Buscando a Carmen en Sevilla
En estos tiempos en que todo va tan deprisa, en los que se emplea la palabra investigación o proceso alegremente, es una oportunidad única la que ha propiciado la SGAE para que un grupo de profesionales de la danza, la música, el audiovisual y las artes escénicas nos encontremos en una ciudad como Sevilla para nutrirnos de especialistas sobre el mito de Carmen como son Luis Francisco Martínez Montiel o José Manuel Rodríguez Gordillo y que, por la tarde, nos encontremos en sesiones de trabajo práctico con creadores como Teresa Nieto, Antonio Álamo, David del Puerto o Pablo Berger. El viaje no ha hecho nada más que empezar, solo llevamos dos sesiones, pero ya se huele el perfume de Carmen en el aire.
Adolfo Simón
Antipasti travesti
Ya estamos hartos de esos sandwiches pastosos del Rodilla, así que nos ponemos manos a la obra y salimos a cenar. Para saborear un buen plato es necesaria una buena receta acompañada de ingredientes de calidad y un poquito de maña. Para saborear una buena noche de Madrid hay que encontrar esos «ingredientes» y mezclarlos bien. Primero nos dirigimos a comprar al Teatro Nuevo Apolo donde nos esperan Bimba Bosé y Julia de Castro que nos preparan unos «entremeses» buenísimos a base de harina y buena música italiana de los años 70. Esa que todos cantamos mientras cocinamos y con la que aflora todo nuestro «espíritu karaoke». Las chicas se lo han montado bien entre cazuelas, están espectaculares vestidas como auténticas divas a la italiana y con unas coreografías sencillas pero resultonas gracias al leopardo y la lentejuela.
Nos reímos con la interpretación de Parole, parole y bailamos con el explota explotame explo.. de la Carrá, disfrutamos cuando bajan a cantar con nosotros y a acercarnos sus carnes tersas mientras cabaretean un rato vestidas con delantal.
Una vez más Bimba se aprovecha de su androginia para crear un dúo a lo Grease y poner toda la carne en el asador y mira, salimos más que cenados de este espectáculo… pero nos falta algo, así que, animados por el travestismo de Bimba, nos dirigimos al primer aniversario del club Ciclogénesis en el bar Mind the Gap, donde nos espera nuestro postre: Blas Nusier y Christian Galindo Gómez nos sorprenden con sus performances imposibles y su desfachatez, pero siempre con un toque dulce.
Luis Mª García Grande.
Historias naturales, un proyecto de Miguel Ángel Blanco en el Museo del Prado.
El Museo del Prado es el gran templo del arte en nuestro país, entrar en él es como sumergirse en el tiempo y la historia de la pintura y la escultura. Hay un cierto respecto cuando se atraviesan sus salas por la solemnidad de lo allí expuesto. Dentro del programa destinado a las familias, han organizado un recorrido por la exposición de Historias naturales, proyecto de Miguel Ángel Blanco, que atraviesa el museo y se instala junto a alguna de las obras conectadas con lo natural. Y para hacer atractivo este recorrido se ha teatralizado un viaje que realiza un fauno de la mano de los niños allí convocados. El fauno se ha perdido en el museo y necesita volver a reencontrarse con la naturaleza…Esta es la premisa que permite que un grupo curioso se mezcle entre los turistas y visitantes locales. Sebastián Moreno da verosimilitud al fauno y atrae a los niños a su curioso viaje, gracias a la complicidad de los pequeños, el ser mítico volverá a reencontrarse con su espacio vital. Una actividad recomendable que termina en una sesión de taller donde los niños y padres construyen elementos a partir de la inspiración del recorrido.
Adolfo Simón
Nico Grijalba nos cuenta su experiencia en «Tres-en-una»
«Tres-en-una» dirigida por Adolfo Simón y escrita por Nico Grijalba, Carlos Be y Ángel Abascal PRORROGA sus funciones en DT espacio escénico los días 7 y 8 de marzo a las 23.00 hs.
El autor de «Espe» nos habla de cómo se fraguó la obra…
RETRATOS DE UN MUNDO NUEVOLa realidad, como decía Nabokov, está demasiado sobrevalorada. Lo mismo que opina Nicolás Grande, que pinta y repinta con savia de papel couché a sus artistas. Para Nicolás no basta con la absurda realidad, siempre hay que darle un borbotón de color, un ojo morado, la coleta azul y una dama de alta alcurnia pasada por el cálido limón de una cera de color.Nicolás Grande existe, no es ficción, es el motor y el alma por el que el proyecto escénico Tres en Una echó a andar hace unos cuantos meses. [Ahora se puedes ver en el Espacio DT: tímido, dominguero, ojeroso, no dejen de ir al teatro, es un arma cargada de saliva].Pues bien, un buen día el director y dramaturgo Adolfo Simón me citó en una whiskería de mala muerte del centro de Madrid. Putas a borbotones y botones descosidos, mucho olor a fritanga, bravas y tal. Él se pidió su cocacola con mucho limón, yo, creo que pedí un whisky con agua. A lo que vamos. “Necesito que escribas un texto sobre Esperanza Aguirre”, sentenció. Mis ojos hicieron carambola. ¿Esperanza Aguirre? Tamaño personaje, la Comunidad de Madrid en la garganta. Siguió explicando: “Tres en Una versará sobre tres personajes femeninos claves de esta España nuestra. A saber: la Duquesa de Alba, la Baronesa Thyssen y nuestra querida –retintín, retintín- Esperancita”.Llegados a este punto observé si quien se estaba bebiendo el whisky era yo o era Adolfo. Él seguía con su cocacola. Todo en orden. O más bien, bienvenidos al desorden. Por si las bravas y las putas nos parecían poco, y el camarero subiendo y bajando el Sálvame, Adolfo sacó de una carpeta una docena de retratos imposibles de clasificar.Oligofrenía Mon Amour, pensé yo para mis adentros.Los retratos representaban caras semi-conocidas, escocidas, desprendían familiaridad de espanto y de cariño, el dibujante –quienquiera que fuese- prestaba mucha atención a la bisutería, a los distintos cortes de pelo, también al tallaje y a las narices. ¿Quiénes son?, me preguntó Adolfo. Son maravillas de la naturaleza, respondí yo.
