Katia Kabanova en el Festival de Otoño a Primavera
El célebre director francés de ópera y teatro André Engel se suma por primera vez en su carrera a la programación del Festival de Otoño a Primavera. Y lo hace con una singular apuesta, dándole una vuelta de tuerca a la popular ópera de compositor checo Leoŝ Janáĉek…Katia Kabanova, bajo la dirección musical de Irène Kudela. Para poner en pie la pieza, Engel y Kudela han contado con un acompañante de lujo como productor, el Théâtre des Bouffes du Nord.
El origen de Katia Kabanova puede buscarse en un taller que el director galo impartió con jóvenes cantantes de ópera en la singular Abadía de Royaumont. La motivación, la entrega y la valía de aquellos artistas incipientes (que gracias a Katia Kabanova han asumido por primera vez un papel protagonista ante una audiencia) le inspiraron para crear esta ópera de cámara rebosante de espontaneidad y frescura que ahora llega a Madrid. La dirección musical de la pieza corre a cargo de Irène Kudela, que ha adaptado la banda sonora con un piano como único acompañamiento. La trama saca a escena a una mujer desesperada, Katia Kabanova, ávida de libertad pero, al mismo tiempo, incapaz de romper las convenciones sociales que le impiden escapar. Obligada a contraer un matrimonio de arreglo con un hombre pusilánime, el suicido se presenta como la única solución para atajar la amargura de la guapa joven, que termina por sucumbir ante los encantos de un aguerrido pretendiente. Sin embargo, prefiere morir antes que sufrir la vergüenza de tener que huir de su hogar como una adúltera. Lo más sobresaliente de este montaje es la sencillez en todo, lo musical, lo escénico, lo interpretativo…A menudo se dice de la ópera es un arte total pero excesivo y sobreactuado, aquí, la sensación es que la vida transcurre en el escenario solo que en vez de hablar, los personajes cantan. Otra manera de abordar lo lírico, muy interesante.
Adolfo Simón
Vagos y maleantes de Sudhum Teatro en Cuarta Pared
No es fácil cumplir diez años en la escena, intentando mantener coherencia en la trayectoria. Gustavo del Río al frente de Sudhum Teatro ha tratado de encontrar un hueco en el espectro de la cartelera teatral para proponer un discurso que concilie el teatro social y documental con el favor del público, ardua tarea en un tiempo que solo da lugar al entretenimiento puro y duro. En esta ocasión, con Vagos y maleantes cuya dramaturgia firma Luis Andrés, han pretendido recorrer casi un siglo de leyes injustas y absurdas que han privado de libertades al individuo. La propuesta tiene dos planos en el escenario, uno realista donde transcurren los acontecimientos de cada situación planteada y otra atmosférica donde se expone el terror emocional y psicológico que experimentan los personajes. Un equipo joven de actores se multiplica en los diferentes roles para mostrar una realidad tiránica que ocurrió en tiempos de dictadura y que se prolonga a nuestra época democrática. Cuando en la cartelera hay tan poco teatro combativo, se agradece que este proyecto tenga posibilidad de estrenarse, parece que no todo está perdido.
Adolfo Simón
Estampas del teatro en los cuarenta de Blanca Baltés en el CDN
Esta pieza sencilla de teatro-homenaje a una época no tan lejana, representada en el mismo lugar donde estuvo la cafetería del María Guerrero en la que los cómicos se encontraban tras las representaciones de ese tiempo y no muy lejos del Café Gijón donde también se tejían muchos proyectos…Es una mirada necesaria a un tiempo no tan alejado del presente y que no parece tan diferente a lo que estamos viviendo hoy en la escena nacional. Es verdad que, entonces, los artistas tenían que luchar contra viento y marea para conseguir dignificar su trabajo pero hoy, más de medio siglo después, solo ha cambiado una cosa, que el enemigo no está claro y además, tiene licencia democrática, pero en lo concreto, en el día a día, en el juego por hacer un pulso para que el teatro se amordace y no muestre los dientes que siempre le ha permitido ser el verdadero púlpito vivo de la sociedad, en eso, vivimos tiempos parecidos. Está bien mirar la historia, conocer otros momentos de este país a nivel cultural, para no despistarnos, para estar alertas, porque no todo lo que reluce es oro. Y de paso, oír nombres de nuestra historia teatral que, curiosamente, solo los más mayores o los que amamos profundamente este arte, recordamos. Miremos las estampas de los cuarenta y descubramos en detalles de la sencilla puesta en escena que el pasado puede ser hoy.
