«La rumba del mundo que se derrumba» en La Strada
Paco Ortega, conocido cantante, compositor, editor y productor, ha pasado a dirigir una obra creada por él mismo, con sus canciones y su visión particular de este mundo. Una obra dirigida a los más pequeños a partir de 3 años y que intenta concienciarnos de un problema muy particular que nos afecta a todos: la contaminación acústica. Para ello nos sumerge en el planeta «Sonorama», el planeta de la música, que está habitado por extraños personajes que se harán amigos de los niños y papás que han llegado huyendo de la Tierra, amenazada por una gran brecha debido al ruido que soporta.
Ortega ha sabido combinar su música y estilos más modernos con el teatro y la animación infantil y la interactividad con el público. Los niños y padres tendrán que realizar pruebas de reparaciones imaginativas: Silencio y ruido, Intensidad, Altura, Melodía, Ritmo Y El timbre y para rematar y poder volver a la Tierra tendrán que realizar un gran concierto para conseguir la energía suficiente para que la nave arranque, todo ello un trabajo en equipo pues si no las pruebas no serán válidas.
Los cuatro actores se van desdoblándose en varios personajes de una manera dinámica y divertida mediante rápidos cambios de vestuario. Se intenta atraer a los niños con una escenografía colorista y con imágenes y utilización de nuevas tecnologías, a las que ya están acostumbrados.
Una propuesta original para las tardes de los sábados y domingos en familia.
Luis Mª García Grande.
Oficio de Tinieblas de José Ricardo Morales en el CDN
Se cierra el tríptico que ha dedicado el CDN a la obra de José Ricardo Morales. Tres materiales han sido trabajados en sendos equipos dentro del Laboratorio Rivas Cherif. En esta ocasión, la tarea se ha encomendado al director Salva Bolta que ha decidido convertir el texto de Oficio de Tinieblas en una experiencia para el público y seguramente para los actores Manuel de Blas y Amparo Pamplona. Los intérpretes se introducen en una cámara sellada donde se instalan en esas tinieblas a las que alude el título. Allí establecen un pulso vocal lleno de matices y vibraciones vocales. Con su voz en directo, consiguen transportarnos a mundo de ensoñación y pesadilla. Nosotros, seguimos ese viaje sonoro, sentados en la oscuridad que solo se diluye por las proyecciones de un material audiovisual inquietante. En el último instante, una caricia de la mujer sobre el rostro del hombre hace que la luz se instale un instante en nuestro cerebro. Una experiencia insólita.
Adolfo Simón
Bazar de David Planell en el Teatro del Barrio
Bazar es una comedia que, con la excusa de la grabación de un viral para una página de Internet con «caídas divertidas» protagonizada por tres personajes del barrio de Lavapiés, aborda cuestiones de fondo como racismo, identidad y medios de comunicación. Y todo esto se presenta de manera sencilla, accesible, para que cualquier persona del barrio; siguiendo en la línea de teatro para todos que está llevando a cabo la sala desde su nueva dirección. David Planell de manera inteligente, consigue que una anécdota se convierta en una reflexión profunda que nos muestra personajes con los que nos cruzamos a diario y que no sabemos que esconden mil historias secretas que les permiten tener un lugar bajo el sol aunque el precio que han de pagar para ello, sean golpes en el cuerpo y en la memoria de sus orígenes. No es una historia de buenos y malos si no de supervivientes en un mundo construido a partir del “tanto tienes, tanto vales”.
Adolfo Simón
Le voci di dentro(Voces desde el interior) de Eduardo de Filippo en el Festival de Otoño a Primavera
En el bloque primaveral del Festival de Otoño a Primavera ha llegado a los Teatros del Canal, una exquisita pieza teatral de Eduardo de Filippo: Le voci di dentro(Voces desde el interior), un texto atemporal porque, aunque está escrito en las postrimerías de la Segunda Guerra Mundial, adquiriendo así, la posible denuncia de un crimen, un carácter delator terrible pues muestra las miserias de quién cuenta su sospecha pero también de lo que genera entre los denunciados; un mundo de miedo al otro y a las consecuencias que puede haber si se confirma que el crimen ha sido verdad. Todo transcurre entre la realidad y lo imaginado, en un espacio doble que nos muestra la cotidianeidad de estos personajes sencillos y al tiempo, un plano de fondo donde se esconden los monstruos que crea la imaginación.
