Liberación mediante la comprensión en el estado intermedio de Teatro Xtremo en la Sala DT
Teatro Xtremo propone al público una situación de voyeur, en sus performances exhiben momentos privados estimulados por sustancias que les ayudan a conseguir estados y atmósferas delirantes. Aquí, los cuerpos son lienzos donde se pinta y mancha sobre la marcha, bajo el ojo perpetuo de una cámara de video. Una performance en sentido inverso, que reconstruye el viaje desde el caos al orden.
Adolfo Simón
«Yo de mayor quiero ser Fermín Jiménez» en La Cuarta Pared y festival Escena M
Todos tenemos un superhéroe preferido el cual nos gustaría ser… La compañía valenciana El Pont flotant tiene el suyo propio: Fermín Jiménez. Pero, ¿Quién es Fermín? Esto es lo que vamos a descubrir a lo largo de la obra. Ya de entrada observamos unas instalaciones que apuntan quien podría ser…unas agendas de amigos por allí tiradas que indican que el tiempo está regulado, encajonado, perseguido y controlado. Nuestra vida bajo control, nuestro tiempo de trabajo, nuestro tiempo para las tareas cotidianas, nuestro tiempo muerto, nuestro tiempo ocioso, nuestro tiempo libre… pero…¿Qué haces en tu segundo libre? ¿Te lo has preguntado alguna vez? ¿Tienes todo el tiempo libre que quisieras? Una reflexión sobre el tiempo y el trabajo muy bien llevada a escena a través de un superhéroe que dispone de su tiempo como el quiere y no como le impone la sociedad… Ese debería ser nuestro héroe actual, el que hace lo que quiere, lo que ama… Pero para llegar a tan sesudas conclusiones no hace falta un método establecido de reflexión-ensayo…Los actores nos demuestran que se puede pensar en cualquier situación cotidiana y a través de cualquier sensación y contacto con los demás y de manera autogestionada.
El único peligro que le veo a esta obra es que pueda convertirse en la biblia de los hipster españoles ya que nos presenta un icono que ha triunfado como tal (y perdón por el encasillamiento).
Alex Cantó y Jesús Muñoz nos demuestran magníficamente que no pasa nada por tener tiempos muertos, por tocarse la barriga de vez en cuando, por estar en el paro aunque te miren mal…porque aún así estamos creando y viviendo. Yo de mayor quiero ser como ellos.
Luis Mª García.
El sastrecillo valiente en el Teatro Real
Sencilla y deliciosa propuesta de El sastrecillo valiente presentada en el Teatro Real de Madrid. Hay muchas maneras de conocer un teatro por dentro y muchas también de contar un cuento. En este nuevo espectáculo de los creadores de la Compañía Etcétera se tiene la ocasión de vivir ambas experiencias jugando al teatro dentro del teatro. Cuando entramos en la sala tenemos la sensación de habernos colado en el departamento de sastrería y así nos lo hacen creer pero de repente, se da un giro y los empleados pueden tocar un instrumento o narrar una historia. A partir de aquí, una vez elegido el cuento, los hilos, agujas, tijeras y telas se irán transformando en personajes, paisajes a través de los cuales nos narran este delicioso cuento musical.
Adolfo Simón
Navidad en el Price
El circo siempre vuelve al Price por Navidad. Este año lo hace con un espectáculo de un tren en dos direcciones, por un lado hay la historia de una niña a la que no dejan soñar y participar del circo que llega a su ciudad, pero como ella es intrépida, se cuela en los viejos carromatos para disfrutar del mundo de la magia. Y por otro lado, el tren imaginario de los artistas del circo a los que no les cambia ni el tiempo ni el lugar, ellos son un mundo aparte, el lugar de los sueños y la belleza. La niña al final vuelve a su habitación porque sabe que podrá seguir soñando con el circo allá donde esté y el tren de los acróbatas sigue su viaje sin fin, haciendo que todos los niños puedan seguir creyendo en otro mundo distinto al que habitan día a día. Las acrobacias elegidas para este espectáculo son impresionantes y la iluminación de Juanjo LLorens crea la atmósfera oportuna.
