El intérprete de Asier Etxeandia en el Teatro de La Latina
Por el Teatro de La Latina han pasado grandes intérpretes de teatro y musicales, una de las últimas, la gran Concha Velasco. Pero también se han paseado por sus tablas Celia Gámez y Lola Flores entre muchos… Asier es un animal escénico y tenía que llegar el momento en que se enfrentase a solas con el toro de los amigos invisibles, el público. El intérprete es un extraño cabaret rockero en el que Asier nos lleva de la mano hasta la intimidad del camerino para afeitarse el bigote mientras se pinta los ojos para poder ver más lejos. Allí nos contará un cuento pop de terror en el que un niño huye de la realidad cantando canciones contra la pared. La música que se cuela por las rendijas, desde rancheras a boleros y desde rock a música glam…iran conformando la banda sonora de la que se alimentará el alma solitaria de ese niño que transmuta bajo el influjo de la luna. Asier inicia el espectáculo con unos cánticos casi místicos y termina en una danza ritual y tribal. Por el camino se deja la garganta y el cuerpo en un paisaje donde los niños juegan a la ruleta rusa para sentirse amados.
Adolfo Simón
La ceremonia de la confusión en el CDN
Escritos en la escena es un ciclo que ha puesto en marcha la nueva dirección del Centro Dramático Nacional para potenciar la escritura contemporánea, una experiencia que recuerda al T-6 del Teatre Nacional de Catalunya, con la diferencia de que allí, los proyectos elegidos son tutelados en el proceso de escritura y finalmente se incluyen en la programación de la temporada con el mismo tratamiento que cualquier otra producción. Seguramente, la crisis está obligando a que muchas ideas se queden en el chispazo inicial y que si no se desarrollan en condiciones, terminen siendo proyectos débiles. Creo que las propuestas de Escritos en la escena solo disponen de un grupo de actores, un director y un autor, es verdad que muchas veces se cuenta con menos, pero cada historia precisa de unos presupuestos y si no los hay económicos, los ha de haber artísticos. En La ceremonia de la confusión hay poco de lo primero y no mucho de lo segundo. María Velasco propone desde el texto una sugerente situación: ¿Qué pasaría si treinta años después se mira a la transición democrática de este país durante el velatorio de uno de los protagonistas de aquel momento, en un tanatorio de hoy?. Seguramente, nuestros días se parecen mucho a aquellos, días de confusión donde el poder provoca la atención del ciudadano hacia otro lugar, entonces hacia la movida y hoy…¿Hacia la corrupción?…¿Y si el poder está moviendo los hilos mientras miramos para otro lado?. Toda esa confusión ciudadana no se puede escenificar en el salón del tanatorio donde yace el muerto, hay que bailar sobre la tumba de todos aquellos que no permiten que la luz entre al cementerio.
Adolfo Simón
Ahora empiezan las vacaciones, versión de El Pelícano de August Strindberg escrita por Paco Bezerra en La casa de la portera
Es muy complicado encontrar el lenguaje textual y escénico para acercar al presente una obra del siglo IXX. El Pelícano no es el mejor ni el más conocido texto del Strindberg, es una obra extraña y dura para la época en que se escribió. Hay varios hallazgos en Ahora empiezan las vacaciones, la primera, la espléndida y clarificadora versión que ha escrito Paco Bezerra, sin duda, un autor que nos sorprenderá con grandes textos en el futuro. El segundo acierto es la propuesta escénico-claustrofóbica que ha planteado Luis Luque en una de las salas de La casa de la portera…hay momentos en que el aire se vuelve tan denso que es irrespirable. Y finalmente, un reparto para que el que, parece han sido escritos los personajes. Era curioso comprobar como aquel texto de El Pelícano que ocurre en un tiempo y espacio casi imposible, aquí se convierte en una historia de gran intensidad y lógica; un titular de trágico final que podría ser noticia hoy en día: Las vacaciones son el mejor lugar para morir.