Me contó que los dibujos pertenecían a Nicolás Grande, un anciano nacido en 1925, que desde su retiro en una residencia castellanoleonesa no paraba, cada día, a cada hora, de dibujar y dibujar. Su método de trabajo es puramente warholiano: con el¡Hola! como inspiración, reinterpreta a todas aquellas damas que pueblan este BOE visceral. Cientos de dibujos, de retratos – hechos con pinturas plásticas- de artistas de relumbrón, ricas y famosas, labios finos de la España finisecular. Sin quererlo, o queriendo, vete a saber, las neuronas son muy presuntuosas, Nicolás Grande en su retiro de transistor y jersey de pico, le imprime a la actualidad del ¡Hola! una cierta pose picassiana y un aleluya de Matisse. Por supuesto que Tita Cervera, Doña Cayetana y Esperanza están entre sus preferidas; él conoce a las musas de este dintel algo cochambroso llamado Spain.El whisky se acabó. Adolfo ya tenía en su telaraña a otros dos ideólogos: Carlos Be se quedaría con Tita, y Ángel Abascal con Doña Cayetana, ye-yé de Alba. La menestra teatral estaba servida.Meses después se hizo carne esta exposición-teatro. El artefacto funciona, precisamente, por su carga explosiva. La gente piensa que aquellas obras de Nicolás Grande son producto de la imaginación de algún zascandil pensador, pero no: Grande, ajeno al runrún de la ciudad y al compadreo de la cultura, sigue pintando y dibujando a sus chulas favoritas. Malena Polo se desgañita por poner en pie a estas insignes representantes de su especie, borda sin la burla del imitador las fisuras de estas tres, también de Anita, Ana Botella, tres en una, no lo olviden. Relaxing Tararí Que te Vi. El sirviente (interpretado por Luis María García) sabe que aquellos retratos que cuelgan de las ominosas paredes tienen memoria.Que sí, que ya lo dijo Nabokov que también, por cierto, estudiaba a los lepidópteros, pero hoy Nicolás Grande le ha pintado un culazo a Beyoncé que ya quisieran las de Rubens…NICO GRIJALBA
ESCENOGRAFÍA Y PLÁSTIICA TEATRAL en la obra de José Luis Raymond
Pensar en el espacio escénico ha sido pensar en el volumen que él representa. Estos conceptos fueron surgiendo en mi trabajo ya desde muy joven, puesto que siempre he visto al cuerpo como objeto en un espacio rodeado de otros objetos y en conjunto participando de un todo, con el color, la luz, la textura y su contextualizad. Podríamos decir que son las bases de la composición plástica, pictórica, llevada a la tridimensionalidad.
Es cierto que estas ideas me llegan desde muy joven, donde percibo y trabajo con la plasticidad y la forma a la hora de contar una historia teatral. Intuitiva pero que a lo largo de mi carrera se va concretando en ciertas obras y que se aproxima a los desarrollos de otros autores y artistas anteriores a mí. Descubro un camino que tenía que seguir y que en España en los años 70 y 80 faltaba por desarrollar, solamente se presentaba en la plástica como los desarrollos de los performances y las acciones teatrales, sin la dramaturgia visual como desarrollo y estudio del hecho teatral.
El crear espacios teatrales incluyendo las historias que contar o expresar fue lo que me llevó a desarrollar un trabajo que por mi mentalidad abstracta, me hacía huir de la narración convencional aristotélica. Esta idea ya se trabajaba en artistas y escénicos del este de Europa, además de ser escenógrafos, también utilizaban la historia teatral para dirigir sus propios espectáculos, llamados Directores de Teatro Plástico y que hoy en día siguen desarrollando esa labor investigativa. Con esta figura me identifiqué desde el primer momento, siendo E. G. Craig, Tadeus Kantor, La Bauhaus y las corrientes de las vanguardias históricas las que hicieron que me fuera conformando mi pensamiento teatral plástico y espacial.
Con estos elementos como conceptos para entender el mundo de la representación, más los estudios en Bellas Artes y en teatro hace que funde una compañía de teatro,” Intervalo Teatro Studio de Bilbao” y “La Escuela de Teatro de Getxo,” donde pongo en práctica la concepción plástica teatral alejada de la decoración tradicional y el desarrollo escultórico de los personajes junto con sus movimientos y sus acciones como objeto escénico y narración o dramaturgia visual del espectáculo. Polonia en los últimos años del comunismo, hace la labor siguiente, la de concretar el trabajo anteriormente estudiado y céntralo en lo que iba a ser mi trabajo presente.
Mi llegada a Madrid fortuitamente hace el resto. Sigo con el desarrollo de trabajo en la Dirección escénica plástica y comienzo con la investigación de introducir estos procesos en los estudios de la RESAD, donde sigo en la actualidad enseñando y mostrando estas premisas de espacio plástico. Este trabajo lo compagino con la creación de espacios escénicos y escenografías para compañías privadas o estatales. Pedagogía y creación, dos elementos necesarios para seguir creando y enseñando. Arte y vida.
A través de estos años me he encontrado siempre con un dicotomía entre la investigación plástico espacial y la narración teatral. Cómo introducir los conceptos plásticos contemporáneos en la actualidad teatral? Esta pregunta es la que me ha llevado a la investigación desde la enseñanza a la creación teatral. Por un lado sigo trabajando con los estudios espaciales en el ámbito de la narración teatral y que en pocas ocasiones se pueden presentar en escena y por otra, un desarrollo escénico más tradicional donde me encuentro con equipos que no conocen el desarrollo plástico contemporáneo y siguen pensando en conceptos que dejan poco ámbito a la creación e investigación, resintiéndose la puesta en escena.
Después de más de 30 años de profesión el balance es positivo en cuanto sigo trabajando por adaptación al medio y por conocer el espacio de creación que se produce en el país, y donde la investigación desde hace pocos años ha comenzado a institucionalizarse con profundos estudios y donde se ha hecho que la enseñanza teatral sea un espacio creativo y el teatro una pedagogía investigativa.
Montenegro es ese espacio donde las ideas anteriores se expresan con claridad. Espacio y cuerpo, espacio y objeto. Escenografía al completo.
Desde hace bastantes años trabajo con el dramaturgo y director de escena Ernesto Caballero y hacemos un buen tándem de conocimiento escénico y personal. Imprescindible para entender el pensamiento de la puesta en escena. Es este compendio de entendimiento y gusto por una determinada mirada de ver la plástica y el universo teatral, el que hace que Montenegro sea otro trabajo más a preparar con minuciosidad y proceso creativo. Ernesto desde el primer momento ya me comunicó la idea de un puente que reflejara, por una parte la trayectoria del personaje central de Montenegro, su recorrido y por otra parte el lado costumbrista de la zona donde se desarrollaban las tres historias. Galicia…El resto, quiero decir el concepto global de este personaje “el puente”, fue creciendo en color, forma, textura y luz a través de los ensayos y las necesidades que los actores iban necesitando para darle más vida, para ser un compañero más de actuación.
Al tiempo que se representaba Montenegro en el CDN, en la Sala Valle Inclán, se encontraba en cartelera otra obra también diseñada y realizada con Ernesto Caballlero, “Doña Perefecta” de Benito Pérez Galdós y que se reponía con el éxito de la temporada pasada.