Adolfo Simón
Intimidad en la Sala TU
Y qué más da si es verdad o mentira si es teatro. Además, el teatro es, en esencia, hacer creíbles las mentiras…¿No?, pues eso. En Intimidad hay una trama inquietante que no se desvela hasta el final y que no lo haré aquí. Lo que puedo decir para animar al público a seguir llenando el privado y peculiar patio de butacas de la Sala TU es que nada es lo que parece, ni esa imagen estática de familia que todos teníamos en una pared del salón lo es, ni esas historias aparentemente amables lo son cuando giran hacia el precipicio, ni esa tierra que les sujeta es fértil. ¿Cuándo dejará de ir el público a ver espectáculos absurdos que no hablan del ser humano si no de marcianos y se perderán en propuestas como es la de Intimidad?… ¿Cuándo saldrá a la luz tanto talento como hay en las pequeñas salas alternativas?. Bueno, de momento, disfrutemos de estos pequeños grandes trabajos.
Adolfo Simón
30/40 Livingstone en el Teatro de La Abadía
La imaginación es un país necesario pero también muy peligroso. A veces, la imaginación se convierte en todos los rincones de nuestro día a día y corremos el riesgo de quedarnos a vivir allí y eso es muy peligroso, sobre todo si somos adultos. A menudo decimos aquella frase de «Me gustaría recuperar al niño que fui»…Y otras veces nos recriminamos diciéndonos…»Deja de ser niño». 30/40 Livingstone plantea de manera lúdica y lúcida la idea de lo que podría pasarle a un niño si no siguiese las líneas marcadas por la sociedad y quisiera inventarse un mundo con reglas propias o lo que es peor…¿Qué le podría pasar a un adulto si tuviese que convivir con su niño constantemente?. Sergi López que ha conseguido la popularidad en cine, demuestra aquí que es un animal escénico. No tiene límites para nada, se entrega con pasión y generosidad a todo lo que el texto y las situaciones proponen. Y juega con lo real y lo imaginario como si todo fuese lo mismo, creando situaciones delirantes. Y además, tiene a Jorge Picó que le da perfecta réplica en escena. Al final, hay que tomar una drástica decisión…Seguir en el país de la imaginación o…
30/40 Livingstone es una propuesta nada habitual en nuestra cartelera.
Adolfo Simón
Duet for one en La Guindalera
Siempre que acudo al Teatro de la Guindalera tengo una sensación similar, como si el público que asiste se conociese, como si ya hubiesen coincidido antes en el hall que hay antes de entrar a la sala. Creo que han conseguido, en esta década de existencia de la íntima Guindalera, crear un público afín, no solo porque han podido ser participes de las existencia de la misma colaborando con los micro-crédito si no porque, las personas que acuden regularmente, saben que hay garantía de un buen texto, de una propuesta teatral, algo que parece muy sencillo pero que en estos días, en los que la cartelera es tan caótica, no es tan fácil y ahí, en ese caos, pierden los artistas y el respetable: Si uno vive una experiencia profunda en el teatro, no lo olvidará nunca, si vive un fiasco, no volverá a pisar un patio de butacas. De nuevo un texto potente para enfrentarse a la décima temporada: Duet for one de Tom Kempinski. Una obra en apariencia sencilla ya que nos muestra los encuentros entre un médico y su paciente (No me gustan las obras de juicios o sesiones de psicólogo porque se estancan en lo que dice el bueno y lo que le responde el malo o la charla terrible que le suelta el enfermo tumbado en un sofá) Pero aquí no hay nada de eso, hay un viaje a las zonas más oscuras del individuo para encontrar los ecos donde la herencia emocional se quedó truncada. Y además, creo que aquí se va más allá de dar luz a esos espacios de la protagonista, creo que vamos intuyendo que el médico también tiene territorios en su memoria donde no se ha atrevido a entrar nunca. Otra obra interesante sería saber qué hay tras el rostro impenetrable del terapeuta. Pero aquí lo que hay es un combate escénico importante entre una mujer herida y un médico que no alivia sus heridas aunque le acompañe mientras le cicatrizan. Juan Pastor hace un ejercicio importante de sencillez en el trabajo como director y actor y María Pastor está sencillamente fantástica.