Adolfo Simón
“Tres segundos” en la Sala Triángulo-La Alternativa
“Tres segundos”es un homenaje a la radio, al teatro y a las historias de ficción contadas en la radio. Desde la perspectiva del espíritu contemporáneo, actual y fresco, que proporciona el siglo XXI en la forma de describir y narrar situaciones, cinco autores Juan Carlos Rubio, Emilio Williams, Carlos Be, Carles Harillo y Jesús Ortega han prestado sus piezas para este proyecto que cuenta con una dramaturgia como hilo conductor que permite que esas cinco historias puedan ser subidas a un escenario sin perder la esencia inspiradora de la radio.
Este planteamiento de la compañía Efecto Teatro es muy loable pero, teniendo en cuenta que en los orígenes de la radio, se realizaban verdaderos espectáculos de variedades en vivo a través de las ondas y que después se han realizado muchos experimentos en programas dramáticos radiados.»Tres segundos» muestra pocos elementos de juego contemporáneo al reflejar tan solo el diálogo o monólogo en un espacio donde solo acompañan a los actores unos aparatos de radio de distintas épocas. El humor es la constante de los textos y solo, al final, hay una explosión escénica que da sentido a realizar estas lecturas en la escena.
Simón Ribes.
Y por qué John Cage? en Teatro Pradillo
Y por qué John Cage? Es una performance sobre sonido y significado en un discurso dado. El poder del sonido de las palabras. Sonido como estructura, como dinámica que viaja. Discurso sensorial y no significativo. No pretenden significar, al contrario, quieren de significar para adentrarse en el terreno de lo sensitivo, de lo relacional, de lo perceptivo y de lo corpóreo. En esta performance, el discurso puede ser cualquier discurso. No es importante lo que dicen sino cómo lo dicen, qué herramientas musicales y coreográficas utilizan para destrozar el texto y sumergirse en el trabajo del intérprete sugiriendo y surfeando por las olas del imaginario. A priori, es una propuesta interesante y más con el referente de John Cage pero en la escena, se simplifica mucho el planteamiento del dúo, quedando por momentos al nivel de un ejercicio interpretativo de juego vocal que se realiza en cualquier curso de iniciación al teatro.
Adolfo Simón
Donde mira un ruiseñor cuando cruje una rama en el Teatro Español
Hugo Pérez director, dramaturgo y escenógrafo, llega desde su sede habitual en TribuÑ, a la Sala pequeña del Teatro Español y nos presenta desde el 20 hasta el 31 de marzo, una pieza barroca, entroncada con el Auto Sacramental, yo creo que lo es. Plena de imágenes, él utiliza muy bien los espacios escénicos y les da profundidad y crea planos superpuestos, que carga con el barroquismo más puro de la imaginería española, utiliza un vestuario espectacular y nos trae a una sala de teatro las imágenes vivas de lo que en estos día procesionará por toda la geografía española. Más allá de la propia creación, el texto es del mismo Hugo, bajo la dirección musical de Mikhail Studyonov, nos hacen regresar al tiempo en que todo era posible y creíble, el arcángel San Gabriel vigila a María niña, quien a su vez es cuidada con primor por Ana, su santa madre, y la llevan a ser la reina de los cielos transformada de virgen niña a virgen dolorosa que porta el dolor del mundo, creo que es una explosión espiritual de Hugo Pérez que pone como guinda, pese a su todavía juventud, a ya una dilatada carrera. Hay que destacar el elenco al completo por su capacidad de limitar el movimiento y por hacer gala de unas voces magnificas, el público así lo agradeció con bravos y muchos de ellos puestos en pie.
