos en el patio de butacas. Sencillez y efectismo eran dos etiquetas muy habituales en su trabajo. En Garage D´Or dan un salto cuantitativo a nivel espectacular, introduciendo filmaciones en la dramaturgia que por momentos nos distrae del juego precioso de los intérpretes, no obstante, siguen siendo unos maestros a la hora de mostrarnos la realidad desde otro punto de vista. ¿Cómo vería nuestro mundo alguien suspendido en el espacio?.
Adolfo Simón
Invasión de La Joven Compañía en Escena Conde Duque
En estos tiempos de dificultades para poder llevar a cabo proyectos culturales, en el Centro Cultural Conde Duque lleva un tiempo presentándose el proyecto de La joven Compañía, una idea seria e inteligente planteada por una serie de profesionales para dar acceso a la profesión a nuevas promociones de la escena. El primer espectáculo mostrado fue uno de nuestros clásicos y esta semana cierran la segunda presentación, en este caso, un texto contemporáneo escrito para la propia compañía. Invasión de Guillem Clua plantea la hipótesis de una guerra futura que tiene raíces en el pasado; al final nos marchamos con la sensación de que todas las guerras descienden, las unas de las otras en la historia y que siempre pagan el horror los inocentes. Una escenografía sencilla y efectiva sumada a unas luces sugerentes y una atmósfera sonora inquietante arropan a un reparto de jóvenes actores cuya vitalidad y credibilidad dan buenos augurios para este proyecto. Este fin de semana todavía puede verse la función.
Adolfo Simón
Brokeback Mountain en el Teatro Real
El legado de Gerard Mortier se ha hecho realidad dentro del Real: Una ópera pedida por encargo para su estreno mundial y que trata de un tema muy común en las óperas pero que se adapta a nuestros días. La ópera toma como punto de referencia la muy elogiada película de Ang Lee en la que se narra la relación física y enamoramiento de dos vaqueros en el Wyoming de los sesenta.
Nos encontramos ante un tema transgresor aún en nuestros días: la historia de amor de dos vaqueros en los sesenta en Wyoming. Brokeback Mountain nos habla del amor imposible y del deseo puro a través de la historia de dos vaqueros, representados por Tom Randle y Daniel Okulitch, que se conocen en la montaña. La montaña es un lugar aislado del mundo, donde puede florecer un amor puro y donde sus personajes lo viven con plenitud apartados de un mundo «normal», donde la moral no va a ser tan moderna como nos lo hacen creer los medios de comunicación. Todavía existen muchas barreras para dos hombres que se aman y que desean vivir su amor con plenitud. Por este motivo, el comportamiento humano se ve distorsionado, afectado y, muchas veces, perseguido.
Ivo van Hove, director de esta obra, nos habla de este interés por reflejar la concepción de amor imposible y de la relación que tiene con Tristan und Isolde en términos de convención social y represión. Una tragedia, provocada por la moral actual que enlaza perfectamente con antiguas óperas. A través de un escenario minimalista consigue crear una atmósfera represiva y asfixiante en la que la montaña, representada en imágenes proyectadas (creadas por Tal Yarden) sobre un escenario completamente blanco, juega el papel del destino: algo inamovible y aplastante. La escena, prácticamente vacía nos sugiere un lugar inhóspito y agreste. Más adelante nos introduce en el mundo cerrado y burgués de Wyoming, que nos recuerda a Edwar Hopper y David Lynch en su imaginería. Por último el escenario se torna negro con la muerte de Jack, en el que el coro, reflejado a base de sombras y la madre de Jack, interpretada magistralmente por Jane Henschel, juegan un papel fundamental.
La relación entre la partitura, creada por Wuorinen, y la escena es de complementareidad y apoyo mutuo y refleja fielmente lo que se ha querido reflejar en el libreto. Wuorinen también ha querido reflejar, mediante una música densa y evocadora que nos traslada al peso de la montaña, ese peso de la sociedad actual y ese sentimiento de agobio por parte de los dos protagonistas. Su música minimalista intenta reflejar un discurso hablado coloquialmente en un tiempo y época precisos, aportando a los personajes masculinidad y despojándoles de cualquier diálogo superfluo, tal y como ha reflejado la libretista y también creadora de la novela Annie Proulx, la cual ha trabajado en complicidad con el músico, simplificando diálogos y creando personajes que no aparecían en la película y que redondean la partitura, como el coro y un fantasma.