Adolfo Simón
Nameless Hands de Noism Company en los Teatros del Canal
Nameless Hands recoge la tradición del teatro japonés a través de los ‘kurogo’, lo que le valió a la compañía Noism el prestigioso Asahi Performing Arts Award en 2008, el año de su estreno. En el escenario, y vestidos completamente de negro (como si no existieran), los “Kurogo”, personajes del teatro tradicional japonés, aparecen en esta obra como metáforas del tiempo…la imaginación, el deseo o la ambición con los que se manipula la vida de las muñecas-humanos, de los objetos y del drama en sí mismo. El decorado se componía en su totalidad de materiales de segunda mano, como una reivindicación del significado de su existencia, en contra de la rápida evolución tecnológica que ha acelerado las necesidades de consumo. En este trabajo hay dos niveles destacables, por un lado la espléndida técnica de los intérpretes tanto en la composición de los seres inanimados como cuando se meten en la piel de las sombras. Y la estética personal del espacio escénico y máscaras que crea múltiples planos sensoriales de ensoñación. Un espectáculo que ha pasado fugazmente por la cartelera de Madrid y que habría merecido que fuese disfrutado por una mayor cantidad de público.
Adolfo Simón
El divorcio de Figaro en el Centro de Arte Fernán Gómez
Un espectáculo que aborda, con una lectura abierta y llena de lucidez, la lucha del individuo frente a la sociedad. El Divorcio de Fígaro retoma los personajes de Beaumarchais y, con un poco de serrín y sangre, una buena dosis de humor y un mucho de inteligencia, los lanza a la vorágine de un mundo loco y cruel. Estas palabras de presentación de la obra resumen muy bien lo que Alfonso Lara ha pretendido hacer con el texto de Ödön Von Horváth. En la Sala II del Centro de Arte Fernán Gómez asistimos a un ceremonial extraño en un cabaret de muerte custodiado por dos militares. Allí serán empujados los personajes como a un foso en el que se les interpela sobre sus deseos y anhelos. Es como entrar en un laberinto donde no terminas de encontrar nunca la salida. Los actores transitan de la realidad al espejismo con paso firme en la propuesta.
Adolfo Simón
Gisela y el libro mágico en el Nuevo Teatro Alcalá
Este espectáculo hará las delicias del público que sigue a la cantante Gisela ya que se ha conseguido agrupar una serie de canciones de ella más algún tema alusivo a la obra. Hay que conseguir resolver unos enigmas para llegar a ser un hada completa y que el mal no se apodere del libro mágico, este es el argumento del espectáculo musical que llega a Madrid para sumarse a la cartelera navideña.
Adolfo Simón
Tirano Banderas en el Teatro Español
D. Ramón María del Valle-Inclán, el autor más teatral de los españoles, siempre ha sido difícil de llevar a la escena, quizá el genio no se pueda exponer como fue creado, y casi siempre las propuestas no alcanzan las mismas cotas de genialidad que los textos. El esperpento, creación Valle-inclaniana, con ser, aún hoy en el siglo XXI, una moderna concepción del arte dramático, se presenta siempre en grado de exaltación, por excesivo, o de moderación por falta de riesgo. El proyecto DOS ORILLAS, pone al frente de esta adaptación de la obra, por Flavio González Mello, a Oriol Broggi quien despliega un imaginario, cuando menos, interesante, cuando más, impactante, por la composición y movimiento, tanto de los actores como de los elementos escenográficos, los colores y la pantalla que sirve de cielo cambiante de esa torturada isla de Santa Fe. Los personajes maravillosos de Valle desfilan por escena, quizá el pero que le pongo es que demasiados personajes para un solo actor llevan a una pequeña confusión, pero la mezcla de actores y actrices españoles y de allende los mares, México, Uruguay, Venezuela, Colombia, Ecuador…., enriquece el ser dramático, destacar a Rafa Cruz, Juli Mira, Vanesa Maja, Pedro Casablanc, y a una siempre estupenda Susi Sánchez. Poquita gente en el teatro, era martes, que respondió con una fuerte ovación, yo entre ellos.
