Fisuras de Diana I. Luque en Escritos en la escena del CDN
Fisuras podría aludir a las heridas físicas de los personajes. Sin embargo, éstas evolucionan hasta volverse lesiones de un riesgo latente: un brazo que podría acabar amputado, unas piernas que, tal vez, no suelden bien y deban volver a romperse, que quizás no vuelvan a servir para bailar o andar. Ambas forman parte del tratamiento de lo siniestro en el texto, de cómo lo cotidiano se torna extraño y temible. David Ojeda, el director, aborda la propuesta en proceso textual desde un cruce de poéticas, como si se estuviesen simultaneando las dos historias en el tiempo. Algo que genera extrañamientos en la escena. Hay momentos de inquietante escenificación en paralelo que le da sentido a la búsqueda de lo contemporáneo en una escritura de laboratorio.
Adolfo Simón
Hambre, locura y genio del Teatro de la Reunión en el Teatro Lara
Juan Carlos Corazza lleva muchos años formando a artistas con diferente trayectoria. Por su estudio han pasado grandes nombres y desconocidos que han dado el salto al teatro o al mundo audiovisual. No es habitual ver propuestas escénicas firmadas por él, es como si no quisiera presentar un trabajo si no está seguro de ser coherente con su forma de entender la presencia del actor en escena. En estos días hay dos piezas breves de August Strindberg que Corazza firma como versión y dirección. Dos piezas de diferente estilo… Débito y crédito es una comedia dramática y El pelícano un drama trágico. Y es un placer ver, desde el patio de butacas íntimo de la sala OFF del Teatro Lara como, se dan la mano en escena actores y actrices que han asimilado el trabajo escénico como un espacio de comunicación y escucha. Donde no hay diferencias entre el elenco y que todos trabajan codo con codo para que la poesía y la emoción se instale en el escenario. Habría que nombrar a todos los actores, más conocidos o menos porque todos ponen lo mejor de sí en esta propuesta.
Adolfo Simón
Fausto de Tomaž Pandur en el CDN
El Fausto de Tomaž Pandur es una ópera plástica, una narración sobre el pánico a vivir en el vacío y la caída en las garras de la tentación como huída de esa vida sin sentido. Fausto es una historia que tienta a todos los creadores por lo ambicioso de su discurso poético. Pandur nos ha acostumbrado a grandes espectáculos donde la literatura dramática se trenza con el universo personal de este director de escena y para que el ritual se lleve a cabo, precisa de actores máquina. En esta ocasión, la plasticidad tiene mucha potencia pero el relato es demasiado literario y sobre todo, los actores, en general, no están a la altura del gesto poético que requiere la ocasión. Todo el tiempo parece que va a estallar una bomba pero la mecha no prende.
Adolfo Simón
Inmunidad diplomática de Alberto Herreros en el Centro de Arte Fernán Gómez
La multiplicidad de tramas y espacios, característicos del thriller, son herramientas difícil de jugar en la dramaturgia escénica. Sin embargo, la propuesta presentada logra hacerlo con sentido. Construyendo, junto con otros elementos, una obra de teatro con tintes de thriller de suspense e, incluso, psicológico. La curiosidad y la intriga se sostiene mediante un interesante macguffin y la amenaza velada que desde el exterior cae sobre una inocente. Sobre estos dos elementos logra entremezclarse todas la tramas y se construyen escenas donde el trabajo actoral aporta el componente psicologico del género. Espacios de inclusión para las llamadas entre los personajes se mezclan con acierto con un espacio realista semi-fijo haciendo que fabula y conflictos avancen. Juego escénico que – a modo de macguffin – atrapa y entretiene a espectador en torno a temas como la violencia de género o la justicia que obvia la idoneidad de usar ciertos medios.
