«El buscón» de Quevedo en el Teatro Fernán Gómez
La compañía Teatro Clásico de Sevilla, nos deja una propuesta renovada de la obra de Francisco de Quevedo, en la que se relatan las andanzas, gracias y desgracias de un joven llamado Pablos que intenta subir desde su mísera escala social y alcanzar el rango de caballero. El reto dramatúrgico consistía en trasladar las palabras de Quevedo a nuestra época y efectuar una especie de paralelismo para comprobar que casi nada ha cambiado. Y efectivamente, viendo escenas recreadas de El Buscón, descubrimos que pocas cosas han cambiado y que la picaresca sigue completamente vigente.
Para recrear todo esto se ha escrito una dramaturgia con un ritmo vertiginoso, imprimiendo adrenalina a las situaciones para que parezcan creíbles y efectuando rápidos y numerosos cambios de escena y vestuario, alternando escenas escritas por Quevedo con las nuevas escenas de esta versión libre de Alfonso Zurro. El resultado es fresco, dinámico y hace que la hora y media que dura transcurra velozmente. Este ritmo frenético ha necesitado de un gran trabajo actoral para adaptarse al cambio de vestuario y registros, a lo que ayuda una escenografía formada por maniquís vestidos con harapos y trozos de telas que inundan la escenografía y que tomarán vida escena a escena. La transformación final del personaje principal culmina como guinda a un pastel un texto rico y lleno de matices que nos hará reflexionar sobre la picaresca política que nos rodea actualmente.
Un acierto y un gusto disfrutar de un clásico renovado en estos tiempos en los que la picaresca trasciende a los telediarios
Luis Mª García Grande.
«Los Modernos» con «Rómulo» en el Teatro Nuevo Alcalá
¿Si tuviera que elegir una propiedad única para definir a la especie humana, ¿cuál elegiría?… así comienza un librito sobre «El lenguaje humano» que todo filólogo hispánico debe haber leído y haber reflexionado sobre él… Y es que lo que caracteriza al ser humano es QUE HABLA, que razona y que puede recrear con ese lenguaje realidades completamente ideadas y externas…
Luego están los matices…es decir, hay personas que hablan y no saben ni lo que dicen, personas que por sus hijas ma-tan y luego están «Los Modernos». Esta pareja que ha conseguido llegar a manejar el lenguaje y el habla como un rompecabezas, moldearlo a su forma y con ello divertirnos, hacernos disfrutar, trasladarnos a otros planetas llenos de poesía, cabaret,humor, descaro, ocurrencias, orgías y sensatez, entre otras muchas cosas. Los modernos salen con sus trajes-chaqueta-faralaes-aterciopelados y nos meten una inyección de adrenalina en el cerebro que hace que salgamos sobreexcitados mentalmente entre juegos de palabras, canciones absurdas e historias estrafalarias con final feliz. ¿Qué tiene que ver Rómulo con Christian Dior? Eso lo tienen que ir a descubrir ustedes una noche al Nuevo Alcalá. Imprescindibles, inenarrables, indescriptibles… y modernos de verdad.
Luis Mª García Grande
«El Crédito» vuelve al Teatro Maravillas
De nuevo tenemos la posibilidad de ver a dos grandes de la escena luchando como titanes sobre las tablas: Carlos Hipólito y Luis Merlo se ponen al frente de esta obra de Jordi Galcerán, conocido por otros éxitos como El Método Grönholm». El crédito nos habla de una situación que casi todos hemos vivido en algún momento de nuestras vidas: ir al banco a pedir un crédito. En los tiempos que corren cada vez se deniegan más peticiones de este tipo, e incluso, se está convirtiendo en un lujo poder disponer de uno… Luis Merlo, Antonio en la ficción, es el pobre incauto que va a ir a pedir ese crédito, un hombre normal y corriente con una necesidad económica urgente… Carlos Hipólito, el banquero perfecto, en su despacho perfecto y con una vida «perfecta» le indicará que no puede dárselo porque no tiene «garantías, avales»… Hoy no nos basta con ser buenas personas y tener palabra… hay que tener un aval… Ante esta situación hay dos opciones: marcharse con el rabo entre las piernas o… encontrar el punto de fisura necesario como para conseguirlo… Y hasta aquí puedo leer… que decía una famosa presentadora.
Tendrán que ir ustedes a ver por dónde se puede descomponer a un personaje perfecto y cómo se hace… y se hace muy bien, con maestría por parte de los actores y del director, Gerado Vera, que de eso tiene mucha.
La frescura de Carlos Hipólito y la manera de actuar, tan de los merlo-larrañaga, de Luis nos harán pasar una hora y media muy rápida e intrigante… y, a lo mejor, quién sabe, mañana se van ustedes a ver a su banquero de confianza y lo mirarán de otra manera.
