Nuevo espacio: «SELECTOS – PURAENVIDIA»
ALBERTO PURAENVIDIA, CREADOR, DIRECTOR DE ARTE Y ESCENÓGRAFO DE La CASA de la PORTERA, INAUGURA EL DOMINGO 23 A PARTIR DE LAS 12.30h SU LOCAL: “SELECTOS – PURAENVIDIA” una tienda, taller y mini-bar en pleno rastro madrileño.
UN LOCAL QUE SOLO ABRIRÁ AL PÚBLICO LOS DOMINGOS.
“SELECTOS – PURAENVIDA” OFRECE AL PÚBLICO UNA SELECCIÓN DE LOS PRODUCTOS MÁS DESTACADOS CREADOS POR DIFERENTES ARTISTAS:
-MOVILIARIO SELECCIONADO Y RESTAURADO POR PURAENVIDIA.
-JOYAS EXCLUSIVAS DE LA ARTISTA PENAJEWELS.
-BISUTERÍA JAKOSOSAS BY MARTA MORENO.
-BOTELLAS MORE&MORE
-CAMISAS DE MODAS CABEZÓN Y FONDO DE ARMARIO DE CARLOS DIEZ.
-PAJARITAS Y COMPLEMENTOS DE JARABOWTIE.
-ILUSTRACIONES MARIA BORANAT.
-BICICLETAS – CASA DE BICIS.
PARA LA INAUGURACIÓN SE INVITARÁ A UN PEQUEÑO COCTEL A LOS VISITANTES. ADEMÁS DIFERENTES ARTISTAS PARTICIPARÁN EN ELLA CON PEQUEÑOS ESPECTÁCULOS DE BREVE DURACIÓN:
14h -ROSER PUJOL Y MAIKA JURADO de “ALEGRÍAS LAS JUSTAS” actualemente en el Teatro Alfil.
15h -ANA MONTERDE EN “NO ME TOQUES LOS FRONGUTONGUENS”
16h -ASIER ITURRIAGA
Y LA MÚSICA DE LAURA PUT DJ QUE AMENIZARÁ LA INAUGURACIÓN.
DOMINGO 23 A PARTIR DE LAS 12.30H EN CALLE SANTA ANA, nº6. EN PLENO RASTRO MADRILEÑO.
Juan Díaz nos habla de su trayectoria en el teatro.
¿Qué es el teatro para ti?…¿Por qué haces teatro?…
El teatro para mi es mi vocación, oficio, manera de vivir…Hago teatro porque con diecisiete años sentí que quería dedicarme a ello…cuando cuatro horas de ensayo se te pasan en una es que disfrutas..y quieres más…Fue un flechazo!.
¿Qué balance haces de tu trayectoria como actor?…
Balance de mi trayectoria…?…Tengo treinta y siete años…llevo veinte currando y he vivido etapas muy diferentes…Momentos de gloria…De indiferencia, frustración…Pero siempre en proyectos o intentando estar en ellos…O creándolos…Ahora me siento satisfecho del pasado y feliz con el presente…No me puedo quejar…de ná.
¿Cómo surge el proyecto El hijoputa del sombrero?…Háblanos de la obra…
Un día, Miguel Hermoso Arnao me llama para hacer una lectura de una escena y Cuco Afonso(director) y Alberto Closas en producción me proponen el papel de Jackie. Tres semanas antes del estreno el actor principal tuvo que salir del proyecto. Me gustó, estaba sin trabajo y dije que sí. «El hijoputa…» es la historia de Jackie y el entorno formado por Vero (su novia desde los catorce años) Rafa (su padrino de Alcohólicos Anónimos y amigo)…su primo Julio y la mujer de Rafa…Vicky. La obra habla de la dificultad de crecer, de madurar, de entender el amor, la amistad…De adicciones…Es una obra profunda, hiriente y gozosa. La música en las transiciones, son temas originales de «El langui», rapero madrileño, poeta urbano…Letras sacadas de el texto…De sus sensaciones leyéndola y viniendo a los ensayos…Un lujo!. Muy recomendable y no es porque lo diga yo, es que de momento, nadie que la ha visto me ha dicho lo contrario…O disimulan muy bien que todo puede ser. Es una obra para pasar un buen rato, disfrutar de la comedia y de la reflexión…de una historia cercana para todo el mundo…Macarra y comercial!…Por qué no?, claro que sí.
¿Cómo fue el proceso de creación de tu trabajo?…
El proceso fue…Estudiar mucho y muy rápido el texto…Lanzarme a la piscina, confiar, jugar…Pasármelo bien y respetar los tiempos de trabajo.
¿Hay algún referente técnico o artístico del que has partido para crear tu personaje?…
Para partir del personaje he tirado de la relajación, para hacer un personaje que es amor, desparpajo, callejero, acción pura…Que no para desde el principio…No te permite pensar, es tan grande su objetivo existencial que todo lo que sale de su boca está en la búsqueda de sí mismo, del amor. Me siento muy identificado…Todo lo demás ha sido transformarlo con pequeños detalles, matices que hagan que Jackie sea Jackie…Único!. Me lo estoy pasando pipa y os recomiendo que vengáis a verla…Otra vez.
¿Qué balances haces de tus últimos trabajos como actor en teatro?…
El balance de mis últimos trabajos es más que satisfactorio…Buenos textos en producciones pequeñas o grandes pero buenas. Al final es lo que te mantiene también en el teatro, en la tele o en el cine. El teatro exige mucho esfuerzo y sacrificio…Y el dinero a veces viene de lejos…si viene. Y si hago teatro me tiene que gustar lo que leo, o estar con gente con la que una historia mínima se puede convertir en un proceso estimulante y enriquecedor…hay muchas formas, formatos.