Y todo con esa factura perfecta del Piccolo Teatro Di Milano bajo la dirección y protagonismo de ese excelente actor y director que es: Toni Servillo, al que acompaña un elenco genial. Todavía quedan unas funciones, si no se han agotado, no se pierdan este fantástico espectáculo.
Adolfo Simón
De lo humano y…divino en el Teatro de la Zarzuela
[Anatomía de las pasiones]
Espectáculo en homenaje a Juan Hidalgo (1614-1685) en el 4º centenario de su nacimiento.
Nueva producción del Teatro de la Zarzuela.
Espectáculo en el que se combinan los tonos a lo Sagrado y a lo Humano. El Amor se presenta como exaltación al mismo tiempo del amor humano y de la naturaleza del Hombre o de la Mujer, y de otra parte del amor divino a Dios y de la Religión. Estos dos planos unas veces se separan y otras muchas se unen y confunden de forma voluntaria con la música de Hidalgo, así como de otros compositores de la época. La dirección musical es de Carlos Mena y la dirección escénica de Joan Antón Rechi.
Una propuesta sencilla pero de gran espectacularidad donde priman las voces y la música, dejando de lado el efectismo de la escena que transcurre en un retablo virtual.
Adolfo Simón
«Pinocho, el gran musical» en el Price
Gustavo Tambascio, creador de musicales como «El hombre de la Mancha», «Zorba el griego», «Memory» o «El libro de la selva», nos trae ahora una propuesta circense-teatral al price con un formato para todos los públicos, pero sobre todo para los más pequeños. Una mezcla de circo con aires italianos, como la historia de Carlos Collodi, el creador de Pinocho. En la representación se mezclan aires de ópera, commedia dell’arte, clown, música, acrobacias, efectos audiovisuales… Es decir, un espectáculo total en el que predomina el género musical y que nos cuenta detalladamente todas peripecias por las que va a pasar este conocido personaje de madera. Entre los personajes principales encontramos a Alberto Frías, en el papel de Pinocho, y a Ángel Walter, como Gepetto. Actores que dan la talla y una escenografía de estilo vintage, que es sencilla pero suficiente para albergar la magia del circo.
Un espectáculo para disfrutar en familia, que se celebrará entre el 15 y el 18 de mayo e incluido dentro de la programación teatral de San Isidro 2014.
Luis Mª García Grande
El triángulo azul de Laila Ripoll y Mariano Llorente en el Centro Dramático Nacional
En algún momento habrá que recoger en un libro el trabajo constante y arriesgado de algunas compañías de teatro madrileñas que han conseguido sobrevivir a una época donde los que deciden sobre cultura no han hecho más que mirar hacia otro lado. Estas compañías, a diferencia de las que se han formado en otros lugares de este país, han tenido que mantener la coherencia y la pelea por ser honestos con el teatro que hay que hacer y no con el que el respetable pide en un territorio lleno de confusión ideológica. Laila Ripoll y Mariano Llorente son dos profesionales de larga trayectoria en diferentes ámbitos de la escena. Aquí, al frente de un equipo espléndido, han escrito a cuatro manos una obra en la que, de nuevo, recuperan eso tan importante para el hombre moderno que es: La memoria. Porque sin memoria, sin saber cuáles son nuestros orígenes, no podemos «ser»: Sin pasado no existe el futuro. La obra es sencillamente necesaria en nuestros escenarios. Se propicia por fin esa labor que ha de tener el teatro, conseguir que la ciudadanía se encuentre y dialogue. Aunque es ficción, hay mucho de realidad porque sin mirar la vida no se puede imaginar un mundo mejor. Está hecha con amor y desde el amor, a la vida y al teatro. Una obra que debiera estar subvencionada para que se hiciese en todos las salas a puertas abiertas, para que nos reencontremos con el teatro y con el sentido profundo que este tiene. Y además, no lo hacen de manera maniquea ni fácil, juegan a la comicidad delirante de un cabaret de la muerte que permite distanciar el dolor para sentirlo de manera más profunda. Todas las piezas de esta propuesta encajan perfectamente, nada es casual ni gratuito. Si quieren ir al TEATRO, vayan a ver esta función.