Luis Mª García Grande
«Rinoceronte» en el Centro Dramático Nacional
Ernesto Caballero ha rescatado de nuevo esta obra del teatro del absurdo en una época social y política en la que nos puede sugerir muchas cosas. En palabras de Caballero, Rinoceronte es una fábula dramática acerca de la propagación y aceptación social del totalitarismo» Ionesco nos intentó explicar mediante su concepción de la vida «absurda» cómo podemos convertirnos en ovejas de un rebaño, en meros autómatas con tal de no asumir nuestra propia soledad y nuestras propias convicciones. En esta fábula las personas de una ciudad poco a poco se van convirtiendo en rinocerontes, porque es lo que se lleva, porque es lo más cómodo, porque lo hacen todos… y «cualquiera puede convertirse ahora en un robusto y vigoroso rinoceronte». Una situación absolutamente Kafkiana, pero en este caso referida a la sociedad y no a la persona en sí. Imagínense a cuantas situaciones se puede aplicar esto y qué vigencia tiene hoy en día.
Caballero ha pretendido seguir a Ionesco en su afán de creando situaciones escénicas que no tienen ninguna lógica y utilizando el lenguaje sin sentido alguno para poder resaltar el aislamiento y la extrañeza de los seres humanos. Para ello, durante el primer acto utiliza todo el teatro, y no sólo el escenario para que sus personajes circunden e invadan nuestro espacio también , provocando situaciones de inseguridad y desasosiego, más tarde va a centrarse más en el escenario, no sin renunciar a dos pasarelas instaladas en los laterales del patio de butacas por las que van a aparecer esos fantasmas rinocerontes creados para atraernos hacia el abismo.
Si bien el montaje escénico y escenografía de Paco Azorín pretende mantenernos en constante tensión, y cumple con este fin de una manera bastante firme, el texto sigue siendo algo farragoso, incluyendo escenas que a veces se hacen pesadas y redundan sobre la situación, escenas que pudieron ser más efectivas en su tiempo, pero que hoy en día necesitan algún retoque. A partir de la escena de la metamorfosis de Fernando Cayo, bastante conseguida y con un gran trabajo actoral y corporal del intérprete, la atención dramática va en declive. La que la trama empieza fresca y ágil pero luego se va ralentizando todo y espesando bastante y el acto final no consigue despuntar más que otras escenas. Aún así, merece la pena asistir a ver un Ionesco y sumergirse a pensar sobre nuestra existencia y la banalidad de adorar a ídolos.
Luis Mª García Grande.
«La cena de los idiotas» en el Teatro La Latina
La Latina lleno como en los mejores tiempos con una obra que ya va por la quinta temporada… esto me ha recordado a su anterior propietaria, Lina Morgan. Ahí estaba de nuevo el humor bien hecho, para todos los públicos, para ir acompañado al teatro y luego echarse unas risas recordando las escenas mientras te tomas una caña, llenando el teatro y con actores que sabían dar la talla…no descarto verla grabada en alguna televisión en futuras navidades, no descarto una edición en VHS de esas que se compraba mi abuela para ver a la Morgan repetidamente hacer esparajismos, aspavientos y tangos con la pierna torcida… eso sí, ahora en el moderno blurrey, que diría ella.
Josema Yuste ha conseguido adaptar al castellano una obra francesa que ya venía con avales pero para la que era necesario retocar todos los gags y «bocadillos» a nuestro sentir humorístico… y quién mejor que él, que de esto sabe y tiene una larga experiencia haciéndonos reír. Además le podemos ver sobre las tablas con sus gestos y manera de trabajar tan conocida que nos garantiza ya de por sí unas buenas risas, que falta nos hacen. Pero no sólo Josema nos hace soltar carcajadas…Félix Álvarez Felisuco y David Fernández hacen que la obra se convierta en hora y media delirante.
Y sí, tienen razón en que el mundo iría mucho mejor con buena gente, que hacen falta listillos y pícaros pero que los inocentes siempre permanecerán, porque aunque nos tomen por tontos… ya saben, con la que está cayendo a veces la mejor solución es la más simple, la menos pensada…y la más graciosa.
Y ahora, con su permiso, me voy a cenar.
Luis Mª García Grande.
«Olivia y Eugenio» en el Teatro Bellas Artes
Volver a ver a Concha Velasco sobre las tablas es todo un placer. No ha perdido ni un ápice de su vitalidad aunque haya pasado últimamente por los avatares que la vida nos pone por delante. Y de eso mismo trata esta obra. Parece hecha a propósito para la Velasco. Una mujer madura, con un hijo con síndrome de Down que se enfrenta a una de las mayores complicaciones de la vida… una enfermedad difícil que le pone un complicado reto a superar y que se enfrenta a una toma de decisiones vitales. Los grandes actores son así, arriesgados, y se toman las dos tazas de ese caldo que no quieren, y se meten en un personaje que les puede remover las tripas porque ya saben lo que es eso en la vida real, y se ponen de nuevo el mundo por montera tan ricamente y lo mismo les da afrontar un papel de heroína a lo Hécuba que una galerista como Olivia. Y aquí no solo es Concha quien tiene el reto de representar un papel que ya ha vivido en la vida real… también dos actores con síndrome de Down como Rodrigo Raimondi y Hugo Aritmendiz han tenido que superar muchas barreras y prejuicios por tener un cromosoma más…y han conseguido saltarlas todas y llegar a su meta.
