Miquel Insua nos habla sobre sus trabajos interpretativos
¿Qué es el teatro para ti?…
El teatro nació de la comunidad y sigue siendo un ritual comunitario. En el teatro nos encontramos para compartir.
¿Por qué haces teatro?…
El teatro explora lo que significa ser humano. Y la humanidad no es una cosa natural, es una cosa que nosotros construimos. Lo mismo que la justicia. Nuestra concepción básica de lo que es la humanidad lleva el germen de la corrupción desde la Biblia, que nos narra como pecadores. Esa energía psíquica milenaria nos persigue. La literatura y los noticiarios nos narran diciendo lo malos que somos. Vivimos en una sociedad que maltrata a diario la imagen del hombre. Para mi, el teatro es un proyecto humano dónde trato de encontrar respuestas a una pregunta, ¿Cómo ser humanos en un mundo asolado por la guerra y por la injusticia social?.
¿Qué balance haces de tu trayectoria como actor?…
El balance lo hacen los presupuestos de acción, las historias con las que te acabas comprometiendo. Llevo un año encadenando proyectos, tanto en el cine como en el teatro. En el teatro, he trabajado textos de Lola Blasco, María Velasco y Sergio Martínez Vila. Y en el cine con Carlos Vermut, Borja Cobeaga, Juan Cavestany o Nacho Vigalondo. Y, curiosamente, casi todas interrogan o dan cuenta de los mecanismos del sistema para deshumanizarnos.
Háblanos de los últimos montajes en los que has participado.
Hace un año, en el CDN, me propusieron uno de los retos más grandes de carrera como actor. Interpreté a una transexual en La Ceremonia de la confusión de María Velasco, con dirección de Jesús Cracio. El texto interrogaba a la generación de la movida desde el movimiento de los indignados del 15M, y mi personaje acababa desmontando la cuestión de género. Después llego un regalazo, abordé a Sócrates en El banquete, que estrenamos en el Fringe y que ahora volvemos a reponer en el Ateneo. Uno del os mejores monólogos que ha llegado a mis manos, escrito por Sergio Martínez Vila. Y, pasado el verano, Carlos Aladro me propuso participar en el Don Juan, de Zorrilla. Un montaje multimedia para Alcalá de Henares. Ahí descubrí lo sagrado del teatro. El viaje culminó en la Huerta del Obispo del Palacio Arzobispal, el 31 de octubre y el 1 de noviembre, ante 20.000 personas en silencio, durante dos horas. Después hicimos Perfiles, de Sergio Martínez Vila, en La casa de la portera. La obra planteaba como en el mundo virtual el Otro desaparece y el sistema nos va convirtiendo en máquinas. Estuvimos cuatro meses reflexionando sobre esas máquinas que llevamos en los bolsillos y que lo aceleran todo pero que no pueden asegurar nuestra humanidad. Y, los dos últimos montajes fueron en el escenario de la Cuarta Pared. Günter, un destripador en Viena, de María Velasco. Un montaje sobre el accionista vienés Günter Brus y sus autolesiones para despertar a la sociedad de su tiempo. Un trabajo que entronca con nuestra actualidad, con la dificultad para renovar en el ámbito del arte y de lo social. Y En defensa( un concierto de despedida), de Lola Blasco. Luis Paniagua compuso la música original del concierto, una elegía para despedir a los jóvenes que abandonan el país, por falta de trabajo. Un montaje de investigación para renovar el teatro político a partir de Brecht y de Piscator. Y una toma de conciencia sobre la resistencia que habitamos. La revolución de las ideas se corresponde con la de las formas y de las estéticas.
¿Cómo surge El Banquete, el proyecto que vais a presentar en el Ateneo?…
La idea de hacer El banquete surge de María Velasco, que coordinó a la dramaturgia, y de Sonia Sebastián, que se encargó de la dirección. Cinco dramaturgos: Alberto Conejero, Elena Lombao, Ana R. Costa, Sergio Martínez Vila y María Velasco, reescribieron los discursos del amor, a partir del original de Platón.
¿Cómo fue el proceso de creación?…
Escritos los discursos, Sonia Sebastián ofreció a los dramaturgos la posibilidad de que propusieran a los actores que podían interpretar sus discursos. Una vez formado el equipo, hicimos exploratorios sobre la clase social a la que podían pertenecer estos filósofos, su manera de comportarse en este tipo de reuniones y las posibles relaciones que podían surgir entre los comensales. Siempre con la comida de por medio o distintas catas de vinos. El equipo se compactó en seguida, la verdad. Y el resto, con la batuta de la Sebastián, fue rodado.
¿Hay algún referente técnico o artístico del que has partido, para crear tu personaje?…
A Sócrates lo condenaron por corromper a los jóvenes… Situé su juventud, la década en la que podía haber forjado sus cimientos, en el movimiento hippie, Todavía estamos bebiendo de la revolución sexual de los años sesenta, del amor libre, la marihuana, la experimentación con los alucinógenos y de todo un mundo sonoro. Se instaló una canción y un tempo: Across the universe, de los Beatles. Nothings gonna change my world…
¿Cómo preparas los personajes?…
Suelo trazar momentos de su biografía que le marcaron cambios de conciencia. Trato de documentarme todo lo que puedo y estar alerta de lo que me va dando la vida diaria. Para mi, lo importante es aproximarme a su carácter, sentir de dónde nace el discurso que trata de sostener y de su estado de conciencia en el momento que entra en acción.