Ángel Savín
Recortes en Cuarta Pared
Hay propuestas teatrales que surjen del interés de hacer algo más que divertir desde la escena. En estos tiempos ese tipo teatro es imprescindible para el ciudadano, para devolver al teatro el espacio de foro y debate. En Cuarta Pared se ha presentado una iniciativa que pretende reflexionar con distancimiento, para no caer en la queja habitual y para ello utilizan dos monólogos en clave de humor, difícil tarea para hablar de Recortes sociales. Ese es uno de los aciertos de esta propuesta junto a la sencillez de la escenificación…Una pequeña tarima, una pantalla y una silla. Ah! y si los textos son sugerentes y originales, mostrados en un espacio sin artifico, lo que hay que destacar por encima de todo es a los dos actores que dan vida a los seres que nos muestran su tragedia diaria con una sonrisa: Núria Gallardo y Alberto San Juan. Ambos han sido dirigidos por Mariano Barroso con temple. Y si Alberto nos tiene acostumbrados a trabajos de riesgo como el que realiza aquí, Núria está en estado de gracia, realiza aquí un trabajo complejo de composición y energía activa para dar vida a Rosario, mostrándose como el personaje precisa, sin censuras de ningún tipo. Por momentos creía que estaba ante una actriz que no conocía, había conseguido hacer desaparecer a la Núria que he visto en tantos montajes; sin duda, habrá un antes y un después de este trabajo para la actriz.
Adolfo Simón
Hamlet, retrato de familia en los Teatros del Canal
No me gusta leer el programa de mano antes de la representación, no quiero que me influyan sobre lo que voy a ver. A veces lo leo tras la función, en el metro, camino de casa. Hoy he leído, tras la obra, el texto escrito en el programa sobre el montaje de Hamlet, retrato de familia y me ha parecido muy acertada la observación que se hace en aquellas líneas sobre la complejidad del texto de Shakespeare, sobre la dificultad de agotar los distintos niveles de discurso y teatralidad que tiene. Y me he preguntado: Si son conscientes de que es un texto inmenso, en vez de tratar de aclarar sus misterios, ¿Por qué han superpuesto imágenes, musicalidades y otras propuestas escénicas que hacen de Hamlet, retrato de familia, un espectáculo más oscuro y abstracto? y no he encontrado respuesta.
Ignacio Ribes
“Kohlhaas” de Heinrich von Kleist en la sala Fernando de Rojas del Círculo de Bellas Artes
Durante el fin de semana pasado se ha presentado en la sala Fernando de Rojas del Círculo de Bellas Artes de Madrid, “Kohlhaas” basada en la obra de Heinrich von Kleist, representante del romanticismo alemán, creador junto Ludvich Tieck de la novela corta alemana, en este caso y con un argumento: Michael Kohlhaas narra la historia de un tratante de caballos que sufre el abuso de un potentado sajón cuando trata de atravesar sus dominios para vender sus animales en Dresde; el noble le arrebata sus caballos y le ridiculiza sin reparos, obligándole a solicitar unos documentos inexistentes para poder recuperarlos. Kohlhaas, rechazado por la administración sajona, y tras intentar por otros medios legales recuperar lo que es suyo, decide tomarse la justicia por su mano y enfrentarse al noble, lo cual deriva en una pequeña guerra. Dirigido por Remo Rostagno y Marco Baliani, se presenta en italiano interpretado por Baliani en un ejercicio soberbio, donde sentado en una silla, bajo una luz que se gradúa conforme la intensidad del momento, nos hace viajar por el tiempo y nos muestra paso a paso toda la historia, que a quien no entendiera nada de italiano le era suficiente por su expresividad y capacidad de comunicar con el gesto y los acentos y la melodía de su voz. Estupendo espectáculo que merece muchos espectadores.
Ángel Savín
André y Dorine de Kulunka Teatro en Kubik Fabrik
Es un placer ver el trabajo que hace una Compañía para prolongar la poética y estética de los precursores Family Plot. Kulunka Teatro toma el testigo de esta prestigiosa compañía de máscaras y silencio para contarnos una historia con la misma sencillez y contundencia. André y Dorine es el canto a un gran amor, el que sienten estos dos personajes al final de su trayecto vital. Tres actores realizan vertiginosos cambios para que un grupo de personajes nos vayan narrando con gestos y detalles la perdida de memoria de una historia que culmina es una imágen impresionante…el entierro de Dorine, materializado, tan solo, al dejar la funda del violoncello sobre el suelo. Un trabajo preciso y preciosista.