Adolfo Simón
«De garrulos y gays» en AZarte
¿Qué hacen dos maricones de pueblo cuando reciben la herencia de su difunto y agarrado padre? Pues irse a Chueca para convertirse en gays urbanitas y finas… Hasta aquí, todo predecible. Pero… ¿se puede ser maricón de pueblo y no acabar loco? Los prejuicios, los armarios, las incomprensiones, los rechazos, el amor, la coca, los hombres y otras sustancias apetecibles marcarán una historia tan real como la vida misma o tan irreal como una buena ciencia ficción. Una tragicomedia almodovariana y surrealista dirigida y escrita por Diego París, que a través de pequeños estereotipos va a ir creando una dramaturgia más profunda y sorprendente. Una escenografía sencilla pero creativa y plumas, bolas de espejo y dos criaturas en busca del amor de padre que nunca tuvieron crean el escenario perfecto para reflexionar sobre la vida.
Luis Mª García Grande.
La Compañía Nacional de Danza con «Casi-casa» de Mats Ek en el Teatro Real
Neoclásica, Clásica y Contemporánea. Estas son las variaciones que nos está presentando durante estos días la CND en el Teatro Real. Un programa muy variado con obras de Balanchine, Forsythe, Mats Ek y José Carlos Martínez y que nos hace mirar el mundo de la danza desde varios ángulos y facetas.
Comenzando con Allegro Brillante de Balanchine, nos sumergimos en la frescura de la danza abstracta, el nuevo clásico representa el «romanticismo ruso expansivo» en palabras de Maria Tallchief. Un ritmo musical vigoroso como el de Chaikovski nos impulsa a meternos en coreografía de una técnica complicada y una velocidad que ya quisieran algunos Ferraris, pero todo está bien resuelto porque los pasos están hilvanados, cosidos y reforzados para que nada rompa el ritmo enérgico de la música. Balanchine sabía lo que hacía y él mismo lo dijo: «contiene todo lo que sé acerca del ballet clásico en trece minutos». 
Delibes Suite nos devuelve a los grandes ballets clásicos con un paso a dos. La pieza está coreografiada por José Carlos Martínez y en ella se pretende recoger pasos complejos dotándolos de ligereza y aportando así un pequeño grano de arena al mundo de la danza.
La impactante música de Thom Willems nos anuncia que ha llegado el cambio de registro y nos sumergimos en los electrónicos años ochenta con In the Middle, Somewhat Elevated de Forsythe. Con ella llega uno de los platos principales de la noche sumergiéndonos en el mundo de la creación coreográfica a través de bailarines que desarrollan el tema inicial y lo amplifican hasta que el conjunto se convierte en variaciones y pas de deux de creciente complejidad. Una coreografía impactante y bien llevada por la compañía que demuestra más soltura aún en lo contemporáneo que en lo clásico, y en la que un acertado vestuario verde metálico acompaña y acentúa las notas musicales. Sólo una pega: «el título hace referencia a dos cerezas que penden del centro del escenario y que sirven de reflexión sobre el vasto interior de la Ópera de París, para el que fue creado el ballet»… nos dice el programa…y la verdad es que hay que leer el programa para darse cuenta de qué es lo que cuelga sobre el escenario.
Mats Ek y José Carlos Martínez
Pero el plato fuerte esta vez es Casi-Casa de Mats Ek que se estrena por primera vez en Europa y que nos habla de la cotidianeidad, de lo importante que es vivir las pequeñas cosas de la vida como leer el periódico, observar a los hijos, los animales, el tráfico, la gente…cosas que no están hechas para ser miradas. El coreógrafo busca resaltar en una puesta en escena minimalista, compuesta por un sillón, una puerta y una cocina, nuestro pequeño mundo, el arte que se encuentra en nuestro día a día. La poética con la que aborda el hecho cotidiano nos crea un sentimiento de optimismo al lograr resaltar nuestro pequeño mundo. La expresividad en los movimientos que crea Ek y la conjunción con el grupo nos hace pensar que la vida es como un regalo y hay que cuidarla. Toda una declaración de principios.
La CND está haciendo un gran esfuerzo de la mano de José Carlos Martínez para ampliar su repertorio y consolidar sus vertientes clásica y contemporánea de manera que se llegue a ser referencia entre los ballets internacionales y se nota el ímpetu con el que poco a poco va saliendo ese trabajo por el que ha apostado y que va dando sus frutos
. Un gran esfuerzo que no está siendo recompensado por la administración pública que asfixia con unos salarios que no llegan al mileurismo a los que son el cuerpo y alma de la compañía y que impide que haya giras internacionales y que el bailarín se dedique a bailar al cien por cien. Menos mal que nos queda Ek para recordarnos que con la danza podemos disfrutar todos los días pese a la escasez económica.
