Lorca al vacío en la Sociedad Cervantina
Lorca al vacío es el hijo imposible que nunca tuvo Federico, es el niño Federico que soñó un futuro en el que los malabaristas lanzan bolas de fuego al aire, las secretarias escriben en teclados inalámbricos y las sillas tienen pies con zapatos…Lorca al vacío es una ceremonia poética para desenterrar los huesos de todos los desaparecidos de la historia y para que Julieta encuentre refugio en los brazos de mármol de un jugador de rugby que se ahogó en una de tantas pateras que a diario llegan a nuestras costas… Asistir a este ritual íntimo provoca un placer extraño, una mezcla sensual e hiriente. Todos estos pasajes, estas hojas sueltas de la obra que nunca escribió Federico son fruto del imaginario de un grupo de creadores… Sonia Sebastián en la dirección, María Velasco en la dramaturgia y los artistas plásticos: Hisae Ikenaga y Juan Zamora creando espacios imposibles…y dan cuerpo y sangre a todas las fantasmagorías imaginadas…Raúl Jiménez, Aarón Lobato, Esosa Ono, Irene Serrano, Jorge Silvestre y dos interpretes de presencia inquietante…Natalie Pinot y Teresa Vallejo.
Adolfo Simón
La casquería en Microteatro por dinero
La casquería es un colectivo que lleva tiempo investigando sobre el teatro para bebés…Han presentado varios trabajos en Microteatro por dinero y en todos ellos hay poesía y riesgo. Mica es el último micro espectáculo que han presentado… David Utrilla es el autor e interprete y Raquel Calonge junto a Santi López han dirigido la pieza. En un espacio repleto de papeles, presidido por un viejo gramófono…Un niño grande trata de recomponer a su pequeño amigo sin corazón. Juegos de luces, música deliciosa y papeles que se doblan y trasforman creando múltiples universos dan vida a Mica. En enero, La casquería presentará 12 horas en Microteatro, una propuesta que no hay que perderse…
Ignacio Sánchez
El conde de Torrefiel en Pradillo
Escenas para una conversación después del visionado de una película de Michael Haneke de la Compañía El Conde de Torrefiel se ha presentado en Madrid, en el Teatro Pradillo…A veces, el tiempo no es nada generoso, nos obliga constantemente a comparar el presente con el pasado…Y nunca un tiempo pasado debió ser mejor… Y aún así, cuando recuerdo los primeros trabajos de Rodrigo García, allá por los primeros noventa…Todavía me estremecen muchas de sus imágenes, reímos y lloramos viendo propuestas que escupían y ridiculizaban a nuestra adormecida sociedad, cuando hoy veo a los nuevos valores de la escena, solo puedo pensar…¿Qué pretenden con este discurso anodino?…¿Es tal vez lo único que se puede decir en este tiempo sin rumbo?.
Adolfo Simón
Reglas, usos y costumbres en la sociedad moderna en Cuarta Pared
Reglas, usos y costumbres en la sociedad moderna en Cuarta Pared
¿Es sólo la ironía un recurso suficiente para sustentar un montaje? Posible, no descartable…cuando menos.
Que la sociedad ha evolucionado poco, lo sabemos. Que todo es apariencia, también. Que vivimos ante/ bajo/ con /de /desde/ en/ entre/ para/ según/ tras la hipocresía, por supuesto. Pero ¿es necesario verlo desde un prisma antiguo?, ¿es necesario verlo así en una sala alternativa?
El teatro de Jean-Luc Lagarce siempre será un teatro joven, no en vano falleció a los 38 años de sida, un teatro del juego. Merece una (a)puesta arriesgada, cuando menos. Se basó en un manual de urbanidad del siglo XIX para escribir este texto, pero quería hablar del miedo, del miedo a la pérdida de control, al caos.
