“La increíble historia de la chica que llegó la última” de Carla Guimaraes en Cuarta Pared
La Cuarta Pared, está presentando estos días “La increíble historia de la chica que llegó la última” obra de Carla Guimaraes, escrita tras un largo proceso de preparación e improvisaciones. Este texto parte de la trágica historia de Samia Yusuf Omar, atleta somalí, que tras llegar la última en la carrera en que participó en las Olimpiadas de Pekín (Beijin) 2008, su afán por seguir siendo una atleta de élite, la llevó a salir de su país Somalia, y tras una aventura que no somos capaces de comprender, pues lo vemos como una película de aventuras, atravesar el desierto, enfrentarse a piratas de los de verdad, no de Disney, naufraga y fallece en una patera con tan solo 21 años. Todo esto que es una tragedia que encoje el alma y te hace reflexionar sobre el horror del mundo que se sale del confort de occidente, sirve a Guimaraes para escribir un texto casi cómico, y a María Folguera para dirigir y poner en escena un cuadro naïf, de personas/niño que juegan a la vida y que recrean la tragedia desde la inocencia de aquellos que no están afectados por la hipocresía del mundo “civilizado”. Los actores juegan y se divierten y nos hacen sonreír en más de una ocasión, le dan la vuelta a la tragedia, algo natural y cotidiano para ellos, los desfavorecidos, y nos lo desvelan como quien cuenta un cuento donde hay pasión, ilusión y alegría, sobre todo mucha alegría, bendita seas Samia por darnos esta lección de vida. Sólo un pero, el ritmo quizás, en algunos momentos se ralentizaba. Una fuerte ovación obligó a los actores a saludar repetidamente.
Ángel Savín
Los hijos de Kennedy de Robert Patrick en el Teatro Cofidis
Los hijos de Kennedy son cinco historias para cinco actores, la clave está en elegir bien el reparto y en este caso es bastante acertado. En realidad son cinco monólogos que se intercalan e interrumpen el uno en el otro en un espacio fantasmagórico que podría ser un bar abandonado tras la hecatombe ocurrida en una gran ciudad de Norte América. El texto de Patrick nos sumerge en la mente de cinco juguetes rotos de un tiempo que ni en el recuerdo consigue ser mejor de lo que fue. Esta obra analiza, a partir del asesinato de Kennedy, lo que hay tras la fachada de una aparente sociedad feliz y próspera; nos muestra los fracasos de los deseos que a veces, equivocamos tener. Hay tres personajes que se prestan más a jugar interpretativamente…La señora que vive de sus recuerdos que interpreta Emma Suárez con precisión y la aspirante a Marilyn que hace Maribel Verdú, emparentada con el actor off al que da vida Fernando Cayo, los dos personajes que sueñan con el éxito son un verdadero viaje entre el deseo y el fracaso que realizan magistralmente los dos actores. Los personajes a los que han de dar vida Ariadna Gil y Alex García tienen menos aristas dramáticas a las que dar contraste escénico.
Adolfo Simón
Kathie y el hipopótamo de Mario Vargas Llosa en el Matadero de Madrid
De pequeños, cuando el mundo se hace cuesta arriba nos subimos al desván para abrir el baúl de la abuela y ponernos sus trajes, imaginando que somos otros. De mayores, a veces, hay que subir a las buhardillas para reinventarnos la vida que tuvimos, los sueños y deseos que no cumplimos y ajustar cuentas con el pasado, para poder sobrellevar el presente y recibir al futuro con los brazos abiertos. Mario Vargas Llosa ha escrito un relato endiablado donde los personajes se miran en espejos deformantes para descubrir su verdadero rostro. La historia de Kathie no es lo más importante, poco importa lo que le pasa a esta señora burguesa aburrida de aburrirse, lo verdaderamente interesante es lo que propone teatralmente este texto para una mirada sensible desde la dirección y en este caso, Magüi Mira ha descifrado con ironía y delicadeza todos los signos encriptados del texto y se los ha propuesto en bandeja de plata a los actores, para que hagan de ello un juego delicioso en el que todos están en estado de gracia, jugando todas las cartas que cada secuencia propone y Ana Belén está absolutamente entregada a la propuesta, canta, baila y compone todos los personajes que se ponen en juego en la imaginación de esta Kathie inquieta y voluptuosa.