¿Qué función crees que debe tener el teatro para la sociedad en la que vivimos? …
Vivimos la desaparición del especio público, de reunión. Cada día estamos más dispersos y el bombardeo de la información crea confusión. Creo que el teatro nos convoca para sacarnos del ruido del mundo y abrirnos un poco más los ojos a una verdad secreta. Esa que fecunda la conciencia. Tenemos que empezar por entender que sentido nos damos nosotros a nosotros mismos para saber qué tipo de sociedad queremos. Y el sentido también debe aprenderse, nos una cosa natural.
¿Te interesan las propuestas combativas y políticas?…
Claro que sí. Las ideas que mueven al hombre entroncan con la situación política en las que esas ideas se gestaron. Ahora que la democracia no nos ayuda porque no hay una verdadera comunidad, que estamos divididos por la economía, sin objetivos comunes, el teatro tendría que ser más abiertamente político. Es el momento de repensarse. Si no ahora, ¿cuándo?.
La Subida del IVA…
Tratan de hacer daño a la cultura y, por tanto, a la identidad del país. Nos duele, pero no nos paran.
Alguna sugerencia para seguir creando en tiempos de crisis…
En vez de crisis di resistencia. Estamos en una resistencia y hay que planificar la resistencia. La otra palabra puede llegar a paralizarte.
Qué obra de teatro has visto últimamente? ¿Qué te pareció?…
Citaría el repertorio de Pablo Messiez. Me interesa lo que cuenta, como lo cuenta, los climas que crea y adónde viajo como espectador.
Proyectos.
Tenemos Los bárbaros como distribuidora y como compañía. El proyecto es crear más visibilidad a la dramaturgia contemporánea; y más amortización del trabajo. Lo más inmediato, el estreno de Perfiles en escenario a la italiana. El 5 de abril, en La Elipa. Nos vamos de bolos con Günter, un destripador en Viena, a Burgos. Seguiremos en Madrid con El Banquete. Y estamos con la pre-producción de El arte de la guerra, una versión de Sergio Martínez Vila sobre el original de Sun Tzu.
De trapo y barro en Teatralia 2014
A punto de entrar en la recta final del Festival Teatralia 2014, sigo pensando que es, probablemente, el mejor certamen de artes escénicas que se lleva a cabo en la Comunidad de Madrid. Además de mostrar espectáculos de todo tipo de disciplinas…Circo, música, títeres, objetos, danza, clown, etc, etc., etc…Se exhiben propuestas de gran calidad artística, cuidando las temáticas para según al público al que se dirigen. Este fin de semana se han presentado dos piezas estupendas…
Por un lado, en La Casa Encendida, se mostró la opera prima de El Patio, un espectáculo tierno y delicado, de muy pequeñas dimensiones. Una historia contada con barro, con un pequeño personaje deseoso de escapar, una historia de amor y de pequeños fracasos, un torno, una taza que respira, dos personas con muchas ganas, una diminuta alfarería y cuatro manos que juegan. A Mano es un relato ideal para explorar cómo las acciones y decisiones influyen en nuestras relaciones y en nuestro ambiente, y para alentar a los niños a expresar sus opiniones y reacciones ante el teatro. A Mano aúna la cerámica y el teatro y es la primera pieza escénica de la joven compañía riojana El Patio, formada por Izaskun Fernández y Julián Sáenz-López. Más que un espectáculo se debería hablar de una experiencia para los más pequeños de la casa, aquí han tenido ocasión de experimentar un cúmulo de sensaciones e ideas cargadas de sensibilidad.
Y por otro, en Cuarta Pared, se presentó Zo slim als een ezel-Tan listo como un burro, una obra de teatro visual, sin texto, pero con grandes dosis de buena música. Los protagonistas son títeres realizados a partir de objetos encontrados, cosas rotas y materiales viejos. Gérard Schiphorst y Marije van der Sande, creadores e intérpretes del espectáculo, contaron con la colaboración del escritor y pintor Wim Hofman, que ayudó con la historia y además realizó los dibujos animados que conectan las escenas. La obra cuenta la historia de un burro que se resiste a actuar como tal y que huye de la creencia popular de que los burros son burros por naturaleza, dejando claro que ello es posible aunque deba pasar por las más extrañas aventuras para demostrarlo. Un alarde de imaginación en este espectáculo, no solo en lo concerniente a las transformaciones que se producen en el burro de trapo si no en todos los elementos que aparecen en el transcurrir de la narración, consiguiendo crear múltiples espacios y situación. Y además, con un guiño final estupendo para los niños…¡Si quieres, puedes no ser burro!.
Adolfo Simón
MAGIA CAFÉ EN CUARTA PARED
Paloma Pedrero escribe y dirige “Magia Café” y se muestra estos días en la Sala Cuarta Pared de Madrid. El teatro tiene varias funciones, entre ellas está la de entretener con historias de temas universales como el amor, la venganza, la violencia, el odio etc… y la de reivindicar y mover el pensamiento del público y empujarle a actuar frente al poder, este es el caso de “Magia Café” donde a partir de la lucha por mantener la actividad de un Café ocupado por indigentes y que la autoridad quiere desalojar, se cuentan historias de tema universal y se reivindican los derechos de quienes despojados de todo, no pierden un ápice de dignidad para exigir un lugar donde poder reunirse y compartir lo que hemos perdido que es la solidaridad real y no la hipocresía social. Muy bien iluminado por Susana Romero, un espacio sonoro que alegra la tristeza que pesa en toda la historia de Raúl Barrio, divertidas coreografías de Sonia Dorado. Y un estupendo elenco que disfruta de lo que hace, con un Germán Torres brillante y creíble, representando a la autoridad de una forma real y sin fisuras, el mal o lo malvado se reviste siempre de cierta cordialidad y bondad que no es más que un paternalismo abusón y descarado. Con los tiempos que corren no sólo se hace necesario este tipo de funciones sino que casi tendría que ser obligatorio, para recordar que los responsables de esta situación de crisis no son los que nada tienen o todo han perdido, sino que por el contrario son los que más tienen y siguen teniendo más.