Adolfo Simón
El campo(Lager) de La Mordaza Teatro en Nudo Teatro
En cine, un primer plano puede mostrarnos el horror…en pintura, la abstracción de un lienzo puede hacernos sentir un dolor profundo, pero solo, en teatro…un montón de zapatos empujados por una escoba equivale al exterminio de seres humanos en un campo de concentración…beber en un cubo nos convierte en animales…y escribir una carta con tiza en el suelo, nos deja frágiles y vulnerables ante la tortura psicológica. La Mordaza Teatro ha realizado un sintesis esencial de La Indagación de Peter Weiss, es como si hubieran ido a la médula de lo que ocurrió. Han huido de la verborrea para instalarse en las imágenes dolorosas de aquellos acontecimientos. Este es el gran valor de El campo, dejar suspendida la descripción de los hechos para que nosotros los reconstruyamos en nuestra cabeza. Solo de ese modo podremos acercarnos a aquel horror y no olvidarlo.
Adolfo Simón
Medeas de Fisión Escénica en Garage Lumiere
El Mito de Medea desencadenó la tragedia destruyendo aquello que les unía, los hijos, cuando su marido la traicionó. Hoy en día ya no hay seres míticos, el hombre ha pasado a ser el protagonista de la tragedia contemporánea. ¿Qué equivaldría hoy a ese sentimiento trágico de Medea?, el colectivo Fisión Escénica nos plantea el desdoblamiento de aquella mujer mítica en cuatro mujeres de hoy que aspiran a ser actrices. Durante una hora nos muestran pequeñas secuencias con las que tratan de conseguir ese amor y respeto del público que aquí equivale al hombre que despreció a Medea. La idea de partida es interesante al igual que el despojamiento escénico pero redundan las situaciones, teniendo la sensación final de que nos han hablado todo el tiempo de la misma historia con muchos finales aparentes.
Simón Ribes
Esto es una silla de Caryl Churchill en la SalaTriángulo-La Alternativa
El montaje que propone la compañía Vuelta de Tuerca basándose en el excelente texto de la dramaturga inglesa, viene como una petición urgente de socorro ante la debacle actual. En el escenario se disponen once actores desperdigados como átomos solitarios que irán relacionándose entre sí con la precisión y armonía con la que se engarzan los instrumentos en una pieza de jazz. Entre los personajes se distinguen diversos estratos sociales que sin embargo comparten una misma esencia: la soledad. Todos van a ser el fiel reflejo de lo que significa vivir en una sociedad individualista, donde reinan el capitalismo y el egoísmo extremo, tanto, que da miedo. Es una obra cargada de emociones que agitan al espectador sacándolo de su zona de confort. Uno se resiste a identificarse con una realidad así, pero en nuestro fuero interno somos capaces de reconocer pinceladas que nos son más familiares de lo que quisiéramos. Cada escena va previamente anunciada con una especie de titular que se proyecta y se escucha de un modo inquietante: «La guerra en Afganistán», «Pornografía y censura», «Cambio climático» entre otros. Así, con estas «advertencias», se sitúa al público en un estado de apertura mental que ayuda a procesar lo que se ve a continuación, cerrando el círculo del posible sentido que vayamos a darle. Es un teatro más intuitivo que racional, donde no se necesita entender (en el sentido literal de la palabra) cada cosa que se presencia, sino que será la sensibilidad de cada uno la que asimile aquello que nos están contando. Es de agradecer que se haga un teatro así: comprometido, contemporáneo y de calidad. Caryl Churchill aún está viva, como nosotros, y desnuda el s. XXI ante nuestros ojos cuando aún estamos a tiempo de hacer algo, aunque sólo sea avergonzarnos. Los actores están rebosantes de energía y eso impregna al público, al que definitivamente se meten en el bolsillo con una sorpresa de rabiosa actualidad que tiene lugar hacia el final de la obra… Repiten en mayo, recomiendo que vayan.
