«El arquitecto y el emperador de Asiria» en Matadero
El Teatro Español ha estrenado en Matadero Madrid una de las obras cumbres de Fernando Arrabal que se presenta como un imprescindible para comenzar esta temporada. Imprescindible por muchos motivos: Primero porque Arrabal es uno de los más importantes autores españoles reconocido internacionalmente y del que se ha dicho que tiene una voz propia y característica, y eso nadie lo duda.
En «El arquitecto y el emperador de Asiria» podemos disfrutar de su dramaturgia en pleno esplendor, con el surrealismo brotando y la filosofía flotando por todas partes. Arrabal tiene afilados sus cuchillos y los va hincando rápidamente en la cabeza del espectador con poesía y humor. Nos hace recapacitar a través de dos personajes estrambóticos y ridículos, sobre la gran metáfora de vivir en sociedad, de ser humano y tener que compartir nuestro espacio con otros humanos,con todo lo que esto conlleva. El autor se ríe en nuestra propia cara del complejo de Edipo, de la justicia, de la monarquía y de la política, del poder, del aprendizaje y de todo lo que nos rodea… sin dejar pie con cabeza. Pero todo esto, que nos parece un tema tan actual… se escribió hace cincuenta años…
Además del talento del autor hay que poner también su medalla a Corina Fiorillo, la directora, que ha sabido llevar por buen camino, con destreza dinamismo, a unos espléndidos Fernando Albizu y Alberto Jiménez, que entran perfectamente en ese juego de burla y sátira que caracteriza al autor y a los que no les duelen prendas en enseñar el culo, sin cabeza ni pies, solo el culo, para poner imagen a ese surrealismo desbordado.
Luis Mª García
Antonio de la Fuente: El teatro para mí es una forma de vida, así de claro y así de simple.
¿Cómo fueron tus inicios en el teatro?…
Profesionalmente vengo del teatro alternativo de los 80, acostumbrado por tanto a bregar en todos los campos de esta profesión, tanto artístico como técnico, y al igual que muchos/as de esa época con una formación casi autodidacta, una mezcla de práctica, experimentación, observación y mil tropiezos.
Terminado el instituto intenté entrar en la RESAD de Madrid y no hubo suerte. Entonces me dije: si no quieren que estudie pues trabajaré. Durante años tuve mi propia productora teatral (Producciones NO) y cuando me harté de pelearme con la administración decidí dedicarme casi exclusivamente a la interpretación. Aunque siempre compaginé mi carrera de actor (que es lo que realmente me ha dado de comer todos estos años) con la escritura (publicando y estrenando textos teatrales, novela y guiones para empresas) y también colaborando puntualmente como director teatral para compañías amigas.
¿Qué es el teatro para ti?…
Una forma de vida, así de claro y así de simple.
¿Por qué haces teatro?…
Por puro egoísmo: la aventura de ser otro y hurgar en mi mismo.
¿Qué balance harías sobre tu trayectoria?…
Muy positiva, volvería a repetir sin duda.
He trabajado en proyectos maravillosos y en otros que me han dado de comer, pero casi siempre he disfrutado mucho de mi profesión. Una profesión que (al igual que la escritura) me ha regalado momentos extraordinarios. También ha habido épocas muy duras, por supuesto, tanto económicas como emocionales, pero las he asumido como un pago por vivir “diferente”.
¿Qué función crees que ha de tener el teatro para la sociedad de hoy?…
No sabría decir cuál es la función del teatro hoy, ayer o mañana, pero sí creo que (al igual que cualquier otra obra artística) va más allá del mero entretenimiento.
Tampoco sé si el teatro puede ser capaz de cambiar algo la sociedad, de influir realmente en ella, pero desde luego el intentarlo debe ser un compromiso ineludible de cualquier artista, cuestionar la supuesta realidad y mostrar otras posibilidades, otras maneras de entender el mundo, y otras maneras de habitarlo.
Lo que sí defiendo es que, independientemente del genero o de las posibilidades, el nivel de exigencia, calidad y compromiso debe ser el máximo.
¿En qué proyectos has participado durante el último año?…Háblanos de ellos…
Inicié 2015 con las últimas funciones de BANSIA en la sala Azarte de Madrid, una tragicomedia de Carlos Pontini, una historia de rabiosa actualidad donde la dirección de Juanma Cifuentes sacó un punto cachondo y musical muy de agradecer. Me entiendo muy bien con Juanma y me regaló uno de esos personajes que permiten un arco amplio de registros pasando sorpresivamente del drama a la comedia, e incluso al musical.
Y nada más terminar BANSIA me embarqué en LA BALSA DE MEDUSA…
Y mientras navegaba con LA BALSA colaboré en LA PIEDRA (mediometraje sobre el mundo del arte y la creación de Teresa Solar Abboud), EL HUERTO (cortometraje de Pedro Lajara), y continué por supuesto con la promoción de mi colección de libros de teatro para niños y niñas, un proyecto en el que llevo trabajando desde hace años, una teoría o fantasía sobre cómo usar el teatro dentro del aula.
¿Cómo surgió tu participación en el espectáculo La balsa de la Medusa…?… Háblanos de este trabajo…
Contactaron conmigo gracias a Guadalupe Valero, encargada de vestuario y escenografía de esta producción, y que me conocía de mi paso por el Centro Dramático Nacional (REY LEAR y PLATONOV, dirigidos por Gerardo Vera).
El proyecto me atrapó por dos cosas: por la situación que planteaba el texto de Antonio Escribano y la dirección de Manu Bañez, y por estrenarse en un lugar tan especial como La Pensión de las Pulgas. Esas dos cosas unidas auguraban un reto interpretativo atípico al que no podía sustraerme.
En cuanto al proceso de trabajo, ha sido muy intenso, nunca había trabajado con un director tan preocupado en desmenuzar el texto y los personajes hasta el mínimo detalle. Y con un equipo que rápido se hizo familia, muy profesional y generoso, remando por igual para llevar esa Balsa a buen puerto.
¿Cómo creas tus personajes?… ¿Tienes un método?…
No soy muy de método. Suelo trabajar de una manera u otra dependiendo del director con el que me toque. Creo que como actor soy bastante moldeable, me adapto bien al director que me toque en suerte (como autor o director sin embargo soy más radical, menos dispuesto al diálogo).
Suelo acercarme al personaje desde la observación y procuro dejar que hable, que sea él el que me diga cómo ser, cómo moverme, cómo hablar. Me fascina cuando no me reconozco, cuando soy capaz de crear un personaje ajeno a mí pero desde bien dentro de mí mismo.
¿Cómo crees que están afectando los recortes y el aumento del I.V.A. a los proyectos de teatro?…
Fijate que yo creo que si lo que buscaban con el 21% era cargarse el entramado cultural de este país pues no les ha salido demasiado bien, porque desde que comenzó la famosa crisis (o robo o estafa institucional y bancaria) yo he trabajado en algunos de los proyectos más interesantes y creativos de toda mi carrera. Eso sí, sin apenas repercusión mediática y económica. Pero esa experiencia y aprendizaje no me lo quita nadie y será un cimiento muy sólido para futuros trabajos.
¿Qué montaje que hayas visto últimamente, te ha interesado?¿Por qué?…
El primero que se me viene a la cabeza es TRÁGALA TRÁGALA de Iñigo Ramírez de Haro, con dirección de Juan Ramos Toro, y que misteriosamente casi paso desapercibido en el teatro Español. Con un texto muy certero y afilado en la crítica, y un trabajo actoral envidiable, cantando, tocando instrumentos e interpretando a multitud de personajes dispares.
¿Proyectos?…
Pocas veces he sido de proyectos a largo plazo, acabo de cumplir 50 años (más de 20 de profesión) y por suerte todavía me queda mucho que aprender y arriesgar, y es muy probable que esta vez sea fuera de España.
¿Alguna sugerencia para seguir creando en tiempos de crisis?…
Como ya comenté antes pienso que está siendo un momento muy intenso desde el punto de vista creativo. Vivimos una época donde ya no hay secretos ni estrategias, no para los que estamos en el filo, rozando la clandestinidad. Tener un buen producto no asegura ni éxito ni supervivencia, no en este país al menos. ¿Qué nos queda entonces? Capacidad de adaptación y mucha improvisación, vamos resolviendo día a día con imaginación y gran esfuerzo y porque crear es una necesidad que por ahora puede más que la frustración.
