Llorar por llorar de Pez en raya en el Teatro Alfíl
Llorar por llorar de la Compañía Pez en raya en el Teatro Alfil
Con Cristina Medina y Joan Estrader
Dirigidos por David Sant
Celebrar que una Compañía lleva quince años creando sobre un lenguaje tan peculiar como es el clown, es una gran noticia y si se hace con un espectáculo en el que también celebra quince años de emisión: Radio Misterio, pues es una doble alegría. Llorar por llorar es un placer para los espectadores porque en él se rien de todo y nos liberan de esa pose de respeto frente a los grandes investigadores de crimenes, el circo espectacular, los conciertos heaves e incluso de la danza contemporánea y lo hace dos interpretes en estado de gracia y disparate…Creando apartes cómplices con el público para dejar claro que aquello no es más que un juego escénico sin medida, pero un juego muy serio aunque sea desternillante…Nada de lo que ocurre sobre la escena está improvisado aunque parezca que todo se les ocurre en ese momento, ese es el gran acierto de esta obra, que sigue fresca aunque la hayan ensayado mil veces. Estoy seguro que todos los que acudan al Teatro Alfil a ver esta delicia disparatada, saldrá con el mismo dolor de mandíbulas que yo…
Adolfo Simón
Las visiones de Hildegard, dramaturgia y dirección de Ignacio Calvache. En Casa Encendida
Las visiones de Hildegard, dramaturgia y dirección de Ignacio Calvache
Ciclo Artes Escénicas y Discapacidad en Casa Encendida
Hay propuestas escénicas que son mucho más que una obra de teatro. Ignacio Calvache lleva mucho tiempo investigando con actores ciegos, buscando una poética que permita que estos intérpretes expresen su oscuridad con el máximo de luz. En esta ocasión, su propuesta dramaturgica de Las visiones de Hildegard a partir del libro Vida y visiones de Hildegard von Bingen de Victoria Cirlot es el marco en el que las actrices Mariu del Amo y Mamen Martín se instalan como verdaderas iluminadas de la escena. Hay otros elementos que apoyan la puesta en escena y el trabajo actoral…La música en directo interpretada por Werner Glaser y el espacio, vestuario y proyecciones que, siento austero, es de una belleza impactante. Dos mujeres ciegas transitan como funambulistas por el escenario, teniendo la luz y claridad necesaria para comprender mejor al ser humano y hacernos reflexionar a los espectadores sobre la libertad y la imaginación.
Adolfo Simón
Harket(Protocolo) de Juan Pablo Mendiola en Cuarta Pared
Harket(Protocolo) dramaturgia y dirección de Juan Pablo Mendiola, coreografía de Cristina Fernández. Sala Cuarta Pared
En Harket hay una serie de elementos espacio-dramaturgicos que se utilizan con versatilidad y acierto…La escena se transforma con proyecciones de gran precisión y cuidada estética, sin embaro, toda la vituosidad técnica dispuesta para nuestros ojos y oídos, bloquea la emoción del espectador que deja de interesarse en el devenir del personaje; muy pronto se desvela que está encerrado en un experimento y que aquello no terminará bien…Lo que si nos atrapa son los momentos en que el cuerpo de la intérprete habla y transmite con movimientos o ejercicios…Cuando sucumbe a las conversaciones del «hermano mayor» que la custodia, nos deja frios en la butaca. Menos palabra y más silencio-movimientos.
Simón Ribes
La hipoteca en la cárcel de Segovia
La hipoteca en la cárcel de Segovia
Los días 7 y 8 de septiembre de este asfixiante 2012, se han representado en la cárcel de Segovia otro ciclo de 6 obras presentadas por Microteatro por dinero, en celdas perfectamente habilitadas para recibir este extraordinario formato de presentar el teatro. El lugar repleto de ecos del dolor y del sufrimiento pasado se metía en los huesos de unos cómicos que íbamos a ofrecer nuestro oficio, de la única manera que sabemos hacer, entre risas y llantos, comedia y drama, que construyen las emociones que nos llevan a los personajes que representamos. Una reflexión nos invadió, la fuerza de la energía que el sufrimiento posa en las paredes y perdura en ellas, quien sabe, si para siempre, nos dejó fríos. Conforme íbamos preparando nuestros espacios escénicos, el mío era la celda nº 5, el ambiente volvía a ser alegre, y pensé y lo comente con mi compañera de fatigas Lola Baldrich, qué bueno que el teatro se haga en la cárcel, es la mejor manera de recuperar espacios opacos llenos de horror y miedo para la luz y la alegría y que mejor que los cómicos para hacer que las paredes por un rato se olviden del pasado y sonrían.
Hecha esta reflexión, diré que ha sido maravilloso actuar en la celda número 5, que los doce pases repartidos en los dos días han estado llenos de público, con el pesar de saber que muchos de ellos se quedaron sin entrar por lo obvio del espacio y su capacidad, que hicieron colas de hasta dos horas para disfrutar de las pequeñas e inmensas obras que se presentan en forma Microteatro, que las seis celdas en las que se presentaba una obra estuvieron completas y que el público, generosísimo como siempre, nos regaló aplausos y piropos que siempre ayudan a unos actores y actrices que estamos sedientos de su cariño.
El drama bello que Lola y yo representamos, así lo define su autor y director Jaime Aranzadi, llegó a los corazones y sentían con Mari y Mígue, nuestros personajes, el drama cotidiano de tener que perder la casa y como la familia, a pesar de los pesares, cuando se une sale delante de cualquier atolladero.
Gracias cárcel, por dejarnos llevar amor a tus celdas y gracias Segovia por recuperar para el ocio un espacio que fue de pena y llanto. Y ahora, con una sonrisa en los labios, hago mutis por el foro.
Ángel Savín (actor)
¿Quién teme a Virginia Woolf? de Edward Albee. Dirección: Daniel Veronese. Teatro de La Latina
¿Quién teme a Virginia Woolf? de Edward Albee. Dirección: Daniel Veronese. Teatro de La Latina
Este texto es de una carpintería teatral perfecta, nada está de sobra, todas las piezas van encajando para hacer que la acción dramática crezca hasta el desolador final. También es un ejercicio perfecto para un buen director de escena y sobre todo de actores…En realidad da igual el aparato escénico que se articule, lo importante es tener cuatro intérpretes dispuestos a dejarse la piel en escena, en dos planos diferentes pero perfectamente conectados. Sin los dos personajes secundarios, el combate a fondo de la pareja protagonista no se podría realizar, son las cuerdas contra las que rebotan en ese ring personal imaginario, en ese juego cruel en el que están acostumbrados a vivir y sufrir día a día. Aquí el reparto es perfecto, Mireia Aixalà e Iván Benet son ese coro perplejo que sobrevuela alrededor de los protagonistas trágicos…Pere Arquillé y Carmen Machi hacen un despliegue interpretativo que no es habitual en la escena contemporánea, algo que el público agradece al final, aplaudiendo puesto en pie.