¿Cómo preparas los personajes?…¿Cuál es tu método?…
Los personajes los preparo desde el amor y la confusión. Desde las preguntas y los agujeros negros. Desde la exaltación por un descubrimiento…y la obsesión por un detalle. Muy perdido a veces, otras no tanto…Un lío vamos. Mi método es el método Juan Díaz.
¿Qué función crees que ha de tener hoy el teatro para la sociedad en la que vivimos?…
La misma funcion que hace tres mil años: Entretener, educar o deseducar, transformar la vida y las conciencias…Sensibilizar.
¿Crees que afectará mucho la subida del I.V.A. y los recortes al teatro?…
¿Que si afectará el I.V.A.?…esta pregunta es de hace tiempo…¿no?…¿Que si afecta?…¿Estáis de coña?…Pues no se, pero la cosa esta jodida ya…Por si no os habéis enterado…Digo.
¿Alguna sugerencia para seguir creando en tiempos de crisis?…
Para seguir creando en tiempos de crisis recomiendo seguir creando más todavía.
¿Qué obra de teatro has visto últimamente?¿Qué te pareció?…
«Pareidolia» en La Casa de la Portera…Impresionante!, me encantó. Fue como ver una peli entre «Al final de la escalera» y «R.E.C»…en 3D…Viví el momento de terror mas acojonante que he vivido en mi vida en una sala de teatro, solo por eso merecía la pena. Además, los actores estaban espectaculares…Una maravilla, muy recomendable para institutos…je,je,je…
Safronia en La Casa de la Portera
Safronia podría ser un país creado dentro de un bunker tras un cataclismo económico y existencial. ¿Qué queda en el ser humano cuando es atrapado en la celda de sus miedos y fantasmas?…fragilidad, impotencia…vacio. Las cuatro mujeres uniformadas de una ideología nueva, se reflejan unas en las otras, tratando de conseguir encontrar respuestas mirando el pasado. Pero el virus del caos acecha y la oscuridad invadirá el lugar donde habitan…Las cámaras de seguridad quedarán por siempre en negro.
Adolfo Simón
Javier Ortiz nos habla del proyecto de EL SOL DE YORK
¿Cómo surgió el proyecto de EL SOL DE YORK?…
El Sol de York a propuesta de Jaime Amuriza, que quería dar una nueva vida a lo que entonces era el Aula Cultural Isis, y de la necesidad de hacer algo frente a lo que estaba pasando en el mundo de la cultura. Rafa Navarro y Jorge Lorente diseñan un proyecto de escuela, Javier Ortiz el proyecto de gestión, y Jaime el local y todo el proyecto para hacerlo posible.
¿Cuáles son las premisas para seleccionar los proyectos programados en este espacio?…
El principal criterio es la calidad. No queremos ser especialistas más que en el teatro que consideramos interesante. Hemos recibido propuestas de todo tipo y nos gusta todo tipo de teatro. Obviamente, las condiciones del local nos impiden programar algunas cosas, y queremos que el público tenga una voz, pero estamos abiertos a todos.
¿Qué equipo conforma este proyecto a nivel producción y gestión?…
La gestión la lleva a día de hoy Javier Ortiz, con la ayuda de Jorge Lorente y Raquel Berini en el apartado de comunicación. Pero sin el apoyo de Jaime y Julio Amuriza, y muchos otros, hubiera sido impensable abrir.
¿Habrá talleres y actividades extras en el espacio?…
Claro que sí. Tenemos planteada una escuela de interpretación para el año que viene, y varios talleres. Hemos hecho ya algunas cosas, pero es algo que nos gustaría potenciar de cara a la próxima temporada. Dentro de poco empezaremos unos cursos de monólogos orientados a futuros actores.
¿Hay colaboradores habituales en el equipo artístico y técnico?…
Aquí todo el mundo es bienvenido. Hemos recibido sugerencias de muchos compañeros: Eladio Sánchez, el equipo de Scena Simulacro y todas las ideas son acogidas. El público también ha determinado si una obra prorrogaba, como en el caso de «Los miércoles no existen», pero no existe un equipo asesor fijo.
¿Van a producirse espectáculos o solo se va a programar?…
El proyecto está por desarrollarse y fijarse. Estamos teniendo mucha suerte en nuestros inicios, y mucho apoyo. Pero son sólo los inicios. Tenemos que trabajar mucho todavía para asentar el proyecto, y entonces nos plantearemos producir. Ya tenemos algunos textos. Pero sí estamos colaborando con compañías para abaratarles costes y echarles un capote.
¿Hay una línea ética y estética prevista para la programación o habrá diferentes tipos de teatro programado?…
La línea estética la marca la calidad. Sí estamos apostando por una línea ética asegurando el salario de los actores, con la campaña de entradas a 3€ para los parados, o cobrando las invitaciones a 3€. Hemos apoyado proyectos como «Recortes» o, más modestamente, «Feel Good» y nos encanta poder hacer algo por la gente siempre que sea posible.
¿Se pueden realizar propuestas combativas y alternativas en estos tiempos de crisis?…
Se deben. La existencia de muchas salas que están naciendo es ya un desafío al poder que nos olvida y nos ningunea, y que ahora nos exhibe como «efervescencia cultural», cuando no cobramos sueldos decentes y nos explotamos por amor al arte. Y que nos hablen ahora de subvenciones, cuando prácticamente han desaparecido y hay teatros que no abren porque no pueden pagar ni la luz.
¿Qué fórmulas pondréis en marcha para crear el público de EL SOL DE YORK?…
Invitamos a la gente a venir con descuentos y haciendo el teatro asequible en estos momentos para todo el que pueda. Confiamos en que eso no haga creer al público que el teatro es barato porque no vale más, sino que hacemos un esfuerzo por compartir la cultura en tiempos difíciles para todos.
¿Qué proyectos tenéis previstos?…
Cine, magia, música vocal, cuentos, teatro infantil… y lo que la gente nos quiera proponer.
