Quique y Yeray Bazo…»Nada que perder» en Cuarta Pared
¿Cómo fueron vuestros inicios en el teatro?
Fue nuestro tío, el director de escena Eduardo Bazo, quién nos inoculó el virus
del teatro. Fue él quien nos puso en contacto con el teatro desde niños, cuando
íbamos a ver los montajes que hacía para compañías canarias como para la
emblemática Delirium Teatro. Sin embargo, no se nos había pasado por la
cabeza la idea de dedicarnos profesionalmente a la escritura dramática hasta
que, nuestro propio tío, nos animó a escribir la dramaturgia para una nueva
puesta en escena de la ópera infantil Brundibar. Se trataba de un proyecto que
estaba llevando para el Teatro Real, el Coro de la Escolanía del Orfeón
Pamplonés, ABAO y Ópera de Cámara de Madrid. Nos lanzamos de cabeza
con esa imprudencia que sólo puede dar la ignorancia. Escribimos, nos
equivocamos, volvimos a escribir… y quedamos enganchados. Decidimos que
queríamos formarnos y volver a visitar las tablas. Así comenzó este camino de
aprendizaje en el que seguimos.
¿Cómo surgió vuestra participación en Nada que perder?
Todo empezó en los Laboratorios de escritura dramática que convoca Espacio
de Teatro Contemporáneo (ETC) de la Cuarta Pared. Allí formamos parte de un
proceso de investigación y escritura en el que conocimos a Juanma Romero y
a Javier G. Yagüe (co-autores de Nada que perder). Fue una experiencia de
aprendizaje compartida y de trabajo en equipo que sentó las bases para que,
posteriormente, Javier nos reuniese de nuevo para escribir la nueva producción
de la Compañía Cuarta Pared.
Habladnos del proceso de escritura…
Desde el principio Javier tenía claro que quería apostar por un proceso largo y
reflexivo, donde tuviésemos libertad para investigar todas las posibilidades de
la trama, los personajes, el estilo… ¡De hecho la escritura llevó más de año y
medio! Cada semana nos reuníamos para comentar los materiales escritos,
aportar nuevos elementos, replantear puntos de vista. El tramo final de la
escritura se hizo con los actores, haciendo crecer las escenas e incorporando
los hallazgos que Marina Herranz, Pedro Ángel Roca y Javier Pérez-Acebrón
encontraban en sus improvisaciones.
¿De qué referentes estéticos o temáticos os habéis nutrido para este proyecto?
Nada que perder es una obra muy heterogénea en cuanto a sus referentes.
Formalmente parte del requisito de que todas las escenas debían de
construirse a partir de la fórmula del interrogatorio. Esto nos llevó a tomar como
punto de partida el género del thriller y la serie negra; en este sentido los
referentes iban desde la narrativa (Connolly, Pelecanos, Price, Markaris,
Simenon, etc.), series de televisión (The Wire, Better Call Saul, The Closer…
pero también otros referentes como The Good Wife, Breaking Bad o, aunque
parezca extraño, The Walking Dead) y, por supuesto, teatro (Paradivino,
Corman y Rebeldías posibles, producción anterior de la Cia. Cuarta Pared, que
nos ayudó a entender el paso siguiente que teníamos que dar). A nivel
temático, el referente fundamental era el periódico. Partimos de una
recolección de artículos periodísticos que Javier había rescatado desde 2006
hasta la actualidad. De estos artículos seleccionamos las noticias que más nos
impactaban y las usamos como trampolín para decidir la trama. Más allá de los
artículos, resultaron cruciales las cartas al director. Ese otro material nos ayudó
a dar voz a el tercero, personaje que participa en las escenas como una suerte
de conciencia que se hace y hace preguntas continuamente.
¿Cómo surgen las ideas y los proyectos en los que os embarcáis? ¿Qué os
anima a participar en ellos?
Nosotros tenemos la suerte de ser dos que escriben juntos. Eso hace que se
pongan más temas sobre la mesa. Las ideas surgen de cosas que leemos, que
vemos, que suceden y nos remueven de alguna manera. A veces es por
curiosidad: encontramos un tema que nos “pica”, nos ponemos a leer y
documentarnos hasta que nos decidimos a escribir sobre él. Otras veces es
como una forma de reacción a algo que nos afecta; una manera que tenemos
de “negociar” con la realidad en que vivimos.
¿Cuál ha sido vuestra evolución como autores?
Nosotros empezamos en esto de escribir teatro de una forma muy intuitiva, un
poco “callejera”. Luego tuvimos la enorme suerte de conocer a quien se ha
convertido en nuestro maestro, José Sanchis Sinisterra, que nos invitó a
participar en ese maravilloso proyecto que es el Nuevo Teatro Fronterizo.
Gracias a José, y acompañados por un nutrido grupo de escritores, iniciamos
un proceso de aprendizaje en el NTF: haciendo talleres, escribiendo y leyendo
mucho teatro. La otra pata clave en nuestra formación y evolución ha sido la
Sala Cuarta Pared, que nos seleccionó para participar en dos ediciones de sus
laboratorios de escritura en ETC. De hecho, nos gusta decir que la Cuarta
Pared ha sido nuestra “mili”. Sus procesos de investigación tienen un alto nivel
de exigencia y su apuesta por la innovación y el riesgo, nos han hecho dar un
paso más en nuestra escritura.
¿Creéis que se puede aprender a escribir teatro?
Cuando uno se sienta a escribir teatro sin tener formación, te das cuenta de
que es un género complejo con unas reglas propias. Eso quiere decir que hay
una técnica que puedes aprender. Hay algo que privilegia al escritor de teatro y
es que tiene la oportunidad de aprender de los mejores autores de su país.
Dramaturgos como Juan Mayorga, Alfredo Sanzol, Alberto Conejero, José
Sanchis Sinisterra, María Velasco, y muchos otros, dan talleres que se
convierten en verdaderos revulsivos para los autores que asistimos.
¿Tenéis un método para escribir?
Antes de escribir una sola letra dedicamos mucho tiempo a hablar sobre lo que
queremos escribir; primero en nuestra oficina hasta que nos bloqueamos; y
después dando un paseo por lo que llamamos “la otra oficina”: la calle. Este
proceso nos suele llevar mucho tiempo. Luego nos enfrentamos a la página en
blanco con una sola regla: si algo de lo escrito no convence a uno de los dos,
va fuera (previa deliberación, claro; a veces hay que vender cara la derrota).
¿Hay que esperar a que un texto se haya estrenado para publicarlo?
¡Por supuesto que no! Como defiende el dramaturgo César López Llera “el
teatro también se lee”. Es cierto que el teatro es un género literario pensado
para terminar de completarse sobre las tablas. Pero también puede, y se debe,
disfrutar como lectura, sin importar que haya sido estrenada o no. De lo
contrario, numerosas obras valiosísimas quedarían en el olvido sólo porque no
tuvieron la difícil suerte de ser estrenadas.
¿Por qué escribís teatro?
La respuesta a esa pregunta tiene bastante que ver con el motor de Nada que
perder. Al igual que le ocurre al personaje de el tercero en la obra, nosotros
escribimos porque no sabemos… y queremos saber, o al menos intentarlo.
Para nosotros la escritura teatral es la forma que tenemos de hacernos
preguntas que nos inquietan.
¿Se puede vivir hoy de escribir teatro?
En nuestro caso no. Pero podemos decir que tenemos la suerte de que nos
ganamos la vida escribiendo. Eso es gracias a que trabajamos como creativos
y guionistas en el mundo de la publicidad y los eventos. También es una
escritura muy exigente, con sus propias reglas, unos plazos frenéticos y un
condicionante fundamental: supeditarse a la tiranía del cliente. Pero, a cambio,
es un oficio del que nunca te aburres, muy cambiante, en el que siempre estás
buscando formas de reinventarte y hacer cosas nuevas. No en vano, tiene una
regla de oro: “eres tan bueno como tu último trabajo”.
¿Habéis realizado otras tareas en teatro además de la escritura?
Respetamos demasiado el oficio de dirección o interpretación como para
intentar inmiscuirnos en él.
¿Cómo veis la situación teatral en estos momentos?
Vivimos un momento muy interesante. Contamos con una de las generaciones
más preparadas y activas del teatro español. Autores, directores y actores se
unen en proyectos creativos de lo más variopinto e innovador. Las salas del off
se han convertido en espacios donde han podido mostrar sus obras, donde las
han testado y reevaluado. Esto ha generado mucho conocimiento en los
equipos y ha permitido que no pocos de ellos se asomen a los grandes teatros
de nuestro país. Es cierto, que esto se ha hecho gracias a un gran voluntarismo
que no siempre ha ayudado al resultado artístico. Sin embargo, ahora
empezamos a ver un esfuerzo por profesionalizar la actividad, apostando por
establecer unas condiciones dignas de trabajo. Avanzar por este camino
enriquecerá enormemente nuestro panorama teatral.
¿Es diferente en Canarias?
