El traje de Juan Cavestany en Kubik Fabrik
El traje de Juan Cavestany en Kubik Fabrik
Los pulsos escénicos funcionan muy bien en teatro, en nuestra memoria están La huella, El veneno del teatro…piezas que permiten que dos actores se midan en escena y mantengan atrapado al público en un combate piscológico y dialético. El traje, es una pieza escrita y dirigida por Juan Cavestany que por momentos nos recuerda a Pinter en el Montaplatos o al Esperando a Godot de Beckett. Hay mucho absurdo y extrañamiento en esta situación anodina producida por la compra de un traje que desencadena en un final inesperado y sorprendente. Pero lo que hará que el público acuda allá donde se represente esta función, es el placer por disfrutar del combate cuerpo a cuerpo que realizan Javier Gutiérrez y Luis Bermejo, los dos actores están espléndidos, llenos de matices, con una entrega descarnada y generosa para dar piel y locura a esos dos pobres hombres metidos en un callejón sin salida del que no saben cómo salir. Teatro de actores, teatro al fin.
Adolfo Simón
El principito dirigido por Roberto Ciulli en La Abadía
El principito, a partir del libro de Saint-Exupéry, dirigido por Roberto Ciulli en La Abadía
Esta obra maestra de la literatura no tiene límite de edad para su lectura, aunque parece un cuento infantil, en el fondo, tiene múltiples lecturas, uno lo puede leer en diferentes momentos de sus vida y encontrar nuevas visiones en sus pasajes. En esta versión para adultos que se presenta en el Teatro de La Abadía, digirida por el prestigioso Roberto Ciulli, parte de un supuesto interesante…¿Qué pasaría si ese pequeño principe en vez de ser interpretado por un niño lo hiciese un actor con la edad apropiada para interpretar al Rey Lear?…Como decía antes, el cuento se abre por otras páginas y no deja de sorprender, contiene, entre líneas, poesía y filosofía para que podamos ver el mundo a través de los ojos de un niño o de un anciano. José Luis Gómez se enfrenta a uno de los trabajos más arriesgados y expuestos de su carrera, por la frágilidad y profundidad con las que ha de abordar esos pasajes fragmentados, a medio camino entre el clown y el teatro del absurdo. Inma Nieto le da la réplica oportuna en la escena, juntos nos llevan en su viaje imaginario, sentados en la silla trasera de la bicicleta.
Adolfo Simón
Manicomio del Circo de los Horrores en el escenario de la Puerta del Ángel
Manicomio del Circo de los Horrores en el escenario de la Puerta del Ángel
La locura es un tema recurrente en el arte, muchos artistas han utilizado su propia locura como discurso ético y estético. Suso Silva ha ideado una nueva propuesta para unir circo y terror. En Manicomio da un salto cuantitativo al crear un espacio dramático que reproduce un edificio psiquiatrico coronado por el lema «No están todos los que son ni son todos los que están». Cuando entramos a la carpa, incluso en las inmediaciones, la atmósfera del desequilibrio y la locura nos recibe…Nos atrapa. Las dos horas que dura el espectáculo estamos inquietos en la butaca porque no sabemos qué puede ocurrir en cada oscuro…Porque nos seducen los espléndidos números y acróbatas circenses. La música y la luz ayudan a convertir ese lugar tenebroso en el escenario de nuestras peores pesadillas, tal vez deberían acortar los números cómicos que sirven de enlace entra cada acrobacia, bajan la tensión de la propuesta. Por lo demás, un nuevo concepto de circo, el circo de la locura.
Adolfo Simón
Minimón de Nats Nus Dansa inaugura las 27 Semanas Internacionales de Teatro para niños y niñas
Minimón de Nats Nus Danza inaugura las 27 Semanas Internacionales de Teatro para niños y niñas
Un año más, Acción Educativa pone en marcha el Festival de Teatro para niños y niñas que más tiempo lleva realizándose en la Comunidad de Madrid. Durante más de un cuarto de siglo han estado conectando el buen teatro con la escuela. La 27 edición se ha inaugurado con una propuesta para pequeños a partir de un año, el lugar ha sido Cuarta Pared y la Compañía…Nats Nus Dansa con el espectáculo Minimón. No es habitual ver montajes de danza para niños y niñas tan pequeños, por suerte, la obra es cuestión tenía las características apropiadas para este público. La historia es muy sencilla…la niña protagonista pasa un rato en la habitación de sus juegos, ese lugar que puede estar lleno de aventuras, magia y de la visita del amigo imaginario…Con mucho colorido, unas proyecciones en clave de comic y el trabajo corporal de la intérprete, los niños disfrutaron de una tarde deliciosa.