Una magnífica producción que pone al Teatro Real en un listón bastante alto y que nos hace reflexionar: Dicen que el amor mueve montañas, pero en Brokeback Mountain nos demuestran que le cuesta mover la moral.
Luis Mª García Grande.
Los áspides de Cleopatra de Francisco de Rojas Zorrilla en la Compañía Nacional de Teatro Clásico
La Compañía Nacional de Teatro Clásico sigue llevando a cabo el plan previsto bajo la dirección de Helena Pimenta, en este caso, se ha mostrado en Madrid durante dos semanas el resultado de una experiencia interesante, la puesta en escena de una obra de nuestro teatro en verso en colaboración con el Complejo Teatral de Buenos Aires. Allí se estrenó primero con actores argentinos bajo la dirección de Guillermo Heras que ha aprovechado la personal manera de actuar de los actores argentinos. Una propuesta con tintes contemporáneos y estética cinematográfica que hizo las delicias del respetable y que ha permitido abrazar algo más los lazos teatrales de ambos países.
Adolfo Simón
Pinocho de Ultramarinos de Lucas en Cuarta Pared
Con la peculiar y personal forma de crear de Ultramarinos de Lucas, se ha presentado en Cuarta Pared su versión de Pinocho, muy fiel a la novela, huyendo del tópico facilón del muñeco mentiroso. En un círculo mágico definido a base de elementos de madera natural, van configurando, los dos intérpretes, los diferentes espacios y personajes necesarios para contar la historia. Con juego e imaginación consiguen que los niños reflexionen sobre su responsabilidad para un crecimiento óptimo que les haga más libres y fuertes.
Adolfo Simón
Días felices de Carme Teatre en Sala DT
Este fin de semana pasado nos ha visitado la Compañía valenciana de la Sala Carme Teatre, ha desembarcado con un totem muy sugerente donde estaba atrapada la protagonista de Días felices. En este texto, Beckett plantea el absurdo de una mujer que repite su rutina día a día mientras va siendo engullida por la tierra que la tiene atrapada. Hay algo de muro de cemento en la propuesta escenográfica que tal vez remite a esos abusos urbanísticos que hay en este país y de los que el litoral valenciano no se ha librado. La protagonista parece una veraneante del Saler que en un descuido ha quedado atrapada en una tumba de cemento. La actriz desplegó todas sus facultades para hacer creíble de nuevo esa cotidiana absurdez vital.
Adolfo Simón
«Los niños perdidos» de Micomicón en Cuarta Pared
Seguimos disfrutando, y mucho, de la «Trilogía de la Memoria» de Ripoll en la Sala Cuarta Pared con estos «niños perdidos». Un espectáculo dedicado a los padres y abuelos que padecieron la Guerra Civil y el Franquismo. La obra fue estrenada en el Teatro María Guerrero en 2005 y aún hoy tiene plena vigencia debido a la denuncia social que supone. Los niños, hijos de republicanos y olvidados del Franquismo que sufrieron las calamidades de esa institución llamada «Auxilio social».
Es importante destacar la labor dramatúrgica que nos aporta la iluminación en la obra creada por Luis Perdiguero y la escenografía de Arturo Martín Burgos, que nos trasladan a la estética de comics de terror o películas de Tim Burton y que nos cuentan lo que no se ve…
El trabajo de los actores sigue siendo magnífico, metiéndose en la piel de un niño que tiene que pasar por esas calamidades o en la de una monja de esas que tanto ayudó a que el régimen funcionara como debía funcionar.
Una obra imprescindible en una lección de lo que hoy llamamos «Memoria histórica»
Luis Mª García
Cara de cuero de Tálamo Teatro en La Usina
Si pudiéramos tener un mando a distancia con el que manejar nuestra vida sería interesante, la clave estaría en elegir bien el canal seleccionado en el que vivir. Cara de cuero nos muestra la vida de dos personajes que buscan el sentido de su existencia mirando la vida a través de la ficción y claro, el desastre está garantizado. Tálamo Teatro nos muestra que la sociedad crea juguetes rotos con una banda sonora rayada. Una propuesta difícil para un público interesado en teatro al borde del precipicio.