Nora
Hamlet Post Escriptum en La Alternativa 2013-Sala Triángulo
Dentro de La Alternativa 2013, se presenta en la Sala Triángulo de Madrid una visión desde el futuro de Hamlet, personaje interpretado por Javier Cuevas, físicamente solo en escena y acompañado en un montaje audiovisual por Maite Dono, Gertrud su madre, postmoderna y no de clase acomodada en ritos cotidianos y no tanto, como cuando se cose la palma de la mano, y a modo de presentación literaria, se anuncian enumerados y titulados los capítulos o partes en que se divide la obra. Dinamarca es una Europa Global, algo que Hamlet destruye y necesita a la vez, una Europa virtual que se convierte en el reino que nunca ha de regir. Renunciando a Ofelia se consume en sí mismo y se divide entre amores y odios hacia la misma figura su madre a quien desea tanto como odia. Toca muchos lugares, emociones e indignaciones y no llega a revelarse por su propia idiosincrasia. Escrita y dirigida por Roberto García de Mesa, crea una historia interesante pero que abarca demasiados planos, quiere contar todo y no se puede. Un estupendo trabajo de Javier Cuevas que se desenvuelve cómodo y ágil en el espacio escénico que él mismo ha creado. Un recorrido músical muy interesante con canciones desde la opera La Boheme, hasta el Dúo Dinámico, le dan un envoltorio más que interesante. Un rato entretenido, ajeno al texto shakespeariano, le viene muy bien el apellido Post Escriptum.
Ángel Savín
Antígona de Jean Anouilh en el Matadero Madrid
Youkali podría ser ese país que todos soñamos, un lugar donde ser libres y respetados. Youkali podría ser España o cualquier país de la vieja Europa pero no lo es. Youkali podría ser la tierra donde el honor no sea moneda que se cambia por sangre. Youkali podría ser un sueño pero se puede convertir en una pesadilla…
Ruben Ochandiano y Carlos Dorrego han hecho, con gran acierto, una adaptación de la obra de Anouilh a un presente atemporal y dirigen la puesta en escena codo con codo de manera minuciosa…El Matadero ayuda mucho para que su visión sobre ese país gélido y sin alma se materialice…En escena hay un espacio cruzado de circo e intimidad familiar que da un extrañamiento muy sugerente a la obra. Y sobre él transitan los personajes como fantasmas que vagan en la cabeza de un loco…Solo Antígona da cuerpo a la realidad. Es muy curiosa la idea de que los personajes sean la mezcla de un comic y un monstruo, tienen fragilidad y horror a partes iguales. Todo el reparto cumplen con el dibujo de esta idea y Najwa Nimri sale airosa de su presentación teatral.
Adolfo Simón
El amante de Harold Pinter en La Casa de la Portera
Diez años de matrimonio puede ser una condena terrible para una pareja si no se busca algo para que cada día pueda reinventarse la relación…si no se hace, se puede sucumbir en la desidia y la rutina…Pero…¿Qué podría ocurrir si se instala en la pareja un juego de fantasías y se pierde el control de las mismas?…Pues que pueden quedar atrapados los dos en un laberinto donde ya no se sabe quien es quien. Nadie puede dudar en estos momentos que Harold Pinter es uno de los grandes dramaturgos del siglo XX, sus obras indagan en las relaciones con profundidad y genialidad. Tanto en las piezas largas como en las cortas, los personajes pinterianos son reflejo de nosotros mismos pero visto a través de un microscopio. El autor no cae en la tentación de mostrar lo que ocurre si no aquello que se oculta y esto es materia dramática por excelencia. El montaje intimista que muestra Funfanfarria en la Casa de la Portera nos instala en este juego perverso en el que, por momentos, nos sentimos el amante ausente que observa el paisaje desolado que queda tras cada encuentro fantasmal.
