MBIG (Mc Beth International Group) en La Pensión de las pulgas.
Es difícil reinventar a un clásico como Shakespeare, hacer atractivos a todo tipo de público sus textos y llenar una sala durante una larga temporada con fieles devotos, curiosos y nóveles del teatro. José Martret, en la nueva Pensión de las Pulgas, lo ha conseguido y hay que darle las gracias y decirle que no deje de crear. Estamos ante un tema completamente clásico al que se le da media vuelta de tuerca: Macbeth nos habla de la ambición desmedida y de la traición pero también del fracaso, temas universales que se pueden analizar desde un punto de vista más pasional, tal y como nos describe Shakespeare a través de sus personajes o a través de un punto de vista frío, racional y analítico, tal y como nos demuestra Martret con la creación de una ficticia empresa en la que se contextualiza la obra y un personaje, Camelia, que hace de nexo de unión con nuestra realidad. No nos engañemos: si nos leemos toda esa proliferación de libros sobre empresa y reglas fundamentales para que tu empresa triunfe, todos esos libros de auto-ayuda para que triunfemos personalmente en la vida, para que distingamos lo importante de lo urgente y así nos beneficiemos de tremendos resultados… llegamos a la conclusión de que todos nos tratan de inyectar un poco del veneno de la ambición. Los propios empresarios nos dicen que tener un poco de ambición en la vida es «bueno» y que el fracaso no entra entre sus expectativas, lo que les importa es es éxito, palabra de moda. Martret ha sabido mezclar todo esto en una coctelera y servirnos un batido Gourmet. 
El espacio escénico, creado para la Pensión de Las Pulgas por Alberto Puraenvidia nos sumerge desde un primer momento ya en el mundo de la empresa, creando un ambiente sospechosamente relajado con una suave música lounge y unos colores suaves y tranquilizadores como si estuviéramos en un elegante centro comercial, pero algo ya nos advierte de lo que nos vamos a encontrar dentro: Unas grandes letras metálicas y cortantes nos advierten que estamos en MBIG, una gran empresa en la que lo importante es que seas eficaz. Los siguientes ambientes nos van a sumergir en dos mundos completamente diferentes en los que se puede apreciar la versatilidad de Puraenvidia: Su capacidad es magnífica para transformar objetos encontrados y uniformar toda la decoración de manera que parezca que estamos ante algo completamente nuevo y con un regusto retro pero nunca visto. No adelanto más detalles de la escenografía porque no quiero romper la novedad de encontrarse dentro de un «nuevo mundo» en esta Pensión y creo que es una sensación que el espectador debe vivir de primera mano, sin saber antes dónde se va a meter.
Todo parece un pequeño sueño en el que las cosas van bien y la empresa «marcha» pero las brujas Skuld y Urd, interpretadas magistralmente por Maribel Luis y Pilar Matas, nos van a advertir de que no es todo como parece desde el primer momento en el que aparecen como gárgolas sentadas y criogenizadas en medio del flamante despacho del director. Las brujas están magistralmente dirigidas para representar nuestro interior más putrefacto, ese que nunca nos atreveremos a reconocer ni a mostrar, ese que cada «gran empresario» puede llevar dentro.
Camelia, interpretada por una maravillosa Inma Cuevas puede ser una diligente y fiel secretaria de dirección, una golden girl y también una moderna coach que te explica la ideología de su empresa mejor de lo que lo harían muchos ejecutivos en su propia empresa.
Francisco Boira nos interpreta a un Macbeth aparentemente poderoso y caballo ganador pero poderosamente atormentado por un destino y por la maldita ambición, lo que le hace mostrarse frágil y quebradizo en algunas partes de la obra. Todos estos aspectos son bastante difíciles de conjugar y asimilar dentro de un mismo papel y Boira ha logrado darles una redondez que muchos actores no podrían alcanzar.
Por último, hay que destacar la presencia de una Lady Macbeth elegante, sensual, ambiciosa y casi diabólica, interpretada por Rocío Muñoz-Cobo que nos recuerda a grandes actrices de la época dorada de Hollywood pero que no pierde ese tono de tragedia y tormento necesario para interpretar a este personaje.
Todos los demás actores contribuyen con su trabajo, excepcional también, a que esta sea una pensión de grandes actores donde es imprescindible al menos pasar una noche en esta temporada teatral. Grandes actores, director y escenógrafo y… ninguna pulga.