En Canarias vivimos un gran momento, algo que queda claro si pensamos en
las trayectorias que tienen en marcha dramaturgos como Antonio Tabares o
José Padilla. Pero, además, es una Comunidad que está haciendo un trabajo
muy importante para formar a sus autores gracias al impulso de compañías
como 2RC Teatro, que han creado Canarias escribe teatro, una iniciativa con
actividades de formación (han hecho talleres con autores de la talla como
Antonio Tabares, Borja Ortiz de Gondra, José Ramón Fernández o Sergi
Belbel), y les da la oportunidad de testar los trabajos surgidos en esos talleres
ante un público y nada menos que en una sala del prestigioso Teatro Cuyás.
De este trabajo está resultando la creación de un grupo de autores que ya
están cosechando éxitos.
¿Qué montaje que hayáis visto últimamente os ha interesado? ¿Por qué?
(Q) Rinconete y Cortadillo de Alberto Conejero, dirigido por Salva Bolta. Un
hermoso homenaje a la palabra de Cervantes y a la habilidad que tuvo para
retratar a este país. Conejero convoca a los dos pícaros lendrosos, ya
maduros, para congelarnos la sonrisa en la cara al hacer que nos demos
cuenta de que las miserias de las que nos reímos siguen siendo las mismas
desde hace siglos.
(Y) Muñeca de porcelana de David Mamet, dirigido por Juan Carlos Rubio. He
de reconocer que el texto me decepcionó un poco. Aunque da igual, porque
sale de José Sacristán.
¿Alguna sugerencia para seguir creando y haciendo teatro en tiempos de
crisis?
Pensar lo que pensara Negrín, aunque a él no le sirviera de mucho: “resistir es
vencer”.
¿Proyectos?
Ahora estamos embarcados en dos proyectos que nos tienen muy ilusionados.
El primero lo estamos llevando a cabo con nuestros compañeros de
Nuevenovenos (www.nuevenovenos.com), un colectivo de creadores del
mundo de las artes escénicas y el audiovisual del que formamos parte. Se
llama Contexto Teatral y es un portal sobre nuevas dramaturgias que vamos a
lanzar esta primavera. Se trata de una herramienta on line con la que
queremos dar a conocer la obra y los autores que conforman el rico panorama
actual de la dramaturgia española (y que poco a poco también abriremos al
panorama internacional). El otro proyecto es el montaje de nuestra obra Tres
días sin Charlie, un texto que fue reconocido con la Mención de Honor en la
última edición del Premio Lope de Vega. Es una obra que recorre los tres días
que duraron los atentados al Charlie Hebdo, narrados desde un prisma muy
particular: el de los comentarios y las reacciones que esos ataques provocaron
en la ciudadanía, expresados conforme sucedían, a través de Internet y las
Redes Sociales.
Nuria Benet: El teatro es el arte en el que el contacto con el público es más directo
¿Cómo fueron tus inicios en el teatro?…
Cuando era adolescente me debatía entre dedicarme a la interpretación o a la música. Shakespeare y el hecho de que en mi casa ya había muchos músicos me hizo inclinarme hacia el teatro. Mi debut profesional se produjo en Londres, donde fui a continuar formándome tras acabar la licenciatura de arte dramático en la RESAD. Al final, estuve formándome y trabajando en el Reino Unido como actriz durante doce años. Regresé cuando Jordi Milán, director de La Cubana, con quien había trabajado en una producción en inglés, me hizo una oferta que no pude rechazar y entré en el elenco de Cómeme el Coco, Negro.
¿Qué es el teatro para ti? ¿Por qué haces teatro?
El teatro es el arte en el que el contacto con el público es más directo. Es un arte, cuya obra está en continuo cambio y evolución, que necesita al espectador para poder alcanzar su forma final y que, dada su naturaleza efímera, sufre la paradoja de que cada momento que vive es momento que muere y esto le confiere una valía añadida.
Al disfrutar de esta íntima relación con la platea el teatro puede ejercer un efecto directo en los espectadores, puede despertar conciencias, movilizar, emocionar y, por qué no, entretener y divertir.
Si a todos esos elementos se le añade el placer que esa comunión entre escenario y auditorio me produce, será fácil comprender por qué he elegido el teatro como modo de vida y, efectivamente, eso es en lo que se convierte: tu vida.
¿Qué balance harías sobre tu trayectoria?
He tenido mucha suerte a lo largo de mi carrera. Es cierto que uno solo puede subir al tren de la suerte si está en la estación, preparado y dispuesto para poder cogerlo. Es decir, creo firmemente en la formación, y estoy convencida de que parte de la razón por la que nunca me ha faltado el trabajo es por mi versatilidad; y esa versatilidad, aunque tenga algo de innata, es fundamentalmente resultado de mi afán por educarme y seguir formándome como artista.
¿Qué función crees que ha de tener el teatro para la sociedad de hoy?
El teatro, para poder sobrevivir, ha de entretener con productos de calidad que motiven a productores, compañías y púbico por igual a continuar manteniéndolo vivo. Tiene que haber montajes dirigidos a diferentes públicos, pero siempre intentando alcanzar la excelencia, tanto si es un producto meramente comercial, como si es un infantil o una obra más intelectual. No hay que educar al público, ni ser condescendientes con él, hay que movilizarlo, hacerle reír, llorar, pensar, analizar, olvidar, provocar… cualquier emoción es buena, pero ha de producir algún tipo de marca en el espectador para que salga tocado y quiera volver.
¿En qué proyectos has participado durante el último año? Háblanos de ellos
Llevo un par de años de mucho trabajo (¡toca madera!). Dada la precariedad laboral que existe acepto prácticamente todos los proyectos que me ofrecen e interesan; las compañías son conscientes de la situación actual y ofrecen cierta flexibilidad con las fechas, aunque también se está convirtiendo en algo habitual el compartir personajes.
Este último año he participado en: La Ópera del Malandro, de Chico Buarque, estreno absoluto en España del musical brasileño basado en la Ópera de los Tres Peniques de Brecht. Con él gané el Premio Garnacha a la Mejor Actriz de Reparto. Junto a Teatro Defondo, la compañía que produjo este musical, dirigida por Vanessa Martínez y producida por Pablo Huetos, estoy en otros dos montajes: Los Atroces, una creación colectiva basada en el mito de los de Átridas y en El Sueño de una Noche de Verano, una versión familiar del clásico de Shakespeare. También actúo en El Extraño Caso de la Marquesa de Vadillo, dirigida por Luis Crespo y producida por Teatro del Zurdo, compañía en la que también soy asidua y por cuyo montaje, La Ventana de Chygrinskiy, de José Ramón Fernández, obtuve el Premio Arcipreste de Hita a la Mejor Actriz. Además interpreto el papel de Maestra de Ceremonias en NOC, Un Auténtico Vodevil, dirigido por David Quintana, un cabaré original y muy divertido con el que llevamos tres temporadas en la cartelera madrileña. Por último, participo en el montaje celebración del vigésimo aniversario de Teatro del Astillero, dirigido por Luis Miguel González, titulado Los Charlatanes, una sátira de humor negro sobre el panorama social contemporáneo.
¿Cómo surgió tu participación en las obras que tienes ahora en cartel en Madrid?
Para La Ópera del Malandro hice cásting y a raíz de allí me convertí en miembro asiduo de Teatro Defondo.
Como he dicho, El Extraño Caso de la Marquesa de Vadillo, es mi segundo montaje con Teatro del Zurdo, la primera vez que trabajé con ellos, bajo la dirección de Luis Bermejo, fue gracias a que este vio mi trabajo en Cómeme el Coco, Negro y pensó en mí para su próximo montaje.
Para NOC fui recomendada por alguien que había visto mi trabajo en La Ventana de Chygrynskiy.
Y para Los Charlatanes también los miembros de Teatro del Astillero habían seguido mi trayectoria con Teatro del Zurdo.
Háblanos de estos trabajos…¿Cómo han sido los procesos?
Muy variados.
Con La Ópera del Malandro, al ser un musical con música brasileira, nos sumergimos en la cultura de este país – hasta tuvimos coaching in fonética brasileña.
En Los Atroces, la tarea titánica de adaptar en una hora y media una saga que comprendía una miríada de personajes e historias entrelazadas, hizo que el trabajo de mesa fuera intenso y extenso. Una vez que tuvimos el esquema narrativo comenzamos a improvisar cada escena, estas eran grabadas y la directora, Vanessa Martínez, las transcribía y daba forma.
El Extraño Caso de la Marquesa de Vadillo tuvo un proceso más “tradicional”. Al partir de un texto ya escrito, los ensayos se desarrollaron con normalidad, aunque la dramaturgia fue cambiando y evolucionando a medida que el espectáculo iba tomando forma.
Los Charlatanes también ha tenido un extenso periodo dedicado al trabajo de mesa. La obra es un amalgama de escenas que tocan diversos temas actuales y a lo largo del proceso hemos ido seleccionando las que mejor funcionaban, o bien a nivel teatral, o bien a nivel de coherencia de contenido.
¿Cómo creas tus personajes? ¿Tienes un método?
