EL CASTIGO SIN VENGANZA en los TEATROS DEL CANAL
Ernesto Arias dirige este conocido y hermoso Lope de Vega trágico, con montaje acertado que se resuelve con una espléndida escenografía original de Almudena López Villalba, una hermosa iluminación de Chaine Yavroyan y un movimiento de actores en escena que crea unas realidades continuas, superpuestas y oníricas que llenan de belleza los ojos. Propuesta actual de la Fundación Siglo de Oro (RAKATá), en la que el verso está muy bien dicho en general, lo que hace comprensible toda la historia, algo que se agradece desde el público, con un efectista final que se queda en la retina como un cuadro barroco, hermoso y trágico. Destacar cómo no a Julio Hidalgo, siempre creíble. Alejandro Saá que se dobla en narrador y criado y que juega tan bien las intenciones del verso. Jesús Fuente, un Duque que transmite seguridad y experiencia. Elena González como Lucrecia, una madrastra dulce y generosa que termina amando con toda la pasión del amor y Pablo Gómez Pando, que defiende con mucha dignidad el personaje de Federico. El resto muy bien. Un grupo compenetrado y compensado. El público abarrotaba la Sala Verde de los Teatros del Canal y la ovación fue grande y merecidísima, así sale uno del teatro encantado de pasar dos horas entretenido y feliz.
Ángel Savín
http://www.teatroscanal.com/espectaculo/el-castigo-sin-venganza-teatro/
Mentiras y verdades en la escena madrileña
Si hay un mandamiento que no permite mentir, será por algo. Mentimos muchas veces para ocultar la verdad, porque si dijésemos siempre la verdad, sería terrible y no podríamos convivir con los demás…
En la cartelera de Madrid hay dos propuestas que juegan en ambos bandos…en una la mentira es el eje del espectáculo y en la otra, decir la verdad a toda costa es lo que mueve la acción.
Sushi_mentiras_y_cintas_del_pelo_ de Luis García-Ferreras en Labruc, nos muestra el laberínto enloquecido de estrategias que la protagonista ha de hacer para conseguir que su pareja no asista a la primera cena con los padres de ella. Habría sido tan sencillo como decirle que tenía miedo a que al hacer pública su historia de amor, los demás la desmontasen. Pero como no somos capaces de aceptar nuestras inseguridades, convertimos momentos de placer en situaciones terroríficas. La comedia es la mejor manera para afrontar estas situaciones y en Sushi…hay muchos gags delirantes que acompañan al público en horas golfas de programación y de los que son artifices los dos actores de esta pieza… Mónica García-Ferreras y Joan Pico.
Los cuatro de Düsseldorf de José Padilla en El Sol de York, es el resultado obtenido gracias a las residencias artísticas que promueve este espacio escénico. Y aquí, el eje de la trama es, precisamente…¿Qué pasaría si siempre decimos la verdad?…Pues que esta opción se convierte en un arma potente con la que cambiar las manos de quién mueve los hilos del poder. Solo la verdad no puede existir, para que ella entre en juego ha de situarse encajada entre un par de mentiras creíbles. El ingenio de los que están manejados por los poderosos, provoca ideas disparatadas con las que conseguir que quien manda se convierta en un pelele y quien ha estado oprimido consiga desligarse de esta lacra. Rítmo escénico y juego teatral en un espacio sencillo para mostrar este loco juego del ratón que persigue al gato. Y para ello, cuatro actores entregados a la ficción: Mon Ceballos, Helena Lanza, Delia Vima y Juan Vinuesa.
Adolfo Simón
Los satisfechos de Trasto Teatro en Nave 73
Con texto original de Raúl Cortés, la compañía malagueña Trasto Teatro desembarca en Madrid con Los Satisfechos. Un drama hecho comedia que pone el punto de atención en la rebeldía y la valentía de los desposeídos. Una propuesta esperpéntica en la que tres intérpretes deambulan durante hora y media por paisajes donde el hambre devuelve al ser humano su condición del animal que intenta sobrevivir a toda costa. Un mundo que parece de ciencia ficción y que tal vez esté a la vuelta de la esquina. Una puesta en escena sencilla y ritual para un teatro que huye de los códigos fáciles en la escena para indagar en el profundo efecto y utilidad que ha de tener el teatro de hoy y siempre: Hacernos pensar.