Adolfo Simón
Por los ojos de Raquel Meller en la Sala TribuÑ
En TribuÑ y de la mano de Hugo Pérez, es posible volver al mundo del cuple, al mundo donde las «artistas» desgranaban sus artes y «alternaban» con el público que llenaba teatros y cafés ansiosos de ver algo de piel y de allí salían las grandes cupletistas y cancionistas, que nos han dado canciones eternas que hoy tarareamos y espero que no se olviden nunca. «Por los ojos de Raquel Meller» es un homenaje a la grandísima Raquel que conquistó el mundo con sus canciones interpretadas como nadie hasta entonces, la propia Sara Bernard se rinde ante la emoción que emana la Meller. El espetcáculo creado por Hugo Pérez, en un espacio muy peculiar, como es TribuÑ, cambia constantemente y nos lleva a unos colores que reflejan cuadros vivos, actrices que se desenvuelven al compas de una música de piano, en directo, que es el alma y el ritmo del propio espectáculo, Mikhail Studyonov, nos lleva de la mano en unas melodias que se meten en el corazón. El elenco formado por seis mujeres, que brillan con destellos de mucha pasión y se nota, y un sólo hombre, Iván Oriola, que se transforma en casi todo. Destacar a Chelo Vivares y a Rocío Osuna a las que siempre es un placer comtemplar, la belleza de Badia Albayati que vuela por todo el espacio y el talento y la voz de Nené Pérez Muñoz que nos envuelve en los btazos de la mismisima Raque Meller. No os lo perdais, los viajes en el tiempo son posibles y en TribuÑ entrareís en un mundo de ensoñación, preciosas canciones, hermosas mujeres y dos horas repletas de una hermosa melancolía.
Ángel Savín
«Nexo», «Y», «Jaleos» de Víctor Ullate en Los Teatros del Canal
Ullate ha estrenado estas tres obras que conforman un juego de palabras y que aunan en un solo título tres espectáculos bien diferentes.
Nexo
«Nexo» es una creación contemporánea que en sí es fresca y cuyo vestuario (Anna Güell) nos impacta y nos hace pensar que vamos a ver una verdadera obra de arte en la línea de Bejart. Tiene unos matices y creaciones grupales de figuras que nos impactan pero el nivel de los bailarines o la exigencia de la coreografía hace imposible una unión de la que resulte algo bonito. Algo falla y creo que es lo último: o los bailarines no llegan o la coreografía se ha excedido en minuciosidad pretendiendo ser algo sublime. Recordemos aquí esa frase del «menos es más» para pedir un poco más de serenidad en la coreografía de manera que un bailarín pueda asumirla y sentirse a gusto dentro de ella.
«Y»
«Y», interpretada por un duo de bailarines masculinos, va haciendo crecer el espectáculo basándose en los Lieder de Canciones de un compañero errante y apreciamos un mejor apunte en la coreografía y una mayor corresponsabilidad en los bailarines de manera que Ullate llega al nivel de los ballets del S. XX y por lo menos nos deja el consuelo de que este estreno ha merecido la pena.
«Jaleos»
Para finalizar, Ullate recupera, después de dieciséis años, «Jaleos», una creación que podríamos ver perfectamente en el Ballet Nacional de España y que es original y contemporánea. Responde a esa frase de «Si puedes bromear sobre algo muy importante es que has alcanzado la libertad» con esa voz en off marcando el ritmo flamenco tal y como lo piensan los bailarines cuando lo ensayan que nos hace esbozar una sonrisa interior pero que está sumida en un remolino de contemporaneidad que va y viene.
Ullate sigue aportando a la danza bailarines, coreografías y raíces y esperamos que sea así por mucho tiempo.