Adolfo Simón
El señor de las moscas de William Golding por La Joven Compañía
De nuevo, La Joven Compañía se presenta en el Teatro Conde Duque de Madrid. A lo largo de la temporada han mostrado varios trabajos de distinta índole y de gran interés por múltiples razones. En este caso es la adaptación para la escena de la novela El señor de las moscas de William Golding en versión de José Luis Arellano que también firma la puesta en escena. En esta ocasión, siguen con temáticas que son de interés para cualquier público pero que son idóneas para adolescentes, algo que tiene gran coherencia al formar parte del programa de aprendizaje de esta estupenda fabrica de creación. Ya hay unos rasgos estéticos que van configurando la personalidad plástica de esta Compañía y sobre todo, lo que están consiguiendo es un equipo artístico y técnico de gran calidad; ya quisieran muchas compañías tener este grupo humano tan entregado y preparado. Los que dan la cara y se dejan la piel en escena son los actores que de nuevo, consiguen credibilidad y fuerza para contarnos esta historia que nos habla de lo que se esconde detrás de ser civilizado que somos. Todavía quedan unos días de representación, no se la pierdan.
Adolfo Simón
Fragmentados, adaptación de Crave de Sarah Kane en La Usina
Sin duda, Sarah Kane es la mejor autora inglesa del siglo XX, con una obra de pocos títulos llegó a dar un vuelco a la literatura dramática que se venía escribiendo en los últimos años del siglo pasado. Sus historias, ligadas muchas veces a su propia biografía fueron y son un vomito hacia una sociedad mediocre y torpe. Sus obras han servido para hacer mil lecturas de su universo y han sido el vehículo para conseguir crear universos nuevos en la escena. En esta ocasión, la arriesgada directora Mª José Pazos con su compañía La Mordaza Teatro, se adentra en la pesadilla de Crave para construir una propia en la que los tres actores: Javier Martín, Sara González y Sergio Cabanillas son como mediums surgidos de armarios-tumba que dejan su rastro de dolor ante los ojos de los espectadores.
Adolfo Simón
El último vuelo de Saint-Exupéry de Mon Hermosa en Nave 73
Resulta sorprendente que El principito sea una de las obras más conocidas de la historia de la literatura y en cambio, su autor sea un misterio, sobre todo el final de sus días. Teatro de Poniente se ha planteado indagar sobre los últimos vuelos personales y poéticos de Saint-Exupéry y lo hace de manera sencilla, como quien narra un cuento fantástico que se aloja en un teatro, como si pudiésemos ver a vista de pájaro lo que ocurrió en ese hipotético último vuelo. Antonio Velasco es un actor versátil que transita por la escena con comodidad, pasa de un estado a otro con naturalidad, viaja por paisajes reales e imaginarios con aplomo y en esta aventura escénica le acompaña Ana Parra que se convierte en su alter ego, su sombra, su pesadilla, su imaginación y lo hace en otro plano interpretativo, más físico. La suma de ambos trabajos, sumergida en ese desierto circular nos ayuda a imaginar lo que tal vez pudo ocurrir mientras abandonaba el paisaje real para trasladarse al mundo de la creación de El Principito. Tal vez hay que medir los bucles en los cuentos de ensoñación, a veces, con un viaje se cuentan todos.