Eso sí, la actriz impecable dentro de su casita de muñecas, aunque hubiese sido más hermoso lo contrario, o posible, o de cualquiera…
Ana Martín Puigpelat
Historias del Chiscón(HdC) en La Casa de la Portera
¿Por qué no echar pimienta a la mayonesa?…¿Por qué no mezclar churras con merinas?…¿Por qué no sumar y componer un puzle sobre la realidad que vivimos o con la que se nos viene encima a partir de textos de diferentes autores?…¿Es un disparate?…Puede ser…¿Y?…¿Qué harías si te quedase un minuto de vida?…Pues seguramente vaciar toda la mierda que llevamos en la cabeza. Y ese parece ser el hilo conductor de esta propuesta, en la que han tenido que poner en sintonía muchas historias montadas por varios directores…Y han debido congeniar porque no hay nada extraño o en desequilibrio que haga pensar que allí hubo problemas de comunicación. Miguel Ángel Cárcano, Quino Falero, Rulo Pardo y Diego Sabanés dirigien algunas de sus propias historias o en el caso de Quino Falero, las que escribió Denny Horror, Carlos Molinero y José Ignacio Tofé. Y todo junto, una vez llevado al punto, se transforma en un caramelo acido pegado al paladar de la boca, si, reímos pero por momentos se nos queda la risa congelada porque estamos riendo de aquello que nos duele y no entendemos…De este mundo en el que somos extraños en un paraíso del que, otros, tienen la llave…De nuevo un acierto en este espacio que se multiplica sin derribar paredes y sin instalar grúas que muevan al público, ya lo consigue la imaginación y el buen hacer de los intérpretes. Y al final…un OSCURO dicho a plena luz…Por un momento pensé que saldría Gila y diría aquello de…»¿Está el enemigo?… Que se ponga.»
Adolfo Simón
Atlas, el gigante y la vértebra de Elena Córdoba dentro de Madrid en Danza
Atlas, el gigante y la vértebra de Elena Córdoba dentro de Madrid en Danza en Teatro Pradillo
La primera vértebra de la columna, la que sujeta la cabeza, se llama Atlas, igual que el gigante al que castigó Júpiter con sujetar el cielo para que no se desplomara sobre la tierra. Vestida de Atlas a mis 50 años, he ido construyendo una ficción donde me imagino que puedo sujetarlo todo o donde todo me aplasta. Una ficción que me acerca al momento en el que el esfuerzo de mi cuerpo sea mayor que sus fuerzas y al momento en el que las fuerzas desaparezcan. Estas reflexiones han llevado a Elena Córdoba ha realizar con esta propuesta, una radiografía agria del estado físico y emocional de su presente vital. Cuando el suelo que pisamos se tambalea, el cuerpo toma su propio camino y vomita niños con alas de la cabeza o trenza el cabello de cristales. Atlas, el gigante y la vértebra es un trabajo vertigionoso y extrañamente bello, en plena madurez expresiva de la creadora.
Adolfo Simón
Khaos de la Compañía O Vertigo dentro de la programación de Madrid en Danza
Khaos es un espacio imaginado por Marilène Bastien, delimitado por unas varillas verticales equipadas con captores sensoriales y de audio que erizan el escenario – como tantas zonas fronterizas, cárceles o refugios temporales que proporcionan una vía de escape al tumulto. Los latidos del corazón, las confesiones y los roces de los bailarines, una vez digitalizados, son emitidos como contrapunto a la composición electroacústica de Martin Messier. Khaos de Ginette Laurin no sólo transmite fe en la vida, sino también en las asperezas de la vida. Con toda la audacia de unos cuerpos abandonados a su intensidad íntima. Hay una primera parte más potente energética y visualmente, conforme avanza la obra, la poética se vuelve monótona para remontar de nuevo en el fin de la espiral de este caos.
Adolfo Simón
La decisión de John dentro en La Muestra de Teatro de las Autonomías en el Círculo de Bellas Artes
La decisión de John dentro en La Muestra de Teatro de las Autonomías en el Círculo de Bellas Artes
Acercarse a un autor contemporáneo en otra lengua es, siempre, un gusto. En este caso la obra de Mike Bartlett, joven inglés, nos propone una reflexión sobre la identidad, el deseo y el miedo. El riesgo a perder el suelo cómodo bajo los pies del cotidiano. El ser o no ser o lo que los demás creen que somos.
Con una puesta en escena que marca el tiempo y que a ratos se convierte en asfixiante y a momentos rítmica y humana. El baile de situaciones, dudas… La cara y después la cruz, o la cruz seguida de la cara. La sabiduría de Denis Rafter.
La compañía extremeña Teatro del Noctámbulo arriesga y convence. Qué más se puede pedir.
Una buena apuesta de la Muestra de Teatro de las Autonomías en el CBA.