Luis Mª García Grande.
Fotografía J. Vallinas
Constelaciones de Nick Payne en Kubik Fabrik
De vez en cuando la vida…nos besa en la boca…nos invita a tomar café y es tan bonita que da gusto verla… Estas estrofas son de una canción de Serrat y si, de vez en cuando el escenario nos reconcilia con la vida, con la belleza…A los que somos adictos al patio de butacas, nos supone un balón de oxigeno experiencias como la de Constelaciones y digo experiencias y no obra de teatro porque creo que es más lo primero, aunque tiene mucho de lo segundo. Hay espectáculos que te mantienen entretenido, otros te interesan en una parte u otra de la propuesta y los hay que se van contigo, que se cuelan en tu imaginario y montan las tienda de campaña en un rincón de tu corazón para siempre. Constelaciones es un texto endiablado y emocionante, para un actor es un viaje laberíntico en el que hay que estar volviendo sobre los pasos que se dan y dar saltos hacia adelante constantemente, buscando esa salida que tal vez no existe. Aunque no tiene una estructura convencional, si la propuesta de dirección y actores es inteligente y sensible, se entreabren puertas para que el espectador se cuele y haga del trayecto escénico una experiencia personal profunda. Cuando termina la obra, la sensación es de bajar de la montaña rusa, allí arriba, hemos reído, llorado y sentido mil emociones. El texto habla de la vida de manera muy sencilla, desde lo que se construye o destruye cuando nuestra cabecita empieza a perder fuelle. Un texto interesante siempre sobrevivirá a cualquier propuesta pero hay obras que si no son bien leídas en escena quedan malditas en el cajón del autor. Esta pieza es contemporánea y actual y está dirigida con bisturí fino y aplomado por Fernando Soto en un espacio sencillo y evocador…y sobre todo, está interpretada por Inma Cuevas y Fran Calvo como si fuese un trozo de su vida, como si se hubieran levantado una mañana y de su cuerpo hubiera fluido ese micro mundo mágico, en el que se encuentran para cruzar identidades muy diferentes, que pueden cohabitar en una constelación propia. Estén atentos a la cartelera y acudan cuando se ilumine esta deliciosa galaxia, me lo agradecerán.
Adolfo Simón
Adela de Rosel Murillo en el Centro de Arte Fernán Gómez
Cuando hemos crecido en una cárcel familiar, inevitablemente, se instala en nuestro interior una paloma y una bernarda. Las circunstancias de nuestra vida harán que la paloma alce el vuelo o bernarda rompa la fusta en nuestra espalda. Siempre es tentador pensar qué hubiera sido de alguno de los personajes emblemáticos del teatro, más allá de cuando el telón cae, en ese futuro posible que el autor no escribió. Rosel Murillo crea una hipótesis sobre lo que podría haber sido la vida de Adela con Pepe el Romano si ella no hubiera muerto en La casa de Bernarda Alba. Y como toda irrealidad, la propone en un espacio de tintes mágicos, en un salón instalado en aquella cuadra donde se amaron los personajes; ahí, los actores viven su nueva vida, dirigida por la autora y por Antonio Domínguez. Pero el tiempo…Ay! el tiempo…Lo cambia todo y lo que fueron sueños se pueden convertir en pesadillas. ¿Qué habría sido de Nora al dar el portazo final en Casa de Muñecas?…¿A dónde va Pepe cuando cruza el umbral de la puerta?…
Adolfo Simón
Dentro y fuera en Azarte, dentro de Surge Madrid
No es fácil saber qué pasa en los camerinos de un teatro durante la representación, es un espacio privado que pertenece a los actores y a la construcción de los personajes. Allí nacen las creaciones para instalarse en el imaginario de los intérpretes antes de salir a escena. Pero también están allí las personas que son esos actores y sus relaciones emocionales. Y están sus miedos, sus traiciones, sus fantasmas…Como en la vida, uno va cargado de sí mismo y de lo que los otros meten en nuestras mochilas. Normalmente se conoce de Azarte la recoleta sala de la parte de arriba, pero para esta ocasión han abierto al público la parte de abajo, convirtiéndola en un camerino donde el espectador puede asistir a esos momentos íntimos en los que se preparan, se apoyan, discuten o se empujan al abismo. Hay dos trayectos posibles para el drama, los que asistimos nos dividimos en dos grupos, arriba y abajo o lo que será lo mismo…Dentro o fuera…y así experimentamos lo que pasa en escena que se completa cuando asistimos a lo que ocurre en el camerino…o al revés, dependiendo de en qué grupo hagas el viaje a la ficción y a la realidad de estos seres a los que, a veces, el personaje les come o la realidad es superior a lo que pasa en escena. Un juguete escénico interpretado por Pepe Ocio, Alicia Rubio, Alberto Jiménez y Paola Matienzo…la dramaturgia y dirección la ha realizado Víctor García León.