¿Crees que los recortes y el aumento del I.V.A. van a afectar a las salas de teatro?…
Nosotros hemos nacido con el IVA al 21%, pero claro que afecta. No se trata de llorar ni de mendigar, sino de pedir a las administraciones que nos ofrezcan un trato justo, que nos permita no sólo subsistir, sino investigar, desarrollarnos y dar lo mejor de nosotros mismos. Los Almodóvar, Banderas, Saras Baras y Amenábar del futuro ya están por aquí, pidiendo ese punto de apoyo que les permita llegar donde su talento merece. Y esa labor es de las administraciones.
¿Qué montaje que hayas visto últimamente, te ha interesado?¿Por qué?…
FeelGood me encantó. Lo quise traer a la sala y lo volví a ver en Matadero. Borderline me pareció un trabajo maravilloso, como otras cosas que he visto en Scena Simulacro. «Cuerdas», que vendrá el año que viene, me fascinó. Son trabajos con actores muy buenos y un acabado fantástico. Y Sagrado Corazón 45, en La Casa de la Portera, es un proyecto muy especial y difícil de ver en nuestro teatro. Y Teatro en Serie, y El Psicópata… y no pararía.
Programa doble en La casa de la Portera
Que gusto da, en una misma noche, ver un programa doble de teatro, como en los cines de mi infancia. Dos obras con coincidencias, ambas están escritas y dirigidas por mujeres latinoaméricanas y en las dos está el amor como un vehículo que conduce a la locura, con consecuencias imprevisibles. A veces se oye la pregunta…¿Hay una literatura femenina?…¿Las mujeres crean de manera particular?… No lo se…lo que si se es que estás dos piezas presentadas en La casa de la Portera tienen un enfoque personal que se instala muy bien en el espacio de la calle Abades.
Cuando volveré a verte de Adriana Roffi que también es la directora, nos conduce por la historia recordada por la protagonista y como a veces ocurre, la memoria traiciona lo que ocurrió o permite que los recuerdos desvelen, finalmente, lo que no se quería contar. Una historia donde se dan la mano la vida y la muerte sin fricciones. Un cuento de realismo mágico que transmite con su cuerpo y buen hacer la actriz Nerea Moreno.
Por un infierno con fronteras es la nueva propuesta que Denise Despeyroux presenta en la cartelera de Madrid. Un disparate fantástico y paródico sobre los psicoanalistas y las consecuencias de sus prácticas. Siempre se dice que el drama es lo más difícil de escribir o interpretar y por eso se premian más este tipo de propuestas, creo que es un error, el humor, sobre todo el inteligente, es más complicado de ajustar en el papel y la escena. Denise crea un juguete diabólico en el que cada palabra está medida y el juego de locura que se pretende con ellas. Y para dar vida a los personajes, dos actrices deliciosas: Carmela Lloret y Sara Torres.
Scena Simulacro: nueva sangre en el teatro
A mediados de abril, Scena Simulacro contactó con The Zombie Company para proponernos la dirección de la grand finale del festival de nuevas tendencias teatrales. La programación había iniciado su andadura ese mismo mes y las siete compañías emergentes ya desfilaban por los cuatro espacios escénicos en los que, por primera vez en esta edición, se repartían los espectáculos: el Sol de York, la Sala Tú, el Garaje Lumière y Azarte.
La grand finale de Scena Simulacro se presentó el martes 7 de mayo en El Sol de York. Al escenario subieron las tres compañías finalistas del festival, La Panda de Yolanda, Teatro Colaborativo y Teatro al Punto, y representaron un fragmento a su elección de las obras. Habían llegado hasta ahí gracias al voto propicio de un jurado plural que se presentaba noche tras noche en las diversas salas. No obstante, durante esta velada sería al público asistente a la grand finale a quien le correspondería decidir el ganador de Scena Simulacro de este año.
La presentación del acto corrió a cargo de la Toñi, Lucía y Ángel, trío de personajes rebeldes y alocados con un sentido común tan aplastante que desarma cualquier impostura y dramatis personae de Elepé, obra de The Zombie Company interpretada por Fran Arráez, Carmen Mayordomo e Iván Ugalde en La Casa de la Portera.
La primera compañía en presentar su trabajo fue La Panda de Yolanda con Üiqüi’s, una propuesta inicialmente de manipulación de objetos que transporta al público, gracias a su escenografía portátil, a los entresijos que acontecen en los bastidores entre los manipuladores. La compañía procede de Valencia y está constituida por David Durán, Raquel Hernández, Merce Tienda y Josep Maria Zapater.
Le siguió Teatro Colaborativo con Borderline, monólogo postdramático que reproduce sobre el escenario la ilimitada capacidad de la mente humana para estallar como metralla ante una situación extrema. Este espectáculo es una creación del autor y director Rodrigo Hernández y la intérprete Karina Eguia y aúna creadores de España y México.
Los madrileños Teatro al Punto presentaron un fragmento de La Violence variétés, espectáculo con un lenguaje escénico colmado de inquietudes, procaz y cuya mayor violencia radica en desnudar la verdad de las vidas de sus personajes ante el público. Actúan Carmen Barquilla, Laura Moreno, Javier Prieto y Fernando Mercé bajo la dirección de Paloma Rodera.
Llegados al final de la velada, se entregaron los premios. Teatro Colaborativo recibió el Premio del Público La República Cultural, entregado por Julio Castro, director de este medio cultural. Finalmente, el Premio al Mejor Espectáculo lo recibiría La Panda de Yolanda de parte de los organizadores del festival, Rafa Romero de Ávila, Mélanie Pindado, Natalia Ortega y Raúl Baena, consistente en volver a actuar durante la temporada 2013-14 en la sala donde fueron programados durante el festival, en su caso en el Garaje Lumière.
¡El año que viene, más sangre teatral nueva!
