«Dear Darwin», teatro en inglés contra el acoso escolar, ciberbullying y las bandas en Los Teatros del Canal
Un espectáculo familiar con una escenografía sencilla en la que se mezclan el rap, free running, danza, baloncesto y música en vivo abierto a todos los públicos el 24 y 31 de enero en Los Teatros del Canal
Los Teatros del Canal de la Comunidad de Madrid presentan ‘Dear Darwin’, un espectáculo de Parlon Film y Cup of Theatre. Esta obra de teatro dinámica, innovadora e interpretada en inglés, muestra las dificultades que un adolescente pasa en la Secundaria. Interpretada por doce actores nativos, cuenta con un fin educativo, no solo por estar enteramente en lengua inglesa, sino también por acercarse a cuestiones tan de actualidad como el acoso escolar, el ciberacoso, el primer desamor y el peligro de las malas amistades. Todo ello expuesto de manera ilustrativa y positiva para que el mensaje de no al acoso escolar a través del respeto sea posible.
Baloncesto en escena, rap y guitarra en vivo, free-running y danza contemporánea aportan frescura y ritmo a esta divertida obra que también tiene como fin entretener y buscar el vínculo con el espectador. Para ello constantemente se intercalan segmentos del trabajo de artistas multimedia con animación 2D, stop-motion y cómic.
Kieran es una adolescente de 16 años que, orgulloso tras haber ganado un concurso de tecnología con su aplicación para regar plantas, anuncia su premio en una red social. Para su sorpresa, en lugar de recibir alabanzas, comienza a ser víctima de burlas y risas. Su novia, Ellie, no aguanta el rechazo social y decide separarse de él. Su distanciamiento junto con la tensión familiar le llevan a acercarse a Jason, el líder de una banda del barrio, que comienza a pedirle «favores» para probar su fidelidad e introducirle en la pandilla.
La directora, Rebeca Cobos, ya ha colaborado anteriormente con la productora británica Parlon Film Company, adaptando y dirigiendo el musical infantil ‘Canterbury Tales’, de G. Chaucer, espectáculo que ya pasó por la Sala Verde de los Teatros del Canal. Rick Limentani, encargado de la dramaturgia de ‘Dear Darwin’ junto a Cobos, llegó por primera vez a España con ‘Freedom’ en 2013 tras una exitosa gira por Reino Unido y una temporada en el teatro Arcola de Londres. Este espectáculo también forma parte de la campaña escolar de los Teatros del Canal, con funciones para los colegios del 20 al 23 y del 27 al 30 de enero.
Carmina Burana de La Fura del Baus en los Teatros del Canal
La Fura del Baus parece haber encontrado en la ópera el mejor espacio para experimentar sus estéticas futuristas y espectaculares. En esta ocasión, la obra elegida es Carmina Burana y hacen de ella un surrealista viaje para los intérpretes y el público. Sobre el escenario, un cilindro de diez metros de diámetro envuelve literalmente la orquesta, mientras los cantantes surgen del mismo performáticamente y las imágenes proyectadas sobre este cilindro-pantalla, ilustran la obra de principio a fin… Una luna gigante, el deshielo, cascadas de agua, éxtasis floral, una vendimia en directo, vino, agua y fuego: Los elementos en estado puro…Un derroche sensorial para los sentidos.
Carlus Padrissa, director artístico de La Fura dels Baus, ha concebido un Carmina Burana trepidante, donde el espectador, a través de impactantes escenas, efectos especiales e incluso fragancias primaverales, se sumerge en la contundente y visceral música de Carl Orff, interpretada en directo por la Orquesta y Coro de la Comunidad de Madrid y el Joven Coro de la Comunidad de Madrid.
http://www.teatroscanal.com/espectaculo/carmina-burana-fura-dels-baus/#sthash.hJ2PZppO.dpuf
Adolfo Simón
Gala solidaria del Ballet Nacional de España
Martes 16 a las 20 horas en los Teatros del Canal
A favor de FEAPS
Nora x 2 en los Teatros del Canal
Hay pocas oportunidades de asistir, en el mismo día, a dos propuestas sobre un mismo texto. En estos días, en Madrid, gracias a la programación de los Teatros del Canal, hay dos lecturas escénicas sobre Casa de muñecas de Henrik Ibsen. Por un lado, se programa una producción que viene desde Valencia, dirigida por Ximo Flores que ha apostado por seguir a pies juntillas el texto de Ibsen, salvo la traslación temporal de la acción que se sitúa en la actualidad, en un mundo burgués, el resto es fiel al autor. Hay unas frases celebres que van salpicando las proyecciones durante la función y que dan acento dramático al desarrollo del montaje. En la función de noche, adaptando su trabajo a la escenografía de la producción valenciana, hay otro planteamiento muy diferente del texto, de entrada, es una relectura de la autora argentina Griselda Gambaro que sitúa a los personajes de la obra enfrentándose a Ibsen, tratando de reescribir la pieza haciendo un pulso al autor. Pero no solo este aspecto es sugerente si no que, además, hay un tratamiento, aparentemente clásico de la escenificación que se rompe sucesivamente cuando aparecen los deseos y frustraciones de los personajes, ahí, su corporalidad, adquiere comportamientos que rompen el realismo de la situación. Este planteamiento, cercano a la danza contemporánea, le da al montaje unos niveles de discurso y profundidad, muy interesantes, mostrando una Nora que no necesita dar portazo al final porque ya se lo ha dado al autor en su misma cara.
Adolfo Simón
Javier Martín: La labor del poeta es destruir el lenguaje.