Juan Antonio Marigil
El testamento de María de Colm Tóibín con Blanca Portillo en el CDN
No hay mejor sensación que aquella que nos hace sentir que el peligro acecha desde el escenario. Y no hablo de esos espectáculos en los que temes que te empujen o sacudan físicamente, hablo de esas propuestas en las que sabes que has acudido a un lugar donde se va a abrir la puerta del rito sagrado, donde las meigas acudirán y el duende se abrazará a tu pecho. El testamento de María es un texto hermoso y desmitificador sobre la figura de la madre de Jesús. Una mirada emocionante y profunda de lo que tal vez vivió aquella mujer en un momento que cambió la religiosidad en el mundo. Está contado como si fuese una narración que se recuerda, un recorrido por los pasajes de los momentos cruciales de Jesús de Nazaret. La puesta en escena es sobria y llena de elementos para que una gran actriz como es La Portillo, se sumerja en un juego lúdico y comprometido. Ella llega al escenario caminando en la penumbra y ahí uno siente, desde el patio de butacas, que el teatro abrirá las puertas del imaginario de todos los allí convocados. Ella es una maga y una médium que transita por todos los momentos y personajes de la narración como si estuviesen escritos en su piel y en su cerebro. Blanca Portillo no está sola en escena, está rodeada de los fantasmas convocados para que entre en trance y nos traslade a aquel tiempo. Pocas veces hay peligro en el patio de butacas y muy pocas hay teatro en mayúsculas en la escena, en esta ocasión hay de ambos.
Adolfo Simón
Sueños y visiones del rey RICARDO III De William Shakespeare en el Teatro Español
¿Es posible encontrar la emoción sanadora, allí donde residen las palabras más dolorosas y terribles? ¿Nos sentimos transportados, fascinados, al contemplar la devastación total? ¿Qué hay allí, en la frontera entre la razón y el desvarío? ¿A qué desoladas playas del misterio nos arroja? ¿Por qué el dolor está tan cargado de hermosas palabras? ¿Es posible que, en lo más profundo de la tragedia, allí donde el ser humano ha sido arrastrado por el caos, el miedo, la angustia, la turbación máxima, sople una brisa depurativa y se escuche una catártica y embriagadora letanía de mujeres bañadas en duelo? ¿Queda algo tras la destrucción brutal, tras el paso del más feroz huracán emocional? ¿Es posible encontrar respuesta allí, donde algo se rompió en nuestras entrañas, allí, donde habita la enfermedad, el más desgarrador trauma, la deformación? ¿Es posible encontrar allí, un momento de conciencia total y definitiva?. Todas estas preguntas se ha hecho el director de escena Carlos Martín para abordar este clásico de Shakespeare en versión de José Sanchís Sinisterra, creando una propuesta de atmósfera opresiva y desasosegante.
Adolfo Simón
DONDE HAY AGRAVIOS NO HAY CELOS de Rojas Zorrilla en la Compañía Nacional de Teatro Clásico
Hasta el 14 de diciembre se puede disfrutar de Donde hay agravios no hay celos de Francisco de Rojas Zorrilla con dirección de Helena Pimenta y versión de Fernando Sansegundo. Una historia de equívocos llena de locura e ingenio en la puesta en escena y en los gags que propone la versión y que los actores desarrollan exquisitamente para deleite del público.
Adolfo Simón
ORPHANS de UpArte en Kubik Fabrik
En una noche tranquila, Helen y su marido Danny, están celebrando el embarazo de su segundo hijo, cuando irrumpe en el domicilio el hermano de esta, Liam, con la camiseta llena de sangre, esto hace que a partir de ese momento todo cambie en sus vidas. A veces, en la paz del hogar se cuela el horror que siempre ha estado latente en cada rincón de la casa, basta una excusa mínima para que el techo protector estalle y muestre los monstruos amordazados ocultos en los armarios. Una propuesta realista que dejaba entrever el horror que hay en el fondo del ser humano.