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Podéis completar este artículo con:
Más información sobre las compañías finalistas en sus correspondientes páginas en Facebook:
La Panda de Yolanda (http://www.facebook.com/pages/La-Panda-de-Yolanda/295071893930570)
Teatro Colaborativo (http://www.facebook.com/BORDERLINETEATRO)
Teatro al Punto (http://www.facebook.com/teatro.alpunto)
Más información sobre Scena Simulacro: http://mrsimulacro.wix.com/scenasimulacro
Carlos Be
Sagrado corazón 45 en La casa de la portera
¿Saben que hay casas que tienen vida propia?…Si, hay lugares que se van cargando de memoria como las personas al crecer y acumulan placer o terror, dependiendo de quienes sean sus progenitores o de las vivencias que experimenten durante el crecimiento. Las casas son como niños, si les pegas siempre te mirarán con odio, si les sonríes te abrazarán…si las llenas de sangre… arañarán sus paredes por siempre. Sagrado corazón 45 es un tríptico en el tiempo a través del cual vamos descubriendo que todo puede ser fruto de la imaginación de quién inventa las historias o de quién las vive…o de quién las escucha. Durante tres décadas vemos transcurrir un rio de sangre en el que se lavan las manos muchos personajes que tiene algo que callar…como Ladys Macbeths tratan de borrar la sangre que sigue apareciendo día a día, recordando que allí se ha construido una memoria cargada de dolor.
Adolfo Simón
Elepé de Carlos Be en La casa de la portera
En La casa de la portera he viajado a todos las épocas y mundos a lo largo de este año de existencia del peculiar lugar…Anoche viajé a los ochenta; los que en esa década ya andábamos trasnochando por Madrid, volvimos a pisar las noches de la movida en la calle Abades…La transición y la movida parece que ahora son temas de interés teatral: Mirar sin ira aquel tiempo. Hay varias propuestas en la cartelera que recorren musicalmente aquellos años pero lo hacen desde esa forma musical donde se enlaza una canción tras otra, sin dramaturgia ni compromiso. Todos tenemos nuestra propia banda sonora, esa que cantamos en la ducha o en el pasillo de casa con una toalla como peluca. Elepé tiene los componentes apropiados para que todos sintamos que están contando nuestra historia emocional acompañada de las canciones que hemos tarareado alguna vez volviendo a casa de madrugada, tras un polvo fallido. Elepé da un giro en la dramaturgia de Carlos Be que abre muchas posibilidades, tiene elementos para seducir al gran público sin dejar de lado su personal sello como autor…Hay una historia que se cuenta sin necesidad de dar la mano a Aristóteles y la puesta en escena que el propio autor realiza es ingeniosa, divertida y emotiva…Un melodrama exquisito. Para que este plato agridulce llegue a nuestro paladar hay muchos elementos de apoyo…una adaptación musical estupenda, un espacio escénico que nos transporta a los pubs de aquel tiempo, un vestuario singular y sobre todo…unos actores que viajan de la emoción a la acidez sensacionalmente. Los grandes musicales no son esos que aprietan tema tras tema, son aquellos en los que las canciones forman parte de la historia que se cuenta y que se cuelan en medio de un diálogo, a estos pertenece Elepé…No se la pierdan.
Adolfo Simón
Pareidolia en La casa de la portera
La vida se pasa en dos días y cambia en un instante. Si a las dos hermanas churreras que nos reciben en La Casa de la Portera les hubieran dicho que Lavapiés cambiaría tanto en pocos años y ya no olería a churro sino a chop-suey, hubieran dicho: “no, no, no, no” muy decididamente y habrían seguido amasando su masa madre para hacer los mejores churros de Madrid, esos que les enseño a amasar su difunta madre. Dos hermanas, Gerónima y Alameda, que tienen miedo del mundo exterior cambiante pero que viven encantadas en su vetusta casa, antes la churrería, y que han decidido contribuir a la perdida cultura madrileña enseñando cómo se amasa un churro, con la ayudita de una subvención, claro está. Devotas y practicantes, muy practicantes, a su manera, no dejan de rezar para que este mundo en crisis encuentre su recto camino, a su manera, pero lo importante es la devoción.
Pero ¡ay!, algo está sucediendo en su casa que las tiene intranquilas: ¡Pareidolias! ¿No saben ustedes lo que es una Pareidolia? ¿Qué tienen que ver las mechas californianas y la laca Nelly en todo esto? ¿Es este el único secreto de belleza de Gerónima y Alameda o tienen más? Me temo que tendrán ustedes que visitarlas para descubrirlo.
Ángel Savín y Roberto Martínez, de la mano de su director Adolfo Simón, han sabido sacarle tanto partido al texto de Nico Grijalba, que no podemos pasar la hora que dura la obra sin sentir toda clase de sensaciones: desde la risa más desternillante al dolor, terror, asombro y emoción más extremos. Lo importante de la obra no es la historia en sí, sino todo lo que la rodea: la personalidad de dos viejas hermanas churreras puede dar para desvaríos y tomos enteros a lo Pérez Galdós, pero no se equivoquen porque aquí el realismo y naturalismo aparentes están completamente desvirtuados… De eso se trata, de recrearse en las pequeñas cosas que cada uno llevamos por dentro, en nuestras pequeñas «actuaciones» y girar la tuerca hasta que se pase de rosca…
Cuando se exprime tanto un guión para encontrar cada gesto y cada actuación y cuando se pone todo el corazón y la experiencia en una actuación suele salir una pequeña perla digna de lucir en los escenarios más grandes, pero que se ve mejor en la caja de bombones de La Portera. Una apuesta que se adapta perfectamente al maravilloso e inquietante espacio de La Casa, con una caracterización y escenografía de David Utrilla tan original como esperpéntica, y que nos deparará un montón de sorpresas.
¿Todavía están pensando en las mechas? ¿En la laca?¡Corran, llamen y reserven porque sólo les quedan tres oportunidades para verla!.
