El largo viaje del día hacia la noche de Eugene O´Neill en el Teatro Marquina
Eugene O´Neill es el padre del teatro moderno norteamericano, sus piezas marcaron un antes y un después en la literatura dramática de aquel país. Sus textos, muchas veces inspirados de forma directa en su vida, creaban el efecto de una radiografía terrible sobre eso que se ha llamado: El sueño americano; mostrando su declive y su sin sentido. En El largo viaje…el autor se instala en el mundo de la familia, para mirar con microscopio los demonios y trampas que mueven el motor de este ente social. O´Neill crea unos personajes de gran calado y los va mostrándonos poco a poco, a lo largo del viaje y del texto escrito, lentamente… Aquí, la obra ha sido adaptada y aligerada, tal vez para que sea más del gusto del público de hoy, pero hay un vacio entre el primer acto y el segundo que genera cierto extrañamiento en el desarrollo de la trama. Los personajes son atemporales aunque aquí se ha optado por mostrarlos en la época en que fueron escritos, de este modo, aparece una distancia entre esos seres perdidos en la niebla con los que es difícil identificarse; solo en algunos pasajes del segundo acto, Juan Díaz y Vicky Peña rompen el corsé emocional para mostrar el mundo sin luz donde habitan. La puesta en escena tiene unos tintes mágicos que no terminan de mostrar la poética fantasmal donde se quiere instalar esta historia de seres que transitan por un mundo hostil en el que el rumor del mar se cuela en la casa de esta familia americana, como el latido de una muerte anunciada.
Adolfo Simón
Amor, ¿Y si lo hacemos antes de morir? en el Teatro Arlequín
A veces, cuando la muerte nos ronda, surgen ideas descabelladas que nos pueden poner al borde del precipicio personal. En esta obra, la anécdota de la muerte del familiar de uno de los personajes, le deja un extraño sabor de boca y una duda…La curiosidad sobre qué habría pasado si el muerto hubiese sido él…Y ahí arranca la pieza y todos los personajes quieren saber qué tres deseos elegirían en ese momento y que harían o pensarían los vivos en la despedida a cada uno de los finados. Como no sabemos cuánto tiempo tiene nuestro reloj de vida, tratamos de dejar las cosas para mañana y decimos verdades a medias, pero si se trata de la última despedida…Uno puede decir lo que piensa y siente sin tapujos. A veces, decir la verdad hace mejores las relaciones y en otras ocasiones, las perturba. En «Amor…» de Álvaro Doñate y Marta Sánchez Guillén, dirigida por Samuel Señas, asistimos a este ritual jocoso donde nos podemos sentir identificados entre risas. Una pieza sencilla con un juego dramatúrgico sugerente.
Adolfo Simón
«Sé de un lugar…» de Iván Morales se repone en Cuarta Pared
Aquí os dejamos la entrada que escribimos acerca de esta obra y una entrevista a su director Ivan Morales
Sé de un lugar en Cuarta Pared
La experiencia de crecer es dolorosa. De niño, uno mira alrededor y hacia arriba y no entiende la mitad de las cosas que ve, todo tiene un tamaño y textura difícil de comprender. El tiempo va poniendo las cosas en su sitio o no. Cuando llegamos a la edad adulta y hay que coger las riendas de la propia vida, uno no sabe bien que coche de caballos está dirigiendo ni a dónde le llevan. En algún momento necesitamos bajarnos de la noria a la que nos subieron en este parque de atracciones enloquecido en el que vivimos, amamos y morimos. Porque al final, casi todo se reduce a eso, a saber o no amar. A veces uno cree tener certezas y solo tiene incertidumbres. Y así van pasando los días, los años…la vida. De todo esto se habla en Sé de un lugar, la obra que ha escrito y dirigido Iván Morales. Y los dos actores, entre el público, con cercanía y complicidad, consiguen que la distancia entre realidad y ficción se rompa para que veamos un poco más allá, tal vez…la luz al fondo del túnel.
Adolfo Simón
Iván Morales nos habla de su trayectoria en la escena
¿Cómo fueron tus inicios en el teatro?…¿Realizaste otras facetas además de la dirección y la escritura?
Mi debut en el teatro fue, con doce años, haciendo Caricies de Sergi Belbel en el Teatre Romea. Desde entonces he ido trabajando como actor en proyectos teatrales de diversa índole, con directores como Marc Martínez, Carme Portacelli, Alicia Gorina, Francesc Nel.lo, Nao Albet & Marcel Borras…
“Sé de un lugar” es la primera obra que escribí y dirigí, aunque llevaba casi veinte años haciendo teatro como actor y escribiendo guiones de largos (“Mi dulce”, “El truco del manco”) y dirigiendo cortometrajes la escritura teatral me infundía demasiado respeto y tardé mucho en atreverme. Una vez levantamos la companyia Prisamata los miembros nos ponemos manos a la obra y nos encargamos de casi todo, así que tocamos todos los palos de la producción teatral, desde construir la escenografía(cuando hay) hasta hacer de director de promoción.