Adolfo Simón
Smiley de Guillem Clua en el Teatro Maravillas
Esta función debe dejar de estar programada en una franja nocturna para pasar a un horario de máxima audiencia. Sencillamente porque es estupenda, sin pretensiones, para todo tipo de público e inteligente. En principio parece que es una obra dirigida al público gay pero ya en la promoción se avisa que es «una historia de amor». Y ese es su gran acierto, tratar la historia del encuentro de dos chicos en busca o no del amor sin darle importancia ni diferenciando nada por el hecho de que sean de sexo masculino. A estas alturas de la película, es un placer ver que los problemas, miedos o deseos no tienen sexo; ha tardado tiempo nuestra sociedad en aceptar esto pero ya se están consiguiendo frutos de todo el trabajo realizado por dar igualdad a todos los seres humanos, más allá de lo que hacen en la cama. Además, el montaje es ágil, con guiños al público, divertido y lleno de situaciones que reconocemos pero que está muy bien verlas en un escenario, porque se puede reflexionar mejor sobre ello. Y hay dos actores: Ramón Pujol y Aitor Merino que juegan a la ficción como si fuese el juguete que siempre pidieron a los Reyes Magos y que por fin les ha llegado. Y de todo esto tiene la culpa un texto ingenioso y actual de Guillem Clua que también ha dirigido la obra.
Adolfo Simón
Delicia de Triana Lorite en La casa de la Portera
Cuando entré en la sala verde de La casa de la portera tuve una visión, una regresión en el tiempo, de golpe me encontré frente a Lola Gaos que probaba delicias culinarias. Y de golpe, la visión se duplicó y vi entrar a la sala a Laly Soldevilla para una cena ceremonial con la Gaos. Madre mía!…¿Estaba viajando al pasado y me encontraba frente a estas insignes actrices de la historia de nuestro teatro en un ritual privado entre las dos?…¿Qué estaba pasando?, desgraciadamente, no creo que mucha gente que lea estas líneas recuerde quién fue Lola Gaos y Laly Soldevilla; así de cruel es lo efímero de esta profesión. En realidad, estaba en medio del ceremonial de visiones de la protagonista de Delicia, la última locura que se instala entre estas paredes. De nuevo, la protagonista es una portera que podría haber sido la que habitó ese lugar. Y de nuevo, asistimos a un teatro en el que se dan la mano el esperpento y el realismo, funcionando perfectamente. Hay una energía en ese espacio que facilita la creatividad y la locura, siempre en la dosis apropiada para que el espectador disfrute. Alberto Velasco presenta de nuevo un trabajo en este peculiar teatro, en esta ocasión dirige la pieza, dando juego y delirio a la parte del texto donde hay más pesadilla y dramatismo, cuando la realidad se instala de la mano de las citas bíblicas, el texto decae pero Velasco mantiene el pulso para que siga captando nuestro interés.
Adolfo Simón
Los nadies en Espacio Labruc
Los nadies es una propuesta a caballo entre el teatro sensorial y la danza, creada por Carolina Calema a partir del texto de Eduardo Galeano. En la cercanía del Espacio Labruc, los espectadores asisten a un ritual en la niebla del tiempo, intuyendo unos personajes que se persiguen por laberintos filosóficos y mentales. Un teatro para paladares que gustan de la abstracción y las atmósferas oníricas.
Adolfo Simón
Nora x 2 en los Teatros del Canal
Hay pocas oportunidades de asistir, en el mismo día, a dos propuestas sobre un mismo texto. En estos días, en Madrid, gracias a la programación de los Teatros del Canal, hay dos lecturas escénicas sobre Casa de muñecas de Henrik Ibsen. Por un lado, se programa una producción que viene desde Valencia, dirigida por Ximo Flores que ha apostado por seguir a pies juntillas el texto de Ibsen, salvo la traslación temporal de la acción que se sitúa en la actualidad, en un mundo burgués, el resto es fiel al autor. Hay unas frases celebres que van salpicando las proyecciones durante la función y que dan acento dramático al desarrollo del montaje. En la función de noche, adaptando su trabajo a la escenografía de la producción valenciana, hay otro planteamiento muy diferente del texto, de entrada, es una relectura de la autora argentina Griselda Gambaro que sitúa a los personajes de la obra enfrentándose a Ibsen, tratando de reescribir la pieza haciendo un pulso al autor. Pero no solo este aspecto es sugerente si no que, además, hay un tratamiento, aparentemente clásico de la escenificación que se rompe sucesivamente cuando aparecen los deseos y frustraciones de los personajes, ahí, su corporalidad, adquiere comportamientos que rompen el realismo de la situación. Este planteamiento, cercano a la danza contemporánea, le da al montaje unos niveles de discurso y profundidad, muy interesantes, mostrando una Nora que no necesita dar portazo al final porque ya se lo ha dado al autor en su misma cara.