Ángel Savín
Bartolomeo de Carrasco Dance en Teatralia
Desde Suecia llega este estupendo trabajo dirigido a jóvenes y público adulto. Bartolomeo es una propuesta que indaga sobre el cuerpo, sus distintas energías y sus impulsos con diferentes músicas como estímulo. Un trabajo de precisión técnica impecable y una sincronía corporal excelente entre las intérpretes. Al principio cuesta que los adolescentes conecten con las coreografías pero en un momento dado, quedan atrapados por la belleza del sencillo espectáculo que, al final, estalla en un efecto sensorial de gran impacto. En Cuarta Pared se ha visto esta propuesta durante el fin de semana.
Adolfo Simón
Combates dialécticos en escena
Cuando nos amordacen, morderemos.
Cuando nos empujen, levantaremos la mirada.
Cuando tengamos que marchar, no lloraremos.
Afuera, la ciudad ruge con sus luces de neón y con el sonido de las máquinas tragaperras, adentro la palabra.
Hay veces que necesitamos reír y reír…pero otras necesitamos que las palabras nos sumerjan en océanos oníricos, en ciudades amuralladas, para salir de esta realidad tonta que nos asfixia. Y para eso hemos de volver a entrar en los espacios del rito, en el teatro…
Ya sé que la Gran Vía está en el centro de la ciudad de Madrid, ya sé que allí están los espectáculos de masas, pero a mí me gusta perderme por los barrios, por las calles estrechas e ir a espacios donde el tiempo se detiene o se dilata…
Hoy toco ir a EL TALLER, en el barrio de Usera…Y allí me he encontrado un trozo de teatro donde la palabra se ha hecho carne gracias a las actrices que interpretan Visiones de Margarita de Navarra de Ángeles Carmona; de LA MALA COMPAÑÍA…Es un ritual de puro teatro, donde se viaja a través de las imágenes escritas, palabras que crean formas en el espacio. Un lenguaje hermoso y contundente…Y me pregunto… ¿Por qué la ciudad y sus dirigentes dan la espalda a estos lugares?…Seguramente les da miedo sentir, mirar de frente, ver la realidad. Acudan a ver este trabajo, no les defraudará.
Y no podrán ver, de momento…En Defensa, hoy ha sido la última función de este poema dramático que ha estados las últimas semanas en Cuarta Pared. Creo que el equipo de esta propuesta no sabe que han hecho una ópera contemporánea, un espectáculo de una sensibilidad exquisita, comprometido y generoso. Cuando nos comunicamos por sms o a gritos desde los balcones, aquí se instalan en un espacio de poesía visual donde la palabra, las imágenes, la música, el espacio…todo, adquiere una dimensión de poema clásico atravesado por una contemporaneidad rabiosa. Estén atentos, si vuelven a ver programado…En Defensa de Lola Blasco, acudan a verlo con el silencio en la cabeza.
Adolfo Simón
Aquí hay una mano de Juanma Romero Gárriz en Cuarta Pared
Tuve la oportunidad de ver la lectura dramatizada de este texto recientemente en La casa del lector, en el Matadero. Allí, casi con el mismo reparto actoral, ya pude descubrir la interesante propuesta textual de este autor. En Aquí hay una mano, nos sumergen en los recuerdos de alguien que ha llegado a un reconocimiento público y esta situación le permite ver todos los momentos de sombras y luces que ha vivido en ese periplo personal. Diferentes momentos y lugares se entrecruzan para situarnos en una sociedad llena de máscaras y dobles morales. Un texto complejo que en la puesta en escena se trata de manera sencilla para acercar la historia a un espectador ávido de discursos de hoy.
Adolfo Simón
Günter, un destripador en Viena de María Velasco en Cuarta Pared
Günter, el personaje ficcional creado por María Velasco podría haber existido o tal vez, debería existir…no por su crueldad ni por sus crímenes pero si por su locura y propuesta artística. Ante un tiempo en el que el arte se consume como hamburguesas en la Gran Vía de Madrid es importante que haya un espacio de búsqueda como ETC y sobre todo, que una autora como María Velasco no se deje seducir por las veleidades de la profesión ni por las modas. Günter en un salto al precipicio literariamente hablando y una experiencia escénica que no puede dejar indiferente ni a los que deseamos que el teatro vuelva a ser un espacio ético y poético.
Adolfo Simón
Micomicón cierra su trilogía con «Santa Perpetua» en la Cuarta Pared
Afrontar con humor las barbaridades sucedidas durante la Guerra Civil Española y hacernos reflexionar sobre ellas es una tarea ardua que exige mucho tacto y mucha mano izquierda. ¿Se puede ser santa y hacer milagros? Parece ser que Perpetua puede hacerlo. Postrada en su cama durante años se dedica a ser la futoróloga y cura enfermos más famosa de su entorno. Ella ha sabido ir modelando su vida, por las buenas o por las malas, para llegar a ser una santa reconocida y de prestigio… pero nada es gratuito y pronto se dará cuenta de que el pasado siempre vuelve por muy santa que seas y por mucho que hayas predicado y sanado. Una bicicleta muerta de risa en el garaje de Santa Perpetua será el desencadenante del destino, que siempre está escrito, aunque intenten reescribirlo o borrarlo. Y… cuando menos te lo esperas, el destino te da un puñetazo en el estómago.