Además había presentado en el Museo del Prado, otra escenografía para una obra de Calderón, “Dar todo y no dar nada” con dirección escénica de Nuria Alkorta, se reponía la obra “Málaga” con dirección de Aitana Galán, “Tres hermanas” de Chéjov con dirección de Jesús Salgado, y algunos montajes más con alumnos de la RESAD, sin olvidar el trabajo de investigación espacial al que sigo fiel.
En la actualidad estoy en dos proyectos escenográficos y dos Puestas en escena, sin confirmar, por lo que no puedo comentar nada hasta que no estén más desarrollados y avanzados los proyectos.
Algunos de estos posibles proyectos vienen dados si el famoso y aterrador 21% de I.V.A sigue afectando al teatro, al cine y en general a la cultura, tanto a los creadores como a los receptores del hecho creativo. Se siente y se percibe que han dejado de consumir cultura un gran número de público y esto está haciendo peligrar a los sectores culturales y sobre todo a los creadores. Solamente bajarlo y ponerlo al nivel de los países europeos, hará que haya una atracción más plena y más sugerente de atraer más público a los recintos artísticos.
Veo bastante creación artística tanto de los nuevos creadores porque me encuentro en la enseñanza de estos o de ideas de creadores que no siendo tan jóvenes realizan procesos en ocasiones más novedosos que los anteriores. Desde que se han institucionalizado las enseñanzas artísticas los procesos han evolucionado de tal manera que hoy en día hay pocas diferencias creativas entre países, aunque sí hay diferencias de realización y de concepto, y por sus presupuestos económicos sociales y culturales.
De esta manera, estoy viendo grandes ideas, buenos profesionales individuales, creadores que con otro proceso de trabajo y ayuda, estarían en la vanguardia universal y que se quedan mutilados por falta de estas ayudas y de tranquilidad creativa. La tranquilidad viene dada por la estabilidad emocional y por el apoyo moral a su trabajo.
En la actualidad la creación llega desde la necesidad, aunque esta siempre ha estado presente en el desarrollo creativo y nuestra generación ha crecido con ella, el teatro independiente de los 8o, era eso, la crisis actual. Ver, observar, ser curioso y trabajar son los conceptos para participar de la creación. La economía ayuda.
La formación escenográfica ha crecido y está comenzando a dar sus resultados más globales en las artes escénicas, desde que han aparecido los estudios específicos tanto de estos como de otras disciplinas artísticas. La escenografía siempre ha estado presente en nuestros teatros, mejores o peores, pero siempre han sido admiradas por el público porque les colocaban en espacios que imaginaban y que les gustaría estar. Los estilos artísticos les han acompañado, y se han ido desarrollando al tiempo que la evolución del arte. España ha tenido y tiene grandes artistas que las diseñan, que las hacen visibles para que el conjunto de creadores que trabajan en la escena, entre todo formen parte del cuadro viviente que es la escena.
Los escenógrafos actuales son los artistas actuales que reflejan lo que viven y lo que necesitan para contar sus historias de manera expresiva y que nos dan con su creación la posibilidad de dibujar el futuro, su futuro y nuestro futuro. Del arte a la escena y de la escena al arte.
MICROTEATRO POR DINERO EN LA FUNDACIÓN LÁZARO GALDIANO
El pasado 28 de diciembre, en una experiencia, que ya viene siendo habitual, Microteatro por dinero, desplaza sus obras a otros espacios distintos de su sede en la calle Loreto y Chicote de Madrid, y esta vez lo hace, ya es la segunda, a un marco incomparable como es la Fundación-Museo Lázaro Galdiano, unos jardines espléndidos, en pleno centro de Madrid C/ Serrano 122, enmarcan un palacete central que alberga el Museo propiamente dicho y otro más pequeño que alberga un salón/auditorio/teatro, entre otras dependencias. Microteatro se reparte en diferentes estancias para, manteniendo su espíritu, ofrecer dentro de la más estricta intimidad, la que se genera entre el público y los actores, una oferta teatral variada y siempre hermosa. En esta ocasión he tenido la suerte de ser convocado para una de las obras, y si siempre es ilusionante ofrecer tu trabajo, los actores necesitamos del público para vivir, son el fin último de nuestro afán y hacia el dirigimos todo el esfuerzo de nuestra vocación, el estudio de los textos, los ensayos, nuestros sinsabores, para al fin mostrar el resultado en el espacio escénico, que por obra y gracia de Microteatro pasa a ser el lugar donde además se ubican los espectadores, que pasan a formar parte de la escenografía y se convierten en auténtica figuración para las obras que se representan, en este caso el sitio en el que hemos representado las funciones te llena de una belleza especial, te motiva formar parte de un lugar tan hermoso. La oferta en esta ocasión se estructuraba en cuatro pases de cada obra, haciendo un descanso después del segundo pase para ofrecer un cóctel donde actores y público comparten y departen sobre sus propias experiencias mientras una copita y alguna exquisitez de comer hace amable el encuentro y luego los últimos dos pases que permiten calibrar el pulso de un público que se muestra siempre generoso y feliz por disfrutar de dos experiencias nuevas, una asistir a una función tan íntima como son las de Microteatro y otra la de encontrarte con los actores a los que acabas de ver en personaje y que pasan a ser ellos mismos. Un placer disfrutado con los cinco sentidos. El programa que se presentaba era:
Cuento Atrás
Texto y Dirección: David Ordinas
Intérpretes: Malia Conde y Gonzalo Alcaín
Mucha Mierda
Texto y Dirección: Nancho Novo
Intérpretes: Duna Santos y Ana del Rey
El Impostor
Texto: Caridad Fernández
Dirección: Darío Frías
Interpretación: Darío Frías, Jesús Granda y Jorge Pobes
La Hipoteca
Texto y dirección: Jaime Aranzadi
Intérpretes: María José del Valle y Ángel Savín
Seuls o la libertad para crear
Wajdi habla casi pidiendo perdón, muestra una timidez poco corriente en las grandes personas del teatro o de la vida pública. Para quien no sepa cómo es, se podría decir que tiene el aspecto de un profesor de matemáticas. Habla con su traductora como si le estuviese contando un secreto a espaldas del maestro que imparte una clase. Pero el maestro es él.
Wajdi habla de la libertad, de cambiar para no volverse loco. Hace cinco años sintió que tenía que despojarse de las obras que lo habían hecho conocido y reconocido en todo el mundo. Wajdi habla tan claro, es tan sincero y tan abierto que comprendo cada cosa que dice. No estoy tomando notas y creo que podría reproducir mañana o pasado o dentro de un año lo que él dice palabra por palabra. Y si se puede, suscribirlo debajo de su firma. Porque lo que él va diciendo es lo mismo que siento yo como autora, como persona de teatro.