Adolfo Simón
«La violación de Lucrecia» en Teatro de La Abadía
«La violación de Lucrecia» se ha prorrogado hasta el día 15 de junio en el Teatro de la Abadía.
Imprescindible. Tendríamos que utilizar millones de palabras para describir el trabajo que Nuria Espert y Miguel del Arco han realizado con este texto de Shakespeare, tendríamos que escribir tesis doctorales sobre este montaje que hace que una obra menor, de esas que no se tienen en cuenta cuando se quiere montar un Shakespeare de verdad, se convierta en la obra más importante que se puede ver ahora sobre las tablas españolas.
Espert destripa cada personaje de la obra y lo hace suyo como si estuviera poseída, pasando de uno a otro con una velocidad increíble y con una maestría que solo ella es capaz de conseguir. Podemos ver a Lucrecia y de repente se convierte en Tarquinio, Colatino, la doncella, Lucio Bruto…da igual, ella los asume de manera tan natural que es imposible no verlos. Su expresión facial, su dicción y su manera de moverse cambia como lo haría un plano de una cámara a otra si la obra estuviera interpretada por varios actores. No le hacen falta ni siquiera esas túnicas, tan acertadamente ideadas por Miguel del Arco, para transformarse. Toda una lección de teatro y de interpretación que ella imparte con total naturaridad, como si estuviera ensayando en su casa.
Miguel del Arco ha sabido rodearse de profesionales que han creado una escenografía, iluminación y ambiente sonoro dignos de tal actriz. No hace falta mucho atrezzo ni mucha innovación tecnológica para crear el ambiente preciso, pero sí mucha maestría para acompañar a La Espert y empujarla a meterse en este discurso de hora y media. Los dos han sabido sacar lo mejor del otro para concebir una obra maestra. Una cama con dosel, una silla y una mesita, varias telas y dos túnicas bastan para recrear una Roma en crisis y una mujer que cambió la Historia: la caída de los reyes y la instauración de La República.
Solo hay una cosa que me desconcierta: un cartel que anuncia la obra bastante anodino… pero eso no importa porque ahora la Historia del teatro está reescrita a través de un director y una actriz.
Adolfo Simón
Las chicas son guerreras en la escena madrileña
No me cansaré nunca de repetir que las mujeres son más participativas, constantes e intrépidas que los hombres en todos los campos de la escena. Este fin de semana se han visto muestras de ello en diferentes espectáculos.
Femenino singular
En Cuarta Pared, dentro de Surge Madrid, hemos podido disfrutar de una propuesta creada a partir de las experiencias vitales de Marta Belenguer, Rosa Manteiga, Carolina Solas y María Vázquez…En este viaje han estado acompañadas por Jorge Muñoz y Emilio del Valle. La materia con la que han construido Femenino singular tiene que ver con ese problema que aparece cuando has de enfrentarte a ser persona, madre y actriz. La sociedad no suele permitir que puedas encontrar un espacio propio y tener las oportunidades que te mereces si no eres un cuerpo 10 y tienes una barita mágica con la que resolver los problemas cotidianos. La estructura de la obra es sencilla y efectiva, proponen sus reclamaciones desde el juego y la comicidad, haciendo las unas de espejo de las otras. Un trabajo que seguro va a encontrar un buen hueco en algún teatro la próxima temporada. Solo una duda…El monólogo final del hombre…¿No es de otra obra?.