Laila Ripoll se ha encargado de recuperar la memoria histórica a raíz de la aparición de esas fosas de represaliados del franquismo que pusieron en pie muchos recuerdos enterrados. Y lo hace a través del sarcasmo, de la ridiculización, del esperpento y de los valores tradicionales distorsionados en visiones apocalípticas. Ripoll se atreve a representar tradiciones que encubren moralidades pacatas y mojigatas y darles una vuelta de tuerca para demostrar lo engañado que ha estado un pueblo a costa de las invenciones de dirigentes y canónicos que no han hecho más que enterrar cadáveres a su paso.
Como ya habíamos dicho en las anteriores críticas, recalcamos:una trilogía indispensable.
Luis Mª García Grande.
Pinocho de Ultramarinos de Lucas en Cuarta Pared
Con la peculiar y personal forma de crear de Ultramarinos de Lucas, se ha presentado en Cuarta Pared su versión de Pinocho, muy fiel a la novela, huyendo del tópico facilón del muñeco mentiroso. En un círculo mágico definido a base de elementos de madera natural, van configurando, los dos intérpretes, los diferentes espacios y personajes necesarios para contar la historia. Con juego e imaginación consiguen que los niños reflexionen sobre su responsabilidad para un crecimiento óptimo que les haga más libres y fuertes.
Adolfo Simón
«Los niños perdidos» de Micomicón en Cuarta Pared
Seguimos disfrutando, y mucho, de la «Trilogía de la Memoria» de Ripoll en la Sala Cuarta Pared con estos «niños perdidos». Un espectáculo dedicado a los padres y abuelos que padecieron la Guerra Civil y el Franquismo. La obra fue estrenada en el Teatro María Guerrero en 2005 y aún hoy tiene plena vigencia debido a la denuncia social que supone. Los niños, hijos de republicanos y olvidados del Franquismo que sufrieron las calamidades de esa institución llamada «Auxilio social».
Es importante destacar la labor dramatúrgica que nos aporta la iluminación en la obra creada por Luis Perdiguero y la escenografía de Arturo Martín Burgos, que nos trasladan a la estética de comics de terror o películas de Tim Burton y que nos cuentan lo que no se ve…
El trabajo de los actores sigue siendo magnífico, metiéndose en la piel de un niño que tiene que pasar por esas calamidades o en la de una monja de esas que tanto ayudó a que el régimen funcionara como debía funcionar.
Una obra imprescindible en una lección de lo que hoy llamamos «Memoria histórica»
Luis Mª García
Micomicón y la «Trilogía de la memoria» arranca con «Atra bilis»
Durante este mes podremos disfrutar de la trilogía que Laila Ripoll ha ido construyendo a lo largo de estos años. Años difíciles en los que nos ha hecho recordar las miserias y penurias de la España negra, como la bilis de los cuatro personajes que nos presentan esta semana su vida.
Es fácil hacer humor negro con todo lo que nos ha rodeado históricamente, pero no es fácil hacerlo bien y con una crítica encubierta entre las risas del público. Atra bilis es una obra redonda, en la que vemos a cuatro mujeres, y digo mujeres, de verdad -aunque sean interpretadas por actores masculinos- que dan vida a las penurias y engaños que ya nos relataba Lorca en su casa de Bernarda Alba. Una mezcla esperpéntica y sagaz de cuatro personajes, que defienden muy bien los cuatro actores, alrededor de un féretro nos hace darnos cuenta de que no hace muchos años los sucesos macabros más habituales se callaban con total impunidad… y muchas veces me pregunto si no estamos volviendo a esta situación cuando, por ejemplo, se da un paso atrás con una ley cualquiera…como la del aborto, se me ocurre.
Son tiempos complicados, en los que debemos mirar atrás pero saltar hacia adelante y no dejar que nos atrapen las arenas movedizas del miedo y del qué dirán y eso lo sabe muy bien esta compañía que ha tenido el desahogo de poder recuperar este repertorio comprometido políticamente, aunque no se hable de política y poéticamente, aunque no se hable en verso.
Pero es mejor que ustedes mismos comprueben estos días que la realidad no es como parece y que hay maestros del humor negro y de la dramaturgia que dan una vuelta de tuerca necesaria, incluso hoy en día aunque la obra se haya estrenado hace doce años.
Luis Mª García
Esperanza Elipe nos habla de su trayectoria como actriz
¿Cómo surge el proyecto de Locos por el té?..
Me llamó Nadia Corral de La Zona y me ofreció la posibilidad de estar en Locos por el Té. Cuando el Teatro llama a mi puerta siempre estoy para abrirme a el y sobretodo cuando hay tiempo «de verdad» para prepararlo aisladamente de otros trabajos, en este caso era perfecto porque yo terminaba con las grabaciones de la serie y empezaba los ensayos, el plan soñado de todo actor.
¿Hubo ocasión durante el proceso para que los actores aportaseis ideas en la dramaturgia y la puesta en escena?…
Sí por supuesto, Quino tiene muy claro lo que quiere pero también es un director abierto que escucha a los actores y valora lo que la puesta en común enriquece cualquier proceso creativo. Desde el primer día hemos tenido la libertad de proponer y sugerir para ir encauzando a los personajes y hacer más llano el recorrido de la función.
