«Bolo y Claus en busca de El Dragón verde» en Nave 73
Tenemos una asignatura pendiente: aprender Inglés. Los niños asimilan mucho mejor el aprendizaje y qué mejor que repasar las lecciones que yendo a ver un número de clown divertido y con una historia tierna. Bolo y Claus Clowns nos ofrecen esta pequeña obra que conjuga la música, humor, magia, cuentos y creatividad.
El espectáculo está dirigido a niños de entre 0 y 9 años y utiliza de una manera efectiva técnicas de clown, lenguaje corporal y visual, con una escenografía versátil y divertida que atrae la atención del público.
Pedro Serka y Christian Harwig componen este dúo de «payasos» que nos introducen un mundo creado especialmente para los niños y para sumergirse en el inglés y en el que demuestran su experiencia artística y su saber hacer teatro infantil a través del juego dramático.
Un espectáculo bilingüe que tiende más al inglés que al castellano y que consigue mantener la atención de los más pequeños y también de los papis que se acercan con ellos. Aquí nadie se aburre y todo el mundo practica su english los sábados por la mañana at Nave 73.
Luis Mª García Grande
«Jacinto Guerrero, una vida de Zarzuela» en el Fernán Gómez
La compañía Pedro Lagarta nos vuelve a sorprender con una propuesta interesante: La vida de Jacinto Guerrero, músico español y compositor de Zarzuelas, conocido por todo el mundo por varias de sus canciones, aunque no por su obra completa. Si ustedes tararean cuando llegan a trabajar eso de Ay, ayayay, qué trabajo nos manda el señor… seguramente conozcan la famosa canción de Las Espigadoras, que se inserta dentro de la obra «La rosa del azafrán». Como ven, no conocen a su creador, pero seguro que han tarareado esta u otras canciones famosísimas compuestas por el mismo.
Jacinto Guerrero fue un músico que hoy en día tendría su lugar dentro de las listas de los 40 Principales o de la mejor radio fórmula, ya que supo entender que lo que el pueblo quería eran estribillos pegadizos y canciones para cantar en cualquier verbena de La Paloma. Pero Guerrero iba más allá y no se quedaba solo en el populismo. Todos los críticos de zarzuela están de acuerdo en la calidad de múltiples de sus obras como Los Gavilanes, El Huesped del Sevillano, El sobre verde, etc.
La compañía Pedro Lagarta ha desarrollado un trabajo de introspección en su vida, en la que nos dan detalles de su biografía y la salpica con muchos de sus éxitos musicales. Lo importante es que, partiendo de esas bases, elaboran un trabajo didáctico muy válido sobre el autor y consiguen llegar al público haciéndoles participar en las composiciones y tararear, tal y como querría el maestro, todos sus éxitos. Y todo esto lo hacen a través de una representación que simula un ensayo sobre las canciones del autor… Sin gran despliegue de medios técnicos y con un simple piano,una buena soprano, Sagrario Salamanca, y actores curtidos, se consigue crear un clima íntimo, como si estuviésemos en el ensayo de una gran zarzuela que se quedará en eso, en ensayo, ya que no se necesita más despliegue para transmitir lo que se pretende.
Observo en la sala que hay mucho público mayor, típico de esos que acostumbras a ver en el Teatro de la Zarzuela. Un público fiel, pero adentrado en edad, que, pienso, en mi humilde opinión, llegan equivocados esperando ver romanzas y números de revista en todo su esplendor… Una lástima, porque creo que el espectro de público al que se dirige la compañía debería ser mucho mayor, es un trabajo de investigación y de transmisión de la forma de vivir del maestro toledano.
Así que si ustedes piensan que van a ver una antología de la zarzuela inspirada en Jacinto Guerrero, se equivocan. Lo que aquí importa es más transmitir el espíritu de su autor y su obra que conseguir una puesta en escena espectacular. Es un trabajo arriesgado pero que al final convence a un público, tenga la edad que tenga, que sale encantado y esto sólo se consigue con un buen ritmo en la representación y creando un feeling especial en un público entregado.
Luis Mª García Grande.