Adolfo Simón
EL DISCO DE CRISTAL de Secun de la Rosa en el Teatro del Barrio
El Teatro del Barrio, antigua Sala Triángulo, ha presentado una divertida y acertada revisión escrita, dirigida e interpretada por Secún de la Rosa del clásico Zoo de Cristal de Tenessee Williams, nos dice que todavía en construcción y que está por rematar y nos lo presenta como un pseudo musical entrañable, que hace reflexionar y pensar en temas tan importantes como la familia, su relación con la sociedad y el desarrollo de los componentes de esa familia entre sí y con el exterior. Hay que pelear para alcanzar los sueños y hay que levantarse siempre que uno se cae. Un elenco espléndido, jóvenes que prometen mucho como Xavi Melero y Ana Hurtado, que cantan, ésta última se marca una canción por Mina que llena de emoción. Un pellizco a la melancolía y mirar hacia delante porque es lo que hay, Secún de la Rosa despliega su talento y se muestra en su salsa, disfruta del escenario y nos hace disfrutar con él. Les acompaña a la guitarra Pablo Méndez. Muy bien iluminados por Iván del Álamo que nos recrea los distintos espacios por donde acontece la acción de una forma íntima y cálida. El público reía y estaba entregado desde el minuto uno, y los aplausos que interrumpieron muchas partes de la representación arreciaron con fuerza al final agradeciendo un rato amable que te da que pensar después de reír.
Ángel Savín
Pequeños dramas sobre arena azul en La casa de la portera
Las mascotas terminan pareciéndose a sus amos o estas a ellos. Hay algo inquietante en Pequeños dramas sobre arena azul ya que, ante la sorpresa que nos genera ver a actores que interpretan personajes y animales humanizados, esta se diluye para situarnos ante seres con emociones y contradicciones, pasando los humanos a situarse en un espacio más animal y los bichos a pequeños corazones sobre el alfeizar de una ventana. En este inquieto lugar de Lavapiés sigue teniendo cabida todo tipo de propuestas dramatúrgicas, es un espacio camaleónico que acoge a seres de otro tiempo, a personajes del futuro y a miradas diferentes sobre nuestra realidad, como esta de seres humanos salvajes y animales de compañía sensibles.
Adolfo Simón
LOCOS POR EL TÉ en el Teatro COFIDIS
La castiza calle de Alcalá de Madrid se vuelve loca por el té en el Teatro Cofidis, Julián Quintanilla adapta la obra de Danielle Navarro-Haudecoeur y Patrick Haudecoeur “Locos por el té”, con una iluminación de Alfonso Ramos y una escenografía y vestuario de Elisa Sanz espléndidos. Quino Falero dirige a un estupendo elenco y nos hace reír a carcajadas en un delirante vodevil que se retuerce en sí mismo para saltar al patio de butacas en forma de hilarantes olas de humor y bien hacer. El motivo de esta fiesta de la risa no es otro que la preparación del estreno de una obra de teatro, donde el actor principal nunca ha pisado un escenario y la diva es una experimentada actriz que va camino del retiro, desde el punto de vista serio y flemático de una directora inglesa que tiene que poner orden en ese desbarajuste, aceptando responsabilidades que sobrepasan sus obligaciones de director, hasta aquí puedo decir porque no quiero desvelar nada. Juan Antonio Lumbreras es Juan, hacía tiempo que no veía brillar tanto a un actor, ágil, simpático, medido y volando. Esperanza Elipe es Claire, la directora y desde su flema inglesa y su acento tiene que hacerse entender en un mar de locos y se muestra en una clave corporal trabajada, compone un personaje creíble dentro de ese deliro. Óscar de la Fuente es Víctor y nos proporciona momentos delirantes, todos están maravillosos José Luis Santos, Ángel Burgos y Rocío Calvo. Dejo para el final a una María Luisa Merlo que vuela desde el principio, que hace del escenario su casa, que está guapísima y que mueve el vestido de época como si llevara una minifalda de tan ligero que parece y eso es muy difícil. Señores si quieren ser felices aunque solo sea un par de horas, no lo duden en la calle de Alcalá, te vuelves loco por el té.
Ángel Savín
Autostop de Carlos Be en el Teatro Lara
Los boleros, como las coplas, tienen historias secretas entre sus estrofas. Autostop es un bolero que empieza suave, susurrado al oído y termina desgarrado, como una ranchera. Hay historias que parecen cuentos de hadas llenos de ternura e ingenuidad pero en el bosque, espera el lobo, ese que todos llevamos dentro. Jugar es peligroso cuando las reglas quedan abiertas; a veces es mejor no abrir según que puertas, uno no sabe qué se va encontrar dentro. Autostop es ese viaje que todos hemos deseado hacer con alguien desconocido o con aquella persona a quién amas, para descubrir que hay más allá del precipicio de nuestro deseo. Fran Arraéz dirige a los actores, Mentxu Romero y Juan Caballero en la obra de Carlos Be, con minucioso cuidado.