¿Hay algún referente técnico o artístico del que has partido para crear tu personaje?…
En este caso hay un referente técnico sí. He tenido que trabajar el acento inglés porque mi personaje es el de la directora inglesa que habla perfectamente español pero lo maneja con un marcado acento british.
¿Cómo ha sido el proceso de creación durante los ensayos?…
Muy divertido, cuando se trabaja comedia las jornadas de ensayos están llenas de carcajadas esto no le quita rigor al trabajo, muy al contrario, lo abastece. Hemos trabajado tranquilos con tiempo por delante, aunque tener las Navidades en medio de un proceso es bastante latoso, por lo discontinuas que hace las semanas, pero todo ha ido poco a poco creciendo como debe ser en un proceso.
Trabajas también en televisión…pero siempre que puedes vuelves al teatro…¿Es importante para ti?…
Importantísimo, como ya te he dicho antes, siempre quiero estar cuando me proponen teatro, para mí es volver a renovar votos (aunque suene religioso) esta es una profesión vocacional, yo empecé haciendo teatro, el teatro es el origen de mi camino profesional, el vehículo en el cual me subí hace más de 25 años (se dice pronto) y aunque el camino se va combinando con otros vehículos el teatro es en el que me siento más libre, más cómoda y más feliz.
¿Qué balances haces de tus últimos trabajos como actriz en teatro?…
Positivos siempre, cada trabajo te aporta una experiencia y una sabiduría que siempre se quedan contigo y te hacen crecer como actriz, como ser humano. Cualquier montaje está rodeado de personas e ilusiones con las que convivir y compartir, cualquier proceso sirve para sumar, conectar y hacer nuestra esfera más grande y redonda. Otra cosa es que las producciones hayan sido más o menos dichosas y luego del esfuerzo, hayan tenido una vida digna pero esa es la otra cara del teatro y cuando por esa razón sobreviene una decepción (que las hay) intentas que no empañe la parte buena y tratas de olvidarla lo antes posible. Los balances los hago sobre los elementos esenciales de la creación y evolución de personajes e historias.
¿Te preparas de manera distinta un personaje para tv o teatro?…¿Usas algún método?…
De inicio la preparación de los personajes la hago de igual manera y siempre es a partir de la información que me llega a través de los guiones o el libreto combinada con las conversaciones previas con el director, ahí ya suele haber un material para ponerse a trabajar y a jugar con las posibilidades del personaje llevarlo por un lado u otro. Tras ese inicio común ya empiezan las diferencias de creación de los personajes de tv frente a los de teatro, la energía es otra y los tiempos de proceso también son otros. ¿Método? Sí el de la inclusión. Todo lo que llevo aprendido lo voy utilizando aleatoriamente y de forma espontánea, construyo desde lo pequeño para que sea más fácil el acceso desde mí y voy poniendo capas. Escucho la mirada de fuera, es importante y no me obceco. Disfruto con cada hallazgo que me lleve a afianzar. Doy bastante valor a los objetos que rodean a la criatura porque la hacen visible a través de las acciones, en fin no sé, como dice el refrán «cada maestrillo…»
¿Qué función crees que ha de tener hoy el teatro para la sociedad en la que vivimos?…
El Teatro lleva tres mil años removiendo la conciencia del pueblo, es un escaparate vivo que devuelve al espectador la inquietud, el teatro es, debe ser un estímulo para la sociedad.
La función básica del teatro es la de PROVOCAR pero no sólo con el discurso, ojo, no estoy hablando de sermonear o predicar. Es a través de su capacidad estética (inherente al arte Teatral) como mejor puede afectar el interior de las personas, sacarlos de la rutina y sobre todo de la resignación.
¿Cómo crees que está afectando la subida del I.V.A. y los recortes al teatro?…
De forma Brutal. Es un atraco a la cultura. Ya hay datos, cifras y balances de este último año que asustan. Se están cerrando teatros porque no pueden hacer frente al impuesto del taquillazo, hay muchos empleos que se han perdido. Hubo un momento en que se vislumbró la posible revisión del 21% pero sólo fue un pregoneo que no llegó a nada.
¿Qué significó para ti participar en la Trilogía de la Juventud de Cuarta Pared?…¿Cómo fue aquella experiencia?…
La Trilogía de la Juventud en Cuarta Pared es una de las mejores cosas que me han pasado en la profesión y en la vida. Formé parte de la I (Las Manos) y la III (24/7) El fenómeno de Las Manos en 1999 es historia del Teatro. Y es un orgullo haber formado parte de aquella experiencia. Cuando Javier Yagüe me llamó, hablamos de un «espacio de investigación teatral», que iba a estrenarse en Sala, sí, pero de ahí a lo que luego fue…, nadie (ni autores, actores, escenógrafos…) sabía la dimensión que llegaría a tener. Me emociona recordarlo porque conseguimos llegar a mucha gente, lo sacamos de Madrid a muchísimos lugares, no solo espacios de Teatro, sino lugares insólitos que se convertían en mágicos con aquella función. Fue muy hermoso y siempre estaré agradecida por haber disfrutado de ese privilegio.
¿Qué obra has visto últimamente que te haya interesado?¿Por qué?…
Lo último de Titzina Teatro «Distancia siete minutos». Me gusta la sencillez y el rigor con que Diego Lorca y Pako Merino abordan grandes temas de la vida. La justicia, la felicidad…Sus procesos son largos y siempre en progreso, no cierran los espectáculos, de hecho este acaba prácticamente de nacer y sé que si el año que viene tengo el placer de volver a verlo me descubrirán cosas distintas, nuevas inquietudes con una misma función eso es lo que hace vivo al teatro por encima del audiovisual.