Si el mono no canta hay que matarlo
En Nave 73, también dentro de Surge Madrid se está presentando este trabajo del Colectivo Kong. Este grupo ha trabajado a partir de Teoría King Kong de Virginie Despentes. Su loable propósito ha sido que vea la luz toda aquella conducta y forma de entender la vida que no tiene visibilidad habitualmente. Hay un ser tiránico sin identidad concreta que está sobrevolando todo el tiempo la escena, mediatizando la libertad del ser. Y esa sombra terrible provoca que se busque constantemente la posibilidad de ser un héroe que resuelva las cosas con el chasquido de unos dedos. Pero, ante el terror, hay la posibilidad de la lucha en equipo y además, que el señalado, en este caso: La gorda, gane el pulso a las conductas dominantes descalificadoras. Una sugerencia, la propuesta es muy interesante pero chocan un par de escenas realistas que rompen el riesgo del discurso.
Doblete en El Escondite: Bye Bye Mary Poppins y A tu imagen y semejanza
Otra razón más para ir al Rastro el domingo y de paso, ver teatro: El escondite. Este espacio tiene programación durante la semana pero también la tiene los domingos por la mañana. Allí he podido disfrutar de dos piezas que, si fuesen cine, entrarían en el campo del mediometraje. Dos historias de mujeres que tratan de luchar contra los tópicos que la sociedad les impone. A Mary Poppins se le pide que sea buena y abnegada con los demás, haciendo de amiga, madre, compañera, psicóloga, etc…Vamos, lo que se pide siempre a ese amig@ que parece está siempre de guardia para atender nuestras necesidades…¿Y cuándo se piensa en uno mismo?. Aquí Mary decide cambiar y ser María. Y en la otra pieza, una mujer joven trata, como si de teatro dentro de la vida se tratase, de buscar su personalidad a través de cambiar su aspecto externo, pero tendrá que aprender a quererse a sí misma y dejar de esperar la aprobación de los demás.
Adolfo Simón
«Dunas» de María Pagés y Sidi Larbi Cherkaoui en Los Teatros del Canal
“Ni el aire ni la tierra son iguales después de que María Pagés haya bailado”. José Saramago.
María Pagés y Sidi Larbi Cherkaoui se han encontrado en las «Dunas» del desierto para crear un espectáculo bello, positivo y energético que nos demuestra que el flamenco puede evolucionar constantemente y fundirse con otras disciplinas y danzas. Pagés aporta su visión del flamenco como baile contemporáneo y Cherkaoui colabora en esto y además le sumerge dentro de sus raíces tangerinas pero a través de la danza contemporánea. Esto no es «fusión», una palabra en la que Pagés no cree, esto es creación a través del flamenco. 
La técnica del bailarín y la bailaora ya está más que demostrada y consolidada y es obvio hablar de ella, lo que aquí nos importa es su utilización para crear nuevos conceptos en danza y la pasión y energía con la que se enfrentan a esa creación. La escenografía aporta sus granos de arena, metafórica y literalmente, al crear mediante enormes telas elásticas unas dunas ficticias en las que se sumergen, vagan y, sobre todo, danzan los dos protagonistas. Los efectos visuales que se crean a través de la luz y de las telas aportan la poética necesaria al espectáculo que se completa con los dibujos que Cherkaoui pinta sobre la arena y que son proyectados sobre el escenario, creando una complicidad entre la creación artística de Sidi y el movimiento de María.
Totalmente recomendado en http://www.teatroscanal.com
Luis Mª García Grande
3023 de David Moreno en Espacio Labruc
Dentro de mil años seguiremos siendo iguales, no habrá cambiado el rumbo e intereses del hombre. Desgraciadamente, ya dice el dicho que el hombre es el único animal que tropieza dos veces con la misma piedra. En 3023 se nos muestra esa sociedad futura como reflejo de la de hoy, con apenas cambios estéticos; no hace falta que para entonces nos desplacemos en la ciudad con naves aéreas, en el fondo, seguiremos siendo igual de pequeños y mediocres antes las cuestiones elementales como el amor, la amistad y la ambición. En la obra, salvo el apunte de un organismo que les tiene controlados…¿y ahora no?, el resto es una copia de 2014.
Adolfo Simón
Solo en tierra ajena en La Pensión de las pulgas
Malos tiempos para la lírica. Cuando afuera todo es ruido y prisas, aunque sea por una vez, hay que detenerse y escuchar, dejarse acariciar por la palabra, la poesía. Ana Otero y Juan Carlos Talavera se han instalado con un pliego de poemas y una caja de violetas en La pensión de las pulgas, para compartir con los visitantes un ramillete de versos con los que recorrer el tiempo y la vida. Una experiencia singular porque no han memorizado los textos, para no caer en la mecanización…y darles así, cada día, un toque de espontaneidad. En pleno Barrio de las letras, un paréntesis para respirar belleza.