Luis Mª García 
Asier Etxeandia nos habla de sus proyectos teatrales
¿Cómo surge el proyecto de El Intérprete?…
Surge primero por una necesidad que se lleva gestando hace años: encontrar el punto intermedio entre música y teatro. En ese proceso conozco a Tao Gutiérrez, surge un enamoramiento profesional y vemos que es posible encontrar ese punto. Nos pusimos a crear canciones propias y la cosa fue surgiendo. Yo tenía muchas ganas de hacer un homenaje a mis padres, sobre todo a mi madre, a mi infancia… Salió todo sin pensarlo. Este homenaje era un sueño muy personal para mí, quería hacerlo desde mi infancia, en la que mis padres eran decisivos, desde un lugar íntimo y por la adoración que tengo a todos los intérpretes que me han enseñado a amar la vida, desde Piaf hasta Bowie.
¿Por qué esa peculiar mezcla de músicas?…
Porque soy un melómano, me gustan todo tipo de músicas. Ahí mis padres me enseñaron muy bien. Me gusta toda la música que es honesta. Por eso cualquier artista que arriesga, Chavela, Sid Vicius, Joplin me interesa. Todas las canciones que se desgranan en el espectáculo, rancheras, rock ‘roll, el cabaret de Kurt Weill, no se parecen entre sí pero todas parten del mismo lugar: la desnudez, la necesidad de expresar. Todos estos cantantes a los que recurro se exponen. De niño tenía la necesidad de expresarme y la música es el lugar en el que me mejor me expreso, en el que más libre me siento.
¿Cómo definirías tu espectáculo?…
No quiero definirlo. El arte no está para definirlo. En última instancia que cada espectador le ponga los adjetivos que quiera.
¿Cómo ha sido la experiencia de realizar un proyecto tan particular?¿Cómo ha sido el proceso?…
Dura. Porque ha sido muy duro darnos cuenta de cómo está la situación en este país. Me han prometido el oro y el moro hasta que hemos llegado a la conclusión de que la única solución era hacerlo solos. Por eso creamos Factoría Madre Constrictor y sacamos adelante este proyecto solamente con los profesionales que viven el arte como nosotros, con nivel de flipe. Sólo así hemos podido sacar esto adelante.
Trabajas en televisión, cine…pero siempre que puedes vuelves al teatro…¿Es importante para ti?…¿Por qué haces teatro?…
Para mí un actor o un artista es como un zapatero. Esto es un oficio. El zapatero hace botas, chanclas… le gusta el cuero, los cordones, los materiales que maneja y le gusta que la gente ande con lo que él fabrica. El teatro es un ritual sagrado sin el que no sentiría. Pero me pone cachondo la tele y el cine me fascina.
¿Qué balances haces de tus últimos trabajos como actor en teatro?…
Soy muy feliz. Tengo la suerte de haber trabajado con los mejores y de haber podido hacer trabajos maravillosos. Así que el balance mejor que lo haga el público.
¿Preparas de forma distinta un personaje para tv, cine o teatro?…¿Cuál es tu método?…
Mi método es el nivel de flipe. Yo no soy un actor. Soy un “flipao”. No soy de métodos. Todo depende del nivel de amor y de curiosidad que me provoque el personaje. Aunque también hay que sudar mucho la camiseta…
¿Qué función crees que ha de tener hoy el teatro para la sociedad en la que vivimos?…
La función con la que se creó en su momento para los griegos: Para ser un espejo de la sociedad, un ritual sagrado que no solamente se queda en el entretenimiento si no en el conocimiento de la sociedad, en abrir nuestros corazones. Los conciertos, los teatros, los partidos de futbol son algunas de las pocas cosas en las que los seres humanos nos juntamos. Lo dicho: es un ritual sagrado que cumple una labor mística y religiosa en nuestra sociedad.
¿Crees que afectará mucho la subida del I.V.A. y los recortes al teatro?…
Esto es una pregunta retórica, ¿no?
¿Alguna sugerencia para seguir creando en tiempos de crisis?…
En “El intérprete” está todo. Yo siempre digo que la cultura y el arte son como la humedad en las casas. Por más que tapes, la humedad va a salir. Los artistas saldremos a la calle y la tomaremos.
¿Qué obra de teatro has visto últimamente?¿Qué te pareció?…
“La huérfanas” y “Breve espacio para sobrevivir” en la Casa de la Portera. Últimamente el teatro que me gusta es el no subvencionado.
¿Proyectos?…
Estreno “ La Chunga” el 23 de abril. Con Aitana Sánchez- Gijón, Irene Escolar, Rulo Pardo, Jorge Calvo y Tomás Pozzi. Estoy muy contento, porque es un montaje maravilloso, más bizarro y grotesco de lo que pensábamos al principio. Y antes, el 15 de abril, estreno en la Casa de la Portera “Sagrado Corazón 45”, de José Padilla dirigida por Eduardo Mayo con Rocío Calvo, Juan Codina, Ana Vayón, José Luis Torrijo, Aitor Luna y Delia Vime.
Louella Persons en La Casa de la Portera
Louella Persons es el monólogo escrito por Secun de la Rosa inspirado en Louella Parsons, la más viperina columnista de cotilleos del Hollywood de los años dorados, manejó tanto poder que una frase suya bastaba para destrozar la carrera de una actriz. Un monólogo interpretado por Natalie Pinot y dirigido por Benja de la Rosa. Ahora, cuando conectamos la televisión y nos encontramos con esos programas que despellejan a los personajes del artisteo, pensamos que es un invento del presente y no, en otras épocas hubo columnistas, como se les llamaba entonces, que desvelaban todas las intimidades de las estrellas, siendo capaces de destruir carreras cinematográficas. El texto está escrito con ritmo rabioso y trepidante, en una hora consigue que viajemos por los años dorados de Hollywood y Benja de la Rosa lo dirige con habilidad y destreza, pero el milagro de esta función es Natalie Pinot, una actriz que si hubiera nacido en los años cincuenta podría ser Claudette Colbert o si hubiera nacido en Inglaterra podría ser una Maggie Smith o una espléndida Laly Soldevila en nuestro país. No hay función en la que aparezca que no atrape la mirada del público, da igual que su personaje sea episódico o protagonista, tiene la magia de atrapar la atención con golpes de humor y dramatismo de gran efecto. Si este país no fuese tan cruel con sus artistas, reconocería el talento de esta actriz que hace una verdadera creación del personaje de Louella.