Adolfo Simón
El coleccionista del mal, una experiencia diferente
En Madrid hay varias opciones escénicas que proponen experiencias relacionadas con el terror para los adeptos al género…Hay pasajes del terror, hay sesiones de mentalismo y magia, hay espacios donde las narraciones nos conectan con el más allá…Y existe un espacio secreto al que hay que acudir descubriendo la contraseña de acceso, es El coleccionista del mal. La inquietud ya surge desde la visita a la página que tienen en internet, una web sugerente y terrorífica que anima a visitarles solo a aquellos que sean capaces de vivir algo paranormal. Reservar una plaza para este viaje supone aceptar ciertas reglas y esperar consignas. Y llega el día y aparecemos ante un portón que se abrirá para que de él surja un encapuchado que nos dará las pautas a seguir. A partir de aquí, mejor no explicar nada del lugar ni del recorrido, solo decir que a mí, amante del terror y de las experiencias diferentes, me hizo sentir sensaciones que no había tenido en otro tipo de propuestas paranormales. Muertos vivientes, objetos malditos, seres fantasmales nos acompañan en un recorrido por los miedos que se esconden en nuestro cerebro. Si están hartos de ser espectadores pasivos y quieren vivir algo diferente, acudan al reclamo de El coleccionista del mal, ahora bien…asuman las consecuencias.
Adolfo Simón
Carlota de Miguel Mihura en el CDN
Miguel Mihura escribía cine para la escena con un doble atractivo, historias de suspense enhebradas con su personal humor. La producción que se presenta en el Centro Dramático Nacional está cuidada hasta el último detalle y en el principio y el fin de la misma se hace un guiño a ese guionista espléndido que fue Mihura. La presencia de Carmen Maura después de muchos años en un escenario da un atractivo especial a este proyecto que seguramente hará las delicias del público habitual del teatro. Pero no se queda en un detalle pintoresco ya que está perfecta en el papel de mujer que vive atrapada en un mundo doble. Como bien ha declarado ella, quería presentarse en un montaje coral, donde pudiera estar arropada por un elenco de actores y actrices que, aquí son de gran trayectoria y profesionalidad dando, a la Maura, la réplica perfecta y el acompañamiento ideal. Debería haber un teatro que siempre estuviese representando a nuestros espléndidos autores…Jardiel, Tono y Mihura, en otro país serían de obligatoria lectura y representación…En otro país, claro.
Adolfo Simón
Entre Marta y Lope en la sala II del Teatro Español
La Sala Pequeña del Español presenta un espléndido texto de Santiago Miralles y Gerardo Malla titulado “Entre Marta y Lope”, que recrea una conversación entre Lope de Vega y su última amante o barragana, el era ya sacerdote, Marta de Nevares. Un diálogo vivo, desaforado, vibrante que nos hace pensar en lo poco que han cambiado muchas cosas en casi quinientos años. Un Lope, ya viejo, enamorado y una Marta celosa por los fantasmas de amores pasados y en ellos la vida del Madrid de entonces, de dimes y diretes, de los personajes que fueron coetáneos, Cervantes, Góngora, Quevedo, un joven Calderón y su lucha por el reconocimiento, sólo prospera el que tiene amigos y sabe venderse dice Marta a un Lope que solo sabe de su arte. El genio que aparece hombre y como tal simple y complejo a la vez y que ama el teatro sobre todas las cosas, es puro teatro y por eso Marta le adora y le aborrece. Gerardo Malla, que dirige esta pieza, recrea a Lope con una actuación naturalista, sencilla, llena de emoción y Montse Díez lo hace con Marta desde una técnica de declamación teatral que nos llena de musicalidad los oídos, tanto en el amor como en el reproche, en la locura como en su vibrante cordura, con que admiración le mira y le mima. Lope el mujeriego esta entregado al amor de esta hermosa y brava mujer. Les acompaña Cesar Diéguez, que nos regala unos momentos cómicos dando vida a Felipe IV, al Conde-Duque de Olivares y al Ayudante de Lope. El genio no se destaca nada más que por su obra, puede estar sentado a tu lado y no ser precisamente atractivo, pero su obra permanecerá siempre. Así sus versos también permanecen eternos y eso es amor, quien lo probó lo sabe.
Ángel Savín
Martirio y Raúl Rodríguez presentan De Un Mundo Raro, Cantes por Chavela en el Centro de Arte Fernán Gómez
La última vez que vi a Chavela Vargas fue en la Residencia de Estudiantes donde se le organizó una velada bajo las estrellas para dialogar con Lorca. Allí hubo muchos cantantes que la acompañaron, entre ellos, Martirio. Ese fue el último viaje que Chavela hizo a nuestro país antes de hacer el viaje definitivo. Ha pasado un tiempo desde su marcha física, porque siempre estará su voz y su presencia enigmática entre nosotros y Martirio le rinde un bello homenaje con este espectáculo titulado De un mundo raro, cantes por Chavela, acompañada magistralmente a la guitarra por Raúl Rodríguez. Anoche, en el Centro de Arte Fernán Gómez, Martirio invocó a la chamana y por momentos me pareció verla pasearse por el escenario. Esta propuesta escénica es muy íntima, como dice Martirio, podría hacerse alrededor de la mesa camilla…Y es un placer escuchar sus versiones y sus anécdotas; ojo a la actriz que hay en Martirio, debería plantearse un espectáculo donde cante pero que también actúe, sus breves monólogos entre canción y canción hicieron las delicias del respetable.