Adolfo Simón
Mujeres…aquí volvermos con dramaturgia y dirección de Yolanda Monreal en Bululú
¿Algún día será posible que no tengamos que celebrar el día de nada?, difícil será…y más cuando parece que el tiempo es un bucle y que todo vuelve a repetirse cuando menos lo esperamos. El ser humano nunca deja de sorprender, no siempre para bien y de tropezar en la misma piedra. Cuando ya parecía que se habían conseguido derechos y libertades para la ciudadanía y que todos aquellos horrores que ocurrieron hace medio siglo no volverían a repetirse, hay que volver a echarse a las calles y a los escenarios para darle a la memoria su lugar y reivindicar-evitar que el horror vuelva a ocupar nuestras calles y nuestras casas. Yolanda Monreal es una mujer de teatro que siempre ha estado peleando por un teatro vivo y combativo. Este fin de semana, aprovechando que la celebración tiene que ver con la mujer, ha creado una dramaturgia contundente con poemas, canciones e historias reales de mujeres que pelearon en otro tiempo por un lugar digno para ellas en la sociedad. Y lo ha dirigido como un pequeño cabaret literario político que hizo las delicias de los presentes ayer en el estreno. Yolanda está bien acompañada en escena por Ani Sun, Emi Caínzos, Lucía Esteso y Nini J. Dols. Hoy también hay función en Bululú con coloquio posterior.
Adolfo Simón
El nombre de la rosa de Umberto Eco en el Teatro Nuevo Apolo
El reto de llevar a la escena, la novela que después fue espléndida película, de El nombre de la rosa de Umberco Eco es grande. La historia nos es familiar de algún modo porque no solo nos habla el autor de una serie de acontecimientos puntuales que ocurren en la siniestra Abadía si no que nos hacen reflexionar sobre el poder y el horror sobre la manipulación de la mente del ser humano a través de las creencias. Ese laberinto de piedra y oscuridad por donde se pierden y aparecen los personajes casi fantasmagóricamente, es necesario que sea un personaje más, ha de instalarse en el imaginario del lector o ante los ojos del espectador para que cuando se acceda al espacio de la sabiduría y el conocimiento, podamos entender el valor de la perdida de estos. Sin duda alguna, el espacio escénico es un gran acierto, un gigantesco libro que se abre y se transforma es todos los lugares precisos para que ocurra la trama de esta historia. El equipo de actores es compacto y consiguen inquietarnos en cada una de sus apariciones. Una apuesta monumental de la que salen bastante bien parados todos los creadores del espectáculo.
Adolfo Simón
EL PERRO DEL HORTELANO EN EL TEATRO DEL CANAL
La Sala Verde de los teatros del Canal presenta estos días El Perro del Hortelano, una pieza imprescindible del teatro del Siglo de Oro, un texto maravilloso y divertido de Lope de Vega. El vestuario clásico y espléndido, diseño de Lorenzo Caprile, una escenografía interesante y sencilla, de Fundación Siglo de Oro (RAKATá) crean un marco muy bien iluminado por Chaine Yavroyan y todo ello bajo la dirección de Laurence Boswell y Rafael Díaz-Labín, una pieza bien conocida que define el amor y los celos y el no comer y no dejar comer. Que pone de manifiesto que el amor entre clases distintas es una afrenta al honor y que coloca a cada oveja con su pareja, cuando Teodoro se hace conde, genera un laberinto de intrigas ameno y divertido, quizás en ese afán de divertir es donde encuentro un pero, hay tres maneras de interpretar que se simultanean; la aparente naturalidad de Diana y Teodoro, por un lado; el histrionismo de los pretendientes, por otro y el torbellino de gestos y rapidez con que Tristán se muestra, esto quizás merma las posibilidades pues confunde y hace que la verdad de lo que se cuenta quede tapada y hace difícil percibir las emociones del amor. A destacar pese a todo la labor de Julio Hidalgo como un espléndido Marqués Ricardo y Alejandro Saá, que se deja la piel en un Tristán divertido y dinámico. El teatro estaba abarrotado y el público aplaudió generoso, puede ser que yo llevara unas expectativas muy altas, seguro que sí…
Ángel Savín
http://www.teatroscanal.com/espectaculo/el-perro-del-hortelano-teatro/
«Desnudando a los clásicos» en los Actos íntimos de Santi Senso
Santi Senso ha desembarcado en Nave 73 para desnudar a los clásicos a su manera. En esta ocasión deja que los personajes femeninos sean interpretados por un hombre: Vicente Navarro y acompañados por la música de Cary Varona. Si ustedes se apuntan a esto de los «actos íntimos» y únicos creyendo que van a ver a estos actores declamar y recitar textos se equivocan… Santi lo que quiere es acercarse por medio de un acto íntimo a lo que sienten esos personajes a través de un trabajo muy concienzudo que los va deconstruyendo hasta llegar a su alma para luego cogerla y reinterpretarlos tal y como él los siente. Santi ha logrado crear una técnica, por ahora, inclasificable para interpretar y expresar textos de estos autores y para que nosotros lleguemos a sentir cada uno nuestras impresiones sobre un determinado personaje.