¿Proyectos?…
El estreno de Locos por el Té es todavía un proyecto que espero que tenga un largo viaje. Luego en primavera supongo que se reanudarán las grabaciones de la segunda temporada de Vive Cantando donde tengo un personaje, pero no hay fechas aún. Todo esto en los tiempos que corren es de una perspectiva inmejorable.
Archipielago Dron de Nuevo Teatro Fronterizo en Cuarta Pared
Las últimas palabras de la mujer susurradas al lado de la ciénaga nos deja con la sensación de haber estado jugando a algo peligroso y que si no cambiamos las reglas, la partida está perdida. En Archipielago Dron, última producción del Nuevo Teatro Fronterizo nos sitúan frente a lo que podría ser un teatro documental sobre la realidad que estamos viviendo hoy en este mundo caótico, donde la hipocresía y el aburrimiento llevan a guiar el avión, en el que vamos todos, al precipicio. La propuesta escénica, a dos bandas, provoca la sensación de estar en un torneo donde vemos el combate ante nuestros ojos y al tiempo, somos los que manejamos el mando de este video-juego perverso en el que todos somos víctimas y verdugos a un tiempo. Una propuesta sencilla que denuncia el horror de nuestro mundo.
Adolfo Simón
“La increíble historia de la chica que llegó la última” de Carla Guimaraes en Cuarta Pared
La Cuarta Pared, está presentando estos días “La increíble historia de la chica que llegó la última” obra de Carla Guimaraes, escrita tras un largo proceso de preparación e improvisaciones. Este texto parte de la trágica historia de Samia Yusuf Omar, atleta somalí, que tras llegar la última en la carrera en que participó en las Olimpiadas de Pekín (Beijin) 2008, su afán por seguir siendo una atleta de élite, la llevó a salir de su país Somalia, y tras una aventura que no somos capaces de comprender, pues lo vemos como una película de aventuras, atravesar el desierto, enfrentarse a piratas de los de verdad, no de Disney, naufraga y fallece en una patera con tan solo 21 años. Todo esto que es una tragedia que encoje el alma y te hace reflexionar sobre el horror del mundo que se sale del confort de occidente, sirve a Guimaraes para escribir un texto casi cómico, y a María Folguera para dirigir y poner en escena un cuadro naïf, de personas/niño que juegan a la vida y que recrean la tragedia desde la inocencia de aquellos que no están afectados por la hipocresía del mundo “civilizado”. Los actores juegan y se divierten y nos hacen sonreír en más de una ocasión, le dan la vuelta a la tragedia, algo natural y cotidiano para ellos, los desfavorecidos, y nos lo desvelan como quien cuenta un cuento donde hay pasión, ilusión y alegría, sobre todo mucha alegría, bendita seas Samia por darnos esta lección de vida. Sólo un pero, el ritmo quizás, en algunos momentos se ralentizaba. Una fuerte ovación obligó a los actores a saludar repetidamente.
Ángel Savín
Lectura dramatizada de «Aquí hay una mano» de Juanma Romero Gárriz dentro de Iberdrama
Los laboratorios de «En Blanco» en los ETC de Cuarta Pared han ido generando una serie de experiencias y textos muy sugerentes. Ayer se hizo una lectura dramatizada de «Aquí hay una mano» de Juanma Romero Gárriz dirigida por Víctor Velasco en el marco de Iberdrama que se viene mostrando en el Auditorio de La casa del lector en el Matadero. Una lectura sencilla que dejaba en primer plano el complejo texto que muestra dos encuentros entre una científica y un joven con una máquina fantástica.
Adolfo Simón
«Yo de mayor quiero ser Fermín Jiménez» en La Cuarta Pared y festival Escena M
Todos tenemos un superhéroe preferido el cual nos gustaría ser… La compañía valenciana El Pont flotant tiene el suyo propio: Fermín Jiménez. Pero, ¿Quién es Fermín? Esto es lo que vamos a descubrir a lo largo de la obra. Ya de entrada observamos unas instalaciones que apuntan quien podría ser…unas agendas de amigos por allí tiradas que indican que el tiempo está regulado, encajonado, perseguido y controlado. Nuestra vida bajo control, nuestro tiempo de trabajo, nuestro tiempo para las tareas cotidianas, nuestro tiempo muerto, nuestro tiempo ocioso, nuestro tiempo libre… pero…¿Qué haces en tu segundo libre? ¿Te lo has preguntado alguna vez? ¿Tienes todo el tiempo libre que quisieras? Una reflexión sobre el tiempo y el trabajo muy bien llevada a escena a través de un superhéroe que dispone de su tiempo como el quiere y no como le impone la sociedad… Ese debería ser nuestro héroe actual, el que hace lo que quiere, lo que ama… Pero para llegar a tan sesudas conclusiones no hace falta un método establecido de reflexión-ensayo…Los actores nos demuestran que se puede pensar en cualquier situación cotidiana y a través de cualquier sensación y contacto con los demás y de manera autogestionada.
El único peligro que le veo a esta obra es que pueda convertirse en la biblia de los hipster españoles ya que nos presenta un icono que ha triunfado como tal (y perdón por el encasillamiento).