Adolfo Simón
Y ahora en La Usina dentro de Surge Madrid
«Y Ahora» es una selección de diez historias cortas que emergen del deseo de mostrar por parte de la Compañía Uh Shalalá Teatroo, en tono de comedia ácida, facetas que en la actualidad les inquietan sobre las relaciones humanas, como la «des-comunicación» con las nuevas tecnologías, o como se puede ser original y qué es original y qué es copia en estos días de «Copy-Paste», la violencia camuflada de incomodidad de las situaciones embarazosas con extraños, las pequeñas humillaciones diarias a las que nos sometemos ya sea en el entorno laboral, social, familiar o amoroso con excusas como «Éxito» y amenazas como «Crisis», «Paro», «Soledad» y sobre todo de como todo esto está bien visto y se acepta con normalidad, impotencia y mucha hipocresía. Con esta inquietud, de no saber cómo cambiarlo, de la impotencia, y de darse cuenta que al ser conscientes solo queda reírnos de nosotros mismos y decirnos: Y ahora… Si Dios está jugando una partida de ajedrez con el diablo y las fichas somos sus criaturas, realmente, está perdiendo la apuesta…Esta idea junto a la de puzle que se compone y descompone espacialmente delante del espectador, es la premisa con la que se nos cuenta la tragedia del hombre moderno.
Adolfo Simón
El procedimiento de El Astillero en Surge Madrid
El Teatro del Astillero es un colectivo formado fundamentalmente por autores de teatro que ha dado muchos frutos interesantes a lo largo de su existencia. En este encuentro de artistas se han desarrollado talleres, ciclos de teatro, lecturas dramatizadas, ediciones y por supuesto, escenificaciones. Dentro de Surge Madrid, Luis Miguel González Cruz dirige El Procedimiento, texto de Raúl Hernández Garrido. Desde el patio de butacas podemos contemplar el encuentro de dos personajes en un juego repugnante donde llevaran a cabo un pulso para conseguir encontrar la víctima oportuna que permita dejar tranquilas las conciencias de los que mueven los hilos, distrayendo así la atención del ciudadano de a pie para que no se incomode con aquellos gestos que ponen en evidencia las miserias del poder. Una anécdota es el desencadenante para que el autor nos muestre los laberintos terribles de los despachos donde se decide quién será el punto de mira en el centro de la diana. Hoy última función en Cuarta Pared.
Adolfo Simón
«Segunda estrella a la izquierda» en la Sala DT
¿Cuántas veces nos hemos perdido intentando llegar a algún sitio? Tomar una estrella a la izquierda o a la derecha puede suponer que nunca lleguemos al País de Nunca Jamás. A pesar de todas las modernidades que existen hoy en día, nuestra vida no tiene un GPS que nos indique hacia dónde dirigirnos de manera correcta para llegar al sitio deseado y a veces nos equivocamos y no llegamos al destino que queríamos sino a otro muy diferente. Diferente, pero hay que afrontar adónde hemos llegado y tener el valor de adentrarnos en ese bosque.
El festival Surge Madrid, quiere instituirse como la máxima representación del teatro off en Madrid y para ello ha convocado a autores y directores que presentan obras no convencionales y técnicas experimentales para recrear un nuevo teatro y dentro de éste nos encontramos al autor, Raúl Hernández Garrido, que ofreció a Adolfo Simón, director, una serie de textos basados en la idea de alguien que lucha por definir su identidad más allá de un sexo natural que no siente como propio, imaginando las sensaciones y deseos que pudiera sentir la Wendy de Barrie. Ella sueña con un lobezno en una rara isla que parece combinar bosque y jungla. Partiendo de esta base, el director ha querido trabajar la escena ofreciéndonos la intimidad y los pensamientos de la protagonista, sus deseos más ocultos y sus anhelos y miedos. Y es que a Wendy le encantaba contar historias a sus hermanos pequeños y tenía un instinto maternal muy desarrollado que autor y director van a utilizar para recrear otras historias más oscuras de una manera muy poética y visual, esas que no les contaba a sus hermanos…
Para recrear este paisaje íntimo ha utilizado una escenografía mínima, una mesa cercana al público y técnicas de teatro de objetos que nos sumergen en ese bosque-selva y también dentro del personaje, que dialoga con otros a través de su imaginación. Los objetos pueden trasladarnos a otro mundo y transmitir sensaciones muy intensas. En un primer momento podríamos imaginar a una niña jugando sobre una mesa, imaginando historias con cuatro cosas que se ha encontrado, volando por otros mundos con una simple caja de música o jugando con un barco de papel…algo infantil, sin picardía, sin malicia, inocente… pero pronto nos damos cuenta de que esos objetos recrean el subconsciente de Wendy, su lado más salvaje e incontrolable que maneja esos objetos como un depredador.