Ana Martín Puigpelat
La comedia que nunca escribió Mihura de Carlos Contreras Elvira en Escritos en la Escena-CDN
La comedia que nunca escribió Mihura de Carlos Contreras Elvira en Escritos en la Escena-CDN
Esta pieza escrita a pie de escenario cuyo proceso ha dirigido Tamzin Towsend es otro ejemplo de lo que puede realizarse en este laboratorio que ha puesto en marcha el Centro Dramático Nacional. No siempre han de surgir materiales extremadamente contemporáneos de un espacio de búsqueda en la escritura teatral. La excusa de un título y una breve sinópsis que dejó Mihura sobre un texto que le hubiera gustado escribir y que no pudo realizar porque poco después murió, genera en Carlos Contreras la posibilidad de indagar sobre una época y un determinado tipo de lenguaje teatral. No cae en la tentación de tratar de emular o imitar al genial autor que fue Mihura pero si se plantea la posibilidad de qué situaciones habría vivido Mihura si hubiera tenido que experimentar, en su propia vida, la situación hipotética del personaje protagonista. Así, las peripecias de los personajes van recorriendo un tiempo y unas dificultades que generan un sinfín de disparatadas situaciones a cuál más delirante y divertida, creando, sin querer, un acercamiento bastante curioso al universo teatral de Mihura. La puesta en escena es muy sencilla ya que en este ciclo no es preciso mostrar un montaje acabado; aunque aquí está muy cerca de lo que podría ser un estreno en toda regla. Todo el juego propuesto por el autor y la directora, lo ejecutan con entrega absoluta, un grupo de actores que están en estado de gracia de principio a fin.
Adolfo Simón
«Showtime, Burlesque» en el Teatro Arlequín
La compañía EBD Theater Group nos trae una propuesta desenfadada y arriesgada a las madrugadas del teatro arlequín. Con buenas coreografías y bailarines nos introducimos en el mundo del cabaret y burlesque en un ambiente muy divertido y bien conseguido. Los números, muchos de ellos conocidos, nos traen la sensualidad, el erotismo y el humor con unos maestros de ceremonias simpáticos que van dando paso a los números dirigidos por Ender Bonilla.
Los ligueros, corsés, plumas, abanicos, lentejuelas y tacones tan propios de este tipo de shows nos trasladan por un momento a los grandes templos del cabaret de París, Barcelona, Berlín… y esto es algo que se echa de menos en Madrid, una ciudad que no tiene un sitio fijo para disfrutar de esta clase de eventos.
El elenco está integrado por importantes bailarines profesionales, especialistas en diversos estilos, dirigidos por el gran coreógrafo Ender Bonilla. Además, cuentan con la participación de Idaira Fernández, finalista de OT y de un selecto grupo de actores con destacada trayectoria teatral.
Muy recomendable para pasar una noche de risas, salir luego a tomar unas copas y… quien sabe… la noche es muy larga y siempre será buena si salimos con buenos estímulos…
Puedes verlo en el Teatro Arlequín de Madrid hasta enero.
Luis Mª García.
Eject de Pablo Esbert Lilienfeld en Madrid en Danza
Eject de Pablo Esbert Lilienfeld en Madrid en Danza
La segunda propuesta presentada en Cuarta Pared dentro del Festival Madrid en Danza ha sido Eject de Pablo Esbert Lilienfeld. Seguramente, durante muchos días seguirá el eco de la pieza en la sala, ya que, algo del bucle que propone el coreografo quedó instalado en las paredes del lugar y del cerebro del público que asistió. El espectáculo empezó demasiado frío y mecánico, proponiendo una des estructuración del lenguaje de la escena y de las circunstancias personales de los interpretes…Pero poco a poco, una misma secuencia de movimiento fue intercalándose con información y planos de perspectivas con tiempos diferentes; todo proyectando sobre una pantalla frontal, creando así una multiplicidad de signos y lenguajes que transitó de lo técnico a una extraña emoción. Al salir del teatro pensé que mi piel y mi cerebro habían sido escaneado.