Luis Mª García Grande.
Sonrisas en El Sol de York
Dos actores repasan sus vidas artísticas rememorando la gran variedad de números que han interpretado: desde humoristas hasta presentadores de concursos radiofónicos pasando por el cabaret. En el recorrido les acompañarán otros artistas que sorprenderán al público por su variedad y peculiaridad: Las sorprendentes Hermanas Vargas, los pequeños artistas Manolito y María del Carmen, Agustito, la joven promesa del baile, Nefertatiri, la inquietante, por su edad, cabaretera, la simpar Felicia, cantante de jazz y traductora en sus ratos libres…y otros personajes que como ellos son manipulados por su creador Francisco García del Aguila, al ritmo de la música en directo a cargo de Juan Sánchez Molina (piano) y Javier Botella (contrabajo) y en el centro de todo esto la maravillosa interpretación de Isabel H. Dimas, que canta, actúa, manipula títeres y llena de encanto y sensibilidad la escena durante todo el espectáculo. Hay un error cuando se piensa que los títeres es un género ínfimo o para niños; en la historia de la escena hubo grandes creaciones a través del lenguaje de manipulación de objetos y muñecos. En Sonrisas, hay memoria de la escena, llena de nostalgia y picardía, hay un puzle de juegos teatrales sugerente y bien orquestado y sobre todo hay buen oficio teatral que tanto se echa de menos en nuestros escenarios…Ah! y es para todos los públicos…y además, no se nos desdibuja la sonrisa durante toda la obra. Solo queda una función, no os la perdáis.
Adolfo Simón
Aquí hay una mano de Juanma Romero Gárriz en Cuarta Pared
Tuve la oportunidad de ver la lectura dramatizada de este texto recientemente en La casa del lector, en el Matadero. Allí, casi con el mismo reparto actoral, ya pude descubrir la interesante propuesta textual de este autor. En Aquí hay una mano, nos sumergen en los recuerdos de alguien que ha llegado a un reconocimiento público y esta situación le permite ver todos los momentos de sombras y luces que ha vivido en ese periplo personal. Diferentes momentos y lugares se entrecruzan para situarnos en una sociedad llena de máscaras y dobles morales. Un texto complejo que en la puesta en escena se trata de manera sencilla para acercar la historia a un espectador ávido de discursos de hoy.
Adolfo Simón
MAGIA y FELICIDAD en el PRICE
EL Teatro Circo Price de Madrid, presenta desde el 13 de febrero hasta el 9 de marzo el IV Festival Internacional de Magia de Madrid, “Grandes premios de la Magia”, bajo la dirección de uno de los mejores magos de este país, Jorge Blass se muestra un espectáculo teatralizado como un cuento, un niño nos habla de sus deseos de hacer magia y se cierra con ese deseo convertido y vemos al niño hecho mago, entre estas dos escenas, tiernas y hermosas, señoras y señores… La felicidad!, un viaje a la alegría, a la sorpresa, volver a estar con la boca abierta y reír y aplaudir para sentir que el niño que eres está todavía en ti y constatar que la magia existe, palomas que se vuelven peces, colores que vuelan, gente que desaparece, otra a la que parten en dos, cuerdas que se multiplican y crecen, barajas que no se terminan y ternura y amor… y una banda sonora maravillosa, una adaptación de “El violinista en el tejado” que acompaña todo el espectáculo y saber que eres capaz de volar. Todos los magos con premios internacionales en su poder ¡cómo no! Maravillosos los Magic Unlimited (Holanda); increíble Charlie Mag (España); espléndidos y divertidos Scott & Muriel (Estados Unidos); original, novedoso y sorprendente Ted Kim (Korea); siempre fantástico, cercano y tierno Jorge Blass (España) y extraordinario, elegante y divertidísimo Norbert Ferré (Francia). Dos horas de felicidad e ilusión, que manera más sencilla de combatir la tristeza que nos pesa en estos tiempos de crisis. A que esperan, no se lo pierdan, reserven ya su butaca y volverán a ser niños otra vez, les doy mi palabra.
Ángel Savín
Tres-en-una de DANTE A.C. en la Sala Dt
DANTE A.C. presenta su producción “Tres-en-una” escrita por Carlos Be, Nico Grijalba y Ángel Abascal, con un texto de introducción de Adolfo Simón que también dirige la obra. Con motivo de la presentación de la exposición de dibujos de Nicolás Grande, personajes de la vida social, política madrileña y española nos pasean por las salas/galerías de la DT. 