¿Qué balance harías sobre tu trayectoria?…
Como actor he hecho de todo, la verdad, desde doblaje hasta animaciones publicitarias, he rodado con actores de Oscar en producciones internacionales y he hecho teatro alternativo, como mucha gente, vaya. Así que he podido aprender en todo tipo de escenarios, eso me ha ayudado a saber qué me gusta y qué no por experiencia y no por teoría. Además, desde muy joven he participado en fanzines, radios libres, cultura alternativa, vaya, y ahí he cogido callo en eso de hacer uno mismo las cosas sin pedir mucha ayuda a instituciones, y teniendo claro que la cultura no es sólo un pasatiempo cómodo, sino que hay que tener la idea, por muy naïf que sea, de que estás intentando cambiar las cosas. Ese es el punto de partida a la hora de enfrentarme a proyectos propios con Prisamata, aplicar todo lo aprendido desde esa ética de curro y buscar la máxima libertad posible para hacer el trabajo que queremos hacer. Nos ha tocado vivir esta época de crisis económica o estafa social, como prefieras llamarlo, y hemos decidido usar todos esos problemas a nuestro favor. Hemos tenido suerte con que algunos de nuestros espectáculos han tenido una buena respuesta de público y crítica, y eso nos ha dado más impulso para poner en práctica nuestras quimeras. Tan solo hemos levantado tres espectáculos largos, siento que estamos aún en pañales, pero lo mejor de nuestra ignorancia es que nos ha llevado a hacer realidad proyectos y a poner en práctica ideas que, mirando atrás, sobre el papel, parecen imposibles, quijotescas. Hemos trabajado muchísimo estos tres últimos años, hasta la extenuación: Tres obras de teatro, varios cortometrajes, varias piezas teatrales cortas, giras por Catalunya, España, América… Ahora toca trabajar desde un poco más de serenidad, pero el músculo que hemos cogido nos hace sentir fuertes como para enfrentarnos a nuevas quijotadas. Tengo la sensación de que no hemos hecho aún nada de lo que somos capaces, de que hasta hoy todo ha sido un esbozo, un ensayo. Me huelo que ahora viene lo bueno.
¿Cómo surgen las ideas y los proyectos en los que te embarcas?¿Qué te anima a participar en ellos?…
Los proyectos surgen, primero, de la necesidad. Nudos, dolores, frustraciones, apegos, euforias. De las ganas de compartir, con el equipo, con el público. De las ganas de romper con ideas demasiado confortables. De enamoramientos, con personas, con ideas. De la ebriedad. De la soledad. Del deseo. Me gusta el teatro porque obliga a compartir y a vivir el presente. En escena todo parece posible. El teatro parece una posibilidad de salvación, hay que aprovecharla. Parece un buen lugar donde romper las cadenas, las que nos ponemos y las que nos ponen. A partir de ahí, desde esa raíz, todo vale y debe valer. Si no nos sorprendemos y nos imponemos retos imposibles no tiene sentido empezar nada.
¿En qué proyectos has participado durante el último año?…
Este último año hemos estado moviendo “Sé de un lugar”. Soy director, regidor, promotor y lo que haga falta, así que eso chupa mucho tiempo. También hemos estrenado y movido “Jo mai” (www.jo-mai.com). Hemos rodado varios videos relacionados con ambos proyectos(cortos, videoclips, fotonovelas, se pueden ver en nuestra web: ciaprisamata.com), ya que intentamos darle vida a nuestros proyectos más allá de la propia obra. He escrito unas cuantas cosas que no voy a levantar aún. Y hemos empezado a ensayar el nuevo espectáculo, que no pensamos estrenar hasta de aquí un año.
Háblanos del estreno en Cuarta Pared …¿Cómo surgió este proyecto?… ¿Cómo ha sido el proceso?…
“Sé de un lugar” es una obra que empezamos a hacer para amigos y conocidos en el bar de La Caldera hace unos años, y que desde entonces no ha parado de caminar y de hacernos crecer. Es algo que empezó como un acto de amor y que nos lo devuelve cada día con creces. No dejamos de ensayar, de rascar, de descubrir nuevas capas. Llevamos tres años así y parece que no tiene fin. Es una sensación rarísima, algo tan efímero como una función teatral, que se convierte en un eterno retorno que nunca es igual, que siempre va más lejos y que nos pide un compromiso y un mimo extenuante. La hemos representado en todo tipo de teatros de todas las maneras posibles. Sí, nos han dado premios y nos ganamos la vida con ella, pero sobre todo nos ha cambiado la vida y cada día nos enseña un poco más. Estamos enganchados a esta obra, somos un poco yonkis.
¿Qué proyectos tienes entre manos?…
Estamos preparando una nueva obra con la compañía, la primera vez que hacemos un texto ajeno. No queremos decir mucho aún, pero vamos soltando pistas en este blog: http://novaaventuraprisamata.blogspot . También me han encargado un texto para el año que viene y estoy en ello ahora mismo, escribiendo y dándole forma al croquis aún. Todo está muy en paños menores aún. Mientras tanto, seguimos dándole vida a “Sé de un lugar” y “Jo mai”, somos una compañía de bolos, y las obras son muy delicadas y piden mucho cuidado y presencia mientras siguen vivas.
¿Cómo crees que están afectando los recortes y el aumento del I.V.A. a los proyectos de teatro?…
Obviamente, los recortes, el IVA… son una jodienda, un ataque más de los muchos que recibe el 90% de la ciudadanía. Como en muchos otros, cada dia es más difícil sostenerse en este oficio. Y está claro que la tendencia neoliberal de que las cosas valen el beneficio económico que producen está ganando cada vez más terreno y eso es muy peligroso. Sobre todo si nos lo Acabamos creyendo. Hacer teatro ahora, aquí, no es solamente el reto de crear algo que valga la pena y sea lo más útil y genuino posible, además hay que inventar fórmulas para hacerlo sostenible en un entorno que lo pone todo en contra, y ganarse el respeto de un público que a veces no acaba de confiar en nosotros. Tenemos la responsabilidad de hacer cierta pedagogía, en ese sentido, y de mantenernos a la altura de los acontecimientos para demostrar con nuestro trabajo que somos parte de la solución y no del problema.