Adolfo Simón
Artículo 47 de Lola Blasco en el Teatro del Barrio
Artículo 47 es un proyecto de investigación teatral. La dramaturgia incluye testimonios reales, textos de creación colectiva y textos teatrales universales. A iniciativa de la directora, se reunió un grupo de actores y una cantante y compositora, para investigar e improvisar sobre el tema de los desahucios. La indagación empezó en diciembre del 2012. En junio de 2013 la dramaturga aunó el trabajo generado con las improvisaciones grabadas a lo largo de estos meses, las entrevistas realizadas a personas desahuciadas o en proceso de desahucio y tomando como inspiración El Jardín de los Cerezos de Chejov. De todo ello ha resultado un espectáculo muy interesante, una mezcla de musical contemporáneo con fondo de denuncia social. Los actores son un coro humano que se transforma y muta ante los ojos del espectador para crear espacios dramáticos en los que transcurren las diferentes situaciones que van componiendo este puzle actual de los temas que están poniendo contra las cuerdas al ciudadanos de este principio de milenio. La acción del presente se da la mano con secuencias de la obra chejoviana, consiguiendo que el drama adquiera tintes atemporales. Todo el equipo está compactado y funciona como el mecanismo de un reloj en sus distintas atmósferas, seguro que con el rodaje de las funciones se conseguirá una propuesta muy sugerente para sus futuras representaciones.
Adolfo Simón
Lo que no te digo dirigido por Cristina Rota en Surge Madrid
Cuando pase la tormenta de este torrente de propuestas que está resultado la Muestra Surge Madrid, quedará en la memoria de los que hemos seguido su programación, aquellas propuestas más sencillas y honestas, creadas con el afán de investigar sobre un material dramático que tal vez de otro modo no habría visto la luz en la cartelera. De este tipo es Lo que no te digo, escrito e interpretado por Nur Levi bajo la dirección de Cristina Rota. Un círculo en la escena donde se acumula material que está usando el personaje para realizar su tesis sobre la perversión del lenguaje, sirve para crear un mundo de obsesiones, miedos, dudas e impotencia sobre las palabras y su función para la comunicación. ¿Aprendemos antes a hablar o a mentir?. Un espectáculo sencillo y emocionante que nos permite seguir pensando, para dejar de ser piedras.
Adolfo Simón
Aventura! de Alfredo Sanzol en Los teatros del Canal
En Aventura! se vuelcan los fantasmas y la angustia que le produce a Sanzol la realidad que estamos viviendo. Nos introducimos en el mundo empresarial creando un reflejo de nuestra sociedad tal y como si estuviéramos en un laboratorio de ensayos y reflexionamos sobre esta crisis que nos está atenazando a todos ensayando con seis ratas lo que podría suceder ante una hipotética situación de miedo. Sanzol disecciona personalidades, analiza comportamientos, destripa situaciones insostenibles y nos lo muestra de una manera aséptica. Tan aséptica como un laboratorio o… una vulgar oficina con esa luz fría que produce el molesto fluorescente que nos propone Alejandro Andújar. Todo con humor, oiga, como si no pasase nada, como si fuese un experimento más. Pero de repente se abre la brecha con un giro dramático inesperado…
Hipótesis: Imaginen que su negocio no va mal…pero viene un señor y les ofrece dinero por él. ¿Cómo reaccionarían? ¿Venderían, negociarían, sucumbirían? El miedo puede hacernos reaccionar de muchas maneras y acabar haciendo lo que menos esperábamos… ¿Piensan que es ficción?
Seguramente ustedes han entrado en algún bar de esos «de toda la vida» y de repente se encuentran con un camarero chino que les ofrece una tapa de aceitunas y su cañita. ¿Fotocopia u original?
Pueden ir a experimentar sensaciones a la sala verde de Los Teatros del Canal
Luis Mª García Grande
Post Coitum de Blas Maza en el Teatro del Arte
¿Por qué hablamos de las caras de Bélmez, de las Olimpiadas, de las frases hechas y de programas de televisión sobre viajes después de hacer el amor?…¿Hablamos de nada para no tener que implicarnos emocionalmente?…¿Caemos en la trampa de los tópicos porque nos da miedo comprometernos?…De todo esto trata Post Coitum y lo hace de manera muy sencilla, sin artificios, como si estuviésemos sentados al borde de la cama mientras la pareja huye hacia delante de sus deseos. Lo que fue el guión de un corto, se ha convertido aquí en una pieza teatral en la que un hombre y una mujer transitan entre polvo y polvo por el tiempo de las mentiras, jugando al escondite entre miradas furtivas. Lo interpretan de manera natural Antonio Gómez y Fanny Condado, los dirige Antonio Molero.