Adolfo Simón
Viva Verdi en el Centro de Arte Fernán Gómez. Dirección: Gustavo Tambascio
Viva Verdi en el Centro de Arte Fernán Gómez. Dirección: Gustavo Tambascio
Hay ideas interesantes que si no se desarrollan pueden terminar aplanando una propuesta escénica. Gustavo Tambascio ha acertando eligiendo piezas de diferentes óperas de Verdi sin tener que elegir las más conocidas del autor; esto le da más libertad para crear una dramaturgia que aglutine todas ellas, componiendo una puzle operístico autónomo…La dificultad para el espectador, que si no conoce profundamente las obras en juego y al no tener subtítulos con los que seguir las historias; por mucho que la actriz-narradora hace un impecable trabajo para acercarnos a la acción dramática, llega un momento en que la presencia de las pintadas de fondo y la leve evolución del vestuario, provoca que nos parezca la misma escena, que se repite una y otra vez, bellamente iluminadas si y bien situados los intérpretes en escena, pero sin avance dramático. Lo que es un placer en este espectáculo es disfrutar del trabajo actoral de los cantantes, nada habitual en los espectáculos de bell canto y el fantástico acompañamiento al piano.
Adolfo Simón
PROHIBIDO CANTAR / NO SINGING (Obra didáctica sobre la fundación de una ciudad paradisíaca) JORDI COLOMER en Abierto x obras-Matadero
PROHIBIDO CANTAR / NO SINGING
(Obra didáctica sobre la fundación de una ciudad paradisíaca)
JORDI COLOMER
Del 15 de septiembre al 9 de diciembre
Abierto x Obras / Matadero Madrid
El próximo viernes 14 de septiembre a las 20 horas Matadero Madrid inaugura en Abierto x Obras la nueva creación site specific del artista Jordi Colomer, Prohibido Cantar / No singing. (Obra didáctica sobre la fundación de una ciudad paradisíaca).
Jordi Colomer, uno de los artistas españoles con mayor proyección internacional, asume el reto de transformar la antigua cámara frigorífica de Matadero. La obra de Colomer explora una singular visión de la escultura incorporando dispositivos escénicos, fotografía y videoinstalación.
Prohibido cantar / No Singing, que permanecerá abierta hasta el próximo 9 de diciembre, es una instalación en la que unos pocos personajes plantan un garito donde se ofrecen juegos de entretenimiento, trucos, amor y comida a bajo precio. La acción transcurre cerca de un camino polvoriento, en los mismos solares en los que hace un tiempo se proyectó una gran ciudad privada, con 32 casinos, llamada Gran Escala, que debía atraer a 25 millones de visitantes, pero que nunca vio la luz. Las imágenes que presentamos muestran cómo prospera la ciudad de Eurofarlete, bajo un sol inclemente y el cierzo soplando. Están compuestas de fragmentos de lo que allí sucedió durante dos días, y quizás ayuden a discernir una singular forma de organización por la supervivencia, donde todo está en venta, a precio de ganga y también a cualquier precio.
Jordi Colomer (Barcelona, 1962) explora las posibilidades de supervivencia poética que ofrece la urbe contemporánea. Prohibido Cantar / No Singing investiga una vez más esa tensión entre proyecto y ficción al crear un espacio híbrido, tanto en el plano físico como en el mental. Formado en Arte, Historia del Arte y Arquitectura, entre sus exposiciones individuales recientes destacan l’Avenir en Palais de Beaux Arts (Bruselas), What will come en Argos Centre for Art and Media (Bruselas), Crier sur les toits en Galerie Art & Essai (Rennes), Co Op City en Bronx Museum of the Arts (Nueva York). Fuegogratis en Laboratorio Arte Alameda (México D.F.), La Panera (Lleida) y Galerie du Jeu de Paume (Paris).
DOS CONVOCATORIAS A TENER EN CUENTA: Noche de Investigadores y Premios MAX
DOS CONVOCATORIAS A TENER EN CUENTA: Noche de Investigadores y Premios MAX
NOCHE DE LOS INVESTIGADORES
Más información en:
http://www.madrimasd.org/lanochedelosinvestigadores/
PREMIOS MAX
El próximo 30 de septiembre finaliza la inscripción para la XVI edición de los Premios Max
La XVI edición de los Premios Max de las Artes Escénicas, que organiza la Fundación Autor de la SGAE, ya ha comenzado su andadura. El plazo de inscripción de espectáculos, que se abrió el pasado lunes 16 de julio, permanecerá vigente hasta el próximo 30 de septiembre.
En esta convocatoria podrán participar aquellos montajes de teatro, teatro musical, infantiles y de danza, estrenados entre el 1 de septiembre de 2011 y el 31 de agosto de 2012 y los reestrenados o en gira en dicho periodo, que no se hayan presentado en ediciones anteriores.
Para inscribirse en los Max
Para postularse a estos galardones es necesario inscribir los espectáculos y los profesionales que optan en cada categoría a través de la página web oficial: http://www.premiosmax.com
Acerca de los Max
Se han consolidado como los premios más amplios de las Artes Escénicas en el Estado español por reconocer a todos los profesionales que hacen posible el arte en vivo y en directo a través de sus 23 categorías a concurso y sus 5 premios especiales.
La gala que culmina cada edición no tiene una sede fija, emula a las compañías girando por todo el territorio estatal. Así, han sido ciudades y escenarios Max: Madrid, Barcelona, Sevilla, Bilbao, Valencia, Vigo, Zaragoza, Guadalajara, Las Palmas de Gran Canaria y Córdoba. En su última edición, celebrada en el Teatro Circo Price de Madrid el 30 de abril, los Max cumplieron quince años.
Pedro Villora reflexiona en esta entrevista sobre sus facetas de autor y profesor.