Voces de Madrid en el Teatro Español
En el recién inaugurado Espacio Pérez-Galdós se ha llevado a cabo una nueva experiencia del ciclo titulado Voces de Madrid, un lugar de encuentro donde poder conocer a fondo a esos personajes que viven en nuestra ciudad y que, sin necesidad de gran excelencia, tienen una historia peculiar que resulta de interés conocer para ampliar el listado de seres que transitan por la villa cargados de memoria y anécdotas sugerentes. El ciclo que hoy terminaba, se ha cerrado con el mago Berni que, durante una hora, refrescada con una rica limonada que nos ofrecieron a la entrada, ha explicado su trayectoria vital a partir de las preguntas que le hizo Ignacio García-May de quién surgió esta iniciativa y de la que esperamos nueva ediciones.
QRLA
Tengo tantas personalidades que cuando digo TE QUIERO, no sé si es verdad a partir de textos de Max Aub en el Teatro Español
Un espectáculo nostálgico para inaugurar la sala que llevará el nombre del autor de los textos y que Jesús Cracio ha realizado dando un tono de cabaret literario similar a los que se hacían a mediados del siglo pasado, mezclando textos combativos con retazos poéticos que permiten un recorrido por las emociones y vivencias de un mundo entre la bruma. Los actores, acompañados de una pianista en directo deambulan por ensoñaciones y situaciones intimistas que nos muestran la otra cara de la realidad de una sociedad que se asemeja mucho a la que vivimos hoy.
Adolfo Simón
El año del pensamiento mágico de Joan Didion en la Sala Margarita Xirgu del Teatro Español
El arte y por supuesto, el teatro, han de tener una función que ayude a la sociedad a encontrar luz en la oscuridad de su tiempo. Hay espectáculos que alivian los desastres diarios a través del humor o nos distraen de problemas cotidianos, otros nos conmueven para sensibilizarnos con según qué tema…Todos son beneficiosos para el espectador de algún modo pero, pocas veces, el teatro consigue, de alguna manera, que salgamos sanados espiritualmente. En muy pocas ocasiones, la catarsis ante la obra, nos hace entender mejor el sentido de la existencia. En El año del pensamiento mágico de Joan Didion hay la narración de unos acontecimientos terribles y como, la protagonista real de la historia, es capaz de sobrevivir a ellos para crecer humanamente, todo esto es gracias al texto, a la actuación precisa y emocionante de Jeannine Mestre y a la dirección que Juan Pastor hace, ese trabajo que cuanto más invisible es, más útil resulta.
Adolfo Simón
Mujeres y criados de Lope de Vega en el Teatro Español
El reestreno de la inédita obra de Lope de Vega: «MUJERES Y CRIADOS», escrita hace más de 450 años, muestra la atemporalidad de los conflictos planteados por los clásicos. Esta comedia de enredo confronta el camino del amor, al frecuentado camino del miedo.
La resplandeciente luz de las mujeres en esta ágil pieza, nos deja una sabia enseñanza: la maestría del amor solo tiene un camino, su práctica.
Es reseñable el respeto que el autor muestra por la mujer, declarándose contrario a la convención social de que la misión de las mujeres sea satisfacer los egoístas deseos paternos, o el capricho sexual del noble de turno, en nombre del amor.
Para el escritor, el ser humano ha de acometer una gran tarea: ser feliz y disfrutar completamente de la VIDA.
El amor de las mujeres lopescas es amable, responsable. Abre todas las puertas. Experimenta la vida como si de un juego se tratase, nada hay que no sea posible, todo lo puede.
Inés nos habla de cómo al amar a otro no necesitas sentirte amada. El amor femenino halla respuesta en los celos masculinos, en ese confuso y débil camino del miedo, en el que das esperando recibir a cambio, siendo ésta la fuente de todo dolor. El camino del amor no espera que nada suceda, es incondicional, ignora la posición social y las bajas pasiones, aunque derrocha arrojo y valentía para confesarle al amado su firme deseo de no escuchar permanentes imprecaciones.
El amor encarnado por Violante se halla en todas partes, en la compasión, a pesar de su dicha, del doliente y aunque no falta a la verdad, atiende y aconseja al desamor, en una inversión de roles, en la que la romántica desesperanza habita en el corazón del hombre.
La publicidad de la obra obvia el compromiso del dramaturgo con los grupos más desfavorecidos socialmente, decantándose por una incomprensible cosificación del ser humano. La elegida y engañosa imagen orgiàstica, contrasta con la equidad de un sugerente mensaje en boca de Violante: «mujeres y criados pueden revolver España».
Paloma Martín
«El Señor Ye ama los dragones» en Matadero Madrid
«El Señor Ye ama los Dragones» nos sumerge en una ciudad lúgubre, apestada y que se equipara a una gran colmena, una colmena humana donde conviven las abejas obreras, los zánganos y las abejas reinas. A través de un pequeño cuento sobre un hombre que quería adorar a los dragones, pero no era cierto, ya que por lo que realmente se sentía atraído era por el ser mitológico y no el real, se nos plantea una dramaturgia perfecta, concisa y con la duración necesaria para meternos de lleno en el fenómeno de la inmigración china en las grandes ciudades y el despropósito que ha causado en las clases «acomodadas» representadas por las señoronas de un barrio bien de la ciudad.
Merecen especial mención Gloria Muñoz y Lola Casamayor en su compromiso con la interpretación de sus personajes. Gloria Muñoz, metida en la piel de la abeja reina sigue a la perfección su papel, embuchada en ese abrigazo de señora arreglada, con su cardado que se retoca deliberadamente y cada vez que exige el libreto (porque lo exige literalmente) y Lola Casamayor encarna la vecina que ya ha visto de todo y a la que le da lo mismo ocho que ochenta mientras no le quiten su dulce diario y su televisión a todo volumen. Ellas recrean este thriller cañí como si hubiesen vivido toda la vida en esos pisazos decorados con el gusto más refinado de los sesenta, con su refinado gusto por el encaje. Además, la exigencia de el libreto de incorporar a actrices chinas, ya que el autor partía de la investigación en el teatro entre dos culturas y lenguas diferentes, aporta una nota original en el reparto, incorporando a dos estupendas actrices chinas como son Huichi Chiu y Chen Lu
Muchas veces un «cuento chino» nos ayuda a abrir los ojos y bajar a la tierra para darnos de bruces con la realidad porque detrás de las pequeñas historias hay grandes consejos. Paco Bezerra es especialista en escoger temas sociales actuales y maquillarlos de esperpento valleinclanesco, barnizarlos con toques cañís y rebozarlos con salsa agridulce para que salga una obra luminosa, atrayente e interesante para cualquier persona, como dice él desde un punky hasta una señora del barrio de Salamanca.
Luis Luque le ha dado un acabado final exquisito que coloca a cada personaje en el plano intelectual que merece y además lo enmarca en la escenografía, también plenamente acertada que nos sugiere una mezcla de muralla china a través de unas escaleras que asemejan la muralla por donde transitan los cuatro personajes de panal en panal. Además infunde a cada personaje una extraña mezcla entre la forma de interpretación china y la occidental.
En definitiva, una galleta de la suerte rellena con palabras de sabiduría en forma obra para todo el mundo: actores, directores y público.
Luis Mª García Grande
Celestina y Don Juan again
De vez en cuando, vuelven a los escenarios los personajes clásicos con piel añeja o renovada… Suele inquietar a los jóvenes creadores la idea de cómo serían hoy aquellos mitos de la literatura y a menudo, encontramos que siguen conviviendo con nosotros reencarnándose constantemente. Sabido es de todos que Charo López es una gran actriz y que en los escenarios se encuentra como en el salón de su casa, en este caso no se sube a ellos a darnos lecciones de sexo si no a darnos guiños biográficos de ese personaje eterno que ya es: Celestina. En una propuesta muy sencilla e íntima, casi al oído del público nos va contando confidencias acompañada de música y canciones. La sala pequeña del Teatro Español, recién nombrada Margarita Xirgu, nos ha deparado grandes momentos con intérpretes geniales.
Y en otro espacio, cerca del Barrio de las Letras, en el Teatro del Arte, Auto(in)definido cuyo subtítulo es el Don de Juan se ha presentado dentro de Surge Madrid de la mano de los integrantes de Teatro Acción Candente y como se puede suponer por el título, es una mirada actual al mito de Don Juan, tratando de encontrar otro prisma del personaje que pocas veces se observa, la culpa del personaje y el arrepentimiento por todas sus tropelías realizadas y sus consecuencias.