Adolfo Simón
La casa de los huéspedes, capitulo I en La Trastienda
Dentro de un tiempo, cuando se pregunte qué se puede hacer un domingo a la mañana en Madrid, habrá más respuestas a la que hasta ahora era la habitual: Ir al Rastro!. Si, el mercado popular de esta ciudad es el gran acontecimiento del fin de semana, pero, ahora hay otros atractivos, algo que además se puede sumar al recorrido por Cascorro: Ir al teatro. Si, desde hace unos meses, se están llevando a cabo sesiones matutinas en domingo, empezaron en La Pensión de las Pulgas, siguió La casa de la portera y ahora empiezan a programarse estas funciones en La Trastienda; creo que en breve también las habrá en la Sala Mirador. Las personas somos como ciudades, depende de cuál sea el recorrido vital que compartamos con el interlocutor, tendrá una idea de nuestro paisaje personal u otra. Una ciudad puedes recorrerla de arriba a abajo o de derecha a izquierda…Puedes empezar una ruta al amanecer y otra al atardecer, seguramente, cuando hables de este lugar con alguien que lo conozca, creerá que le hablas de otro, es sencillamente que cada uno ha mirado sus calles desde ángulos distintos. Eso ocurre en el I Capítulo de La casa de los huéspedes, escrita por Luis López de Arriba que se representa en La Trastienda, muy cerca del Rastro. El público entra con una tarjeta roja o verde, dependiendo del grupo al que correspondas, tendrás un recorrido por la sala u otro…y por tanto, conocerás las historias de los personajes desde un ángulo u otro. Así, participamos de un rompecabezas con varios posibles finales. Además, con esta propuesta, tenemos acceso a todos los espacios de La Trastienda, verdaderos recovecos sugerentes. Si quieren sentir que eres parte de ese grupo de viajeros que irán descubriendo a los personajes y sus historias…tal vez muy parecidas a las nuestras, acudid a La Trastienda.
Adolfo Simón
Últimos golpes de José Sanchis Sinisterra en el Teatro del Barrio
Y, de pronto, un buen día, un día cualquiera, el cuerpo vulnerado de una mujer dice: basta. No más golpes. Con esta línea de texto tan sugerente se presenta, en el programa de mano, la obra Últimos golpes de José Sanchis Sinisterra. Una pieza que aborda la violencia de género desde una perspectiva diferente, nos muestra a la víctima a solas, en el tiempo previo al momento en que abandone el lugar donde ha sufrido todo tipo de violencia. Cuando se marcha, quedan allí los golpes encerrados, tal vez son solo los que corresponden al recuerdo o puede que la mano violenta haya sido encerrada. El personaje de la mujer transita entre los recuerdos y el dolor que le supone cada sonido o imagen que aparecen en su memoria. Como un animal herido y encerrado, recorre el espacio escénico en busca de la salida. Marta Poveda da verdad y vida a cada instante, consiguiendo que en muchos momentos, nuestra respiración se quede interrumpida, un trabajo excelente, resulta difícil navegar a solas por el escenario, peleando con fantasmas y monstruos.
Adolfo Simón
“The Nowness Mistery” de Cuqui Jerez en La Casa Encendida
La Casa Encendida de Fundación Caja Madrid ha presentado a la artista Cuqui Jerez con su obra “The Nowness Mistery” que se representó el sábado 17 y el domingo 18 de mayo, a las 22 horas, en el Patio del centro cultural madrileño. “The Nowness Mistery” es el último trabajo de la bailarina madrileña, creado junto a María Jerez y Amalia Fernández, una performance coreográfica basada en la vivencia del presente, en el vacío como un espacio de oportunidad y fracaso. Es complicado interpretar un personaje y una situación de ficción, pero más difícil es mostrar durante noventa minutos nuestra realidad más absoluta y natural mientras que la autora escribe en directo sobre lo que pasa en la escena y fuera de ella. Una experiencia en la que juega con mayor complicidad los que conocen al equipo creador.