Herbert Morote escribió una obra con un personaje con síndrome de Down y el quería que ese personaje lo interpretase alguien así. Un papel largo, que pone en escena por primera vez a estas personas durante toda la obra, nada de secundarios, protagonistas y con texto. El reto también era complicado pero José Carlos Plaza ha conseguido superarlo con creces. Todo muy cuidado y muy mimado, recosido con la aguja de Caprile y retocado con la escenografía de Franciscoo Leal supone una obra redonda en la que afloran sentimientos por los muchos temas que tocan y por la calidad del discurso escrito y oral.
Una obra que es una apuesta y una reflexión sobre muchos temas actuales y… una pequeña lección para aprender ternura, humor, nobleza y compromiso de incluso aquellos de los que creemos que no podemos aprender nada.
Luis Mª García Grande
«El Nombre» en el Teatro Maravillas
Jordi Galcerán nos versiona y ofrece la famosa comedia francesa de Mathieu Delaporte y Alexandre de la Patellière que también ha sido plasmada en una película del mismo nombre y en la que intervienen Amparo Larrañaga, Jorge Bosh, Antonio Molero, Cesar Camino y Kira Miró. No es la primera vez que se versiona una comedia a la francesa en los teatros españoles y la verdad es que suele funcionar bastante bien.
«El nombre» es una comedia aparentemente «blanca», sin ningún tipo de pretensión, y digo aparentemente porque todo empieza con un conflicto debido al nombre que se le va a poner a un bebé y acaba desentrañando toda una serie de resentimientos en la relación que mantiene un grupo de amigos compuesto por dos familias y un amigo común.
Los personajes están bien diseñados para que cada uno cumpla con su papel en cada parte del lío en la comedia e interpretados magistralmente por los actores, que se tiran de cabeza a defender cada uno su papel y sacar a flote las reacciones del público. Destaca sobre todos la interpretación de la veterana Larrañaga, como siempre perfecta en cada papel que interpreta y que se encarga de un pequeño monólogo que es el principal ingrediente que hace subir el tono de la comedia y a la vez provoca el momento agridulce de la misma.
Es difícil poder adaptar los localismos franceses y los chistes al castellano, pero esta vez la versión ha quedado bastante creíble y podría suceder perfectamente en España, además, se plantea un debate de actualidad al incluir en el meollo de la cuestión un nombre «catalán» que va a desencadenar todo el embrollo. A todo ello ayuda una puesta en escena muy bien escogida, asemejando un chalecito de familia acomodada y bien avenida a las afueras de cualquier ciudad y jugando también con pequeños audiovisuales que ayudan a trasmitir la historia de una manera visual y entretenida.
Una opción muy buena para pasar una noche entretenida, salir con buen sabor de boca y con las ideas colocadas sobre nuestras relaciones sociales y personales y para ver a grandes actores españoles sobre las tablas.
«Infamia» en el Teatro Alfil
«Infamia» nos presenta de manera idealizada, en forma de comedia, el proceso judicial y de desprestigio que sufrió Oscar Wilde al ser acusado de agasajar a un jovencito, Lord Alfred Douglas, para comprar su amor en la época Victoriana. Wilde pasó del éxito más absoluto con «La importancia de llamarse Ernesto» al desprestigio vil acusador por ser acusado de homosexual.
Wilde se sentará ante su juez y ante la audiencia no sólo para defenderse sino también para poner en entredicho los valores morales, sociales, sexuales y literarios de la sociedad victoriana, esos valores sociales que estaban juzgándole por encima de la ley.
La propuesta dramatúrgica de María Velasco pretende transmitirnos ese proceso desde la mente del escritor, pasando por su literatura con unas respuestas brillantes salidas de la cabeza del autor pero también por otros derroteros que le encantaría expresar, aportando notas musicales que transforman al escritor en un gran artista del vodevil.
Richard Collins-Moore ha asumido la gran tarea de encarnar a Wilde, bajo la dirección de Diego Domínguez, y a los personajes que rodean todo este entramado de desprestigio e infamia y lo ha hecho de una manera brillante. Su acento británico nos introduce ya de lleno en aquella época y su capacidad para cantar en directo e interpretar hace que creamos que estamos ante el mismísimo escritor.
Aunque solamente se ha programado una función en el Teatro Alfil, esperemos que esta propuesta pueda ser vista más adelante y pueda rodar un poco más para consolidarse.
La vida es una comedia, Wilde lo sabía y la interpretaba desde que abría los ojos por la mañana hasta que los cerraba por la noche.
Luis Mª García Grande
«La Escuela de los Vicios» en el Nuevo Teatro Apolo
Hablar de más tiene sus consecuencias y complicaciones y si no, que se lo pregunten a Quevedo, que por hacer unas satirillas y sonetillos lo llevaron a la cárcel. Simplemente por criticar a unos magistrados, banqueros y ministrillos sin escrúpulos. Parece mentira, pero hoy en día seguimos en las mismas. Morfeo Teatro ha elaborado un sutil montaje en el que a través de estos versos de Quevedo se hace crítica social actual, poniendo en entredicho las actuaciones de muchos personajes que se dice que «nos representan». Sí: La pluma de Quevedo era afilada como un bisturí capaz de clavarse en nuestro estómago y sacarnos las tripas hasta, incluso, en la actualidad.