Simón Ribes
Avalanche de Dani Pannullo en Madrid en Danza
Avalanche de Dani Pannullo en Madrid en Danza
Lo más complicado en un creador contemporáneo es encontrar la medida de su obra, a menudo, una idea o imagen se alarga en el tiempo, sobre todo en danza y termina convirtiéndose en una propuesta aburrida. Dani Pannullo sabe exactamente que duración ha de tener cada pieza que conforma el puzle de sus montajes. En su nuevo trabajo, Avalanche, presentado en los Teatros del Canal dentro de la programación de Madrid en Danza…Todo tiene la medida justa, el tiempo de cada coreografía, la intensidad de la luz, la mixtura musical, el mestizaje de lenguajes coreográficos y todo ello ha dado como fruto uno de los espectáculos más bellos vistos en mucho tiempo; Dani ha conseguido con esta propuesta llegar a una fragilidad y belleza inquietantes…Hay una emoción suspendida durante todo el tiempo, un silencio intenso en el patio de butacas ante cada exquisito eslabón de esa cadena que conforma Avalanche. Dani Pannullo ha conseguido una madurez importante en este trabajo y su público lo agradeció aplaudiendo de pie.
Adolfo Simón
Tres piezas de «Por la cara» en Microteatro por dinero
Tres piezas de «Por la cara» en Microteatro por dinero
Teatro en primer plano, eso he visto esta noche en Microteatro por dinero. En teatro es muy complicado ver el primero plano donde un actor se ruboriza y en cine o televisión es poco habitual ver las entrañas del personaje. En tres de las piezas del programa mensual de «Por la cara»…Detrás de la puerta, Jhonny & Kid y Tacones enanos hay teatro, puro teatro, a un palmo del espectador.
Tacones enanos de Araceli Álvarez de Sotomayor es una pieza realista con toques de delirio que nos muestra un pedazo de la realidad que vivimos en la actualidad… Esa huida al precipicio cuando queda poco oxigeno para seguir respirando…Como unas nuevas Telma & Louise, los dos personajes de esta pieza, interpretados deliciosa mente por Eva Isanta y la propia autora, saltan por encima de las reglas del juego para poder ser libres. Eduardo Recabarren dirige la obra con pulso firme para que el texto fluya con todos sus matices.
Johnny & Kid-Capítulo 1: «Matar por la cara» escrita y dirigida por Achero Mañas es un disparate contenido que homenajea al cine de Tarantino. El espacio escénico resuelto con precisión, incluye un video que nos ayuda a prolongar la acción más allá de la sala. No siempre valoramos que unos actores trabajen el mínimo movimiento como una elección estética y cómica…siempre que se poda la escena, aparece la sabia del árbol. Aquí hay tres actores con locura amordazada…Vito Sanz, Camilo Rodríguez y Alfonso Blanco que nos inquietan y divierten de principio a fin.
Detrás de la puerta de Ariel Capone dirigida por Javier de la Torre reconstruye, en la sala 1, un doble espacio en el sótano de una vivienda…Creo que es la propuesta espacial más elaborada y sugerente que he visto en Microteatro; ayuda mucho a crear la atmósfera de opresión y desazón en la que están atrapados los personajes. La función que vi, casi una experiencia voyeur pues eramos pocos espectadores, nos sumergió en un encierro terrorífico donde no conseguíamos descubrir si el cazador caza o es cazado…Aunque los actores trabajan separados por un muro, ambos dialogan y se relacionan como si estuviesen en un combate piel a piel. Olivia Baglivi está atrapada en un dolor destructivo interpretativamente hablando, Ángel Savín crea un personaje de gran complejidad, seduciendo con su mirada turbia a los que le miramos a través del ojo de la cerradura.
Adolfo Simón
Los hijos se han dormido de Daniel Veronese en las Naves del Español-Matadero
Los hijos se han dormido de Daniel Veronese en las Naves del Español-Matadero
Esta versión escénica de Daniel Veronese de La Gaviota de Antón Chéjov podría no haber cambiado de nombre ya que es una de sus propuestas más fiel al texto original. La puesta en escena tiene el sello del director argentino, usando espacios recuperados de otras producciones o la reconstrucción de los lugares originales donde se estrenó con anterioridad. El espacio y el vestuario «casual» no es lo más destacable de esta producción , lo más sugerente es ver un reparto de primeros actores dispuestos a pasar por el filtro de Veronese… Quedándose expuestos al máximo, interpretativamente hablando. Un actor o actriz que quiera crecer en la escena ha de enfrentarse a todo tipo de planteamientos escénicos a la hora de construir personajes desde diferentes planteamientos. Los actores españoles que participan de las propuestas de Veronese no siempre consiguen evaporar la frontera entre la realidad y la ficción; hay algo del carácter latino inevitable en la presencia escénica de nuestros actores, algo que da una intensidad mayor a las emociones y gestos interpretativos.