Adolfo Simón
Intimidad de Simbiontes Teatro dentro de Surge Madrid
Intimidad narra el encuentro entre un joven novelista de éxito y su ex mujer. Han pasado cuatro años sin verse y el encuentro se convierte en un enfrentamiento que evidencia las heridas abiertas de una relación irresuelta. Por suerte, Surge Madrid, más allá de las polémicas que le están acompañando, servirá para que algunas propuestas se hayan podido presentar ante el público y ver en qué otra ocasión podrán ser programadas. Hay espectáculos en proceso y otros de acabado definitivo. A estos últimos pertenece Intimidad, la puesta en escena y el trabajo dramatúrgico y actoral está en su punto. Una obra que genera varios planos temporales muy bien resueltos en la escena. Ante nosotros, los peligros de permitir que la imaginación entre a formar parte de nuestra vida diaria, se corre el riesgo de confundir lo que pensamos con lo que deseamos, lo que vivimos con lo que soñamos. Esperemos que haya nueva ocasión en la próxima temporada para que el público disfrute de este trabajo.
Adolfo Simón
Mano a mano, cuadro a cuadro en el Museo del Prado para celebrar el Día Internacional de los Museos
No hay mejor manera para celebrar el Día Internacional de los Museos que a través de una propuesta escénica. Hace ahora un año, se estrenó en el CDN la obra Mano a mano, un espectáculo teatral en el que dos intérpretes dialogaban a través de palabras y lenguaje de signos. Desde entonces han recorrido muchos escenarios y hoy han incluido algunos cuadros de la colección del Museo del Prado para participar en el marco Las colecciones crean Conexiones. Sigue funcionando el trabajo porque los juegos y cuentos permiten dar cabida a los lienzos elegidos. Hay mucha química entre Magda Labarga y Christian Gordo, sigue fresca su poética y atrapa a los espectadores gracias a la dirección de Eugenia Manzanera. Tras la función hubo un breve encuentro con el público.
Adolfo Simón
«Hoy no leas el Horóscopo» en Nave73
La vida es un viaje en el que hay encuentros y desencuentros, en el que lo que vale hoy no puede valer mañana. El futuro no está escrito ni en los horóscopos de las revistas ni siquiera en nuestros pensamientos e inquietudes… Nos imaginamos un futuro perfecto y los videntes nos venden futuros idílicos de papel couché y programas nocturnos mientras pasean sus melenas rubias de Rappeles o morenas zahínas de Astro Rey teñidas a base de predicciones que nunca se cumplen, vestidos con tanga para tirarse a piscinas, túnicas para pasear por Marbella y corsés espantosos apretando senos que ya no desafían las normas de la gravedad…
Cuentos chinos que nunca se cumplirán y que al final nos hacen caer de bruces en la vida real. Tres amigas que han pasado momentos divertidos, que se han querido y odiado y que se ayudan en momentos difíciles llegan al Festival Surge Madrid a leernos nuestro horóscopo y a demostrarnos que lo que al final queda son las sensaciones, emociones y vivencias vitales y el futuro…no existe.
Atardece Producciones, una compañía recién formada por tres actrices noveles que apuesta por dramaturgias contemporáneas y provocativas y que todavía está en rodaje se ha embarcado en el mundo del teatro para contarnos las vicisitudes por las que se atraviesa cuando quieres ser actriz en este raro mundo, cuando quieres ser alguien y alcanzar la fama a través de las ondas o cuando simplemente quieres definir tu personalidad. Esperemos que Marta Morujo, Cayetana Recio y María Lorés no decaigan en su intento de trasladar sus inquietudes de futuro y continúen su camino. ¡Por Aramís!
Luis Mª García Grande.
Extracción dirigida por Eva Varela Lasheras a partir de poemas de Alejandra Pizarnik
Hay obras, autores, que se hacen recurrentes en la memoria y el cuerpo a lo largo de la vida sin ser una muy consciente de la causa de este movimiento casi circular, espiral… Esto le sucede a Eva Varela con la obra de Alejandra Pizarnik. La obra de Pizarnik es para ella un ser vivo, que respira por sí solo en un tiempo/espacio que sólo la poesía habita. Eva lleva casi veinte años alimentándose en la escena independiente como actriz -y en paralelo escenógrafa, traductora, vestuarista y últimamente directora- de esta forma ha ido abriéndose en ella una vía nueva desde la que enfocar su trabajo. En Extracción realiza una creación depurada y austera, el texto se convierte en vacio, misterio, movimiento y caos. Sin duda, un ejercicio arriesgado como pocos se verá en Surge Madrid.
Adolfo Simón
Que Revienten los Artistas 
Debe estar conectado para enviar un comentario.