Adolfo Simón
Nina de José Ramón Fernández en Teatro Guindalera
Todos hemos sido Nina alguna vez…o peor, seremos Nina en algún momento de nuestra vida. Aún revolotean en mí cabeza algunas imágenes del estreno de este texto de José Ramón Fernández en lo que todavía era la cafetería del Teatro Español antes de convertirse en la Sala II. Es lo que tiene de bueno el paso del tiempo, que el disco duro de la cabeza va acumulando información. Las comparaciones son odiosas y no creo que tenga sentido comparar aquella propuesta hiperrealista con esta que juega a eso que tan de moda está ahora en los escenarios y que nunca se termina de saber si es una elección estética o una cuestión de producción, me refiero a «jugar al teatro dentro del teatro»…A mostrar el proceso más que el resultado. Aquí, hay un espacio único que contiene todos los elementos para llevar a cabo la acción o la no acción. Tengo la sensación de que estoy más a favor del texto en este momento, creo que vivimos un momento en el que entendemos perfectamente que Nina se haya convertido en un juguete roto del sistema y sin embargo, desde la propuesta actoral me llega más clara la idea del castigo a un personaje que no ha aceptado las reglas del juego por una rebeldía sin justificación profunda. Una propuesta dura que hay que digerir con templanza.
Adolfo Simón
Denis Rafter: «El teatro es, y debe ser, fundamental para cualquier sociedad.»
¿Cómo surge el proyecto que estrenaste en el Teatro Español?…Háblanos del texto y del montaje…
Desde hace 30 años estoy haciendo un monologo sobre Oscar Wilde que llevé por medio mundo incluyendo el Festival de Edinburgo. Pero ahora con mi propia experiencia de la vida, sus altas y bajas, me di cuenta que Wilde hablaba sobre cosas muy profundas sobre el comportamiento del ser humano. Me di cuenta que no obstante sus obras nos hacen reír por su frivolidad, la grandeza de él es en su gran humanidad. Y eso es lo que quería comunicar en Beloved Sinner. El texto tiene mucho de Wilde pero también hay mucho de mi tanto en el contenido que en mi interpretación de Oscar. Como cualquier papel me gusta que el público no sabe donde esta Oscar y donde esta Denis en el personaje.
¿Cómo ha sido el proceso de creación?…
La obra estaba creciendo dentro de mí durante años. Y de repente no podía dejarlo más sin darle forma y finalmente una representación por delante de un público. He hecho mucha investigación sobre Wilde durante sus últimos años de vida, a través de lo que el mismo decía y escribía y lo que decía sus amigos e incluso sus detractores. Por encima de todo quería ser justo con él y no tapar tampoco sus errores y debilidades. Hacerlo diferente hubiera sido una traición de él y de mi mismo.
¿Hay algún referente técnico o artístico del que has partido para crear esta puesta en escena?…
Antes de todo quería hacerlo minimalista para no distraer al publico de la esencia de Wilde y sobre todo, de la belleza y sabiduría de sus palabras. Las hojas de otoño son de mi jardín y era una decisión por accidente. Mientras estuve sentado en un banco al aire libre cayo una hoja roja, más que cayó fue flotando hacia mí y me inspiró. Otra decisión muy importante era sobre la caracterización de Wilde. No tengo pinta de Wilde para nada y poner maquillaje hubiera quedado en caricatura y en el ridículo. Entonces confiaba en el poder de mi interpretación, es decir, conseguir que el público se olvide de las apariencias para enfocar solo en los sentimientos y espíritu del personaje.
¿Por qué haces teatro?…
Nací actor; no puedo evitarlo. Es un don que no puedo ignorar. Me siento vivo cuando doy cuenta que por algo estoy aquí en este mundo. No hay nada más vital que escuchar las risas, los sollozos, la respiración de un público sea en China, España, Irlanda o cualquier otro país.
¿Qué balances haces de tus trabajos como director y actor de teatro?…
Creo que en los muchos años que llevo trabajando en España he aportado algo diferente a los escenarios españoles, no digo mejor o peor, pero si diferente. Normal… ¿no?. Soy un actor formado por tres culturas, el irlandés, el inglés y el español. Cada una me ha influido de una manera fuerte, única y original. Entonces cuando hago un Calderón o un Shakespeare lo hago con ojos de un irlandés; y cuando hago un autor irlandés estoy influido por mis experiencias en España. Como actor siempre he tenido que romper cualquiera barrera de idiomas; por eso me concentro en las emociones, porque son universales. Y como maestro de actores comparto mis ideas con la inocencia y alegría de un niño.
¿Qué función crees que ha de tener hoy el teatro para la sociedad en la que vivimos?…
El teatro es, y debe ser, fundamental para cualquier sociedad. En la historia universal y desde tiempos antiguos siempre ha sido así. Es un instinto natural del ser humano. Durante los primeros años, los niños hacen teatro. El teatro es una de las puertas hacia la felicidad, la espiritualidad y lo sentimental del ser humano. Es un lenguaje que rompe barreras y que puede también romper perjuicios. Nos hace pensar, contemplar y comprender las cosas más profundas de la vida. Perderlo es un riesgo que no podremos permitir.
¿Cómo crees que está afectando la subida del I.V.A. y los recortes al teatro en España?…
Después de decir lo que acabo de decir sobre la importancia del teatro puedes imaginar el disgusto que tengo por la locura de la I.V.A. actual en España sobre un arte y un instinto natural de cualquier ciudadano. Incredulidad ante unos políticos tan insensibles. Me preocupa que toda una generación de actores, autores y directores estén sufriendo tanto por su arte y por la ignorancia de unos pocos.
¿Qué obra de teatro has visto últimamente?¿Qué te pareció?…
Vicky Peña en Long Day’s Journey into Night de O’Neill. Genial, es una gran actriz.
¿Proyectos?…
Nada más volver después de Navidad he escrito y dirigido una obra sobre Teresa de Ávila que se estrena hoy sábado en la Iglesia de Santa Teresa en Ávila. Y he de hacer una gira con Beloved Sinner. Pero un proyecto que tengo en mente desde hace tiempo es escribir un libro sobre el teatro.
¿Se pueden hacer propuestas combativas de teatro hoy?…¿Qué les dirías a las nuevas generaciones del teatro?…
El teatro es un camino duro y difícil. Pero hay que seguir con ilusión. Si uno siente, en lo más profundo de su alma, la necesidad de compartir sentimientos, es un valor sin precio. Y otro consejo… Intenta no dejarte engañar por gurús falsos o profetas que engañan. La única verdad es lo que uno siente dentro de sí mismo. El mejor lugar para que un actor combata, es sobre el escenario con un buen teatro que transcienda sobre ideas parroquiales y menores.
Oscar de la Fuente: «Me encuentro vivo haciendo teatro.»
¿Cómo fueron tus inicios en el teatro?…
La verdad que jamás me planteé ser actor, ni por asomo, con 20 años empecé haciendo teatro aficionado en mi pueblo por casualidad, tenía un amigo que estaba en el grupo de teatro y un día me dijo que fuera con él, que me lo pasaría bien, fui un sábado, mi amigo no apareció y … Ahí cambió todo, aquel día descubrí algo dentro de mí que jamás había sentido. Desde entonces actué con mi grupo de teatro aficionado, Teatro Tierra se llamaba, hacíamos muchas funciones, ahora que lo pienso más que algunas compañías profesionales ahora en los tiempos que corren, en fin, al año siguiente entré en la Escuela de Arte dramático de Valladolid y antes de acabar la escuela ya estaba trabajando profesionalmente con la compañía Rayuela Producciones, continué con otras compañías de Valladolid y castilla y león, hasta que en el 2008 me vine a Madrid a formar parte del elenco de la Abadía.
¿Realizaste otras facetas además de la actuación?…
Pues fíjate en las compañías de provincias se hacía de todo, allí decíamos que actuábamos para descansar, porque cargábamos la furgo, conducíamos, descargábamos, montábamos el escenario, pecheábamos, programábamos la mesa de luces, actuábamos, desmontábamos, cargábamos de nuevo la furgo y volvíamos a conducir de vuelta, imagínate si hacíamos otras facetas además de actuar, actuar era lo más fácil.
Pero si te refieres a que en una compañía, Guetto 12/26, hice el espacio sonoro, no se me daba mal, también hice de técnico de luces y diseños de luces para alguna compañía, hasta que un técnico me dijo que lo hacía muy bien, que me planteara que es lo que quería ser si actor o técnico, a la semana siguiente me llamaron para hacer otro diseño de luces, dije que no.
¿Qué es el teatro para ti?…
Vaya pregunta, uff, para mí es una forma de vivir, de ver la vida, seguramente suene a tópico pero es así, yo soy con el teatro, me encuentro vivo haciendo teatro.
…¿Por qué haces teatro?..