Adolfo Simón
Carmen Maura será la «Carlota» de Mihura para el CDN
El CDN ha presentado esta mañana en rueda de prensa la comedia de Mihura que será la vuelta a las tablas, después de veintisiete años,de Carmen Maura. En ella ha comentado que quería volver al teatro pero con una obra en la que no recayera sobre ella todo el peso, quería una función coral «con algo que no estuviera sobre mis hombros».
Maura ha confesado que no conocía al director Mariano de Paco cuando la llamó para proponerle el papel y bromeando ha dicho «la verdad es que ha estado muy simpático». Una pequeña anécdota que nos ha comentado es que Carmen ya había interpretado «Carlota» en sus tiempos del «Preu»,con 19 años. Además ha recalcado el cambio que se produce de pasar del cine al teatro ya que en el cine se interpreta en silencio, sin presencia del público. Por otro lado en el cine se graba una escena y ya está pero en teatro hay que repetir todos los días lo mismo y Maura ha asegurado que ella será incapaz de hacerlo todos los días igual y que así a lo mejor el público se anima y repite su visita. Pero lo más importante que ha recalcado es que es fundamental que la gente vuelva al teatro, a pesar de los precios y del menosprecio que se está haciendo a la Cultura en nuestro país: «En Francia decidieron bajar el IVA para fomentar ir más al cine».
A Maura le han propuesto muchas veces hacer teatro con obra mucho más complicadas y que a una actriz le apetecería hacer pero a ella no porque no era lo que ella quería en este momento.
«Carlota», reunía «todas las condiciones», ha señalado la consagrada actriz, quien ha afirmado que el director de la obra, Mariano de Paco, le ha quitado «muchos miedos» y le ha dado «mucha confianza» en sí misma, al igual que sus compañeros de escenario, con los que se ha sentido «muy acompañada y arropada».
Mariano de Paco ha afrontado este proyecto de dirección propuesto por Ernesto Caballero, actual director del CDN, con entusiasmo e ilusión para montar una obra que ha calificado de «perfección dramatúrgica» y poética. Ha indicado que Mihura merece leerlo desde otro lugar y que se debe resaltar la palabra ya que sus textos han de interpretarse como si no fuesen prosa, sino un poema al que si le quitas una palabra rompes el ritmo de la frase y ha mencionado la frase de Marsillach: «Es hora de hacer el teatro de humor en serio». Cuando leyó la obra pensó inmediatamente que Carmen Maura sería la actriz perfecta para protagonizarla y se propuso encontrar una actriz similar a ella, hasta que la llamó y, para su sorpresa, Carmen aceptó a la primera sin dejarle venderle el personaje con todos los argumentos que había pensado para convencerla.
Para el director del Centro Dramático Nacional, Ernesto Caballero, «Carlota» brinda la oportunidad de «poner en valor» la comedia del siglo XX español, de la que -ha dicho- Miguel Mihura es «uno de los más importantes» y que, frente a otros géneros teatrales, «ha estado olvidada de la programación de los teatros públicos».
Luis Mª García.
A lo Panenka de Rafael Ponce en Lagrada
-¿Cómo quiere que le corte el pelo?…
-En silencio.
De estas perlas hay bastantes en el último trabajo de Rafael Ponce titulado A lo Panenka. Ponce estalla el espejo de sí mismo en varios trozos donde se ve reflejado… La fragilidad del adolescente, la violencia verbal de la joven, etc…Y a través de ellos, de juegos y paradojas nos sitúa en una mirada absurda sobre la realidad que nos rodea pero también en la realidad que silenciamos. Hacía tiempo que no aterrizaba Ponce y su peculiar mundo en los escenarios, se le echaba de menos.
Adolfo Simón
«Tres sombreros de copa» en Nave 73.