Acérquense no a ver, sino a sentir a los clásicos de la mano de Senso.
Luis Mª García Grande.
Dorian de Carlos Be en La Pensión de las pulgas
Los niños juegan al dolor en las habitaciones azules…
Los niños se visten a escondidas con las ropas de sus hermanas…
Los niños descubren que el placer seduce y duele…
Los niños pintan cuadros con carmín y esperma…
Los niños se esconden tras máscaras y se anudan los tobillos…
Los niños rompen el tiempo en los relojes…
Los niños saben que la piel es efímera…y las caricias más.
Carlos Be ha escrito un hermoso texto que trasciende la historia de Oscar Wilde para hacer de este cuento de monstruos y efebos un viaje atemporal, que ocurrió o no en Turquía en el siglo IV y que podría haber existido en Nueva York o Paris en el siglo pasado. Nunca ha muerto Dorian porque él se esconde entre los pliegues de la piel cuando esta envejece. Este vampiro de sueños y deseos trasciende al tiempo y las guerras porque su misterio se camufla tras una sonrisa mortal. El autor casi ha escrito un tratado filosófico sobre la belleza, el dolor y el tiempo. Y lo sitúa certeramente en un mundo donde el arte vale lo que pagues con el cuerpo y la mente. Porque todos queremos atrapar la belleza pero más nos seduce si podemos dominar el deseo y los sueños de los otros. Un texto sólido, lleno de espacios literarios para la cabeza y para el corazón de quien lo escuche. Y además, se ha enfrentado a dar vida a lo dibujado en el papel y acompañado de un equipo de «niños deliciosos y traviesos» ha construido un mundo de fantasmagorías donde vemos pedazos del puzle vital de los personajes y por momentos, nos dejan entrever los rincones oscuros donde juegan a la ruleta rusa del amor. Si quieren ir a ver un trabajo ligero y divertido, no vayan a ver Dorian, solo han de acudir aquellos espectadores que deseen sentarse sobre butacas forradas de cuchillas de afeitar. Ahora bien, si quieren vivir una experiencia inquietante, vayan a ver esta obra a La Pensión de las pulgas y dejen que Dorian deslice por su nuca los labios y…no abran los ojos después.
Adolfo Simón
Antipasti travesti
Ya estamos hartos de esos sandwiches pastosos del Rodilla, así que nos ponemos manos a la obra y salimos a cenar. Para saborear un buen plato es necesaria una buena receta acompañada de ingredientes de calidad y un poquito de maña. Para saborear una buena noche de Madrid hay que encontrar esos «ingredientes» y mezclarlos bien. Primero nos dirigimos a comprar al Teatro Nuevo Apolo donde nos esperan Bimba Bosé y Julia de Castro que nos preparan unos «entremeses» buenísimos a base de harina y buena música italiana de los años 70. Esa que todos cantamos mientras cocinamos y con la que aflora todo nuestro «espíritu karaoke». Las chicas se lo han montado bien entre cazuelas, están espectaculares vestidas como auténticas divas a la italiana y con unas coreografías sencillas pero resultonas gracias al leopardo y la lentejuela.
Nos reímos con la interpretación de Parole, parole y bailamos con el explota explotame explo.. de la Carrá, disfrutamos cuando bajan a cantar con nosotros y a acercarnos sus carnes tersas mientras cabaretean un rato vestidas con delantal.
Una vez más Bimba se aprovecha de su androginia para crear un dúo a lo Grease y poner toda la carne en el asador y mira, salimos más que cenados de este espectáculo… pero nos falta algo, así que, animados por el travestismo de Bimba, nos dirigimos al primer aniversario del club Ciclogénesis en el bar Mind the Gap, donde nos espera nuestro postre: Blas Nusier y Christian Galindo Gómez nos sorprenden con sus performances imposibles y su desfachatez, pero siempre con un toque dulce.
Luis Mª García Grande.