Luis M. García
Suite 1 de Proyecto Titoyaya dentro de Territorio Danza
Suite 1 de Proyecto Titoyaya dentro de Territorio Danza
Con este espectáculo llega su fin la programación de este año del ciclo desarrollado en Cuarta Pared. Durante el mismo nos han deleitado con trabajos de muy distintos formatos y ha sido un acierto aprovechar la programación para incluir propuestas seleccionadas para el X Circuíto de la Red de Teatros Alternativos. Suite 1 nos llega desde la Comunidad Valenciana, dejando constancia que se sigue creando en lugares donde la cultura está literalemte abandonada. En esta Suite 1 hay dos partes, como dos miradas sobre una misma idea, la descomposición y el caos. En la primera secuencia, hay más definición y ajuste en el lenguaje y exposición de los cuerpos, en la segunda, todo adquiere un tono casual que desdibuja el trazado marcado al principio. Hay que dejar constancia del equipo joven que se enfrenta a la escena con decisión y entrega.
Adolfo Simón
¡Ay, Amor! a partir de El amor brujo y La vida breve de Manuel de Falla en el Teatro de la Zarzuela
¡Ay, Amor! a partir de El amor brujo y La vida breve de Manuel de Falla
La música de Manuel de Falla ya es inmortal, en este peculiar espectáculo se han conectado dos piezas del insigne autor: El amor brujo de Gregorio Martínez Sierra y La vida breve de Carlos Fernández Shaw. Pueden ir juntas aunque no tengan nada que ver la una con la otra. El problema no está al unirlas en la dramaturgia sino el espacio en el que se instalan. Constantemente hay un intento por actualizar las obras que ya debieran ser clásicos; no por eso intocables, pero si es necesario que se estudie más a fondo cómo traerlas a la actualidad sobre un escenario. En una plataforma circular inclinada transcurre la acción, el cante se instala inmóvil en el centro y alrededor se baila y se transita…Poco luce el baile y el movimiento de los actores, más bien parece que huyen del lugar lo antes posible…El espacio escénico es hermoso pero no funciona para este material dramático. El cante y el baile sobrevive a la propuesta escénica, tan solo la música en su foso protector, suena como el autor la creó.
Adolfo Simón
IVÁN-OFF EN LA CASA DE LA PORTERA DIRIGIDA POR JOSÉ MARTRET
Todo lo que se escriba sobre la obra principal y que ha dado nombre y fama a la Casa de la Portera será redundar y volver a repetir lo que muchos críticos afamados han escrito. Pero hay que reconocerlo: la puesta en escena de Ivánov es innovadora y contemporánea. La idea es perfecta: meternos en el propio despacho de Iván, que representa también su interior, su constante agobio en el vivir y sus obsesiones y esto sólo puede pasar cuando te adentras en su casa, estás a su lado, lo oyes respirar y piensas que lo estás viviendo como si fuera un hecho real, cosa que no se produce en la butaca de un teatro normalmente. Y nos meten dentro de un espacio escénico singular, diseñado por Alberto Puraenvidia y que nos trasporta a ese ambiente de finales del XIX y sin embargo utiliza elementos decorativos contemporáneos.
Asimismo hay que destacar la capacidad de trabajo de todo el equipo que se esfuerza en «recubrir» la actuación de Raúl Tejón y darle un aspecto completamente espléndido.
Martret ha conseguido dejarnos muy claro cuál son las pretensiones de Iván, sus sentimientos y su ciclo vital hacia el desenlace de la obra, clarificando el texto, dándo énfasis a lo que se lo merece y destripando la obra, de manera que te mantiene en vilo durante casi dos horas.
La Casa de la Portera se ha hecho un hueco ya en esa lista que circula por ahí de «100 cosas que no puedes dejar de hacer cuando vengas a Madrid».
Luis Mª García.
Orquesta de Señoritas de Juan Carlos Pérez de la Fuente en el Teatro Amaya.
Una versión patria de la obra de Jean Anouilh, que escribió en 1957 y se estrenó en 1962, nos sorprende en el teatro Amaya. La obra se basa en el juego de la apariencia y la realidad en la vida de seis mujeres artistas que, sin embargo, se sienten frustradas.