La compañía 300 pistolas tiene por objeto recuperar los clásicos y darlos una vuelta de tuerca, haciendo un trabajo de investigación sobre ellos y llevándolos a su terreno y restaurando viejas joyas para que luzcan como nuevas. En este caso un Mihura reconvertido al vaudeville y al cabaret nos deja una grata sensación de boca. Nada como una pieza que fue precedente del teatro del absurdo para darle ese baño de locura y desfachatez del cabaret y de las ferias ambulantes durante los locos años veinte, con una escenografía sencilla pero eficaz y suficiente para situarnos en la época. La capacidad de la compañía para transformar una vieja pensión en un teatro de varietés le hubiese encantado a Mihura, muy amigo de la noche, las mujeres y la buena vida. Mihura sabía poner en entredicho una institución como el matrimonio, jugar con la vida alegre, y reírse de la misma, romper con lo establecido a través siempre de personajes algo estereotipados como el hombre apocado (Ninette y un señor de Murcia) las señoritas alocadas y cachondonas (La decente, Maribel y la extraña familia), los esperpentos maduros, … y hubiese disfrutado mucho con esta versión que imprime velocidad, comicidad y paroxismo al reflejo de lo que fue su propia vida.
El espectáculo se adapta perfectamente al espíritu de la sala Nave 73, de la cual puedes ver en nuestra revista también un reportaje aquí. Una sala acogedora y preparada para afrontar una larga trayectoria. Lo único que echo de menos es un poco más de información en los flyers y en la web sobre elencos y compañías, aspecto que estoy seguro de que van a mejorar con su rodaje.
Concluyendo, una versión excelente, muy bien interpretada y adaptada por los actores, que demuestran su versatilidad y buen hacer cambiando de registros y una puesta en escena para disfrutar en la que se agradece que se acorte la obra gracias al ritmo vertiginoso que le ha imprimido Alvaro Morte, director de la compañía y en la que se reconoce perfectamente el espíritu de Mihura.
Luis Mª García
Haga clic aquí de José Padilla en el Centro Dramático Nacional
El ciclo Escritos en la Escena que propicia la posibilidad de que un equipo de autor/director y actores realicen un proceso de creación a pie de escenario, consigue sentido total con esta propuesta, sobre todo porque aborda un tema que nos preocupa a todos…¿Somos una marioneta en manos de las nuevas tecnologías?. Ayer, aprovechando el puente, seguro que habría muchos teatros de la Gran Vía con las localidades agotadas, pero también lo estaban las de la sala de la Princesa que es donde se muestra este trabajo. Parece que el público empieza a saber dónde acudir para entretenerse y dónde a vivir experiencias ricas. Ojalá un día haya que prorrogar estos pequeños grandes trabajos porque Haga clic aquí es un trabajo contemporáneo en el tratamiento estructural del tema dramatúrgicamente, porque la puesta en escena es sencilla y al servicio de la historia y porque los actores han entendido y confiado perfectamente en la forma de tratar este tema de convertirnos en una pieza más de un mecano endiablado que finalmente no sabemos bien quién lo maneja ni con qué objetivos. Lo fácil es que terminemos dejándole el paraguas a otro para mojándonos nosotros. Solo queda una semana, no lo duden, hagan clic y compren una entrada para este espectáculo.
Adolfo Simón
Casting en el Burdel a escena
Nos pasamos la vida haciendo castings, para ser hijo, para ser amante, para ser amigo, para ser…y a fuerza de tanto casting terminamos perdiendo el rumbo de nuestros sueños y deseos. Dicen que el oficio de actuar es de putas y maricones…y tal vez sea cierto, sobre todo en estos tiempos en que a los cómicos nos tratan como perro por rastrojos. Lo que está claro es que no se puede ser puta si no se sabe fingir y esta es la gran regla del teatro… hacer creer que uno disfruta para que el que está en el patio de butacas sea feliz. El Burdel a escena tiene un ingrediente añadido de interés a los espacios no convencionales de teatro y es que nos permite entrar en esas habitaciones míticas donde las putas juegan al teatro y que ahora, nos sirve a nosotros para jugar a ser madamas y putas. Hay un juego jugoso de teatro dentro del teatro en esta experiencia de Casting…Nunca sabemos cuando somos espectadores, clientes, putas en prácticas o el ojo que decide quién conseguirá el puesto. Y además, hay toques de cabaret que le dan aire picante a la propuesta. ¿Quieren más?…Yo creo que es un menú jugoso.