ENSAYANDO DON JUAN EN LOS TEATROS DEL CANAL
La sala Roja de los Teatros del Canal, ha presentado estos días la obra de Albert Boadella, basada en la versión del Don Juan Tenorio de Zorrilla realizada por Eduardo Galán, “Ensayando Don Juan”, escenografía de Anna Alcubierre y el propio Boadella; hermosa y acertada iluminación de Bernat Jansá. Por milagros del teatro, el rebelde y vanguardista Boadella, que dirige la función, elige como protagonista al tradicional y conservador e inmenso Arturo Fernández y, milagros del teatro, acierta de plano.Una propuesta de deconstrucción del mito machista por excelencia, en manos de una directora, Mona Martínez que subraya todo el extremismo de estas posturas y dirige unos ensayos enloquecidos en los que contrasta lo joven con lo viejo o anticuado y contrapone las formas tradicionales de hacer teatro con lo supuestamente vanguardista, para decirnos que aunque hay que evolucionar en propuestas y formas, no se puede prescindir de la maestría y la excelencia, ya que ésta perdura siempre, como los versos de Zorrilla. Juanfri Topera –Manolo el técnico- está fantástico, el resto del elenco cumple bien su función. Pero señoras y señores, el teatro estaba abarrotado hasta la bandera por un público seguidor fiel de Arturo Fernández, al que jamás decepciona, los comentarios eran superlativos, la ovación rotunda y repetida y me pregunto ¿hay algún otro actor al que la gente vaya a ver haga lo que haga? Arturo Fernández es de una estirpe de la que por desgracia ya casi no quedan. Larga vida D. Arturo.
Ángel Savín
Entreactos en La Casa de la Portera
Un entreacto es ese tiempo de espera donde no pasa nada, entre las escenas y actos de una obra donde se supone que ocurren las cosas importantes…la vida. Y sin embargo, a veces, la verdadera vida transcurre entre los momentos aparentemente trascendentales, porque la vida no es el fuego artificial sino que en muchas ocasiones, lo esencial es ese momento donde se prende la mecha o las cenizas que quedan al final. En Entreactos de María Inés González y Miguel Ángel Cárcano, asistimos a los pequeños momentos privados que durante diez años viven dos mujeres tratando de construir vida en su relación, a pesar de que los obstáculos en el día a día no les dejen afianzar su amor. Ay! si los sofás hablasen…nos contarían los secretos de los trucos de magia.
Adolfo Simón
Madrid enverbenado en Labruc
A veces, con la velocidad de los cambios tecnológicos que tenemos día a día, vamos dejando la identidad de nuestros lugares de referencia de lado y nos subimos a modas que terminan evaporándose al momento. No todo lo ocurrido en el pasado fue mejor pero hay cosas que recuperar siempre y darles el toque actual, es una forma de conectarnos con la memoria colectiva social que nos hará bien. El colectivo Artes Verbénicas ha conseguido una beca del espacio Labruc y ha trabajo en este espacio para indagar sobre la contemporaneidad y la tradición musical de Madrid y han conseguido el resultado de Madrid Enverbenado, un recorrido por la obra de un artista de vanguardia peculiar y una mirada por su día a día en el encuentro con una persona que le hará ver los muros que ponemos a nuestros orígenes. Un pequeño musical disparatado y sugerente.
Adolfo Simón
De payasos y funcionarios
Cuando alguien quiere insultar a otro, le dice…¡Eres un payaso!…y no sabe que en realidad, está diciéndole que pertenece a uno de los oficios más hermosos del mundo. Los payasos no tienen vida más allá de su nariz, lloran en los camerinos y gritan en las azoteas pero cuando salen a escena, entregan su corazón de papel secante para provocar una sonrisa al espectador que ha venido al teatro para olvidar su realidad…¿Su realidad?…¿Y si la realidad fuese lo que soñamos?…¿Y si en realidad nuestra vida fuese un sueño?…¿Qué habrá cuando despertemos y dejemos de hablar a solas reflejados en un espejo que se ha quedado dormido dentro de una maleta?. El minuto del payaso que por suerte se ha prorrogado unos jueves en Kubik es la oportunidad que tenemos para entrar en la privacidad del payaso y sus miedos, sus recuerdos, sus deseos, sus fracasos…y podamos ver la vida de otro modo, viva… la vida viva encarnada en la piel de un actor espléndido como es Luis Bermejo. Por suerte, los artistas no siempre son pasto de los desalmados funcionarios que tienen como cometido contabilizar el arte por puntos y a partir de aquí, sellar la carpeta del proyecto o creador…y dejarle en un sótano que huele a podrido y cerrado. Vitalicios en la Sala Mirador nos sienta ante el ritual rutinario de tres seres absurdos que ahogan su mediocridad y su falta de creatividad en la tarea de anular o eliminar a los que realmente se juegan la vida en el arte, dentro o fuera de un escenario…Son tan crueles verdugos que a veces, ejecutan de manera simbólica a los que basan su vida en imaginar otros mundos. Pero está claro, en tiempos de crisis, lo primero que hay que hacer desaparecer del mapa es a los artistas y a los viejos, ambos no valen para nada.