Adolfo Simón
VERmentiDAD de Acción Escénica Inclusiva Avatares en La Casa Encendida
El Teatro es un arte milenario, inmortal, que ha sobrevivido a la llegada de nuevas tecnologías y lenguajes como el cine, a crisis políticas y económicas, etc. Está por encima de las modas, es atemporal, universal, su poder transformacional lo convierte en algo esencial para la sociedad. La propuesta de la compañía Acción Escénica Inclusiva Avatares, en la que trabajan personas con discapacidad física, es una prueba fehaciente de ello.
Más de 80 millones de personas (alrededor del 16% de la población de la Unión Europea) tiene algún tipo de discapacidad. La tasa de empleo de este sector de la población asciende al 45% en la UE, siendo además uno de los grupos sociales más afectados por la crisis económica.
El 3 de Diciembre, Día Europeo de las personas con discapacidad, fue la fecha elegida para estrenar VERmentiDAD, una obra onírica donde personajes mitológicos como Medusa o una sirena y literarios como el doctor Jekyll y Mr. Hyde se mezclan con el mundo a pesar de sus diferencias. Juzgamos la apariencia externa y vemos lo que nos distingue en lugar de lo que nos une: el amor.
Las preguntas también nos las deberíamos hacer los profesionales de las artes escénicas: ¿Por qué no pueden interpretar personajes de Shakespeare, Lope, Calderón o Lorca actores con discapacidad? ¿Por qué es tan poco habitual ver una silla de ruedas en un escenario?
Pero como siempre, aunque el teatro viva del conflicto, la realidad supera la ficción. La calamitosa organización del Parlamento Europeo sólo habilitó sitio para dos personas en silla de ruedas en el auditorio dejando fuera al resto, que tuvieron que visionar la obra desde el patio en una pantalla… Y el terrible monstruo social que llamamos exclusión enturbió el acto el peor día posible.
Aún quedan muchas barreras por derribar…
Jorge Azcona
Beloved Sinner, una creación de Denis Rafter en el Teatro Español
Beloved Sinner es un monólogo sobre los últimos años de Oscar Wilde que aborda la figura del escritor como héroe tragicómico, un héroe en el sentido de la tragedia griega: un hombre que se autodestruye dejándose vencer por la debilidad de su condición humana. La sala pequeña del Teatro Español nos está deparando gratas sorpresas en esta temporada. En esta ocasión, hay la ocasión de asistir a una clase magistral escénica. Denis Rafter es actor, director y escritor pero sobre todo es un hombre de teatro con una larga y rica trayectoria. Tomar un café con Denis o asistir a un ensayo suyo o verle es escena es la oportunidad de descubrir y conocer el complejo mundo del teatro. Aquí, con la excusa de Oscar Wilde, nos acompaña durante hora y media para mostrarnos la belleza y el horror de la creación. Una oportunidad única de asistir y disfrutar de lo que hay más allá del escenario. Y además, el espectáculo es en inglés con subtítulos en español.
Adolfo Simón
No hay papel de Beatríz Bergamín en OFF LATINA
Ante el vacio uno puede quedarse paralizado o saltar. Ante el horror uno puede mirar hacia otra parte o tomar partido. Ante las injusticias uno puede hacerse pequeñito ante Goliat o lanzarle la piedra al monstruo. No hay papel es un poema dramático atravesado de teatro documento que sirve para los que andamos en la farándula como funambulistas o para todo aquel ciudadano que siente que le han quitado la red y no puede saltar desde el trampolín para alcanzar sus sueños. En No hay papel hay breves confesiones íntimas, hay información sin manipulación y hay un cuento de dos hermanas que se soñaron igual para descubrir que en la diferencia y los desencuentros se puede crecer y seguir amando. Ángeles Martín es una actriz que transita por el escenario como si estuviese en el salón de su casa, con el corazón en la mano, al lado, siempre atenta está su amiga-actriz Beatríz Bergamín; juntas crean teatro de emoción y actualidad de la mano del director Víctor Velasco.