Un reto bastante complicado que se resuelve con la presencia magnética de la actriz y bailaora Teresa Vallejo, con una gran experiencia sobre las tablas y una amplia trayectoria que le dotan de las características necesarias para interpretar el lado más oscuro de Wendy: sus pulsiones y miedos. La actriz se sumerge en una cámara negra donde representa con su gesto y su voz el discurso de su pensamiento más profundo y lascivo. Teresa sabe transmitir y destila sensualidad, erotismo, rabia, delicadeza, agresividad,ternura en ocasiones, de una manera magistral que hace que quedemos absortos durante los 50 minutos que dura la representación. Nada más existe durante ese tiempo que su mirada, sus manos y su habla y eso significa que la actriz ha logrado su propósito: empaparnos con su interpretación.
Todavía pueden sumergirse en el bosque más oscuro que nunca imaginaron y en el que Peter Pan nunca estuvo.
Misántropo de Miguel del Arco en el Teatro Español
Hay muchas cosas que destacar en esta excepcional producción privada de Misántropo y digo privada porque es el resultado del esfuerzo de una nueva manera de afrontar el teatro privado aunque se presente en un teatro municipal. Sería bueno que tomasen nota el resto de productores privados, pequeños o grandes, para hacer espectáculos de buen nivel, cuidados y arriesgados. Porque este Misántropo, de versión libre sobre el original de Molière es una obra atractiva y sugerente que además, da un toque de atención a la sociedad de nuestro tiempo. Resulta curioso que Molière ya hablase en su época de lo que nos debería preocupar ahora: La deshumanización del hombre, la venta de todo aquello que nos distingue de los animales, a cualquier precio. Un gran acierto es ese espacio ideado por Eduardo Moreno que se convierte en la gran metáfora de nuestra sociedad, ese callejón infecto donde los personajes se esconden, desean, humillan, maltratan y trafican entre sí. Allí, las ratas se dan la mano con las personas, para contagiarles su inmundicia. El espacio sonoro, la iluminación, el vestuario y sobre todo, la creación audiovisual de Juan Rodón y Emilio Valenzuela, se ensamblan como capas finas para seguir el discurso que se establece en toda la puesta en escena. Y los actores… Israel Elejalde, Raúl Prieto, Cristóbal Suárez, Bárbara Lennie, José Luis Martínez, Miriam Montilla, Manuela Paso y aquí hay que hacer un aparte, ya que no es casual que este trabajo esté dirigido por profesionales que han pisado la escena y saben cómo extraer de cada actor lo mejor y lo peor de sí mismos para dar vida a ese crisol de seres que huyen del ruido para encontrarse en la penumbra de un callejón donde se mirarán en el verdadero espejo de su alma. Quién lea estas líneas que no piense que se va a encontrar un espectáculo tenebroso y sórdido, no, vayan a ver un trabajo potente como es este, vivirán una montaña rusa de emociones y de paso, podrán pensar sobre qué estamos haciendo en este mundo lleno de callejones sin salida y huérfano de Alcestes.