El difícil equilibro de Jorge Calvo en la Sala TÚ
Por favor, de una vez ya…Que le pongas su nombre a un callejón o a una área de servicio de autopista pero que se reconozca a este hombre que es lo más trasgresor y divertido que hay ahora en la cartelera madrileña. Para los que amamos la escena no es nuevo el trabajo de Jorge Calvo, le hemos visto en muchos formatos artísticos pero donde se disfruta al máximo de su arte es en la escena, en cualquier tipo de propuesta o en su delicioso ¡Qué maravilla!. Ahora, para los que necesitamos chutarnos con su locura de vez en cuando, ha creado un ¡Qué maravilla! portátil cuyo nombre es El difícil equilibrio…y vaya si lo es. La obra es un tríptico del que no voy a escribir mucho porque nunca hay que desvelar quién es el asesino en un buen thriller…y aunque aquí la cosa no sea policiaca, lo que han de hacer es mirar la programación de la Sala TÚ y reservar inmediatamente, no se arrepentirán; igual no entienden que se pueda hacer una versión a capela de «La gata» de Rocío Dúrcal ni una versión de jazz de «Mi jaca» de Estrellita Castro…pero esa es la gracia de este cabaret psicodélico…que uno tiene la boca abierta todo el tiempo con una sonrisa de oreja a oreja…pero también hay nostalgia y pellizco en el corazón, que aquí, como en los buenos bazares, hay de todo un poco. Dejen de mirar la factura de la luz y háganse un regalo viendo El difícil equilibrio…
Adolfo Simón
Sé de un lugar en Cuarta Pared
La experiencia de crecer es dolorosa. De niño, uno mira alrededor y hacia arriba y no entiende la mitad de las cosas que ve, todo tiene un tamaño y textura difícil de comprender. El tiempo va poniendo las cosas en su sitio o no. Cuando llegamos a la edad adulta y hay que coger las riendas de la propia vida, uno no sabe bien que coche de caballos está dirigiendo ni a dónde le llevan. En algún momento necesitamos bajarnos de la noria a la que nos subieron en este parque de atracciones enloquecido en el que vivimos, amamos y morimos. Porque al final, casi todo se reduce a eso, a saber o no amar. A veces uno cree tener certezas y solo tiene incertidumbres. Y así van pasando los días, los años…la vida. De todo esto se habla en Sé de un lugar, la obra que ha escrito y dirigido Iván Morales. Y los dos actores, entre el público, con cercanía y complicidad, consiguen que la distancia entre realidad y ficción se rompa para que veamos un poco más allá, tal vez…la luz al fondo del túnel.
Adolfo Simón
Berenice amó a Edgar Allan Poe
¿Por qué los seres humanos nos sentimos tan atraídos por el terror?¿Que nos lleva a acudir a esos espacios donde nos prometen vértigo y pesadillas?.
Hay algo atávico en nosotros que seguramente se remite a un tiempo ancestral donde las historias se transmitían a la luz del fuego en cuevas oscuras.
Edgar Allan Poe fue un maestro del terror, describió, como pocos autores, esos personajes y territorios donde la locura se da la mano con la realidad, causándonos zozobra y desequilibrio. Esa frontera entre lo humano y lo monstruoso es lo que nos atrapa de sus relatos. Con sus cuentos se ha hecho de todo, música, cine, teatro…En esta ocasión, Pilar Massa ha elegido tres narraciones y las ha convertido en un oratorio terrorífico a dos voces. El público es repartido en los dos espacios de La casa de la portera para experimentar las historias contadas al oído mientras a través de las paredes, se oyen susurros lejanos. Al final, una Berenice dual nos cuenta el amor mortal que vivió por el propio autor. Una experiencia intensa que se ve reflejada en los espejos del lugar y en las líneas trazadas en el tablero de la guija. Carmen Mayordomo acompaña a la propia directora en este viaje a los paraísos del miedo.
Adolfo Simón
Sobre algunas especies en vías de extinción dentro del Ciclo José Ricardo Morales en el CDN
El Ciclo José Ricardo Morales forma parte de la línea de programación del CDN que recorre el teatro español más relevante de los últimos cien años. José Ricardo Morales es un destacado dramaturgo que se vio obligado a abandonar nuestro país en 1939, al término de la Guerra Civil. Se instaló en Chile donde ha escrito y publicado la mayor parte de su amplísima producción. Dentro de este marco conmemorativo, se presenta un segundo programa: Sobre algunas especies en vías de extinción, dirigido en esta ocasión por Aitana Galán. Es un texto abierto en el que se va describiendo paso a paso el funeral de algo o alguien que ha debido ser muy importante, poco a poco vamos descubriendo que el muerto es el teatro y su función social, al final, el féretro está vacío y no sabemos si es porque se ha salvado el insigne fenecido o porque alguien ha robado la reliquia. Desde la dirección se plantea un funeral esperpéntico en el que varios personajes van mostrando la teatralidad y el absurdo de las situaciones planteadas. La poética de la puesta en escena está enfocada para mostrar la rabia que en estos momentos amordaza la sociedad que vivimos, situando de este modo la acción en un lugar y momento concreto. En las dos propuestas vistas hasta ahora de este autor descubrimos una escritura abstracta e intimista, fruto tal vez del exilio que ha vivido.