Alex Cantó y Jesús Muñoz nos demuestran magníficamente que no pasa nada por tener tiempos muertos, por tocarse la barriga de vez en cuando, por estar en el paro aunque te miren mal…porque aún así estamos creando y viviendo. Yo de mayor quiero ser como ellos.
Luis Mª García.
Elmer de los Títeres de la Luna en Cuarta Pared
La Compañía de Títeres de la Luna cumple veinte años y lo celebró con unas funciones de Elmer en programación familiar y para campaña escolar en Cuarta Pared. Es curioso comprobar cómo después de veinte años sigue funcionando un espectáculo como este, generación tras generación de niños siguen empalizando con este elefante raro, diferente y simpático. Tal vez el acierto radique ahí, en la sencillez del discurso y en lo fácil que le hace al niño sentir que le hablan de sus cosas, de sus mundo, ese en el que se sienten patitos feos hasta que se convierten en cisnes o no. La técnica de muñecos utilizada también ayuda para que los niños pasen un buen tiempo teatral.
Adolfo Simón
¿La ciudad baila?
Noviembre se ha convertido en el espacio para la danza, parece que no molesta a nadie que el mes se llene de propuestas para el público afín a esta arte. Otros festivales han sido desplazados de la cartelera por molestar al resto de las programaciones, por suerte, el baile parece que no compite con otras disciplinas artísticas. Madrid en danza se convierte en el aliciente de los escenarios, hay danza y performance casi cada día de la semana durante el tiempo que dura la muestra. Los recortes y dificultades del momento hacen que quien diseña y selecciona los proyectos tenga que hacer malabares, aún así, el nivel y diversidad no ha bajado en las últimas ediciones. Pero me llama la atención que en una misma semana, coincida una propuesta de danza bastante ingenua dentro del Festival en Cuarta Pared como fue la presentada por Janet Novás donde un par de anécdotas se estiran creando momentos catárticos solo para la performer y en cambio, se quede fuera de la programación un trabajo como En partes de Mónica Runde que se está mostrando en la Sala Mirador. Un espectáculo que además ha sido apoyado por la Comunidad de Madrid y que ha sido posible gracias al encuentro de La Runde con la creadora mejicana Marcela Aguilar, de esta colaboración ha surgido una propuesta muy sugerente en poética y movimiento. Son los misterios de nuestros teatros y programadores, nunca se sabe bien qué razones les mueven a decidir su gestión pero no lo duden, si han de ir este fin de semana a ver danza, vayan a la Mirador.
Adolfo Simón
Kri Kra Kro en Cuarta Pared
Kri Kra Kro es un espectáculo creado por Teatro Paraíso en colaboración con Teatro de la Guimbarde de Bélgica dirigido a niños y niñas de 3 a 6 años y público familiar. Ha estado presente en festivales y programaciones de Bélgica, Francia, Italia e Irlanda. Kri Kra Kro recrea un universo delicado, donde la vida se expresa a través de la belleza de las imágenes y de la calidez del juego de los actores. Esta propuesta tiene el aporte de usar medios audiovisuales de forma creativa, animando al niño-a a buscar la imaginación y la belleza en toda la tecnología a la que tenemos acceso hoy en día. Teatro y artes visuales a la vez.
Adolfo Simón
Adiós Bienvenida en Cuarta Pared
Dentro de las 28 Semanas Internacionales de Teatro para niños-as se ha presentado en Cuarta Pared el espectáculo…Adiós Bienvenida de la Compañía Mimaia. Una propuesta sugerente en todos los aspectos estéticos, desde la mesa articulada que se transforma en múltiples y sorprendentes lugares hasta los objetos y muñecos que narran la historia de Bienvenida. Una obra dura en las anécdotas que recorren el periplo de la protagonista y ligera en los espacios donde transcurren.
Adolfo Simón
Las palabras de Pablo Messiez en Cuarta Pared dentro del Festival de Otoño a Primavera
Algún día dejaremos de comunicarnos a través de las palabras y aparecerá el animal que llevamos agazapado debajo. Algún día las palabras dejarán de tener sentido y solo nos expresaremos como primates, como lo que somos. Algún día las palanbamjfanal,m amlfpk,,ñ+m dejarl,lñkpjpkp«jly no podremosljj,ñk,jhoijpkñp,…
En Las palabras hay algo sutil entre líneas, entre lo que ocurre que, si se escapa a nuestra percepción, se convierte en una obra de situación. Hay que dejarse llevar por el absurdo aparente para entrar en otra dimensión de la historia, de los personajes…Hay que respirar aunque esté nevando sobre nuestras cabezas mientras hacemos punto. Pablo Messiez va construyendo poco a poco su poética entre dos orillas, es lo bueno de estar en tierra de nadie que se puede mirar el mundo con otros ojos. En Las palabras hay un puzzle interrumpido, como la vida…y no hay que empeñarse en completarlo…A veces, hay que dejar que las piezas no encajen para entender mejor por qué uno siempre buscará el camino hacia Moscú.
Adolfo Simón
Avalanche de Dani Pannullo en Territorio Danza
Dani Pannullo sigue fiel a su poética, a su interés por cruzar lenguajes corporales en escena. En esta pieza nos seduce de nuevo con los cuerpos apolíneos de los bailarines-acróbatas que pasan de la violencia a la delicadeza en un suspiro. La música y la luz hacen de sus trabajos una instalación artística viva. Un lujo poder disfrutar de este espectáculo en la intimidad y cercanía de la Sala Cuarta Pared, en su escenario pudimos sentir el latido del corazón acelerado de este espectáculo.