Adolfo Simón
Una «Cerda» muy especial en La casa de la Portera
«La Toñi», Fran Arráez hace un cameo en Cerda
«Cerda» de Juan Mairena, regresa a La Casa de la Portera todos los martes de mayo, en función doble. Y para celebrarlo ayer se hizo un estreno de lujo con colaboraciones de amigos que querían entrar en el convento de la Orden del Santo Membrillo. Por allí pasaron Obispos con tacón, Toñi, la de «Elepé» con falso visón y otros seres propios del travestismo ilustrado. Y allí nos obsequiaron con una CERDA, de verdad, pero en forma de galleta creada por Moses Sweetmoses.
Alberto Puraenvidia nos dió la Comunión.
Pero no nos equivoquemos: tener actitud travesti no significa ser frívolo… en esta obra se tratan temas muy serios y de una manera bastante profunda.Y es que se puede ser travesti y denunciar hechos que nos conmocionan en nuestra vida diaria, se puede ser travesti y monja, se puede ser travesti y poeta, se puede ser travesti y surrealista y se puede ser travesti y facha… Todo cabe dentro de esta obra que nos habla de niños robados, transexualidad, amor, religión, apariciones de Madonna, podedumbre y anhelos.
Los actores están todos en estado de gracia… y no porque estén en un ficticio convento sino porque cada uno borda su papel y lo hace suyo.
El Equipo: Dolly, Inma Cuevas, David Aramburu, Soledad Rosales, María Velesar
Una obra que debe tener prioridad cuando vayan a hacerse la agenda de ocio de la semana. Apúntense a ser Cerdas!
Luis Mª García Grande
Thiono Rerul en La Strada Teatro
África es un continente maravilloso, lleno de enigmas…El Ballet Jammu de Senegal nos ha traído una muestra de ello. Durante dos semanas, han presentado en La Strada un cuento de la tradición oral senegalesa con la particularidad de que lo desarrollan a través de canciones y bailes. Una ocasión única para descubrir la magia de otras latitudes. A veces, para conocer de verdad las tradiciones populares de algunos lugares, no hay que acudir a grandes espectáculos si no a pequeñas piezas creadas desde los rituales ancestrales.
Adolfo Simón
El huésped se divierte de Joe Orton en el Teatro Lara
Joe Orton es, junto a Pinter y Sara Kane, el autor inglés más importante del último medio siglo. Su obra fue precursora y transgresora como pocas en tu tiempo. Trató el tema de las relaciones de manera cruda y real, mostrando a los personajes como realmente son, no como nos gustaría que fuesen. No sé cómo no se representan constantemente sus textos, siguen de rabiosa actualidad. En estos momentos, en el Teatro Lara, se representa El huésped se divierte, dirigida por Adrián Daumas. Esta obra ha sido representada en algunas ocasiones en nuestro país, siempre ha creado cierta reticencia porque muestra una familia, el eje de la sociedad, sin prejuicios ni pudor, traficando con todo a toda costa. Para este tipo de trabajos hace falta poco en escena si ha de distraer la atención de lo esencial y son necesarios unos actores capaces de defender contradicciones brutales en las relaciones entre los miembros de este clan. Aquí hay un cuarteto de actores que se la juegan todo el tiempo: Sylvia Peleija, Manuel García, Eleazar Ortíz y David Rubio.