¿Cómo surge el proyecto que presentas en Madrid en Danza 2014?…
Intervengo la propia infraestructura del festival desde la perspectiva de la creación de un contexto que sostenga las nuevas derivas de investigación que desde las artes del movimiento se están destilando, para ello desarrollo la presentación de un trabajo en proceso llamado ‘control’ y que estrenaremos en febrero en el nuevo Museo Universidad de Navarra. Una coproducción en la que participan además la empresa Artibus, el Teatro Rosalía de Castro de A Coruña -donde disfruto de una residencia anual que sostiene la creación de un grupo de investigación transversal- y que el festival Madrid en Danza colabora situándolo en el foco. ‘control’ se bailará por primera vez en el Teatro del Arte acompañado de un taller del espectador para poner en crisis su desarrollo, además imparto el taller ‘el cuerpo fantasma’ días antes en los Teatros del Canal en que accionaremos en los cuerpos de los participantes los contenidos de la obra, sirviéndome de feedback último para la consecución de las texturas del trabajo; y en Conde Duque, días después, desarrollaré la conferencia ‘cómo construir un cuerpo sin órganos’.
Háblanos de él…
La pieza encuentra sus fugas en la idea de creador, en el concepto de muerte y transformación, y en el caos sensible e inmanente del movimiento, de cómo este encarna realidades, identidades a su pesar. Me interesa descubrir y ofrecer estrategias de desaparición, de desubjetivación; que encarnen la entrega, templando las paradojas y que no dejen cargas o apegos en el entorno. Se articula como un solo de danza versado en los rigores de la improvisación a nivel de movimiento.
¿Qué balance haces de tu trayectoria?… Soy coreógrafo. Desarrollo un proyecto de investigación de corte epistemólogico en torno a las artes del movimiento que encuentra sus fugas en la creación de discurso y aplicaciones del mismo, la escrita, el desarrollo de seminarios transdisciplinares de corte práctico, conferencias-performativas, procesos de obra acompañados de talleres del espectador, la activación y desarrollo de grupos de investigación, y la creación de espectáculos. Trabajo con el iluminador Octavio Más que aporta su sensibilidad y saber hacer al proyecto.
¿En qué proyectos has participado en el último año?… ‘control(2014)’, ‘el estado crudo (2010)’, ‘el ansia(2012)’, el antiedipo..(2013)’, etc, son las piezas de mi creación que bailo este año en distintos teatros y otros espacios. Además desarrollo grupos de investigación e imparto conferencias en lugares como el CGAC- Centro Galego de arte Contemporáneo, el MEH-Museo de la Evolución de Burgos, y otros igual de estimables…; escribo mi primer ensayo sobre danza; etc.
¿Qué te parece la programación de Madrid en Danza 2014?… Me parece que es un ejercicio de buscar las tensiones entre los diferentes paradigmas de la danza y sus creadores, y ver qué información desborda de ahí, de tal encuentro.
¿Cómo ves el panorama de la danza en nuestro país hoy?… Si atendemos a las propuestas jóvenes, enormemente prometedor. Otros cuerpos, otras formas, la verdadera creación contemporánea está en la danza en estos momentos y, dando un salto de orden cualitativo, la verdadera tecnología y su singularidad también lo está.
¿Están surgiendo bailarines mejor preparados en estos momentos?…¿Qué ha cambiado desde tus principios en la formación?… No estoy interesado en la formación académica, yo empecé en esto a través de mis estudios en química y filosofía. Estoy totalmente a favor de que cada cual tome las riendas de su propia educación y no me interesa ser referencial. La labor del poeta es destruir el lenguaje.
¿Qué proyectos tienes en preparación?… ‘control’ y ‘oximórica’, la creación de una red de grupos de investigación, nuevos seminarios, y llevar mis conferencias a lugares cada vez más potentes. Estoy muy interesado en situar el rol del bailarín en el lugar que le corresponde a nivel social y político, cómo a través de las herramientas que desde las artes del movimiento se están destilando se pueden crear contextos subjetivos para el desarrollo de las artes y de las ciencias, trayendo luz y optimizando tantos otros saberes. La literatura ha enriquecido nuestro verbo, el cine o el video-arte nuestra capacidad de visualización… pues bien, ¿qué hay en las artes del movimiento que puede espabilarnos?.
¿Cómo crees que están afectando los recortes y el aumento del I.V.A. a los proyectos de danza?… Un pueblo con la cultura privatizada, emancipada. No somos ignorantes, hemos sido apartados y ni siquiera nos damos cuenta. Los políticos no son tontos. Saben que a través del arte se posibilita el espíritu crítico y claro, esto no interesa. La cultura del entertainment y su 21% de IVA es ideología que construye rebaño. Abstracción y arte masticado que no implica al espectador, no se le anima a sacar sus propias conclusiones, a participar. Los neoliberales creen que para que unos estén bien otros han de estar mal. Es cultura de competición, que construye una sociedad vertical ajena al procomún en la que los de arriba se apoyan en los de abajo. El «porque yo lo valgo». La dramaturga y directora de escena Angélica Lidell soltó en algún sitio que «El colmo de la burguesía es no reconocer la melancolía en los de abajo, siguen masturbándose en la ducha sin saber lo que está pasando».
¿Qué espectáculo has visto últimamente que te haya interesado?¿Por qué?… ‘el régimen del pienso’ de La Zaranda. Sobran las palabras.
¿Alguna sugerencia para seguir creando en tiempos de crisis?… No tengo consejos ni sugerencias más allá de desarrollar un compromiso ético.