No tengo un método establecido, este va cambiando dependiendo del tipo de montaje y proceso de ensayos. Algo que sí que necesito tener claro es la imagen del personaje. Esta puede aparecer (aun a riesgo de que suene manido) en un sueño, o puedo ver al personaje sentado en frente de mí en un vagón de metro, o reflejado en las páginas de una novela, o en un cuadro, o simplemente me viene un flash visual o una sensación física y a partir de ahí se va construyendo. Sin embargo, creo fervientemente en que, tanto si se trabaja de dentro a fuera como de fuera a dentro, el personaje tiene que respirar, tiene que retorcérsele las tripas, tiene que acelerársele el corazón, en resumen, tiene que tener verdad.
¿Cómo crees está afectando los recortes y el aumento del I.V.A. a los proyectos de teatro?
Muy negativamente. Si ya antes era difícil movilizar al público para que viniera al teatro, ahora el factor psicológico de la subida del IVA va totalmente en contra de nuestra industria. España es un país donde el ir al teatro todavía no forma parte intrínseca de la cultura, como ocurre en el Reino Unido. Ponerle más trabas a que esto ocurra es contraproducente para la cultura de nuestro país.
Es cierto que, en contraposición, los teatreros hemos sabido movilizarnos para sobrevivir; se han creado nuevos espacios (como La Casa de la Portera) y nuevos géneros (como el Microteatro) que son un grito de rebeldía ante lo establecido. Pero existe la multiprogramación a la que están avocadas las salas y el demasiado frecuente “a taquilla” que proponen las compañías está teniendo un doble efecto. Por un lado, la amateurización de la profesión: cualquiera puede hacer teatro con muy poco dinero y sin pagar a nadie, teatro que las salas contratan porque tienen que llenar todos sus horarios – en general, no existe un filtro de calidad o coherencia artística a la hora de programar. Y por otro lado, poca gente puede vivir del teatro, con lo que, o, haces como yo, y estás en tropecientos proyectos, o tienes un trabajo paralelo que te dé de comer y te impida comprometerte plenamente a los proyectos teatrales, o eres una niña bien a la que su familia le subvenciona cual mecenas florentino. Es absolutamente necesario introducir la ley del mecenazgo cultural para que con la introducción de capitales privados se pueda reavivar y dar a la cultura la importancia y lugar predominante en la sociedad que se merece.
¿Qué montaje que hayas visto últimamente, te ha interesado?¿Por qué?
La paradoja del actor es que cuando trabaja no puede acudir al teatro e interesarse por lo que está en cartel. Así que, por desgracia, últimamente no he podido acudir mucho al teatro. Lo último que vi y que me interesó profundamente fue Trilogía de la Ceguera de Maeterlinck en el CDN. Cada obra corta era dirigida por un director joven y, aunque mantenían una coherencia formal, eran muy diferentes entre sí. Me pareció una idea muy positiva para dar a conocer repertorio clásico y mostrar el trabajo de jóvenes artistas.
¿Proyectos?
Ya sabes lo que se dice de los proyectos… que si se habla de ellos se truncan… así que hago mutis elegantemente.
¿Alguna sugerencia para seguir creando en tiempos de crisis?
Estrujarse la mente y la imaginación para seguir creando espectáculos de calidad que reten e interesen al público; reivindicar unos mínimos para que nuestro gremio no sufra; plantarse ante una industria que cada vez exige más y da menos, sin perder de vista los enormes esfuerzos que hacen las compañías para llevar un montaje adelante; y no olvidar que el teatro embellece y mejora la vida, la sociedad y la cultura.
LABORATORIO RIVAS CHERIF – TALLERES DE INVESTIGACIÓN TEATRAL en el CDN
Fortune Cookie
Dramaturgia: José Manuel Mora
Dirección: Carlota Ferrer
MUESTRA ABIERTA AL PÚBLICO
Del 9 al 12 de abril a las 19h (domingo 18h)
Sala El Mirlo Blanco – Teatro Valle-Inclán
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El laberinto mágico de MAX AUB
Dramaturgia: José Ramón Fernández
Dirección: Ernesto Caballero
MUESTRA ABIERTA AL PÚBLICO
Del 10 al 19 de abril a las 20.30h (domingo 19.30h)
Teatro Valle-Inclán
David Ojeda: El teatro tiene la labor de acrecentar a la sociedad, en valores, en realidades y en compromisos
¿Cómo surge el proyecto que estrenas en la Sala de la Princesa?…Háblanos del texto y del montaje…
El proyecto de Fisuras surge dentro de la propuesta del Taller Rivas Cherif del CDN, Escritos en escena, a partir del texto de Diana Luque.
Como plantea el proyecto, se trata de una apuesta en creación, un texto que no se halla cerrado, sino que está en proceso, durante todo el tiempo de trabajo, pudiéndose incorporar, ajustar, adaptar y valorar en todo momento hasta el último día de muestra, dado que será a partir de entonces cuando se haya concluido su composición. Y así está siendo.
Tanto Diana como yo, asistimos en conjunto a todo el proceso creativo, y eso ha sido una maravillosa experiencia, pues hemos ido dando forma, a través del trabajo de estudios e improvisaciones con los actores, a la escritura de Fisuras. Existía un borrador inicialmente, con una propuesta de personajes, que no ha variado, alrededor de un 60 % de escenas, mientras que a partir de todo el tiempo de trabajo inicial, alrededor de las tres primeras semanas, se fue conformado lo que ha dado pie al texto casi difinitivo, pues como digo, el texto se cerrará en sí el día 21 de diciembre, cuando hagamos el último pase. El montaje pues se constituye como una labor en proceso, donde la dramaturgia a tres bandas, la de la propia autora, la del director y la de los actores, va cerrando y concretando el principio original de la autora, y en la que Diana tiene una labor presente y constante en tanto debe atender que el proceso creativo no sea divergente hacia la fábula, sino enriquecedor y esclarecedor.
¿Cómo ha sido el proceso de creación?…
Ha durado siete semanas, teniendo un crescendo en el proceso de concreción del texto.
Las primeras tres semanas ocupó la labor de improvisación y creación de estudios para personajes y situaciones, desde las que ir ajustando los distintos acontecimientos que conformaban las historia.
A continuación, perfilar los personajes en las situaciones ya concretadas y acercar el texto «provisional», así se debe considerar dentro de la propuesta, a lo largo de las escenas, ajustando más la línea de conflictos y viendo la eficacia del escrito, recientemente constituido, y siendo en muchas ocasiones labor de la propia gestación del intérprete en su labor de estudio e improvisaciones. En este sentido, se confecciona una labor en tres intenciones que deben adaptarse desde la generosidad, la escucha y la suficiente honestidad, pues, se ha de saber que se está en un cuerpo vivo, operando en el instante, y que cualquier condición extraña o innecesaria podría hacer tambalearse parte del engranaje. Esta es la gran diferencia a otros procesos, pues aun cuando se puedan llevar a cabo ciertas labores preliminares de configuración de personaje y ciertas apuestas previas al texto en la investigación del conflicto, se torna leve pues el texto ya nos depura la mirada, la trayectoria a seguir, es una obra cerrada que se abre de a poco para el estreno, mientras que aquí, el estreno, si lo hubiere, se produce el último día, cuando se acaban las muestras, al menos, el estreno del texto que será ya definitivo.
¿Hay algún referente técnico o artístico del que has partido para crear esta puesta en escena?…
En concreto ninguno, he seguido fiel a mis atenciones como director a la hora de que el espacio escénico donde la acción del intérprete esté desde un primer momento definido. En este caso, me parecía necesario acotar desde un primer momento los espacios y los entornos donde los seis personajes iban a encontrarse, hallando de a poco, en las dos primeras semanas, la ubicación inicial de los espacios de los personajes, pues era conveniente a la hora de trazar una mínima línea de intenciones que pudiera dar coherencia primordial al trabajo interpretativo de los estudios y las improvisaciones. Se fue elaborando una escaleta de acontecimientos y lugares de referencia, a la que a poco a poco se fue llenando de contenido y la concreción paulatina del texto.
El universo plástico lo he tenía muy aproximado, levedad de espacio, lugares en dos planos de acción, sobre lo real y lo onírico, y acotar que menos elementos dieran el máximo de posibilidades. Esto estaba condicionado por el propio espacio donde se iba a mostrar, la Sala Princesa, y desde un primer momento, intenté acotar el espacio en los distintos lugares de ensayos que hemos tenido, perfilando al final de las tres primeras semanas una leve planta de espacios, lugares y entornos en los que se movían los personajes. Desde luego, iba en una dirección que se debía acercar a lo hiperreal, en línea, como bien aportaba en su escrito preliminar de imaginario la propia Diana, ubicado entre una director como David Linch con propósitos donde lo cotidiano se vuelve extraño, siniestro, acaso algo anormal… o irreal. Ese ha sido el cometido final en la labor de espacio escénico y propuesta de iluminación, ayudados por el equipo técnico del CDN que en todo momento han intentando acercarse de manera sumamente creativa y disponible al proceso creativo.