Porque no sé hacer otra cosa, porque es una necesidad vital, cuando cierro los ojos antes de entrar a escena algo dentro de mí se coloca en su lugar, siento que me transformo y mi alma comienza a respirar, todo se coloca, todo toma lugar, si pudiera compararlo a algo supongo que sería algo así como entrar en trance, el hecho de enfrentarme a retos cada vez que me proponen un proyecto me hace sentirme vivo.
Creo que si no fuera actor sería cocinero o pondría una ferretería.
¿Qué balance harías sobre tu trayectoria?…
No lo sé; gracias a amigos, profesionales y compañeros que han confiado en mí como Fefa Noia, Carlota Ferrer , Ernesto Arias, a los cuales conocí en La Abadía, gracias a ellos estoy donde estoy, y por supuesto a muchos otros, creo que la trayectoria, al menos la mía se ha ido forjando al lado y gracias a grandes profesionales.
¿Qué función crees que ha de tener el teatro para la sociedad de hoy?…
No creo que el teatro deba tener ninguna función, qué función tiene la pintura en la sociedad de hoy, o la música, o la danza, si te soy sincero no se responder a esta pregunta, creo que el teatro tiene una función por sí misma, el teatro crea ya preguntas.
¿En qué proyectos has participado durante el último año?…
LOCOS POR EL TE, protagonizado por María Luisa Merlo y Juanan Lumbreras, dirigido por Quino Falero, estuvimos 6 meses en el Alcázar, fue una experiencia maravillosa, nos lo pasábamos como enanos y el público también, teatro comercial que yo no había hecho nunca y me parece que si tengo la oportunidad volveré a repetir.
LA NARCISA para Storywalker, una maravillosa iniciativa de Kubik Fabrik que lleva el teatro a la radio. AYUDA de Maria Goos, dirigido por Fefa Noia. EL FEO esta vez de protagonista, todo un éxito, desde agosto hasta diciembre con público hasta la bandera en el Teatro Lara. AMAME una versión libre de Misery, dirigido por Adriana Roffi y donde comparto escena con Carlota Ferrer, lo creamos para la pensión de las pulgas. LOS NADADORES NOCTURNOS, una joya de texto de JM Mora, dirigido por Carlota Ferrer, en este tipo de trabajo es donde me encuentro como pez en el agua, explorando, trabajando investigando, proponiendo, jugando , me siento muy orgulloso de ser un nadador nocturno , un trabajo en el cual hemos aportado todos los actores , carlota nos ha permitido jugar y crear con ella y con Mora, creo que Carlota esta reinventando el teatro, y lo está haciendo muy bien, atención a Carlota Ferrer, y atención a Los Nadadores Nocturnos.
Ahora están de gira, yo me reincorporaré en cuanto pueda.
50 VOCES PARA DON JUAN dirigido por Mario Gas, un acto en benéfico de FEDER (Federación Española de Enfermedades Raras) donde 50 actores dábamos voz a los personajes de la obra, junto a grandes actores como Asunción Balaguer, Carlos Hipolito, Mauel Galiana, Fernando Cayo…
y LOS CUENTOS DE LA PESTE de Mario Vargas Llosa , dirigido por Joan Ollé, para el Teatro Español…
Háblanos de ellos…
Todos ellos me han dado muchas alegrías,
En Locos por el Te emprendí mi primer proyecto en un espectáculo “comercial» donde aprendí mucho, nos lo pasábamos muy bien creando con Quino, había momentos de los ensayos que teníamos que parar los ensayos porque nos meabamos literalmente de la risa, si pudiera volvería a repetir
La Narcisa, fue una mañana grabando en el bar barajas cerca de la Kubik un audio para una de las historias creadas para Storywalker junto con Fernando Soto, Ana Cerdeiriña y otros compañeros, con la dirección de Fernando Sánchez Cabezudo, una historia real del barrio de Usera.
Ayuda, fue un montaje que hicimos porque el texto nos gustaba muchísimo, habla sobre un hombre de negocios que tiene que estar postrado en la cama por una hernia y su “ayuda domestica” le atiende en ese tiempo, un texto que habla de cómo nos engañan en los negocios, sobre quien ayuda a quien, muy pronto en la cuarta pared tendréis la oportunidad de verlo, junto con David Luque.
El Feo, que ya lo habíamos hecho lo retomamos para hacerlo en el teatro Lara, habla en forma de comedia sobre la obsesión de la belleza, de las vicisitudes de Lette alguien muy feo que se opera para ser más guapo.
En Ámame, empezamos a trabajar sobre el texto original de Misery, pero nos dimos cuenta que era más interesante darle una vuelta, y es lo que hicimos, junto a Adriana Roffi y Carlota Ferrer que protagoniza esta pieza estupenda.
Con Los Nadadores Nocturnos, tengo que reconocer que tengo especial cariño, aparte de que Carlota Ferrer, la directora, se ha rodeado por un magnifico elenco, Miranda Gas, Esther Ortega, Marcos Marín, Jorge Machín, Joaquín Hinojosa, Paloma Díaz, Ricardo santana, Alberto Velasco; el trabajo y la investigación mano a mano, que en cada función cambia y está vivo, junto a Carlota y JM Mora ha sido el componente más importante de este proyecto, un texto que habla sobre la sociedad actual , con una poesía brutal , nos envuelve en una sociedad en la cual todo se vende y se compra y todo está a punto de estallar. Creo que Carlota esta reinventando el teatro con una nueva forma de trabajo, atención a Carlota Ferrer y a los Nadadores Nocturnos.
50 voces para don Juan… en todos ellos con unos compañeros formidables y es que el teatro una de las cosas más maravillosas que tiene son las familias que creas en cada proyecto.
Y ahora estoy en el Teatro Español representando Los Cuentos de La Peste…
¿Cómo surgió tu participación en Los cuentos de la peste…?…Háblanos de este trabajo…
Pues surgió porque el director, Joan Ollé vino a ver los nadadores nocturnos, y me dijo después que me quería hacer una prueba, estaban buscando a “Pánfilo”, el personaje que hago en la función, me preguntó si podía hacer mil personajes a la vez, si hacía acrobacia, malabares, yo por supuesto le dije que sí, y a la semana siguiente estaba haciendo la prueba.
El trabajo ha sido todo un lujazo, imagínate, con un premio Nobel como compañero, es todo un acontecimiento, todo el equipo tanto técnico cómo artístico hemos estado trabajando a tope para llevar a escena el texto de Mario.
Empezamos ensayando en la sala de abajo del Teatro Español, esperando a que prepararan el escenario en la sala grande del español, han levantado todo el teatro y dispuesto un escenario a cuatro bandas, nosotros actuamos en el patio de butacas, ahora convertido en una villa de Florencia, creo que hacía mucho tiempo que no se hacía algo así.
Trabajábamos e íbamos montando las escenas con el director y era muy bonito ver como a Mario se le iban iluminando los ojos y la sonrisa a medida que iba viendo como sus personajes y su obra cobraba vida. La verdad que ha sido muy fácil con compañeros como Aitana Sánchez Gijón, Pedro Casablanc, Marta Poveda y el propio Mario Vargas Llosa.
¿Cómo creas tus personajes?…¿Tienes un método?…
Depende de las necesidades del montaje, de su naturaleza, de los compañeros, va surgiendo poco a poco con los ensayos, pruebas muchas cosas y un día…¡¡Zas!! Aparece el personaje.
¿Método?, tengo mi propio método, supongo, fruto de una mezcla de aprendizajes, pero no siempre uso las mismas herramientas, como te he dicho depende de muchos factores.
Para mi crear es como cocinar, la cocina es la sala de ensayos, vas probando, utilizando los ingredientes perfectos hasta que das con la receta perfecta, y le das el perfecto toque de sal, emplatas… y sirves.
¿Cómo crees que están afectando los recortes y el aumento del I.V.A. a los proyectos de teatro?…
Están aniquilando el teatro, están acabando con las nuevas propuestas, con los nuevos talentos, sólo las grandes producciones y los viejos barcos subsisten, además nadie se arriesga, y algunos programadores de teatros menos, cuando son los que deberían arriesgarse, pero como la mayoría son funcionarios… bueno esto sería un articulo a parte, en fin… es una vergüenza que la cultura este considerada un lujo.
¿Qué montaje que hayas visto últimamente, te ha interesado? ¿Por qué?…
¿Proyectos?…Entremeses, y Hacía la alegría, los dos montajes los vi en la Abadía. El primero es una reposición por el 20 aniversario, un acto de precisión actoral, un montaje que tiene 20 años y parece nuevo.
Hacía la alegría es una lección de buen hacer de uno de los mejores actores de España, Pedro Casablanc, impresionante.