Adolfo Simón
Ahora empiezan las vacaciones, versión de El Pelícano de August Strindberg escrita por Paco Bezerra en La casa de la portera
Es muy complicado encontrar el lenguaje textual y escénico para acercar al presente una obra del siglo IXX. El Pelícano no es el mejor ni el más conocido texto del Strindberg, es una obra extraña y dura para la época en que se escribió. Hay varios hallazgos en Ahora empiezan las vacaciones, la primera, la espléndida y clarificadora versión que ha escrito Paco Bezerra, sin duda, un autor que nos sorprenderá con grandes textos en el futuro. El segundo acierto es la propuesta escénico-claustrofóbica que ha planteado Luis Luque en una de las salas de La casa de la portera…hay momentos en que el aire se vuelve tan denso que es irrespirable. Y finalmente, un reparto para que el que, parece han sido escritos los personajes. Era curioso comprobar como aquel texto de El Pelícano que ocurre en un tiempo y espacio casi imposible, aquí se convierte en una historia de gran intensidad y lógica; un titular de trágico final que podría ser noticia hoy en día: Las vacaciones son el mejor lugar para morir.
Adolfo Simón
Desde el Festival La Alternativa reflexionan sobre la historia de esta muestra
¿Qué evolución ha experimentado La Alternativa desde sus inicios hasta hoy?…
La Alternativa, después de estos 25 años de recorrido, es en lo esencial similar a la primera edición. Sigue siendo un festival con vocación de poyar a los nuevos creadores, jóvenes dramaturgos y compañías emergentes. Es verdad que los contenidos han evolucionado con el tiempo, y varían según los criterios persoanles -que son ineludibles- de las personas que proponen o coordinan la programación, pero la filosofía es la misma que en 1989. Esto nos ha hecho reflexionar a veces, si el estado precario en el que se encontraban los creadores hace un cuarto de siglo no sigue siendo el mismo…
¿La crisis os ha obligado a pensar en otras estrategias a la hora de diseñar la programación de este año?…¿Cuáles?…
Evidentemente hay menor número de compañías de fuera de Madrid. En los últimos años al menos traíamos a alguna compañía internacional, cosa que este año no ha sido posible. Además hemos movido las fechas para no coincidir con otras programaciones.
¿Qué líneas base hay en el programa de este año?…
Este año ha coincidido el inicio del festival con el día de la mujer y ha habido varios espectáculso que tenían un contenido específico acerca de diferentes condiciones de las mujeres en la contemporáneidad o en la historia, y otros realizados en un mayoría por equipos femeninos. Además, en las temáticas hay una presencia de la realidad política y social, ineludible por otra parte. Por último y como premisa fundamental del festival, se atendiende a los autores contemporáneos españoles, a la dramaturgia viva y actual.
¿Qué compañías y salas participan?…
Este año contamos con 6 salas: Bululú 2120, Garaje Lumière, La Casa de la Portera, Tarambana, Triángulo y la jovencísima Sala Tu. Así, el festival no sólo apoya a compañías emergentes, sino a salas de reciente creación que necesitan la mayor visibilidad posible.
En cuanto a compañías, tenemos 33 espectáculos, de otras tantas compañías de las siguientes procedencias: Andalucía, Aragón, Canarias, Castilla León, Comunidad Valenciama, Euskadi y Madrid. De estos 33 espectáculos tenemos 20 estrenos absolutos y 10 estrenos en Madrid.
En cuanto a los géneros tenemos Teatro, Teatro en Verso, Teatro de Objetos, Cabaret, Música, Impro-Danza y Performances.
De entre las compañías destacaría a autores como Antonio Morales, José Padilla o Daniel de Vicente.
¿Cómo veis el panorama de la creación contemporánea en nuestra Comunidad?…¿Hay relevo generacional?…
Bueno, el panorama es oscuro en todos los ámbitos de la cultura, pero parece que la creación, a pesar de las dificultades es de lo poco que se salva. Hay trabajos muy interesantes de gente muy joven, bien preparada, que ha viajado, estudiado e incluso vivido, y que reflejan vitalidad y ganas de comunicar.
¿Afectará la subida del I.V.A. para que acuda menos el público a las salas en la edición de este año?…¿Qué estrategias habéis pensado?…
Lamentablemente, si que está notanto una bajada en la media de espectadores por función. En nuestro caso asumimos una parte de la subida, pero tuvimos que subir un euro la entrada. Además facilitamos precios con descuentos para muchos colectivos (jubilados, estudiantes, parados, profesionales de las Artes Escénicas…)
¿Qué tipo de teatro debería programarse en las salas alternativas?….
Creo que ni más ni menos que el que se hace. Afortunadamente hay un amplio panorama en el «circuito off» madrileño, con salas que se están especializando en diferentes géneros, lenguajes o contenidos. Hay espacio para la experimentación, para la libertad creadora, para el crecimiento de los artistas ya consolidados, para la danza, para los espectáculos dirigidos a las familias, a la primera infancia, para el performance, para las creaciones de espacio específico… las posibilidades son amplias y enriquecedoras… y todo esto se hace en déficit econímico, en precario, en negativo… si se cuidase un poco la creación contemporánea en estos espacios el resultado sería impresionante.