Ángel Savín.
Las heridas del viento de Juan Carlos Rubio en el Teatro Lara
¿Qué hace falta para que haya teatro-teatro?…Pues muy sencillo, una buena historia y unos actores en la cuerda floja de la escena. En Las heridas del viento hay una historia interesante que sorprende a cada paso de la pieza, no hay un momento en el que la atención del espectador decaiga porque la sucesión de giros que da la trama obliga a que no pestañeemos. Y además, el autor vivo, lo es más que nunca en esta función, acompaña la acción durante todo el tiempo, siendo cómplice con los intérpretes de todo lo que va sucediendo, dando el relevo a la voz de ellos para que cuenten su historia. El director está aquí sutilmente, solo da ocasión a que el autor se encuentre con los actores en esa frontera entre realidad y ficción. La historia nos atrapa porque todos hemos vivido un amor al límite o hemos dejado que nos amasen sin cortapisas, aunque después hayamos tenido que lamernos las heridas que el viento deja a su paso. Solo unas sillas, unos focos y a Mina de fondo…Ah! no, me olvidaba de los más importante, dos actores en un combate emocional contundente: Dani Muriel dando réplica a Kiti Manver que aparece bajando una escalera desde otro tiempo, otra realidad y frente a los ojos del público se transforma, en un juego queer, en el hombre que guarda todos los secretos de la función. Kiti Manver alcanza en este trabajo un nivel interpretativo difícil de superar, a partir de ahora habrá que llamarla: La Manver.
Adolfo Simón
The Indian Queen en el Teatro Real
En el recuerdo de todos los aficionados de la opera, quedará, la etapa de Mortier, como la más arriesgada de los últimos tiempos. La última producción presentada: The Indian Queen, semi-ópera en cinco actos con un prólogo y música de Henry Purcell a partir del libreto de John Dryden es mucho más que un espectáculo lirico, ha sido una experiencia para los sentidos de todos los que tuvimos la suerte de asistir a su representación. Peter Sellars crea un compendio de artes sobre la escena al sumar pintura, danza, música, canto, interpretación… Consiguiendo con la mezcla de ellos un viaje hipnótico donde todo se fusiona sutilmente para contarnos la historia de una conquista, haciéndonos pensar que todo ese horror sigue existiendo hoy en día en muchos lugares de nuestro planeta. El director musical Teodor Currentzis hace volar la música sobre los lienzos vivos de Gronk.
Adolfo Simón
Tríptico de cierre en Madrid en danza
Madrid en danza ha llegado al final de la edición de este año. Hay que valorar el esfuerzo por parte de la dirección para que, en tiempos de crisis, se pueda realizar un Festival de este tipo, con un nivel bastante aceptable. En la última semana, se han presentado en Madrid tres espectáculos de muy distinto formato.
La Compañía Tao Dance Theater mostró las piezas 4 y 5 en la sala verde del Teatro del Canal. En la obra 4, cuatro bailarines parecen moverse al compás de una onda magnética que a veces les aparta y otras les reúne sin ni siquiera tocarse. Les acompaña la música del aclamado compositor chino de Indie-folk-rock Xiao He, que también ha colaborado en la obra 5. En 5, los cinco intérpretes bailan pegados los unos a los otros; no se separan en ningún momento y se mueven como una masa indescriptible. Con estos dos trabajos – de una larga serie de coreografía numeradas – Tao Ye sigue sus experimentos minimalistas: la exploración del cuerpo humano como elemento visual desprovisto de narración o de representación. Hay referencias constantes a la animalidad y la tensión-relajación en estas dos propuestas, la primera nos recuerda a roedores frenéticos y la segunda a larvas viscosas. Un trabajo técnico excelente.