¿Cómo es la realidad teatral ahora en Barcelona?…
En Barcelona están pasando cosas muy interesantes a nivel teatral. Cuando estrenamos “Sé de un lugar” éramos unos pocos locos los que hacíamos teatro en compañía sin un duro y pasábamos de los circuitos convencionales y de los peajes aparentemente obligatorios. En los tres años que han pasado desde entonces el paisaje escénico ha dado un vuelco. Por un lado parece que la tendencia dominante de los “nuevos dramaturgos” es un ciclo que está terminando y está dando paso a un resurgir de las compañías, entre otras Muchas razones porque es mucho más fácil, tal y como está el patio, levantar un proyecto desde el colectivo que desde lo individual. Para mi eso es muy positivo, porque poner el foco de la creación teatral en un rol en singular (sea el dramaturgo como el actor o el director) no creo que nos ayudara mucho, para empezar porque no es Realmente honesto con la naturaleza de la creación teatral. La gente se está organizando y el virus de hacer teatro en espacios no convencionales, de compartir las responsabilidades entre todos y de hacer de la experiencia teatral algo menos institucional se ha extendido muy rápidamente en un tiempo record. Eso es maravillloso, teniendo en cuenta la tradición catalana de compañías teatrales que parecíamos haber olvidado. Está en nuestra raíz. A ver qué resulta de todo esto. Creo que aún tenemos todos que entender Realmente que significa hacer “teatro de crisis” y no limitarnos a hacer lo mismo sin dinero: Plantearnos desde la base los procesos creativos y de producción y encontrar un teatro propio, necesario al momento que vivimos. En la parte de lo mejorable, creo que en Catalunya aún arrastramos, los jóvenes también, la idea de que el teatro debe de ser un lugar confortable, que nos complazca(incluso si toca temas políticos o sociales); seguimos pidiéndole a la experiencia teatral que nos permita salir de la sala satisfechos con el mundo, con la idea de que nosotros, al menos, somos de los que estamos “bien”. Por lo que veo estos días en Madrid hay una tendencia más marcada entre compañías jóvenes a hacer un teatro más comprometido con remover el aquí y ahora a riesgo de molestar. En Catalunya siento que nos falta romper aún unos cuantos prejuicios al respecto.
¿Qué montaje que hayas visto últimamente, te ha interesado?¿Por qué?…
Me ha gustado mucho “La pols” de la Arcàdia, escrita y dirigida por Llatzer Garcia. He leído dos tebeos recientemente que me han puesto las pilas como escritor: “No os indigneis tanto” de Manel Fontdevila y “Dream team” de Mario Torrecillas y Laperla. Aquí en Madrid en cuanto tenga un momento voy loco por ver “Perdidos en Nunca Jamás” y “La cena del Rey Baltasar”.
¿Alguna sugerencia para seguir creando en tiempos de crisis?…
No tengo ninguna sugerencia para crear en tiempos de crisis, y si la tuviera desconfiaría de quien me hiciera caso.
Otelo de William Shakespeare en el Teatro Bellas Artes
Nadie duda de la modernidad de William Shakespeare por eso se sigue representando una y otra vez sus obras en todos los teatros del mundo. Y siempre sobrevive a cualquier lectura y a menudo descubrimos una visión novedosa sobre sus tramas. Otelo siempre se ha llevado a escena como la historia de ese moro celoso que mataba de forma brutal a Desdémona. Pero como en toda gran obra, si se lee entre líneas, podemos descubrir muchos matices y capas que nos mostrarán la complejidad de los seres que habitan esa ficción que no es más que un reflejo de la realidad. La propuesta desde la adaptación de Yolanda Pallín y la dirección de Eduardo Vasco, crea un pulso de poder y locura entre Yago y Otelo que resulta muy interesante, creando una situación donde hay más coralidad en la obra que en otros montajes que ahora mismo recuerde. Y además, se hace hincapié en que la mujer es una víctima de los excesos de ambición y poder de los hombres; si un hombre mira todo lo que hay a su alrededor como objetos, no será feliz y hará desgraciado a su entorno. El espacio es sencillo y simbólico y por él transitan los actores en un trabajo ensamblado donde todos forman el puzle perfecto para contar este drama histórico con gran eco actual.
Adolfo Simón
Verónica de Carlos Molinero en el Teatro Maravillas
En 1988 Verónica murió con unas tijeras clavadas en las tripas en la fiesta de 3ºE para el viaje de fin de curso. Un suicidio inexplicable para todo el mundo excepto para sus cuatro mejores amigas. Ellas sabían que esa muerte estaba relacionada con una sesión de espiritismo realizada días antes.
Pero muertas de miedo no se atrevieron a decir nada y siguieron con su vida como pudieron.
25 años después vuelven a donde ocurrió todo. Pero Verónica no ha vuelto. Ella nunca se fue. Estas líneas nos sitúan en el inicio del espectáculo Verónica. El terror es una de las cosas más difíciles de escribir y todavía es más complicado conseguirlo en escena; a pesar de que el teatro es un espacio cerrado, no siempre se consigue esa atmósfera que nos haga sentirnos atrapados en la butaca, mirando de reojo constantemente hacia atrás. En esta ocasión se consigue en gran medida, tal vez ayuda el propio espacio teatral, pues tiene ese ambiente que podría asemejarse a un instituto cerrado donde todo puede ocurrir, lo deseable y lo temido. Verónica se asemeja a muchas de las historias que hemos visto en el cine y que se han quedado grabadas en nuestro imaginario, pero aquí, se añade que no es algo enlatado, ocurre allí, ante nuestros ojos y no podemos escapar porque estamos igual de atrapados que los personajes. La atmósfera del lugar está muy bien conseguida así como los efectos terroríficos. Y las cuatro actrices están estupendas en ese juego de atreverse a enfrentarse a sus fantasmas, aunque para ello tengan que pagar un terrible precio.
Adolfo Simón
«La Escuela de los Vicios» en el Nuevo Teatro Apolo
Hablar de más tiene sus consecuencias y complicaciones y si no, que se lo pregunten a Quevedo, que por hacer unas satirillas y sonetillos lo llevaron a la cárcel. Simplemente por criticar a unos magistrados, banqueros y ministrillos sin escrúpulos. Parece mentira, pero hoy en día seguimos en las mismas. Morfeo Teatro ha elaborado un sutil montaje en el que a través de estos versos de Quevedo se hace crítica social actual, poniendo en entredicho las actuaciones de muchos personajes que se dice que «nos representan». Sí: La pluma de Quevedo era afilada como un bisturí capaz de clavarse en nuestro estómago y sacarnos las tripas hasta, incluso, en la actualidad.