¿Hay posibilidad de hacer un teatro combativo e imaginativo hoy con tan poco apoyo institucional?…
La falta de apoyo sirve de acitate para los creadores y las salas, pero lo haríamos muchísimo mejor con mayores recursos. Aunque la crisis agudiza el ingenio, los medios económicos hacen posible llevar a cabo lo que el ingenio crea…
¿Qué teatro hay que hacer en estos tiempos de crisis?…Alguna sugerencia para seguir creando en estos tiempos…
Creo que un teatro pegado a la realidad, a lo que sucede en nuestras calles, en nuestros días, pero sin vocación aleccionadora, que haga inteligente y crítico al espectador, que le divierta, pero que le remueva… Sugerencia, tesón, fuerza y apoyo mutuo en colaboraciones e intercambios con microapoyos económicos, materiales y morales, al menos hasta que se pase el nubarrón de la crísis y veamos por dónde sale el sol…
El amante de Harold Pinter en La Casa de la Portera
Diez años de matrimonio puede ser una condena terrible para una pareja si no se busca algo para que cada día pueda reinventarse la relación…si no se hace, se puede sucumbir en la desidia y la rutina…Pero…¿Qué podría ocurrir si se instala en la pareja un juego de fantasías y se pierde el control de las mismas?…Pues que pueden quedar atrapados los dos en un laberinto donde ya no se sabe quien es quien. Nadie puede dudar en estos momentos que Harold Pinter es uno de los grandes dramaturgos del siglo XX, sus obras indagan en las relaciones con profundidad y genialidad. Tanto en las piezas largas como en las cortas, los personajes pinterianos son reflejo de nosotros mismos pero visto a través de un microscopio. El autor no cae en la tentación de mostrar lo que ocurre si no aquello que se oculta y esto es materia dramática por excelencia. El montaje intimista que muestra Funfanfarria en la Casa de la Portera nos instala en este juego perverso en el que, por momentos, nos sentimos el amante ausente que observa el paisaje desolado que queda tras cada encuentro fantasmal.
Adolfo Simón
La vida en tiempos de guerra de Saraband Teatro en La casa de la portera
Hay un principio delecioso en esta adaptación libre y actualizada de Casa de muñecas de Henrik Ibsen…Los actores, copa de vino en mano nos dan la bienvenida con una canción que se cuela suavemente en nuestros oídos, a continuación, dicen unas frases celebres sobre la dificultad de amar, nombrando al autor de las mismas. Cuando este momento se evapora, entramos en otra propuesta escénica, una suerte de teatro naturalista donde se nos muestra una versión actualizada de la obra de Ibsen, todo parece que fluye, los personajes creados hace más de un siglo podrían existir hoy. Una de las cosas positivas de esta propuesta es el equilibrio que se ha dado a todos los personajes de la obra, las cinco columnas sobre las que se asienta la historia tienen prácticamente la misma importancia, son, en definitiva…unos niños inmaduros atrapados en experiencias adultas. La primera parte transcurre bastante fluída pero a partir del ecuador, todo empieza a dilatarse y las situaciones crispadas lo son excesivamente. No se qué hubiera pasado si aquella imágen inicial hubiera sobrevolado sobre toda obra…
Adolfo Simón
Paco Bezerra nos habla de sus proyectos.
¿Cómo surge el proyecto AHORA EMPIEZAN LAS VACACIONES?…¿De qué va la obra?…¿Cómo ha sido el viaje dramatúrgico de El Pelícano a tu propuesta textual?…
Luis Luque había pensado montarla, ya tenía los actores y todo, de hecho hasta había hablado con ellos y se lo había propuesto, así que me pidió hacer la versión y yo acepté. Podríamos decir que se trata de un encargo, como la obra anterior que hice con él, La escuela de la desobediencia. La obra va de una madre desnaturalizada que tiene muertos de hambre y de frío a sus hijos desde el día en que nacieron, y esto lo utilizo para hablar de nuestro presente. El viaje dramaúrgico ha partido de los personajes y conflictos del original, pero podría decirse que he reescrito la obra. He metido elementos nuevos y he eliminado a uno de los personajes. También me he inventado alguna escena que otra, la del final, por ejemplo, en la que creo que no hay ni una sola palabra escrita por Strindberg.
¿Hiciste algún tipo de documentación sobre el tema antes de realizar tu texto final?…
Partí de las lecturas del original, vi varias veces el Estudio Uno que interpretó en su día Irene Gutiérrez Caba y Tina Sáinz, y, a partir de lo que todo esto me sugirió, empecé a investigar sobre el hambre y el apetito. Entonces, descubrí una isla en la que nadie jamás había pasado nunca hambre, en el Pacífico Sur, Vanuatu se llama, el lugar con mayor calidad de vida de todo el planeta Tierra. Y eché la imaginación a volar a partir de ahí.
¿Cómo surge llevarlo a La Casa de la Portera?
Ya estaba en la propuesta de Luis, venía con el encargo, todo en el mismo paquete. Si yo no hubiese hecho la versión, él la hubiese estrenado igualmente en La casa de la portera.
Eres un autor premiado…¿Sirven los premios para que tus textos se visibilicen?…
Sí, pero para que se visibilicen los textos que no han sido premiados. Curiosamente, los textos que han ganado premios importantes no se han hecho, esos no se representan, se representan otros que me encargan, pero las obras que han ganado más premios aún no se han hecho.
¿Opinas como algunos autores, que no hay que publicar un texto hasta verlo estrenado?…
No, si yo pensara así ahora no tendría más que tres textos publicados, y dos de ellos versiones o dramaturgias de otras obras que no son mías, originales, entonces, habría publicado sólo Grooming. Además, si no se publican antes de estrenarse… ¿cómo llega el texto a manos de un director de escena? ¿Cómo puede montar alguien un texto si no está publicado? ¿O cuántas obras hubiésemos leído de Don Ramón del Valle-Inclán? Imagino que habrá dramaturgos que tengan contactos y que conzcan a productores y directores de teatros, pero si no conoces a nadie publicar es la única manera de que tu trabajo tenga cierta difusión. No, qué barbaridad, yo no pienso así, yo soy dramaturgo, escribo para la Literatura Dramática, no para la escena. Si mis obras se hacen, fenomenal, pero si no se hacen yo las voy a seguir escribiendo igualmente. ¿Por qué no iba a poder tener la gente acceso a leerlas?