Pérez de la Fuente quiere evocar en su versión la posguerra española a través del «género frívolo»: las varietés y la verdad es que no nos deja indiferentes. La música recordando a las grandes cupletistas del siglo XX y la escenografía y vestuario forman un conjunto redondo al que Juan Ribó y Víctor Ullate Roche saben sacar muy buen partido a temas como «La Vaselina» o «La Regadera». En un ambiente sorprendente por el «reciclado» –construido con envases reciclables- y distendido y aprovechando la inspiración del vestuario de Juan Retana, «el figurinista de las estrellas» nos sumergimos en el Madrid de los mil placeres en el que el cabaret era el sinónimo de perdición y vicio y en el que se enmascaraban las alegrías y las tristezas.
Hay que destacar también el maquillaje que nos puede recordar a ciertas películas de Bob Fosse y que imprime una especie de patetismo que ayuda al hilo conductor de la obra que se debate entre el llanto y la pluma, mucha pluma.
Luis Mª García.
Noche de solos en Territorio Danza-Cuarta Pared
Noche de solos en Territorio Danza-Cuarta Pared
Ya es una cita obligada la noche de solos en el programa del Festival Territorio Danza que organiza Cuarta Pared. En esta ocasión, tres intérpretes de la Compañía Provisional Danza que hace unos días veíamos en este mismo escenario, se quedan a solas para mostrar un breve paisaje personal. Tres espacios íntimos instalados bajo las luces definidas en un espacio practicamente vacio, nos permiten entrar en contacto con el pensamiento, el desconcierto y el horror de los tres cuerpos que invaden la escena y que pertenecen a José Luis Sendarrubias, Javir Sangrós y Ricardo Santana.
Simón Ribes
Algún día de Provisional Danza en Cuarta Pared
Algún día de Provisional Danza en Cuarta Pared
El programa de la edición de este año de Territorio Danza, en Cuarta Pared, está entrando en la recta final y ahí, como antesala del espectáculo que estrenarán para celebrar el veinticinco aniversario de Provisional Danza, Carmen Werner ha presentado…Algún día. A estas alturas, hablar de Carmen y Provisional equivale a mirar el viaje posible de la danza contemporánea en la Comunidad de Madrid. Año tras año ha seguido creando y peleando por mantenerse firme a su estilo personsal cuando otros han tirado la toalla o han cambiado en función de las modas de cada momento. Uno sabe qué va a ver cuando acude a la presentación de un nuevo trabajo de esta Compañía y sinembargo, es imposible no ir, porque siempre hay algo nuevo que sorprende. Su lenguaje y codificación coreográfica es reconocible, aunque no pusiese nada en el programa de mano, uno sabría que es de esta creadora infatigable. A veces hay más humor, otras más transparencia en las imágenes…En Algún día, hay una tensión dramática que tal vez es fruto de estos tiempos que vivímos…Y también hay pellizcos de humor…y disparate…y abstracción emocional, es un trabajo Werner 100 %.
Adolfo Simón
¿Qué entiendes tú por amor?…en la Sala DT de Madrid
¿Qué entiendes tú por amor?…en la Sala DT de Madrid
Los adolescentes no tienen sitio en la cartelera teatral, los jovenes no tienen la posibilidad de tener una educación emocional como debieran…Y así va el mundo. Las palabras pueden dar vuelo a una vida o estamparla en el primer muro a la vuelta de la esquina. ¿Qué entiendes tú por amor? es una nueva y arriesgada propuesta en la Sala DT, en este caso es el resultado del encuentro artístico entre méxicanos y españoles, gracias al apoyo de Iberescena. Va dirigido a niños adultos, adolescentes y adultos infames…quiero pensar que a los primeros para que tengan una nueva oportunidad en lo emocional, a los adolescentes para que sus primeras caricias no sean arañazos y a los últimos para que sientan vergüenza por los delitos cometidos. Hay una austeridad en esta propuesta que obliga a fijarse en los detalles fundamentales, esos que se concretan en una palabra, en una imagen, en un gesto…Un trabajo honesto y directo al corazón, de los más comprometidos que he visto en este espacio teatral. En unos tiempos en los que no se hace cargo de la ciudadanía quien debiera hacerlo, los cómicos están ahí, para hablar de cara a la sociedad. Este trabajo debería formar parte obligatoria de las actividades extra escolares de todos los institutos de este país.