Adolfo Simón
Tape de Sthephen Belber en La pensión de las pulgas
La venganza es un plato que se sirve frio pero a veces, si se recalienta demasiado puede ser indigesto y terminar haciendo más daño a quién lo sirve que al comensal al que va dirigido. La Canoa teatro ha presentado este texto dirigido por Bruno Ciordia e interpretado por Fran Calvo, Jano Sanvicente y Yolanda Vega en los salones de La pensión de las pulgas. En un primer espacio nos sitúan en el pasado, en el origen de un momento de locura de juventud que traerá sus consecuencias. Después, nos trasladan a lo que es la habitación de un hotel donde transcurrirá el resto de la acción. La pieza es teatro-teatro, un solo espacio, un tiempo real y el encierro de los personajes ante los ojos de los espectadores que iremos descubriendo poco a poco las estrategias del que se considera el cazador de esta aventura y que al final, se convertirá en un cazador cazado. Pero, hasta que llega ese momento, vivimos paso a paso el descubrimiento de lo que ocurrió o tal vez desean los personajes que ocurriese. Es curioso comprobar cómo el tiempo coloca las cosas en otro nivel de percepción y nada fue realmente como se recuerda, por mucho que uno desee reafirmarse en sus argumentos. En estas propuestas cerradas y a un palmo de la respiración del público es donde se miden los actores para demostrar que son capaces de mantener firme el viaje ficcional de una historia, capitaneados por un director con las ideas claras.
Adolfo Simón
Black, el payaso / I pagliacci…programa doble en el Teatro de la Zarzuela
Black el payaso
Opereta en un prólogo y tres actos de Francisco Serrano Anguita, basada en la novela La princesa de los clowns (1923) de Jean-José Frappa
Música de PABLO SOROZÁBAL
Estrenada en el Teatro Coliseum de Barcelona, el 21 de abril de 1942
I pagliacci
Drama en un prólogo y dos actos de Ruggero Leoncavallo
Música de RUGGERO LEONCAVALLO
Estrenado en el Teatro dal Verme de Milán, el 21 de mayo de 1892
Nueva producción del Teatro de la Zarzuela
EL SEGUNDO programa doble de la temporada permite que el escenario del Teatro de la Zarzuela se vea invadido por el mundo del circo con dos historias bien distintas, dirigidas en lo escénico por Ignacio García. En la primera parte, la opereta Black el payaso, con música de Sorozábal, nos muestra a un personaje empujado por el amor hacia el engaño y la mentira para lograr un final feliz. Hermosa conclusión que contrasta con el drama del marido celoso que, en la segunda parte, se convierte en el eje argumental de la pieza creada por Leoncavallo.
En ambas propuestas se nos muestra como la ficción se está instalando en el mundo real y los gobernantes quieren ser actores de una comedia pésima y cuando se les descubre sus miserias, pierden los papeles o como el teatro nos lleva a pasiones desenfrenadas que hace que confundamos los personajes con nuestro propio yo. Las dos piezas están tratadas desde un planteamiento estético similar en la escenografía y el vestuario, para acercar las dos historias conectadas en el mundo del circo. El Teatro de la Zarzuela sigue buscando una programación que rescate obras poco representadas, intentando acercar a su patio de butacas a nuevos públicos.
Adolfo Simón
Ay! Carmela en el Teatro Galileo
Ay! Carmela de José Sanchís Sinisterra ya es un clásico. Recuerdo el primer estreno en el Figaro interpretado por José Luis Gómez y Verónica Forqué…¿Quién nos iba a decir que estábamos asistiendo a la que, seguramente, es la obra más representativa y representada de la transición española?. Desde aquella noche he visto múltiples versiones de la obra, aquí y fuera de España. Es incombustible, sigue sobreviviendo a montajes acertados o no…Al traslado al musical, al cine…Tiene algo en su estructura que no permite locuras al llevarla a escena. En esta ocasión, Pepe Bornás es fiel al texto, añadiendo tal vez, un toque de expresionismo en los personajes que les da un carácter sugerente. La instala en un escenario sin lugar reconocible, podría ser la realidad o la imaginación. Y Jacobo Dicenta y Elisa Matilla recrean de nuevo, con acierto, esos viejos amigos que son Paulino y Carmela. La memoria es frágil y como los seres del más allá, se va desfigurando poco a poco, es importante que este texto siga transitando por los escenarios, para que no se olvide que la historia es un bucle que vuelve a su lugar de origen.