Adolfo Simón
Hécuba de Euripides en el Teatro Español
Hay muchos personajes femeninos interesantes en la historia de la literatura dramática. Hay muchas madres conmovedoras por cómo viven su condición de generadoras de vida, la lista sería interminable. Pero pocos personajes femeninos hay como Hécuba, por eso es un gran clásico. Que una madre esté en el tiempo del otoño de su vida y con todo perdido y aún así, sea capaz de reaccionar como el animal protector que todos llevamos dentro, no es tan fácil de encontrar en las páginas escritas por los autores de teatro. Hécuba es un mito porque supone el abismo para un personaje al tener que decidir entre la vida y la muerte, entre el perdón o la venganza. Y como inmensa tragedia que es, contiene todos los elementos precisos para que el espectador esté pegado a su butaca durante toda la representación. La puesta en escena de José Carlos Plaza ayuda a que esa mítica historia se acerque a nuestro tiempo, algo que también consigue Juan Mayorga con su versión. El elenco es muy acertado y dentro de él, está la actriz que, a lo largo de su carrera ha transitado por todos los estilos de teatro y de todos ha salido airosa sin perder su personalidad, ella es: Doña Concha Velasco.
Adolfo Simón
«Vendado es Amor, no es ciego» en el Teatro Pavón
La compañía Nacional de Teatro Clásico nos ofreció el pasado lunes, dentro del ciclo que dedican a lecturas dramatizadas, «Vendado es Amor, no es ciego» de José de Cañizares y con música de José de Nebra. La propuesta ha sido asesorada por Juan Antonio Hormigón y dirigida por Raúl Arbeloa, que ha sabido conjugar muy bien la escenografía sencilla, compuesta por un suelo en varios niveles forrado de hierba y unos portentosos cuernos que nos adelantan la trama de la obra, con la orquesta en el escenario. Además se utilizan proyecciones de pinturas de la época que encuadran la zarzuela de una manera sencilla y eficaz y junto con un vestuario descontextualizado y original, recordando a los colegios privados y a escenas de caza nos sumergen en los mundos de Venus, diosa del Amor y concupiscencia y Diana, la cazadora que ordena castidad entre sus discípulos vestidos de uniforme colegial.
Para lograr montar todo esto se ha colaborado con la Escuela Superior de Canto de Madrid y el Conservatorio Profesional de Música Arturo Soria, que han aportado jóvenes valores en canto y música. «Vendado…» fue estrenada en 1744, siendo la zarzuela es esta época un género comercial y fusionando formas italianas del dramma per musica con elementos característicos de las comedias de música y de la antigua zarzuela cortesana: estructura en dos actos, alternancia de partes habladas y cantadas, uso de los cuatros y de formas populares como seguidillas o fandango,inclusión de personajes del gracioso y graciosa y mezcla de lo serio y lo cómico.
La obra es la primera zarzuela barroca y esperemos que no la última que se representa a propuesta de la CNTC en el Pavón, lo cual es un punto a su favor y una propuesta novedosa que no deja de entrar dentro de lo que es el Teatro clásico Español.
Luis Mª García Grande
Dalí en la portería
Volvía anoche para mí casa tarareando la canción Suspiros de España después de un doble programa de teatro. A veces, la coincidencia de dos piezas escénicas hace que uno entienda mejor el mundo que habitamos aunque sea sobre ficciones del pasado porque, al final, la historia es un bucle que se repite constantemente. En Dalí versus Picasso de Fernando Arrabal que se presenta estos días en el Matadero Madrid, hay un encuentro poético entre los dos geniales pintores para mostrarnos sus fragilidades y terrores antes la creación y el desarraigo vital. Todo transcurre dentro, delante y detrás de un cuadro porque, probablemente, su vida no existió más allá del arte y el precio que pagaron, a pesar de pasar a ser inmortales en la historia de la pintura, tal vez no fueron muy felices, al fin y al cabo…artistas mortales. Salvando las distancias, en La casa de la portera, el excelente coreógrafo y bailarín, Ramón Oller nos sitúa en ese país sin fronteras que es el mundo de los artistas, esos gitanos trashumantes que igual bailan en una plaza que en el Folies Berger y siempre, con la memoria a cuestas, con todo lo que se queda en el camino al recorrer tantos. Y de nuevo, el precio de crear a costa de perder la vida en cada paso, en este caso, de baile.