El montaje escénico nos traslada a un espacio indefinido, donde dos buenas personas van a ser adoctrinadas por el mismísimo Bercebú para alcanzar esos ideales en la vida que muchos padres quieren para sus hijos: ser ministros, banqueros, magistrados… es decir, gente de «reconocido prestigio». El espacio es contemporáneo, con pocos elementos, un fondo medio cabaretero y decadente y un armario siniestro presidido por una calavera que esconde los artefactos necesarios para la enseñanza de los vicios. Escenografía y vestuarios bien pensados y tan versátiles que nos pueden sugerir cuadros de la época negra de Goya o las pinturas de Solana para reflejar una España hundida, pesimista y degradada.
Los actores han hecho un gran esfuerzo para transmitir y poner en escena unos textos bastante densos, a los que hay que sumar la complejidad de la rima y la utilización por momentos de técnicas de clown y comedia dell’arte.
En definitiva, una obra comprometida socialmente, bien estructurada y que merece la pena disfrutar, sobre todo si les gusta esa poesía del Siglo de Oro español.
Luis Mª García Grande
«La Carne (eres tú)» en Off de la Latina
Espacio Off de la Latina sigue apostando por el teatro contemporáneo y por dar algún tipo de salida a jóvenes compañías como la que interpreta «La Carne»: Las hermanas de Stefen. Una compañía que acaba de nacer y que aún no tiene muy definido su estilo, por lo visto en sus perfiles públicos, pero que está trabajando por hacerse ese hueco que todas las compañías desean. Es deseable que cuiden más la imagen que dan de cara a su «posible» público y de cara a sus seguidores. Valga como ejemplo el vídeo sobre «La Carne», publicado en la web de Off, que dura 23!! minutos para una pieza de una hora. Casi nos hemos visto la obra antes de llegar a la sala y es recomendable que se elabore un teaser, avance o resumen más corto.
En «La Carne» nos encontramos una mezcla de estilos, pero utilizando técnicas clásicas dentro del teatro contemporáneo. A través de una historia principal en la que se nos narra un argumento algo siniestro asemejando al estilo de Tim Burton se nos van suministrando dosis de cabaret, teatro del absurdo, crítica social, humor… Con unos actores bien preparados aunque todavía a falta de más rodaje, es una obra dinámica y que provoca alguna que otra carcajada pero que a veces decae en el ritmo en los entreactos que troquelan la historia principal. Aún así, les sugiero que vayan a descubrir qué pasaría si se nos restringe algo tan necesario como puede ser comer ¡CARNE!
Luis Mª García Grande
«TRANSREALIDADES» en Espacio Labruc
La realidad hay que mostrarla, pero muchas veces hay impedimentos que permiten verla tal y como es… La Transexualidad ha sido puesta en entredicho muchas veces: son unos viciosos/as, son enfermos, son discapacitados, son seres raros que no merecen nuestra atención. Son…pero están y existen.
Cuatro transexuales se han echado el mundo del teatro por montera y nos presentan sus vidas, sus experiencias y sus vivencias a través de un teatro-drama creado con el fin de educar y mostrar esa realidad que a veces se intenta tapar, ocultar y poner en entredicho.
Una obra que a veces se desfasa en argumentos y consideraciones, que a veces pierde ritmo con improvisaciones, pero que muestra una vivencia que es necesario asumir y defender. Hay que tener un par de «razones» para ponerse delante de un público y defender una vida, una manera de sentir dentro de otro cuerpo que consideras que no es el tuyo y una manera de afrontar la realidad. Aunque el final de la representación es abrupto y poco claro, merece la pena experimentar sentimientos a través de estas cuatro mujeres que empiezan a florecer en su propio cuerpo y no el que la naturaleza les dio.
Experimenten en Espacio Labruc.
Luis Mª García Grande.
FRINGE MADRID 14 y sus Propuestas….
En la selección del festival FRINGE MADRID 2014 nos podemos encontrar propuestas de todo tipo en lo que ser refiere a las artes escénicas, una selección extraordinaria de la que mostramos 3 botones:
LE BUFFET: Una performance sobre las sensaciones.
¿Ustedes han pensado la cara que ponen mientras que ven las noticias? En ese momento están experimentando sensaciones, SÍ, señores y señoras, aún tenemos sensaciones y además no podemos ocultarlas en nuestro rostro.
Tal y como en una caseta de feria, nos encontramos la instalción de «Le Buffet» en el patio de MATADERO. Atrévanse a elegir entre el menú las cinco sensaciones que les interese degustar de su carta… pero eso sí.. tiene trampa: su intimidad se va a ver comprometida porque todos los que pasean por allí podrán ver su cara mientras se come esos videos que generan sensaciones y … además se le advierte de que va a ser grabado para experimentar con su imagen y sentimientos…Todo un reto!
BANG!: Teatro de objetos que genera imágenes de cine. Un capricho para los sentidos.