Adolfo Simón
Doble programa de danza en el Festival CITEMOR del Teatro Pradillo
Doble programa de danza en el Festival CITEMOR del Teatro Pradillo
Dentro del sugerente programa del Festival CITEMOR en Madrid, a través del cual estamos pudiendo disfrutar de diferentes manifestaciones artísticas de nuestra vecina Portugal. Este fin de semana he asistido a dos piezas de danza. La primera es la mítica propuesta de Francisco Camacho sobre Nuestra señora de las flores de Jean Genet y la segunda, una coreografía de gran teatralidad creada por Rafael Alvarez con el título de sweetSKIN. Ambas piezas habrían sido del gusto de Genet, la primera por la sensorialidad y ambiguedad del personaje atrapado en la piel masculina de la que se libera en la íntimidad mediante un ritual de despojamiento, a través del cual, se funde en la naturaleza poética de un racimo de uvas y un vestido trufado de flores. Francisco Camacho transita con fuerza del movimiento duro masculino al frágil y suave de la feminidad. Rafael Alvarez, en cambio, hace un viaje vertiginoso para dejar al descubierto el imaginario de un skin, su dureza de aspecto deja entrever su verdadero deseo amordazado, mostrándonos un personaje de constrastes brutales, una exhibixión poética y mostruosa de los seres que genera una sociedad enferma como la nuestra.
Adolfo Simón
El show de Kafka con Luisa Martín en el Teatro Amaya
El show de Kafka con Luisa Martín en el Teatro Amaya
Versión libre de Ignacio García May sobre Informe para una academia de Franz Kafka
Dirección de Juan Carlos Pérez de la Fuente
Informe para una academia es un bombón tentador para cualquier actor porque permite un buen ejercicio interpretativo, todos los grandes actores han sucumbido a él, pero nunca, que yo sepa, se había interpretado por una actriz, en esta ocasión, además, por una gran actriz de larga trayectoria. La última vez que vimos en nuestros escenarios a Luisa Martín fue como la madre de los Conway, en el anterior montaje de Pérez de la Fuente, allí daba vida a una señora de alta alcurnia con una familia bastante conflictiva…Aquí, en El show de Kafka, da un giro radical como solo las grandes lo realizan y se mete, arriesgando al máximo, en la piel de este simio que ha de dar cuenta de su «civilización» mientras se le cuela por momentos, inevitablemente, el animal que lleva dentro. La propuesta es muy sencilla, este ser «evolucionado» ha sido galardonado y tras recibir el premio por su evolución, es entrevistada sobre su vida actual. Hay un guiño a como se entiende la grandeza hoy en día, ese minuto de gloria miserable conseguido en los medios de comunicación rosa, a sucumbir a la imitación del que consigue todo con el mínimo esfuerzo. Luisa Martín realiza un exquisito trabajo en el que pone su cuerpo al servicio de una mostruosidad de diseño, con un físico marcado por heridas y golpes. Es un placer seguir disfrutando de las actrices funambulistas de nuestra escena, siempre dispuestas a dar el salto más difícil.
Adolfo Simón
Lalolabaila de la Cia. La Mandarina en Cuarta Pared
Lalolabaila de la Cia. La Mandarina en Cuarta Pared
Lo mejor de este espectáculo para público familiar es la sencillez, una virtud que no encontramos habitualmente en nuestros escenarios. Una pequeña animación del personaje de Lola nos va guiando por sus pequeñas aventuras en la ciudad…y esta es la excusa para que las dos bailarinas que hay en escena, hagan participar a un grupo de pequeños en sus bailes-juego. Es un placer ver como las propuestas para los niños-as cada vez son más elaboradas, porque al hablar de sencillez no nos referimos a ausencia de trabajo, al revés, las propuestas más sútiles suelen ser el resultado de un intenso y meditado proceso.