¿Proyectos?…
De momento acabo en el español y me voy al CDN pero ya te iré contando según se vayan haciendo realidad, de momento nada es seguro.
¿Alguna sugerencia para seguir creando en tiempos de crisis?…
Soñar, Sonreír y Amar, que de momento es gratis.
La sesión final de Freud de Mark St. Germain en el Teatro Español
De la escena hacia el interior del teatro, todo es truco y mentira…con estos elementos se consigue crear, en la mente del espectador, todos los paraísos imaginables. El actor sabe que trabaja entre paredes de papel y un suelo de cartón pero es capaz de transformar esa irrealidad para que la historia sea contada, donde no puede haber mentira es en el patio de butacas, el público es necesario que no esté pintado o desconectado porque la magia de la escena se evaporará. Ayer, en la función a la que asistí, Helio Pedregal tuvo que interrumpir la función porque un espectador se dormía en la primera fila…No somos conscientes de que el teatro es un ritual entre dos, actor-espectador y que si uno falla, todo el castillo imaginario se derrumba. Aún así, pudimos ver un duelo interpretativo inquietante, el que realiza el propio Helio junto a Eleazar Ortiz, gracias a ese pulso, asistimos al debate entre C.S. Lewis, con su vitalidad y optimismo, un hombre que está en su momento profesional más álgido y Freud gravemente enfermo y desencantado que encara la recta final de su vida. Este pulso entre estas dos personalidades tan fuertes, se enmarca en un momento histórico tan dramático como el comienzo de la Segunda Guerra Mundial…Y suspendida en el aire, quedó una sensación extraña…¿Esto ocurrió hace medio siglo o ayer?.
Adolfo Simón
Premios ADE en el Teatro Español
Esta noche, en una ceremonia sencilla y emotiva, se han entregado los premios ADE 2014…Las Medallas de la Ade han sido otorgadas a Iago Pericot, Frederic Roda y Ernesto Caballero entre otros…
La Tarasca a Lucila Maquieira por su aportación a la relación cultural entre Uruguay y España.
El Premio José Luis Alonso ha recaido en Ricardo Campelo.
El Premio a la mejor Traducción teatral a… Denis Rafter y Manuel Vieites.
El de Estudios Teatrales ha sido para Blanca Baltés.
El de Mejor Iluminación para Juan Gómez Cornejo.
El de Figurinismo teatral para Ana Rodrigo.
y el de Escenografía se ha otorgado a Juan Sanz y Miguel Ángel Coso.
El Premio de Honor para Iago Pericot y el Premio Adolfo Marsillach a una labor cultural significativa a José Sanchís Sinisterra.
Premio ADE 2014 a la mejor dirección ha recaido en Javier Hernández-Simón por Los Justos.
QRLA
Carlos Martín-Teatro del Temple: Creo que mis sueños se han ido cumpliendo
¿Cómo fueron tus inicios en el teatro?.. Muy divertidos, en la escuela de teatro lo pasamos fenomenal y en nuestro primer colectivo teatral, Akratea Anemosa allá por los ochenta, todo fue una fiesta.
¿Por qué haces teatro?… Por despistar a la realidad.
¿Tu función en el teatro lo has compatibilizado con otros trabajos?… No ha hecho falta siempre he trabajado en esto.
¿Qué balance harías sobre trayectoria?…
En el teatro siempre se empieza, yo llevo treinta y dos años y estoy empezando.
¿Cuál ha sido la evolución del Teatro del Temple?…
Empezamos como compañía independiente, con un estilo mas personal y vamos creciendo hacia una estructura mas compleja donde la coproducción y la colaboración con otras empresas es primordial. Ahora somos también co-gestores de un espacio escénico integral, El Teatro de las Esquinas, de Zaragoza, con 500 butacas que se convierte en auditorio para 1000 personas, cuenta también una escuela de mas de trescientos alumnos, servicio de restaurante y cafetería. Es nuestra tercera temporada y estamos satisfechos.
¿Qué diferencia hay para ti del teatro que se hacía en tus principios al que se hace hoy en día?… El teatro en los ochenta era mas orgánico, mas impulsivo, basado en intuiciones; ahora se meditan mucho mas las propuestas y se tiene mas en cuenta al espectador.
¿Cómo surgen las ideas de los proyectos que se ponen en marcha en la Compañía?…
Las ideas vienen de muchos lados, unas responden a necesidades personales y creativas, otras son fruto de propuestas externas y otras surgen de del afán de colaborar con otros colectivos.
¿Ha sido importante tener unos colaboradores habituales en los equipos artísticos y técnicos?… Fundamental, las tareas tiene que estar repartidas y cada uno tiene que especializarse en su área, sin perder nunca la capacidad de coordinarse con el resto.
¿En qué proyectos has participado durante el último año?…
He dirigido la puesta en escena de Ricardo III para el Teatro Español, de DAKOTA de Jordi Galceran y Arte de las putas , adaptación de José luis Esteban, ambas para Teatro del Temple.
Háblanos de Ricardo III y de la obra que estrenáis en el Fernán Gómez…¿Cómo surgieron?…¿Cómo ha sido el proceso?…
RicardoIII ha sido un proyecto emocionante, hemos hecho una gran familia entre todos los actores y el equipo técnico, además el publico ha respondido llenando el teatro en todas las funciones. Hace mas de veinte años que Juan Diego y yo hablábamos de trabajar juntos y al final el sueño se ha cumplido.
En el Fernan Gomez presentamos Arte de las Putas, «una historia de amor». Es una propuesta de José Luis Esteban, actor con el que llevamos muchos años colaborando. La adaptación del texto de Nicolás Fernández de Moratin nos pareció una idea sugerente e ingeniosa y decidimos apoyarla desde la dirección artística y desde la producción.
¿Qué proyectos tienes entre manos?…
Lo más próximo una coproducción entre Teatro del Barrio, La Rambleta y Teatro del Temple: Las Guerras correctas, escrita y dirigida por Gabi Ochoa. Tenemos tres proyectos en preparación, pero hasta que no se concreten no podemos hablar de ellos. Entre tanto sigo con la dirección artística del Teatro de las Esquinas y de Teatro del Temple.
¿Hay algún proyecto que nunca pudiste realizar y te gustaría?…
Creo que mis sueños se han ido cumpliendo. Quizá la ópera es el deseo pendiente.
¿Cómo crees que están afectando los recortes y el aumento del I.V.A. a los proyectos de teatro?… Los proyectos de teatro salen adelante porque los artistas se dejan la piel en ellos, la calidad sigue siendo alta, el publico sigue apoyando, pero las resistencia del sector a unas condiciones tan penosas económicamente pesan mucho. Esta situación tiene que resolverse, no tiene ningún sentido, la cultura es un valor que define la identidad de un país y además genera riqueza.
¿Qué montaje que hayas visto últimamente, te ha interesado?…¿Por qué?…
El Misántropo, por su dinámica escénica y su originalidad dramaturgica.
¿Alguna sugerencia para seguir creando y haciendo teatro en tiempos de crisis?…
Hacer, no parar, colaborar, hasta que superemos la crisis, como el cuento de la rana y la mantequilla.
Richard Collins-Moore: Cuando te sientas en una butaca es para que te levantes de ella alterado y/o dispuesto a reflexionar.
¿Cómo fueron tus inicios en el teatro?…
Empecé por el año 1993. En el ’92, haciendo un trabajo de animación en un barco crucero atracado en el puerto de Barcelona, conocí a dos actores (uno catalán y otro italiano, parece un chiste…) y decidimos formar una compañía de teatro. Nos llamábamos Los Los y creamos a lo largo de unos 8 meses y a partir de la improvosación – fuimos muuuuy lentos – un espectáculo que empezó a ganar premios y buenas críticas. Fue un comienzo muy afortunado, la verdad, aunque…
¿Realizaste otras facetas además de la actuación?
…dentro la compañía yo hacía «los números», es decir la parte de la contabilidad, y me encargaba del tema de la distribución. Vi ya desde mis inicios que eso de tener una compañía propia de teatro es una locura que requiere mucho esfuerzo, a pesar de «disfrutar» del IVA al 16%. Al cabo de cuatro años me quedé agotado y pasé a trabajar con la compañía Dagoll Dagom. Cuenta ajena, salario fijo mensual. Un sueño…
¿Qué es el teatro para ti?…
Vivir intensamente durante el tiempo que estás encima de un escenario.
¿Por qué haces teatro?…
¡Buf! Dios sabrá… Es algo así como una atracción fatal. No sabes bien por qué lo haces pero lo necesitas.