Wajdi dice:
Lo que descubrí después de Incendies y Forêts fue algo que me pareció revelador, comprendí lo que realmente era importante para un creador: la indiferencia. No me refiero a la indiferencia hacia el mundo, hacia los problemas del entorno. Hablo de la indiferencia como punto de partida para la concentración. Necesitas esa indiferencia para que nada te distraiga de lo que tienes que hacer, no escribir lo que otros esperan que escribas, concentrarte en lo que tú quieres crear, aunque no sepas todavía el qué, pero nunca contar con lo que otros esperan de ti.
Se suele decir que los autores paren las obras, yo creo que las obras me paren a mí. Yo tengo dos madres: Incendies y Forêts, y tenía que matar a esa madres para crear en libertad, para desprenderme de la dictadura de una forma de hacer, de un lenguaje, de una estructura formal y conceptual porque si no más valía estar muerto.
No quería reescribir Incendies toda mi vida, no quería montar algo parecido a Forêts año tras año y me encerré en mi sala de ensayo. Quedaba conmigo mismo a las 2 de la tarde. No me permitía nunca llegar ni un minuto después de esa hora. Había que trabajar en serio, ser formal con el equipo, aunque el equipo solo fuera yo. Y me puse a trabajar un día y otro, de dos de la tarde a diez de la noche, sin saber a dónde iba, sin saber lo que quería contar ni cómo lo iba a hacer, pero con la tranquilidad de estar haciendo lo que quería: crear libremente, fuera lo que fuese.
Después de unos días perdido, de dos a diez, pensé en que podía empezar por mis recuerdos de infancia y le pregunté a mi hermana cómo era yo de pequeño y ella me respondió que era muy ordenado. Yo no me acordaba, sí recordaba colores y dibujos, pero no recordaba a qué jugaba yo, tampoco me especificó mi hermana un juego en particular. Así que ese día empecé a trabajar con el orden. Y para crear el orden tuve que partir del caos. Abrí cajas de lápices y los esparcí por el suelo, libros, revistas, papeles, cajas de cartón, muebles o elementos; todos los objetos desperdigados por la sala de ensayo pasaron a formar parte de ese caos. Y desde ahí empecé a probar con el orden. Me pasé días ordenando meticulosamente los objetos y me daba cuenta de que algo empezaba a surgir. A medida que los días pasaban, iba añadiendo a mi trabajo músicas que recordaba, de las que oían mis padres en el Líbano cuando yo era niño. Y sonidos: pájaros, campanas, el viento en los árboles, el sol. Lo que iba saliendo tenía que escribirlo inmediatamente y volver a incorporarme al ensayo.
También tuve que plantearme, ya que descubrí que iba a estar solo en el escenario, quién sería el interlocutor. Si hacer como Becket en Días felices o usar al público como si fuera una standup comedy. Eso fui decidiéndolo después.
Wajdi Mouawad dijo algunas cosas más, recordó las palabras que intercambió tras una representación con un espectador desconcertado, a quien solo le dio las gracias, porque Wajdi considera que al espectador hay que estarle siempre agradecido. Y comprendí que ese desconcierto forma parte de lo quiere crear Wajdi Mouawad con Seuls, o al menos lo que no le importa que suceda.
Y después de compartir con él su pasión por la libertad de crear y con la incertidumbre que había sembrado en nuestras expectativas, entramos en el teatro a ver la obra y pudimos descubrir quiénes decidió que fueran finalmente sus interlocutores. Y vimos que Lepage le había abierto su perspectiva teatral, le había introducido en el mundo del juego escénico, libre de tiempo y espacio, de realidad y ficción. Y en el escenario los elementos aparecen y desaparecen y ya estás allí o vuelves aquí… o viajas a San Petersburgo y solo hay una puerta, una luz, un traspasar el umbral. O una mirada que dirige al público y en un instante se traslada a esa cama imaginaria donde yace su padre. Y volvemos a estar presentes o ausentes tras el sonido de un teléfono.
Seuls es un ejercicio de libertad creativa, es un acto de dramaturgia libre, es una lección de poética de la escena, es una clase magistral de interpretación de la palabra y de la expresividad. Seuls es una obra inteligente y arriesgada, que transita por la desesperación y el sentido del humor. Es un texto lleno de acción, impregnado de imágenes y sentimientos, de filosofía y sensorialidad.
El teatro que me apasiona es el que me conmueve, el que me hace reír en un momento y emocionarme al instante siguiente, el que hace que el latido de mi corazón se sincronice con el del personaje. El que me descubre desgracias y maravillas sobre el ser humano y el mundo. Amo el teatro que me transporta y me transforma. Gracias, Wajdi, porque a ti hay que estarte siempre agradecida.
Carmen Losa
“A RAS DEL CIELO” de Horacio Alcalá
Hoy se ha presentado la premier de A ras del cielo de Horacio Alcalá en la Mediateca del Matadero de Madrid. Un viaje emotivo, lleno de imágenes y declaraciones de un grupo de jóvenes artistas del nuevo circo, ese que ya no tiene nada que ver con la doma de animales si no con la poesía y el riesgo físico. Durante casi hora y media viajamos por diferentes países y biografías de un grupo de jóvenes llenos de coraje que miran con fuerza y voluntad el futuro que hay a sus pies mientras surcan los aires.
Adolfo Simón
De cuentos y viajes
Por suerte para los niños de hoy que serán el público del mañana, a los gestores de actividades para público familiar se les ocurren ingeniosas ideas. En la Biblioteca José Hierro de Usera y gracias a la propuesta de Kubik Fabrik se ha podido visitar la Biblioteca de Cuerdas y Nudos de José Antonio Portillo. Una experiencia interactiva en la que los niños y adultos viajamos con la imaginación a través de múltiples objetos recopilados durante años por participantes de talleres que han indagado sobre la memoria y la comunicación. Seguro que los niños-as que asistieron a este viaje no lo olvidarán nunca. Y en el Museo de Arte Contemporáneo 2 de Mayo de Móstoles que celebra su quinto aniversario, para acercar al público familiar la exposición Sin motivo aparente, se han solicitado las habilidades de narración y plástica de Magda Labarga que ha creado un viaje a través de las obras, proponiendo a los pequeños de la casa una mirada diferente sobre el arte, al igual que en la anterior exposición, en esta, los asistentes, mirarán el mundo del mañana con otros ojos.