Lluvia constante de Keith Huff en los Teatros del Canal
Es difícil encontrar en el panorama teatral actual, un nuevo autor con un texto potente, de esos que sabes que sobrevivirán al tiempo y se convertirá en un clásico. Lluvia constante es un título que no hace honor al texto, la obra es mucho más que una atmósfera temporal, es un viaje complejo a la psiquis del ser humano, es una radiografía de este tiempo convulso que vivimos en el que muchas veces dejamos que se asome por nuestra boca y nuestro corazón el animal que se esconde en los pliegues de nuestra piel. En este texto, el autor nos pone frente al muro de nuestras pesadillas más profundas para encontrar la salida del laberinto. Es de una teatralidad brutal por el juego que establece con el público y entre los personajes. Te atrapa desde el minuto uno y no te deja escapar hasta el final, cuando descubres el juego que oculta este viaje. Para una propuesta tan esencial, en la que hay que dejar que las emociones y palabras atraviesen a los actores como dardos hacía falta un par de intérpretes de riesgo y compromiso total con la escena, ellos son: Roberto Álamo y Sergio Peris-Mencheta que están todo el tiempo al borde del precipicio. Y David Serrano les ha dirigido con templanza y pasión. Una obra imprescindible.
Adolfo Simón
Beatríz Bergamín y Ángeles Martín nos hablan sobre su trayectoria aprovechando el estreno de «No hay papel»
¿Cómo fueron tus inicios en el teatro?…¿Realizaste otras facetas además de la actuación?…
Beatriz: En el escenario del desaparecido Teatro Martín cumplí 17 años, haciendo La Estanquera de Vallecas de J. L. Alonso de Santos junto a la que luego se convirtió en mi abuela para siempre, la genuina Conchita Montes. Después entré en la RESAD y fui alumna de un gran maestro espléndido ser humano, Pepe Estruch, que me enseñó entre otras muchas cosas, la importancia en escena – y en la vida – del silencio. También recuerdo con inmenso cariño a Marta Schinca. Y allí conocí a muchos de mis amigos del alma, los que me acompañan desde entonces y hasta hoy. A raíz de la Estanquera me independicé de mis padres, así que trabajaba por las noches de camarera, por las mañanas iba a la RESAD y por las tardes posaba como modelo de pintores y escultores. Intenso, duro, feliz.
Ángeles: Empecé en el hostal que regentaban mis padres en la calle Valverde de Madrid, actuando para la gente que pasaba por ahí desde muy pequeña. Me inscribí en la Escuela de Arte Dramático de Madrid tan pronto acabé el bachillerato, determinada a hacer lo que sentía.
¿Qué es el teatro para ti?…¿Por qué haces teatro?…
Beatriz:El teatro es mi vocación, mi manera de estar en el mundo, de mirar, de respirar, de sentir, de mostrarme y expresarme, de vivir, de bucear en mi misma y de empatizar o no, con los demás, mi lucha, mi sueño en curso, mi responsabilidad.
Ángeles: El teatro para mi es poder vivir lo que sienten los personajes que habito.
¿Qué balance harías sobre tu larga trayectoria?…
Beatríz: Un balance sin balanza, más en el desequilibrio que en la línea continua. He trabajado mucho, es cierto, pero cada día que pasa me siento más transparente, menos sabia, más abierta, más sensible al presente. Todos mis trabajos están en mi, todos han dejado huella, los buenos, los malos, los regulares poca huella han dejado pero también han sido y ahora, menos mal, recuerdo más intensamente a las personas que han estado conmigo en esos procesos, esas funciones, esas giras, que las obras en sí mismas o los personajes que interpretaba en ellas. La suerte, y a veces también lo difícil de “entender” o mirar a vista de pájaro mi carrera, es que he trabajado y trabajo con personas muy diferentes entre sí, en estilos o modos de ver las cosas incluso opuestas, no tengo claramente una “familia” teatral. No tengo sentido de pertenencia y tampoco de permanencia, pero sí de fidelidad y respeto hacia lo que de verdad me atrae, me atrapa, me apasiona o me emociona y me cambia. He hecho cabaret, teatro de calle, recitales, teatro infantil, he sido una salvaje con la Fura dels Baus, he trabajado en la Compañía Nacional de Teatro Clásico y en el Centro Dramático Nacional, he producido mi propio teatro personal, he estado en La Abadía y en el Teatro de la Latina casi a la par, o en series de televisión horteras y en otras muy buenas. Qué más da. Se trata de ser coherente en lo personal y en la aceptación de las diferencias humanas o poéticas que uno percibe en uno mismo y en los otros, creo, pero siempre que en lo que uno hace haya implicación, dignidad, ilusión, entrega y sentido del humor, por supuesto. Siempre ha sido difícil trabajar en lo nuestro, pero es que ahora es un milagro, y además suele pasar que lo que más te gustaría hacer es lo más difícil de conseguir, porque se te ven las ganas, el temblor, la fragilidad.
Ángeles: He tenido el privilegio de trabajar con grandes directores y compañeros que me han enseñado mucho sobre la interpretación, es decir, sobre la vida.
¿Qué función crees que ha de tener el teatro para la sociedad de hoy?…
Beatríz: Como mínimo la función de existir o seguir ahí, siendo y estando, porque ya casi ni eso tiene, el pobre. La función de tocar, tocar algo, como cuando un sable toca al adversario y al adversario le duele el pecho, o como un amor que te toca y no sabes si eso te gusta o te da miedo pero sabes que te están tocando y estás vivo. La función de abrir las carnes, de sensibilizar ante situaciones extremas, políticas, indignantes o delicadas, crear una mirada nueva ante lo efímero, frente al hoy, ante lo que no queremos ver o lo que no nos han dejado mirar, lo ya pasado o lo que podría suceder; y servir como reflexión o pausa ante la prisa, la barbarie y como no, la belleza. Y la función por y para la que nació el teatro en Grecia, comunicar, conectar, empatizar a unos seres humanos con otros seres humanos. Mucho, ¿verdad? Pues parece que no lo ven, en España.