¿Cómo surgió el proyecto del texto tuyo que va a ser estrenado en Italia?, háblame de él…
Durante mi estancia como becario de la Real Academia de España en Roma conocí a varios dramaturgos y directores italianos. Entre otros, vi algún espectáculo de Massimo de Michele, un antiguo colaborador de Giorgio Strehler que había dirigido obras de Genet y Pasolini, precisamente dos de mis referentes. También había dirigido un texto de Rodrigo García. Me preguntó por mis obras, le hablé de varias, y se interesó por «Bésame macho». Encargó su traducción y meses después, cuando ya había regresado a España, me escribió para decirme que quería montarla. Todo ha sido sorprendentemente sencillo y fácil. Para mí es extraño porque esta obra jamás ha sido estrenada en España y, sin embargo, ha generado artículos y conferencias en Estados Unidos y Alemania, ha representado a España en el Festival de Dramaturgia Europa Contemporánea de Chile, se está componiendo en Francia una ópera usándola como libreto y ahora mismo se está traduciendo al griego para hacerse allí. Y aquí, en cambio, apenas nadie la conoce.
¿Cómo fue tu experiencia en la estancia que hiciste en ROMA?…
La Academia de España en Roma es una institución llena de posibilidades que, por desgracia, lleva demasiados años siendo dirigida por diplomáticos y políticos, y no por artistas con capacidad de gestión. Necesita una auténtica renovación tanto para que pueda volver a integrarse en la vida cultural romana como para que los becarios tengan interlocutores que comprendan los procesos creativos. Pese a ello, la experiencia ha sido maravillosa porque he tenido la oportunidad de conocer bien la que desde hace años es mi ciudad favorita. Me siento mucho más a gusto en entornos antiguos que allí donde se privilegia la actualidad, la modernidad y lo último.
¿Cómo es el teatro en ese país?…
Tan bueno y tan malo como en cualquier otro país de nuestro entorno. He visto teatro clásico sobrecargado de importancia y teatro contemporáneo de fácil provocación, pero también obras hermosísimas. Además he visitado varias escuelas y facultades y he comprobado la gran calidad de los estudios técnicos y de diseño escenográfico. Creo que en ese terreno Italia es un referente.
¿Qué conocimiento tienen ellos de nuestros autores, compañías, directores?…
Casi tan escaso como a la inversa. Si nosotros aún hablamos de Strehler, Ronconi o Pier Luigi Pizzi, ellos han avanzado un poco para llegar a Lluis Pasqual, Calixto Bieito y Álex Rigola. Como compañía, la más conocida es La Fura dels Baus gracias a los montajes de ópera. En cuanto a autores, el páramo tras Lorca y Arrabal apenas da lugar para algún texto de Belbel, Mayorga o Rodrigo García. Eso dentro del ámbito teatral y crítico más especializado. En el entorno académico y universitario es distinto, porque hispanistas y traductores se alían para publicar de vez en cuando antologías de teatro contemporáneo e incluir a gente como López Mozo o Alberto Miralles en los estudios de posgrado.
Vuelves a la RESAD como profesor…¿Qué ha cambiado en tu visión de la pedagogía en este tiempo de pausa que has tenido en las clases?…
Creo que entender la formación como simple desarrollo de las inclinaciones vocacionales da lugar a un conocimiento muy parcial de las potencialidades del individuo. Me gusta la formación global con una gran base teórica que permita no solo hacer lo que se entiende, sino entender lo que se hace. Y se puede cambiar «entender» por «gustar» o «apreciar». Me parece importante ahondar en lo que aparentemente no le va a uno: lo cómico si se es trágico, lo dramático si se tiende a lo posdramático…
¿Cómo ves el plan de formación de la RESAD a nivel dramaturgico?…
Dramaturgia y Dirección de Escena no son dos carreras distintas, sino la misma con dos recorridos diferentes. El nuevo plan de estudios, originado por el Plan Bolonia, incluye formación en escritura para los directores y en dirección para los dramaturgos. Me parece imprescindible porque, continuando con la pregunta anterior, no creo en las especializaciones en teatro. Todos debemos ser capaces de hacer de todo, aunque luego tengamos nuestras preferencias. En ese sentido, también me parece adecuado que se potencien en los primeros años las técnicas de escritura dramática aunque haya alumnos que tengan mayor interés por lo posdramático. Los ejercicios son fundamentales para conocer los orígenes y ser conscientes de qué renovación se produce con otro tipo de técnicas posteriores.
¿Estás escribiendo algún texto en este momento?¿De qué va?…
Ahora mismo estoy disponible para estudiar encargos. Me gusta trabajar en colaboración con directores o dramaturgos. Pero prefiero no hablar de proyectos no terminados porque igual los dejo en el cajón para siempre.
¿Hay algún proyecto de puesta en escena sobre algún texto tuyo en nuestra ciudad?…
No. Desde que estrené «El juglar del Cid» en el Teatro Alfil no se ha vuelto a hacer nada mío en Madrid. Por eso he decidido producir y dirigir yo mismo mi próximo espectáculo.
¿Qué te pareció la creación del FRINGE MADRID?…
Sólo he visto el trabajo de Marco Calvani, a quien había conocido en Roma, así que no puedo opinar porque no sé cómo se ha organizado el festival ni qué logros artísticos ha obtenido. Por principio, cualquier ayuda a la promoción del teatro alternativo o independiente me interesa.
¿Qué montaje de teatro has visto ultimamente?¿Qué te pareció?…
Dejé de hacer crítica teatral porque no me apetecía escribir sobre cosas que no me gustaban, así que prefiero comentar solo trabajos que me agradan. Me ha encantado «Orquesta de señoritas», como casi todo lo que hace Juan Carlos Pérez de la Fuente. Solo tuve ocasión de trabajar con él haciéndole la versión de «La vida es sueño», pero repetiría sin dudarlo porque comparto en buena medida su sentido de la ceremonia.
¿Crees que va a cambiar el panorama teatral tras los recortes y la subida de I.V.A.?…
El panorama teatral debe cambiar siempre tras cualquier circunstancia, y todavía mejor si es él el que logra cambiar las circunstancias. El excesivo dispendio en algunos teatros públicos había llevado a cierto aburguesamiento, con una pretendida modernidad muy domesticada. En ese sentido no me parece mal que se intente trabajar con menos. Ahora bien, el I.V.A. es una cuestión distinta a los recortes, porque el encarecimiento de los costes de producción acarrea una subida al consumidor que seguramente rechazará: nos costará más hacer trabajos para cada vez menos gente, con lo que la oferta tenderá a desaparecer. Dudo mucho que el teatro tenga capacidad para sobrevivir si esta situación se mantiene en el tiempo. Pero confío en que no se mantenga.
¿Alguna sugerencia para seguir creando en tiempos de crisis?…
Como he dicho antes, es precisamente ahora cuando voy a producir un espectáculo por primera vez. Prefiero que la crisis me pille trabajando que no en casa doliéndome de lo difícil que es hacer nada.