Adolfo Simón
«Yo de mayor quiero ser Fermín Jiménez» en La Cuarta Pared y festival Escena M
Todos tenemos un superhéroe preferido el cual nos gustaría ser… La compañía valenciana El Pont flotant tiene el suyo propio: Fermín Jiménez. Pero, ¿Quién es Fermín? Esto es lo que vamos a descubrir a lo largo de la obra. Ya de entrada observamos unas instalaciones que apuntan quien podría ser…unas agendas de amigos por allí tiradas que indican que el tiempo está regulado, encajonado, perseguido y controlado. Nuestra vida bajo control, nuestro tiempo de trabajo, nuestro tiempo para las tareas cotidianas, nuestro tiempo muerto, nuestro tiempo ocioso, nuestro tiempo libre… pero…¿Qué haces en tu segundo libre? ¿Te lo has preguntado alguna vez? ¿Tienes todo el tiempo libre que quisieras? Una reflexión sobre el tiempo y el trabajo muy bien llevada a escena a través de un superhéroe que dispone de su tiempo como el quiere y no como le impone la sociedad… Ese debería ser nuestro héroe actual, el que hace lo que quiere, lo que ama… Pero para llegar a tan sesudas conclusiones no hace falta un método establecido de reflexión-ensayo…Los actores nos demuestran que se puede pensar en cualquier situación cotidiana y a través de cualquier sensación y contacto con los demás y de manera autogestionada.
El único peligro que le veo a esta obra es que pueda convertirse en la biblia de los hipster españoles ya que nos presenta un icono que ha triunfado como tal (y perdón por el encasillamiento).
Alex Cantó y Jesús Muñoz nos demuestran magníficamente que no pasa nada por tener tiempos muertos, por tocarse la barriga de vez en cuando, por estar en el paro aunque te miren mal…porque aún así estamos creando y viviendo. Yo de mayor quiero ser como ellos.
Luis Mª García.
Intimidad en la Sala TU
Y qué más da si es verdad o mentira si es teatro. Además, el teatro es, en esencia, hacer creíbles las mentiras…¿No?, pues eso. En Intimidad hay una trama inquietante que no se desvela hasta el final y que no lo haré aquí. Lo que puedo decir para animar al público a seguir llenando el privado y peculiar patio de butacas de la Sala TU es que nada es lo que parece, ni esa imagen estática de familia que todos teníamos en una pared del salón lo es, ni esas historias aparentemente amables lo son cuando giran hacia el precipicio, ni esa tierra que les sujeta es fértil. ¿Cuándo dejará de ir el público a ver espectáculos absurdos que no hablan del ser humano si no de marcianos y se perderán en propuestas como es la de Intimidad?… ¿Cuándo saldrá a la luz tanto talento como hay en las pequeñas salas alternativas?. Bueno, de momento, disfrutemos de estos pequeños grandes trabajos.
Adolfo Simón
30/40 Livingstone en el Teatro de La Abadía
La imaginación es un país necesario pero también muy peligroso. A veces, la imaginación se convierte en todos los rincones de nuestro día a día y corremos el riesgo de quedarnos a vivir allí y eso es muy peligroso, sobre todo si somos adultos. A menudo decimos aquella frase de «Me gustaría recuperar al niño que fui»…Y otras veces nos recriminamos diciéndonos…»Deja de ser niño». 30/40 Livingstone plantea de manera lúdica y lúcida la idea de lo que podría pasarle a un niño si no siguiese las líneas marcadas por la sociedad y quisiera inventarse un mundo con reglas propias o lo que es peor…¿Qué le podría pasar a un adulto si tuviese que convivir con su niño constantemente?. Sergi López que ha conseguido la popularidad en cine, demuestra aquí que es un animal escénico. No tiene límites para nada, se entrega con pasión y generosidad a todo lo que el texto y las situaciones proponen. Y juega con lo real y lo imaginario como si todo fuese lo mismo, creando situaciones delirantes. Y además, tiene a Jorge Picó que le da perfecta réplica en escena. Al final, hay que tomar una drástica decisión…Seguir en el país de la imaginación o…
30/40 Livingstone es una propuesta nada habitual en nuestra cartelera.