Brutal Love Poems es la última creación de Thomas Noone, que se ofrece en un mismo programa junto a Sin de Joan Clevillé y Watch me también de Noone. Tres piezas que sin tener una conexión aparente, conectan en los espacios donde los bailarines abandonan la técnica para entrar en relaciones y comportamientos más emocionales, ahí, las propuestas vuelan y atrapan al espectador.
Y el broche de oro al Festival lo puso Akram Khan con su espectáculo DESH, que significa «Tierra Natal» en bengalí y en el que dibuja una multitud de cuentos sobre el país, la nación y la resistencia, conceptos que convergen en el cuerpo y la voz de un hombre que intenta encontrar su equilibrio en un mundo estable. DESH es el nuevo solo de danza contemporánea y el trabajo más personal hasta la fecha del aclamado coreógrafo e intérprete que va más allá de la danza o el teatro ya que nos sumerge en una poética fascinante, llena de momentos en los que la realidad y los sueños se funden para crear mundos inesperados en los que el eco de la infancia y la madurez se dan la mano para sugerirnos que tras la lucha por la identidad hay un posible paisaje de vida.
Adolfo Simón
Perfiles de Sergio Martínez Vila en La casa de la portera
Cuando se escriba la crónica y balance de las primeras temporadas de La casa de la portera, se verá que por allí no solo pasaron nombres de primera línea probándose con las paredes del lugar si no que allí se han descubierto a autores y directores que darán que hablar, como el caso que nos ocupa. Perfiles es una pieza inteligente, de teatralidad condensada y el autor y director de la misma es un joven llamado Sergio Martínez Vila. Con un tema tan actual como es los contactos en la red, aquí se nos muestran los fantasmas que hay por esos mundos virtuales pero también los fantasmas que generan en nosotros y en nuestro entorno inmediato ese manera de conocer gente. Perfiles es una pieza de cámara y frente a las cámaras y en ella, los actores, se muestran veraces y creíbles, por momentos parece que hay espacio, incluso, para probar detalles y matices durante la representación.
Adolfo Simón
Cena con amigos en el SOL de YORK
El trabajo de Daniel Veronese siempre es bien recibido en nuestra ciudad, da igual que venga de la mano de su propia Compañía, de una producción oficial o de la colaboración con una productora privada como es el caso de este espectáculo. Gloria López Producciones lleva una trayectoria ascendente desde hace años, en esta ocasión se enfrentan a un texto premiado que aborda con dureza las relaciones de pareja, haciendo una radiografía de cómo se establece el poder y la manipulación entre el ser humano en las relaciones de a dos. La propuesta es muy despojada y ahí radica el interés del montaje ya que muestra sin adornos lo que en el texto se plantea, los actores están entregados a este teatro al borde del abismo. Cena con amigos tiene elementos de interés para un amplio espectro de público.
Adolfo Simón
Un cuento diferente de Sol y Tierra en Espacio Labruc
Un cuento diferente a partir de narraciones encontradas en viajes a África es la propuesta sugerente presentada para público familiar por la Compañía Sol y Tierra. Un espectáculo modesto e imaginativo, con elementos actorales y plásticos que dan estímulo a la imaginación y creatividad de los niños. A veces copa la atención de medios de comunicación y público los grandes eventos que ocurren en esta ciudad y pasan por alto pequeñas joyas como esta que se ha mostrado en el Espacio Labruc; una sala en el corazón de Malasaña que ha transformado el lugar para convertirlo en punto de encuentro de público y artistas. Hay que intentar descubrir otro tipo de propuestas que Madrid tiene, no solo lo que sale en la televisión y en las vallas publicitarias tiene interés y Espacio Labruc y merece una oportunidad.