Adolfo Simón
Los brillantes empeños en Nave 73
Cuando todo haya terminado,
cuando seamos huérfanos de alma,
cuando solo quede la piel de una patata pegada al paladar,
cuando deseemos el sexo de un hermano,
cuando la piel siempre esté sucia…
Las bocas se llenarán de aliento por el habla,
las palabras de nuevo nos salvarán.
Pablo Messiez ha compuesto un retablo barroco de otro tiempo, no sé si futuro o pasado, ha construido una nueva partitura textual con retazos de piezas del Siglo de Oro. Y lo ha hecho en un espacio despojado y de la mano de unos actores sin miedo al precipicio.
Adolfo Simón
Camisas de Fuerza en OFF LATINA
Como dice la canción de Serrat…»Cada loco con su tema». Y si, dos locos hay en escena, en todos los sentidos, como personajes y como actores. Jugando cada frase y cada acción como un acertijo delirante. Pero la gran sorpresa viene al final cuando nada es lo que parece, porque los locos y los borrachos son los únicos que dicen la verdad. Y al final, nos vemos reflejados en ese juego delitante de espejos que ponen ante nosotros.
Adolfo Simón
“María La Jabalina” en Lagrada
“María La Jabalina” escrita y dirigida por Lola López es un proyecto de La Hongaresa creado a partir de la vida de la miliciana anarquista María “La Jabalina”, nacida en Puerto de Sagunto y última mujer fusilada por el franquismo. Los documentos y testimonios históricos permiten rastrear su vida, desvelándose un periplo vital propio de los personajes trágicos. Lola López ha conseguido crear una propuesta de teatro documento en el que se cruza su periplo personal con la historia de este singular personaje. Un espectáculo íntimo y sencillo que conmueve y conciencia.
Adolfo Simón
Punk Rock de Simon Stephens en el Conde Duque
De nuevo, La Joven Compañía acierta en la propuesta con la que abre la nueva temporada de exhibición del trabajo realizado en los últimos meses. En esta ocasión, con Punk Rock, abordan los problemas de los adolescentes enfrentados a ese momento complicado donde tienen que aprender a relacionarse, a elegir su futuro y a encontrar un hueco en la sociedad que les ha tocado vivir. La obra transcurre en un Instituto en el que iremos viendo como los deseos frustrados y la realidad deformada provoca situaciones trágicas que superan a los protagonistas. La puesta en escena contiene elementos reales cruzados con mundos imaginarios. Y el joven elenco se deja de nuevo la piel en la escena.
Adolfo Simón
«La Vidente» en el Teatro Arlequin
Josele Román le ha cogido gusto de nuevo al teatro después de interpretar un personaje en «Lifting» ha querido meterse también con la creación y dirección de obras de teatro. El primer intento nos la presenta como una vidente que condiciona la vida de otros de una manera un tanto improvisada. La sugestión puede hacer que simplemente sucedan cosas que no tenían por qué suceder ni estaban en nuestro destino. Esa misma sugestión ha hecho que una actriz pase a ser directora y escritora, aunque no esté formada para este oficio y su experiencia tenga que crecer si quiere seguir en la cartelera o bien dejarse asesorar por personas expertas que ofrezcan los resultados de «Lifitng» Pero…si quieren tener la oportunidad de ver a una diva underground, que unas veces nos recuerda a Divine, y otras a Alaska, pásense a ver a Josele,
Luis Mª García Grande
El zoo de cristal de Tenesse Williams en el Centro de Arte Fernán Gómez
Tenesse Williams es uno de los autores más importantes del siglo veinte y seguramente el dramaturgo norteamericano más relevante de la historia, cuyas obras han sido adaptadas al cine en numerosas ocasiones. El zoo de cristal es junto a Un tranvía llamado deseo y La gata sobre el tejado de zinc una de sus obras más representativas en las que retrata de forma magistral la sociedad estadounidense de los años treinta, los años de la Gran Depresión. Y es que el famoso Crack del 29 fue algo más que una crisis económica, fue un golpe a los sueños de toda una generación, el país de las oportunidades perdió su identidad sumergiéndose en la tristeza. Tenesse Williams retrata esta época a través de una familia, como es habitual en sus textos, en la que el sueño americano queda reducido a ganar un jornal para alimentarse y poder pagar la luz; donde las relaciones paterno-filiales marcadas por el abandono y el fracaso desestabilizan la fragilidad de unos personajes sin futuro.