Adolfo Simón
Dinero y poder en La casa de la portera
Todos tenemos un precio, todo se compra y se vende, es algo tan antiguo como la humanidad.
El dinero da poder y el poder pide contraprestaciones.
Vivimos tiempos donde solo vales por lo que tienes y eso pervierte a las personas.
Hay un programa doble perfectamente situado en el mismo día de programación en La casa de la portera que nos habla de todo esto, mirando al pasado reciente y haciendo una radiografía de la actualidad.
El tesorero de José Ignacio Tofé
Estamos cansados de leer en la prensa las mil y una fechorías que realizan nuestros dirigentes cuando han de administrar el dinero destinado al bien de la ciudadanía, curiosamente, casi nunca va destinado a los contribuyentes, se queda en el camino, en reparto de influencias entre amigos y familiares de quien corta el bacalao. Solo podemos especular entre las noticias, las declaraciones de los acusados y lo que a veces se vislumbra en los juicios. Y como la mentira es la moneda de cambio de estos tiempos, pues nunca sabemos realmente qué pasó y nos quedamos con la duda instalada en el cuerpo. En El tesorero, se nos permite entrar en la intimidad de los personajes que deciden y trafican con los presupuestos y los objetivos pensados para estos. Gracias a la torpeza de un ministro, podemos descubrir el nivel de necedad y perversidad que les mueve a los que manejan los hilos y toman las decisiones. Los unos por los otros, terminan demostrando que el ser humano es un pobre muñeco de cartón fruto de sus debilidades. Hay actores en escena, José Navar y Mario Tardón que juegan hasta el final para, con toques esperpénticos, hacernos disfrutar del mal trago de conocer los entresijos del poder.
Trinidad de Ana F. Valbuena
Isaac Chocrón fue un autor poco valorado mientras vivió, sus obras siempre han mostrado una visión diferente de la realidad, enseñando muchas veces que tras los personajes sencillos se esconden monstruos. En Trinidad se juega a la doble acepción de este nombre, por un lado, hay un personaje que se llama así y conforme avanza la trama, los seres que habitan un mundo creado como un traje a su medida, conforman una nueva trinidad de difícil existencia. Hay un interesante texto creado por Ana F. Valbuena a partir de Okey de Chocrón que traslada la acción a los sesenta-setenta del siglo pasado de nuestra sociedad franquista, con todo lo que suponía ser diferente entonces y los secretos que había que tener para existir. Vivir en un mundo creado para sobrevivir a la falta de libertad de afuera crea otras reglas de juego, a veces, muy peligrosas ya que se corre el riesgo de establecer toxicidad en las relaciones. Aquí también se instala un nuevo poder en la sombra del que siempre saca partido el más fuerte. Es curioso comprobar cómo, La casa de la portera, puede seguir alojando a seres de hoy en día metidos en sus despachos fraudulentos o a frágiles personajes sacados de revistas antiguas y mostrarnos su realidad de entonces, no tan diferente a la de hoy. Hay tres actrices deliciosas en Trinidad…Cristina Bernal, Marta Guerras y Lorena Toré dirigidas con sensibilidad y aplomo por Nacho Sevilla.
Salgo esta vez de esta sala imaginando a Rita Pavone dejando su corazón clavado con alfileres sobre la mesa mientras tararea Cuore.
Adolfo Simón
De la Puríssima en el Teatro del Barrio
El cuplé es un arte a recuperar y el Teatro del Barrio, en su línea de ofrecer a su público otras formas escénicas a las que estamos acostumbrados a ver en los escenarios madrileños, ha tenido el acierto de programar a De la Purrisima, un grupo músico vocal que hace del cuplé y la provocación su seña de identidad. Lo mejor de todo es las adaptaciones musicales de estas canciones, un toque jazz les da un ritmo y sensualidad actual y deliciosa. Han tratado también, de actualizar el juego de relación de la vocalista con el público pero necesita rodaje en el discurso con el que enlaza cada tema y ha de cuidar que la provocación no se convierta en irritación, el público siempre está dispuesto para el juego pero en partidas con reglas de iguales.