Nos vuelve locos ver cobrar vida a antiguos Geyperman, a Cowboys de plastico, a Barbies haciéndose las Texanas… la imaginación del Volpinex no tiene límites y sus cámaras son capaces de captarlo todo.
La compañía francesa Volpinex une con humor y gran originalidad el teatro de objetos y el cine, con un juego de cámaras de grabación, mini estudios de rodaje y otras técnicas a la vista del público, a las que se unen la música y efectos sonoros en directo. Todos los elementos del lejano Oeste están presentes: Cowboys, pistolas en la cintura, vaqueros, caballos y balas bajo un fondo de montañas rocosas… Fred Ladoué y Florian Brinker, actor-manipulador y músico, consiguen fascinar a carcajadas al público con su narración e interpretación de esta hilarante película teatral de objetos diminutos.
«INTERFACE» de Pablo Mella.
Un viaje por siete estancias efímeras que nos guiará en nuestro viaje interior hacia nuestros recuerdos más puros. Una propuesta escénica innovadora dentro de la nave 16 de MATADERO nos presenta a siete personajes metidos en siete cubículos creados con simples andamios en los que una imagen es el centro de atención . Una propuesta que nos hace deambular de sitio en sitio para encotrarse un personaje y una vivencia que nos excite la imaginación.Una imagen que puede trasladarnos a ese momento en el que nos sentimos realizados, felices, completos…. el momento puro.
7 imágenes / 7 memorias / 7 voces / 7 rincones / 1 viaje / Múltiples experiencias
En Interface, el autor Pablo Mella propone a través de siete situaciones diferentes, el inicio de un viaje interior en busca del estado puro, sin excusas, presente y natural en la infancia, ausente y extraño en la edad adulta. Él es la herramienta, el interfaz, el elemento de conexión, que transmite a través de su memoria, sensaciones y emociones que todos hemos tenido alguna vez, pero que a veces nos cuesta recordar, atrapados en nuestro día a día.
Luis Mª García Grande.
«El hijoputa del sombrero» en el Teatro Príncipe Gran Vía
Juan José Afonso nos trae a la cartelera la obra de Stephen Adly Guirguis, con 6 Nominaciones a los Premios TONY que sigue triunfando en Nueva York. Juan Díaz encabeza el reparto formado por Raquel Meroño, Miguel Hermoso, Bárbara Merlo y Alberto Jo Lee. La música de los entreactos la pone «El Langui», un conocido cantante de Hip Hop.
Afonso ha apostado por traer a la cartelera madrileña una propuesta muy interesante que puede ser una gran desconocida para el público español, que no está acostumbrado a estar al día de los últimos éxitos teatrales americanos, además añade su grano de arena introduciendo la música de «El Langui» en la obra, con la que convive perfectamente e incluso potencia la sensación de realidad, a veces dura realidad,con la que vamos a encontrarnos frente a frente.
Muchas veces la vida nos pone en situaciones difíciles y tenemos que buscar salidas para huir de ellas. Adly analiza las diversas situaciones de dependencia y caída en adicciones, tanto de sustancias como de personas, provocadas por esos palos que nos da la vida y la sociedad a través de cinco personajes. La puesta en escena es absolutamente contemporánea y resuelta con una escenografía versátil y dinámica que, junto con la música, nos traslada a una especie de serie televisiva en la que no hay cortes entre escena y escena y que no nos aburramos con huecos vacíos.
Los actores aportan también esa frescura que se necesita para abordar una obra con temas actuales, sin caer en engolamientos teatrales pero tampoco en excesiva naturalidad a la hora de interpretar, es decir, actores bien dirigidos y muy preparados que son la guinda para este texto. Cabe destacar la actuación de Juan Díaz en el papel de JACKIE, y de Raquel Meroño, que se afianza como actriz con esta obra. Pero la verdad es que todos los actores dan el DO de pecho y son base fundamental para tener al público interesado durante la hora y media que dura la obra, que, al estar bien construída, tanto en personajes como en escenarios, nos produce una completa inmersión dentro de los problemas y críticas que se plantean en la misma.
En definitiva, una buena propuesta para acercarse al teatro, disfrutar de una propuesta actual y apta para todos los públicos. Pero… ¿Quién es el hijoputa del sombrero?
Luis Mª García Grande.
«De garrulos y gays» en AZarte
¿Qué hacen dos maricones de pueblo cuando reciben la herencia de su difunto y agarrado padre? Pues irse a Chueca para convertirse en gays urbanitas y finas… Hasta aquí, todo predecible. Pero… ¿se puede ser maricón de pueblo y no acabar loco? Los prejuicios, los armarios, las incomprensiones, los rechazos, el amor, la coca, los hombres y otras sustancias apetecibles marcarán una historia tan real como la vida misma o tan irreal como una buena ciencia ficción. Una tragicomedia almodovariana y surrealista dirigida y escrita por Diego París, que a través de pequeños estereotipos va a ir creando una dramaturgia más profunda y sorprendente. Una escenografía sencilla pero creativa y plumas, bolas de espejo y dos criaturas en busca del amor de padre que nunca tuvieron crean el escenario perfecto para reflexionar sobre la vida.
Luis Mª García Grande.