Adolfo Simón
Anomia, texto y dirección de Eugenio Amaya en el CDN
Anomia, texto y dirección de Eugenio Amaya en el CDN
Anomia se podría subtitular como Clase magistral para convertirse en un político corrupto y conseguir ser inmune ante la justicia…En el programa de mano, el autor y director Eugenio Amaya nos describe el momento en que tuvo la necesidad de escribir sobre lo que estaba pasando «afuera», en nuestra sociedad…Lo que está ocurriendo ahora ya lo sabemos todos desgraciadamente, los medios de comunicación nos dan cuenta de ello…lo preocupante de esta situación es por qué la ciudadanía no reacciona ante tanto abuso y tal vez el estímulo, para que esto ocurra, debería llegar desde el teatro. Es verdad que no todo el teatro ha de ser combativo pero cuando se trata de un problema político, con la que está cayendo, quedarse en la mera exposición de una situación en la que un grupo de tiburones pelea por la tajada corrupta para terminar repartiéndose el pastel, pues no es precisamente lo más interesante que se puede contar hoy desde un escenario. La situación es creíble, el espacio recrea correctamente donde se lleva a cabo ese pulso por el poder corrupto y los actores defienden con mesura los personajes, ahora bien… ¿Este es el material idóneo, poéticamente hablando, para denunciar algo tan serio desde un Teatro Nacional?…¿A quién va dirigido este espectáculo…?¿Al público medio o a los aprendices de pícaro?…¿O tal vez a los posibles protagonistas que acudan a verlo para deleite de sus hazañas?. Salí del teatro pensando que me habían dado un discurso en callejón sin salida.
Adolfo Simón
La vida es sueño de Calderón de la Barca en la Compañía Nacional de Teatro Clásico
La vida es sueño de Calderón de la Barca en la Compañía Nacional de Teatro Clásico
Versión de Juan Mayorga – Dirección de escena de Helena Pimenta.
La vida es sueño es probablemente la obra cumbre de nuestro teatro clásico, es un texto que consigue elevar filosóficamente a todos los que entran en sus entrañas literarias. Juan Mayorga ha hecho una versión sútil con la que acerca el texto a nuestra época, algo que se agradece porque se mantiene la obra original evitando que suene museística para el público de hoy. Pocas veces hay la oportunidad de ver tanto talento reunido en una producción…el vestuario, la luz y el espacio escénico se fusionan para conseguir una propuesta plástica fantástica, por momentos, asistimos a imágenes surgidas del Museo del Prado. Pero para que un texto o un cuadro cobre vida, han de entrar en juego los actores, los magos de la escena, sin ellos las ideas se quedan planas, han de poner en juego su imaginario y su sangre para que todo adquiera sentido y aquí, todos, desde Blanca Portillo hasta la figuración, están en estado de gracia. El teatro es un oficio de artesanos, si cada pieza o plano no suma, el resultado es desastroso, sin embargo, en esta nueva mirada escénica sobre La vida es sueño, todas las piezas de un complejo mecanismo de relojería encajan y el nivel de coherencia que hay en todo el espectáculo tiene una responsable, Helena Pimenta, que aquí, consigue uno de sus trabajos más impresionantes y bellos.
ADOLFO SIMÓN
Los conserjes de San Felipe de José Luis Alonso de Santos en el CDN-La vía del actor
Los conserjes de San Felipe de José Luis Alonso de Santos en el CDN-La vía del actor
Cuando se presentó la programación de la nueva etapa del Centro Dramático Nacional y se habló de un nuevo espacio, llamado La vía del actor, en el que se realizarían proyectos de investigación a partir de procesos en los que los actores serían el eje central, a todos nos pareció una posibilidad de crear resultados más acorde con el proceso y no tanto con la exigencia de lo que se vería el día del estreno; algo que ya hacía tiempo debía haber sido asumido por un Centro Dramático Nacional. La primera experiencia surgida de este marco ha sido Los conserjes de San Felipe de José Luis Alonso de Santos, dirigida por Hernán Gené. Para esta primera prueba se convocó a un gran número de profesionales con los que se trabajó durante unas sesiones, de ahí fueron seleccionados doce jóvenes con los que se llevaría a cabo el primer laboratorio de La vía del actor. Durante tres meses han trabajado para compartir con el público el primer resultado final. En el punto de partida llamó la atención que para un laboratorio teatral se plantease un texto realista e histórico de algún modo, es verdad que no solo un teatro vanguardista puede ser materia de búsqueda pero tal vez, para la primera prueba tendrían que haber elegido una obra más abierta y sobre todo, llamó la atención que se eligiese un elenco muy jóven para interpretar a los personajes mayores de esta obra. Así, el proceso debe haber sido costoso y el resultado no es la exposición del texto original ni un salto al vacío sobre el mismo, se queda en un territorio extraño en el que vemos a jóvenes haciendo de viejos que cuentan una historia de antaño. Eso si, si este espacio de trabajo tiene como objetivo que los actores sean los que den sentido al proceso y a lo mostrado, ha sido un acierto, porque hay doce jóvenes que no descansan ni un segundo durante la larga hora y pico que dura el espectáculo, un grupo de actores implicados al mil por cien en este proyecto.