El montaje escénico nos traslada a un espacio indefinido, donde dos buenas personas van a ser adoctrinadas por el mismísimo Bercebú para alcanzar esos ideales en la vida que muchos padres quieren para sus hijos: ser ministros, banqueros, magistrados… es decir, gente de «reconocido prestigio». El espacio es contemporáneo, con pocos elementos, un fondo medio cabaretero y decadente y un armario siniestro presidido por una calavera que esconde los artefactos necesarios para la enseñanza de los vicios. Escenografía y vestuarios bien pensados y tan versátiles que nos pueden sugerir cuadros de la época negra de Goya o las pinturas de Solana para reflejar una España hundida, pesimista y degradada.
Los actores han hecho un gran esfuerzo para transmitir y poner en escena unos textos bastante densos, a los que hay que sumar la complejidad de la rima y la utilización por momentos de técnicas de clown y comedia dell’arte.
En definitiva, una obra comprometida socialmente, bien estructurada y que merece la pena disfrutar, sobre todo si les gusta esa poesía del Siglo de Oro español.
Luis Mª García Grande
Adúlteros de Carlos Álvarez-Nóvoa en el Compact Gran Vía
La última propuesta de la compañía sevillana ‘La Fundición Producciones’: Adúlteros de Carlos Álvarez-Nóvoa dirigida por Pedro Álvarez-Ossorio; con María Alfonsa Rosso y Manuel Monteagudo que se desdoblan en múltiples personajes, se está representando en la Sala II del Teatro Compact Gran Vía. Un espectáculo ágil y entretenido que nos muestra diferentes caras de los adúlteros, empezando por las infidelidades que se generan en el teatro y que sirven como juego para que los actores interrumpan la acción como si de un ensayo se tratase, para hablarnos del tiempo que se vive, en el presente, en el pequeño universo de los cómicos. Los intérpretes se desdoblan en muchos personajes a un ritmo vertiginoso que da muestra de sus cualidades interpretativas.
Adolfo Simón
“Ne me quitte pas” de A Ras en Lagrada
Basado en cuentos de la escritora cubana Legna Rodríguez, dos actores hacen una revisión de la memoria y el olvido, se internan en sus raíces culturales generando pulsaciones, transformá ndose en personajes que universalizan y amplían los horizontes del “padecer la diáspora”. Un trabajo donde la doble imágen y el efecto espejo corporal transita sobre variaciones de la canción Ne me quitte pas. Hay unas proyeccione sugerentes que acompañan el viaje.
Adolfo Simón
Tres en coma en el Teatro del Barrio
“Tres en coma” cuenta la historia de un cura, una peluquera y el hombre al que atienden: un misterioso enfermo en coma que salta a la fama haciendo comedia desde la frontera entre la vida y la muerte. Un hombre en coma sin identidad yace en una habitación de hospital. Las únicas visitas que recibe son las del capellán que acude a rezar por su alma y de la peluquera en prácticas que viene a cortarle el pelo. La peluquera es radioaficionada y descubre que el comatoso empieza a comunicarse en morse a través de los pitidos del monitor de constantes vitales. El enfermo está contando chistes zafios desde la frontera entre la vida y la muerte. Pese a la oposición del capellán, los médicos del hospital desarrollan un interfaz para convertir en audio la incipiente conciencia del comatoso, que pronto será conocido como “el cómico en coma”. Esta es la premisa que tuvo como partida Juan Cavestany y el Colectivo Canódromo Abandonado. Los ingredientes son sugerentes en principio, con disparate y drama a partes iguales, el problema surge cuando se meten en la cazuela que es el escenario y lo que podría haber sido una propuesta y novedosa donde el audiovisual también formase parte de la trama, se queda en un juego demasiado gris sobre todo en lo que concierne a la interpretación de los actores que tal vez no son lo suficientemente experimentados para afrontar un espectáculo de este calibre.
Adolfo Simón
«La Carne (eres tú)» en Off de la Latina
Espacio Off de la Latina sigue apostando por el teatro contemporáneo y por dar algún tipo de salida a jóvenes compañías como la que interpreta «La Carne»: Las hermanas de Stefen. Una compañía que acaba de nacer y que aún no tiene muy definido su estilo, por lo visto en sus perfiles públicos, pero que está trabajando por hacerse ese hueco que todas las compañías desean. Es deseable que cuiden más la imagen que dan de cara a su «posible» público y de cara a sus seguidores. Valga como ejemplo el vídeo sobre «La Carne», publicado en la web de Off, que dura 23!! minutos para una pieza de una hora. Casi nos hemos visto la obra antes de llegar a la sala y es recomendable que se elabore un teaser, avance o resumen más corto.
En «La Carne» nos encontramos una mezcla de estilos, pero utilizando técnicas clásicas dentro del teatro contemporáneo. A través de una historia principal en la que se nos narra un argumento algo siniestro asemejando al estilo de Tim Burton se nos van suministrando dosis de cabaret, teatro del absurdo, crítica social, humor… Con unos actores bien preparados aunque todavía a falta de más rodaje, es una obra dinámica y que provoca alguna que otra carcajada pero que a veces decae en el ritmo en los entreactos que troquelan la historia principal. Aún así, les sugiero que vayan a descubrir qué pasaría si se nos restringe algo tan necesario como puede ser comer ¡CARNE!
Luis Mª García Grande
«La Venganza de Don Mendo» en los Jardines de Sabatini
¡Qué bien sienta el astracán, hasta en verano y en esos Jardines que tantas reinas y reinonas han visto! Pedro Muñoz Seca sigue vigente destrozando el lenguaje y haciéndonos reír con las situaciones más ridículas que se puedan imaginar, la sátira bien hecha, la parodia de verdad y no lo que se ve en esas «matrimoniadas» ridículas pero que a tantos actores han dado de comer. Esto es una auténtica astracanada y no lo que muchas modernas nos venden.