Adolfo Simón
Continuidad de los parques de Jaime Pujol en las Naves del Español
Hay en las propuestas escénicas de Sergio Peris-Mencheta una musicalidad que da un ritmo particular a la obra, en este caso no solo está en los ecos sonoros que acompañan a la pieza si no en la manera de decir el texto, en el juego coreográfico que los actores articulan entre cada una de las escenas. Continuidad de los parques de Jaime Pujol nos sitúa en ese espacio real por el que todos hemos transitado alguna vez y que puede convertirse en un lugar mágico donde puede ocurrir cualquier cosa, lo impredecible se vuelve normal, incluso florecen rosas amarillas, que tanto gustaba a Gabo, en los bancos. Hay seis actores en escena que se transforman en un momento y pasan de mendigos a dioses…Todo para el placer del público que respondió con una gran ovación al final.
Adolfo Simón
Lohengrin en el Teatro Real
Escrita en plena agitación revolucionaria, Lohengrin supone la primera unión perfecta entre poesía y música según los ideales estéticos del Romanticismo que el propio Wagner contribuyó a crear: la ópera es eclipsada por el drama musical. Aquí dos visiones de la realidad se enfrentan: la de Ortrud y su mundo de magia negra, frente a la luz, portadora de salvífica transformación, de Lohengrin, el caballero del Grial. Entre estos dos símbolos, se mueve la brutal sociedad de caballeros medievales, que vive sobre todo de la guerra. La joven Elsa es la única que busca la belleza y la luz de Lohengrin, pero su amor sucumbirá porque se empeña en comprenderlo. Ello lleva a preguntarse si el mundo masculino puede exigir una entrega absoluta sin indagación, razón por la que también Lohengrin fracasa. Así, solo el niño, con su inocencia, pueda tal vez vencer a la maldad. Aunque el montaje tiene un aire clásico por la opulencia del mismo, hay signos en la escenografía que recuerda a la obra de Oteiza y al vestuario que muestra los diferentes niveles de estatus en los personajes o la luz, que por momentos tiene un carácter divino en este espacio catedral-tumba donde transcurre la historia de amor puro que trata de abrirse paso entre las traiciones de la parte oscura que siempre habita en los seres humanos; con todos estos elementos se consigue contemporaneidad. De este modo, una fábula mítica se transforma en lo que desgraciadamente pasa a diario en nuestro mundo, el pulso entre el bien y el mal. La puesta en escena ha sido una creación de Lukas Hemleb y ejecutó magníficamente la dirección musical: Hartmut Haenchen.
Adolfo Simón
La cena del rey Baltasar en Kubil Fabrik
En el teatro, como en cualquier arte, todo está inventado, solo nos queda la habilidad e inteligencia de conjugar lenguajes y disciplinas, solo, de ese modo podremos conseguir algo nuevo e interesante que expresar.
¿Para qué vamos al teatro?…Yo voy a vivir una experiencia única, algo que desordene mis planteamientos para darles un orden nuevo. Voy porque necesito tener la sensación de que la escena es un lugar peligroso, donde puedo tropezarme con preguntas a las que tal vez no encuentre respuesta…Voy a vivir un ritual antiguo y nuevo a la vez. Voy a sentirme vivo.
Cada vez encuentro propuestas más interesantes en la periferia escénica, en las salas pequeñas, en los barrios…a estos espacios no convencionales acudo con la esperanza de descubrir algo que me haga seguir pensando en ello aunque hayan pasado horas o días.
Anoche, un lunes lluvioso, tras el vía crucis de la semana santa, acudí a Kubik Fabrik, a una cena escénica…me sentí elegido porque para entrar en la sala me llamaron por mi nombre y porque me lavaron las manos antes de sentarme a la mesa…y porque tenía la sensación de estar entrando a un lugar donde la recepción era amable aunque sospechaba que solo era el acceso al laberinto.
La parte del teatro que vemos habitualmente es hermosa, bellas construcciones…pero a mí me fascina perderme por las entrañas de los teatros…Me resulta sugerente el teatro que se hace tras el escenario porque creo que allí está la vida escondida en la penumbra.
Casi, sin darnos cuenta, los doce comensales quedamos atrapados entre los muros de un espacio donde las vigas crujían…¿O estábamos en la bodega de un barco maldito a la deriva?…
Lo que ocurre en esa escena no se puede ni se debe contar porque tenéis que intentar conseguir una plaza en ese viaje…Baste con decir que el menú consta del jugo resultante de… un puñado de La noche del cazador, un pellizco de Reservoir dogs, cuarto y mitad de Tito Andrónico, medio litro de Haneke…dos respiraciones de Koltés, un latido de Barbarella en la bañera de Marat…todo serigrafiado por Warhol para una nueva estampa de la Santa Cena…
Bueno, seguro que a vosotros os estallará en el espejo de vuestro imaginario con otras referencias…Eso es lo interesante del teatro, un rito común con mil lecturas posibles.