TalentMadrid se presenta en los Teatros del Canal
Estas son las BASES
Al evento han asistido el presidente de la Comunidad de Madrid, Ignacio González,Albert Boadella, director de los Teatros del Canal y la productora y directora ejecutiva de Talent Madrid, Mónica Hamill.
TalenMadrid pretende encontar nuevos talentos mediante un concurso que utilizará como medio principal de selección las redes sociales. A través de ellas, todo el que quiera concursar deberá colgar un vídeo de duración no superior a 2 minutos y acaparar los votos de todos sus «fans». A partir de esa criba se seleccionarán los 60 ganadores.
La iniciativa, que pretende ofrecer oportunidades a los artistas españoles, nacidos o
residentes, permitirá que 60 creadores pongan en pie sus obras en los
Teatros del Canal de la Comunidad de Madrid, durante el Festival Talent
Madrid 2013, que se celebrará del 21 de febrero al 2 de marzo. Este último
día se celebrará la gala final, de la que saldrá la obra ganadora.
Desde hoy y hasta el momento de poder disfrutar de las obras en el
escenario, Internet y las redes sociales desempeñarán un papel
fundamental en este proyecto. Por eso, durante la presentación, se ha
llevado a cabo la cuenta atrás para el inicio de la primera fase y el
presidente regional ha sido el encargado de lanzar, desde su propia cuenta,
el primer tweet con el hashtag #TalentMadrid y el link a la página del
concurso.
Para participar en Talent Madrid 2013 sólo hay que disponer de una
idea original, una cámara y acceso a Internet. El proyecto va dirigido a todos
los creadores españoles (residentes o no en el territorio nacional) y a los
extranjeros residentes en España, mayores de 18 años. El concurso se
desarrollará en cuatro fases: 1 – convocatoria y presentación de proyectos
en Internet (hasta el 11 de diciembre); 2 – votación popular (del 12 al 21 de
diciembre); 3 – puesta en pie de ideas seleccionadas, utilizando los recursos
de los Teatros del Canal (del 11 al 20 de febrero de 2013), y 4 – exhibición
de las obras en el Festival Talent Madrid 2013 (del 21 de febrero al 2
marzo), que concluirá con una gala final en la que se designará la pieza
ganadora.
De Internet al escenario
Talent Madrid comienza su primera fase hoy mismo, y hasta el 11 de
diciembre los participantes podrán subir a Internet un vídeo de dos minutos,
en el que muestren la esencia de su obra (escena, teaser o fragmento). Esta
parte responde, además, a uno de los objetivos principales de la iniciativa:
dar la mayor visibilidad posible a las obras presentadas. Por ello el proyecto
cuenta con un sitio web propio (http://talentmadrid.teatroscanal.com), la
plataforma tecnológica internacional Talenthouse
(www.talenthouse.com/talentmadrid-festival) y las principales redes sociales
(www.facebook.com/talentmadrid y www.twitter.com/talentmadrid). Los
participantes podrán mostrar su trabajo utilizando estos canales o sus
propias redes y serán los usuarios quienes elegirán sus ideas favoritas.
La segunda fase del concurso se desarrollará del 12 al 21 de
diciembre. Los creadores ya registrados podrán seguir difundiendo su obra y
pidiendo el voto. Al término de este periodo, con los votos del público en Internet y la opinión del panel de expertos profesionales designados por el festival, se elaborará la lista de los 60 trabajos seleccionados, que se dará a conocer en enero de 2013.
Ciclo Artes Escénicas y Discapacidad, del viernes 14 de septiembre al 6 de octubre de 2012
Música, teatro y danza en la 10ª edición de “Artes Escénicas y Discapacidad” en La Casa Encendida
· Este año se cumplen diez ediciones del Ciclo “Artes Escénicas y Discapacidad” de La Casa Encendida y por primera vez hemos incorporado la música dentro de su programación
· Durante cuatro fines de semana seguidos podremos ver: piezas escénicas creadas e interpretadas por personas invidentes como la obra que propone Contando Hormigas; una mirada diferente sobre la enfermedad mental a través de la obra que presenta Locos por el Teatro; a la Compañía Danza Mobile que nos acerca el trabajo de bailarines con discapacidad intelectual y a La Niña de los Cupones, pionera del cante y baile flamenco en lenguaje de signos
· Dentro de la programación musical y durante los tres primeros domingos del Ciclo podremos escuchar el trabajo de Wild Classical Music Ensemble, una banda de rock, punk y música improvisada formada por cinco artistas con discapacidad intelectual. El pianista de jazz, aclamado dentro y fuera de nuestras fronteras, Ignasi Terraza y por último a la banda congoleña Staff Benda Bilili, músicos callejeros (algunos parapléjicos a causa de la polio) que presentan su disco Très très fort, que desde hace cinco meses encabeza la lista europea de músicas étnicas. Una mezcla de clásica rumba congoleña con funk y ritmos afrocubanos con rythm & blues y reggae.