Todo empieza en la calle, en el escaparate, donde mudo o más bien amordazado, un personaje esperpéntico nos muestra lemas y sentencias de nuestro edil más polémico y como si fuera una revista musical, una inmensa y camaleónica Malena Polo; a quien sigue como su sombra su fiel criado, lacayo o mayordomo, vaya usted a saber, interpretado por el debutante Luis García, nos introduce en el mundo del arte, de la frivolidad, del menosprecio que determinados personajes sienten por el resto de la humanidad; esa especie de élite que se creen superiores, mostrándose condescendientes y paternalistas con el resto de los mortales. Así Tita, Espe y Caye nos hablan de sí mismas, entusiasmadas, llenas de vanidad y con discursos que tienen dos y tres lecturas, personajes que son caricaturas de ellos mismos y que en este viaje nos hacen reír, a veces a carcajadas; el ingenio de los autores pasa por las personalidades de estas conocidísimas mujeres y las reflejan en el callejón del gato que es esta galería de personajes que llenan el papel couché y las presentan reconocibles y más creíbles en este disparate de risas, ejerciendo una mordaz crítica desde la ironía, aliviando así el corazón de los espectadores que asistieron. Bravo!, no hay nada mejor que disfrutar del teatro y salir de él sabiendo que reír es una buena forma de poner es su sitio a estas impresentables.
Ángel Savín.
Amantes de Vicente Aranda dirigida por Álvaro del Amo en el CDN
Es muy difícil llevar una novela al teatro y también lo es trasladar una obra dramática al cine pero todavía creo que es más complejo trasladar las imágenes de una película al teatro y más cuando en ella, la intensidad de sus imágenes y el tono del drama pedía verla a través de la cerradura de una puerta. Creo que el gran hallazgo del montaje teatral de Amantes es la propuesta de dirección de Álvaro del Amo. Ha huido de reproducir las escenas de la película en un escenario y ha buscado un tratamiento teatral a ese triángulo amoroso que se mezcla y confunde durante la narración. Para ello ayuda mucho el espacio escénico y todos los elementos que entran en juego en cada momento. Es un placer ver como el teatro tiene sus propio lenguaje y reglas…Paladear momentos de plano general donde los actores quedan frente a frente, como en espejos vitales…O cruzan por los mundos de los otros. Una propuesta de dirección contundente.
Adolfo Simón
Onegin, comentaries de Alvis Hermanis en el Festival de Otoño a Primavera
En estos tiempos en los que no encontramos el momento de tranquilidad para leer un buen libro si no que tenemos que aprovechar viajes largos en el metro para poder sumergirnos en la ficción escrita, resulta sorprendente que un espectáculo sea casi, literalmente, la lectura de un libro frente al público pero no como lectura dramatizada que es la fórmula a la que estamos acostumbrados a ver en escena la literatura dramática antes de ser montada definitivamente, no. Alvis Hermanis, al frente de la Compañía The New Riga Theatre ha presentado en Madrid, dentro del Festival de Otoño a Primavera, el resultado de meses de investigación alrededor de Onegin, novela de Alexander Pushkin. Y lo que pudimos contemplar fue una experiencia arriesgada para el público. No estamos habituados a ver en escena unos actores que pueden quedarse suspendidos, energéticamente hablando, mientras no tienen que comunicar parte del relato y tampoco estamos acostumbrados a ver a intérpretes que transitan por las vivencias del personajes, los comentarios que ellos hacen de sí mismos o de los otros seres que habitan la escena o describir anécdotas y noticias político sociales de la época en la que transcurre la vida de Onegin. Un extraño experimento escénico que, en el momento en que nos atrapó, nos hizo volar en el tiempo y el espacio.
Adolfo Simón
La madre tolerante en Ateneo mucha vida
Durante dos meses, en el emblemático Ateneo de Madrid se está desarrollando un programa de actividades culturales de muy distintos tipos. Profesionales de todas las artes han invadido todos los rincones del lugar para demostrar que este espacio sigue siendo un punto para encuentros artísticos. Hoy se ha mostrado en un espacio íntimo, la trasgresora propuesta de Sergio Martínez Vila: La madre tolerante, inquietante y surrealista obra en la que un ser comparte con los espectadores su biografía personal, llena de fantasmas y muerte. Un trabajo actoral arriesgado en un espacio de arena circular.