¿Qué balance harías sobre tu trayectoria?…
Siempre he dicho que soy el actor guiri más afortunado de España – siempre con los altibajos que sufrimos todos – pero aún así me han dado papeles de cierta envergadura dado mi perfil y estoy muy contento y agradecido. He hecho de todo, hasta un par de zarzuelas…
¿Qué función crees que ha de tener el teatro para la sociedad de hoy?…
Esta pregunta parece invitar una respuesta sobre la capacidad revulsiva que tiene el teatro. La oferta teatral es amplia y responde a criterios que van desde la denuncia al puro entretenimiento. Cualquiera vale en cualquier momento y no soy nadie como para decir el teatro tiene que ser así o asá. Creo que lo esencial, al menos por lo que a mí se refiere, es que cuando te sientas en una butaca es para que te levantes de ella alterado y/o dispuesto a reflexionar.
¿En qué proyectos has participado durante el último año?… Háblanos de ellos…
El último año ha sido el año de La Llamada que ha estado de gira después de su inesperado éxito en el Teatro Lara (al que hemos vuelto esta temporada para estar un buen rato más). Aparte de La Llamada hemos empezado un proyecto con la dramaturga María Velasco y el director Diego Domínguez, Infamia, una especie pseudomusical tragicómico sobre Oscar Wilde que parte de las actas judiciales del proceso al fue sometido el escritor.
¿Cómo surgió tu participación en la obra La llamada?…Háblanos de este trabajo…
Me llamó un día Javier Ambrossi (co-autor y co-director) al que conocí en la producción del Teatro Español de Beaumarchais a las órdenes de Flotats. Cuando me explicó lo que se me pedía (hacer de Dios que canta por Whitney Houston) me quedé como cualquiera se quedaría: extrañadísimo. Me presenté a la primera lectura con cuatro maravillosas actrices y con cierto sentimiento de incredulidad y salí de ella con una sonrisa de oreja a oreja pensando «¡A por ello, oiga!» Todos nos lanzamos a lo kamikaze y fíjate si teníamos razón… Siempre me dicen, «No sabía que cantabas». Y qué bien que ahora se sepa, porque es una pasión mía.
¿Cómo creas tus personajes?…¿Tienes un método?…
Poco misterio, la verdad. Se trata de créerselo. Si no me lo creo yo, ¿cómo voy a querer que me crean?
¿Cómo crees que están afectando los recortes y el aumento del I.V.A. a los proyectos de teatro?…
Mal, mal, mal. Sin más. De todas maneras el gran problema sigue siendo que los ayuntamientos tienen mucha jeta a la hora de pagar.
¿Qué montaje que hayas visto últimamente, te ha interesado?¿Por qué?…
Confieso que voy poco al teatro. Me vienen a la cabeza dos montajes: Sexpearemente de Sexpeare por su locura, su alegría, su personalidad propia e inconfundible, su amor incondicional por el teatro y su voluntad hacer de cada montaje suyo un acontecimiento insólito que te saca de tus casillas. Y El Tesorero, montaje de José Ignacio Tofé que vi en la Pensión de las Pulgas y ahora está a punto de estrenarse en El Teatro Lara. Una comedia con dos actores sobre el omnipresente caciquismo que nos invade la sobremesa a diario.
¿Proyectos?…
Hay Llamada para rato y a mover lo de Infamia, que puede que aparezca a prinicipios del 2015. Ya os diré…Se podrá ver en este mes de enero en Nave 73.
Sueños y visiones del rey RICARDO III De William Shakespeare en el Teatro Español
¿Es posible encontrar la emoción sanadora, allí donde residen las palabras más dolorosas y terribles? ¿Nos sentimos transportados, fascinados, al contemplar la devastación total? ¿Qué hay allí, en la frontera entre la razón y el desvarío? ¿A qué desoladas playas del misterio nos arroja? ¿Por qué el dolor está tan cargado de hermosas palabras? ¿Es posible que, en lo más profundo de la tragedia, allí donde el ser humano ha sido arrastrado por el caos, el miedo, la angustia, la turbación máxima, sople una brisa depurativa y se escuche una catártica y embriagadora letanía de mujeres bañadas en duelo? ¿Queda algo tras la destrucción brutal, tras el paso del más feroz huracán emocional? ¿Es posible encontrar respuesta allí, donde algo se rompió en nuestras entrañas, allí, donde habita la enfermedad, el más desgarrador trauma, la deformación? ¿Es posible encontrar allí, un momento de conciencia total y definitiva?. Todas estas preguntas se ha hecho el director de escena Carlos Martín para abordar este clásico de Shakespeare en versión de José Sanchís Sinisterra, creando una propuesta de atmósfera opresiva y desasosegante.
Adolfo Simón
Beloved Sinner, una creación de Denis Rafter en el Teatro Español
Beloved Sinner es un monólogo sobre los últimos años de Oscar Wilde que aborda la figura del escritor como héroe tragicómico, un héroe en el sentido de la tragedia griega: un hombre que se autodestruye dejándose vencer por la debilidad de su condición humana. La sala pequeña del Teatro Español nos está deparando gratas sorpresas en esta temporada. En esta ocasión, hay la ocasión de asistir a una clase magistral escénica. Denis Rafter es actor, director y escritor pero sobre todo es un hombre de teatro con una larga y rica trayectoria. Tomar un café con Denis o asistir a un ensayo suyo o verle es escena es la oportunidad de descubrir y conocer el complejo mundo del teatro. Aquí, con la excusa de Oscar Wilde, nos acompaña durante hora y media para mostrarnos la belleza y el horror de la creación. Una oportunidad única de asistir y disfrutar de lo que hay más allá del escenario. Y además, el espectáculo es en inglés con subtítulos en español.
Adolfo Simón
La plaza del Diamante de Mercè Rodoreda con Lolita en el Teatro Español
La plaza del Diamante, de Mercè Rodoreda, se desarrolla en los años de la posguerra. Cuenta la historia de Natalia «La Colometa» una chica que se siente perdida en el mundo. Huérfana de madre, verá partir y morir a sus seres queridos, pasará hambre y miseria y se verá muchas veces incapaz de sacar adelante a sus hijos. Durante los aplausos, alguien gritó…¡Viva la madre que te parió!… Seguramente, la gran Lola Flores habría estado muy orgullosa al ver el trabajo exquisito que hace Lolita Flores en el escenario de la sala II del Teatro Español. Una interpretación delicada y profunda, llena de matices emocionales. Un trabajo sencillo en la puesta en escena pero de gran calado interpretativo.
Adolfo Simón
Paco Montes: El teatro es un arma de destrucción o de construcción, poco masiva, pero muy efectiva
¿Qué es el teatro para ti?…
El teatro es un arma de destrucción o de construcción, poco masiva, pero muy efectiva.)/
¿Cómo fueron tus inicios en el teatro?…¿Realizaste otras facetas además de la dirección?…
Comienzo en 1985 en el taller de la Facultad de Filología de la Universidad de Sevilla. Montamos una versión de El Sueño de una Noche de Verano. Después entró en un taller de Pepa Gamboa, donde elijo la música, llevo las luces, escribo y actuo, y más tarde dirijo. Montamos Fando y Lis, y escribo Tres Retretes, pieza basada en Comedia de Samuel Beckett. Esta experiencia moldea mi visión de enfrentarme al teatro, que concibo de forma global.
¿Qué balance haces de tu trayectoria?…
Tengo la sensación que comienza ahora. Es un estado de ánimo que me ha aportado el nacimiento de mi hija en septiembre de 2013.
¿Cómo surgen las ideas y los proyectos en los que te embarcas?¿Qué te anima a participar en ellos?…
El inicio casi siempre está en la literatura, si durante la lectura las imágenes y las emociones me sacuden, hay un principio de proyecto. Luego intervienen muchos factores para que se transformen en realidad.
¿En qué proyectos has participado durante el último año?…
El Feo, de Marius von Mayenburg, que surge de una lectura dramatizada de autores alemanes contemporáneos en el Teatro Español. Y Katiuskas, de Antonio Rojano, muestra del trabajo de los entrenamientos de Actoral Lab.
¿Cómo ha sido el trabajo con los actores?…¿Y en el espacio del Hall del Lara?…
Los ensayos con los actores de El Feo han sido, sobre todo, muy divertidos. Se crea una atmósfera de generosidad que potencia la expresión. Creamos un semimontaje en 9 días y el espectáculo en 10. No hizo falta más tiempo.
Cuando entramos en el Teatro Lara ya hemos rodado la obra en Teatro del Arte. Los ensayos en el hall van solos.