Adolfo Simón
El primer baile del Teatro de los Sentidos en el IDEM de La Casa Encendida
De niños pasaba los veranos en la casa de mi abuela, en el pueblo…Después de comer, me tumbaba en la hamaca que había en el patio, bajo la higuera…mientras mi abuela preparaba la limonada con menta, tarareaba coplas…y al son de su suave voz me dormía…no sé si era en el sueño o en el duermevela… pero en mi cabeza anidaban los gritos de los niños jugando al balón al otro lado de la tapia, los pasos de las muchachas cuando iban camino de la Iglesia, la música de jazz que siempre ponía a esa hora la señora Herminia…A veces llovía suavemente y las gotas se colaban entre las hojas de la higuera, acariciando mi frente…y de golpe…me sentía bailando entre los pájaros que revoloteaban por las nubes…
La memoria es un espacio donde se guardan los recuerdos que fueron y los que deseamos…Y al oler un limón o una ramita de menta, se activan y vuelven a merodear por nuestra cabeza…
El Teatro de los Sentidos ha mostrado en Madrid la experiencia creada durante un taller impartido en La Casa Encendida, dentro del Festival IDEM…No sé si lo que se ha despertado en mi imaginación con ese viaje fue algo que ocurrió en mi infancia o he construido un recuerdo de lo que me hubiera gustado vivir…Lo que sé es que he vuelto a casa tarareando una suave canción, feliz.
Adolfo Simón
3 proyectos, 3 encargos. Apuntes e impresiones.
Mi trabajo es mi manera de conocer el mundo, de pensarlo. Cada proyecto, tanto si se trata de un encargo como de un proyecto personal –he descubierto que eso no importa- se convierte en una herramienta, un instrumento para acercarme a algo que desconozco. No suelo tener esto presente cuando empiezo, imagino que no me serviría de nada, más bien me bloquearía. Comienzo a tientas y a tientas avanzo, fiándome de vagas intuiciones. Un día me sorprendo, sucede el descubrimiento y entonces me doy cuenta, comienzo a comprender algunas cosas. Así es, más o menos, como sucede. Aunque a estas alturas una sabe que por deformación profesional es fácil que se cuele algo de fábula en estas reflexiones. En cualquier caso, tanto si estos apuntes e impresiones son mis fabulaciones como si son otra cosa, me sirven para consignar fragmentos de lo pensado y aprendido con los tres apasionantes encargos que he realizado esta temporada: El lector de Romeo y Julieta, Mano a mano y Cuentos sin motivo aparente.
Los tres trabajos están ligados a tres espacios muy diferentes: el salón de una casa para El lector de Romeo y Julieta, un teatro para Mano a mano y un museo para Cuentos sin motivo aparente. Los lugares hablan, invitan a jugar de diferente manera, proponen relaciones. La casa impuso cercanía, intimidad, la experiencia del voyeur. El teatro, que asumió su condición de espacio de comunicación, sirvió para contar problemas de comunicación. El museo propuso un recorrido, una invitación a jugar con la distancia y el punto de vista. Los espacios dieron sentido y forma.
Uno. El lector de Romeo y Julieta
José Luis Sáiz me invita a revisar la obra de Shakespeare desde un personaje implicado en la tragedia: Fray Lorenzo. Entre los dos elaboramos la dramaturgia. El salón de su casa se convierte en “Sexto derecha”, un lugar de representación. En un primer momento, lo evidente (y divertido) es que un amigo me invita a jugar a su casa. Luego, la casa es lugar de trabajo, y José Luis, el actor generoso y arriesgado con el que me acerco por primera vez como directora a ese autor prodigioso e inagotable que es William Shakespeare. En el proceso, preguntas, descubrimientos, placer.
Seguir a Fray Lorenzo en Romeo y Julieta significa seguir a un hombre bueno que comete errores. Un insensato con buenas intenciones y sin fuerzas. Los grandes personajes de Shakespeare urden tramas, actúan y se observan actuar, reflexionan sobre lo que hacen. Fray Lorenzo urde una trama, una red en la que quiere atrapar a Montescos, Capuletos, a Verona. Pero es un mal dramaturgo, su propia red le atrapa, le falta grandeza para darse cuenta y actuar en consecuencia. Nuestro Lector percibe todo esto y decide poner a prueba al personaje, jugar con él, sin saber que, al hacerlo, está él mismo cayendo en otra red. La lectura de la obra se convertirá para el Lector en una toma de conciencia. ¿Quién es este Lector? ¿Qué hacemos para hablar acerca de lo que no podemos hablar? Harold Bloom dice en su Shakespeare. La invención de lo humano que las obras le leen mejor de lo que él las lee. Eso es lo que sucede en El lector de Romeo y Julieta.
Dos. Mano a mano.
Otro amigo me invita a jugar. Miguel Cuerdo me propone hacer un espectáculo de narración oral y lengua de signos junto a un artista sordo. No se trata de contar y traducir, me dice, “me gustaría que hicieras otra cosa”. Acepto. Tengo una sensación de lo que quiero, pero –y esto es curioso para alguien que se dedica precisamente a comunicar, a contar- me cuesta trabajo expresarlo con claridad. Menos mal que llamo a Eugenia Manzanera para dirigir. Su visión es esencial, su talento para la comedia, impresionante. Antes de comenzar los ensayos leo “Veo una voz” de Oliver Sacks. Gracias a él me doy cuenta de lo poco que sé. Inés Enciso, una de las productoras, me dice que no solemos definirnos por nuestras carencias, por lo que no sabemos hacer, sino por nuestras potencialidades, por lo que sí sabemos. Esa reflexión se convierte en un eje del trabajo. En el espectáculo, mis carencias y las de Christian Gordo, el artista sordo con el que trabajo, están al mismo nivel, jugamos con ellas. No hay drama. Hay una tarea que llevar a cabo juntos y hay problemas que resolver. La belleza y la alegría surgen de lo que cada uno sabe hacer mejor y de las dificultades superadas. El espectáculo cobra forma. La esquemática selección de textos se ha convertido en otra cosa gracias a la hermosura de los gestos de Christian, la impresionante capacidad de Eugenia para el humor, las luces de Juanjo Llorens que convierten el espacio en algo parecido a una pista de circo transformando lo que hacemos en una proeza, un juego de equilibrios en el alambre de la comunicación. Todo encaja. Contamos cuentos, contamos lo complicado que resulta entendernos y lo divertido y enriquecedor que resulta intentarlo. Contamos el maravilloso poder liberador de la risa y el juego.
Tres. Cuentos sin motivo aparente.
El CA2M me propone contar cuentos en la exposición Sin motivo aparente. Una exposición sin concesiones. A primera vista, obras herméticas, ásperas. Yo debo tender un puente sin traicionarlas. Jugar con ellas sin imponer mi juego como el único posible. Tengo que mostrar un camino entre muchos, una manera entre otras de jugar, leer, entender, interpretar. Cada obra puede ser tanto la respuesta a una pregunta no formulada como una pregunta sin respuesta.
Escojo seis que me atraen por su hermetismo, o porque sí, o por su humor y su poesía. En algunos casos su poder de seducción me resulta inexplicable. Pero lo cierto es que en todas ellas descubro un juego escondido. El recorrido que propongo implica un uso del espacio diferente en cada una. También una distancia distinta y un uso de los sentidos diferente. Me doy cuenta de que lo que hago es imaginar para que otros imaginen. Supongo que el arte es, a ratos, simplemente eso. Si ahora tuviera que ponerle título seguramente no sería el mismo. Utilizaría un verbo, no un sustantivo, Contar sin motivo aparente, o incluso Jugar sin motivo aparente. Respondería mucho mejor a lo que siento en la visita cuando cuento lo que las cosas me cuentan, cuando juego con ellas.