Adolfo Simón
EJECUCIÓN HIPOTECARIA de Miguel Ángel Sánchez en la SALA MIRADOR
Adolfo Fernández dirige y actúa en la obra de Miguel Ángel Sánchez, “Ejecución hipotecaria”, representada en la Sala Mirador de Madrid, un tema peliagudo y de una actualidad, lamentablemente, absoluta. Ejecutar el lanzamiento del inquilino de un piso y entregarlo al nuevo propietario, un proceso que desgraciadamente se realiza todos los días como algo cotidiano en la práctica judicial. En este caso, basado en un hecho que sucedió en Alemania, trasladado a este país, el ejecutado se rebela y somete a la comisión del juzgado, que acude acompañada por un policía y un cerrajero, a la que más tarde se une la representante del banco, nuevo propietario del inmueble. La violencia se desata y aparecen las miserias de cada uno de los personajes, y como contrapunto, en una propuesta escénica de Eduardo Moreno y Pau Fullana, muy bien iluminada por Pedro Yagüe, aparece la vida cotidiana de los propietarios reales del piso, un pareja que se ama y confía en vivir tranquilamente de su trabajo, que pierden por “la crisis”, que no han causado y en paralelo el desahucio que presagia la tragedia. Un elenco estupendo Juan Codina, violento y tierno, una fantástica Susana Abaitua y unos personajes que dejan ver sus entrañas, el resto del elenco Rafael Martín, Ismael Martínez y la funcionaria que lamento no conocer su nombre, brillan en sus intervenciones y crean la tensión necesaria para mantenerte atento y reflexionar sobre la violencia y su causa y sobre la necesidad de que no salgan impunes aquellos que se enriquecen con el sufrimiento ajeno en aras de una economía brutal que solo ampara a los ricos –bancos-, ayudados por sus lacayos –políticos-. Y el eterno slogan “compre, compre, que será un triunfador”
Ángel Savín
«La Gandula» de Sudhum Teatro en DT Espacio Escénico
El nuevo work in progress de Sudhum nos propone una mirada hacia atrás para compartir historias que originó la Ley de Vagos y maleantes en España. Lo primero que nos sorprende es que esta ley fué aprobada en la segunda República, pero luego fue endurecida por el gobierno de Franco para reprimir a individuos tan peligrosos como los homosexuales que acampaban por las calles de España.. A través de experiencias personales e investigación con colectivos afectados los actores proponen una exégesis de la ley, llamada popularmente ‘La Gandula’.. Una ley con la que se cometieron numerosas injusticias y con la que muchas personas sufrieron por ser como eran…
Pero no todo en la vida va a ser llorar y pasar estancias pagadas en Carabanchel por ser puta, maricón o alcohólico… La ley generó, con picaresca numerosas situaciones divertidas en los antros de pecados ocultos… ¿Quieren conocerlas? Pues acérquense al teatro…
El caballero de Olmedo dirigida por Lluís Pascual en la Compañía Nacional de Teatro Clásico
El genio de Lope de Vega nos legó una de las más hermosas tragedias de nuestro siglo de oro y ahora Lluis Pascual lleva a escena la versión de Francisco Rico dirigiendo a la Joven Compañía Nacional de Teatro Clásico-La Kompanya con la que nos presenta “El Caballero de Olmedo” de forma magistral, una puesta en escena sugerente y atractiva, con una escenografía de Paco Azorín sencilla y aparentemente simple; sillas que van conformando las distintas zonas de la escena, augurando un triste velatorio y una pantalla que muestra el devenir de los días. Los versos deliciosos se desgranan en la voz de tantos personajes; qué placer oír el verso como debe ser, como se llenan el cuerpo y el alma con su cadencia y su armonía, como todo se entiende y todo parece natural. Un elenco encabezado por la siempre brillante Carmen Machi, que está como en su casa y unos actores jóvenes que, si bien deben seguir creciendo por poner un pero, se ganan al público por su entrega y bien hacer, destacar a Pol López, ágil y simpático donde los haya, Javier Beltrán, un apasionado don Alonso, Laura Aubert, hermosa y enamorada y unos músicos Pepe Motos y Antonio Sánchez que enmarcan perfectamente con su música la propia música del texto de Lope, Una representación magnífica, con risas y emociones que me llenaron los ojos de lágrimas. El público abarrotando la sala aplaudió a rabiar y el cartel de no hay localidades para el resto de funciones… y en el oído el quejío de una voz que canta la gala de medina, la flor de Olmedo.