Percival ha muerto en la Sala Mirador
Percival ha muerto en la Sala Mirador(Centro de Nuevos Creadores) por la Compañía La mínima
Esta pieza de danza con música en directo que firma como dirección, coreografía e interpretación la Compañía La mínima, es una delicia para los sentidos, lástima que solo haya estado un fin de semana en la Sala Mirador…Cuando entramos en la sala ya están los personajes deambulando por la escena…son como piezas de un puzle perdidas en el espacio…cuando se hace el oscuro, ese engrañaje encaja y se engrasa con una sensibilidad enorme…Todo transcurre sin brusquedad, como si cada movimiento o sonido nos acariciase…Pasan por mil y una gamas de colores con una precisión técnica envidiable. Habrá que estar atentos a los trabajos que presente está joven Compañía, seguro que nos sorprenderán.
Simón Ribes
Carmen Werner nos habla de Territorio Danza y de la celebración de los 25 años de Provisional Danza
Carmen Werner nos habla de Territorio Danza y de la celebración de los 25 años de Provisional Danza
¿Cómo está funcionando el nuevo espacio de la Compañía para ensayos, clases, residencias…?
Está funcionando muy bien, hemos terminado una creación que se estrena en Territorio Danza, se llama Algún día, hemos preparado la pieza del cumpleaños de la compañía…Sin pena y sin gloria 25 años de Provisional Danza, que hoy empezamos a ensayar en una sala del Teatro del Canal, nos han dado residencia allí porque somos muchos y en mi estudio no cabemos…Hemos tenido cinco becados, dos extranjeros y tres españoles…
Háblanos de la nueva edición de Territorio Danza…¿Qué trabajos presentas en esta edición?…
Este año, como te decía, estrenaremos Algún Día, pieza de siete bailarines y Noche de Solos: Tres piezas de José Luis
Sendarrubias, Ricardo Santana y Javier Sangros. Territorio Danza se ha convertido en un festival muy interesante, cada vez amplia más su visión y apoyo a la danza.
¿Cómo va la preparación del espectáculo con el que celebraréis los 25 años de la Compañía?…
Pues tengo todo preparado para comenzar los ensayos, será muy difícil porque no tendré a todos los intérpretes juntos hasta pocos días antes del estreno…
¿Cuál es el balance de todos estos años de trabajo en Provisional
Danza?…
Es muy positivo, hemos tenido mucho trabajo, incluso este año.
¿Crees que va a cambiar mucho la cultura por los recortes y subida
del I.V.A.?…
Si, seguro que cambiará, solo espero que continuemos, pero no sé
cómo…Fíjate, a mí, en estos tiempos de crisis me dan más ganas de trabajar…
¿Qué proyectos tienes para los próximos meses?
Pues el día quince de septiembre, después del estreno en la Cuarta Pared, me voy a montar una pieza para la Compañía Nacional de Danza de Venezuela…Mi Compañía se va a Alemania a bailar La mujer invisible…luego iremos a México, Chile…otra vez Alemania… Italia…volvemos y estaremos en… Tenerife, Bilbao, Barcelona, Santander. Y en diciembre a Japón, haré una co-producción en ese país, se estrenará allí y después, en enero-febrero lo presentaremos en España y Portugal.
BERNARDA AL CURRY. TEATRO CÁ LA CELIA. MIRA (Cuenca)
Cuando empecé mi andadura en este maravilloso oficio de cómico, me preguntaron por el personaje que me gustaría encarnar como actor y me respuesta fue inmediata, Bernarda Alba y Ricardo III, pues bien este pasado mes de junio Adolfo Simón me propuso hacer Bernarda y me dijo: – Ya me conoces no sería Bernarda Alba al uso, sería una Bernarda con picante, con algo que la traiga a este momento que vivimos y que nos presente a una Bernarda, que sin olvidar a Lorca, cómo no, se metería en una salsa picante, algo especial, la aderezaríamos con un poquito de curry. Eso inmediatamente me atrajo pero la idea era, también, llevarla al mundo rural, la representaríamos en Mira, un pueblo de Cuenca con mucha carga emocional para él, su madre era de allí y su padre era un enamorado de ese pueblo y él había heredado la casa que ellos compartieron los veranos y sus padres el final de sus vidas. 
Crea el Centro Dramático Rural y presenta en un ambiente natural, el escenario es la entrada de una casa de pueblo con un patio y un mundo de habitaciones perdidas al final de una escalera y un patio corrala oscuro con una profundidad de pozo negro donde los personajes escogidos para este Curry serían Bernarda, Poncia, Adela y Josefa y entre escenas literales de Bernarda Alba y otras creadas por la realidad de lo cotidiano, donde los actores son ellos mismos, aparece esta salsa curry que envuelve al texto lorquiano y el precio de la entrada sería lo que la gente nos pueda dar de alimentos o de su trabajo, nosotros les damos nuestro oficio y ellos nos dan de lo que hacen, era volver al origen, se me pone la carne de gallina ahora que lo escribo. Nos embarcamos para estar una semana entera en Mira, todos juntos conviviendo y trabajando el texto de la obra y practicando improvisaciones de lo actual, con tres coplas que marcan los ángulos de esta propuesta de función, Lucila Maquieira (Josefa), Magdalena Polo (Poncia), Natalia Pablo (Adela) y el que suscribe Bernarda, junto a Simón y a Luis María García Grande (ayudante de dirección). La experiencia ha sido maravillosa, la convivencia sin roces, con lo difícil que es, todos buscando el placer de reencontrarnos con el alma de unos personajes rurales en el medio rural y el placer de estar con amigos, que luego se trasmite en escena. El pueblo ha respondido con una entrega y una generosidad que emociona, entregados en las funciones que representamos haciéndonos sentir una proximidad, que si de por sí lo era física, estaban sentados como invitados en el patio, casi espiritual, unas funciones donde hemos dado y recibido amor del bueno, del que queda en el corazón para toda la vida. Mi deseo y creo que el de todos, volver, regresar a Mira con cuestas hermosas que te meten en la montaña y gentes hermosas que te miran a la cara con honestidad que nos ha dado su aplauso y sus frutos, que más puede pedir un actor.
Ángel Savín (actor).
DOS FESTIVALES MÁS EN SEPTIEMBRE
7 años de Dantza Hirian
Dantza Hirian transforma la eurociudad
Durante 10 días, del 13 al 23 de SEPTIEMBRE, este festival totalmente gratuito, apostará por la danza contemporánea y os invita a descubrirla en 8 localidades de la Eurociudad Bayonne-San Sebastián. Un momento único e inolvidable entre la arquitectura, la danza y el espectador.