Adolfo Simón
Duet for one en La Guindalera
Siempre que acudo al Teatro de la Guindalera tengo una sensación similar, como si el público que asiste se conociese, como si ya hubiesen coincidido antes en el hall que hay antes de entrar a la sala. Creo que han conseguido, en esta década de existencia de la íntima Guindalera, crear un público afín, no solo porque han podido ser participes de las existencia de la misma colaborando con los micro-crédito si no porque, las personas que acuden regularmente, saben que hay garantía de un buen texto, de una propuesta teatral, algo que parece muy sencillo pero que en estos días, en los que la cartelera es tan caótica, no es tan fácil y ahí, en ese caos, pierden los artistas y el respetable: Si uno vive una experiencia profunda en el teatro, no lo olvidará nunca, si vive un fiasco, no volverá a pisar un patio de butacas. De nuevo un texto potente para enfrentarse a la décima temporada: Duet for one de Tom Kempinski. Una obra en apariencia sencilla ya que nos muestra los encuentros entre un médico y su paciente (No me gustan las obras de juicios o sesiones de psicólogo porque se estancan en lo que dice el bueno y lo que le responde el malo o la charla terrible que le suelta el enfermo tumbado en un sofá) Pero aquí no hay nada de eso, hay un viaje a las zonas más oscuras del individuo para encontrar los ecos donde la herencia emocional se quedó truncada. Y además, creo que aquí se va más allá de dar luz a esos espacios de la protagonista, creo que vamos intuyendo que el médico también tiene territorios en su memoria donde no se ha atrevido a entrar nunca. Otra obra interesante sería saber qué hay tras el rostro impenetrable del terapeuta. Pero aquí lo que hay es un combate escénico importante entre una mujer herida y un médico que no alivia sus heridas aunque le acompañe mientras le cicatrizan. Juan Pastor hace un ejercicio importante de sencillez en el trabajo como director y actor y María Pastor está sencillamente fantástica.
Adolfo Simón
El divorcio de Figaro en el Centro de Arte Fernán Gómez
Un espectáculo que aborda, con una lectura abierta y llena de lucidez, la lucha del individuo frente a la sociedad. El Divorcio de Fígaro retoma los personajes de Beaumarchais y, con un poco de serrín y sangre, una buena dosis de humor y un mucho de inteligencia, los lanza a la vorágine de un mundo loco y cruel. Estas palabras de presentación de la obra resumen muy bien lo que Alfonso Lara ha pretendido hacer con el texto de Ödön Von Horváth. En la Sala II del Centro de Arte Fernán Gómez asistimos a un ceremonial extraño en un cabaret de muerte custodiado por dos militares. Allí serán empujados los personajes como a un foso en el que se les interpela sobre sus deseos y anhelos. Es como entrar en un laberinto donde no terminas de encontrar nunca la salida. Los actores transitan de la realidad al espejismo con paso firme en la propuesta.
Adolfo Simón
Tirano Banderas en el Teatro Español
D. Ramón María del Valle-Inclán, el autor más teatral de los españoles, siempre ha sido difícil de llevar a la escena, quizá el genio no se pueda exponer como fue creado, y casi siempre las propuestas no alcanzan las mismas cotas de genialidad que los textos. El esperpento, creación Valle-inclaniana, con ser, aún hoy en el siglo XXI, una moderna concepción del arte dramático, se presenta siempre en grado de exaltación, por excesivo, o de moderación por falta de riesgo. El proyecto DOS ORILLAS, pone al frente de esta adaptación de la obra, por Flavio González Mello, a Oriol Broggi quien despliega un imaginario, cuando menos, interesante, cuando más, impactante, por la composición y movimiento, tanto de los actores como de los elementos escenográficos, los colores y la pantalla que sirve de cielo cambiante de esa torturada isla de Santa Fe. Los personajes maravillosos de Valle desfilan por escena, quizá el pero que le pongo es que demasiados personajes para un solo actor llevan a una pequeña confusión, pero la mezcla de actores y actrices españoles y de allende los mares, México, Uruguay, Venezuela, Colombia, Ecuador…., enriquece el ser dramático, destacar a Rafa Cruz, Juli Mira, Vanesa Maja, Pedro Casablanc, y a una siempre estupenda Susi Sánchez. Poquita gente en el teatro, era martes, que respondió con una fuerte ovación, yo entre ellos.
Ángel Savín.
Las heridas del viento de Juan Carlos Rubio en el Teatro Lara
¿Qué hace falta para que haya teatro-teatro?…Pues muy sencillo, una buena historia y unos actores en la cuerda floja de la escena. En Las heridas del viento hay una historia interesante que sorprende a cada paso de la pieza, no hay un momento en el que la atención del espectador decaiga porque la sucesión de giros que da la trama obliga a que no pestañeemos. Y además, el autor vivo, lo es más que nunca en esta función, acompaña la acción durante todo el tiempo, siendo cómplice con los intérpretes de todo lo que va sucediendo, dando el relevo a la voz de ellos para que cuenten su historia. El director está aquí sutilmente, solo da ocasión a que el autor se encuentre con los actores en esa frontera entre realidad y ficción. La historia nos atrapa porque todos hemos vivido un amor al límite o hemos dejado que nos amasen sin cortapisas, aunque después hayamos tenido que lamernos las heridas que el viento deja a su paso. Solo unas sillas, unos focos y a Mina de fondo…Ah! no, me olvidaba de los más importante, dos actores en un combate emocional contundente: Dani Muriel dando réplica a Kiti Manver que aparece bajando una escalera desde otro tiempo, otra realidad y frente a los ojos del público se transforma, en un juego queer, en el hombre que guarda todos los secretos de la función. Kiti Manver alcanza en este trabajo un nivel interpretativo difícil de superar, a partir de ahora habrá que llamarla: La Manver.