LA CENA DEL REY BALTASAR de Pedro Calderón de la Barca, auto sacramental para 12 comensales, una creación de [ los números imaginarios ] y LA MANADA, interpretada por Jesús Barranco, Enrique Cervantes, Alejandro Pau, Kev de la Rosa, Rubén Frías, Antonio Rodríguez. Versión y dirección: Carlos Tuñón.
De dioses y simios
Hace años, en Semana Santa no se podía ver teatro porque era una falta de respeto ante el calvario y muerte de Jesucristo. Ahora, por suerte, no solo hay teatro programado en toda la ciudad de Madrid, si no que podemos encontrarnos funciones irreverentes que nos hacen pensar sobre los mitos y creencias.
En la Sala Lagrada se ha representado «Últimas palabras de copito de nieve» de Juan Mayorga en un montaje de la Compañía Arte de Urgencia dirigida por David Trueba. El texto de Mayorga sigue de rabiosa actualidad después de haber pasado años de la desaparición del emblemático simio. Y sigue de actualidad porque supo unir muy bien la anécdota frívola de subir a los altares a un mono blanco; por ser diferente al resto y porque su discurso se sustenta en reflexiones filosóficas que nos vienen muy bien tener en cuenta en estos tiempos donde es tan difícil diferenciar entre lo ético y lo ridículo. Plantear la puesta en escena en un salón que podría ser el establo que había en los pueblos tras las casas, es muy acertado. Y el toque burlesco del cuidador, ayuda a comprender mejor la dimensión entre el simio civilizado y el salvaje.
En el Teatro Galileo, Jesús se bajó de la cruz para hacer un acto de valentía y expresar todas aquellas dudas que muchas veces nos han asaltado ante una procesión o la estampa del crucificado. Eduardo Velasco, en El profeta loco, se enfrenta a la escena con entrega total y aprovecha cada detalle e idea para conseguir que el público se sienta cerca del «misterio» y al tiempo sea crítico con toda la parafernalia y negocio que siempre rodea a todo lo concerniente al gran mito de la historia que es Jesús de Nazaret. Sorprende que justo en estas fechas se pueda disfrutar de una propuesta tan diferente a las que habitualmente podemos acceder, algo debe estar pasando en nuestro país o tal vez es que los artistas ya están muy cansados de seguir haciendo la corte a un mundo lleno de injusticias y desigualdades.
Adolfo Simón
NOC, un autentico vodevil en el Teatro del Arte
En diferentes ocasiones han visitado nuestros escenarios Los Quintana, una Compañía liderada por dos experimentados artistas del cabaret made in Buenos Aires. Nos han deleitado con sus personajes disparatados y sus historias melodramáticas en clave de play-back. Ahora, uno de los componentes de ese colectivo, David Quintana se ha lanzado a llevar a cabo una idea: NOC, en la que bebe de las fuentes del cabaret, el music-hall y el café teatro, aderezado con unos toques de cómicos monólogos y acrobacias. Una propuesta original por la mezcla de lenguajes que ejecutan con precisión y contundencia el equipo de artistas que componen este vodevil para un nuevo milenio.
Adolfo Simón
The Rocky Horror Dramakuin Show en La Strada
La película de culto The Rocky Horror picture show es todo un clásico para montar una fiesta siguiendo las costumbres que se generaron en los cines cuando se estrenó. Dramakuin producciones ha rescatado esta tradición y le ha dado ese toque cabaretero underground en el que lo que importa no es una gran producción escénica ni grandes vestuarios, sino la provocación y hacer que el público participe y se desinhiba viendo esta película-musical. Con la película de fondo,un kit especial para utilizar en los momentos clave y una animación que hace ver la película como sí estuviéramos en una moderna sesión 3D pasaremos una sesión de petardeo más variado que el brunch del Palace.
En una sesión golfa, los viernes a las 00.45, nos podremos encontrar con los personajes de la película en vivo y con un público entregado que ya se trae la boa de plumas de casa. Un tributo más para esta película que siempre deja huella al que la ve.