· “Artes Escénicas y Discapacidad” ha sido realizado en colaboración con la Fundación Once y su IV Bienal de Arte Contemporáneo sin la cual no habríamos podido hacer crecer más aún el Ciclo
Desde hace ya 10 años La Casa Encendida ha propuesto y desarrollado dentro del mundo profesional de las Artes Escénicas el Ciclo Artes Escénicas y Discapacidad. Un lugar de encuentro, de cercanía y desarrollo, a la vez que una apuesta por la inclusión de estos trabajos dentro del circuito artístico oficial. Hemos ofrecido y creado un espacio físico y discursivo donde poder reivindicar y mostrar una realidad que cada vez es más fuerte y más rica, mostrando el valor y el potencial de lo diferente desde la calidad artística y desde la profesionalización de un gremio, muchas veces aislado.
Durante esta década se han representado más de 30 trabajos que han demostrado que la creación y la calidad son una evidencia. Y para celebrar este décimo aniversario hemos ampliado nuestro Ciclo, primero presentando a cuatro compañías españolas: Contando Hormigas, Danza Mobile, Orozú Teatro y a La Niña de los Cupones, y segundo y como novedad del Ciclo presentaremos los siguientes conciertos: Wild Classical Music Ensemble, Ignasi Terraza y al grupo congoleño Staff Benda Bilili.
PROGRAMACIÓN:
Las visiones de Hildegard, de la compañía Contando Hormigas
Viernes 14 de septiembre
22.00 h // Patio
http://contandohormigasteatro.blogspot.com
Las visiones de Hildegard es un recorrido por el mundo interior de Hildegard von Bingen, una abadesa alemana de fuerte carácter visionario que a través de sus conocimientos filosóficos, artísticos y científicos consiguió desarrollar un gran conocimiento del ser humano.
La obra que presenta Ignacio Calvache se basa en las vivencias de la protagonista a través de doce escenas que incluyen hechos de su vida, conflictos, miedos, condicionantes históricos, emociones, deseos y por supuesto las visiones. La idea es mostrar a la mujer débil que alberga Hildegard, que encuentra su fortaleza abriendo los ojos interiores a la mujer luchadora que vence sus miedos y consigue crear su propio camino.
Las visiones de Hildegard está interpretada por dos actrices ciegas. Ambas son Hildegard, pero cada una refleja una cara de la personalidad de la protagonista. La compañía Contando Hormigas plantea proyectos donde las personas con discapacidad desarrollan procesos artísticos junto a creadores no discapacitados facilitando un diálogo creativo al mismo nivel entre unos y otros.
Sombras de amor prohibido, de la compañía Orozú Teatro
Sábado 15 de septiembre
22.00 h // Patio
Entrada libre hasta completa aforo
http://www.orozuteatro.com
El dieciocho de marzo de 1812 una compañía de cómicos ambulantes llega a Cádiz para sumarse a las celebraciones por la promulgación de la Constitución La Pepa. En el Corral del Mesón Nuevo narran una leyenda popular sobre los trágicos amores de un capitán francés y una gaditana.
La Compaía Orozú Teatro se fundó en 1993 y está compuesta por actores invidentes y videntes y se caracteriza por el acercamiento a las raíces gaditanas de sus actores y por su manera de proyectar el divertimento, la frescura escénica y la fiesta teatral.
Concierto. Wild Classical Musical Ensemble
Domingo 16 de septiembre
21.00 h // Patio
http://wildclassical.wix.com
Wild Classical Music Ensemble es un proyecto musical que comenzó en noviembre del 2000 cuando cinco artistas con discapacidad mental se conocieron y decidieron aunar intereses y habilidades artísticas para aproximarse conjuntamente al mundo de la música.
El camino musical emprendido por Wild Classical Musical Ensemble ha sido el de la improvisación y la experimentación sonora integrando riffs propios del rock y del punk. Con este nuevo impulso melódico-rítmico Wild Classical Musical Ensemble se ha convertido en lo que es hoy, una fabulosa mezcla de rock, punk, noise y música improvisada.
Noah, de la Compañía Locos por el Teatro
Viernes 21 y sábado 22 de septiembre
22.00 h // Patio
Locos por el teatro es una compañia que trabaja para integrar a las personas con enfermades mentales. Con una trayectoria de más de 10 años, han desarrollado proyectos artísticos en España, Francia, Bélgica y Chile, convirtiéndose en un referente en el cuestionamiento del vínculo existente entre creación artística y salud mental. Se ha convertido en un lugar de encuentro del ser humano, uniendo sobre el escenario a actores con y sin enfermedades mentales para construir un discurso común en el que las emociones son las protagonistas.
Noah es un espectáculo sobre la creación, el orden del universo, el caos, la huida, el encierro y la espera como únicos medios de subsistencia del ser humano.
Concierto Ignasi Terraza
Domingo 23 de septiembre
21.00 h // Auditorio
http://www.ignasiterraza.com/
Este pianista de jazz de orígen catalán (1962) perdió la vista a los nueve años y poco tiempo después descubrió la magia del piano. Con una faciliad innata para la improvisación, rápidamente sintió una fuerte atracción por el jazz y dedició estudiar piano clásico en el Conservatorio de Barcelona y se formó de manera autodidacta en el jazz. En 1981 comenzó a tocar en importantes clubes de jazz mientras se licenciaba en Informática conviriténdose en la primera persona ciega de todo España. En el año 1991 decide dedicarse plenamente a la música.