Adolfo Simón
Inner de Sharon Fridman y Silvia Gribaudi en Madrid en Danza-Cuarta Pared
Inner de Sharon Fridman y Silvia Gribaudi en Madrid en Danza-Cuarta Pared
La propuesta de Peeping Tom y la de la Compañía de Sharon Fridman han elevado el nivel de creación en el principio de la recta final del Festival de este año. Aquí, en Inner, nos encontramos ante un paisaje desolado donde el tejado del desván en el que nos refugiamos durante la infancia, está derrumbándose literalmente. Hay una gran instalación creada por oficina 4play arquitectura que nos introduce en el esqueleto araña de esa casa de los sueños que empieza a tambalear cuando dejamos de andar a cuatro patas y jugar en el agua. El espacio está vivo, se transforma durante la función a través del cuerpo y la energía de los interpretes…Esta propuesta podría ocupar la sala de una museo de arte contemporáneo, tiene entidad y discurso para ello y más. Pero no termina aquí la obra, no estamos solo ante un obra plástica, asistimos al juego de dolor y placer de dos niños grandes que no tienen limite en su ritual íntimo. Todo estará permitido con tal de no crecer, de seguir mirando de reojo a la vida, de empujar y acariciarse para comunicarse. ¿Bailan?…¿Y qué más da?…Durante una hora llenan el escenario de poesía y sufrimiento con la necesidad de liberarse de todos los cepos que llevan en la garganta…y nosotros asistimos boquiabiertos a ese viaje.
Adolfo Simón
For Rent de Peeping Tom en Madrid en Danza
For Rent de Peeping Tom en Madrid en Danza-Teatros del Canal
En el ecuador de la edición de este año de Madrid en Danza, ha habido un par de espectáculos excepcionales. For Rent era esperado en nuestra ciudad porque estábamos deseosos de volver a ver otra propuesta de esta estupenda Compañía. Peeping Tom es probablemente un referente internacional de la danza contemporánea tal como se entiende en estos momentos…Un espacio de búsqueda y un cruce de caminos de lenguajes. Por suerte, ya no hay aquellos prejuicios a la hora de calificar como danza un espectáculo donde no se bailase todo el tiempo. Peeping Tom indaga sobre los espacios, sobre los personajes, sobre el discurso y espíritu crítico, tan necesario hoy. En For Rent, asistimos a la disección de una imagen fija que descubriremos al final, cuando el revelado total llegue a su fin. Durante el montaje, asistimos al ritual repetido y caduco de una serie de personajes que viven en otro tiempo, en otra dimensión de las relaciones y así…podemos ir descubriendo como tras las cortinas hay escondidos otros seres y puertas que no llevan a ninguna parte. Hay algo del mito de Sísifo, todo va en una dirección para volver al punto de partida… el absurdo del hombre de hoy, que necesita crear al precio que sea, se instala en los cuerpos de esta formación que hace mucho más que bailar; llena de signos y discurso la escena.
Adolfo Simón
Gaudeamus de La Chana Teatro en la Sala Triángulo
Gaudeamus de La Chana Teatro en la Sala Triángulo
Madrid, como cualquier gran ciudad, tiene siempre mil cosas para disfrutar durante el tiempo libre, desgraciadamente, muchas de ellas pasan fugazmente por la cartelera de teatro, a penas una función o un fin de semana…si no estás atento y tratas de verlo todo, te puedes perder verdaderas joyas. Este fin de semana pasado, en la recta final de las Semanas Internacionales de Teatro para la Juventud que organiza Acción Educativa, asistí a una de las propuestas más ingeniosas, inteligentes y sencillas de teatro para niños hasta cien años. Siempre hay un problema con las propuestas para jóvenes, o no están realizadas con respecto y profesionalidad…o no captan la atención de esa franja de edad que ya empieza a elegir en que ocupar su tiempo para el ocio. Gaudeamus de La Chana Teatro es una creación de Jaime Santos, hombre orquesta que se ha enfrentado al reto de adaptar El licenciado Vidriera de Miguel de Cervantes para que interese, entretenga, eduque y haga disfrutar al respetable. La puesta en escena es muy sencilla, apenas un mostrador donde, a cara descubierta, el actor-manipulador transforma objetos ante la mirada atónita del espectador…Todos reconocemos cada elemento que entra en juego pero a través de la sensibilidad e inteligencia de este hombre de teatro, se convierten en un poema clásico lleno de magia y humor.