Luis M. García Grande
Árbol de Lacosaneutra&Cía en Espacio Labruc
Árbol es un cuento fantástico donde las personas son una metáfora de la naturaleza. Hay seres que son como arbustos que viven pegados al miedo y los hay que son hierba fresca sobre la tierra…y también aparecen árboles con raíces profundas que se sumergen bajo nuestros pies, ahí crean su espacio vital, su modo de vida. La naturaleza no tiene reglas ni un lenguaje común, cada rama o brote es un mundo particular. Aquí, en la pieza teatral, se establece una lucha entre lo natural y lo artificial como metáfora de un mundo que nos atrapa en viveros de alquitrán. Ángel Málaga ha creado una puesta en escena sencilla que da vuelo al texto y que facilita que los actores comuniquen su poética al espectador.
Adolfo Simón
Sueños y pesadillas de Wagner en el Teatro Real
El Teatro Real sigue con su interesante programa pedagógico para niños-as y familias. En este caso, la idea era fomentar nuevo público para la obra inmensa de Wagner. Para ello han creado un espectáculo titulado Sueños y pesadillas de Wagner, en él, el propio compositor sueña con sus personajes y vive la creación de su música frente a los espectadores. Una pieza sencilla pero intensa. La dirección musical corrió a cargo de Till Drömann y el guión y puesta en escena fue creación de Patrick Hahn. La acción transcurría en la escenografía que hay en estos momentos en el Teatro Real y que pertenece a la ópera Lohengrin que se representa estos días en Madrid.
Adolfo Simón
Tania Arias en Teatro Pradillo
Tania Arias es una intérprete de danza y performance con una formación excelente. A lo largo de su trayectoria ha tenido ocasión de colaborar con diferentes profesionales de las artes escénicas de los que, seguro, se ha nutrido a nivel formativo. En el último trabajo presentado en la Sala Pradillo nos mostró su visión sobre la danza y el movimiento, acompañada de unos profesionales de lujo como son Mónica Valenciano, Mauricio González y Sindo Puche. Durante las dos horas que duraba la propuesta, mostró sus perspectivas sobre el espacio, el público, la música, el movimiento y la interpretación…Un laboratorio ante los ojos del espectador. Una propuesta arriesgada en la que tal vez sobraba la dilatación de algunas piezas que terminaban perdiendo el sentido del planteamiento inicial.
Adolfo Simón
Blanca Li: Entre la poética y el estrés tecnológicos.
Para Blanca Li el mundo siempre va para adelante y ella le planta cara sin miedo. A través de «Robot» ha logrado convencernos de que la «Revolución tecnológica» tiene más ventajas que inconvenientes y que hay que adaptarse a lo que venga, aunque sea a fuerza de un duro trabajo. A Blanca le ha costado comprender cómo baila un robot y cómo puede ayudarle en su trabajo, pero al final ha salido fortalecida y ha ganado la batalla tecnológica.
La reflexión que se realiza en la obra sobre el mundo contemporáneo y la adaptación del hombre a la máquina es profunda, partiendo de un trabajo corporal de los bailarines que pasa de lo orgánico a lo robótico en continuas evoluciones. La experimentación sobre el movimiento comienza con un acercamiento y, a medida que sube el ritmo de la música los bailarines experimentan en sus carnes ese cambio tecnológico que cada día nos va invadiendo. La metáfora es pura, lo que se ve no necesita aclaraciones.
Estas reflexiones crean una coreografía para 8 bailarines cuyos movimientos activan los extraños instrumentos musicales de Maywa Denki y la música del español Tao Gutiérrez.
Pero el Talento de Blanca, aparte de residir en una buena formación y coreografía, reside en su manera de ver la vida y de reflejarla en sus espectáculos: El humor y el contraste de visiones sobre la danza se reflejan fielmente en este espectáculo que pasa por la música japonesa, la africana, la electrónica, la samba y el cuplé mezclándose con retazos de escenas pop y pas à deux con robots que nos enternecen y nos recuerdan a Fred Astaire y Ginger Royers.
En fin, un espectáculo que ensalza el arte de la danza y que nos hace pensar, emociona, llega al corazón y nos recuerda que merece la pena arriesgar en la vida y andar con paso firme y tacón alto por la vida.
Luis Mª García Grande.
www.teatroscanal.com/espectaculo/robot-danza-blanca–li
«El Banquete. Noche de borrachera filosófica» llega a Nave 73
Después de haber pasado por FRINGE y por «Ateneo mucha vida», El Banquete, inspirado en la obra de Platón llega a Nave 73 para filosofar sobre el amor. Para ello María Velasco ha coordinado dramatúrgicamente a cinco jóvenes autores: Alberto Conjero, Elena Lombao, Sergio Martínez Vila, Anna R. Costa y ella misma y ha contado con cinco actores que saben encarnar perfectamente personajes como Fedro, Áristófanes, Sócrates y los jóvenes Alcibíades y Agatón, entre los que destaca Miquel Insúa en el papel de Sócrates.