Adolfo Simón
Perfiles de Sergio Martínez Vila en La casa de la portera
Cuando se escriba la crónica y balance de las primeras temporadas de La casa de la portera, se verá que por allí no solo pasaron nombres de primera línea probándose con las paredes del lugar si no que allí se han descubierto a autores y directores que darán que hablar, como el caso que nos ocupa. Perfiles es una pieza inteligente, de teatralidad condensada y el autor y director de la misma es un joven llamado Sergio Martínez Vila. Con un tema tan actual como es los contactos en la red, aquí se nos muestran los fantasmas que hay por esos mundos virtuales pero también los fantasmas que generan en nosotros y en nuestro entorno inmediato ese manera de conocer gente. Perfiles es una pieza de cámara y frente a las cámaras y en ella, los actores, se muestran veraces y creíbles, por momentos parece que hay espacio, incluso, para probar detalles y matices durante la representación.
Adolfo Simón
Cena con amigos en el SOL de YORK
El trabajo de Daniel Veronese siempre es bien recibido en nuestra ciudad, da igual que venga de la mano de su propia Compañía, de una producción oficial o de la colaboración con una productora privada como es el caso de este espectáculo. Gloria López Producciones lleva una trayectoria ascendente desde hace años, en esta ocasión se enfrentan a un texto premiado que aborda con dureza las relaciones de pareja, haciendo una radiografía de cómo se establece el poder y la manipulación entre el ser humano en las relaciones de a dos. La propuesta es muy despojada y ahí radica el interés del montaje ya que muestra sin adornos lo que en el texto se plantea, los actores están entregados a este teatro al borde del abismo. Cena con amigos tiene elementos de interés para un amplio espectro de público.
Adolfo Simón
Puzles escénicos en la ciudad
En estos tiempos en los que cada vez vemos más coartada muestra libertad de expresión en la vía pública, que se lleve a cabo una propuesta teatral que se denomina Ocupa Madrid, es muy oportuna. En este caso se realizó en uno de los barrios más típicos de Madrid: El rastro. Allí, ayer sábado, se desarrolló esta iniciativa que partió de Jorge Sánchez y a la que se han sumado múltiples profesionales de las artes escénicas. En un punto del mercado más famoso de la ciudad, se convocó a los visitantes y allí se formaron grupos que fueron conducidos por itinerarios diferentes, teniendo la posibilidad de ver una parte de esta ocupación, para completar el circuito, hay que acudir otro día. De repente pudimos entrar hasta el último rincón de una serie de locales donde nos esperaba un pequeño pedazo de realidad escenificada…En cada uno de los lugares no se saludaba al finalizar la pieza ya que, en el último eslabón de esta cadena, en otro espacio, se reunía todo el equipo para despedir a los asistentes. Recorrimos un lugar que creíamos conocer y hemos descubierto otro latido en la ciudad. Ahora hay que esperar a otra nueva convocatoria para que sigan proponiéndonos ocupar la urbe.
Y al otro extremo de la ciudad, por la noche, otra propuesta, distinta dramatúrgicamente hablando, a lo que habitualmente nos encontramos cuando se aborda la obra de Lorca. En La Usina se mostró Espacio Lorca donde se iban tejiendo ante nuestros ojos, escenas de diferentes obras del autor granadino, creando un tejido extraño y sugerente, sobre todo cuando se instalaban en la escena varios planos escénicos donde había personajes que observaban a otros mientras estos transitaban hacia un ritual que se preparaba en otra zona de la escena. Y los más curioso, cuando algún personaje se cruzaba con otro creando un nuevo nivel dramático, como cuando Mariana Pineda se cruzó con Bernarda Alba.