Más información: http://www.dantzahirian.com/page3/page3.html
Festival de Teatro Ciudad Palencia
La programación del festival se desarrollará entre los días 10 y 28 de septiembre
La XXXII Edición de Teatro Ciudad de Palencia comenzará el lunes 10 con una gala inaugural en la que se efectuará la entrega de galardones a los premiados del pasado año y continuará con la representación de la obra ‘Ser o no ser. Una comedia trágica’, un montaje escrito por Luca Franceschi.
Más información en: http://palencia.portaldetuciudad.com/es-es/teatro-danza/xxxiii-festival-de-teatro-ciudad-de-palencia-palencia-005_1_4_49139_12.html
!VIVA EL TEATRO¡…Comienza la nueva temporada
!VIVA EL TEATRO¡…Comienza la nueva temporada…Seguro que hay un teatro para ti…encuentra tu obra entre todas estas opciones…
CENTRO DRAMÁTICO NACIONAL http://cdn.mcu.es/
TEATRO REAL http://www.teatro-real.com/
TEATRO DE LA ZARZUELA http://teatrodelazarzuela.mcu.es/es/
COMPAÑÍA NACIONAL DE TEATRO CLÁSICO http://teatroclasico.mcu.es/
TEATRO DE LA ABADÍA http://www.teatroabadia.com/home/index.php
TEATRO ESPAÑOL http://www.teatroespanol.es/home/index.php
CENTRO DE ARTE FERNÁN GÓMEZ http://teatrofernangomez.esmadrid.com/
TEATROS DEL CANAL http://www.teatroscanal.com/
TEATRO CIRCO PRICE http://www.teatrocircoprice.es/web/index.php
TEATRO ALFIL http://teatroalfil.es/
TEATRO ARLEQUÍN http://www.teatroarlequinmadrid.com/
GRUPO SMEDIA http://www.gruposmedia.com/
LA LATINA http://www.teatrolalatina.es/
TEATRO BELLAS ARTES http://www.teatrobellasartes.es/
TEATRO ARENAL y MARQUINA http://teatroarenal.es/
TEATRO LARA http://www.teatrolara.com/
TEATRO MARAVILLAS http://www.teatromaravillas.com/
TEATRO COLISEUM http://arteria.com/espacios/Teatro-Coliseum/1/11/
TEATRO LOPE DE VEGA http://www.elreyleon.es/
TEATRO NUEVO APOLO http://teatronuevoapolo.com/
TEATRO CALDERÓN http://www.teatrocalderon.com/
TEATRO AMAYA http://www.teatroamaya.com/
CUARTA PARED http://www.cuartapared.es/index.php?tstyle=style1
SALA TRIÁNGULO http://www.teatrotriangulo.com/sala.html
SALA DT http://www.dtespacioescenico.com/
SALA MIRADOR http://www.cnc-eca.es/cnc_sala_mirador/cnc_sala-mirador_PROGRAMACION_proximamente.html
SALA EL MONTACARGAS http://www.teatroelmontacargas.com/publico/index.html
TEATRO PRADILLO http://teatropradillo.com/
SALA KUBIK http://www.kubikfabrik.com/#!a-home/mainPage
TEATRO LAGRADA http://www.teatrolagrada.com/
SALA NUDO http://www.nudoteatro.com/
SALA BULULÚ 2120 http://www.bululu2120.com/teatro/
SALA AZarte http://www.azarte.com/azarte-sala-de-teatro.htm
LA USINA http://www.lausina.es/
GARAJE LUMIERE http://www.garajelumiere.com/
SALA TARAMBANA http://www.tarambana.net/
ARTESPACIO PLOT POINT http://www.plotpoint.es/
LA PUERTA ESTRECHA http://www.teatrolapuertaestrecha.org/
RÉPLIKA TEATRO http://www.replikateatro.com/
SALA TRIBUEÑE http://www.salatribuene.com/
TEATRO GUINDALERA http://www.teatroguindalera.com/
MICROTEATRO http://www.teatropordinero.com/
LA ESCALERA DE JACOB
http://www.laescaleradejacob.es/
TEATRO EN EL AIRE
TEATRO PROSPERIDAD
LA CASA DE LA PORTERA http://lacasadelaportera.com/author/lacasadelaportera/
CASA ENCENDIDA https://www.lacasaencendida.es/
CAIXA FORUM http://obrasocial.lacaixa.es/nuestroscentros/caixaforummadrid/caixaforummadrid_es.html
CASA DE AMÉRICA http://www.casamerica.es/
CÍRCULO DE BELLAS ARTES http://www.circulobellasartes.com/
LA CORSETERÍA
http://www.nuevoteatrofronterizo.es/
“Fuenteovejuna”. Geria Teatro. Xiqui Rodríguez
Sala Multifuncional de Geria.
“Fuenteovejuna”
Geria Teatro
Dirección y adaptación: Xiqui Rodríguez
El teatro “de aficionado” juega un importante papel en la vida de este pueblo, que pone todos sus medios, esfuerzo e ilusión para que cada año pueda salir adelante algo que mostrar. Y es que el teatro no tiene por que ser una cosa sagrada a la que solamente puedan acceder personas “tocadas por el don divino de ser actor” Geria Teatro comienza su andadura en 1985 de la mano de Xiqui Rodríguez y cada temporada prepara una obra para exhibir ante su pueblo con motivo de las fiestas patronales. Este año se nos presentó una renovada adaptación de Fuenteovejuna de Lope de Vega en la que una vez más su director muestra su visión personal, su investigación sobre nuevas formas de expresión en el teatro y manera de verlo mezclando diferentes estilos y añadiendo un toque de contemporaneidad a la obra.
A través de música de tango y chill out se nos presentan las pinceladas concretas de la obra clásica que trata un tema que hoy cobra actualidad: el levantamiento contra las injusticias de los poderosos que nos gobiernan. Los actores se han esforzado por aprenderse un verso bastante complicado, adaptarse a la escena y darle personalidad a este montaje.
Es asombroso ver cómo en un pueblo de unos 500 habitantes se llena durante dos días la sala y que la gente disfruta y tiene ganas de ver teatro y que aún queda algo de presupuesto en las arcas públicas (en este caso de su Ayuntamiento) para seguir ayudando en la labor de esta asociación cultural que, además de hacer teatro, fomenta un buen ambiente entre la gente de este pueblo y en el pueblo en sí mismo.
Luis Mª García Grande.