¿Por qué haces teatro?…
Quizá porque no pueda ya, no sepa o no quiera hacer otra cosa. En este montaje, se da un instante muy hermoso. Y es parte de este engranaje mágico de nuestra profesión. En el proceso de elección de elenco, se trazaron varias posibilidades para uno de los roles, y en el camino, apareció la figura de Vicente Díez. Esto supone para mí una importante posibilidad, no porque el resto de intérpretes no sean de suma necesidad, imposible pensar en otros, David Alonso, Ángel Perabá o Xenia Sevillano, sino porque se ha producido un hecho sumamente emocionante para mí con la participación de Vicente. Pues, hace nada menos que unos treinta años, le vi actuar en la mítica Sala Cadalso con el Indio quiere el Bronx, un montaje que con mis apenas quince años, significó que me decidiera finalmente a encaminarme a esto que realizo hoy día. En este sentido, hallarme en el CDN y encontrarme con su participación, pienso, en ciertos momentos, que ha cerrado un camino que se iniciara entonces, cerrar mi deseo y mi destino. Y digo esto, y en este sentido, porque abre, por todo motivo, un espacio de crecimiento, apuesta y búsqueda en mi trayectoria, aún incierta, pero que me ha supuesto una gran ilusión, una necesaria entrega, un merecido aprehendizaje, a través de la labor continua de todo el equipo artístico, junto a Diana Luque y Miguel Ribagorda, quien además de asistirme en la dirección ha dado un calado con la labor de poética musical que hubiera sido impensable de cualquier otra forma.
¿Qué balances haces de tus trabajos como director teatro?…Háblanos de tus últimos trabajos…
Pues que han sido necesarios, sin excepción. Desde que se produjera con mi anterior compañía, El Tinglao, el montaje de Fando y Lis, del que todavía tengo remansos, pues, próximamente estoy invitado al Congreso de Literatura de la Crueldad en la Universidad Complutense a través del profesor y Catedrático Javier Huerta Calvo, y una próxima publicación de la obra, la cuál he podido prologar con la mirada de hoy a lo que fue la puesta en escena, añadiendo fotos del espectáculo; así como germen inicial de Mi piedra rosetta de mi querido amigo José Ramón Fernández y que ha inaugurado la nueva andadura en la que me encuentro, Palmyra Teatro, siento que Fisuras enmarca y propone un salto hacia adelante. Un crecimiento de un propósito donde la coralidad escénica, la mirada trágica, la atención a personajes nobles en momentos inciertos, la creación con apuestas estéticas y estilísticas en espacios únicos, permanentes, donde no existe el vacío escénico interpretativo, donde la música es motor de la dinámica de la acción y la conducción del conflicto, donde los tres lenguajes escénicos se muestras al unísono en una labor fundamental en el eje del espectáculo, en fin, en todas estas características, pienso que son una línea de intenciones que dura desde hace diez años, sin ser mucho ni poco, apuesta por una definición de todos esos parámetros, singnifcando una estructura artística, estética y estilística suficiente. Donde la mención a la discapacidad, y a la diversidad humana, se hace eco tanto en escena como a nivel dramatúrgico, cuestiones que me rondan y pueblan desde mis principios artísticos y teatrales, desde 1992 con la idea original de lo que fuera El Tinglao, compañía que dirigí durante casi 15 años, con una puesta innovadora en el panorama nacional, apostando por vías que hoy son reales, algo cotidianas, pero que entonces, era sumamente genuinas… Creo que en este arco de más de veinte años, y en lo concreto, en el ciclo ce los últimos diez años, Fisuras, hace un salto suficiente, y circunda una puerta desde el que adentrarse a una aventura nueva, una amplitud en la mirada y un recorrido en la búsqueda de espacios en diálogo con todo esto que me antecede.
¿Qué función crees que ha de tener hoy el teatro para la sociedad en la que vivimos?…
Pues creo que tiene la labor de acrecentar a la sociedad, en valores, en realidades y en compromisos. Creo que la labor del teatro no duerme, no se siente ajena a las situaciones vitales, a las distintas formas sin ética que rodea a la política, por ejemplo, y a las distintas necedades y comportamiento faltos de humanidad de muchas capas sociales. Busca continuamente actualizarse, convertirse y avanzarse a sí mismo, pues tiene una labor de vate, vigía y timón permanente, no nunca una permisividad, un estancamiento, sino una pura y digna vanguardia, pues en todo hecho teatral se renueva, analiza y enmarca atenciones que la sociedad y el ser humano nunca debe dejar de atender. Por eso, hoy, mañana y desde siempre, el teatro no ha perdido, pierde ni perderá ese rumbo, por tanto, labor inexcusable e imperecedera, por suerte, en tanta marchita y a veces inane condición vital, también nociva, reitero, en ciertos comportamientos carentes de ética y valor humano de ciertos estratos sociales o de ciertos profesionales de la política, que por otro lado, debieran revisar sus acciones para ver otra función vital y social más necesaria.
¿Cómo crees que está afectando la subida del I.V.A. y los recortes al teatro en España?…
Viniendo de lo anterior, ha afectado rotundamente, haciendo que aparezcan aspectos nada deseables ni para los creadores ni para el público. La palabra crisis, como sabemos, es por desgracia una constante en el quehacer de nuestro arte, y por ello, aporta la necesaria imaginación para salir de ella. Quizá esa crisis, real, que vivimos, debieran padecerla otros estamentos de la acción profesional y social, para que tuvieran mejores ideas, y no compras insólitas de intenciones necias. Se mira a Europa por motivos infinitos, pero no se reconoce nunca en nuestra electiva profesionalidad política el ámbito de la cultura en esa Europa que ha hecho grandes apuestas, aciertos infinitos y actos sociales para con la cultura de sus naciones y pueblos, y que por desgracia aquí seguimos no usando, pero que a los profesionales de esta arte, de esta profesión, milenaria, no nos parecen inciertos, imposibles e inmarcesibles en una sociedad democrática, que evoluciona y que busque para sus ciudadanos un crecimiento ético, cultural y político. Es por todo ello, lamentable, y hace difícil poder mantener con las mismas circunstancias activas a la necesaria función profesional que debiera compararse al resto de profesiones de nuestro país, pues qué sería de otras tantas funciones sociales y profesionales si se vieran en estas mismas situaciones de recortes y desatenciones permanentes… quizá, por suerte, los que estamos en este lugar, seamos capaces de imaginarlo… otros, igual, no tienen esa capacidad…
¿Qué obra de teatro has visto últimamente?¿Qué te pareció?…
Pues por todo el momento de atención que ha supuesto Fisuras, solo he podido ver Fausto de Pandur. Creo que sigue fielmente las señas de identidad de este genuino director. Es mayestática, una apuesta estética grandiosa, y un rasgo distintivo más en el universo de su dirección. Sobre todo, rescato la labor de la dramaturgia, que me pareció acertada para abrir esa fábula con distancia y originalidad suficiente a nuestros días. Hay actuaciones fantásticas como la de Ana Wagener o la del mismo Roberto Henríquez, dimensionando el trabajo coral y estético del resto del elenco. Para mí, ha sido algo más sugerente, como espectador, que otras propuestas que haya visto anteriormente del mismo director.
En otro orden, resalto En el desierto, que pude ver a inicio de temporada, y que creo que es una de las obras más geniales que haya visto de Chevy Muraday, y que es una lástima no pueda volver a la escena madrileña, igual me equivoco, o que tuviese un tiempo más en cartelera, pues creo que resume una marcada búsqueda y recorrido en su trayectoria como creador y coreógrafo, y propone un trabajo sumamente artístico, estético y profesional en el engranaje del teatro, la danza y la mirada conjunta, a través del resto de aportes artísticos que configuran la nómina de intérpretes y diseñadores que aúnan el proyecto, y que consolida un trabajo escénico de los mejores que puedan haberse visto en este arranque de año escénico.
¿Proyectos?…
Pues continuar con la difusión de Mi piedra rosetta que abre un marco sobre la diversidad en la escena y la accesibilidad para el público con discapacidad sensorial en todas sus representaciones, cuestión primordial al proyecto de Palmyra Teatro y no muy común en la escena nacional. Conseguir que se pueda ver más viene siendo mi objetivo del último año, a ver si lo logramos,… y existen otras aventuras, pero mencionarlas pueda ser motivo de que dejen de serlo, por tanto, como las meigas, haberlas, haylas… pero mejor, vivirlas, pues será lo mejor, así que eso pido a los reyes, papás noeles y otras figuras de la magia, la ilusión y por tanto, la realidad…
¿Se pueden hacer propuestas combativas de teatro hoy?…
Por supuesto, y en mi caso, Palmyra Teatro es mi apuesta combativa, pues reivindico que la escena es plural y diversa, que los lenguajes escénicos brindan una oportunidad inmejorable para encontrarse la posibilidad humana en todo su rigor y extensión, añadiendo a que no solo en la escena se vea esa necesaria vida compartida por las personas con capacidades diferentes, sino que apuesto porque cada función toda persona sin ningún requisito ni condición sienta la posibilidad de compartir su ocio, su cultura y su hecho vital ante una función accesible, motivando a que no sea un día exclusive, sino inclusive, en el mundo en el que vivimos. Quizá sea mi lugar de combate, pero siento que en muchos aspectos se une a todos y cada uno de los motivos que los profesionales del teatro hacen y construyen cada día, para seguir haciendo un mundo y una sociedad mejor, al menos, lo tenemos inscrito en nuestro código deontológico, y por qué no, en el genético…
Tomi Ojeda nos habla de su experiencia a lo largo de veinte años en el teatro y la danza
¿Qué es el teatro para ti?… ¿Por qué haces teatro? …
El teatro para mí es una herramienta viva, directa entre emisor y receptor para transmitir hacia fuera esa comunicación entre ambos, un medio a través del cual puedo expresar desde la creación situaciones que quiero plantear desde el arte y lo social. El teatro mueve conciencias, nos hace pensar, reflexionar, cuestionar… nos hace libres para elegir dónde deseamos posicionarnos ante un hecho concreto…nos emociona, nos duele, a veces, nos remueve, nos calma, es una escuela de llanto y risa, una tribuna libre donde podemos expresarnos, como decía Lorca.