De un tiempo a esta parte soy muy consciente de lo que el arte tiene de juego. Los tres proyectos son tres juegos. Artefactos para indagar, para conocer. En un folleto leo una cita de Jung, “la mente creativa juega con el objeto que ama”. Dejarse enamorar por un objeto, una idea, una emoción, o hasta por una vaga sensación, y luego jugar. Es eso y ya está.
Magda Labarga
Scena Simulacro: nueva sangre en el teatro
A mediados de abril, Scena Simulacro contactó con The Zombie Company para proponernos la dirección de la grand finale del festival de nuevas tendencias teatrales. La programación había iniciado su andadura ese mismo mes y las siete compañías emergentes ya desfilaban por los cuatro espacios escénicos en los que, por primera vez en esta edición, se repartían los espectáculos: el Sol de York, la Sala Tú, el Garaje Lumière y Azarte.
La grand finale de Scena Simulacro se presentó el martes 7 de mayo en El Sol de York. Al escenario subieron las tres compañías finalistas del festival, La Panda de Yolanda, Teatro Colaborativo y Teatro al Punto, y representaron un fragmento a su elección de las obras. Habían llegado hasta ahí gracias al voto propicio de un jurado plural que se presentaba noche tras noche en las diversas salas. No obstante, durante esta velada sería al público asistente a la grand finale a quien le correspondería decidir el ganador de Scena Simulacro de este año.
La presentación del acto corrió a cargo de la Toñi, Lucía y Ángel, trío de personajes rebeldes y alocados con un sentido común tan aplastante que desarma cualquier impostura y dramatis personae de Elepé, obra de The Zombie Company interpretada por Fran Arráez, Carmen Mayordomo e Iván Ugalde en La Casa de la Portera.
La primera compañía en presentar su trabajo fue La Panda de Yolanda con Üiqüi’s, una propuesta inicialmente de manipulación de objetos que transporta al público, gracias a su escenografía portátil, a los entresijos que acontecen en los bastidores entre los manipuladores. La compañía procede de Valencia y está constituida por David Durán, Raquel Hernández, Merce Tienda y Josep Maria Zapater.
Le siguió Teatro Colaborativo con Borderline, monólogo postdramático que reproduce sobre el escenario la ilimitada capacidad de la mente humana para estallar como metralla ante una situación extrema. Este espectáculo es una creación del autor y director Rodrigo Hernández y la intérprete Karina Eguia y aúna creadores de España y México.
Los madrileños Teatro al Punto presentaron un fragmento de La Violence variétés, espectáculo con un lenguaje escénico colmado de inquietudes, procaz y cuya mayor violencia radica en desnudar la verdad de las vidas de sus personajes ante el público. Actúan Carmen Barquilla, Laura Moreno, Javier Prieto y Fernando Mercé bajo la dirección de Paloma Rodera.
Llegados al final de la velada, se entregaron los premios. Teatro Colaborativo recibió el Premio del Público La República Cultural, entregado por Julio Castro, director de este medio cultural. Finalmente, el Premio al Mejor Espectáculo lo recibiría La Panda de Yolanda de parte de los organizadores del festival, Rafa Romero de Ávila, Mélanie Pindado, Natalia Ortega y Raúl Baena, consistente en volver a actuar durante la temporada 2013-14 en la sala donde fueron programados durante el festival, en su caso en el Garaje Lumière.
¡El año que viene, más sangre teatral nueva!
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Más información sobre las compañías finalistas en sus correspondientes páginas en Facebook:
La Panda de Yolanda (http://www.facebook.com/pages/La-Panda-de-Yolanda/295071893930570)
Teatro Colaborativo (http://www.facebook.com/BORDERLINETEATRO)
Teatro al Punto (http://www.facebook.com/teatro.alpunto)
Más información sobre Scena Simulacro: http://mrsimulacro.wix.com/scenasimulacro
Carlos Be
Emilio Lledó: la eudaimonía en Teatro Pradillo
La verdadera democratización del cuerpo y de la vida exigía, pues, el respeto a esa corporeidad que necesitaba alimentarse, poder sentir, poder entender y poder percibir la vida como “energía y alegría”.
Elogio de la infelicidad, Emilio Lledó
El sábado pasado hubo un encuentro con el filósofo Emilio Lledó sobre el término griego de “eudaimonía”, sobre la alegría y sobre una infinidad de cosas que se refieren al cuerpo como el espacio en el que transcurre la vida. A veces es bueno detener el tiempo en la ciudad y abandonarse al pensamiento hecho palabra compartida de un filósofo. Durante casi dos horas, Emilio Lledó recorrió momentos de la obra de Homero, Aristóteles y Platón a la búsqueda de la felicidad y la danza. Dejándonos enhebrados en el hilo del tiempo.
QRLA
Viajes cuturales
Al corazón de la Abadía. Visitas guiadas a este teatro.
Más info en: http://www.teatroabadia.com
A la edad media a todo tren. Un tren medieval a Sigüenza para descubir el rico patrimonio histórico.
Más info en: blog.renfe.com/tag/tren-medieval
A PROPÓSITO DE TEATRO X ALIMENTO
Emoción. Si tuviera que expresar lo que pasó ayer por la noche en la experiencia Teatro x Alimento en la Sala Cuarta Pared en una sola palabra, esa sería: EMOCIÓN, y así, sin más, con mayúsculas. Sin nada de artificio, a luz de público, los actores con su propia ropa, es decir, más desnudos que nunca, y con las palabras de García Lorca en su Comedia sin título (más vivas que siempre), nos demostraron una vez más que el teatro es magia y verdad, que el teatro es educación y sueño, que el teatro es solidaridad y vida, que el teatro puede dar de comer al hambriento (y no digo ninguna metáfora). El escenario se llenó de kilos y kilos de comida no perecedera que será entregada a quien realmente lo necesita en estos duros momentos, gracias a la generosidad de esos grandísimos actores que lo dieron todo a cambio de todo para el que lo necesita, y a la solidaridad del público que abarrotó la sala. No faltéis en las próximas convocatorias del 21 y el 28 de abril. Vuestro corazón os lo agradecerá.