Ángeles: La función del teatro es ser testigo del tiempo en que vivimos, o del tiempo en que otros, muy parecidos a nosotros vivieron.
¿En qué proyectos has participado durante el último año?…Háblanos de ellos…
Beatríz: He vivido una experiencia sorprendente, participando como actriz en la ópera Les Contes d´Hoffmann de Offenbach que se ha estrenado en el Teatro Real de Madrid con dirección de escena de un creador singular, yo diría genial, Christoph Marthaler, generoso, cercano, divertido, un mito del teatro alemán internacionalmente reconocido. Actualmente sigo con la gira de El Lenguaje de tus Ojos de Pierre de Marivaux con dirección de Amelia Ochandiano para la compañía Teatro de la Danza, que se pudo ver en julio de este año en el Festival de Almagro. Nunca antes había trabajado con Amelia y he descubierto con admiración su disciplina, su meticulosidad y su amor incondicional hacia nuestra profesión.
Ángeles: Este último año he trabajado junto a Blanca Portillo y Eva Hache, en la muy personal comedía de Ferrán González, dirigida por Victor Conde. Teniendo el privilegio, con los tiempos que corren, de hacer una gira como las de antes con los teatros llenos hasta la bandera.
¿Cómo surgió la propuesta de NO HAY PAPEL?…Háblanos de ella…
Beatríz: NO HAY PAPEL es ahora mi hijo y el hijo de Ángeles Martín, es nuestra apuesta, nuestro proyecto, nuestra decisión. Algo pequeñito que hay que proteger con extrema sensibilidad y con muchísima humildad pero con impulso, pulso y confianza. Surgió porque yo estaba, a inicios del 2014, sin papel, sin trabajo, sin dinero, sin sitio, sin alegría, así de crudo, sin confianza en ser capaz de sacar adelante nada o poco. Surgió por la necesidad profunda de escribir, de actuar, de equivocarme, de reírme más, de estar. Y surgió porque Ángeles me insistía: escribe escribe escribe, yo estoy aquí, mírame, hazlo ahora, sal fuera de tí. Ahora es ahora y aquí estamos, juntas. Con la contundente apuesta, desde el inicio y sin reservas hacia nuestro proyecto, del director Víctor Velasco, que sabe, puede y quiere mirar este texto y a nosotras dos, desde sí mismo, repleto de talento, lo cual ha desembocado en una propuesta de montaje personal, desnuda, honesta. Ahora somos un equipo, y estamos despegando gracias a la inestimable ayuda de la sala Off de La Latina, unos valientes que nos apoyan e impulsan porque han apostado por No hay Papel, ferozmente. Gracias.
Ángeles: La propuesta surge cuando nos damos cuenta mi amiga Beatriz Bergamín y yo, de que tenemos todos los elementos para poder realizar nuestro proyecto personal y poder decidir lo que queremos hacer y como queremos hacerlo.
¿Cuál es tu método de trabajo?¿Cómo creas tus personajes-propuestas?…
Beatríz: Leo mucho, cosas que tiene que ver con la propuesta o el personaje y otras que no pero que me inspiran. Se da por hecho que mi voz y mi cuerpo ya están ahí disponibles y entrenados, claro. Estudio en voz baja, en voz alta, por la casa, por la calle, mientras corro, mientras nado, mientras duermo. Me impregno de cosas, de gente, de músicas. No cierro ninguna puerta, me dejo, luego tomo decisiones claro, porque hay que tomarlas y porque se toman ellas mismas a sí mismas, y porque escucho, me vuelve loca confiar, confiar en las personas que me acompañan en ese trabajo en concreto. Me encanta jugar jugar jugar…
Ángeles: En cada proyecto que recibo intento adaptarme a lo que el director quiere. Para eso es imprescindible llevar el texto aprendido. Eso es lo que me permite jugar al juego que me proponen.
¿Cómo crees que están afectando los recortes y el aumento del I.V.A. a los proyectos de teatro?…
Beatríz: Están afectando terroríficamente a la cultura en general, no solo al teatro y al cine español, están golpeándonos, maltratándonos, borrándonos, dejando nuestras propuestas creativas y nuestra forma de vida aterida, parca e insostenible económicamente. Estamos en un momento durísimo, de absoluta desventaja frente a otros países de Europa, desangelados, pero no acobardados ni muertos.
Ángeles: No nos queda más remedio que hacer de la necesidad virtud. La subida del IVA ha sido demoledora para la industria teatral, así como la desaparición de las ayudas. Pero,intentando verlo desde el punto de vista positivo, creo que han abierto la caja de Pandora, porque han dejado de controlar lo que se hace.
¿Qué montaje que hayas visto últimamente, te ha interesado?¿Por qué?…
Beatríz: Este año, que ya está otoñando, he visto montajes que me han emocionado y cambiado, por ejemplo en La Abadía, en Matadero y en los Teatros del Canal y en diversas salas alternativas, donde se están fraguando y estrenando propuestas interesantísimas.
Ángeles: Hay una oferta increíble, llena de creatividad y competencia en la cartelera. Me interesa mucho los trabajos que se están haciendo en las salas alternativas, y todos ellos se merecen una mención por el riesgo que implican y su desbordante creatividad con medios escasos.
¿Proyectos?…
Beatríz: En Enero del 2015 me espera un texto barroco y revolucionario de un autor español, al que quiero y admiro profundamente, un regalo. Empiezo la gira de El Lenguaje de tus Ojos y estaré entregada cada miércoles de octubre y cada jueves de noviembre y diciembre 2014 a No Hay Papel en Off de La Latina, nuestra apuesta personal.
Ángeles: Ahora mismo apostamos por nuestro proyecto “No hay papel”, con la dirección del enorme Victor Velasco, escrita por mi gran amiga Beatriz Bergamín y con un equipo inmejorable. Y el resultado es consecuencia de lo anterior, aunque esa opinión, como siempre le corresponde a los espectadores.