Hago teatro, danza… porque es un sueño que he hecho realidad, un sueño que tenía desde pequeña cuando jugaba a disfrazarme para ser Gilda y cantaba lo de Amado mío… Como veía complicado ese sueño porque no veía actrices ni bailarinas cojas, pues pensaba que no podía ser… Aparqué ese sueño, viví otros caminos y a los 30 años, después de separarme de mi pareja, me plateé qué hacer con mi vida y, bueno, fui a por mi sueño y aquí estoy. Ha sido un camino difícil, maravilloso, agotador, bello, inmenso para bucear y descubrir miles de posibilidades que mi cuerpo, diferente al resto de lo “normal”, ha experimentado a la hora de crear personajes desde otros movimientos, buscado desde esa diversidad física funcional, que me lleva por caminos distintos a la hora de investigar y crear. Un bello sueño hecho realidad, lo cual me satisface porque me confirma que se puede soñar despierta y hacerlos realidad desde el trabajo, la voluntad, la tenacidad, el amor y entrega que pones en ello.
¿Qué balance haces de tu trayectoria como actriz?
Bueno, tras 20 años de carrera, siento que es un balance bastante positivo en lo personal, no tanto en la difusión y planteamiento social de las compañías que están compuestas por actores con diversidad funcional o con otras diversidades, no tan visibles, que trabajamos en este campo. Tras mi primer taller de teatro donde mis profesoras sólo trabajaban mis partes “validas” de mi cuerpo, Ángel Negro y yo, pensamos que no era el camino adecuado, nuestros cuerpos funcionaban de manera diferente al resto, pero daba para mucho más…Nos planteamos crear un taller teatral donde tuvieran cabida todos los cuerpos, mentes y personas que quisieran formase en teatro, plena diversidad y punto. Hablamos con David Ojeda, profesor de teatro, actor por aquella época, le lanzamos nuestra propuesta ,le gustó, aceptó el reto como profesor, porque para él ahí empezaba también un camino desde la formación en la diversidad que luego desembocó en su tesis Teatro y discapacidad. En ese encuentro se creó la semilla de la compañía de teatro y danza el Tinglao, siendo los tres sus fundadores.
Un largo camino para ver que aún, lo social, sigue haciendo su doble juego, es decir, aprueba la existencia de este tipo de compañías pero, el circuito donde movernos es reducido, el arte y lo social están discapacitados, nos somos las personas con diversidad funcional la que tenemos el problema con la sociedad, es la sociedad quien tiene un problema con nosotros, se habla de inclusión, integración, normalización, inserción…Bellas palabras que no van a ningún sitio, que no se cumplen, porque la escuela de arte dramático, el conservatorio de de danza y música, y muchos centros de formación actoral siguen siendo inaccesible tanto por las barreras arquitectónicas que aún quedan por derribar, y por no haber cabida para que cualquier persona que elija el camino del arte y la creación se pueda formar en las escuelas normales porque no están abiertas aún a cuerpos que ven, oyen, caminan, piensan o se mueven de manera diferente a lo entendido como “normal”. Las instituciones, los docentes, tienen que abrir su mente a la diversidad humana, a la aceptación de lo diferente sin que sea una “imposición social” para cumplir el expediente y decir que todos tenemos los mismos derechos, cuando bien se sabe que eso no es cierto en esta sociedad en que vivimos, hay que cambiar tantas cosas socialmente, desde el derecho, no desde cerrar el circuito de éstas compañías a ciertos campos sólo del ámbito de la discapacidad, sino, al contrario, estar en los circuitos de red como otras compañías, por su trabajo, por su calidad en la puesta en escena, porque haberlos haylos, no sólo estar en momentos puntuales para celebrar el día “D”…En mi trayectoria personal diría que va estando bien ya que he hecho los proyectos que he deseado hacer, y eso es un placer, en lo social, queda MUCHISIMO por hacer, como diría Lis, uno de los bellos personajes que he tenido la oportunidad de crear y disfrutar…pero seguimos estando en el mismo camino de siempre no hemos avanzado nada…Han pasado 20 años, es una pena, pero no ha cambiado mucho la cosa, no nos engañemos, pero sigo ahí, seguimos ahí para que los que vienen detrás lo tengan un poco más fácil.
¿Cómo surge el proyecto Mi Piedra Rosetta? Háblanos de tu personaje.
Bueno, creo que ésta pregunta sería mejor que la contestasen David Ojeda y Sara Akkad, los creadores de la compañía Palmyra Teatro y José Ramón Fernández, el autor del texto, pero, intentaré a través de dos pequeños extractos de José Ramón que circulan por entrevistas y en la página de Palmyra Teatro en facebook, donde podéis entrar y bucear toda la información al respecto de lo que es este proyecto. José Ramón lo cuenta así:
En el otoño de 2010, Sara Akkad y David Ojeda (es decir, Palmyra Teatro) me propusieron que escribiera una obra con estos mimbres: Jesús Barranco, Patricia Ruz, Tomi Ojeda y Christian Gordo, más un violonchelista. Y libertad absoluta para inventarme una historia.
Por supuesto, decidí que jugasen las características especiales de Patricia, Tomi y Christian como intérpretes: Patricia es coreógrafa; Tomi se mueve en silla de ruedas; Christian es sordo. Y los tres son bailarines.
Esta es una historia que habla de cosas que le pasan a todo el mundo: la dificultad para conocer al otro, para dejar que el otro te conozca; la dificultad de amar; la dificultad de vivir. Es una historia que habla de límites y caminos. Esta es también una historia sobre la belleza, sobre la música, sobre nuestra incombustible voluntad de amar.
Esta es una historia de amor. Una historia sobre el amor de un hermano. Esta es una historia sobre las palabras. Esta es una historia sobre la belleza. Esta es una historia sobre las personas que tenemos al lado y no amamos lo suficiente. Esta es una historia sobre lo pequeños que somos. Sobre lo miserables que somos. Esta es una historia sobre los momentos en que somos ángeles.
José Ramón Fernández
Victoria, mi personaje, es una mujer que no suele rendirse. Desde fuera parece que se come el mundo, pero tiene un mundo interior turbulento también, pero está ahí en esa espiral de mirar al otro, de ponerse en su lugar, de ayudar, de necesitar al otro, de escuchar, de entender el silencio de Ariel, de ayudar a Bruno a salir del pozo donde ha caído. A través de Nura, amiga suya, bailarina, trama un posible concierto para ayudar a Bruno, para que Ariel a través de la danza pueda entender la música, entender qué le pasa a la gente cuando oyen a su hermano tocar y se emocionan y sienten algo que él no puede entender porque no puede oír lo que toca su hermano, saber que pasa en el adentro de Bruno. Y bueno, todos los personajes caminan por esa mirada al otro, por ese mundo interior de cada uno, de soledades, silencios, miedos, límites, caminos, vida, muerte, encuentros, desencuentros…
¿Cómo fue el proceso de creación?…
Cuando José Ramón nos entregó el primer borrador del texto, hicimos trabajo de mesa, leímos el texto, hablamos del perfil de los personajes. David nos dio pautas para cada personaje y empezamos a trabajar partiendo de improvisaciones. Siempre ha sido un trabajo en equipo desde la dirección, el autor, el elenco de actores, los músicos, la lengua de signos, la interprete de signos, ya que tanto para el trabajo de Christian, que necesita ese apoyo,como para el resto de actores, que hemos tenido que aprender parte de esa lengua para comunicarnos con Christian a la hora de crear a Ariel y para el trabajo final de audio descripción, sub titulación…para que sea un montaje totalmente accesible a cualquier público que asista a ver la función, ya que se trata de eso. De esa metáfora que es Mi Piedra Rosetta, esa accesibilidad a la comunicación y la necesidad de comunicarse con el otro venga de donde venga la forma en que se haga, que el resultado sea posible y entendible para todos, porque se puede hacer, esta obra lo demuestra, además debe ser así. Esperamos que esta propuesta sea una puerta abierta para que otros creadores tengan en cuenta la accesibilidad universal a la hora de montar una obra, para que los teatros, los cines, los museos, la salas de conciertos…etc, se planteen esto para que cualquier persona con diversidad funcional, tenga la misma oportunidad de acceder a una sala en cualquier momento, no solo, el día tal, en que es el día que parece ser el “oportuno” para poder disfrutar del ocio como cualquier otro ser que compone la sociedad.