Adolfo Simón
Puzles escénicos en la ciudad
En estos tiempos en los que cada vez vemos más coartada muestra libertad de expresión en la vía pública, que se lleve a cabo una propuesta teatral que se denomina Ocupa Madrid, es muy oportuna. En este caso se realizó en uno de los barrios más típicos de Madrid: El rastro. Allí, ayer sábado, se desarrolló esta iniciativa que partió de Jorge Sánchez y a la que se han sumado múltiples profesionales de las artes escénicas. En un punto del mercado más famoso de la ciudad, se convocó a los visitantes y allí se formaron grupos que fueron conducidos por itinerarios diferentes, teniendo la posibilidad de ver una parte de esta ocupación, para completar el circuito, hay que acudir otro día. De repente pudimos entrar hasta el último rincón de una serie de locales donde nos esperaba un pequeño pedazo de realidad escenificada…En cada uno de los lugares no se saludaba al finalizar la pieza ya que, en el último eslabón de esta cadena, en otro espacio, se reunía todo el equipo para despedir a los asistentes. Recorrimos un lugar que creíamos conocer y hemos descubierto otro latido en la ciudad. Ahora hay que esperar a otra nueva convocatoria para que sigan proponiéndonos ocupar la urbe.
Y al otro extremo de la ciudad, por la noche, otra propuesta, distinta dramatúrgicamente hablando, a lo que habitualmente nos encontramos cuando se aborda la obra de Lorca. En La Usina se mostró Espacio Lorca donde se iban tejiendo ante nuestros ojos, escenas de diferentes obras del autor granadino, creando un tejido extraño y sugerente, sobre todo cuando se instalaban en la escena varios planos escénicos donde había personajes que observaban a otros mientras estos transitaban hacia un ritual que se preparaba en otra zona de la escena. Y los más curioso, cuando algún personaje se cruzaba con otro creando un nuevo nivel dramático, como cuando Mariana Pineda se cruzó con Bernarda Alba.
Adolfo Simón
La CND baila con nosotros
La labor del actual director de la CND se ha caracterizado por intentar acercar al público algo que sonaba elitista y raro a los que no entienden o nunca han ido a ver danza contemporánea. «Ven a bailar con nosotros» en el Teatro de la Zarzuela nos muestra cómo ese acercamiento es posible con la bora de Ohad Naharin. La interacción con el público y el hacer que puedan comprender nuevas formas de expresión artística es fundamental en Minus 16. Pero no hay que olvidar que la trayectoria de la compañía es muy amplia y puede abarcar muchas formas de entender la danza en nuestros días. Para ello nos ha ofrecido también en su repertorio un clásico de la danza minimalista con Kylián a la cabeza: Fallin Angels, que ya en la época de Duato se erigía como uno de los coreógrafos de cabecera a la hora de programar y que pone el contrapunto al acercamiento al público de Naharin. Pero las dos obras tienen algo en común: nos hacen reflexionar sobre lo que es la danza de puertas para adentro, sus pretensiones, sus anhelos y su evolución.
En el medio, Galili nos hace disfrutar de la cohesión entre la danza y la luz, nos hace reflexionar sobre la estética en la danza y la manera de afrontarla técnicamente para conseguir un balance entre la abstracción y la narrativa con su obra Sub.
Tres caminos heterogéneos para intentar entender y disfrutar de la danza contemporánea en la que los bailarines ponen toda la carne en el asador… y el público también.