Adolfo Simón
Noche de Reyes de William Shakespeare en el Teatro de la Abadía
Noche de Reyes de William Shakespeare dirigida por Eduardo Vasco en el Teatro de la Abadía
A menudo se nos olvida a los espectadores y a los que hacemos teatro que el escenario ha de ser un lugar de juego y placer…A menudo se nos olvida que si no se hace teatro con pasión y entrega, no vale la pena subirse a la escena. William Shakespeare escribió unas tragedias inmortales pero también escribió unas comedias deliciosas y a través de todas sus obras nos hace reflexionar sobre la condición del ser humano…Con lágrimas o risas consigue que entendamos un poco mejor el absurdo de nuestro tránsito por el mundo. En Noche de Reyes, hay mucho enredo y juego de identidades: La esencia del teatro…Esto se puede hacer desde un planteamiento denso o se puede hacer desde el divertimento y no por ello dejar de profundizar en lo que el autor nos plantea. Eduardo Vasco vuelve a ponerse al frente de su Compañía Noviembre Teatro tras la época en que dirigió la Compañía Nacional de Teatro Clásico y lo hace acompañado de un grupo de cómplices…Yolanda Pallín, Miguel Ángel Camacho, Lorenzo Caprile y un grupo de actores de larga trayectoria escénica. Todos juntos han asumido la misma consigna…Vamos a disfrutar al máximo…y se nota, hay una complicidad en escena, una escucha y un respeto profundo por la comedia shakespeariana que la convierte en una delicia para todos los que asistimos a la misma desde el patio de butacas, haciéndonos disfrutar del maravilloso juego del teatro.
Adolfo Simón
Boris Godunov de Modest Musorgski en el Teatro Real de Madrid
Boris Godunov de Modest Musorgski en el Teatro Real de Madrid
Cuando vemos un documental sobre el desastre nuclear de Chernobyl y nos asomamos a esos edificios abandonados, donde la vida se interrumpió, es inevitable pensar que por allí pasó la mano del hombre y arrasó con todo. La historia de la humanidad es un bucle constante, parece que todo tiene que llegar a un punto para volver a empezar. El problema es que el ser humano no ha aprendido la lección y de nada le sirve la memoria, el horror vuelve a instalarse de nuevo tras los abusos del poder y aunque el pueblo retome las riendas terminará dándoselas de nuevo al tirano de turno. Boris Gudonov es la historia de un personaje del pasado pero también podría ser la de muchos que gobiernan hoy y el planteamiento de la puesta en escena deja muy claro esto, todo en la vida son ciclos y casi siempre nos terminamos encontrando con los mismos perros con distintos collares. Cuando sube el telón, ante nosotros se levanta un monumental edificio en ruinas, podría ser un ministerio, un edificio de viviendas o un hospital…lo que importa es que allí se aloja el pueblo que vive en la más absoluta miseria…Ese lugar se verá camuflado para ser trono de coronación, espacio de reflexión o salón donde urdir traiciones, pero debajo de los adornos o el oropel, el lugar sigue siendo el mismo…un mundo en ruinas sobre el que se construye y ya se sabe que si se edifica sobre muertos, estos se instalan en nuestras pesadillas. Al final de las cuatro horas de magnífico espectáculo, uno sale del teatro pensando y con el corazón encogido por la emoción…La grandiosidad de este montaje no tapa el discurso que contiene y es de agradecer. Al trabajo artístico de los distintos colaboradores del director de escena Johan Simons, hay que sumar la batuta sensible y firme del director musical Hartmut Haenchen y por supuesto, un elenco de actores-cantantes encabezados por Günther Groissbôck en el rol de Godunov que se entregan a esta propuesta con pasión y excelencia técnica; el coro de adultos y niños está también soberbio.