Adolfo Simón
The room, trabajando para el diablo en La casa de la portera
Afuera la ciudad ruge enzarzada en el carnaval, en el disfraz y la máscara…
Dentro de la portería, un indeseable se esconde tras un pasamontañas para desvelarnos su participación como mano ejecutora del diablo.
Afuera la gente va de su corazón a sus asuntos creyendo que la primavera está a la vuelta de la esquina…
Dentro bajamos al infierno de las miserias humanas.
¿Por qué si leemos Teatro documento o político miramos para otro lado?…¿Por qué somos cómplices de los horrores de este mundo y no movemos ni un dedo?…
La casa de la portera sigue siendo ese lugar en Madrid donde nunca se sabe que plato tendrás ante tus ojos en la mesa. The room no es teatro y lo es de manera esencial… No lo es porque bebe de hechos reales y eso suena más a docudrama pero está hecho con tanta teatralidad y valentía, que hay que llamarle TEATRO y punto. No voy a desvelar lo que pasa ni como ocurre, si queréis dejar de mirar el telediario mientras os tomáis un buen vino y creéis que ya habéis cumplido con vuestro paso por este desierto estéril, no vayáis a ver The Room, pero si queréis sentir el corazón en un puño mientras os abren las entrañas que cuelgan rotas de la cruceta del poder, ir a verla. Además, cuando terminéis de conocer el terror de ciudad Juárez y alrededores…Cuando el pasamontañas caiga, otra sorpresa os dejará boca abiertos.
Adolfo Simón
La Doleur de Marguerite Duras en el Círculo de Bellas Artes
Quien sea amante de un teatro profundo y sin artificios va a poder disfrutar de esta obra, en la sala Fernando de Rojas del Círculo, no apta para todos los públicos. Hay que ir preparado para hacer un acto de introspección y meterse en la piel de la protagonista que nos va a relatar su amor hacia un hombre en plena II Guerra Mundial. El relato de las vivencias que Margerite Duras vivió en primera persona es escalofriante y encoge el alma de cualquiera que oiga a su protagonista relatar las vicisitudes por las que pasó. La actriz Valery Tellechea encarna perfectamente a la escritora, en dos fases muy diferentes de su vida: la primera durante la edad en que conoció a su marido que fue torturado por los nazis en los campos de Dachau y la segunda en la edad madura, donde recuerda y expresa sus sentimientos hacia él, sentimiento de dolor y del amor perdido que sale de la actriz de una manera casi natural. La adaptación de Juan Caño Arecha refleja perfectamente estas dos partes de la vida de Duras y nos deja ante una obra dura de ver, pero fundamental para los buenos amantes del teatro.
Luis Mª García Grande
The Hole 2, la fiesta continúa en La Latina.
Si han visto ustedes The Hole, no importa, pueden volver a The Hole 2 que les parecerá completamente distinto, si no han visto ustedes The Hole, tampoco importa, se lo van a pasar igual de bien que en la primera parte. Con nuevas caras como Fernando Gil, al que vimos de «maestro de ceremonias», se va metiendo savia nueva a este concepto de teatro, porque lo importante en The Hole es el concepto, la unión de cabaret-burlesque, circo, revista musical, magia, club, diversión y un toquecito parisino y canalla. Una vez dentro, te sientes parte del espectáculo, ya que los artistas interactúan con el público en numeritos un tanto picantones, vedettes a la vieja usanza de las varietés. Un vestuario transgresor y sugerente ideado por Nicolás Vaudelet, nos mete en la noche parisina sin darnos cuenta, unos acróbatas que desafían los límites de la gravedad y aunque la dramaturgia sigue siendo sencilla: el típico juego del gato malo y la ratita perseguida y deseada por varios… nos sobra con esto para disfrutar de buenos artistas, tomarte una copa, reírte y pasar una noche agradable que puede seguir fuera de este «agujero».
Luis Mª García Grande.
MBIG (Mc Beth International Group) en La Pensión de las pulgas.