Adolfo Simón
La decorosa vida de los Stuart en el Teatro Arenal
Los miembros de la familia Stuart viven su momento de gloria; el padre, Patrick, es un importante hombre de negocios; su mujer, Caroline, una considerada diseñadora de moda, y la hija, una prometedora universitaria; la vida es hermosa para los triunfadores, pero algo puede hacer que cambie la dirección del viento y que deje al descubierto un entramado de mentiras, de falsas apariencias, donde el enemigo está más cerca de lo que uno piensa. Y es que entre el decoro y la indecencia, la línea de separación, a veces, es demasiado delgada. Por eso, La decorosa vida de los Stuart muestra, en clave de humor y tono de farsa, una crítica a un sistema capitalista que devora al ser humano y que anula cualquier principio ético. Una mirada enloquecida sobre los monstruos que genera este tipo de sociedad y las consecuencias para aquellos que entran en su juego.
Ignacio Sánchez
Díptico del Festival de Otoño a Primavera
De nuevo a aflorado en la cartelera madrileña el Festival de Otoño a Primavera. En este caso han sido dos propuestas muy diferentes y al tiempo con cierta conexión en su discurso escénico.
Max Black de Heiner Goebbels / Théâtre Vidy-Lausanne
Heiner Goebbels crea un arte teatral tan refinado como su exquisita técnica instrumental, desarrollando un lenguaje muy personal donde confluyen estilos musicales aparentemente incompatibles. El genial director y compositor empleó textos de Valéry, Lichtenberg, Wittgenstein y Max Black para componer esta obra, que se ya presentó en en el Festival de Otoño de 2002. La peculiaridad de esta propuesta radica en como, la cotidianeidad de un investigador sumergido en su mundo, va generando una textura musical de gran espectacularidad, en un espacio que por momentos recuerda a las instalaciones de arte contemporáneo que podemos disfrutar en muchos de nuestros museos. Un concierto de objetos cotidianos instrumentalizados por la locura del protagonista.
Alexis, una tragedia griega de MOTUS
Una mirada al pasado con el fin de reflexionar sobre el presente. Así define la compañía Motus el leiv motiv de su proyecto Antígona, dentro del cual se enmarca Alexis, una tragedia griega, la pieza que la formación transalpina ha presentado en el Festival de Otoño a Primavera. Alexis, una tragedia griega es una investigación documental y poética sobre la complejidad de la historia contemporánea. Con ella, los artistas escuchan el latido de la actualidad, de lo que sucede en la calles cada día, y lo incorporan de forma constante e infatigable a su audaz trabajo sobre las tablas. Con Motus, el escenario se convierte en un ente dominado por una presencia coral, emotiva y conmovedora, donde fluye un texto de naturaleza fulminante e híbrida: sobre las tablas se dan la mano diálogos, entrevistas, reflexiones solitarias, intentos de traducción del griego al inglés y al italiano, fragmentos de audio y vídeo interactivos, descripciones de ambientes y paisajes, declaraciones políticas y un sinfín de testimonios. Un documento imprescindible para los artistas y espectadores de hoy, para que entiendan que los lenguajes contemporáneos no tienen porque estar reñidos con un discurso combativo. Una obra esencial.
Adolfo Simón
Teatralia: Hacedores de magia
Hay algo en común en las propuestas que he disfrutado este fin de semana en Teatralia: El uso de objetos y materiales para crear una poética nueva. No solo magia, que la ha habido, si no también manejo mágico de elementos para contar historias de otra manera.