Ángel Savín
Liturgia de un asesinato de Verónica Fernández en La casa de la portera
Hay una excelente película de Jaime Chavarri llamada Desencanto que muestra los restos del naufragio de una familia donde el patriarca fue una pieza clave del franquismo. En Liturgia de un asesinato de Verónica Fernández asistimos a la autopsia psicológica de una familia donde, tras un crimen, descubrimos que no solo se heredan cosas materiales si no que también se hereda el mal y la crueldad. Como en las tribus ancestrales, la familia es el centro del universo para lo bueno y para lo malo. En La casa de la portera el público siempre está activo pero en esta ocasión, empatizamos con el investigador que va desvelando los hechos presentes y desempolvando los fantasmas del pasado, ese horror escondido entre los pliegues de la memoria y así, vamos componiendo el puzle que nos permitirá tener la catarsis que el protagonista experimenta. Al final, no termina la rabia cuando muere el perro porque en los genes se traspasa la herencia de la monstruosidad y el daño.
Adolfo Simón
Iaia, memoria histórica en Nave 73
Para poder pasar página de la historia, antes hay que leerla…Esta es una de las frases finales de la obra: Iaia, memoria histórica que se está representando en Nave 73. Hay temas de los que nunca se hablará suficiente porque siempre es necesario que no se olvide el horror, para tratar de no repetir los mismos errores. Cuando un jóven me dice que no sabe si el franquismo fue una dictadura o un barrio de Madrid…algo terrible está pasando y no porque haya que seguir hurgando en las heridas, pero si no somos conscientes de nuestro pasado no podemos ser dueños de nuestro futuro. Laia es una pieza sencilla y emotiva, basada en los recuerdos que va narranda una anciana a su nieta…y entre los recuerdos personales, se van colando otros recuerdos que alguien escribió con sangre en nuestra biografía. La pieza tan solo tiene una sábada tendida, un balancín y una manzana… bueno y una actriz excelente que crea, con esos pocos elementos y la magia de la actuación, un viaje conmovedor para el público.
Adolfo Simón
«Julio César» llega al Bellas Artes
Después de haber sido estrenado en Mérida y haber viajado por España «Julio Cesar» de Shakespeare y dirigido por Paco Azorín, se ha instalado en el teatro Bellas Artes. Afrontar este tipo de obras y darles un aire contemporáneo es una labor complicada, y Azorín se ha encargado de darle una imagen sencilla y asequible para todos los públicos, incluso los que gustan de proyecciones audiovisuales, aunque en este montaje no cumplan una función esencial. En el escenario se representa de manera sencilla el poder mediante una reunión de sillas al estilo del senado romano y un obelisco de grandes dimensiones que podría representar el poder que en aquella época tenía César después de haber conquistado las Galias, haber luchado contra Pompeyo y haber cruzado el famoso río hacia Roma mientras decía que la suerte estaba echada. Pero lo que no esperaba César es que la suerte le sorprendiera al comprobar que Bruto también le iba a dar una puñalada también, ya que lo consideraba su hijo adoptivo.
Aunque sea obvio recordarlo, la obra nos habla de temas universales como pueden ser el poder, la amistad, la nobleza y la traición y los actores que se encargan de representar a estos personajes lo comunican perfectamente.
Es un placer poder ver a Mario Gas de nuevo interpretando y asumiendo el personaje de Julio César con credibilidad y con una dicción de la que muchos actores tienen envidia. Hay que destacar la actuación de Tristán Ulloa en el papel de Bruto y de Sergio Pérez-Mencheta en el de Marco Antonio. El primero por dar al personaje una credibilidad indiscutible y porque demuestra una gran madurez interpretando y el segundo por poner toda la carne en el asador y el matiz emocional que da al conocido monólogo de la obra.