Tengo el privilegio de hacer la próxima función de mi gran amigo y maestro Paco Nieva, “Salvator Rosa” interpretando el maravilloso mundo de “Floria”, producida por el CDN.
«True West» de Sam Shepard en Los Teatros del Canal
La sala «negra» de los Teatros del Canal se inaugura con True West (El auténtico oeste) una obra de plenitud del polifacético Sam Shepard dirigida por José Carlos Plaza. Escrita en el año 80, Shepard nos relata un drama familiar reflexionado sobre la identidad, tanto individual como cultural.
Dos hermanos se reencuetran después de cinco años en su hábitat natural, a 40 millas de las afueras de Los Ángeles, donde los coyotes todavía existen y donde el riesgo flota en la atmósfera. Un lugar alejado de las grandes urbes, de los grandes escenarios que nos suelen mostrar cuando la acción transcurre en esos maravillosos Estados Unidos. Mientras uno de ellos, guionista bien acomodado, intenta encontrar el éxito en cada texto que escribe, otro, perdedor en la vida y ladrón de baja estopa, llega para limar diferencias e intentar llevar una nueva vida rascando en los entresijos de la conciencia de su hermano. Unos personajes cargados cada uno con una mochila muy diferente en la que tienen que encontrar las cosas que tienen en común y las cosas que les desencuentran.
Shepard otorga a estos personajes una complejidad y riqueza a la altura de los grandes dramas americanos. Nos encontramos sumidos en la América profunda, esa que no nos mostraban en las películas del los 80, donde sólo exhibían ese gran sueño americano y que luego han sabido reflejar otros cineastas como los hermanos Cohen o Tarantino. Un guión a la altura de grandes películas que nos sumerge en diferentes escenas llenas de humor, violencia o sátira y que oscila entre el «naturalismo americano» y el «realismo mágico».
Se aprecia el trabajo que Plaza ha realizado con los actores, otorgándoles unas subidas y bajadas dramáticas dignas de un clásico de Hollywood y sobre todo disfrutamos con esa madre de los protagonistas que aparece como una especie de pin-up desmejorada y frágil que nos conmueve con solo verla hablar.
Una buena inauguración en una sala muy especial que ha vivido grandes ensayos y que ahora espera alcanzar grandes estrenos en un espacio diáfano y contemporáneo que no le resta un ápice de calidad ni dinamismo. Acérquense a conocer el verdadero oeste, con sus historias reales, sus dramas y…por qué no con sus comedias.
http://www.teatroscanal.com/espectaculo/true-west-autentico-oeste-teatro/
Luis Mª García Grande
Jugadores de Pau Miró en los Teatros del Canal
Reparto de lujo para una historia simple, la de cuatro hombres que juegan una partida de cartas y terminan embarcados en un juego mucho más peligroso. Jugadores es una radiografía de las relaciones humanas, de la parte oscura e inaccesible que esconde todo el mundo, salpicada de humor y, claro, de un saludable espíritu lúdico. Con estas palabras describe el autor y director lo que se supone que es Jugadores y sin embargo, es, a mí modo de ver, mucho más, gracias a que la obra no transita por la placidez de una partida entre amigos si no que se sumerge en los miedos y fantasmas que estos cuatro «hombres invisibles» tienen instalados en su día a día. En estos tiempos de crisis, tener más de cincuenta años y no haber resuelto la vida económica y afectivamente, te deja fuera de juego, del juego de cualquier partida. Los personajes y sus relaciones están llenos de sorpresas y enigmas que el público deberá resolver al ir a ver la función. No se pierdan el trabajo de cuatro esplendidos actores como son: Jesús Castejón, Luis Bermejo, Ginés García-Millán y Miguel Rellán.
Adolfo Simón
http://www.teatroscanal.com/espectaculo/jugadores-teatro/
«Sorolla» del BNE llega a los Teatros del Canal
Hoy se reestrena el montaje de Antonio Najarro en los Teatros del Canal. Inspirado por Sorolla, Najarro recorrerá el folclor de toda España a través de un montaje que cuenta con el sello de Franco Dragone.
Para los que no lo han visto… Imprescindible, para los que lo vieron… Repetirán.
Aquí os dejamos nuestros artículos publicados y relacionados con el espectáculo:
https://querevientenlosartistas.wordpress.com/2013/06/17/sorolla-del-ballet-nacional-de-espana/
¿Qué nos espera en la próxima temporada en los Teatros oficiales?…
Centro Dramático Nacional
Más info: cdn.mcu.es
Compañía Nacional de Teatro Clásico
Más info: teatroclasico.mcu.es
Teatro Español
Más Info: http://www.teatroespanol.es
Teatros del Canal
Más info: http://www.teatroscanal.com
Teatro de la Abadía
Más info: http://www.teatroabadia.com
Teatro Real
Más info: http://www.teatro-real.com
Teatro de la Zarzuela
Más info: teatrodelazarzuela.mcu.es
Gisela João en el Festival FADO de los Teatros del Canal
«No es fadista quien quiere, pero si quien nació fadista»
Gisela tiene una imagen actual, moderna. Sale al escenario ataviada con un vestido de portuguesa moderna, corto, enseñando pierna y taconazo, pero humilde y sencilla a la vez, demostrando que la juventud puede pisar fuerte por los caminos antiguos del fado. Una escenografía sencilla, simulando una habitación donde poder cantar de manera íntima y recogida.