Adolfo Simón
Avance del Festival de Otoño a Primavera
Angélica Liddell inaugurará en octubre el XXXI Festival de Otoño a Primavera
· La última obra de la dramaturga ‘Todo el cielo sobre la tierra (El síndrome de Wendy)’ podrá verse en los Teatros del Canal.
· También en octubre, Pablo Messiez presentará ‘Las palabras (Una historia de amor)’ en Cuarta Pared
· El cómico Patrice Thibaud regresará a Madrid con el estreno en España de ‘Fair Play (Juego limpio’)
06.agosto.13.- La laureada dramaturga, directora y actriz española Angélica Liddell inaugurará el próximo mes de octubre la XXXI edición del Festival de Otoño a Primavera de la Comunidad de Madrid. Su obra Todo el cielo sobre la tierra (El síndrome de Wendy) cierra la trilogía sobre China que la creadora inició con Maldito sea el hombre que confía en el hombre: un projet d’alphabétisation y que continúo con Ping Pang Qiu, ambas estrenadas también en pasadas ediciones del festival. Tras su aclamado paso por el Wiener Feswochen de Viena y el Festival d’Avignon, la artista estrenará ahora en España un montaje que habla de la pérdida de la juventud y del miedo a ser abandonado. La pieza, que podrá verse en los Teatros del Canal, toma como punto de partida el trágico tiroteo sucedido en 2011 en la isla noruega de Utoya, en el que perdieron la vida 69 jóvenes.
En 1993, Angélica Liddell (Figueres, 1966) fundó Atra Bilis Teatro, compañía con la que ha montado creaciones como La falsa suicida (2000), El matrimonio Palavrakis (2001), Once Upon a Time in West Asphixia (2002), Hysterica Passio (2003), Y como no se pudrió Blancanieves (2005), El año de Ricardo (2005), Boxeo para células y planetas (2006), Perro muerto en tintorería: los fuertes (2007) o Anfaegtelse (2008), entre otros títulos. El Festival de Otoño a Primavera acogió en 2011 el estreno absoluto de su montaje Maldito sea el hombre que confía en el hombre: un projet d’alphabétisation y, en 2012, el de Ping Pang Qiu. En 2009 había presentado también La casa de la fuerza, obra que causó un gran clamor dentro y fuera de España, confirmando a Liddell como una de las creadoras más interesantes del teatro contemporáneo internacional.
En palabras del teórico teatral Óscar Cornago, Liddell es acuñadora de un lenguaje de dialécticas imposibles y sus producciones oscilan entre el expresionismo desgarrador, la crítica social, la pureza, la escatología y la búsqueda del significado a través del dolor y la subversión. La artista ha sido merecedora de numerosos galardones, como el Premio de Dramaturgia Innovadora Escena Contemporánea – Casa de América 2003 por Nubila Wahlheim; el Premio SGAE de Teatro 2004 por Mi relación con la comida; o el Premio Valle-Inclán 2008 por El año de Ricardo. En 2012 recibió el Premio Nacional de Literatura Dramática por La Casa de la fuerza y, en 2013, el León de Plata de la Biennale di Venezia de Teatro. La crítica ha dicho de su teatro que es vanguardista y político, lleno de sentido y absolutamente necesario.
Otros dos grandes estrenos del festival en el mes de octubre
Tras su paso por el Teatro Palacio Valdés de Avilés, el dramaturgo, director e intérprete argentino Pablo Messiez presentará en octubre en la Sala Cuarta Pared su última creación, Las palabras (Una historia de amor). La pieza, una parábola cercana y tragicómica, habla con humor, ternura y delicadeza sobre la corrupción del lenguaje y sus consecuencias. Fiel representante de la última y aclamada generación de autores y directores argentinos, como Daniel Veronese o Claudio Tolcachir, Messiez saca de nuevo a escena (tras las exitosas piezas Los ojos y Las criadas, entre otras) su sencillez escenográfica, su particular visión de los cotidiano, la hegemonía del texto en escena y un cuidado trabajo actoral, siempre a caballo entre la comedia y la tragedia.
También en el mes de octubre, el tándem formado por el cómico y mimo francés Patrice Thibaud (heredero del buen hacer de Tati o De Funès) y el virtuoso instrumentalista Philippe Leygnac regresará a los escenarios madrileños con el estreno en España de Fair Play (Juego limpio) en los Teatros del Canal. La obra, elegante y deliciosa, reinterpreta las competiciones deportivas a golpe de carcajadas, eso sí, sin mediar ni una sola palabra en escena.
Lo mejor de la escena internacional en la Comunidad de Madrid
El Festival de Otoño a Primavera lleva más tres décadas acercando lo mejor de la creación contemporánea internacional a la Comunidad de Madrid. En esta XXXI edición, que se prolongará entre los meses de octubre de 2013 y junio de 2014, traerá a los escenarios de región (Teatros del Canal, Sala Cuarta Pared y Teatro Pradillo, entre otros) lo mejor de la escena actual. Por el momento, dentro de su programación se ha confirmado ya la presencia de creadores y compañías de renombre mundial de la talla de Peter Brook, Philippe Decouflé y su Compagnie DCA, Israel Galván y Akram Khan, Piccolo Teatro di Milano y El Conde de Torrefiel.
Desde mediados del mes de septiembre, será posible consultar la programación del XXXI Festival de Otoño a Primavera de la Comunidad de Madrid, la información de los espectáculos, los horarios y la venta de entradas y descuentos en la web oficial http://www.madrid.org/fo
Que Revienten los Artistas 
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