El valor de la palabra es el punto sobre el que Azorín se ha querido centrar, en su fuerza poética y evocadora. Julio César, además de político y militar era escritor, y eso muy bien lo sabemos los que hemos estudiado Latín y traducido sus batallas, y, como buen político sabía muy bien utilizar la palabra para modificar conductas, para influir en los ánimos de los demás. De manera sencilla, pero efectiva barría para su casa. Shakespeare supo recoger de los clásicos toda esa intriga que ocurría dentro del senatum y desarrollarla de manera excepcional. Azorín ha sabido recortar la obra de manera que quede lo justo para comprenderla, que sea fluída y que suponga toda una lección moral y estética para el que vaya a verla.
Luis Mª García Grande.
NIPPON-KOKU de Marcos Morau para la CND
Está claro que para que la siembra de buenos frutos, hay que dar tiempo. Ahora que las nuevas direcciones de las compañías nacionales de teatro y danza tienen ya un recorrido en el que ir implantando la visión de sus directores, empieza a aparecer la personalidad propia que quieren conseguir. Ayer, en la sala I del Matadero se presentó el nuevo trabajo de la Compañía Nacional de Danza: Nippon-Koku de Marcos Morau & La Veronal, probablemente, uno de los mejores espectáculos de danza que he visto en los últimos años. José Carlos Martínez director de la Compañía, ha propuesto, inteligentemente, esta producción a Marcos Morau para que realizase un trabajo personal y al tiempo, para seguir construyendo esa línea de repertorio único y diverso para la CND. El equipo que ha rodeado a esta idea es de lujo y no puedo menos que nombrarlo porque lo que realizan en sus distintos campos es excepcional: Luis Miguel Cobo en la composición musical, Pablo Gisbert en la dramaturgia, Enric Planas en el diseño de la escenografía, Albert Faura en la luz y David Delfín en el vestuario. Una suma de talentos fantásticos. Y aunque parezca un tópico y por mucha inspiración que hay en todos los apartados artísticos, he de nombrar en mayúsculas a los INTÉRPRETES. Y digo intérpretes y no bailarines porque hacen mucho más que bailar que ya es bastante. Recorren un espectáculo complejo, lleno de atmósferas y lenguajes diferentes y en todo momento están en la precisión y creación que requiere la situación. He dejado pasar unas horas desde el estreno para bajar el nivel de euforia que sentí al terminar la representación…Un cuento fantástico de terror y realidad donde nos muestran profundamente el horror de un mundo dominado por la manipulación y la anulación del individuo. Una pieza de danza-teatro que no debería perderse nadie que ame el arte en su máxima expresión.
Adolfo Simón
Clímax! de Alejandro Melero en el Teatro Alfil
Clímax es un puzle de piezas donde diferentes parejas se encuentran en espacios comunes con diferentes itnereses, de ahí salen situaciones picantes y divertidas donde cuatro actores juegan como niños, al gato y al ratón.
Adolfo Simón
Günter, un destripador en Viena de María Velasco en Cuarta Pared
Günter, el personaje ficcional creado por María Velasco podría haber existido o tal vez, debería existir…no por su crueldad ni por sus crímenes pero si por su locura y propuesta artística. Ante un tiempo en el que el arte se consume como hamburguesas en la Gran Vía de Madrid es importante que haya un espacio de búsqueda como ETC y sobre todo, que una autora como María Velasco no se deje seducir por las veleidades de la profesión ni por las modas. Günter en un salto al precipicio literariamente hablando y una experiencia escénica que no puede dejar indiferente ni a los que deseamos que el teatro vuelva a ser un espacio ético y poético.
Adolfo Simón
Ciudadanía de Mark Ravenhill en Escena Conde Duque
De nuevo se presenta en Escena Conde Duque La Joven Compañía de Teatro de Parla. En esta ocasión es un texto contemporáneo de un autor europeo: Mark Ravenhill y la obra: Ciudadanía. Una pieza compuesta de breves escenas que van mostrando a personajes jóvenes enfrentados a las dificultades de la edad adulta. El elenco tiene la edad de los personajes y están en proceso de aprendizaje teatral, algo que les sintoniza más allá de la ficción. Una propuesta escénica muy sencilla y efectiva permite que transitemos por los distintos momentos. El grupo de jóvenes actores imprime emoción y energía a la obra. Un proyecto al que seguir sus pasos.