Adolfo Simón
Bob de Anne Bogart en el Festival Una mirada al mundo-CDN
Bob de Anne Bogart en el Festival Una mirada al mundo-CDN
Con esta propuesta se ha cerrado el mini Festival de Una mirada al mundo dentro de la programación del Centro Dramático Nacional. Viendo esta curiosa propuesta sobre el imaginario y personalidad del creador Bob Wilson, se entiende mejor su estética y sus espectáculos. Más que un montaje sobre él es como un diario escénico que nos permite ver cómo ha ido gestando su particular y personal obra teatral. Acompañamos al actor que encarna a Bob Wilson por las reflexiones y recuerdos sobre su vida y obra. Y así, se van cruzando ambas, dando como resultado una pieza más en ese álbum pictórico y arquitectónico del creador americano; un capítulo semejante al que nos tiene acostumbrados este mago de la luz como ha sido calificado. Una curiosa experiencia escénica a la que hemos tenido acceso, gracias a este Festival que año a año va consiguiendo consolidarse y ofrecernos, así, una programación sugerente en el otoño de la cartelera madrileña.
Simón Ribes
Burning, burning de Otso Kautto y Marko en el Círculo de Bellas Artes
Burning, burning de Otso Kautto y Marko en el Círculo de Bellas Artes
A favor: Espacio sugerente, el interior de una yurta; construcción semiesférica levantada sobre una estructura de madera, cubierta con capas de fieltro y de lana. Allí dentro, los actores juegan con materiales que transforman ante los ojos del público.
En contra: Unos textos abstractos, tocados a veces, musicalmente, de manera ingenua…Que no comunican y que convierten, el discurso poético de la escena, en monótono y redundante.
Blush de Gallim Dance en Madrid en Danza
Blush de Gallim Dance en Madrid en Danza-Sala Verde de los Teatros del Canal
En el ecuador de la edición de este año, que de momento tiene un buen nivel, se ha mostrado en nuestra ciudad el nuevo trabajo de Andrea Miller. Hay ecos orientales en la primera parte, que evolucionan de una estética y movimientos cercanos al butho a frases coreográficas de inspiración más convencional…Este tránsito se recorre rápidamente para entrar en una vorágine dancística en la que, con una música más convencional de fondo, los bailes frenéticos de gran intensidad no evolucionan, a partir de este momento se pierde la atmósfera peculiar que se había creado al principio y aunque la obra dura tan solo una hora, esta segunda parte se alarga en exceso, creando una propuesta redundante y plana.
Adolfo Simón
Il prigioniero y Suor Angelica en el Teatro Real de Madrid
Il prigioniero y Suor Angelica en el Teatro Real de Madrid
La última producción operística presentada en el Teatro Real es un programa doble compuesto de dos operas cortas: Il prigioniero de Luigi Dallapiccola y Suor Angelica de Giacomo Puccini. El hallazgo de esta producción es el espacio escénico creado por Paco Azorín; seguramente propuesto por Lluís Pascual que ha dirigido la puesta en escena. En medio del escenario del Teatro Real, surge de la bruma y la oscuridad un tótem piramidal de rejas, para mostrarnos la cárcel del cuerpo en la primera pieza y del espíritu en la segunda. Este monstruo de metal gira sobre su eje para exhibir el interior de ese lugar, en el que se tortura a los prisioneros para arrebatar les la identidad en Il prigioniero y para hacer visible, el debate de una mujer por enfrentarse al mundo o seguir escondida en la cárcel elegida en Suor Angelica. Aunque en la primera prima la oscuridad tenebrista a diferencia de la luz aparentemente espiritual de la segunda, en ambas, el ser humano está atrapado en la trampa de las convenciones y traiciones del mundo. Lluís Pascual ha conseguido enlazar ambas piezas como si una fuese el desencadenante de la otra…Los cantantes lo entienden perfectamente y se ponen a disposición de este discurso al que acompaña magníficamente la batuta de Ingo Metzmacher.