Adolfo Simón
Teatro para un nuevo milenio
Hubo un tiempo, en la Edad Media, que tanto se parece a esta época, en la que el teatro fue expulsado de sus lugares de representación porque el poder ocupó el púlpito, no para dar libertad a la mente de los espectadores si no para aprisionar sus conciencias con el terror del pecado y el mal. Pero, en ese tiempo, los cómicos, siempre hábiles y estrategas buscaron otro espacio de representación y pisaron las calles y plazas, buscando la complicidad y el diálogo con el pueblo. Hoy vivimos una época en la que el teatro ha pasado a ocupar el lugar de la representación mediática, cercana a los parques temáticos. Pocos espacios públicos siguen respetando las reglas de lo que siempre fue el teatro, un espacio vivo en el que hablar de tú a tú entre la ficción y la realidad. Recortes económicos y privación de expresión nos asaltan día a día en los medios de comunicación…¿Son las leyes de esta época incierta?…¿No haremos nada por salir de ese callejón sin salida donde nos están acorralando?. El teatro no morirá nunca porque se reinventa en cada época, porque es necesario, porque tiene que ver con los ancestros del ser humano, con su origen tribal. Y si nos expulsan del paraíso, nos iremos al infierno. Y si no nos dejan los templos teatrales, nos iremos a las cuevas o a las pensiones…o a cualquier rincón donde pueda seguir existiendo lo que solo nos da la catarsis real, la escena viva, el latido de los actores frente a nuestra mirada. Para estos tiempos es necesario la complicidad y la lucha codo a codo, algo que se han encargado durante mucho tiempo de hacer desaparecer de nuestra manera de relacionarnos en la sociedad de hoy: Es preferible un pueblo tonto que educado, un pueblo bruto que sensible; se le maneja mejor si no piensa ni siente. Hace un par de años, dos locos se embarcaron en una aventura teatral distinta: La casa de la portera, huyendo de las modas y los efectismos y tal vez, por esa manera de plantearse un teatro desde la necesidad y la coherencia, su empeño funcionó. Durante estos dos años hemos disfrutado en muchas ocasiones de lo que allí se presentó y estaba claro que, tarde o temprano, la aventura crecería. Ayer presentaron su nuevo sueño: La pensión de las pulgas y los que tuvimos ocasión de disfrutar de este evento pudimos ver cómo han trabajado duro por seguir fieles a una idea. Y funcionará muy bien de nuevo, porque hay muchos elementos en juego… una versión libre e inteligente de Macbeth de Shakespeare realizada por José Martret y que ha dirigido con buen pulso en un espacio cuidado hasta el máximo detalle por Alberto Puraenvidia que aquí, llega a cotas muy altas como dirección de arte, llenando de detalles los espacios por los que el espectador transita por un laberinto donde la belleza y contundencia están al servicio de la obra. Y qué decir de los actores, esos seres valientes que muestran sus contradicciones humanas a un palmo del público…Pues que se confirma esa máxima de que el teatro existe cuando un actor se pone frente al público, lo demás sobra. Cuando vivimos un momento en el que las opciones culturales son los parques temáticos, los sex-shops o los pasajes del terror donde solo empujan nuestra sensibilidad al precipicio de la ignorancia, hay que dar las gracias y apoyar iniciativas como La pensión de las pulgas y este MBIG al que auguro larga temporada en escena. Aviso a los cómicos: Si nos excluyen del espacio cultural al que tenemos derecho, escapemos a las montañas o las pensiones y hagamos teatro de guerrilla.
Adolfo Simón
Tomás Moro en el Centro de Arte Fernán Gómez
El Centro de Arte Fernán Gómez, presenta estos días la obra de Shakespeare y otro autores Tomás Moro, una utopía, bajo la dirección de Tamzin Townsed, un personaje como Moro bien conocido por su vida y su obra, ejemplo de quien de la nada llega a todo y por su coherencia cae en desgracia y es decapitado, nunca es fácil llevarlo a las tablas, Townsend nos presenta un estupendo texto adaptado magníficamente por Ignacio García May, con escenografía de Ricardo Sánchez Cuesta, aparentemente simple, que alcanza algunos momentos de brillante dramatismo, el vestuario de Gabriela Salaverri nos traslada a la época y los audiovisuales de Joan Rodón nos deja memoria de las películas de esa época y de los lugares por donde transitan los personajes, y el fuego, la escena del incendio es espléndida. Una propuesta que hace un mix anacrónico y resulta creíble. Ángel Ruiz, experto narrador, José Luis Patiño, nos llega a conmover, Manu Hernández que transita perfectamente por sus personajes y una fuerza de la naturaleza que brilla per se, Silvia de Pé, convincente, fuerte y valiente, con la rebeldía asomándose por todos sus poros, el resto del elenco estupendo, una función que merece ser vista por mucha gente, aunque no sea más que por llenarse los ojos de ese colorido y por descubrir que la coherencia siempre termina condenada, hace quinientos años y ahora, prueba de ello lo que estamos viviendo.
Ángel Savín.
Que Revienten los Artistas 
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