¿Cómo crees que están afectando los recortes y el aumento del I.V.A. en los proyectos de teatro?…
Las políticas del gobierno nos demuestran que en este país todavía quedan sectores que actúan movidos por el rencor y la envidia. El 21% de I.V.A. es una venganza.
¿Alguna sugerencia para seguir creando en tiempos de crisis?…
Intentar ofrecer cada día más calidad.
Gustavo Tambascio nos habla sobre su larga trayectoria en la escena.
¿Qué es el teatro para ti?…
UN SITIO DONDE NO ENVEJECEMOS. DONDE NUESTRA CABEZA SE MUESTRA AL MUNDO CON CON EL ESCUDO DE UNA SEMI-INVISIBILIDAD, QUE ATENÚA LA IMPUDICIA DE ABRIRLA. DONDE EXISTIMOS A TRAVES DE ESE OTRO INSUSITUIBLE QUE ES EL ACTOR. DONDE, COMO DIJO ANTOIONE VITEZ HACE MUCHÍSIMOS AÑOS, NOS ESCONDEMOS COMO EL TITIRITERO QUE LE SEÑALA AL PÚBLICO QUIÉN ES EL MALO Y QUIÉN EL BUENO. EL LUGAR QUE LEGITIMA OBSESIONES QUE EN LA VIDA PRIVADA PUEDEN LLEGAR A SER HARTANTES.
¿Cómo fueron tus inicios en el teatro?…¿Realizaste otras facetas además de la dirección?…
ME SUBI A UN ESCENARIO COMO ACTOR A LOS CINCO AÑOS EN LA COMAÑIA DE TEATRO INFANTIL DE MI HERMANA LUZ. A LOS 16 YA HABÍA CONSTATADO QUE NO ERA POR ALLÍ Y ESCRIBI ADPATACIONES DE MI ADMIRADO EMILIO SALGARI PARA LA RADIO, FUI AYUDANTE EN LA TELEVISIÓN ARGENTINA, TRABAJÉ EN PRODUCCIÓN, HICE UNA ADAPTACIÓN TERRORÍRIFCA DE LA VIDA ES SUEÑO A LOS 22. TRABAJÉ EN LA ÓPERA EN TODAS LAS CAPCIDADES POSIBLES (MENOS CANTANTE, SE ENTIENDE), Y DEBUTE COMO DIRECTOR A LOS 32, EN CARACAS, CON PULCINELLA DE STRAVINSKY Y LUEGO IONE DE PETRELLA Y DIDO Y ENEAS DE PURCELL. ESE MISMO AÑO ESCRIBÍ MI PRIMERA PIEZA, «LA VIUDA DEL MAJESTIC», PARA DOS ACTORES TRAVESTIDOS Y AL AÑO SIGUIENTE (1982) DIRIGI MI PRIMER TEXTO DE PROSA. LA MONUMENTAL SAGA DE ELISA LERNER «EN EL VASTO SILENCIO DE MANHATTAN», UNA OBRA CONSIDERADA IMPOSIBLE, CON MÁS DE 50 PERSONAJES. ¡LA INCONSCIENCIA DEL DEBUTANTE!!!!!!.
¿Qué balance harías sobre tu larga trayectoria?…
HABER LOGRADO VVIR DEL ESPECTÁCULO, CON LOS ALTIBAJOS Y LOS TERRORES E INCERTEZAS QUE ENCIERRA, ES ALGO QUE NI YO MISMO ME PUEDO CREER. ME GUSTARÍA HABER ESCRITO MÁS O HABER SIDO UN DIRECTOR DE CINE, QUE TIENE ALGO QUE MOSTRAR A SUS NIETOS, FRENTO AL HECHO EFÍMERO DEL ESCENARIO. CREO QUE, SOBRE TODO, UNA VIDA DE ENCUENTROS, EN DISTINTOS PAISES, INCLUSO EN DISTINTOS IDIOMAS, ENCUENTROS CON SERES EXTRAORDINARIOS, MOMENTOS DE INTENSIDAD EXTREMA, ICNLUSO SOBRECOGEDORA. UNA CARRERA EN LA QUE HE TRATADO DE CUMPLIR CON PROFESIONLAIDAD Y A LA VEZ SER ÉTICO. PERO EL BALANCE SÓLO SE CIERRA CON TU EXTINCIÓN FÍSICA., HACE TRES MESES, VIENDO EL ESTRENO DE MI «IFIGENIA EN TARURIDE» DE GLUCK, EN SAO PAULO, ME SOPRENDI LLORANDO EN EL SEGUNDO ACTO. HABIA LOGRADO DESPRENDERME A TAL PUNTO QUE SENTÍ LA COMPASIÓN Y EL TERROR DE LOS GRIEGOS, LA IDENTIFICACION BRUTAL CON LOS DESTINOS Y TRIBULACIONES DE ORESTES, DE PILADES, DE IFIGENIA (ayudado por ese templo que te contiene, que es la música de gluck). PENSÉ ENTONCES, QUE AUNQUE SOY UN VIEJO, HAY SIEMPRE EMOCIONES INESPERADAS. Y QUE POR MUCHA EXPERIENCIA QUE TENGAS, NI EL TEMOR NI EL SENTIDO DE LO SAGRADO TE ABANDONAN DEL TODO.
¿Cómo surgen las ideas y los proyectos en los que te embarcas?¿Qué te anima a participar en ellos?…
EN LOS ÚLTIMOS AÑOS SIEMPRE HE TENIDO LA RELATIVA FORTUNA DE QUE VINIESESN A OFRECERME TÍTULOS. ME AYUDA ALTERNAR EL TEATRO CON LA OPERA Y, ESTANDO MUY LEJOS DE SER UN DIRECTOR ESTRELLA DE ESTOS INTERNACIONALES, PODER TRABAJAR EN DISTINTAS PLAZAS. DURANTE MUCHOS AÑOS FUI SIEMPRE YO QUIEN LO PROPONÍA Y EMPUJABA HASTA EL FINAL. COMO IMAGINARAS, INFINIDAD DE PROYECTOS SE QUEDARON POR EL CAMINO. TENIA UN VIEJO ORDENADOR NO COMPATIBLE, EN EL QUE LA ACUMULACION DE SINOPSIS, PRESUPUESTOS, PROPUESTAS Y DEMAS, QUE JAMAS VIERO N LA LUZ, ME PRODUCÍA UN VÉRTIGO ENORME. DESDE QUE HICE FRANKENSSTEIN EN EL 2010, NO HUE VUELTO A PROPONER NADA. PASAR LA BARRERA DE LOS 60 me trajo algunos regalos extraordinarios, como hacer la Lulú de Alban Berg, que se llevo el premio de la critica brasileña hace dos años.
¿En qué proyectos has participado durante el último año?…
IFIGENIA EN TAURIDE en Sao Paulo, el musical infantil Pinocho, El Greco decís?, una pieza a propósito del cuatricentenario del gran pintor, otro espectáculo a propósito de los 430 años del Teatro Español, ambos escritos por el Bachiller Arnel, un hombre de singular prosa aracaizante..
Háblanos de tu puesta en escena de El loco de los balcones…
ME CUESTRA MUCHO TRABAJO DEFINIR, CONCEPTUALIZAR UNA PUESTA. CREO QUE SE TRATÓ DE CREAR EL MUNDO SOÑADO, ESE RECINTO ESTÉTICO AMURALLADO EN QUE VIVE EL PROTAGONISTA, COMPONER DE ALGUNA FORMA UN TODO ESTÉTICO E IDEOLÓGICO QUE ENMARCARA ESE PECULIAR DRAMA PEROSNAL. TENIENDO UN ACTOR DE LA DIMENSION DE SACRISTAN, TIENES UNA PARTE FUNDAMENTAL DE UNA OBRA COMO ESTA. EN LA SINTONIA CON ÉL, EN EL ACUERDO SOBRE LA PROPUESTA ESCÉNICA DESCANSA UNA RACIÒN SUSTANCIAL DEL TRABAJO. LUEGO ENCONTRAR LOS ACTORES QUE CIERREN ESE UNIVERSO. EN FIN, TRES PUNTOS FUNDAMENALES, PARA SER SIMPLEMENTE DIDÁCTICO: 1) SERVIR AL TEXTO; 2) ponerme al servicio de los actores; 3) ABRIR MI PROPIA CABEZA EN EL ESCENARIO, CON LA ENMASCARADA IMPUDICIA DE LA QUE TE HABLABA ARRIBA.