Miguel del Arco nos responde a unas preguntas en las que reflexiona sobre sus últimos proyectos como autor y director
Miguel del Arco nos responde a unas preguntas en las que reflexiona sobre sus últimos proyectos como autor y director…y sobre los que está preparando…
¿Qué balance haces de tus últimos trabajos de dirección estrenados en Madrid?¿Que les ha diferenciado?…
Si hago un pack con los tres últimos: Juicio a una zorra, De ratones y hombres y El Inspector creo que las diferencias están claras. El primero es un monólogo y el primer espectáculo que firmo como director y autor. Los otros dos son montajes muy grandes por número de actores y despliegue escenográfico, pero uno es oscuro como un tragante y la dramaturgia está pegada al original y el otro, ha sido mi primera comedia pura con una adaptación bastante libre. Me motivan los cambios de registro.
¿Cómo has vivido este éxito tan mediático tras tantos años como llevas trabajando en el teatro?
Como la constatación de que esta es una carrera de fondo donde la fortuna tiene mucho que ver pero también la persistencia y el trabajo duro. Pero sobre todo vivo con alegría la posibilidad de aprender, investigar y seguir trabajando en la profesión que elegí y que me apasiona.
¿Qué hace que te decantes por un proyecto u otro a la hora de elegirlo?
Supongo que cada uno tiene su propia historia. Hay encargos que se convierten en elección como De ratones y hombres. O decisiones como montar Veraneantes que tienen que ver con mi formación y el deseo de contar el mundo en el que vivo. O felices casualidades como decidir escribir Juicio a una zorra porque me dio un ataque de la risa pensando en Carmen Machi presentándose como tal en un escenario. El encargo es muy importante, sobre todo en la dramaturgia, porque te moviliza y te hace explorar caminos que, tal vez, nunca hubieras elegido. Y además te pagan… cuando te pagan.
¿De momento vas a seguir como director/autor o contemplas la posibilidad de volver a actuar?
No me veo, hoy por hoy, en el escenario como actor. Siempre he sido propenso al pánico escénico. Ahora que llevo una temporada detrás me resulta casi imposible imaginarme de nuevo sobre las tablas.
¿Qué proyectos tienes entre manos para que vean la luz en los próximos meses?…
Voy a dirigir un texto mío con producción de Pedro Larrañaga que esperamos estrenar en enero. El único actor confirmado de momento es Luis Merlo. Y profundizo en mi colaboración con La Abadía donde se van a reponer Juicio a una zorra y La función por hacer, al mismo tiempo que le damos forma con la misma compañía a un nuevo espectáculo en coproducción de La Abadía y Kamikaze producciones que se estrenará posiblemente el próximo verano.
¿Cómo ves la situación cultural en nuestro país después de tanto recorte?…
Apenas estamos arrancando la nueva temporada y es muy pronto para saber cómo nos va a afectar. Para bien, seguro que no. Lo que sí sabemos ya es que la subida del IVA y las dificultades económicas de los ayuntamientos y comunidades van a hacer muy difíciles las giras. Los teatros están programando muy poco y con esa mentalidad de «ir a lo seguro» van a provocar la destrucción del tejido teatral de las compañías pequeñas con circuitos alrededor de sus respectivas comunidades. Eso es reventar la cantera. Me parece un error, un error descomunal.
¿Alguna sugerencia para seguir creando en tiempos de crisis?…
No tirar la toalla. Si tienes una historia búscate la vida para contarla. Afortunadamente para el teatro si tienes una historia y actores tienes casi todo lo imprescindible.
Mis padres no lo saben en la Sala AZarte. Dirección de Javier Corral
Mis padres no lo saben en la Sala AZarte. Dirección de Javier Corral
Basado en el libro homónimo de Marce Rodríguez y Mariola Cubells
Lo que más se agradece de Mis padres no lo saben es la sencillez con la que se aborda todo…Las historias, los personajes, la puesta en escena…Por momentos parece que estamos asistiendo a la confesión íntima de cada uno de esos seres que se quedaron atrapados en las ondas de la radio, la conexión de internet, la oración o la amistad mal entendida. Podrían ser historias que se hubieran contado en aquel famoso programa de televisión de los setenta…Crónicas de un pueblo… Y tal vez la vida de los homosexuales y lesbianas de hoy en día no tendrían que contar sus historias a escondidas. Una banqueta, un sofá y unas cuantas cajas de frutas vacías son suficientes para crear el universo donde transcurre la memoria de un tiempo que todavía puede ser el de hoy. Está muy bien que se represente en la sala AZarte, con ese guiño de que las pequeñas biografías varían cada fin de semana, como en la vida…cada día nos llegan anécdotas diferentes de la existencia de los otros…Pero sería muy bueno que estos cómicos comprometidos viajasen a todo tipo de sala y sobre todo, sería muy pedagógico que pudieran colarse en las aulas de todos los institutos de nuestro país.
Adolfo Simón
Espectros de Artaud. Lenguaje y arte en los años cincuenta
Espectros de Artaud. Lenguaje y arte en los años cincuenta
En el CENTRO DE ARTE REINA SOFÍA
Fechas: 19 de septiembre – 17 de diciembre de 2012
Lugar: Edificio Sabatini, Planta 3
Comisariado: Kaira Cabañas y Frédéric Acquaviva
Esta exposición explora cómo el deseo de Antonin Artaud de transcender los límites del lenguaje -tanto hablado como escrito- perduró en el trabajo de una serie de creadores vinculados a los movimientos vanguardistas de mediados del siglo XX. Hay que tener en cuenta que, aunque la recepción de Artaud en el teatro y la teoría post-estructuralista se ha documentado y analizado profusamente, hasta la fecha, en gran medida debido al protagonismo del neodadá en la historiografía y en la exhibición del arte de posguerra, se ha prestado poca atención a la influencia que ejercieron sus teorías y propuestas en el ámbito de las artes visuales.
Espectros de Artaud. Lenguaje y arte en los años cincuenta incluye alrededor de trescientas obras de artistas procedentes de tres espacios geográficos principales -Francia, Estados Unidos y Brasil- y sugiere que el proceso de apropiación, recontextualización y traducción del polifacético legado de Artaud forma parte de una historia intelectual más amplia que no puede desligarse de la emergencia, a un lado y otro del atlántico, de un conjunto de prácticas artísticas interdisciplinares que plantearon la necesidad de desarrollar modelos alternativos de modernidad.
La exposición rastrea la influencia de Antonin Artaud en las diversas ramificaciones del movimiento letrista, fundado por Isidore Isou y Gabriel Pomerand en 1946. A su vez, la muestra da cuenta de cómo reinterpretaron su legado destacadas figuras de la vanguardia estadounidense de posguerra (John Cage, David Tudor, Robert Rauschenberg, Franz Kline…), examinando el rol decisivo que en este proceso jugó el Black Mountain College (donde en 1952 la escritora Mary Caroline Richards leyó un fragmento de su traducción todavía inconclusa de Le théâtre et son double que inspiraría la obra Theatre Piece #1 de Cage), y analiza el influjo que ejerció Artaud tanto en la poesía concreta brasileña como en el trabajo de dos artistas de este país, Lygia Clark y Hélio Oiticica, que exploraron las potencialidades de la recepción corporeizada de la obra de arte. Además, mediante una amplia selección de materiales documentales y audiovisuales, la exposición también muestra cómo su libro Van Gogh le suicidé de la société se convirtió en un referente fundamental para el movimiento anti-psiquiátrico.