Teatro para un nuevo milenio
Hubo un tiempo, en la Edad Media, que tanto se parece a esta época, en la que el teatro fue expulsado de sus lugares de representación porque el poder ocupó el púlpito, no para dar libertad a la mente de los espectadores si no para aprisionar sus conciencias con el terror del pecado y el mal. Pero, en ese tiempo, los cómicos, siempre hábiles y estrategas buscaron otro espacio de representación y pisaron las calles y plazas, buscando la complicidad y el diálogo con el pueblo. Hoy vivimos una época en la que el teatro ha pasado a ocupar el lugar de la representación mediática, cercana a los parques temáticos. Pocos espacios públicos siguen respetando las reglas de lo que siempre fue el teatro, un espacio vivo en el que hablar de tú a tú entre la ficción y la realidad. Recortes económicos y privación de expresión nos asaltan día a día en los medios de comunicación…¿Son las leyes de esta época incierta?…¿No haremos nada por salir de ese callejón sin salida donde nos están acorralando?. El teatro no morirá nunca porque se reinventa en cada época, porque es necesario, porque tiene que ver con los ancestros del ser humano, con su origen tribal. Y si nos expulsan del paraíso, nos iremos al infierno. Y si no nos dejan los templos teatrales, nos iremos a las cuevas o a las pensiones…o a cualquier rincón donde pueda seguir existiendo lo que solo nos da la catarsis real, la escena viva, el latido de los actores frente a nuestra mirada. Para estos tiempos es necesario la complicidad y la lucha codo a codo, algo que se han encargado durante mucho tiempo de hacer desaparecer de nuestra manera de relacionarnos en la sociedad de hoy: Es preferible un pueblo tonto que educado, un pueblo bruto que sensible; se le maneja mejor si no piensa ni siente. Hace un par de años, dos locos se embarcaron en una aventura teatral distinta: La casa de la portera, huyendo de las modas y los efectismos y tal vez, por esa manera de plantearse un teatro desde la necesidad y la coherencia, su empeño funcionó. Durante estos dos años hemos disfrutado en muchas ocasiones de lo que allí se presentó y estaba claro que, tarde o temprano, la aventura crecería. Ayer presentaron su nuevo sueño: La pensión de las pulgas y los que tuvimos ocasión de disfrutar de este evento pudimos ver cómo han trabajado duro por seguir fieles a una idea. Y funcionará muy bien de nuevo, porque hay muchos elementos en juego… una versión libre e inteligente de Macbeth de Shakespeare realizada por José Martret y que ha dirigido con buen pulso en un espacio cuidado hasta el máximo detalle por Alberto Puraenvidia que aquí, llega a cotas muy altas como dirección de arte, llenando de detalles los espacios por los que el espectador transita por un laberinto donde la belleza y contundencia están al servicio de la obra. Y qué decir de los actores, esos seres valientes que muestran sus contradicciones humanas a un palmo del público…Pues que se confirma esa máxima de que el teatro existe cuando un actor se pone frente al público, lo demás sobra. Cuando vivimos un momento en el que las opciones culturales son los parques temáticos, los sex-shops o los pasajes del terror donde solo empujan nuestra sensibilidad al precipicio de la ignorancia, hay que dar las gracias y apoyar iniciativas como La pensión de las pulgas y este MBIG al que auguro larga temporada en escena. Aviso a los cómicos: Si nos excluyen del espacio cultural al que tenemos derecho, escapemos a las montañas o las pensiones y hagamos teatro de guerrilla.
Adolfo Simón
Tomás Moro en el Centro de Arte Fernán Gómez
El Centro de Arte Fernán Gómez, presenta estos días la obra de Shakespeare y otro autores Tomás Moro, una utopía, bajo la dirección de Tamzin Townsed, un personaje como Moro bien conocido por su vida y su obra, ejemplo de quien de la nada llega a todo y por su coherencia cae en desgracia y es decapitado, nunca es fácil llevarlo a las tablas, Townsend nos presenta un estupendo texto adaptado magníficamente por Ignacio García May, con escenografía de Ricardo Sánchez Cuesta, aparentemente simple, que alcanza algunos momentos de brillante dramatismo, el vestuario de Gabriela Salaverri nos traslada a la época y los audiovisuales de Joan Rodón nos deja memoria de las películas de esa época y de los lugares por donde transitan los personajes, y el fuego, la escena del incendio es espléndida. Una propuesta que hace un mix anacrónico y resulta creíble. Ángel Ruiz, experto narrador, José Luis Patiño, nos llega a conmover, Manu Hernández que transita perfectamente por sus personajes y una fuerza de la naturaleza que brilla per se, Silvia de Pé, convincente, fuerte y valiente, con la rebeldía asomándose por todos sus poros, el resto del elenco estupendo, una función que merece ser vista por mucha gente, aunque no sea más que por llenarse los ojos de ese colorido y por descubrir que la coherencia siempre termina condenada, hace quinientos años y ahora, prueba de ello lo que estamos viviendo.