Adolfo Simón
Mongolia, el musical en la Sala Mirador
¿Qué hace una revista de humor en escena?…¿Se puede poner en pie una viñeta?…¿Qué humor combativo se debe realizar hoy en día?. Creo que todas estas preguntas se las han hecho los artífices de la revista Mongolia y con esa intención, han convocado a sus cómplices lectores para hacerles en vivo su peculiar humor. Durante algunos martes, en la Sala Mirador, han cambiado el lápiz por el mando a distancia y han puesto en vivo, frente a los espectadores-lectores su ingenio y crítica a este mundo absurdo que vivimos.
Adolfo Simón
Tristán e Isolda de Richard Wagner en el Teatro Real
De nuevo Peter Sellars dirige escénicamente una ópera en el Teatro Real, en este caso se enfrenta a un monumento wagneriano como es Tristán e Isolda, cuatro horas de maravillosa música perfectamente dirigida por Marc Piollet y ejecutada con maestría por la orquesta. Richard Wagner crea una música fascinante para acompañar la historia del amor imposible de Tristán e Isolda, un amor que trasciende al tiempo y la realidad. Es una ópera intensa y teatral, la acción es mínima, todo ocurre en la cabeza y el corazón de los personajes. Esta obra es un reto para cualquier director de escena que puede dejarse llevar por lo aparatoso y perder de vista la esencia de la pieza. Pero Sellars, de nuevo nos sorprende al elegir a un artista contemporáneo como es Bil Viola y dejar que la escenografía sea una caja negra donde aparecen las fantasmagorías que el video artista ha creado. Este ambiente mágico y crepuscular nos sumerge en las emociones de la obra y acompaña a los espléndidos cantantes en el viaje al universo de los sueños imposibles. Un obra genial.
Adolfo Simón
MIGUEL DE MOLINA FRENTE AL ESPEJO
La Sala Berlanga de la SGAE, que no conocía y está francamente bien, presentó ayer lunes 20 de enero la lectura dramatizada de la obra escrita e interpretada por Ángel Ruiz, acompañado al piano por Mariano Marín y bajo la dirección de Juan Carlos Rubio, ” Miguel de Molina frente al espejo”. La memoria de tantos españoles que se vieron obligados al exilio se recuperaba desde la historia de uno de sus artistas más castigados y olvidado por el régimen franquista, Miguel de Molina en una aparente rueda de prensa nos hace un recorrido por su vida desde que nació en 1908 hasta su muerte en Buenos Aires, su patria de acogida, tras muchas amargas peripecias. Un hombre moderno, hoy en día seguiría siéndolo, visto el derrotero conservador que guía a la sociedad del siglo XXI, que desde su humilde origen nota como el arte le sale por los cuatro costados y se ve empujado a dejar a su familia para terminar donde siempre soñó, un escenario donde vaciar sus anhelos y sus pasiones con sus cantes y sus bailes. Amigo, conocido o compañero de Lorca, Rafael de León, la Piquer, la mismísima Evita y toda la tragedia de su vida personal envuelta en la alegría de su persona y su capacidad para entretener al mundo. Su experiencia republicana y la guerra, maldita, que casi le mata y el exilio de esta España, a veces madrastra, a la que querer tanto no cuesta nada y su Málaga natal a la que siempre extrañó hasta su muerte. Mientras esto se cuenta Ángel Ruiz nos canta y nos baila y nos hace reír y llorar y nos conmueve con la luz que sólo los grandes artistas saben proyectar. Espero que el montaje se haga realidad pronto y que triunfe por los escenarios donde se presente. El público respondió enloquecido y agradecido por un rato bien hermoso.
Ángel Savín
El Negociador en el Sótano de la Graciosa
Madrid está lleno de espacios que acogen teatro en pequeñas y jugosas dosis, íntimamente, como un ejercicio clandestino en tiempos donde la libertad de expresión está en la picota. En el Sótano de la Graciosa, en pleno corazón de la ciudad, en su cómodo subsuelo, este fin de semana pasado se ha podido disfrutar de El Negociador, una pieza de Bárbara Alpuente dirigida por Natxo López que trata con humor y delirio la situación que viven muchos de los españoles…Ese momento en el que has sido llamado al despacho del jefe y no sabes si para ser ascendido o despedido, más bien crees que será para lo último. Y esto desata la mente de los tres convocados, situándoles en mil y una disparatadas situaciones que nos permiten reírnos del horror de estos tiempos en que nuestra estabilidad pende de un hilo. Los actores, Carlos Santos, Cecilia Solaguren y Ricardo Reguera están deliciosos en su tragicomedia.