Adolfo Simón
La corte del faraón, opereta bíblica en un acto en los Teatros del Canal
En la ciudad de Madrid se puede disfrutar de mucho arte, si paseas por sus calles te puedes encontrar el museo al aire libre de la Castellana y contemplar una muestra de arte contemporáneo o puedes ver en el barrio de La Latina, grandes grafitis que adornan sus fachadas. También puedes entrar en un museo y observar el viaje del arte desde la antigüedad hasta la más rabiosa modernez. Y por supuesto, puedes sentarte en muchos patios de butacas de teatros donde disfrutar desde, el teatro clásico, al cabaret o a la más exquisita frivolité. Bueno, pues durante los próximos días, en los Teatros del Canal, tus sentidos se pueden embargar de todo tipo de arte en un solo espectáculo: La corte del faraón. Hemos visto esta obra infinidad de veces, hemos cantado sus canciones en la ducha y en más de una fiesta entre amigos, es como la banda sonora de algún momento de la vida de todos nosotros y aún así, han de ir a ver la nueva producción del Teatro Arriaga y el Teatro Campoamor de Oviedo porque van a disfrutar de lo lindo. Esta opereta bíblica en un acto parece una pieza de entretenimiento y lo es, pero además, contiene elementos para realizar una obra más rica y compleja de lo que habitualmente se hace con ella. Aquí, Emilio Sagi, al frente de un equipo muy creativo, ha realizado un viaje en la historia del arte, sin remilgos ni estrecheces. Durante la hora y media que dura la función, no hay un momento en que no sorprendan las resoluciones escénicas. Hay pinceladas de arte clásico, de arte contemporáneo, de musical de gran altura, de comedia musical, de revista, de cabaret…Con un espacio escénico lleno de guiños y juegos. Un vestuario fascinante por su locura y frescura…unas luces que cambian los lugares con cada cambio de color, unas coreografía divertidas y precisas. Y un coro y cantantes-actores que se han entregado sin dudar a esta propuesta; hay que hacer un comentario aparte para decir que Enrique Viana realiza un micro espectáculo propio en el corazón de la obra, que recibe un aplauso enorme al finalizar. Y la orquesta está fantástica dirigida magistralmente por Carlos Cuesta. No se lo piensen, si es que quedan entradas, vayan a ver La corte del faraón, aunque sepan cómo termina, qué más da…todos sabemos que Hamlet muere al final y siempre volvemos a ver la obra…Y aquí, además, terminarán haciendo karaoke…¿Algo más se puede pedir?.
http://www.teatroscanal.com
Luis García Grande
Apnea de Alejandro Cano Escribano en el ReFringe del Teatro Español
He podido participar de la última propuesta presentada en Refringe Madrid. En este pequeño programa se han recuperado algunas de las experiencias que se estrenaron en dicho Festival, en la edición del año pasado. Digo he participado porque en Apnea, el protagonista es el público que a su vez, está siendo observado por otro público grabado en una pantalla. En estos tiempos en los que tenemos mil y una formas para comunicarnos tecnológicamente, sorprende que cada vez el individuo se aísle más y se convierte en un autista que va de sus asuntos a sus asuntos, sin pasar por sus emociones ni vivencias. En esta experiencia nos proponen un juego para indagar sobre nosotros mismos, nuestras dificultades de expresión hacia los demás y lo llevan a cabo con una especie de juego de interrelaciones entre los que asistimos, en un espacio diseñado con precisión para tal cometido. Sin duda, hay cada vez más propuestas novedosas para crecer como individuos, huyendo de esa parte animal que siempre acecha.
Adolfo Simón
Perdidos en Nunca jamás de Lucía Miranda en la Sala Mirador
En algún sitio he leído que los cuentos para niños surgen de los terrores nocturnos de los adultos, después, el autor suaviza las situaciones y personajes, llenando de moraleja la historia. Peter Pan es ese niño que no quiere crecer, que quiere seguir siendo niño eternamente y por tanto, deja a su imaginación volar, creando mundos imposibles, para seguir instalado en la infancia, rodeado de sus amigos y cómplices. Lucía Miranda ha tenido una acertada idea al trasladar la esencia y personajes del cuento a la realidad de muchos jóvenes que no podrán crecer porque la sociedad no les va a permitir hacerlo, este mundo de grandes oportunidades que nos habían vendido se ha convertido en una estafa en toda regla y ahí, naufragando, están unas generaciones de personas que deberían construir un futuro mejor y que les amordazan o alejan de sus raíces, para dejan los sueños en el desván, cerrados bajo siete candados, en un baúl donde ya quedaron apolillados los cuentos. Hay otros atractivos en el espectáculo, el tratamiento del espacio escénico, cargado de poética de objetos abandonados a los que se les da un nuevo uso y sobre todo, un equipo de jóvenes actores que transitan por las diferentes formas teatrales con aplomo y entrega. A menudo, leo que La ratonera lleva representándose en Londres desde que se estrenó, hay otros espectáculos, como este, que deberían estar siempre en escena, de visión obligada, sobre todo para las jóvenes generaciones, para que no se dejen engañar con los cuentos tal como nos los narran.