Con un reparto que podríamos considerar de auténtico lujo para estos tiempos de crisis, por la cantidad de actores que hay que utilizar para poner en escena y por la calidad de los mismos que tienen que aprenderse un texto retorcido, con lenguaje culto, en verso y «declamarlo» a la velocidad de un AVE. En el que destacan José Pedro Carrión, Ángel Ruiz (el propio Don Mendo),Ramón Langa, María José Goyanes, Valey Tellecehea, Luis Perezagua y un larguísimo etcétera.
Con una dirección de Jesús Castejón, impecable que sabe marcar los ritmos del verso y los tiempos de cada actor y buscar los que Muñoz Seca nos intentaba transmitir: la alegría de vivir y sacar el sentido cómico a cada gesto.
Les animo a que se dejen seducir cual Magdalena por Don Mendo en los Veranos de la Villa.
Luis Mª García Grande.
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| REPARTO (por orden de aparición) | |||
| MARCIAL | JOSÉ MARÍA OTERO | ||
| DON NUÑO | JOSÉ PEDRO CARRIÓN | LEÓN | RAÚL RESINO |
| MAGDALENA | CRISTINA GOYANES | FROILÁN | MARCELO CASAS |
| BERTOLDINO | MARCELO CASAS | MANFREDO | ARIEL CARMONA |
| MÚSICOS | VIRGINIA SOTO y RAÚL RESINO | GIRONA | LUIS ROMERO |
| DOÑA RAMÍREZ | MARÍA JOSÉ GOYANES | ESTHER | CRISTINA ARIAS |
| DON MENDO | ÁNGEL RUIZ | ALJALAMITA | CARMEN ANGULO |
| DON PERO | RAMÓN LANGA | REZAIDA | MARÍA LÓPEZ |
| LORENZANA | LUIS ROMERO | RAQUEL | ÁNGELES FERRER |
| ALDANA | AITOR GAVIRIA | AZOFAIFA | VALERY TELLECHEA |
| OLIVA | EDUARDO CARRANZA | DON LUPO | EDUARDO CARRANZA |
| NINÓN | MANUELA SERRANO | DON LOPE | AITOR GAVIRIA |
| CLODULFO | MARCELO CASAS | DON ALFONSO VII | LUIS PEREZAGUA |
| MONCADA | JESÚS CABRERO | DOÑA BERENGUELA | BERTA OJEA |
| DON JUAN | AITOR GAVIRIA | MARQUESA | KARMELE ARAMBURU |
| DON CRESPO | LUIS ROMERO | DUQUESA | MANUELA SERRANO |
| DON TIRSO | EDUARDO CARRANZA | DON GIL | ARIEL CARMONA |
| ABAD | LUIS PEREZAGUA | DON SUERO | JOSÉ MARÍA OTERO |
| SIGÚENZA | ARIEL CARMONA | ALI FAFEZ | MARCELO CASAS |
«TRANSREALIDADES» en Espacio Labruc
La realidad hay que mostrarla, pero muchas veces hay impedimentos que permiten verla tal y como es… La Transexualidad ha sido puesta en entredicho muchas veces: son unos viciosos/as, son enfermos, son discapacitados, son seres raros que no merecen nuestra atención. Son…pero están y existen.
Cuatro transexuales se han echado el mundo del teatro por montera y nos presentan sus vidas, sus experiencias y sus vivencias a través de un teatro-drama creado con el fin de educar y mostrar esa realidad que a veces se intenta tapar, ocultar y poner en entredicho.
Una obra que a veces se desfasa en argumentos y consideraciones, que a veces pierde ritmo con improvisaciones, pero que muestra una vivencia que es necesario asumir y defender. Hay que tener un par de «razones» para ponerse delante de un público y defender una vida, una manera de sentir dentro de otro cuerpo que consideras que no es el tuyo y una manera de afrontar la realidad. Aunque el final de la representación es abrupto y poco claro, merece la pena experimentar sentimientos a través de estas cuatro mujeres que empiezan a florecer en su propio cuerpo y no el que la naturaleza les dio.
Experimenten en Espacio Labruc.
Luis Mª García Grande.
FRINGE MADRID 14 y sus Propuestas….
En la selección del festival FRINGE MADRID 2014 nos podemos encontrar propuestas de todo tipo en lo que ser refiere a las artes escénicas, una selección extraordinaria de la que mostramos 3 botones:
LE BUFFET: Una performance sobre las sensaciones.
¿Ustedes han pensado la cara que ponen mientras que ven las noticias? En ese momento están experimentando sensaciones, SÍ, señores y señoras, aún tenemos sensaciones y además no podemos ocultarlas en nuestro rostro.
Tal y como en una caseta de feria, nos encontramos la instalción de «Le Buffet» en el patio de MATADERO. Atrévanse a elegir entre el menú las cinco sensaciones que les interese degustar de su carta… pero eso sí.. tiene trampa: su intimidad se va a ver comprometida porque todos los que pasean por allí podrán ver su cara mientras se come esos videos que generan sensaciones y … además se le advierte de que va a ser grabado para experimentar con su imagen y sentimientos…Todo un reto!
BANG!: Teatro de objetos que genera imágenes de cine. Un capricho para los sentidos.
Nos vuelve locos ver cobrar vida a antiguos Geyperman, a Cowboys de plastico, a Barbies haciéndose las Texanas… la imaginación del Volpinex no tiene límites y sus cámaras son capaces de captarlo todo.
La compañía francesa Volpinex une con humor y gran originalidad el teatro de objetos y el cine, con un juego de cámaras de grabación, mini estudios de rodaje y otras técnicas a la vista del público, a las que se unen la música y efectos sonoros en directo. Todos los elementos del lejano Oeste están presentes: Cowboys, pistolas en la cintura, vaqueros, caballos y balas bajo un fondo de montañas rocosas… Fred Ladoué y Florian Brinker, actor-manipulador y músico, consiguen fascinar a carcajadas al público con su narración e interpretación de esta hilarante película teatral de objetos diminutos.