Es difícil reinventar a un clásico como Shakespeare, hacer atractivos a todo tipo de público sus textos y llenar una sala durante una larga temporada con fieles devotos, curiosos y nóveles del teatro. José Martret, en la nueva Pensión de las Pulgas, lo ha conseguido y hay que darle las gracias y decirle que no deje de crear. Estamos ante un tema completamente clásico al que se le da media vuelta de tuerca: Macbeth nos habla de la ambición desmedida y de la traición pero también del fracaso, temas universales que se pueden analizar desde un punto de vista más pasional, tal y como nos describe Shakespeare a través de sus personajes o a través de un punto de vista frío, racional y analítico, tal y como nos demuestra Martret con la creación de una ficticia empresa en la que se contextualiza la obra y un personaje, Camelia, que hace de nexo de unión con nuestra realidad. No nos engañemos: si nos leemos toda esa proliferación de libros sobre empresa y reglas fundamentales para que tu empresa triunfe, todos esos libros de auto-ayuda para que triunfemos personalmente en la vida, para que distingamos lo importante de lo urgente y así nos beneficiemos de tremendos resultados… llegamos a la conclusión de que todos nos tratan de inyectar un poco del veneno de la ambición. Los propios empresarios nos dicen que tener un poco de ambición en la vida es «bueno» y que el fracaso no entra entre sus expectativas, lo que les importa es es éxito, palabra de moda. Martret ha sabido mezclar todo esto en una coctelera y servirnos un batido Gourmet. 
El espacio escénico, creado para la Pensión de Las Pulgas por Alberto Puraenvidia nos sumerge desde un primer momento ya en el mundo de la empresa, creando un ambiente sospechosamente relajado con una suave música lounge y unos colores suaves y tranquilizadores como si estuviéramos en un elegante centro comercial, pero algo ya nos advierte de lo que nos vamos a encontrar dentro: Unas grandes letras metálicas y cortantes nos advierten que estamos en MBIG, una gran empresa en la que lo importante es que seas eficaz. Los siguientes ambientes nos van a sumergir en dos mundos completamente diferentes en los que se puede apreciar la versatilidad de Puraenvidia: Su capacidad es magnífica para transformar objetos encontrados y uniformar toda la decoración de manera que parezca que estamos ante algo completamente nuevo y con un regusto retro pero nunca visto. No adelanto más detalles de la escenografía porque no quiero romper la novedad de encontrarse dentro de un «nuevo mundo» en esta Pensión y creo que es una sensación que el espectador debe vivir de primera mano, sin saber antes dónde se va a meter.
Todo parece un pequeño sueño en el que las cosas van bien y la empresa «marcha» pero las brujas Skuld y Urd, interpretadas magistralmente por Maribel Luis y Pilar Matas, nos van a advertir de que no es todo como parece desde el primer momento en el que aparecen como gárgolas sentadas y criogenizadas en medio del flamante despacho del director. Las brujas están magistralmente dirigidas para representar nuestro interior más putrefacto, ese que nunca nos atreveremos a reconocer ni a mostrar, ese que cada «gran empresario» puede llevar dentro.
Camelia, interpretada por una maravillosa Inma Cuevas puede ser una diligente y fiel secretaria de dirección, una golden girl y también una moderna coach que te explica la ideología de su empresa mejor de lo que lo harían muchos ejecutivos en su propia empresa.
Francisco Boira nos interpreta a un Macbeth aparentemente poderoso y caballo ganador pero poderosamente atormentado por un destino y por la maldita ambición, lo que le hace mostrarse frágil y quebradizo en algunas partes de la obra. Todos estos aspectos son bastante difíciles de conjugar y asimilar dentro de un mismo papel y Boira ha logrado darles una redondez que muchos actores no podrían alcanzar.
Por último, hay que destacar la presencia de una Lady Macbeth elegante, sensual, ambiciosa y casi diabólica, interpretada por Rocío Muñoz-Cobo que nos recuerda a grandes actrices de la época dorada de Hollywood pero que no pierde ese tono de tragedia y tormento necesario para interpretar a este personaje.
Todos los demás actores contribuyen con su trabajo, excepcional también, a que esta sea una pensión de grandes actores donde es imprescindible al menos pasar una noche en esta temporada teatral. Grandes actores, director y escenógrafo y… ninguna pulga.
Luis Mª García Grande.