Adolfo Simón
El baile de Edgar Neville en el Centro de Arte Fernán Gómez
Edgar Neville fue una figura clave del cine y el teatro de la última mitad del siglo pasado, hoy pocos, desgraciadamente, que le recuerdan a día de hoy…Hay tantos artistas a los que habría que reivindicar y recuperar, si así fuese, nuestros escenarios serían otra cosa. De vez en cuando, algunos creadores tienen la necesidad de recuperar una de sus piezas más emblemáticas: El Baile. Es una obra que exige un buen trabajo actoral ya que a lo largo de ella, transcurre la vida de los personajes que, empiezan jóvenes y terminan viejos. Además, es una historia de amor y amistad muy atrevida para la época en que se escribió. Ahora, se ha estado representando en el Centro de Arte Fernán Gómez protagonizada por Pepe Viyuela que sigue demostrando su amor al teatro.
Adolfo Simón
Lucientes de Rakel Camacho en Teatro del Arte
Dicen que cuando uno está a punto de morir, ve pasar la vida como en una película. Me pregunto que habrán visto en ese film último los grandes genios del arte…¿Su vida?¿Su obra?… En Lucientes, la pesadilla de Goya antes de huir…¿De la vida?¿De España?… Hay un ritual que podría haber imaginado Artaud, donde las pinturas del genial aragonés cobran vida, construyéndose y destruyéndose ante los ojos del espectador. Es un gran ceremonial donde los actores son muñecos de un guiñol en el que se burlan de la historia y la vida. No es habitual ver en nuestros escenarios obras comprometidas con el arte y con el presente, aquí, en Lucientes, hay una mirada al pasado para ponerla frente a espejos esperpénticos, la única manera de ver la realidad tal como es según Valle Inclán. Por suerte para los espectadores de Madrid, hay propuestas que no ocurren sobre las banquetas de un bar o sobre historias superfluas, aquí hay una propuesta arriesgada que no dejará indiferente a nadie. Y seis actores entregados a muerte con el discurso escénico…Jorge Kent, Teresa Vallejo, Rebeca Matellán, Lorena Benito, Antonio Sansano, Aldo Lozano y la música en directo de Marcel Mihok.
Adolfo Simón
Nieves Rosales con No es la lluvia, es el viento en Nave 73
En la escena es complicado encontrar trabajos de flamenco contemporáneo donde se cuente una historia, todo suele ser técnica y movimiento. Y en la vida es difícil aceptar esa parte de nosotros que no nos gusta, esa sección del mundo llena de errores y fealdad. A veces, el teatro es el espacio para buscar y comunicar…Ahí, los artistas han de arriesgar por encontrar lenguajes nuevos, otras formas de mostrar la vida. Nieves Rosales encabeza el proyecto conjunto de Silencio Danza y Trasto Teatro en la adaptación de la obra No es la lluvia, es el viento y sobre el escenario del inquieto y comprometido espacio, Nave 73…Nos lleva a paisajes desconocidos del corazón.
Adolfo Simón
La cortesía de España de Lope de Vega en el Matadero de Madrid
La Compañía Nacional de Teatro Clásico se ha trasladado en esta ocasión al espacio de la Sala I del Matadero de Madrid, un espacio en el que se muestra con holgura y belleza la producción de La cortesía de España de Lope de Vega. Hay tantas joyas textuales de nuestro Siglo de Oro por descubrir que es un acontecimiento cada vez que una de estas obras ve la luz. En este caso, el texto está defendido por la Compañía Joven, dirigida por Josep María Mestres. El resultado es espectacular y preciosista, algo que ha hecho disfrutar en gran medida al público a fin al verso.
Adolfo Simón
Que Revienten los Artistas 
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