«INTERFACE» de Pablo Mella.
Un viaje por siete estancias efímeras que nos guiará en nuestro viaje interior hacia nuestros recuerdos más puros. Una propuesta escénica innovadora dentro de la nave 16 de MATADERO nos presenta a siete personajes metidos en siete cubículos creados con simples andamios en los que una imagen es el centro de atención . Una propuesta que nos hace deambular de sitio en sitio para encotrarse un personaje y una vivencia que nos excite la imaginación.Una imagen que puede trasladarnos a ese momento en el que nos sentimos realizados, felices, completos…. el momento puro.
7 imágenes / 7 memorias / 7 voces / 7 rincones / 1 viaje / Múltiples experiencias
En Interface, el autor Pablo Mella propone a través de siete situaciones diferentes, el inicio de un viaje interior en busca del estado puro, sin excusas, presente y natural en la infancia, ausente y extraño en la edad adulta. Él es la herramienta, el interfaz, el elemento de conexión, que transmite a través de su memoria, sensaciones y emociones que todos hemos tenido alguna vez, pero que a veces nos cuesta recordar, atrapados en nuestro día a día.
Luis Mª García Grande.
«En construcción» en Teatro del Barrio
Muchas veces el teatro tiende a crear realidades imaginarias o a reflejar realidades cotidianas pero utilizando el tamiz de la imaginación. «En construcción» refleja una sociedad a través de la imaginación de dos personas inmersas en una historia no buscada: Argentinos que vienen a España huyendo de ese «corralito» y pensando que van a vivir una vida mejor, más próspera, donde poder criar a sus hijos, donde poder ser más felices viniendo a España, sin saber la que se avecinaba aquí también… La inmigración ha dejado muchas historias rotas e inacabadas, muchas búsquedas de la felicidad y de un futuro mejor en otros países que han acabado sesgándose… pero al final lo que nos importa es que la vida sigue y hay que buscar la manera de vivirla lo mejor posible. Este es uno de los mensajes que podemos sentir a través de la vida de los dos personajes que intervienen Sole y Pablo.
Tristán Ulloa se ha lanzado a dirigir esta obra aportando su toque personal, su manera de ver las cosas, apostando por mostrar «la habitualidad» de nuestros actos. La obra está planteada de una manera audiovisual, incluyendo vídeos que encuadran la situación y acercan el acto teatral a la estética cinematográfica y que aportan dinamismo y ayudan al cambio de escena.
Según expresan los autores, Carolina Román y Nelson Dante, «En Construcción» nació con un proyecto hace años cuando la realidad argentina distaba de la europea. Ellos creyeron en la historia y necesitaban contarla a pesar de no encontrar la manera de ponerla en pie. Al final han conseguido no solamente ponerla en pie sino que han creado algo poético y optimista a pesar de esa realidad que muchas veces nos atenaza los sueños.
Una propuesta refrescante en el Teatro del Barrio, el lugar apropiado donde representar esta obra, y que podemos ver durante este mes de julio.
Luis Mª García Grande
Fantasmas en verano
El verano no parece la época más propicia para que se llene la casa de fantasmas, siempre nos imaginamos que estos seres aparecen en noches de invierno, de luna llena y con mucha niebla. Pero los tiempos cambian y ahora hay fantasmas a cualquier hora y en todas partes; debe estar lleno el otro lado y no hacen más que visitarnos con cualquier excusa. La otra noche tomé ración doble de fantasmas y me provocaron risas, emoción y algo de vértigo…los lugares donde hicieron acto de presencia fueron La casa de la portera y La pensión de las pulgas, sitios emblemáticos llenos de energías peculiares…
Ascensión y caída de Mónica Seles de Antonio Rojano es un partido paranormal en el que la pelota de tenis nos lleva al esplendor del personaje y también a su declive. La pieza está estructurada como si fuesen los tiempos donde realizan el pulso los personajes para ver quién gana cada set-escena, las palabras del árbitro en off nos vamos indicando el cambio de lugar para sumergirnos en la mente de la tenista antes de dar un golpe a la pelota o en otros momentos donde nos encontramos espejismos fruto de la fiebre del éxito o fracaso de Mónica Seles. Víctor Velasco dirige de manera sencilla y efectiva esta peculiar mirada a la privacidad de un personaje que captó la atención mundial durante un tiempo y para narrar esos retazos de vida y memoria, hay dos actrices: Nerea Moreno y Rocío Marín que juegan a los cambios interpretativos con destreza y efectividad, haciéndonos creer así en las múltiples realidades que pueden existir en nuestro mundo.
Yernos que aman de Abel Zamora en La Pensión de las pulgas es un collage enloquecido en el que las mujeres están atrapadas en un mundo donde la emoción se ha quedado en pause. Da la impresión de que mueven los hilos de un guiñol roto y a pesar de esto, intentan una y otra vez dar al play de su corazón pero no consiguen que los hombres cambien la figura que necesitan sea proyectada sobre el día a día que comparten. Hay una madre que quiere volver a ser niña y un muerto que quiere volver a bailar…y un hada que no está dispuesta a conceder deseos banales. Esta obra arranca con cierta perplejidad porque no queda claro a dónde nos conducen los pasillos del lugar, pero poco a poco, las piezas empezarán a encajar y al final uno se reconoce en alguna vieja foto del álbum que hay escondido al fondo del armario. El reparto es de lujo…Marta Belenguer, Juan Caballero, Manolo Caro, Mamen García, Emilio Gavira, María Maroto, David Matarín, Mentxu Romero, Ramón Villegas y el propio Abel Zamora.
Adolfo Simón
«El experimento» en el Teatro Alfil
¿Se puede hacer un musical sin palabras? ¿Se puede hacer un musical sin instrumentos? Parece ser que sí… En «El Experimento» cuatro hombres se van a someter a tortuosos ensayos clínicos y pruebas de todo tipo como cobayas elegidas al azar, pero de una manera muy especial… sin hablar.