Ha sido la revelación de 2013 en Portugal con su disco y su renovación del fado consiste en cantarlo con una instrumentación más actual pero sin prescindir del sentimiento característico de esta tierra y utilizando su potente chorro de voz que hace que nos enamoremos de ella desde el primer momento que empieza a cantar. Tiene futuro. Si tenemos que ponerle alguna pega es su juventud y su manera de afrontar el canto hacia el público, que todavía tiene que crecer y madurar, como el buen vino, pero aún así alcanza la calidad necesaria para pisar este festival y sorprendernos con aires nuevos de fado.
Gisela también nos habla de la vida moderna, su compromiso con la realidad social y apostando por reivindicación de la que todo joven debe tomar parte en esta vida.
Seguro que la oiremos más por España y seguro que disfrutaremos mucho más cuanto más crezca, como artista y como persona.
Luis Mª García.
ENCUENTRO con ISRAEL GALVÁN y AKRAM KHAN
JUEVES 26 DE JUNIO, 11 horas
TEATROS DEL CANAL, SALA NEGRA (Cea Bermúdez, 1)
Con motivo del estreno en España de TOROBAKA, que tendrá lugar en los Teatros del Canal del viernes 27 al domingo 29 de junio.
El Festival de Otoño a Primavera de la Comunidad de Madrid presentará el próximo jueves, 26 de junio, a las 11:00, en la Sala negra de los Teatros del Canal (Cea Bermúdez, 1), un encuentro para prensa y público (con entrada libre hasta completar aforo) con los artistas Israel Galván (reciente ganador de tres Premios Max de las Artes Escénicas al Mejor Espectáculo de Danza, Mejor Coreografía y Mejor Intérprete Masculino de Danza por su obra Lo Real) y Akram Khan (uno de los máximos y más inquietos exponentes de la danza contemporánea británica). La conversación estará moderada por el periodista y crítico de danza Omar Khan.
Mísia en el festival FADO de los Teatros del Canal
Mísia llegó a Madrid y arrasó en el festival FADO de los Teatros del Canal el primer día. Su presencia, humilde y pequeña según entra al escenario, como una geisha, se hace enorme en cuanto empieza a interpretar el primer fado con ese chorro de voz. De inmediato nos transporta a Portugal, da igual el rincón que ustedes conozcan, les vendrá una imagen nítida de los momentos vividos en aquel país. Porque, aunque ella innova y trae nuevos aires, no deja de recordarnos, desde la primera nota, que es una de las imágenes más representativas de Portugal. Sale descalza a la arena, sin artificios, con su traje negro, digno del mejor diseño portugués y su flequillo característico que le ha llevado por todo el mundo. Pero esta humildad se ve destacada y adornada por un maravilloso fondo de escenario diseñado para esta ocasión que nos recuerda los temas típicos del fado a través de unas proyecciones sobre lo que podría ser una típica joya-broche portuguesa que llevaría la mismísima Amalia: amor, muerte, saudade, destino, mujer, música, mar, …
Podríamos decir que Mísia es la segunda gran cantante de fados que nos ha dado Portugal, antes fue Amalia Rodrigues, como todo el mundo conoce. Conmemorando los quince años que hace que nos dejó, la cantante quiere hacer un pequeño recorrido por su legado. Según Mísia, este concierto es un work in progress, unas pruebas-ensayo, para crear y recrear en un nuevo disco en el que rendirle un gran homenaje.
Por lo que pudimos ver, el homenaje ha estado a la altura de la gran dama de la canción portuguesa, porque, aunque de Amalia ya se han dicho todos los adjetivos y calificativos existentes, ya se ha dicho todo de ella, no se ha cantado y rendido homenaje como el que puede hacerle Mísia, con su voz y con su saber hacer de tantos años…
Amalia abarcaba todos los palos de la música portuguesa, según nos indicó la cantante, que incluso se atrevió con lo más tradicional, ella, que es tan urbanita y refinada, con su moño, posible chica Almodovar, posible monologuista de éxito… y salió con sobresaliente, a su manera, pero sobresaliente. Estamos esperando ese disco homenaje.
Luis Mª García Grande.
Fuensanta «La Moneta» presenta «Paso a paso» en Suma Flamenca
Fuensanta, La Moneta, presentó su espectáculo en los Teatros del Canal con un lleno total. Y se lo merece. La moneta es flamenco puro, raza y fuerza. Una de las pocas bailaoras que se puede permitir estar hora y media sobre un escenario, casi sin descansar, y seguir bailando como si acabase de entrar. Sobre las tablas, su cuerpo robusto no le impide moverse de una manera especial, única y muy aflamencada, el movimiento de sus brazos es único también, aunque escrupulosamente estudiado para que transmitan lo que ella quiere, lo más jondo de su arte.
Fuensanta es un animal escénico que transmite desde el primer momento en el que aparece, un toro o un jabalí, algo con una fuerza inusual que hace que estés constantmente atento a cada paso que da. En «Paso a paso» se intenta relatar el espíritu que inunda a la bailaora en su día a día, en esa creencia de que el destino es el que tu eliges libremente y por el que hay que luchar día a día, paso a paso.
El cuadro flamenco que trae es justo para lo que ella quiere hacer y destaca la guitarra de Luis Mariano que le ayuda a hacer suyo el baile.
El programa se compone de tres partes: Sobre mis pasos, Hados y Vereda que incluyen Farrucas, Malagueñas, Seguiriyas, Tientos y un paso a dos muy especial en una soleá apolá con Javier Latorre, que sigue demostrando por que es un maestro en el baile y en el escenario. Una noche grande llena del duende flamenco proyectado por esta bailaora de verdad.
Luis Mª García Grande.