Adolfo Simón
Atrapados en el Teatro Alfil
El teatro Alfil de Madrid estrenó anoche una producción de Laindalo Creaciones, la obra escrita y dirigida por Alejandro Melero “ATRAPADOS”, una historia que empieza con la reclusión forzosa del director de la sede central de un banco, la directora de recursos humanos y el chico de los recados en su cámara acorazada, al estar perpetrándose un robo en ese instante, a partir de aquí se cuentan las historias de estos tres personajes reconstruyendo un puzle que nos lleva al pasado, a los sueños y regresa a un presente crudo y duro, y se viaja por todos los temas que afectan a una realidad social cada vez mas apesadumbrada e indignada por una crisis que no cesa, las ejecuciones hipotecarias que dejan a buenas personas sin casa y sin vida y los temas de siempre: la identidad, el amor… Un final emocionante del que no puedo hablar para que vayan a verla. Un espacio divido en tres, para realizar este viaje, y tres actores para transitar por él. Mauricio Bautista es el banquero firme y serio y se desdobla en un ser tullido por la culpa y un joven con ansias empresariales. Un joven Víctor Palmero que viaja por la aceptación de su opción sexual y es ágil y divertido y dejo para el final a una, ya popular, Eva Isanta que eleva el tono de la función con una interpretación vibrante, energética y que crea una peluquera inmensa y entrañable, vamos para llevártela a casa. El público interrumpió varias veces la representación con aplausos y espero que les vaya muy bien.
Ángel Savín
El buscón de Quevedo con Jacobo Dicenta en el Teatro Infanta Isabel
Oyendo el buscón escrito por Quevedo uno no puede menos que maravillarse de la belleza del lenguaje con el que hace cabriolas para llenar nuestra cabeza de mil emociones e ideas. El viaje que describe con este personaje y todas sus peripecias nos muestra una radiografía perfecta de aquella época y de la actual, porque, desgraciadamente, poco ha cambiado la gente en este país, seguimos siendo los mismos trepas que pretendemos conseguir todo sin esfuerzo y pisando el cuello de todo el que se cruce en nuestro camino. No hace falta darle contemporaneidad a la puesta en escena ni a la interpretación…Tranquilamente podría este buscón presentar un telediario de los que cada día en la televisión nos muestra los abusos del poderoso y del que está a sus órdenes. Una propuesta despojada, una silla y unos elementos, suficiente…junto a la compañía de una intérprete musical que crea las atmósferas precisas. Y claro, un actor a pecho descubierto, con la edad precisa para dar vida a este pícaro de siempre.
Adolfo Simón
Micomicón cierra su trilogía con «Santa Perpetua» en la Cuarta Pared
Afrontar con humor las barbaridades sucedidas durante la Guerra Civil Española y hacernos reflexionar sobre ellas es una tarea ardua que exige mucho tacto y mucha mano izquierda. ¿Se puede ser santa y hacer milagros? Parece ser que Perpetua puede hacerlo. Postrada en su cama durante años se dedica a ser la futoróloga y cura enfermos más famosa de su entorno. Ella ha sabido ir modelando su vida, por las buenas o por las malas, para llegar a ser una santa reconocida y de prestigio… pero nada es gratuito y pronto se dará cuenta de que el pasado siempre vuelve por muy santa que seas y por mucho que hayas predicado y sanado. Una bicicleta muerta de risa en el garaje de Santa Perpetua será el desencadenante del destino, que siempre está escrito, aunque intenten reescribirlo o borrarlo. Y… cuando menos te lo esperas, el destino te da un puñetazo en el estómago.
Laila Ripoll se ha encargado de recuperar la memoria histórica a raíz de la aparición de esas fosas de represaliados del franquismo que pusieron en pie muchos recuerdos enterrados. Y lo hace a través del sarcasmo, de la ridiculización, del esperpento y de los valores tradicionales distorsionados en visiones apocalípticas. Ripoll se atreve a representar tradiciones que encubren moralidades pacatas y mojigatas y darles una vuelta de tuerca para demostrar lo engañado que ha estado un pueblo a costa de las invenciones de dirigentes y canónicos que no han hecho más que enterrar cadáveres a su paso.
Como ya habíamos dicho en las anteriores críticas, recalcamos:una trilogía indispensable.
Luis Mª García Grande.