Una voz en off va a ir guiando a estas cuatro ratas de laboratorio por pruebas estrambóticas y surrealistas que serán resueltas de una ingeniosa manera.
Primital Bross. son los encargados de sumergirnos es este «hospital» de locos y en el canto a capella tan especial que ellos practican y con el que emprenden su segunda obra por los teatros. Sobre el escenario podremos ver a cuatro «cantactores»: Santi Ibarretxe, Luis Miguel Baladrón, Íñigo García Sánchez y Pedro Herrero.
Santi Ibaretxe es el compositor de la «partitura» y Ana Morgade pone su voz en off para recrear ese ambiente misterioso, caótico y casi de ciencia ficción dentro del «experimento».
Todos los miércoles del mes de julio podremos ver una propuesta interesante, desenfadada para estos días de calor, muy divertida y de una imaginación potente para poder pasar un buen rato.
Luis Mª García Grande
VERANO CHÉJOV en el Teatro Guindalera
La farsa, la crítica social y el mundo teatral se citan acompañados por la música del piano en directo, para desenmascarar los prejuicios, las frustraciones y las alegrías de la vida contemporánea. Siguiendo en la línea de trabajo que da sello al Teatro Guindalera, Juan Pastor juega con tres actores: María Pastor, Felipe Andrés y José Bustos a teatro dentro del teatro, la excusa en esta ocasión es conseguir el elenco para una pieza corta de Chejov, pero esto puede ser una situación seria o un disparate como ocurre aquí. En verano hay que proponer en Madrid espectáculos ligeros y pintorescos, este lo es, empieza en el hall y hay sorpresas entre el público.
Adolfo Simón
«QFWFQ, una historia del universo» en la Cuarta Pared
La historia del Universo contada por unos campesinos…esta es la propuesta de Meridional, la productora de Alvaro Lavín y Julio Salvatierra. Una propuesta sorprendente, basada en una obra de Italo Calvino, Las Cosmicómicas, y adaptada por Salvatierra de una manera muy peculiar y poética. Imagínense una jota cantada pero con una letra parecida a leer un libro de Ciencias Naturales… Imagínense haber vivido toda la historia de la evolución desde el gran boom hasta casi nuestros días, haber sido testigo de cambios tan importantes como el paso a ser seres vertebrados o darse cuenta de qué era el sexo, la reproducción…y el amor… aunque sea con un ser que habite en la luna ¿Cómo es posible hacer esto? La verdad es que no lo podemos explicar, quizás lo que decía Lavín en nuestra entrevista tiene mucho que ver: «el trabajo de los actores es fundamental en nuestras producciones» pero tienen que ir a verlo porque tienen la oportunidad de ver una de las obras de teatro más atrayentes del panorama actual a pesar de ese título enrevesado que se lee «cufubufúcu», no lo olviden.
Luis Mª García Grande.
El buscón con dirección y versión libre de Alfonso Zurro para el Teatro Clásico de Sevilla
Llevar a escena una gran novela y más si es de dominio popular, es un gran riesgo. Siempre habrá quien piense que es demasiado corta la adaptación o demasiado larga…O que tiene pasajes flojos y se omiten los interesantes, etc, etc, etc… Si tuviéramos en cuenta esta premisa, nunca se habrían visto escenificados algunos relatos o historias que no nacieron para el teatro. Dicho esto, en el programa de mano no se engaña a nadie, se deja bien claro que es una versión libre del también director de la pieza escénica, Alfonso Zurro; un hombre de teatro con muchos textos escritos y muchas puestas en escena realizadas…Últimamente se ha publicado un delicioso volumen que contiene cien mini piezas escénicas para ascensor. Hago este preámbulo porque lo que está claro es que no le falta oficio ni a él ni a los colaboradores e intérpretes de la función. La escenografía evoca una tienda de ropa de segunda mano que permite que los actores se pierdan en el laberinto de casacas y chaquetas para surgir de nuevo de él convertidos en otro personaje. Son siete actores que se multiplican en un buen número de seres que deambulan por el escenario, solo el buscón es interpretado todo el tiempo por el mismo actor aunque cambia de aspecto según esté situada la acción en una época u otra. Alfonso Zurro plantea un tránsito vertiginoso entre uno y otro relato, todo ocurre a ritmo ágil y a vista del público. Pero el gran hallazgo está en el juego temporal que se establece, a veces la peripecia ocurre en el pasado, otras en el presente y en algunas ocasiones, vemos a personajes de otro tiempo dialogando con gente de hoy; sin duda, un guiño dramático con el que nos hacen pensar que, desgraciadamente, poco ha cambiado en la manera de ser de los pobladores de este país…A fin de cuentas…O pisas o te pisan.
Las representaciones se llevan a cabo en un espacio singular: Espacio Santa Clara de Sevilla donde un bello patio acoge la función, tal vez hubiera sido interesante que la dotación técnica del lugar fuese más potente. En el hall se puede disfrutar de una estupenda exposición: Todas las circunstancias son el marco de Julio López Hernández, a partir de los trabajos previos para el monumento a Antonio Machado.
Adolfo Simón
In vitro de Ángel Lafuente en El Escondite Teatro
El escondite teatro está en la trastienda de una casa de juegos, ya saben esos sitios donde constantemente se oye a un señor que dice…Hagan juego!!!…Vamos, como en el teatro…¿no?. Y ahí, en sus dos estancias, de un tiempo a esta parte, se realizan mediometrajes escénicos. Ha evolucionado el tema del microteatro, ahora son piezas de casi media hora y con varios pases solo un día a la semana; está claro que los teatreros de Madrid no dejan de inventar opciones para superar estos tiempos de crisis. El sábado asistí a la obra: In vitro de Ángel Lafuente. Un disparate delicioso de una pareja imposible que hace mil peripecias para poder conseguir procrear. Ya nada es como fue, las relaciones han evolucionado mucho y nos podemos encontrar que son papas cualquier opción que podamos imaginar; coincidir con el Día Mundial del Orgullo Gay fue una ocasión feliz además para mi visita a «la casa» de estos seres. Y además, en estas salitas, se tiene la ocasión de poder disfrutar de cerca de grandes actores como los de esta ocasión: Chusa Barbero y Jesús Calvo.