AMIGOS hasta la muerte en el Teatro Muñoz Seca
AMIGOS hasta la muerte en el Teatro Muñoz Seca
Texto y dirección de JAVIER VEIGA
El teatro es un espacio que constantemente se está reinventando…Bebe de todas las fuentes y de todas se empapa…En AMIGOS hasta la muerte hay una primera parte que recuerda a las propuestas de El club de la comedia, incluso el espacio tiene ese aire de bar con escenario donde se suben los amigotes a cantar o contar historia en clave de humor…Toda la primera parte de esta obra escrita y dirigida por Javier Veiga es un chiste grueso, de esos que se podrían contar en la barra de un bar, delante de un sol y sombra…Hacia la mitad da un giro y la emoción se cuela entre los chistes…Y lo que parecía un extraño triángulo termina siendo una extraña pareja con bebé. El público disfrutó de una manera de hacer teatro que recuerda a aquel cine de los setenta que tan buenos ratos nos hizo pasar.
Ignacio Sánchez
Ester Bellver nos habla en esta entrevista de protAgonizo y Todas a la una, sus últimos trabajos para la escena.
Ester Bellver nos habla en esta entrevista de protAgonizo y Todas a la una, sus últimos trabajos para la escena.
Me gustaría que nos contaras como ha sido el viaje de tu anterior espectáculo…Desde cómo surge hasta el recorrido particular que has experimentado con él hasta la última función…
Es muy difícil relatar en pocas palabras cuatro años de una experiencia tan intensa como protAgonizo en la que no puedo diferenciar lo profesional de lo personal. El viaje no ha terminado aún, continúan saliendo funciones y disfruto mucho haciéndolas. Aunque estrene otros espectáculos no lo voy a abandonar, quedará en repertorio.
protAgonizo no fue algo previsto, un día me puse a escribir y no paré de hacerlo en seis meses. Escribía a todas horas. No lo hacía pensando en montar un espectáculo; algo pedía salir y simplemente no me opuse a ello. Le pasé el texto a algunos allegados, entre ellos a Agustín García Calvo, autor al que admiro y estimo. Él fue quién, tras la lectura, me animó a que hiciera una representación teatral con ello. Me puse a ensayar sin muchas pretensiones: si salía algo que mereciera la pena llevar a escena bien y si no, pues lo había intentado y me había servido de entrenamiento. Tras tres meses de ensayos hice un pase abierto para cotejar el trabajo con algunos amigos. Ellos me dieron el visto bueno y no solo eso: una amiga a la que le gustó mucho se ocupó de venderme un bolo en su pueblo, Aretxabaleta. Así fue que se estrenó protAgonizo. Después traté de traerlo a Madrid y fue la sala El Montacargas quien nos dio escenario. El espectáculo tuvo un éxito inesperado, se abarrotó enseguida de público y se prorrogó hasta cuatro meses. Nos llamaron después de Triángulo y posteriormente de AZarte. En ambas salas se prorrogó. También empezaron a salir bolos por el territorio nacional y finalmente, ¡sorpresa!, nos ofrecieron presentarlo en la sala de La Princesa del teatro María Guerrero, donde también se prorrogaron las funciones. ¿Quién hubiera podido imaginar esto? Aún ahora no me creo que haya sucedido. Llevamos hasta la fecha 141 representaciones que se han ajustado a muy diversos escenarios y circunstancias. Me gustaría mucho sacarlo fuera de España, especialmente tengo la ilusión de llevarlo a Argentina, pero todavía no lo he conseguido.
No puedo dejar de hablar de otro rincón muy importante que se ha venido desarrollando en este caminar sin tampoco darme mucha cuenta y que ha sido todo un descubrimiento. Se trata del terreno de la comunicación, el “marketing”, es decir, lo que es diseñar la campaña publicitaria de un espectáculo a partir de diversas acciones o performances (buzoneo de juanolas, pintar rombos -logo del espectáculo- a tiza por las calles, pintar cartones por las basuras con la información en lugar de poner carteles, intervenir otros carteles, intervenir muebles, contenedores…, y todo tipo de deshechos. Hacer fotos a todo lo que tuviera forma de rombo a mí paso y publicarlo en facebook, dar papelitos a la gente por la calle, etc). Me lo he pasado bomba inventando y realizando multitud de juegos que, además de dar muy buenos resultados, me ha proporcionado ratos muy lúdicos. Repartiendo papelitos he disfrutado de tener un contacto directo y por tanto humano con el público. Gracias a uno de estos papelitos llegamos al CDN. Estaba un día repartiendo a la puerta del Teatro Español y era Gerardo Vera –ex director de este teatro- quien extendía su mano para recogerlo.
¿Crees que vivimos tiempos en los que hay que tomar iniciativas personales si no aparecen de otro tipo?…
Como ya los ‘abuelos’ griegos decían “las cosas cambian para seguir siendo las mismas”. No creo que estos tiempos sean especialmente diferentes de otros, siempre es difícil sacar adelante proyectos ‘no comerciales’ o sometidos a modas y sin un respaldo económico un poco holgado. Pero cuando las cosas no salen por un lado salen por otro. Confío mucho en lo inesperado, no hay que desesperar. Muchas veces nos ofuscamos en algo y no vemos más allá. La vida siempre nos sorprende con caminos que no estaban contemplados en nuestro mapa. Suelen ser los más atractivos y reveladores.
¿Cuál sientes que ha sido tu trabajo en el anterior espectáculo…actriz, dramaturga, directora…?
¡Luchar contra todas ellas! ¡Intentar liberarme de ellas!