Sonrisas en El Sol de York
Dos actores repasan sus vidas artísticas rememorando la gran variedad de números que han interpretado: desde humoristas hasta presentadores de concursos radiofónicos pasando por el cabaret. En el recorrido les acompañarán otros artistas que sorprenderán al público por su variedad y peculiaridad: Las sorprendentes Hermanas Vargas, los pequeños artistas Manolito y María del Carmen, Agustito, la joven promesa del baile, Nefertatiri, la inquietante, por su edad, cabaretera, la simpar Felicia, cantante de jazz y traductora en sus ratos libres…y otros personajes que como ellos son manipulados por su creador Francisco García del Aguila, al ritmo de la música en directo a cargo de Juan Sánchez Molina (piano) y Javier Botella (contrabajo) y en el centro de todo esto la maravillosa interpretación de Isabel H. Dimas, que canta, actúa, manipula títeres y llena de encanto y sensibilidad la escena durante todo el espectáculo. Hay un error cuando se piensa que los títeres es un género ínfimo o para niños; en la historia de la escena hubo grandes creaciones a través del lenguaje de manipulación de objetos y muñecos. En Sonrisas, hay memoria de la escena, llena de nostalgia y picardía, hay un puzle de juegos teatrales sugerente y bien orquestado y sobre todo hay buen oficio teatral que tanto se echa de menos en nuestros escenarios…Ah! y es para todos los públicos…y además, no se nos desdibuja la sonrisa durante toda la obra. Solo queda una función, no os la perdáis.
Adolfo Simón
Aquí hay una mano de Juanma Romero Gárriz en Cuarta Pared
Tuve la oportunidad de ver la lectura dramatizada de este texto recientemente en La casa del lector, en el Matadero. Allí, casi con el mismo reparto actoral, ya pude descubrir la interesante propuesta textual de este autor. En Aquí hay una mano, nos sumergen en los recuerdos de alguien que ha llegado a un reconocimiento público y esta situación le permite ver todos los momentos de sombras y luces que ha vivido en ese periplo personal. Diferentes momentos y lugares se entrecruzan para situarnos en una sociedad llena de máscaras y dobles morales. Un texto complejo que en la puesta en escena se trata de manera sencilla para acercar la historia a un espectador ávido de discursos de hoy.
Adolfo Simón
Tres-en-una de DANTE A.C. en la Sala Dt
DANTE A.C. presenta su producción “Tres-en-una” escrita por Carlos Be, Nico Grijalba y Ángel Abascal, con un texto de introducción de Adolfo Simón que también dirige la obra. Con motivo de la presentación de la exposición de dibujos de Nicolás Grande, personajes de la vida social, política madrileña y española nos pasean por las salas/galerías de la DT. 
Todo empieza en la calle, en el escaparate, donde mudo o más bien amordazado, un personaje esperpéntico nos muestra lemas y sentencias de nuestro edil más polémico y como si fuera una revista musical, una inmensa y camaleónica Malena Polo; a quien sigue como su sombra su fiel criado, lacayo o mayordomo, vaya usted a saber, interpretado por el debutante Luis García, nos introduce en el mundo del arte, de la frivolidad, del menosprecio que determinados personajes sienten por el resto de la humanidad; esa especie de élite que se creen superiores, mostrándose condescendientes y paternalistas con el resto de los mortales. Así Tita, Espe y Caye nos hablan de sí mismas, entusiasmadas, llenas de vanidad y con discursos que tienen dos y tres lecturas, personajes que son caricaturas de ellos mismos y que en este viaje nos hacen reír, a veces a carcajadas; el ingenio de los autores pasa por las personalidades de estas conocidísimas mujeres y las reflejan en el callejón del gato que es esta galería de personajes que llenan el papel couché y las presentan reconocibles y más creíbles en este disparate de risas, ejerciendo una mordaz crítica desde la ironía, aliviando así el corazón de los espectadores que asistieron. Bravo!, no hay nada mejor que disfrutar del teatro y salir de él sabiendo que reír es una buena forma de poner es su sitio a estas impresentables.
Ángel Savín.
Amantes de Vicente Aranda dirigida por Álvaro del Amo en el CDN
Es muy difícil llevar una novela al teatro y también lo es trasladar una obra dramática al cine pero todavía creo que es más complejo trasladar las imágenes de una película al teatro y más cuando en ella, la intensidad de sus imágenes y el tono del drama pedía verla a través de la cerradura de una puerta. Creo que el gran hallazgo del montaje teatral de Amantes es la propuesta de dirección de Álvaro del Amo. Ha huido de reproducir las escenas de la película en un escenario y ha buscado un tratamiento teatral a ese triángulo amoroso que se mezcla y confunde durante la narración. Para ello ayuda mucho el espacio escénico y todos los elementos que entran en juego en cada momento. Es un placer ver como el teatro tiene sus propio lenguaje y reglas…Paladear momentos de plano general donde los actores quedan frente a frente, como en espejos vitales…O cruzan por los mundos de los otros. Una propuesta de dirección contundente.
Adolfo Simón
Que Revienten los Artistas 
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