¿Hay algún referente técnico o artístico del que has partido para crear tu personaje?…
He partido de pautas que me ha dado David, del fuego, como elemento, del transitar en espiral, sintiendo que tengo que estar en una situación, pero que a veces, no puedo estar, que deseo irme, pero que sigo permaneciendo en ese lugar desde la ayuda al otro, la escucha, la mirada, pero que también siempre está la decisión de salir y cerrar la puerta para no volver a entrar nunca más si elijo ese camino…de la energía y fuerza que posee Victoria, su risa, su pasión, su soledad interior. Llevo conviviendo con Victoria desde Junio del año pasado, además, Victoria tiene facetas de su vida que tienen que ver con Tomi y Tomi con Victoria. Es así y no sé si es bueno a malo a la hora de crear el personaje, pero a ambas, nos está sentando muy bien esta convivencia…jajaja. Yo le aporto a ella y ella me aporta a mí. También en un momento de la creación del personaje hablé con José Ramón pues había ciertos puntos de encuentro entre ambas que había que perfilar más desde la necesidad de dar más matices a Victoria y José me ayudo mucho, es un ser muy, muy generoso, de una gran escucha, abierto a la necesidad del actor a la hora de crear a través del texto, así que tuvimos una bella y larga conversación que empezó por Victoria y acabó hablando Tomi porque era delicado lo que le comentaba, en un momento me rompí por dentro y me abrí a él desde Tomi, sólo faltaba una semana para el estreno de Diciembre, pero o lo hablaba con él o callaba para siempre, y creo que ha sido hermoso y certero para los tres, para José, Victoria y Tomi. El día siguiente a esta charla, David me dio el nuevo texto de José corregido y…. me emocioné mucho, porque había recogido tan, tan bien todo lo dicho por mí, por Victoria. Es grande, muy grande como persona, como autor, porque esta obra es tan reivindicativa, tan actual, tan del día a día lo que vivimos aquí y ahora, con tanta belleza y contundencia en sus palabras. Es un bello y necesario trabajo ésta puesta en escena. Además todo el equipo hemos puesto pasión, ganas, entrega, energía, voluntad, amor, mucho amor, y claro, así con estos ingredientes, es fácil estar y trabajar siempre con la mirada en avanzar, nunca rendirse y sobre todo, disfrutar de lo que hacemos.
¿Qué balances haces de tus últimos trabajos como actriz en teatro?…
Bueno, partiendo de que siempre que empiezo un nuevo proyecto, una nueva creación de un personaje, sea teatro, danza, performance…me cago la pata abajo, me entran todos los miedos e inseguridades habidas y por haber, me digo y me repito mil veces, por qué no me quedo en mi casa haciendo arroz con leche, que no me gusta ni sé cómo se hace…Pues creo, que el balance desde mí, que sólo me sirve a mí, porque el de fuera es el público y los críticos quien lo hacen, casi siempre es un balance positivo, es un paso más para seguir aprendiendo, reciclándome como creadora, seguir apostando por aquel sueño que está en mis manos para que siga siendo una realidad y en la proyección hacía los demás para que se queden lo que les sea válidos para ellos y un mensaje social desde el arte para seguir abriendo caminos, tendiendo puentes para avanzar en el arte, lo social, los derechos, la diversidad humana y el transitar la vida, que no es poco. He tenido la suerte y la posibilidad de poder trabajar con diferentes compañías aquí en España y fuera de nuestras fronteras, y eso ha sido un placer y un gran aprendizaje. Solo puedo decir, gracias. Siento que mi trabajo es respetado, y lo agradezco de corazón, unos gustan más, otros menos, pero doy gracias a la vida y a las personas que me traen estos bellos regalos como ahora lo hace Palmyra Teatro y el texto de José Ramón de Mi Piedra Rosetta.
¿Cómo preparas los personajes?…¿Cuál es tu método?…
Pues no tengo un método concreto, cada personaje es un mundo a investigar, estudiar músicas, textos, partituras de cuerpo, visualizar posibilidades aún no encontradas, atreverte a probar, a improvisar, a proponer, a transmutar los miedo e inseguridades en ganas, fuerza, valor, voluntad, tenacidad, trabajo, amor por lo que haces…
¿Qué función crees que ha de tener hoy el teatro para la sociedad en la que vivimos?…
El teatro es una herramienta de reivindicación, de denuncia, de posicionamiento, del pueblo para el pueblo. En el momento actual que vivimos hay tanto, tanto que denunciar, que desenmascarar. Pero creo que el momento de necesidad de denuncia no sólo es de hoy, ha sido desde siempre. El teatro es un abanico de posibilidades desde la ironía, la comedia, el drama, tragicomedia, el absurdo… Desde el cuerpo, la palabra, la música, el silencio, la mirada, el ritmo…es un campo de cultivo para proyectar hacía fuera las vivencias, creencias, sueños, deseos, frustraciones, posibilidades, encuentros y desencuentros, soledades y libertades del ser humano. Esto es para mí, otros eruditos del estudio de este gran arte, aportarían mucha más luz de este bello encuentro entre emisor y receptor. Pero yo soy gente llana del pueblo llano…jajaja…
¿Crees que afectará mucho la subida del I.V.A. y los recortes al teatro?…
¿Hay algún sector social que se salve de esta subida o estos recortes? Bueno si, hay uno, y no es social. El poder, el capital. Los de arriba, los que tienen el poder, el capital, pisando el cuello a los de abajo, al pueblo, al obrero. Es una vergüenza todo lo que está pasando. Es injusto que no haya una justicia igual para todos, todo lo que vemos cada día en este país a mi me lleva a la reflexión de que ahora no hay una guerra de tanques y bombas en la calle. Hay una guerra contra la población civil por los que ejercen el poder. Un poder que se ha cargado todo el estado del bienestar de este país. Unos derechos que nos han arrebatado de cuajo, con manipulación, mentiras, engaños, sin vergüenza ni respeto por la vida y la dignidad de las personas. Atentando contra el pueblo, la democracia, la constitución…A mí, al colectivo de personas con diversidad funcional, los que estamos los últimos de la cola en lo social, los que no contamos, no nos tienen en cuenta, no somos visible, deciden por nosotros dónde tenemos que vivir, en residencias, apartados del mundo, donde no estorbemos, donde seamos muertos vivientes sin derecho a elegir cómo deseaos vivir nuestras vidas, sin apoyos, con una puta ley de dependencia en vez de una LEY DE INDEPENDENCIA, porque ahora mismo por poner un ejemplo, se está preparando la ciudad del autismo en Málaga. Pensarlo me da escalofríos, es monstruoso. Un país donde hay personas que se están muriendo en sus camas por falta de apoyo del estado, de derechos, de herramientas, como la asistencia personal. Cuesta mucho más una plaza en una residencia, que la asistencia personal para que sea el individuo quien elija dónde desea vivir, con quien, con derecho al trabajo, al ocio, al estudio, con accesibilidad universal, con el respeto a su dignidad como persona, como ser social. Soy activista del Foro de vida Independiente y DIVERTAD, dignidad y libertad en la diversidad. Llevamos muchos años realizando documentos hacia los estados, la administración, el gobierno, haciendo encierros, haciendo marchas por los derechos humanos…Trabajando mucho en todos los sectores sociales para que se oiga nuestra voz, para decir basta, porque nuestra gente se muere por los rincones por falta de derechos y herramientas que tiene que poner el estado, y éste, mira para otro lado…. Toda esta mierda que está cayendo, a quien más salpica es a nosotros, porque como te digo, somos los últimos de la cola de los sectores desfavorecidos de esta nuestra sociedad, nosotros REEEEEEEPAGAMOSSSSSS, y no sigo ahora mismo porque me estoy poniendo de muy mala leche, me hierve la sangre. Por todo ello, para mí el arte, el hecho creativo, es una grandísima herramienta de denuncia.
¿Alguna sugerencia para seguir creando en tiempos de crisis?…
Seguir creando proyectos que toquen al poder, al estado, convertirnos en escracher, señalar a los responsable de esta crisis que no es el pueblo, es el estado, la banca, el capital, unir sinergias y fuerzas creativas que proyecten dónde se haya el ser humano en estos momentos, porque también hay una gran crisis en valores humanos, cambiar el paradigma social hacía otro lugar de igualdad y derechos. Como me dijo una gran amiga y creadora hace pocos días: Los creadores, tenemos la obligación de crear conciencia colectiva. Siento que es necesario despertar a través del arte al ser humano, para que reaccione, para que no caiga en la apatía, la desesperación, la frustración, la impotencia… El arte, el conocimiento, nos hace libres.
¿Qué obra de teatro has visto últimamente?… ¿Qué te pareció?…
Voy muy poco al teatro, al cine, a museos, a conciertos, a restaurantes… No porque no me guste o no me apetezca, sino, porque como dije en la pregunta anterior, reeeeeeeepaaaaaagaaaaamossss por todos lados. Una salida en mi vida cotidiana a cualquier evento de este tipo supone, buscar un asistente personal, las horas cuentan, porque hay que pagar su trabajo, su entrada, porque no le vas a dejar en la puerta, y porque tiene que ayudarte dentro también, gasolina si vas en coche, transporte doble si vas en servicio público, y suerte si es accesible, que entonces, hasta hechas una sonrisilla porque ese día no ha sido tan jodido llegar sin altercados mil, pero luego viene la guinda, ¿será accesible el lugar, podré mear con dignidad o tendré que mear en la calle, si puedo, o buscar algún baño accesible en algún lugar perdido, porque no suele haberlos en casi ningún lugar público sea de ocio o de algún organismo público, que tampoco suele tener baños accesibles, y si los hay, suelen estar muyyyyyy sucios, luego al final, después de todo el mogollón para llegar al lugar donde se supone que vas a divertirte un rato, te puede pasar lo que le pasó a mi amiga Maika el sábado cuando fue a ver la función y llegó la hora de mear y tuvo que irse hasta la estación de atocha para poder mear en un baño sucio, porque ni en los teatros, ni cines, ni museos, ni…Hay un baño digno donde mear como cualquier persona andante.