Adolfo Simón
MÁS MORENTE MÁS o EL ARTE QUE NO CESA
El Price de Madrid ha presentado durante los días 17,18 y 19 de este frio mes de enero un Memorial llamado Morente Más Morente, organizado para homenajear al desaparecido Enrique Morente, el sábado 18 tuve el inmenso placer de asistir y pese al frio madrileño el sol brillaba por todo lo alto en el interior del Price y la luna movía su bata de cola y nos llenaba del espíritu de D. Enrique que nos tocaba las palmas y nos cantaba al oído. Aparecieron en el escenario soleás, seguidiyas, fandangos, alegrías y hasta rap flamenco y flamenco-blues. Wyoming y Juan Luis Cano nos introducían con alegría y buen humor en cada una de las partes de un espectáculo que iba más allá, David Dorantes inundó el espacio con sus maravillosas manos y el piano era cante y baile y la emoción se metía por el cuerpo con notas imposibles, Pitingo nos daba arte a raudales en un flamenco nuevo y hermoso, Carmen Linares, como siempre, nos llenaba el corazón con su cante que sale de lo más profundo de los sentidos, Juan Carmona Habichuela hijo, nos decía que la guitarra es más que música, Tomasito, un trozo de arte puro, nos deleitaba con su talento y nos llenaba de juventud y alegría, Diego Carrasco rompía el aire y todavía había más, a todos había oído alguna vez y de algunos era fiel seguidor, pero aparece en escena una hembra por los cuatro costados, guapa, guapa como se dice en el Sur, Argentina, de Huelva, y su voz se mete en el alma y vibras con ella hasta el infinito y te enamoras, y si esto no era suficiente Arcángel sale a la palestra y abre los cielos o como quiera que se llame al lugar donde todo lo que se siente es gloria y ahora tocaba rematar la faena y Farruquito se retuerce en el aire y taconea y gira las piernas y los brazos para decirnos que el hombre sabe volar. Todos ellos dirigieron palabras hermosas, llenas de verdad y de cariño por D. Enrique Morente al que llamaron maestro de maestros y su mejor frase el Flamenco es el camino hacia la libertad, y señoras y señores es verdad, porque el sábado cuando volví al frio de Madrid mi corazón era más cálido y mi espíritu más libre. Gracias por todo D. Enrique y que siga Más Morente Más.
Ángel Savín
Morente más Morente y Poveda más Poveda
La primera noche del homenaje a Enrique Morente en el Price se presentaba fría y tristona, climatológicamente hablando, pero al comenzar a oír las primeras notas de Pepe Habichuela y una siguiriya dedicada a «su hermano». Pepe acompañó más tarde a José Mercé con la «Elegía a Sijé» que morente había grabado hace cuarenta años con el propio Habichuela. Mercé nos mostró su lado de cantaor flamenco con un estilo sencillo y puro, alejado de discos y famoseríos.
Tomatito llegó como Pedro por su casa, sin henchirse de orgullo, tal y como le gustaba a Morente. Tocó y convenció con todo, primero una balada y más tarde por bulerías.
Todos estuvieron bien como artistas pero poco nos contaron de la figura de Morente… cosa que remedió Miguel Poveda al soltar un discurso sobre las vivencias compartidas con el maestro y con su hija, Estrella. Un discurso que convenció y que suplió a las escasas presentaciones de Juan Luis Cano, de Gomaespuma y que es lo que esperábamos los asistentes: no sólamente ver a artistas y amigos de Morente, sino saber algo más sobre su vida, su cante y su forma de ser.
Poveda se soltó con toda la maestría y fuerza que pudo mamar de Morente, empezando con una versión de Serrat de «Para la Libertad» que inundó de repente de calor la noche. Con un público ya extasiado, Poveda se lanzó por bulerías y tanto se lanzó que acabó bailándolas y creando un espectáculo que podría hacer desmerecer a muchas estrellas del pop.
Por último Eva la hierbabuena nos trajo su baile más puro, haciendo un homenaje a la silla del cantaor, a la silla de Morente, en forma de coreografía sobre una gran silla montada en el escenario para que La hierbabuena zapatease sobre ella con la sobriedad y contorsionismo artístico al que nos tiene acostumbrados.