Le Miroir aux fourmis(El espejo de las hormigas) de la Compagnie pupella Nogués
Le miroir aux fourmis es un haïku (poema breve de tradición japonesa) marionético, teatral y musical para niños pequeños. Un espectáculo que habla con humor y frescura del mundo que nos rodea, marcado por el ritmo del tiempo que va pasando, de las cuatro estaciones, del paso del día a la noche. Mezcla, con excelente habilidad, sonido, vídeo, poesía y cuento. El espectáculo presentado en el Círculo de Bellas Artes mezclaba expléndidamente diferentes lenguajes escénicos sin olvidar lo lúdico como un lenguaje expresivo más. Una propuesta de gran riqueza plástica que nos trasladó a paisajes de ensoñación
Prometeu de Lafontana-Formas Animadas
Prometeu, coproducida con la Casa de Música de Oporto y el Festival Internacional de Cortometrajes de Vila do Conde, es una performance multimedia inspirada en el tradicional teatro de sombras indonesio, el Wayang Kulit y su transposición en el universo de signos y referencias occidentales. Wayang significa, en javanés, iluminación e ilusión, pero también es un término utilizado para designar a las marionetas. La práctica de este tipo de teatro es milenaria y en Java (Indonesia) está considerado como la más alta manifestación de cultura del país. En este caso, el espectáculo presentado en el Teatro de la Abadía era de una plasticidad exquisita…el juego del dibujo sobre arena que se proyectaba en una pantalla, mezclándose a veces con otras filmaciones y sobre las que se superponían sombras recortadas, nos permitía entrar en los mil y un lugares sugeridos por la mítica historia. Además, el actor que manipulaba todos estos espacios visuales, nos iba relatando las peripecias de Prometeu con toques de humor y actualidad.
La Asombrosa historia de Mr. Snow de Antonio Díaz
Descrita por algunos de sus espectadores como un espectáculo de magia, humor, emociones y buena música, La asombrosa historia de Mr. Snow es un viaje de risas y de asombro donde el ilusionismo sirve de pretexto para contar una conmovedora historia llena de imaginación, humor, nostalgia y fantasía. Un universo en el que es posible que las mariposas se toquen sin tocarse, que la nieve inunde un espacio cerrado y que un pez adivine el pensamiento de un espectador. No siempre la magia tiene su espacio en Teatralia, por suerte, en los Teatros del Canal, este año se ha programado un espectáculo que va más allá de la convención de los trucos de magia, aquí había una historia que se iba cruzando con los diferentes números de ilusionismo.
El Gallo de las Veletas de La canica teatro de títeres
El Gallo de las Veletas es un espectáculo de títeres que combina el relato poético en las voces de dos actrices con el juego teatral de los protagonistas de la historia. La puesta en escena está caracterizada por la expresividad de los objetos, el poder evocativo de la música, los momentos de coreografía corporal y otros recursos teatrales. La canica consigue, en esta propuesta presentada en La Casa Encendida, que viajemos con el gallo hacia sus lugares soñados y disfrutemos de la transformación poética que le dan a objetos cotidianos; un trabajo sencillo y emocionante, gracias a la evocación y poesía que nos genera la recuperación de la memoria de la infancia.
Adolfo simón
Transición en el Centro Dramático Nacional
“Transición”, es una coproducción de Teatro del Temple, L’Om Imprebís, Teatro Meridional y el Centro Dramático Nacional, escrita por Alfonso Plou y Julio Salvatierra y dirigida por Carlos Martín y Santiago Sánchez, en un espacio sencillo, realizado por Dino Sánchez, se nos hace desfilar por momentos esenciales de la transición política española, yo era adolescente en esa época y reconozco todos ellos. Una historia que se estructura con un esqueleto musical, las canciones más de moda de esa época sirven de pegamento para la historia, Mariano Marín es el responsable y todos los actores cantan juntos y por separado, parece que está de moda, nos envuelven en algo casi tierno, Antonio Valero que encabeza el reparto hace un ejercicio estupendo de interpretación bien arropado por sus compañeros, tengo la impresión de que el magnífico Álvaro Lavín está un poquito desaprovechado, la historia desde el punto de vista de un Adolfo Martínez o Suarez desde su Alzheimer muestra la memoria de esa época. Entretenida, intenta aproximar ese tiempo al actual en tanto causa y efecto del presente político que vivimos, del consenso a la división, de la pérdida de valores a la demagogia individualista, pero no sé si quizá por reciente, o vivido para mucha parte del posible público, puede quedarse en algo que ya sabemos y no nos dice nada nuevo, bueno el caso es que habrá que verla y que cada uno opine lo que quiera, que para eso está el teatro.