El resultado es fresco, trangresor e innovador, tal y como lo era Platón, y con una calidad que hace que se pueda adaptar perfectamente a diferentes ambientes, ya que lo que importa es el texto y la actuación puesto que un banquete se puede organizar en cualquier lugar y así lo han demostrado. In vino veritas, decía algún romano filosofando… y a partir de este aforismo se construyen visiones diferentes sobre lo que es el amor, una excusa banal entorno a una comida y bebida para hablar de un tema básico en nuestra filosofía desde el principio de los tiempos: el mismo discurso de Platón pero visto con un prisma de modernidad y unido dramatúrgicamente de manera compacta, el texto no presenta fisuras debido a haber sido escrito por diferentes autores y desgrana los puntos básicos que nos proponía el autor de manera fiel pero adaptada a nuestros tiempos.
Merece la pena disfrutar de una propuesta cultural que nos hace pensar, nos hace darnos cuenta de que a veces vivimos tan deprisa y hablamos de cosas tan banales y de tantas sandeces en torno a una mesa que nos hacen indignos de probar una gota de vino.
Luis Mª García Grande.
La voix humaine de Jean Cocteau en los Teatros del Canal
Jean Cocteau escribió el que seguramente es el monólogo más conocido y representado de la historia de la literatura dramática, una pieza exquisita y dolorosa en la que una mujer espera hablar con su amante en la agonía de la relación. Como un animal acorralado, espera el sonido de la llamada para abalanzarse sobre el auricular, las interferencias y cruces de llamadas crean una angustiosa espera para poder oír la voz amada al otro lado del teléfono. En tres momentos, con unos silencios terribles de por medio, ella pueda hablar al fin con él, para no conseguir que ocurra más que lo previsto…el abandono. Es una pieza corta de una intensidad apabullante que siempre ha medido la capacidad interpretativa de quién se ha enfrentado a hacerla. Lo silencios son tan importantes como las palabras, una partitura musical atraviesa la obra y así lo entendió Francis Poulenc cuando escribió la música para convertir el libreto en una ópera de cámara. Juntos, la música y el texto crean un abismo emocional excepcional, un viaje a los rincones más oscuros de nuestras emociones. Paco Azorín ha creado un espacio que reproduce un delicioso apartamento parisino en el que el terror se esconde entre las líneas del papel pintado de la pared. Al fondo, como si en la terraza de este pisito estuviese situada, la orquesta pone la música a la situación dramática dirigida con precisión por Ernest Martínez-Izquierdo. Pero Azorín realiza una tarea aún más importante, dirigir a María Bayo como a la gran actriz que es, no solo está apoyada milimétricamente en lo concerniente al canto de la función si no que vemos a una mujer desesperada y acorralada en una jaula de oro. Pocas veces se ve un trabajo operístico en el que la interpretación esta a la altura de las grandes actrices de nuestra escena. Todavía quedan dos funciones, no se la pierdan, es una delicia escénica…Y sobre Paris llueve sin parar.
Adolfo Simón
www.teatroscanal.com/espectaculo/la-voix–humaine-opera-maria-bayo/
En la memoria del cante: 1922 del Ballet Flamenco de Andalucía de Rafaela Carrasco en el Nuevo Teatro Alcalá
El Ballet Flamenco de Andalucía estrenó el pasado enero en Córdoba el espectáculo “En la memoria del cante: 1922” bajo la dirección de Rafaela Carrasco. Un espectáculo en el que la energía, el equilibrio y la pulcra ejecución consiguen homenajear a las figuras del flamenco y de la intelectualidad de la época que se reunieron en la Alhambra en 1922 en el mítico concurso de cante. Las voces y los ecos de aquel tiempo transitan por el espectáculo mientras un cuerpo de baile espléndido va desgranando distintos palos sobre la geografía de un balcón. Los solistas hacen alarde de bailes llenos de garra y fuerza, acompañados magistralmente al toque y al cante. Cuando aparece Rafaela Carrasco, el escenario se llena de un duende escalofriante que nos traslada a otro tiempo sin dejar de tener el pulso del baile de hoy. Tal vez están demasiado oscuras las escenas y hay demasiado efecto deslumbrante del proyector de video en el patio de butacas. Por lo demás, un espectáculo sobrio e inteligente para hablar de la historia del baile a través de las voces de grandes cantantes.
Adolfo Simón
Que Revienten los Artistas 
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