Ángel Savín.
Elmer de los Títeres de la Luna en Cuarta Pared
La Compañía de Títeres de la Luna cumple veinte años y lo celebró con unas funciones de Elmer en programación familiar y para campaña escolar en Cuarta Pared. Es curioso comprobar cómo después de veinte años sigue funcionando un espectáculo como este, generación tras generación de niños siguen empalizando con este elefante raro, diferente y simpático. Tal vez el acierto radique ahí, en la sencillez del discurso y en lo fácil que le hace al niño sentir que le hablan de sus cosas, de sus mundo, ese en el que se sienten patitos feos hasta que se convierten en cisnes o no. La técnica de muñecos utilizada también ayuda para que los niños pasen un buen tiempo teatral.
Adolfo Simón
El ajuar de Teresa Nieto en Compañía dentro de Madrid en danza
Sensibilidad, belleza…un poema en movimiento es el último trabajo presentado por Teresa Nieto en el Teatro de La Abadía. La creadora dice en varias ocasiones que ya no baila grande, que ahora lo hace pequeño…y que suerte para los que la hemos visto bailar en grande y seguimos disfrutando de su trabajo ahora, pequeño pero hondo. Lo pequeño no hay que confundirlo con el ínfimo, no tiene nada que ver…un haiku es un poema inmenso atrapado en pocas palabras y este tipo de poesía solo la pueden realizar los grandes, los que ya han viajado mucho por la vida y por la escena. Teresa Nieto está en un momento espléndido, no le afectan los premios ni el ruido de estos tiempos, ella sigue fiel a su lenguaje, a ese mestizaje entre flamenco y contemporáneo que tantos bellos momentos ha producido. Y además lo hace cuidando cada detalle, la música, el vestuario que, en esta ocasión es una pieza escenográfica, la luz y los precisos objetos para crear un mundo de sueños y memoria donde todos nos reconocemos de algún modo, porque este ajuar es el de todos, el que alguna vez hemos deseado tener. Y se acompaña de Sara Cano que da el contrapunto perfecto al momento maduro y de aplomo que vive Teresa Nieto. El ajuar es una exquisita pieza como hacía tiempo no se veía en nuestros escenarios.
Adolfo Simón
Anunciación – La Consagración de la primavera del Ballet Preljocaj en Madrid en danza
Ya en el ecuador de la edición del Festival y con un balance bastante positivo de momento, salvo alguna propuesta fuera de contexto, llegó a los Teatros del Canal la Compañía Preljocaj con un programa doble donde se presentaba, con mirada nueva la idea de la Anunciación. Aquí se huye de todo referente religioso para mostrarnos lo que podría ser un momento de intimidad en la que una mujer se sumerge en su mundo interior para descubrir la otra cara de su ser. El trabajo de sincronía, precisión y dominio de la técnica por parte de las dos intérpretes junto a la atmósfera espacial de la pieza creaban un espectáculo muy sugerente. En la segunda parte, una propuesta de conjunto donde un grupo de mujeres y hombres, en un jardín conceptual consiguen llevarnos a un viaje lleno de situaciones cotidianas que desembocan en una batalla física llena de tensión y dolor. El equipo de bailarines no tuvo ninguna fisura en su trabajo dancístico, sin duda, uno de los mejores momentos del Festival.
Adolfo Simón
Que Revienten los Artistas 
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