Adolfo Simón
Una mirada esencial al mundo en el CDN
El Centro Dramático Nacional ha de dar un paso valiente hacia adelante. Es verdad que ya lleva dos años programando el ciclo Una mirada diferente-creando para la inclusión, una muestra donde se exhiben propuestas profesionales que tienen en cuenta a las personas con minusvalías, pero colocarlo al final de la temporada no ayuda al objetivo que pretenden: Que un día no hagan falta este tipo de ciclos si no que ya estén integrados de manera natural en la programación de un teatro. Pues para eso, han de empezar a darle un lugar de mayor eco entre la ciudadanía… ¿Qué tal si este ciclo abriese la temporada en vez del Festival de grandes creaciones internacionales?, estas últimas ya tienen su efecto entre los medios y el público porque vienen avaladas por grandes nombres pero lo que se ha visto en las dos semanas de Una mirada diferente…aunque no tenga grandes espectáculos entre lo expuesto, si han tenido una calidad y riesgo excelente, como ha sido el caso de las dos últimas obras que he tenido el placer de disfrutar: L´assenza (La ausencia) de Teatro Buffo de Italia, un espectáculo lleno de poesía y belleza, con imágenes impactantes cargadas de discurso donde se olvidaba si los intérpretes tenían discapacidad o no, conseguían que la magia del teatro existiese y que la emoción invadiese el patio de butacas. Y una obra para público familiar «Uga» de Seña y verbo, compañía de México liderada por la dramaturgia y dirección de Haydeé Boetto. Aquí, los cinco integrantes consiguen tejer el lenguaje de signos con la palabra de manera tan sencilla y accesible que seguimos la historia y la creación visual de los actores de manera deliciosa, descubriendo que la comunicación no tiene barreras si lo deseamos. Y además, he aprendido como se dice amigo en lenguaje de signos…Gracias!.
Adolfo Simón
Close up de Angélica Briseño Ortega en La Usina
Mientras haya poesía y belleza en la escena, el teatro no morirá. La tecnología avanzará, nos volveremos máquinas pero tendremos que volver a encontrarnos en la oscuridad de una sala para preguntarnos sobre los sueños y las pesadillas, para brindar por una sonrisa o para gritar al vacio. Close up es un poema surrealista lleno de imágenes impactantes que se quedarán grabadas en el imaginario de todo el que acuda a sus representaciones. Es un ritual privado de madrugadas sin fin y es un lienzo en blanco sobre el que pintar nuestros deseos. La hora que dura se pasa volando porque ante nosotros hay dos intérpretes, la propia autora y Antonio Carrera Anaya que nos acompañan susurrando historias que todos hemos sentido en ese viaje complicado para dejar de ser niños. Gabriel Molina González les ha dirigido con sensibilidad extrema. Estén atentos a esta pieza exquisita y si la ven programada, acudan y desconecten sus relojes.
Adolfo Simón
Un cielo de Sigfrid Monleón en la Sala Tú
Los recuerdos del penal infantil donde Jean Genet pasó su adolescencia, revividos desde la cárcel donde cumple condena. Un cielo de Sigfrid Monleón indaga en la Sala Tú, de la mano y el imaginario de Francisco Carril sobre estas vivencias del poeta en el tiempo que se descubre al amor y a la delincuencia. Todos tenemos una imagen de Genet de alguien curtido que huía de la parafernalia del mundo del teatro, aquí, podemos descubrir el germen que se instaló en él durante la etapa de juventud, algo que debió marcarlo para siempre en sus afectos y comunicación en el día a día. La puesta en escena es austera y esencial, un actor sobre un camastro, en la penumbra, reconstruyendo las secuencias de un tiempo perdido.
Adolfo Simón
Amar de Alejandro Catalán en el Festival de Otoño a Primavera
En el espacio escénico hay dos sillas, una rama de árbol, unos trípodes de micrófono y unas linternas. Entran seis actores, tres hombres y tres mujeres, vestidos como para salir de copas. A partir de esto, poco puede imaginarse de lo que allí sucederá. Pero bastará que la luz se apague y que alguno de los actores, iluminado por otro con una linterna, comience a actuar, para que el proceso de sus seres nos introduzca, capture y lleve por el derrotero de una noche intensa y descarriada. Amar, bajo la batuta de director argentino Alejandro Catalán, es una propuesta de actuación cruda y real, donde todos los procedimientos espaciales, lumínicos y sonoros son ejecutados de manera manual y visible a los ojos del espectador, sin que esto atente contra la ficción de la escena. Es más, la ficción saldrá incluso reforzada. El juego actoral se desarrolla de la mano de seis intérpretes que, durante una noche, deambulan por el bosque, una pista de baile, un bar y el mar. ¿Por la vida, quizás?. Amar es un malabarismo actoral y una obra. Es el truco de unos magos que revelan que actuar no oculta nada. En este trabajo hay muchos elementos de interés, el trabajo actoral por supuesto pero también toda la poética donde se instalan los intérpretes. No es lo mismo tener un escenario donde sales a «actuar» a tener un espacio construido a la medida de las emociones que se van a desarrollar allí y para el que los actores han de manejar hilos invisibles con los que sensibilizarse entre ellos. Hay una propuesta sencilla en apariencia en lo que concierne a la luz, sonido y espacio escénico pero es de una complejidad exquisita. Y todo esto lo ha liderado un hombre de teatro que escribe y dirige desde la esencia para conseguir teatro en estado puro.
Adolfo Simón
Que Revienten los Artistas 
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