¿Cómo ha sido el trabajo con los actores?…
DISTINTO EN CADA CASO. ALGUNOS SON VIEJOS CONOCIDOS. A OTROS LOS ESTABA DESCUBRIENDO. EN CUALQUEIR CASO, SIEMPRE SE TRATA DE SUSCITAR, DE EMPUJARLOS EN LA DIRECCIÒN QUE CREES CORRECTA. DE DARLES EL VEHÍCULO PARA QUE SAQUEN LO MEJOR DE SÍ MISMOS. NUNCA DE IMPONERLES FORMAS ARBITRARIAS DE ESTAR O DE DECIR. ELLOS ENTRAN CON SUS EMOCIONES Y SU MAYOR O MENOR BAGAJE EN UNA ARQUITECTURA DE LA CUAL, EN MUCHOS CASOS, ES BUENO QUE NO SEAN TOTALMENTE CONSCIENTES, PORQUE ESO RESTA ESPONTANEIDAD A SUS ESTADOS DE ANIMO Y REACCIONES. YO LES COLOCO EN UN COTO, EN UN RECINTO FORTIFICADO Y A VECES FÉRREAMENTE TRAZADO, PERO ELLOS ALLÍ JUEGAN CON SUS PROPIAS ARMAS. Y, DESDE LUEGO, ESTÁ «EL PLANETA SACRISTÁN», CUYOS DESTELLOS, VAPORES, LUCES, CLAROSCUROS, SOMBRAS, IRRADIACIONES ATRAEN, ENVUELVEN O RCHAZAN LOS ASTEROIDES QUE GRAVITAN EN SU ÓRBITA.
¿Hubo algún tipo de trabajo con el autor?…
VARGAS LLOSA ES UN HOMBRE QUE DEJA UNA GRAN LIBERTAD. CLARO ESTÁ, YO NUNCA ME PROPUESE RE INTERPRETAR O RE SIGNIFICAR SU TEXTO, SINO SERVIRLO, UNA VEZ QUE CREI TENER CLARO QUÉ SE CUENTA Y QUE ÉL ACEPTASE CÓMO QUERÍA CONTARLO. UNA VEZ ACORDADO ESO, TODAS LAS INFORMACIONES Y DATOS DE LA REALIDAD QUE ÉL APORTA, SON DE UNA ENORME RIQUEZA. GUARDANDO LAS SIDERALES DISTANCIAS ENTRE UN ILUSTRE COMO ÉL Y UN SER DEL MUNDO DE LOS MORTALES, COMO YO, AMBOS SOMOS HOMBRES DEL CONTINENTE AMERICANO, CON UN PIE COLOCADO ALLÍ Y OTRO EN EUROPA. ESTO HA CREADO ENTRE NOSTROS, DESDE LA ESTÉTICA HASTA LA MÚSICA, UNA COINCIDENCIA TÁCITA PRÁCTICAMENTE TOTAL.
¿Cómo crees que están afectando los recortes y el aumento del I.V.A. en los proyectos de teatro?…
PARADÓJICAMENTE, AUQNUE LA SITUACIÓN ES TREMENDA, VEO UNA VITALIDAD EN LOS TEATREROS JÓVENES, UN DESEO DE HACER QUE QUIZÁS ANTES ADVERTÍA MENOS. LOS CHICOS YA NO RECORREN LOS CASTINGS PARA VER SI LOGRAN ENTRAR EN UNA SERIE O EN UN GRAN ESPETACULO. INVENTAN, SE AGRUPAN. ALGO QUE MI COMPATRIOTA MIGUEL ANGEL SOLÁ HABÍA ECHADO TANTO EN FALTA EN UNA CONVERSACIÓN QUE TUVIMOS HACE MÁS DE DIEZ AÑOS. DICHO ESTO, EL 21 POR CIENTO DE IVA ES UNA ATROCIDAD.
¿Qué montaje que hayas visto últimamente, te ha interesado?¿Por qué?…
TENGO AMIGOS QUE ESTAN EN MUCHOS ESPECTACULOS. NOMBRAR ALGUNO Y DEJAR OTROS, SERÍA UN AGRAVIO COMPARATIVO.
¿Alguna sugerencia para seguir creando en tiempos de crisis?…
IVENTAR, INVENTAR, INVENTAR…..
¿Proyectos?…
VOY A DALLAS EN ENERO A HACER UN ESPECTÁCULO DE TONADILLAS, DESPUÉS DE HABER ABIERTO CAMINO CON LA ZAZRUELA BARROCA. SERÁ NUEVAMENTE EN EL FABULOSO CITY PERFORMANCE HALL, LOS TEXTOS EN INGLES, LAS PARTES CANTADAS EN CASTELLANO. LLEVO ESCENÓGRAFO, VESTUARISTA Y COREÓGRAFO ESPAÑOLES. LUEGO AL ARRIAGA PARA LA GAVIOTA, UN REGALDO DE ESOS QUE TE HACEN DE PASCUAS A RAMOS. UN CHEJOV! (A MI ME CAYÓ UN TIO VANIA EN PAMPLONA, SOPRESIVAMENTE, HACE 14 AÑOS). y Luego a Manaos, al AMAZONAS, DONDE HICE LULU, PARA EL TROVADOR.
EN EL 2016 VOY AL REAL CON EL EMPERADOR DE LA ATLANTIDA, UNA PIEZA TREMENDA ESCRITA POR VICTOR ULLMAN EN EL CAMPO ESCAPARATE DE HITELR PARA LOS JUDÍOS, EL THERESIENSTADT, Y A ESTADOS UNIDOS, PARA EL «ACHILLE IN SCIRO» de Courcelle.
El loco de los balcones de Mario Vargas Llosa en el Teatro Español
El teatro ha de ser un espacio donde podamos reconocernos todos de algún modo, en ese ritual colectivo hemos de sentir que el discurso de la escena es un cauce por el que navegamos todos. El loco de los balcones es un hermoso cuento en el que lo viejo y la belleza son animales en extinción por una sociedad depredadora que solo piensa en prosperar a partir de destruir la memoria. Es verdad que en medio de ese cuento se cuela el debate sobre si es más importante salvar las cosas o dar de comer a quién no tiene sustento. Pero…¿No es igual de importante el alimento físico que el espiritual?¿No será un problema de este mundo que habitamos que no deja espacio al sustento básico necesario para ser hombres y no animales?. La historia tiene muchos componentes literarios pero también tiene una trama que va desvelándose poco a poco ante los ojos del espectador. Todo transcurre en un espacio a medio camino entre la ensoñación y la cruda realidad, ese toque mágico ayuda mucho al desarrollo de la acción. El equipo de actores está muy bien en sus múltiples caracterizaciones gracias a la precisa dirección de Gustavo Tambascio pero, si hay una razón por encima de todas para ir a ver El loco de los balcones es por ver a ese inmenso actor que es José Sacristán. Su presencia en escena, incluso en los silencios, es emocionante, por momentos es un balcón más que se vuelve frágil ante un mundo deshumanizado y de golpe se convierte en un quijote que lucha hasta la extenuación. José Sacristán es un actor de raza, curtido a base trabajar y trabajar…Da gusto verle con tanta generosidad en escena, no se pierdan esta oportunidad, ya quedan pocos hermosos balcones de los de antes, de esos que no deberían desaparecer nunca.
Adolfo Simón
¿Qué nos espera en la próxima temporada en los Teatros oficiales?…
Centro Dramático Nacional
Más info: cdn.mcu.es
Compañía Nacional de Teatro Clásico
Más info: teatroclasico.mcu.es
Teatro Español
Más Info: http://www.teatroespanol.es
Teatros del Canal
Más info: http://www.teatroscanal.com
Teatro de la Abadía
Más info: http://www.teatroabadia.com
Teatro Real
Más info: http://www.teatro-real.com
Teatro de la Zarzuela
Más info: teatrodelazarzuela.mcu.es
Latente de José Maya en el Teatro Español dentro de Suma Flamenca
‘Latente’ es un trayecto original que nos lleva a lo más profundo del alma del bailaor. En este espectáculo José Maya persigue la fuente de su instinto. En esta búsqueda constante surge progresivamente un espíritu ancestral que guiará al artista a descubrir sus raíces íntimas. José Maya nos invitó a compartir su viaje interior para alcanzar un destino final, un estado de libertad. A través de la pantalla traslúcida, descubrimos al bailaor fundiéndose con las imágenes grabadas, con sombras, lluvia y haces de luz…Es una forma de surgir de la oscuridad hacia la luz de la expresividad a la fuerza del gesto y la magia del movimiento. Después llega la guitarra y las voces…y el rito se repite una vez más.
Adolfo Simón
Que Revienten los Artistas 
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