Una vida robada de Antonio Muñoz Mesa en el Centro de Arte Fernán Gómez
Muchas veces oímos la expresión: Los viejos son como niños. Y a los niños les gusta jugar, a veces a juegos peligrosos. Es interesante el planteamiento de la trama de Una vida robada al mostrarnos la llegada del personaje protagonista femenino a una casa llena de información almacenada, custodiada por un viejo que quiere comportarse como un niño y no abrir las puertas de la memoria. Pero para eso está el juego, para hacer trampas y estrategias. El trueque en el juego hace que los personajes vayan desvelando sus verdaderas intenciones y descubriendo catárticamente el horror de su pasado. Hay componentes trágicos, yo diría que edípicos tratados de forma contemporánea con un elenco implicado en la obra.
Adolfo Simón
Angel Rojas y «El arte por delante» en El Corral de la Morería
Blanca del Rey, directora artística de El Corral de la Morería, sigue apostando por grandes talentos del flamenco y baile español. Con Ángel Rojas ha metido un buen as dentro de sus cartas.
Ángel Rojas que ha recibido el Premio al Mejor Bailarín del Certamen Nacional de Coreografía, fundador, coreógrafo y Primer Bailarín, junto a Carlos Rodríguez, del Nuevo Ballet Español, Premio a la Mejor Compañía de Danza y Flamenco, Premio al Mejor Espectáculo Musical del año, Premio Villa de Madrid al Mejor Intérprete de Danza y Premio de Danza de la Comunidad de Madrid, ha recorrido con su compañía, El Nuevo Ballet Español, junto a Carlos Rodriguez, los más importantes teatros y festivales del mundo.
Rojas se lanza a crear un espectáculo digno del mejor de los tablaos del mundo, recomendable para todos los españoles y para todos los extranjeros, de innegable valor cultural y artístico. Los palos de los que podemos disfrutar son los siguientes: Tangos de Cádiz, Cantes de Levante, Verdiales, Soleá por bulerías, Romance del Negro del Puerto Alegría de Cádiz, Farruca y Bulerías de Jerez.
En «El arte por delante» nos presenta un flamenco andalucista, tradicional y jondo, con aires de Málaga, Córdoba y Cádiz. Llega acompañado por «La Lupi», excepcional bailaora Malagueña con una pose y jondura en sus tangos gitanos que nos ha fascinado y con sus Alegrías que acaba a su manera, no por bulerías ni con estruendo, como normalmente se suele acabar, sino suave, como las olas olas de la bahía cuando estan calmas y susurran al oído en una noche cálida.
El toque más flamenco lo introduce Pol Vaquero, solista del BNE en la obra «Grito», en su «Córdoba moruna» destilando raza y ritmo. También destaca el cante de Rocío Bazán, con una voz al estilo antiguo que nos hace evocar la atmósfera de antiguos cantes y cantaoras, envolviéndonos y contribuyendo a crear esa sensación de estar dentro de un cuadro de Romero de Torres.
Rojas sigue seduciendo y acaparando toda la atención del público con una farruca que demuestra quién es y porqué está donde está. Es un lujo disfrutar de su baile en petit comité, viéndole la expresión de la cara mucho mejor que cuando le vemos en grandes escenarios.
En definitiva, un espectáculo imprescindible, creado para los tablaos e inspirado en los tablaos, para todos los amantes del buen baile y cante y que demuestra que El Corral sigue apostando por mantener una calidad y excelencia dentro de este mundo de los tablaos que le hacen digno de estar donde está.
Luis Mª García Grande
El huerto de los guindos de Chejov en La casa de la portera
De nuevo Chejov en La casa de la portera, ahora con una adaptación del actor Raúl Tejón, cuando todavía resuena en nuestra memoria aquel Iván-Off que hizo de La casa de la portera un lugar de culto, nos llega ahora esta nueva adaptación de uno de los grandes textos del autor ruso y de la literatura dramática del siglo XX. Raúl ha puesto el acento en lo que conoce bien, el trabajo de los actores y les acompaña para que las emociones e intenciones de los personajes afloren y llenen cada rincón del lugar. Todo el grupo de intérpretes están afinados en su trabajo, como buenos pianos, no se puede ni se debe resaltar a ninguno entre todos. Casi dos horas de teatro de hoy que mira a los clásicos con fervor. De momento se terminan las funciones de este huerto pero no dudo que volverá a habitar las estancias de la casa o se enfrentará a otro espacio, donde seguro, tendría también posibilidades escénicas.
Adolfo Simón
Que Revienten los Artistas 
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