—————————————————————————————————————–
Baile: Fuensanta ‘La Moneta’
Baile: Artista invitado Javier Latorre
Cante: Miguel Lavi,Morenito de Illora, El Mati
Guitarra: Luis Mariano
Percusión: Miguel Rodríguez ‘El Cheyenne’
Carmen Linares & Trío Jorge Pardo, Carles Benavent, Tino Di Geraldo presentaron Cu4tro en Los Teatros del Canal
Suma Flamenca suele traer a Carmen Linares cada año y este, en el que afronta un nuevo proyecto musical, no iba a ser para menos. Carmen sabe rodearse de los mejores y crear a través del flamenco su propio mundo.
Ayer se nos brindó la oportunidad de verla encontrandose con los músicos más importantes del panorama contemporáneo del flamenco-jazz: Carles Benavent, Tino Di Geraldo y Jorge Pardo.
‘Cu4tro’ es un espectáculo transversal que integra la voz privilegiada de Camen Linares y la identidad sonora del Trío Benavent-Di Geraldo-Pardo. En el repertorio seleccionado para este concierto la cantaora comparte cantes a solas; una seguiriya al compás de la batería de Tino, la granaína con el bajo de Carles y la taranta con la flauta travesera de Jorge. Diálogos que encumbran al flamenco-jazz a su quinta esencia.
El swing del trío junto al cante desgarrador de Carmen Linares darán lugar a un concierto único que encumbra una vez más al arte flamenco a la altura de lenguaje universal.
Un aforo lleno y una noche para disfrutar del flamenco y jazz de la mano de una de sus mejores embajadoras y en compañía del baile de Pepe Torres.
Cante: Carmen Linares
Flauta, saxo: Jorge Pardo
Bajo eléctrico: Carles Benavent
Batería: Tino Di Geraldo
Guitarra flamenca: Salvador Gutiérrez
Baile y compás: Pepe Torres
Coros y palmas: Ana María González, Rosario Amador
http://www.carmenlinares.net
http://www.jorgepardo.com
http://www.carlesbenavent.info
Mierda de artista, el musical en los Teatros del Canal
Piero Manzoni fue un artista que trató de conseguir un lugar en el universo del arte pero se dio cuenta que si no le daba espacio a la provocación, por sí mismo, aunque fuese genial, no iba a pasar a la posteridad, porque una cosa es ser un genio y otra saber vender la genialidad. Así, su vida fue un intento por conseguir que sus ideas fuesen respetadas, rodeado de una galería de personajes más surrealistas que sus propios disparates. Ferrán González y Joan Miquel Pérez han creado un pequeño musical en el que nos muestran de manera sencilla y jocosa lo que suponía ser artista y provocador en los sesenta-setenta y lo ha dirigido Alicia Serrat con ingenio y agilidad. En estos días, Mierda de artista es una buena razón para acercarse a los http://www.teatroscanal.com y ver que los creadores siguen demandando un espacio propio y personal en el mundo.
Adolfo Simón
«Dunas» de María Pagés y Sidi Larbi Cherkaoui en Los Teatros del Canal
“Ni el aire ni la tierra son iguales después de que María Pagés haya bailado”. José Saramago.
María Pagés y Sidi Larbi Cherkaoui se han encontrado en las «Dunas» del desierto para crear un espectáculo bello, positivo y energético que nos demuestra que el flamenco puede evolucionar constantemente y fundirse con otras disciplinas y danzas. Pagés aporta su visión del flamenco como baile contemporáneo y Cherkaoui colabora en esto y además le sumerge dentro de sus raíces tangerinas pero a través de la danza contemporánea. Esto no es «fusión», una palabra en la que Pagés no cree, esto es creación a través del flamenco. 
La técnica del bailarín y la bailaora ya está más que demostrada y consolidada y es obvio hablar de ella, lo que aquí nos importa es su utilización para crear nuevos conceptos en danza y la pasión y energía con la que se enfrentan a esa creación. La escenografía aporta sus granos de arena, metafórica y literalmente, al crear mediante enormes telas elásticas unas dunas ficticias en las que se sumergen, vagan y, sobre todo, danzan los dos protagonistas. Los efectos visuales que se crean a través de la luz y de las telas aportan la poética necesaria al espectáculo que se completa con los dibujos que Cherkaoui pinta sobre la arena y que son proyectados sobre el escenario, creando una complicidad entre la creación artística de Sidi y el movimiento de María.
Totalmente recomendado en http://www.teatroscanal.com
Luis Mª García Grande
Aventura! de Alfredo Sanzol en Los teatros del Canal
En Aventura! se vuelcan los fantasmas y la angustia que le produce a Sanzol la realidad que estamos viviendo. Nos introducimos en el mundo empresarial creando un reflejo de nuestra sociedad tal y como si estuviéramos en un laboratorio de ensayos y reflexionamos sobre esta crisis que nos está atenazando a todos ensayando con seis ratas lo que podría suceder ante una hipotética situación de miedo. Sanzol disecciona personalidades, analiza comportamientos, destripa situaciones insostenibles y nos lo muestra de una manera aséptica. Tan aséptica como un laboratorio o… una vulgar oficina con esa luz fría que produce el molesto fluorescente que nos propone Alejandro Andújar. Todo con humor, oiga, como si no pasase nada, como si fuese un experimento más. Pero de repente se abre la brecha con un giro dramático inesperado…
Hipótesis: Imaginen que su negocio no va mal…pero viene un señor y les ofrece dinero por él. ¿Cómo reaccionarían? ¿Venderían, negociarían, sucumbirían? El miedo puede hacernos reaccionar de muchas maneras y acabar haciendo lo que menos esperábamos… ¿Piensan que es ficción?
Seguramente ustedes han entrado en algún bar de esos «de toda la vida» y de repente se encuentran con un camarero chino que les ofrece una tapa de aceitunas y su cañita. ¿Fotocopia u original?