Luis Mª García.
Compagnie DCA / Philippe Decouflé con Panorama en el Festival de Otoño a Primavera de Madrid
Para componer Panorama, el coreógrafo galo ha decidido revisitar la historia de DCA sumergiéndose en sus anteriores trabajos. El resultado es una combinación de secuencias seleccionadas de producciones de éxito previas como: Codex, Petites pièces montées o Shazam!…y, por primera vez desde que fueron estrenadas, de una serie de obras que realizó cuando daba sus primeros pasos como creador: Vague Café o Jump. Decouflé ha querido definir su última aventura más como una variación que como una repetición. Panorama ha evolucionado, reinventándose y dotando de una nueva vida a sus trabajos pasados. Tanto que, en esta nueva versión, las bailarinas femeninas sustituyen a los bailarines masculinos originales, mientras que un quinteto interpreta una pieza que inicialmente había sido escrita para un cuarteto y artistas pequeños desarrollan partes que en su día fueron pensadas para cuerpos más grandes. Panorama supone, además, el regreso en la colaboración con DCA de dos elementos importantes en sus equipos anteriores: Eric Martin dirigiendo a los bailarines y Philippe Guillotel re-diseñando el vestuario. Sin duda es el acontecimiento de este fin de semana en Madrid, la presencia de este creador y sus excepcionales bailarines llenan de locura y precisión el escenario de la Sala Roja de los Teatros del Canal. Un ramillete de espléndidas piezas seleccionadas entre su gran obra donde podemos disfrutar de todos los estilos que ha desarrollado a lo largo de todos estos años. No lo duden, acudan a este Panorama y dejen libres sus sentidos ante él.
Adolfo Simón
photo: Laurent Philippe
Emilia de Claudio Tolcachir en los Teatros del Canal
Las casas son contenedores de muebles y emociones, cuando el tiempo pasa por ellos, se evaporan para dejar paso a los fantasmas. Esta podría ser una breve e improvisada descripción del montaje de Emilia que se presenta durante este mes en los Teatros del Canal; sobre todo por la lectura escénica que nos propia el inquietante espacio que ha diseñado Elisa Sanz. En esa casa hueca transitan los personajes del presente y el pasado para tratar de encontrar las claves de su existencia. De nuevo, Claudio Tolcachir escribe un texto sobre la familia y los misterios que conllevan las relaciones de sus integrantes. Aquí, con un equipo de actores españoles, teje una telaraña inquietante que nos atrapa entre las mil y una preguntas que surgen a cada momento.
Adolfo Simón
Micomicón y la «Trilogía de la memoria» arranca con «Atra bilis»
Durante este mes podremos disfrutar de la trilogía que Laila Ripoll ha ido construyendo a lo largo de estos años. Años difíciles en los que nos ha hecho recordar las miserias y penurias de la España negra, como la bilis de los cuatro personajes que nos presentan esta semana su vida.
Es fácil hacer humor negro con todo lo que nos ha rodeado históricamente, pero no es fácil hacerlo bien y con una crítica encubierta entre las risas del público. Atra bilis es una obra redonda, en la que vemos a cuatro mujeres, y digo mujeres, de verdad -aunque sean interpretadas por actores masculinos- que dan vida a las penurias y engaños que ya nos relataba Lorca en su casa de Bernarda Alba. Una mezcla esperpéntica y sagaz de cuatro personajes, que defienden muy bien los cuatro actores, alrededor de un féretro nos hace darnos cuenta de que no hace muchos años los sucesos macabros más habituales se callaban con total impunidad… y muchas veces me pregunto si no estamos volviendo a esta situación cuando, por ejemplo, se da un paso atrás con una ley cualquiera…como la del aborto, se me ocurre.
Son tiempos complicados, en los que debemos mirar atrás pero saltar hacia adelante y no dejar que nos atrapen las arenas movedizas del miedo y del qué dirán y eso lo sabe muy bien esta compañía que ha tenido el desahogo de poder recuperar este repertorio comprometido políticamente, aunque no se hable de política y poéticamente, aunque no se hable en verso.
Pero es mejor que ustedes mismos comprueben estos días que la realidad no es como parece y que hay maestros del humor negro y de la dramaturgia que dan una vuelta de tuerca necesaria, incluso hoy en día aunque la obra se haya estrenado hace doce años.
Luis Mª García
Que Revienten los Artistas 
Debe estar conectado para enviar un comentario.