Cuando estoy en la faceta de actriz, hago lo imposible por estar y tomármelo con humor porque mi objetivo en que se proyecte el trabajo para seguir en la lucha por mí y por los que vienen detrás, pero en mi vida personal, hace años que tomé la decisión de no pisar ningún lugar donde no estuviera accesible para mí en todos los sentido, y de esos, os aseguro que hay MUYYYYYY pocos. Irónico y vergonzoso ¿no?, amo mi profesión, pero no puedo empaparme del trabajo de otros creadores, no puedo disfrutar de ellos, enriquecerme con ellos, porque la sociedad en la que vivo me lo pone, nos lo pone muy difícil a los que funcionamos y vivimos de forma diferente al resto de la sociedad, luego, que no me hablen de inserción, integración, inclusión, normalización, porque aparte de que son palabras vacías que se incumplen cada segundo de nuestra vida, somos discriminados por nuestra diversidad funcional, entonces, no quiero pertenecer a este tipo de sociedad en la que continuamente se pisotean mis derechos … ¿Antisistema, escracher, inconformista, perro flauta, subnormal, discapacitado, minusválido, de izquierdas, anarquista…? Soy yo, las circunstancias que rodean mi vida, mi aquí y ahora, quienes me harán posicionarme en el lugar que elija estar para seguir apostando por un mundo mejor, porque es posible, sólo es cuestión de señalar a los responsables de éste holocausto humano que estamos viviendo en estos momentos. Y el ARTE, es muy buena herramienta para llevarlo a buen puerto.
¿Proyectos?…
Hay alguno por ahí, pero se están cociendo, preparando. Os iré contando cuando se vayan convirtiendo en realidades. Gracias por vuestra escucha y por ofrecerme esta oportunidad de compartir con vosotros mi aquí y ahora.
Un abrazo cálido para todos. Nos vemos en Mi Piedra Rosetta. Que lo disfrutéis.
Mi piedra Rosetta en Cuarta Pared
Palmyra Teatro ha tenido la paciencia de esperar el tiempo necesario para realizar el proyecto de Mi piedra Rosetta hasta conseguir las condiciones oportunas para su presentación escénica. La primera piedra de este edificio fue la invitación a José Ramón Fernández para escribir este texto. El autor tuvo la libertad y el tiempo para llenar de palabras todos los folios necesarios para construir la metáfora poética que finalmente hemos podido ver en el escenario de Cuarta Pared. Desde Palmyra Teatro se ha conformado un equipo creativo de cómplices al frente de los que ha estado su director, David Ojeda. Pero los que han materializado este micro mundo de complejos discursos escénicos y de historias cruzadas sobre la dificultad de comunicarnos y de expresarnos cada uno en nuestro código personal son un equipo de actores que dejan de lado sus peculiaridades para ocupar la escena con derecho total, haciendo un acto de valentía como no estamos acostumbrados a ver, ellos son…Jesús Barranco, Patricia Ruz, Tomi Ojeda, Christian Gordo e Iris Jugo. Y para romper las barreras de comunicación que sigue habiendo en los teatros, esta función se realiza con todos los lenguajes de traducción posibles, para que nadie quede excluido frente a la obra. Esa experiencia nos pone a todos al mismo nivel…Seres que nos comunicamos o incomunicamos.
Adolfo Simón
Seminario «Memoria y pensamiento en el teatro contemporáneo»
Paco Bezerra nos habla de sus proyectos.
¿Cómo surge el proyecto AHORA EMPIEZAN LAS VACACIONES?…¿De qué va la obra?…¿Cómo ha sido el viaje dramatúrgico de El Pelícano a tu propuesta textual?…
Luis Luque había pensado montarla, ya tenía los actores y todo, de hecho hasta había hablado con ellos y se lo había propuesto, así que me pidió hacer la versión y yo acepté. Podríamos decir que se trata de un encargo, como la obra anterior que hice con él, La escuela de la desobediencia. La obra va de una madre desnaturalizada que tiene muertos de hambre y de frío a sus hijos desde el día en que nacieron, y esto lo utilizo para hablar de nuestro presente. El viaje dramaúrgico ha partido de los personajes y conflictos del original, pero podría decirse que he reescrito la obra. He metido elementos nuevos y he eliminado a uno de los personajes. También me he inventado alguna escena que otra, la del final, por ejemplo, en la que creo que no hay ni una sola palabra escrita por Strindberg.
¿Hiciste algún tipo de documentación sobre el tema antes de realizar tu texto final?…
Partí de las lecturas del original, vi varias veces el Estudio Uno que interpretó en su día Irene Gutiérrez Caba y Tina Sáinz, y, a partir de lo que todo esto me sugirió, empecé a investigar sobre el hambre y el apetito. Entonces, descubrí una isla en la que nadie jamás había pasado nunca hambre, en el Pacífico Sur, Vanuatu se llama, el lugar con mayor calidad de vida de todo el planeta Tierra. Y eché la imaginación a volar a partir de ahí.
¿Cómo surge llevarlo a La Casa de la Portera?
Ya estaba en la propuesta de Luis, venía con el encargo, todo en el mismo paquete. Si yo no hubiese hecho la versión, él la hubiese estrenado igualmente en La casa de la portera.
Eres un autor premiado…¿Sirven los premios para que tus textos se visibilicen?…
Sí, pero para que se visibilicen los textos que no han sido premiados. Curiosamente, los textos que han ganado premios importantes no se han hecho, esos no se representan, se representan otros que me encargan, pero las obras que han ganado más premios aún no se han hecho.
¿Opinas como algunos autores, que no hay que publicar un texto hasta verlo estrenado?…
No, si yo pensara así ahora no tendría más que tres textos publicados, y dos de ellos versiones o dramaturgias de otras obras que no son mías, originales, entonces, habría publicado sólo Grooming. Además, si no se publican antes de estrenarse… ¿cómo llega el texto a manos de un director de escena? ¿Cómo puede montar alguien un texto si no está publicado? ¿O cuántas obras hubiésemos leído de Don Ramón del Valle-Inclán? Imagino que habrá dramaturgos que tengan contactos y que conzcan a productores y directores de teatros, pero si no conoces a nadie publicar es la única manera de que tu trabajo tenga cierta difusión. No, qué barbaridad, yo no pienso así, yo soy dramaturgo, escribo para la Literatura Dramática, no para la escena. Si mis obras se hacen, fenomenal, pero si no se hacen yo las voy a seguir escribiendo igualmente. ¿Por qué no iba a poder tener la gente acceso a leerlas?
¿Qué balances haces de tus últimos trabajos como autor?…
El balance ha sido positivo. He estrenado tres obras en el último año y medio, así que no me puedo quejar.
¿Qué función crees que ha de tener hoy el teatro para la sociedad en la que vivimos?…
La de siempre: la de plantearle preguntas al lector/espectador, no ofrecerle respuestas, la de hacerle dudar de lo que piensa, la de cuestionarle y ponerle en un dilema moral ante una situación determinada… Viene siendo así desde antes de que naciera Jesucristo. El teatro ha cambiado mucho, pero sólo en su forma, en el fondo, el teatro sigue siendo muy parecido al de hace más de dos mil años.
¿Qué te motiva o inspira para escribir teatro?…
El paisaje desértico de Almería, mi padre y mi madre, mi abuela, mi hermana, mi tía, mis vecinas y todo lo que sale por boca de estas personas que acabo de enumerar. Un pozo sin fondo.
¿Crees que afectará mucho la subida del I.V.A. y los recortes al teatro?…
¿Y no está afectando ya?
¿Qué obra de teatro has visto últimamente? ¿Qué te pareció?…
Vi Alma de Dios, de Carlos Arniches y Enrique García Álvarez, con Cristina Marcos, Tomás Pozzi y Manuela Velasco, dirigida por Jesús Castejón, en el Teatro de la Zarzuela. Una maravilla. Me encantó. De hecho, creo que voy a escribir una Zarzuela, que es algo que los dramaturgos españoles no deberían haber dejado de hacer. La Zarzuela es lo más.
¿Cómo ves la autoría teatral en estos momentos en nuestro país?…
Pues muy bien, mejor que nunca, la veo tal que así: Alfredo Sanzol, Manuel Calzada Pérez, Sergi Belbel, María Velasco, Lluisa Cunillé, José Manuel Mora, Guillem Clua, Angélica Liddell, Carlos Be, Josep María Miró, Miguel del Arco, Juan Mayorga, Guillermo Heras, Jordi Galcerán, Luis García-Araus, Pau Miró, José Ramón Fernández, Marta Buchaca, Alberto Conejero, Lucía Vilanova, Antonio Rojano, Eva Hibernia, Gracia Morales, Zo Brinviyer, José Cruz, Jordi Casanovas, Juan Carlos Rubio, David Desola, Laila Ripoll… y se me olvidarán por lo menos ciento cincuenta más.