Pueden ir a experimentar sensaciones a la sala verde de Los Teatros del Canal
Luis Mª García Grande
IV Festival de Fado con Mísia, Gisela João y Carlos Do Carmo en los Teatros del Canal
Más info en: http://www.teatroscanal.com
La corte del faraón, opereta bíblica en un acto en los Teatros del Canal
En la ciudad de Madrid se puede disfrutar de mucho arte, si paseas por sus calles te puedes encontrar el museo al aire libre de la Castellana y contemplar una muestra de arte contemporáneo o puedes ver en el barrio de La Latina, grandes grafitis que adornan sus fachadas. También puedes entrar en un museo y observar el viaje del arte desde la antigüedad hasta la más rabiosa modernez. Y por supuesto, puedes sentarte en muchos patios de butacas de teatros donde disfrutar desde, el teatro clásico, al cabaret o a la más exquisita frivolité. Bueno, pues durante los próximos días, en los Teatros del Canal, tus sentidos se pueden embargar de todo tipo de arte en un solo espectáculo: La corte del faraón. Hemos visto esta obra infinidad de veces, hemos cantado sus canciones en la ducha y en más de una fiesta entre amigos, es como la banda sonora de algún momento de la vida de todos nosotros y aún así, han de ir a ver la nueva producción del Teatro Arriaga y el Teatro Campoamor de Oviedo porque van a disfrutar de lo lindo. Esta opereta bíblica en un acto parece una pieza de entretenimiento y lo es, pero además, contiene elementos para realizar una obra más rica y compleja de lo que habitualmente se hace con ella. Aquí, Emilio Sagi, al frente de un equipo muy creativo, ha realizado un viaje en la historia del arte, sin remilgos ni estrecheces. Durante la hora y media que dura la función, no hay un momento en que no sorprendan las resoluciones escénicas. Hay pinceladas de arte clásico, de arte contemporáneo, de musical de gran altura, de comedia musical, de revista, de cabaret…Con un espacio escénico lleno de guiños y juegos. Un vestuario fascinante por su locura y frescura…unas luces que cambian los lugares con cada cambio de color, unas coreografía divertidas y precisas. Y un coro y cantantes-actores que se han entregado sin dudar a esta propuesta; hay que hacer un comentario aparte para decir que Enrique Viana realiza un micro espectáculo propio en el corazón de la obra, que recibe un aplauso enorme al finalizar. Y la orquesta está fantástica dirigida magistralmente por Carlos Cuesta. No se lo piensen, si es que quedan entradas, vayan a ver La corte del faraón, aunque sepan cómo termina, qué más da…todos sabemos que Hamlet muere al final y siempre volvemos a ver la obra…Y aquí, además, terminarán haciendo karaoke…¿Algo más se puede pedir?.
http://www.teatroscanal.com
Luis García Grande
Danzas súbitas para celebrar el Día Internacional de la Danza en los Teatros del Canal
Conocer las entrañas de un Teatro es algo a lo que solo tienen acceso los artistas y técnicos del lugar. Hoy, para celebrar el Día Internacional de la Danza, en los Teatros del Canal…El público normal ha podido recorrer los diferentes espacios escénicos encontrando, a su paso, pequeñas piezas de diferentes estilos de danza, para celebrar lo maravilloso que es bailar en escena o en el patio de butacas…VIVA LA DANZA!!!
Más info en: http://www.teatroscanal.com
Encuentro con Tamara Rojo
Con motivo del estreno del Ballet Le Corsaire, el British Council y los Teatros del Canal te invitan a un encuentro con Tamara Rojo, directora artística del English National Ballet el próximo 27 de abril a las 12.00 en el Estudio 1 del Centro de Danza Canal.
Entrevista a cargo de Elna Matamoros.
Entrada libre hasta completar aforo. Imprescindible confirmar asistencia.
Blanca Li: Entre la poética y el estrés tecnológicos.
Para Blanca Li el mundo siempre va para adelante y ella le planta cara sin miedo. A través de «Robot» ha logrado convencernos de que la «Revolución tecnológica» tiene más ventajas que inconvenientes y que hay que adaptarse a lo que venga, aunque sea a fuerza de un duro trabajo. A Blanca le ha costado comprender cómo baila un robot y cómo puede ayudarle en su trabajo, pero al final ha salido fortalecida y ha ganado la batalla tecnológica.
La reflexión que se realiza en la obra sobre el mundo contemporáneo y la adaptación del hombre a la máquina es profunda, partiendo de un trabajo corporal de los bailarines que pasa de lo orgánico a lo robótico en continuas evoluciones. La experimentación sobre el movimiento comienza con un acercamiento y, a medida que sube el ritmo de la música los bailarines experimentan en sus carnes ese cambio tecnológico que cada día nos va invadiendo. La metáfora es pura, lo que se ve no necesita aclaraciones.
Estas reflexiones crean una coreografía para 8 bailarines cuyos movimientos activan los extraños instrumentos musicales de Maywa Denki y la música del español Tao Gutiérrez.
Pero el Talento de Blanca, aparte de residir en una buena formación y coreografía, reside en su manera de ver la vida y de reflejarla en sus espectáculos: El humor y el contraste de visiones sobre la danza se reflejan fielmente en este espectáculo que pasa por la música japonesa, la africana, la electrónica, la samba y el cuplé mezclándose con retazos de escenas pop y pas à deux con robots que nos enternecen y nos recuerdan a Fred Astaire y Ginger Royers.
En fin, un espectáculo que ensalza el arte de la danza y que nos hace pensar, emociona, llega al corazón y nos recuerda que merece la pena arriesgar en la vida y andar con paso firme y tacón alto por la vida.
Luis Mª García Grande.
www.teatroscanal.com/espectaculo/robot-danza-blanca–li
Que Revienten los Artistas 
Debe estar conectado para enviar un comentario.