Ángel Savín
Koozá del Cirque du Soleil
Las carpas blancas del Circo del Sol ya son una seña de identidad de esta compañía que ha devuelto la dignidad y la pasión por este tipo de espectáculos. Y nada más entrar a la sala, desde la animación previa a la función, ya se reconoce el sello estético del Cirque du Soleil. Cuando se apagan las luces, las mariposas revolotean en nuestro estómago ante la curiosidad de lo que surgirá del corazón de la pista central. Koozá tiene dos elementos que han desarrollado desde el principio, la teatralidad y la espectaculidad. Proponen un viaje de lo pequeño a lo grande…Una caja mágica depositada en el centro del escenario generará la locura de los payasos, la belleza de la música en directo y los números acrobáticos de gran riesgo. Aquí, en Koozá están los ingredientes esenciales du Soleil aderezados con magia y belleza. Una nueva ocasión para que el público de Madrid disfrute de esta experiencia exotica.
Adolfo Simón
La amante inglesa en el Matadero
Las Naves del Español-Matadero, en su sala 2, presenta estos días bajo la dirección de Natalia Menéndez, quién firma también la adaptación, la conocida obra de Duras. La responsabilidad y la culpabilidad, conceptos jurídicos bien diferenciados, se mezclan en el alma humana en sus acepciones más intimas cuando enfrentamos la comisión de un hecho delictivo tan grave como el asesinato y el descuartizamiento del asesinado. En una propuesta, que incluso podría haber sido desnuda, escenográficamente hablando, se nos propone, con acierto por Alfonso Barajas, un laberíntico jardín y un patio con sillas oxidadas y caídas, como nuestra mente y nuestra conciencia, la experiencia va pasando de un lado a otro de la balanza iguales sentimientos, dependiendo de cada momento concreto, en un interrogatorio estupendamente llevado por José Luis Torrijo, se desgrana la condición humana, desde el amor al odio, desde la razón a la locura, desde la emoción del recuerdo hasta la obstinación de un presente que ya no tiene solución, un ejercicio actoral magnífico, un gusto de las palabras con un José Pedro Carrión que nos hipnotiza con su voz y su presencia y una Gloria Muñoz que engrandece con su valiente y frágil interpretación el maravilloso oficio de actriz.
Ángel Savín
El malentendido de Albert Camus en el Centro Dramático Nacional
En ocasiones, la mejor manera de entender el presente es mirando al pasado. Albert Camus ya es un clásico de la literatura universal. Gracias a su pasión por el teatro nos dejó en herencia algunas piezas dramáticas esenciales para entender al ser humano. El malentendido es una obra esencial que partió de un acontecimiento real que impactó al autor. En ella, con un enfoque filosófico y trágico, se nos muestra como el ser humano, escondido en la caverna, luchará por la protección de la tribu. Pero, y ahí está el salto dramático que plantea el autor, el error del hombre puede llevarle a dar pasos en falso cuando más firme quiere pisar la tierra que hay bajo sus pies. La propuesta de Eduardo Vasco es sobria, en un espacio inmenso que deja en mayor soledad y fragilidad a los intérpretes-personajes. Todo el elenco se entrega para desvelar lo que Camus dejó escrito entre líneas en su texto.
Adolfo Simón
Málaga de Lukas Bärfuss en el Teatro del Arte
Málaga es un texto fantástico porque empieza y se desarrolla en una primera parte por derroteros cotidianos…Nos encontramos frente a una pareja separada haciendo un pulso por imponer su visión de cómo educar a la hija de ambos; una anécdota pequeña desencadena una guerra dialéctiva y física. Esta tensión personal en la enloquecida vida de nuestro tiempo, va dando un giro hacia una situación trágica y ancestral que nos lleva al rito en esencia. La segunda parte se convierte en una lucha al borde del precipicio por parte de los personajes; ya nada tiene que ver con la cotidianidad, ahí están, frente a frente, el animal primitivo que somos. Los actores transitan por este vértigo de sensaciones con aplomo, es un espacio aséptico y dirigidos con mano firme.
Adolfo Simón
Que Revienten los Artistas 
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