El año 2009 fue distinguido con el primer premio del Jacksonville International Jazz Piano Competition en Estados Unidos, con una amplia discografía que abarca más de 25 referencias editadas en nuestro país, Francia, Suiza y Japón, de las cuales 5 con su trío.
Ignasi Terraza ha acompañado a figuras de la talla de Frank Wess, Lou Donaldson, Benny Goldson, John Faddis, Jesse Davis, etc. En su Trío ha contado con músicos como Bobby Durham, Jeff Hamilton, Gregory Hutchinson o Pierre Boussaguet. Actúa habitualmente en los circuitos europeos y ha actuado en giras por Sudamérica y este de Asia. Ha compuesto música para teatro y televisión, siendo nominado en 2009 a los premios Max de teatro como mejor compositor. Desde el 2003 combina la actividad como concertista con su labor docente, enseñando piano jazz en la Escuela Superior de Música de Catalunya.
Sorda, de Mª Angeles Narváez, alias La niña de los cupones
Viernes 28 y sábado 29 de septiembre
22:00 h // Patio
http://www.laninadeloscupones.com/
Mª Ángeles Narváez Anguita, alias La Niña de los cupones, se quedó sorda cuando tenía 6 años. A partir de entonces comenzó su andadura en el mundo del flamenco hasta que se profesionalizó convirtiéndose en pionera en el cante y baile flamenco en lenguaje de signos.
La performance Sorda es una oda a su condición de sorda, vivida con orgullo y que la coloca en una dimensión especial para hacerla sentir y transmitir emociones desde la superación, la fuerada, la constancia y el amor.
Concierto. Staff Benda Bilili (R.D. del Congo)
Domingo 30 de septiembre
22.00 h // Patio
http://www.myspace.com/staffbendabilili
Staff Benda Bilili, cuyo nombre significa “mira más allá de las apariencias”, es un grupo de músicos callejeros, algunos parapléjicos a causa de la polio, que viven en los alrededores de Kinshasa y se desplazan en unas sillas de ruedas tuneadas con aspecto de Harley-Davidson para pobres. Sus canciones han sido el pasatiempo preferido mientras trabajaban como taxistas entre Kinshasa y Brazzaville, aprovechando la exención de impuestos autorizada por el Gobierno.
Su disco de estreno, Très très fort, lleva cinco meses liderando la lista europea de músicas étnicas. Su música es una seductora mezcla de la clásica rumba congoleña con funk a lo James Brown, ritmos afrocubanos mezclados con rythm & blues y reggae.
Una ciudad encendida, de Compañía Danza Mobile
Viernes 5 y sábado 6 de octubre
22.00 h // Patio
http://www.ciadanzamobile.com
La Compañía Danza Mobile trabaja con personas que tienen algún tipo de discapacidad intelectual y trata de colocar su trabajo dentro de los circuitos normalizados de danza con la intención de que, público, crítica y mercado, valoren su calidad artística al margen de su discapacidad. La pieza “Una ciudad encendida” es una metáfora de nuestras debilidades, capacidades, limites, barreras y emociones en una atmósfera onírica donde elementos de lo cotidiano ganan una dimensión cargada de simbología.
FETAL. Festival de Teatro Alternativo de Urones de Castroponce. Del 19 al 26 de agosto.
Toda la programación pinchando sobre la foto
Abierta la inscripción para la XVI edición de los Premios Max de las Artes Escénicas
La XVI edición de los Premios Max de las Artes Escénicas, que organiza la Fundación Autor de la SGAE, comienza su andadura. El plazo de inscripción de espectáculos se abre hoy, lunes 16 de julio, y permanecerá vigente hasta el próximo 30 de septiembre. En esta convocatoria podrán participar aquellos montajes de teatro, teatro musical, espectáculo infantil y de danza, estrenados entre el 1 de septiembre de 2011 y el 31 de agosto de 2012 y los reestrenados o en gira en dicho periodo, que no se hayan presentado en ediciones anteriores.
Para inscribirse en los Max
Para postularse a estos galardones es necesario inscribir los espectáculos y los profesionales que optan en cada categoría a través de la página web oficial: http://www.premiosmax.com
Para votar en los Max
Si eres profesional de las artes escénicas y todavía no formas parte del censo electoral, debes rellenar el formulario de acreditación, disponible en la página web oficial.
Acerca de los Max
Se han consolidado como los premios más amplios de las Artes Escénicas en el Estado español por reconocer a todos los profesionales que hacen posible el arte en vivo y en directo a través de sus 23 categorías a concurso y sus 5 premios especiales. La gala que culmina cada edición no tiene una sede fija, emula a las compañías girando por todo el territorio estatal. Así, han sido ciudades y escenarios Max: Madrid, Barcelona, Sevilla, Bilbao, Valencia, Vigo, Zaragoza, Guadalajara, Las Palmas de Gran Canaria y Córdoba. En su última edición, celebrada en el Teatro Circo Price de Madrid el 30 de abril, los Max cumplieron quince años.
Que Revienten los Artistas 
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