La versión de Francisco Vidal respeta la puesta en escena clásica, llena de convencionalismos, con la que estos textos han cobrado vida en los escenarios durante setenta años.
Silvia Marsó capitanea de forma brillante un elenco dinámico y lleno de chispa.
Jorge Azcona
66 ejercicios de estilo en Teatro Pradillo
Raymond Queneau publicó Ejercicios de estilo en la década de los ochenta y fue un revulsivo para la escena, hizo que la gente de teatro pensase de otro modo las situaciones dramáticas, desde múltiples perspectivas. Desde entonces, siempre que hay variaciones dramatúrgicas se piensa en Queneau. 66 ejercicios de estilo están inspirados en este material dramático. Raúl Marcos y Jesús Barranco se han embarcado en un planteamiento sencillo de origen: Elegir una situación y acciones concretas y llevarlo a todas las opciones escénicas que se les ocurriesen. Esta segunda parte es la más complicada porque, si bien hay múltiples lenguajes teatrales, hay que definir muy bien cuáles y por qué se eligen. Creo que si hubieran elegido 50 opciones, habrían descartado alguna confusa y otras que se parecían mucho a alguna ya mostrada. Otra cosa a tener en cuenta es que, muchas de las propuestas provocaban las risas cuando en realidad era dramáticas en origen. Aún así, un ejercicio actoral de interés.
Adolfo Simón
Los impostores en Cuarta Pared
Esta propuesta de los autores Enrique Bazo y Yeray Bazo, surgida dentro del proyecto ETC de Cuarta Pared, ha sido llevada a escena por la compañía canaria República Teatro. En estos tiempos de intolerable impostura, la historia muestra la familia como un continuum: lo que somos dentro determina lo que hay fuera, y el sentir de que somos una familia, un país, para observar con lupa como quedan atrapados en una tela de araña que ellos mismos construyen. Un espectáculo sencillo que muestra una forma peculiar de contar los entresijos enfermos del núcleo de la sociedad: La familia.
Adolfo Simón
Hacía la alegría de Olivier Py con Pedro Casablanc en La Abadía
Un hombre -interpretado por Pedro Casablanc- se levanta en mitad de la noche, movido por una especie de presentimiento que le empuja a vestirse y a correr por la ciudad. Es un arquitecto que ha perdido la energía espiritual necesaria para la creación artística. Así comienza Hacia la alegría, nuevo texto de Olivier Py, director del Festival d’Avignon, que él mismo ha dirigido. Este lúcido monólogo interior va acompañado por un sugerente juego de objetos y sombras y la música en directo de Fernando Velázquez. Hacia la alegría forma parte del proyecto europeo Cities on Stage/Ciudades en Escena, ambiciosa colaboración internacional que centra la mirada teatral sobre la ciudad. No vamos a descubrir ahora el nivel actoral que tiene Pedro Casablanc pero en este montaje, se enfrenta a un trabajo complejo del que sale absolutamente airoso. Su entrega física, rayando la animalidad, permite que construya un personaje cercano a nosotros y al tiempo entroncado con el Segismundo de La vida es sueño. Un ser que trata de discernir lo que hay en su imaginación de lo que es la realidad del día a día. Un trabajo excelente.
Adolfo Simón
Que Revienten los Artistas 
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