En el programa de mano pone que soy la actriz, la autora y la directora del espectáculo; hay que rellenar la ficha artística y cumplir un poco con lo acostumbrado…, pero, en cuanto a la dirección, siempre me han dado ganas de poner: un espectáculo sin dirigir, porque esa es la sensación que tengo. He marcado una partitura con algunos movimientos, eso sí, pero me siento muy libre de improvisar cada día según las reacciones del público y del propio directo sin atender rigurosamente a la propuesta de un director. Si se tercia cambiar algo sobre la marcha, o incluso darle la vuelta, lo hago. Asumo ese riesgo. Las funciones salen muy diferentes unas de otras. El texto, aunque lo he escrito yo, es como si hubiera salido solo, como si lo hubiera escrito otro y, en el trabajo como actriz, también he atentado un poco contra las normas: rompo, no la ‘cuarta pared’, la quinta. Un ejemplo: si no me acuerdo de lo que viene en el texto no pasa nada, en lugar de disimular se lo digo tranquilamente al público y saco el libreto frente a ellos para recordarlo. Comparto en el escenario mis errores y miserias, y la gente se reconoce en ellos. Por eso nos entendemos bien. Desempeño también las labores de producción, marketing y comunicación. Este trabajo requiere muchas horas y dedicación pero lo hago con mucho gusto, es un juego para mí, otro escenario.
¿Cuáles han sido las reacciones del público durante las representaciones?…
protAgonizo es un espectáculo que emociona y toca profundamente al espectador. Haciendo este espectáculo he descubierto cuán parecidos somos y que lo que consideramos tan íntimo y particular es absolutamente común. El público se reconoce en las vivencias y recuerdos de uno. Mucha gente me ha venido a decir que sentía que le estaba contando su vida; a otros les salía dar las gracias. Yo creo que sienten que algo que estaba dormido se les ha despertado. Lo que es precioso es ver cómo de repente una persona desconocida te habla como si fueras su amiga. Es así como me tratan tras la representación.
¿Cómo ves el panorama teatral actual tras los recortes en cultura?…
¿Cómo lo voy a ver? Pues que esto se derrrumba, el sistema y con él la cultura que esté sometida a él. Tarde lo que tarde, se cae. Eso es inevitable porque este mundo, tal y como está planteado, es un despropósito. El teatro de verdad sin embargo no morirá nunca, las adversidades le hacen fuerte. Sí es verdad que tengo mis miedos y me cuestiono si se podrá seguir viviendo de él, pero en esas mismas está mucha gente de otras profesiones.
Háblanos de tu nuevo trabajo…¿Cómo surge…de qué va?…
Se titula Todas a la una y se trata de una selección de textos de diversa índole (drama, poesía, canción, relato, romance, cuento…) de Agustín García Calvo. Ya os he comentado antes que es un autor al que admiro mucho. Agustín es Premio Nacional de Teatro, de Ensayo y de Traducción. Sin embargo, su extensa, rica y variada obra, inconcebiblemente está injustamente marginada de los escenarios. Con esta puesta en escena pretendo acercársela al público al menos un poco. Vaya para la muestra este botón.
¿Alguna sugerencia para seguir creando en tiempos de crisis?…
No pensar en ella, no creer mucho en esas cosas y tirar ‘pa lante’.
XII MUESTRA INTERNACIONAL DE DANZA Y TEATRO CONTEMPORÁNEO LATINO-AMERICANO
PROGRAMACIÓN DE LA XII MUESTRA INTERNACIONAL DE DANZA Y TEATRO CONTEMPORÁNEO LATINO-AMERICANO-DEL 12 DE SEPTIEMBRE AL 25 DE NOVIEMBRE DE 2012,ORGANIZADA POR TEATRO DE LA SENSACIÓN Y LA ESCUELA DE ARTES ESCÉNICAS DE CASTILLA LA MANCHA DE CIUDAD REAL-41 FUNCIONES DE TEATRO,DANZA Y TEATRO INFANTIL-EXPOSICIONES,TALLER DE DANZA CONTEMPORÁNEA Y TALLERES DE TEATRO PARA ADULTO E INFANTIL EN INGLÉS Y CASTELLANO.
Más información:
Presentación de la web Escenamateur
Presentacion de la web Escenamateur
ENTRADA LIBRE
Viernes, 14 de septiembre de 2012 / 12 horas
PALACIO DE LONGORIA
Sala Manuel de Falla – 1ª planta
calle Fernando VI, 4 – 28004 Madrid
ESCENAMATEUR presentará en rueda de prensa su página web: un punto de encuentro digital del teatro amateur nacional. http://www.escenamateur.org ha sido financiada para reagrupar un sector disperso que supone casi un 40% de las representaciones teatrales totales del país.
ESCENAMATEUR nace en 2009 con la clara voluntad de promover y trabajar para la dignificación y reconocimiento de la labor que realizan to dos los grupos de teatro aficionado de España, así como ser un interlocutor válido y efectivo entre las distintas Administraciones Públicas y privadas, tanto a nivel nacional como internacional.
Asistirán:
María Teresa Lizaranzu, Directora General de Políticas e Industrias Culturales del Ministerio de Educación y Cultura
Cristina Santolaria, Directora General de Teatro del INAEM
José Ramón López Menéndez, presidente de ESCENAMATEUR
Marcelino de la Fuente, diseñador de THINK
Más información:
tesorería@escenamateur.org
http://www.escenamateur.org
FERIA DE TÍTERES DE LLEIDA 2013
FERIA DE TÍTERES DE LLEIDA 2013
Convocatoria para la 24ª edición de la Feria de Teatro de Títeres de Lleida, que tendrá lugar los días 3, 4 y 5 de Mayo de 2013.
Más información:
centre@titelleslleida.com
http://www.titelleslleida.com
Mujeres de Shakespeare de Rafael Álvarez «El brujo» en el Teatro Cofidis
Teatro Alcázar-Cofidis
“Mujeres de Shakespeare”
Interpretación y dirección: Rafael Álvarez
Decir…”Se estrena una nueva propuesta de El brujo…” ya es garantía de una buena sesión de comunicación teatral…Aunque uno sabe qué se va a encontrar al acudir a ver a Rafael Álvarez, no puede evitar ir de nuevo…Da igual la excusa…en realidad, cada temporada es necesario recibir una nueva dosis de encantamiento escénico de El brujo…Aparentemente se escribe la obra durante la representación, con el tintero del público…pero todo lo que en escena parece fruto de la casualidad, en realidad es el resultado de muchas horas de escenario. Rafael Álvarez maneja a la perfección la narración clásica cruzada de la actualidad más rabiosa…Provoca la risa constante para dejarnos el paladar con sabor a hiel…Aquí, en Mujeres de Shakespeare, en un espacio ritual y con solo un violín como compañía, recorre el tiempo del bardo y el nuestro, consiguiendo que aquellas mujeres de ficción nos permitan conocernos mucho mejor a los ciudadanos de hoy. Nadie duda que tendrá un encuentro sagrado teatral al acudir al rito de El Brujo…una de las más antiguas experiencias…un actor frente al auditorio: El TEATRO.
Adolfo Simón
Que Revienten los Artistas 
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