Adolfo Simón
La casa flotante de La Maquiné en el Teatro Real
La casa flotante de La Maquiné en el Teatro Real
Dentro del programa pedagógico del Teatro Real se están presentando propuestas muy interesantes dirigidas al público familiar. En este caso, durante un fin de semana, pudimos disfrutar de un espectáculo de títeres, sombras y actores acompañados de piezas musicales de Xavier Montsalvatge y Claude Debussy. La casa flotante es un versión libre del Arca de Noé, aquí, Noe es una niña que está tratando de conseguir que un lugar desértico se convierta en un espacio de vida. Al invocar a la lluvia y llegar esta torrencial mente tiene que buscar una fórmula para salvar las especies, para ello construye una casa barco donde proteger a una pareja de animales de cada clase. Algunos se hacen de rogar y estas travesuras se resuelven con bailes y juegos, finalmente las especies se salvan y la vida continúa. La casa flotante es una propuesta muy sugerente porque mezcla diferentes lenguajes plásticos al tiempo que se acompañan las imágenes con una hermosa música. Habrá que estar atentos a las siguientes propuestas del programa pedagógico del Teatro Real.
Adolfo Simón
La Compañía Nacional de Danza presenta ESPAÑA CREA en Madrid en Danza
Dentro de la filosofía de la CND está el fomentar la creación y representación española y bajo este título se han unido tres estrenos de creadores españoles para presentarlo en el festival Madrid en Danza. Fuera de su lugar habitual en Madrid, se nos presenta en MATADERO a los bailarines de la CDN coreografiados por artistas españoles con una amplia trayectoria y profesionalidad.
A pesar de que cada coreografía es de personas diferentes existe un hilo de unión de estas tres coreografías son las relaciones personales, la intimidad, los sentimientos,el ser humano y sus relaciones con los demás.
«Unsound», de Juanjo Arqués y Heidi Vierthaler, parte del estudio de las acciones/emociones cotidianas como su principal motivación. En ella los bailarines dan rienda suelta a sus emociones, a su intimidad para enfrentarse a polos opuestos buscando conceptos dentro de sí como libertad-ataduras, deseo-repulsión… La expresividad de la coreografía nos lleva a tener sentimientos encontrados, incluso nos transmite cierto agobio y tensión, lo cual no es fácil de conseguir.
«Babylon» ,de Arantxa Sagardoy y Alfredo Bravo, está a la altura de las grandes coreografías contemporáneas. A través del movimiento nos demuestran cómo podemos ser arrastrados por fuerzas intrínsecas a la naturaleza humana. En ella se trabajan los sentimientos a través de la energía corporal mostrándonos a través del cuerpo de baile una gran heterogeneidad de los mismos. Hay que destacar el trabajo en los solos de los bailarines, que transmiten esa energía y poética.
«Demodé», de Iván Pérez, nos lleva a preguntarnos eso de si está de moda no mostrar lo emocional. Toda una duda existencial.A través de un «escaparate» nos vemos reflejados y sumergidos en un baile de ideologías, estilos y tendencias que no sabemos si son pasajeros o se quedarán en nosotros pero que conforman, al fin y al cabo, la creación de una obra artística.
Tres buenas coreografías que demuestran que los creadores españoles están en buena forma y que, aunque no hay que cerrarse a nada, no hace falta salir a buscar fuera de España grandes coreógrafos y compañías para disfrutar de propuestas de calidad.
Luis M. García.
Todas a la una de Ester Bellver en la Sala Triángulo
Todas a la una de Ester Bellver en la Sala Triángulo
Esta nueva propuesta de la actriz Ester Bellver transita sobre dos elementos poéticos, los textos de Agustín García Calvo y la iluminación de Juan Gómez Cornejo. Ambas materias de las que se componen los sueños, van creando un puzle visual y sonoro sobre el que se columpia Ester Bellver. Por momentos caemos sobre las zarzas de un camino y en otros nos asomamos por encima del vuelo que nos provoca el columpio del jardín. Es muy complicado transitar por diferentes textos y conseguir que todo ello, al final del viaje, sea una sola imagen que de como fruto una nueva identidad dramática. A golpe de luz y penumbra, la actriz muta en los diferentes personajes a la sombra de un viejo telón de teatro y de una luna de atrezo. Una nueva aventura de riesgo de esta mujer de teatro que nos sorprendió a todos con aquel diario íntimo cuyo título era ProtAgonizo.
Adolfo Simón
Que Revienten los Artistas 
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