¿Proyectos?…
Me acaba de conceder el INAEM una beca para el Desarrollo de las Dramaturgias Actuales, creo que se llama, así que es la primera vez que me ayudan económicamente antes de escribir una obra y eso me alegra porque creo que han empezado a confiar en mí. Voy a escribir una obra que se llama El rescate del dragón.
Yo soy Don Quijote de la Mancha de José Ramón Fernández en el Teatro Español
Estoy seguro que en Inglaterra, acudir al teatro para ver a Laurence Olivier en cualquier obra de William Shakespeare, debía ser un acontecimiento. En Madrid, hemos tenido ocasión durante unas semanas de ver a José Sacristán interpretando a Don Quijote, un privilegio para los amantes del teatro. Yo soy Don Quijote de la Mancha es una dramaturgia de José Ramón Fernández a partir de la espléndida obra de Miguel de Cervantes. Esta genial obra contiene probablemente pasajes que podrían corresponder a discursos de otros textos y grandes personajes de la historia de la literatura, en ella está contenido probablemente lo que corresponde a nuestra memoria, a nuestro presente y tal vez al incierto futuro frente a los molinos que cabalgan hacia nosotros. José Sacristán está en el momento artístico perfecto para interpretar al que probablemente, sea el más grande de nuestros personajes de ficción, también está en sazón para hacer otros grandes personajes y es una pena que ningún productor se lo proponga. Yo soy Don Quijote de la Mancha juega con el teatro dentro del teatro que permite ver la obra de Cervantes desde una mirada de hoy, dejando que se cuele, entre líneas, otro tiempo en el escenario…para desembocar en una pregunta…¿Y si Don Quijote fuese mujer?…
Adolfo Simón
José Ramón Fernández, dramaturgo
José Ramón Fernández, autor teatral y novelista nos habla en la siguiente entrevista de su momento creativo actual y sus proyectos.
¿Cuál ha sido tu último trabajo como dramaturgo presentado escénicamente?…
Mi último trabajo ha sido Yo soy Don Quijote de la Mancha, que se ha estrenado en el Festival de Almagro el 5 de julio, dirigido por Luis Bermejo y producido por Metrópolis Teatro. En los carteles verás que pone «dramaturgia de». He recogido fragmentos de la novela, frases, detalles, y he escrito un texto en el que hay una gran cantidad de escritura original, utilizando muchas palabras de Cervantes y, por supuesto, a Don Quijote y Sancho. Los críticos no saben si decir que es una adaptación o una obra nueva. Yo creo que ese es el trabajo del dramaturgo, desde Guillem de Castro a Christopher Hampton.
¿Adáptación…Texto original? ¿Cómo surgió la propuesta?…
La propuesta vino de Natalia Menéndez, directora del Festival: hacer un Quijote esencial, que iba a interpretar José Sacristán. Al principio se valoró que fuera un monólogo, yo consideré que necesitaba la mirada de Sancho… cuando se me ocurrió dibujar a Sanchica encontré la clave contemporánea que necesitaba. Más tarde, hablando con Luis Bermejo, el director, surgió la posibilidad de abrir ese universo a la fórmula de teatro dentro del teatro, que nos permitía romper las costuras de la novela para dialogar con el mito. Desde el principio decidí que quería que una buena parte de lo que dijeran los personajes fuesen frases de la novela. Ahora jugamos a ver quién adivina de dónde sale cada frase.
¿Qué diferencia para ti una versión de una adaptación?…
Tengo alguna experiencia, una docena de estrenos, más o menos. En la versión existe tu mirada. La adaptación es algo técnico: ajusta tiempo, espacios, personajes, para que esta compañía pueda hacer esta función. Pero los límites entre los dos trabajos a veces son muy difíciles de percibir; incluso a veces ves que te han puesto en el cartel como versión lo que era una traducción, sin más. Por otra parte, la versión se completa en la puesta en escena. En el trabajo que hice con Lavelli sobre El Avaro, la mirada de Jorge dibujó ese Harpagón totalmente distinto del estereotipo, por ejemplo; algo que no podíamos hacer sólo sobre el papel.
¿Cómo es el proceso de escritura de un texto original?…
Yo parto de una pregunta, de algo que me llama la atención. Veo algo que me provoca y me lleva a preguntarme sobre lo que veo. A partir de ahí, intento habitar el lugar en que sucede, ver moverse a los personajes, oírles, unas preguntas llevan a otras… es un proceso lento en el que la escritura, la poesía, llega hacia el final. Con todo ese material, me pongo el mono de dramaturgo y trato de darle forma para el escenario: la estructura, la elección del uso o no de didascalias… Finalmente, el diálogo con los otros, el director, los actores, el equipo artístico y de producción. Trato de ser parte de un equipo.
¿Se puede aprender una técnica para escribir teatro?…
Se puede aprender lo que han hecho otros para conocer modos de resolver problemas y usarlos si los quieres usar. El conocimiento de la técnica no perjudica al artista, ese es uno de los conceptos básicos en música o pintura. Sherlock Holmes no era solo un genio de la deducción: había estudiado todos los crímenes del último siglo, de modo que muy a menudo encontraba precedentes en los modos de hacer de sus criminales. Yo encuentro en Sófocles o en Moliere técnicas que usa David Mamet.
¿Qué texto o puesta en escena te ha interesado de lo que has visto ultimamente?…
En directo, dos cosas de las últimas semanas: SOS en la Triángulo, de mis amigos de El Zurdo Teatro; una propuesta especial, con actores haciendo personajes y el músico Tozo haciendo de sí mismo, con buenos actores, momentos de gran poesía y el descubrimiento de Luis Crespo como director de escena. Y Duda razonable, de Borja Ortiz de Gondra, en Cuarta Pared: un texto magníficamente escrito, maduro y sabio, que si lo hubiera firmado Stoppard se estarían dando de hostias por él muchos productores y directores, con una impecable puesta en escena. Y en vídeo – veo muchísimo teatro en vídeo – he visto hace pocos días un montaje que me ha conmovido por su hondura en la búsqueda y porque lo he sentido muy cercano: Veraneantes, de Miguel del Arco y su grupo Kamikaze.
¿Qué proyectos tienes a corto plazo?…
Ahora, la compañía Palmira Teatro ensaya un texto enteramente original, Mi piedra Rosetta, que dirigirá David Ojeda. Se iba a estrenar en el Festival Madrid Sur, pero ha desaparecido, parece que el estreno será en Leganés a final de noviembre. Será mi último texto de teatro durante un tiempo, porque me he metido en una novela y porque siento que me he vaciado en la escritura de esta obra, volviendo al riesgo y a la desnudez con que escribí La tierra y cavando muy muy hondo. La propuesta de Palmira fue: tenemos estos cuatro actores y este director, escribe lo que quieras y tarda lo que necesites. Ha sido un proceso maravilloso que he podido disfrutar sin los agobios de otros encargos. Estoy aprendiendo mucho con David y con todo el equipo.
¿Cómo ves la realidad del teatro que se hace en nuestro país?…
Hasta hace un par de años: un próspero teatro de consumo (comedias, stand-up, variedades…); un poderoso teatro público con grandes títulos clásicos que ha atendido singularmente en los últimos ocho años (CDN y Español) a autores de mi generación, nacidos en los sesenta; y un circuito alternativo brillante, lleno de propuestas interesantes en el que está surgiendo una nueva generación que me ilusiona. De dos años para acá: una situación de zozobra económica (y de criterios) en la que corre peligro, sobre todo, este tercer modo, y por ello el desarrollo de la creación más joven.
¿Crees que va a cambiar el panorama de producción teatral tras los recortes en cultura?…
Va a suponer un ajuste brutal y se va a empobrecer mucho el panorama: cierran compañías, salas, festivales… Como he dicho, lo más preocupante es que puede dificultar el desarrollo de los procesos de creación más jóvenes y más arriesgados. Por otra parte, aquella expresión que acuñó nuestra amiga Itziar Pascual hace casi veinte años, «producciones amigo mío», nunca nos ha abandonado del todo. Nos podrán impedir vivir del teatro que hacemos. Pero no nos pueden impedir hacer el teatro que queremos hacer. Hemos crecido viendo a Brook hacer milagros con una caja. Haremos lo que queramos, no lo que quieren los que pretenden decidir qué teatro es el correcto.
¿Alguna sugerencia para seguir creando en tiempos de crisis?…
La que me hacía mi bisabuela: ten paciencia. No hay que correr, no hay que dejarse llevar por el ansia. Precisamente, porque no hay «mercado», o eso nos dicen, podemos no correr, saborear el proceso y mantener vivo un proyecto, no estrenarlo donde sea, no matarlo a las tres semanas, no meternos a montar otra cosa, seguir investigando en lo que hacemos. Despacio. Sin prisa.
Que Revienten los Artistas 
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