Más info en: http://teatroxalimento.wix.com/dante-ac
ANA MARTÍN PUIGPELAT
Teatro x Alimento
Un colectivo de actores pone en marcha el proyecto solidario Teatro x Alimento
· – La propuesta nace como espacio de intercambio, con el escenario como nexo de unión, entre dadores y receptores de alimento
· – El patio de butacas se convierte, sin que ellos lo sepan, en punto de encuentro entre quienes dan y quienes reciben víveres
· – La entrada será gratuita. Quienes asistan a la función tendrán que cumplir un único requisito. Los que puedan entregarán alimentos. Los que los necesiten los recogerán
· – El planteamiento cultural surge de la necesidad de un grupo de profesionales de reivindicar el papel del arte como alimento en tiempos de crisis
· ‘Comedia sin título’ de Lorca es la obra elegida y podrá verse los domingos 7, 21 y 28 de abril en la Sala Cuarta Pared, que ha cedido su escenario
Web: http://teatroxalimento.wix.com/dante-ac
Correo electrónico: teatroxalimento@gmail.com
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@teatroXalimento
Quién: Teatro x Alimento.
Qué: ‘Comedia sin título’ de Federico García Lorca.
Ficha artística:
TxA es una propuesta de Dante A.C.
Dirección: Adolfo Simón.
Intérpretes: Frantxa Arraiza, Esperanza Elipe, Manuel García, Cinta López, Rocío Osuna, Javier Pérez-Acebrón, Malena Polo, Ángel Savín, Adolfo Simón, David Utrilla.
Dónde: Sala Teatro Cuarta Pared, calle Ercilla, 17. Madrid.
Cuándo: Domingos 7, 21 y 28 de abril a las 20.30 horas.
Reserva de entradas: 915 172 317 ext.1
Para asistir a la función será necesario traer alimentos no perecederos
QUEER WEEKEND
No te pierdas… QUEER WEEKEND
Replanteando la identidad en torno al cuerpo
MAURICIO GONZÁLEZ + REGINA FIZ
Maelström/Off Limits y mom/elvivero presentan
QueerWeekend
Del viernes 12 al domingo 14 de abril
Espacio Off Limits de Madrid
PROGRAMA Y HORARIOS
Inauguración
Viernes 12 a las 20 horas: Cóctel + exposición + performanceExposición Mauricio González + Regina Fiz + Abel Azcona
Viernes 12 y sábado 13, a partir de las 20 horas
Domingo 14, a partir de las 18 horas
Performance
-Wakefield Poole: visiones y revisiones, de Mauricio González
Viernes 12 de abril a las 21 horas
Domingo 14 de abril a las 18.30 horas
-The Ritual Wedding, de Regina Fiz y Miguel Moreiras
Sábado 13 de abril a las 21 horas.
Cena performáticaTheLastSupper
Domingo 14 de abril, a las 20.30 horas
Con Regina Fiz y Abel Azcona, como parte de Confinement in Search of Identity
PRECIO
6 euros (incluye bebida)
MÁS INFORMACIÓN
http://www.offlimits.es
Que maravilla!!! de Jorge Calvo
Si Manolita Chen hubiera tenido un hijo secreto con José María Iñigo podría haber sido…Que maravilla!!!. Ese enloquecido cabaret esperpéntico musical que viene realizando Jorge Calvo en los últimos tiempos. Él es el maestro de ceremonias que conduce templando ese circo de atracciones fascinantes e imposibles de imaginar que irán desfilando por el escenario. José Martret le acompaña dando el contrapunto caspico-sensual, cual muchacha atenta lo hace con el mago de turno. Versiones de canciones que están en el recuerdo de todos y que se convierten aquí en homenaje a muchos de los asistentes, chascarrillos y ocurrencias que despiertan el delirio del público y números inolvidables que son aplaudidos al finalizar con el grito de guerra de todos los que asisten…QUE MARAVILLA!!!.
Adolfo Simón
¿CUÁNTOS POETAS HAN MUERTO EN LOS ANDAMIOS DE LA CARPINTERÍA TEATRAL?
DOS GENERACIONES DE DRAMATURGOS ESPAÑOLES CONVERSAN
Es emocionante escuchar de boca de Ignacio Amestoy que el dramaturgo español tiene algo de Sísifo: consecuciones y logros efímeros salteados de caídas sin arnés; y, asimismo, el titular: “Seguimos con la furgoneta” (para ilustrar nuestra perenne necesidad de auto-producirnos a falta de que otros lo hagan). Amestoy (Ederra, Chocolate para desayunar, Cierra bien la puerta, etc.) Premio Nacional de Literatura Dramática, venía a corroborar que la etiqueta “emergente” no es solo aplicable a los autores menores de treinta años, aún en ese “purgatorio de duración variable, tras el cual se instalan en la gloria de los elegidos o en el infierno del olvido” (Fernando Savater), sino una condición sine qua non.
El lunes 11 de marzo, sobre la escena del teatro María Guerrero, nos sentamos a conversar dos generaciones de dramaturgos españoles nacidos, respectivamente, en derredor de los cuarenta y de los ochenta. Se trataba de una nueva cita de los “Lunes con voz”, punto de encuentro para el gueto teatral madrileño. Aunque el moderador, Ignacio García May (Alesio, El dios tortuga, Los vivos y los muertos, etc.), envalentonado por “el buen momento que vive la dramaturgia”, dictaminó que esta mesa iba a diferenciarse de otras sobre autoría en evitar el llanto y el deporte de la queja, no pudimos menos que sacar el vaso de lágrimas. La situación (recortes, subida del IVA, etc…) no es para menos.
El veterano, Domingo Miras (Una familia normal, Las brujas de Barahona, La Monja Alférez, etc.), asimismo Premio Nacional de Literatura Dramática, comenzó diciendo que los autores de su quinta, la generación realista, ganaban premios, pero no estrenaban sin haber encanecido. Nada ha cambiado, como pronto tuvimos oportunidad de aclarar los noveles (Lola Blasco –Pieza Paisaje, Proyecto Milgram-, Carlos Contreras –Verbatim Drama, La comedia que nunca escribió Mihura-, Verónica Fernández –Presas, Serena Apocalipsis- y yo –Perros en danza, La ceremonia de la confusión-), que concurríamos allí gracias al nuevo programa “Escritos en la escena”. Esta iniciativa, semejante a otras en Europa (el Royal Court) o, sin ir más lejos, el T6 del Teatro Nacional de Cataluña, ni siquiera nos depara la oportunidad de un montaje profesional. El resultado, difícil de categorizar es un semi-montado o muestra. No obstante supone un conato, un primer esfuerzo, por parte de la nueva dirección del Centro Dramático Nacional, de apoyar la creación dramatúrgica contemporánea.
Mal de muchos, consuelo de todos: las distintas generaciones no solo resemblábamos una problemática similar a la hora de ganar cierta visibilidad… También se evidenció que ciertos referentes seguían vivos y el nombre de Federico García Lorca, aquel que anhelaba el momento de “abrir los viejos escotillones del teatro” salió varias veces a colación, al igual que fuentes inspiradoras, sugeridoras de una mayor libertad dramatúrgica, como la Nouvelle Vague. No faltaron las manidas discusiones sobre si, en paralelo al teatro, podemos hablar de una literatura dramática: ¿es la obra un simple pretexto para el hecho escénico? Se trata de una cuestión cáustica, infalible a la hora de agitar una mesa de dramaturgos… Nunca nos pondremos de acuerdo: mi opinión, que el placer de leer Hamlet es distinto al de verlo representado y que ciertas obras, algunas de reciente factura, son mucho más que un cuaderno de dirección, un libro de cabecera: pequeñas biblias dialogadas.