Adolfo Simón
«La mirada de Aleister Crowley» Pablo Raijenstein y Adolfo Simón. Teatro Arenal.
Madrid está lleno de propuestas escénicas y aún así siempre hay alguien que da una vuelta más a la tuerca y consigue sorprendernos. En este caso, la idea inicial de Pablo Raijenstein de dar a conocer a uno de los ocultistas más importantes de la historia del mentalismo: Sir Aleister Crowley, barón inglés, poeta notable, espía eminente y gran pontífice de la magia negra que dejó en la historia del ocultismo un hueco que nadie hasta ahora ha podido llenar.
Raijenstein, que ya ha trabajado en otros espectáculos de este carácter como «Matrimonio Chariot», se ha centrado ahora en crear algo más redondo y acabado, mostrándonos un resultado más compacto y espectacular para lo que ha convocado al director de escena Adolfo Simón.
Gracias a la colaboración de ambos, nos sumergimos en una sesión a través de la cuál, poder conocer más a fondo la figura de Crowley, gracias a ciertos «fenómenos paranormales» que irá provocando el maestro de ceremonias mediante pequeños rituales e historias en las que participa el público como vehículo para conectar con el alma del místico.
La dramaturgia Pablo Raijenstein y Adolfo Simón genera una estructura escénica para que este último arme una puesta en escena impactante, consiguiendo crear tensión sobre las percepciones del espectador, para que se enganche desde un principio y se mantenga en vilo durante toda la representación a través de
elementos visuales y psicológicos. Se crea un ambiente de tensión escénica mediante elementos decorativos que nos sugestionan para creer que nos hemos cruzado de repente con un alma en tránsito y que nos va a ayudar a desvelar ciertos secretos y a entrar en la mente de los demás y saber crear esa tensión a partir de la idea de que «El Todo es Mente» y que los pensamientos se pueden transmitir de una mente a otra ha sido todo un acierto para este espectáculo.
En definitiva, Raijenstein y Simón han creado un espectáculo para curiosos, para aficionados y para todos aquellos que disfruten con la búsqueda del más allá, de la parapsicología y crean que en el Universo hay una sola Mente y TODO está comprendido dentro de esa mente…
Luis Mª García.
Naturaleza muerta en una cuneta de Fausto Paravidino en el CDN-Teatro Valle Inclán
Naturaleza muerta en una cuneta de Fausto Paravidino en el CDN-Teatro Valle Inclán
Este montaje dirigido con buen pulso por Adolfo Fernández tiene varias virtudes, la primera es un texto que aunque pudiera parecerse a un capítulo de esas series que invaden la televisión en las que se descubre a mil asesinos, no tiene nada que ver, aquí hay teatro en cada momento de la obra, sobre todo, porque además de hacernos viajar por una investigación sorprendente, nos permite también conocer lo que piensa y siente cada personaje. Otra de las elecciones oportunas es el espacio escénico, tiene la textura y medidas precisas y consigue hacernos creer, al abrirse un panel, que hemos entrado en otro lugar. Pero por encima de todo, lo que hay es un equipo de actores arremangados en este proyecto, todos, menos el inspector, realizan varios personajes y con un pequeño cambio de aspecto, nos hacen creíble que encarnan a otro…da igual que reconozcamos levemente al actor que hay detrás, el teatro tiene esa magia, si en la escena hay verdad, nos creemos todas las mentiras.
Adolfo Simón
Tres silencios de Germán Jauregui en Territorio Danza-Cuarta Pared
Tres silencios de Germán Jauregui en Territorio Danza-Cuarta Pared
Hay propuestas de baile que surgen a partir de varias imágenes a desarrollar durante los ensayos, en Tres silencios, hay media docena de ellas, potentes… El abrazo construído, los cuerpos apuntalados con sillas, la silla raspada bajo la luz…y sobre todo la imágen final que se acerca a la instalación plástica… La tentación de estirar las imágenes y de enlazarlas con transiciones vacuas da como resultado un espectáculo que no engancha y que se dilata excesivamente en el tiempo. Los jóvenes intérpretes tratan de mantener la energía y el tempo necesario, pero la sensación en el patio de butacas es de cuando se consigue la atención del público, se le distrae un momento después.
Ignacio Ribes
Que Revienten los Artistas 
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