Y mientras los veteranos discutían acerca de los pormenores biobibliográficos de Goethe (con envidia de su erudición), pensé por un momento en el viejo Allen Ginsberg revolviéndose en su tumba (querido, Ginsberg, ya queda menos para la literatura transgénero; pensé en cuántos poetas habían muerto en los andamios de la carpintería teatral; y cuánto tiempo nos lleva (como decía Picasso) llegar a ser jóvenes.
María Velasco
Flamenkass y el duende
Al igual que a un pobre no se le puede echar de la calle » porque es suya», al duende no se le puede echar de un antiguo tablao porque este se venda. El inmueble se vende con todo, con sus paredes, con sus lámparas, con sus vecinos, con sus pobres en la calle y con sus fantasmas. Sí señor ¡También con los fantasmas! Las historias cómicas, trágicas y viscerales de un recinto que ha albergado mucho arte y mucha vida son contadas por tres flamencas y un piano muy especiales que se nos «aparecen» para reivindicar lo que es suyo: el duende flamenco.
Amalia Hornero y Arturo Menoyo han conseguido mezclar con buen atino el teatro con el cante y baile flamencos en una «tragicomedia farsesca», como ellos lo llaman, en la que da cita a su particular forma de ver el duende. No es fácil encontrar artistas que puedan unir una buena interpretación teatral con el cante y baile flamenco y es aquí donde queda demostrado el trabajo multidisciplinar que un actor debe ser capaz de conseguir. Un buen toque de piano de la mano de Pablo Rubén Maldonado remata la faena.
Una pequeña obra hecha a medida para unos actores y unos personajes que se adaptan a la obra hacen que salgamos con un ánimo optimista a pesar de la que está cayendo.
Luis Mª García Grande
Vértigo en Microteatro por dinero
No es que se haya realizado, en el mes de febrero, una versión de la película de Hitchcock en Microteatro, no…Quiero aprovechar una anécdota vivida en el peculiar espacio teatral durante mi última visita a él para justificar este título. Siempre pienso en la vertiginosa experiencia que supone ser espectador en Microteatro; estar codo con codo en las pequeñas habitaciones del lugar, a un palmo de los personajes, es algo difícil de olvidar, es una vivencia única. ¿Y para los actores?…Sin duda es un trabajo arduo repetir cinco veces cada día la pequeña peripecia de su propuesta, en un metro cuadrado y sintiendo la respiración del público…Pero…¿Aquí termina la peculiaridad del lugar?…No, hay muchas anécdotas que algún día alguien recogerá…El pasado domingo, un espontáneo saltó al ruedo mínimo de las salas, como lo haría un torero joven que quiere que le vean enfrentarse al toro a pecho descubierto…Cuando la situación dramática empezaba, alguien se levantó en una de las salas y pidió un momento de gloria ya que, al ser actor en paro, no tenía un lugar donde mostrar su «arte». En la pieza a la que asistí, los actores pidieron que esperase al final y retomaron el hilo perdido de la acción. Al finalizar la pieza titulada: «El gol en propia puerta»…el espectador-actor pidió un momento para mostrar su frágil performance que abrumó a los presentes por la ingenuidad de la misma.
Adolfo Simón
Primer ciclo de lecturas escénicas de draft.inn en Escena Contemporánea
En la recta final de Escena Contemporánea, draft.inn presentó un ciclo de tres lecturas dramatizadas sobre dramaturgia alemana contemporánea. Las tres propuestas se presentaron en la sala II del Teatro Español con coloquio posterior en la cafetería anexa. Pude asistir a Miedo y asco en la RFA de Dirk Laucke. Un texto valiente y profundo que reflexiona sobre cómo el hombre puede volver a tropezar con la misma piedra y devolver el horror y la barbarie al presente. La exposición de la obra en la escena estaba realizada con ingenio y sencillez a partir de la propuesta escénica de Jacob Amo e interpretada por un elenco fantásticos de actores.
Adolfo Simón
Room with a view/Dries Verhoeven de Thy Kingdom Come en Escena Contemporánea
Hay una constante interesante en muchas de las propuestas del XIII Festival Escena Contemporánea: Prepararnos para un futuro fatídico en el que nuestro cerebro no podrá imaginar o solo se excitará viajando a través de las redes sociales. ¿Será el futuro o ya es el presente?. Un tiempo en el que tendrán que dirigir nuestras emociones y sentimientos. La propuesta presentada en el contenedor instalado en la fachada del Teatro Valle Inclán indaga sobre este tipo de estímulos: Un encuentro provocado entre dos desconocidos a los que se les guía en la observación e interés de cada uno por el que está al otro lado del cristal. Estímulos, gustativos, sensoriales y verbales acompañan el trayecto hacia el deseo, para antes de terminar, visitar un recuerdo de mayo del 68: «Debajo de los adoquines está la playa», aquí, debajo de una trampilla había arena del mar en la que se sumergieron nuestros pies desnudos. Todo terminará siendo enlatado, hasta el deseo.
Ignacio Ribes
Arco o estorb-arte
Arco o estorb-arte
¿El arte estorba? En poco tiempo asistimos a un nuevo caso de censura en el ámbito cultural. Esta vez la víctima ha sido Camila Cañeque, una artista catalana que pretendía exponer su performance ilustrativa de la muerte de España en el suelo de Ifema, contando con una idílica libertad que a efectos Reales no existe. Asegura haber mostrado su pieza por Nueva York y por Europa, donde nunca había sufrido una repuesta o una anti-respuesta similar a la que le acaban de brindar en Madrid. Es curioso que para esto sí reaccionen ipso facto los empleados de seguridad, que levantaron a la artista a los diez minutos de haber empezado a exponer. Ella reaccionó anonadada, teniendo que recoger de manera humillante sus claveles y sus textos de Lorca envuelta en traje de faralaes. ¿Ha pecado Camila Cañeque de ingenua mostrando en Arco algo demasiado crítico, demasiado pesimista y perturbador del hipócrita Estado del bienestar? ¿Ha pecado quizá de competencia desleal? Su anuncio a los españoles de que España ha muerto era la única creación artística que no se vende en todo el catálogo de obras de la feria de Arco. ¿Es casualidad por tanto que quieran retirarla con tanto afán? Se tapa la boca a la creatividad, se castiga al librepensador, se tapona la cultura. ¿En qué año estábamos? Ah, sí…
Nora
Que Revienten los Artistas 
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