¿Qué balances haces de tus últimos trabajos como autor?…
El balance ha sido positivo. He estrenado tres obras en el último año y medio, así que no me puedo quejar.
¿Qué función crees que ha de tener hoy el teatro para la sociedad en la que vivimos?…
La de siempre: la de plantearle preguntas al lector/espectador, no ofrecerle respuestas, la de hacerle dudar de lo que piensa, la de cuestionarle y ponerle en un dilema moral ante una situación determinada… Viene siendo así desde antes de que naciera Jesucristo. El teatro ha cambiado mucho, pero sólo en su forma, en el fondo, el teatro sigue siendo muy parecido al de hace más de dos mil años.
¿Qué te motiva o inspira para escribir teatro?…
El paisaje desértico de Almería, mi padre y mi madre, mi abuela, mi hermana, mi tía, mis vecinas y todo lo que sale por boca de estas personas que acabo de enumerar. Un pozo sin fondo.
¿Crees que afectará mucho la subida del I.V.A. y los recortes al teatro?…
¿Y no está afectando ya?
¿Qué obra de teatro has visto últimamente? ¿Qué te pareció?…
Vi Alma de Dios, de Carlos Arniches y Enrique García Álvarez, con Cristina Marcos, Tomás Pozzi y Manuela Velasco, dirigida por Jesús Castejón, en el Teatro de la Zarzuela. Una maravilla. Me encantó. De hecho, creo que voy a escribir una Zarzuela, que es algo que los dramaturgos españoles no deberían haber dejado de hacer. La Zarzuela es lo más.
¿Cómo ves la autoría teatral en estos momentos en nuestro país?…
Pues muy bien, mejor que nunca, la veo tal que así: Alfredo Sanzol, Manuel Calzada Pérez, Sergi Belbel, María Velasco, Lluisa Cunillé, José Manuel Mora, Guillem Clua, Angélica Liddell, Carlos Be, Josep María Miró, Miguel del Arco, Juan Mayorga, Guillermo Heras, Jordi Galcerán, Luis García-Araus, Pau Miró, José Ramón Fernández, Marta Buchaca, Alberto Conejero, Lucía Vilanova, Antonio Rojano, Eva Hibernia, Gracia Morales, Zo Brinviyer, José Cruz, Jordi Casanovas, Juan Carlos Rubio, David Desola, Laila Ripoll… y se me olvidarán por lo menos ciento cincuenta más.
¿Proyectos?…
Me acaba de conceder el INAEM una beca para el Desarrollo de las Dramaturgias Actuales, creo que se llama, así que es la primera vez que me ayudan económicamente antes de escribir una obra y eso me alegra porque creo que han empezado a confiar en mí. Voy a escribir una obra que se llama El rescate del dragón.
Breve ejercicio para sobrevivir en La casa de la portera
En toda feria de monstruos que se precie tiene que estar el laberinto de los espejos, ahí, entramos para vernos multiplicados y deformados…para reconocernos, tal vez, como somos en realidad. ¿Qué pasaría si al entrar en ese laberinto uno se ve reflejado en los espejos como Romeo dialogando con Lady Macbeth?…¿En qué obra estamos?…¿Hemos entrado en la escena que nos corresponde o alguién de otra obra se ha metido en nuestro mundo?…¿Estamos en la realidad o confundimos esta con los sueños?…Bárbara Lennie y Santi Marín, de la mano de Lautaro Perotti realizan un streptease emocional brutal…Se abandonan a la desesperación de la imposibilidad de atrapar el deseo de ser uno imitando a otros…un trayecto peligroso porque les deja al borde del precipicio, ahí donde las palabras y los gestos no son útiles para comunicarse, donde solo un abrazo y una lágrima comunican lo que realmente se siente. De nuevo, en ese espacio mágico, plagado de espejos, que es La casa de la portera…un nuevo experimento sobre la verdad y la emoción, algo que se lee también en las miradas de los cómplices que rodean a los personajes, porque no somos público, somos voyeures de retazos de vida.
Adolfo Simón
¿Qué es una creación Pop?…Jorge Calvo nos lo aclara en esta entrevista.
¿Cómo surge el proyecto de LAS HUÉRFANAS?…
Miguel me paso antes de verano los dos textos que tenía escritos para ver que me parecían y este me gustó para mi desde el primer momento. Le dije que quería hacerlo y que había pensado en Jose Martret para el otro personaje porque parecía escrito para que él lo interpretara. Miguel me dijo que él también había pensado en nosotros dos y ahí decidimos arrancar.
¿Hubo ocasión durante el proceso para que se modificaseis la dramaturgia los actores al realizar la puesta en escena en La casa de la portera?…
El texto no hubo que modificarlo para hacerlo en La Casa De La Portera porque desde el primer momento me pareció perfecto para hacerlo allí. Sí se hicieron cambios durante el proceso, pero los típicos que se hacen cuando se trabaja un texto con libertad y jugando con lo que los actores aportamos durante el proceso.
¿Cómo ha sido el proceso de creación?…
El proceso de creación ha sido largo, difícil y muy enriquecedor para encontrarle el punto exácto que queríamos conseguir. No ha sido solo tarea de Miguel, que estuvo en el proceso con nosotros para hacernos entender bien como eran esos personajes, se ha conseguido un equipo fuerte para hacer lo que usualmente se llama Creación Colectiva y que yo prefiero llamar Creación Pop.
Trabajas en televisión, cine…pero siempre que puedes vuelves al teatro…¿Es importante para ti?…
El teatro me fascina, me encanta, me hace sentir muy bien, es el medio en el que más cómodo me encuentro y por eso me gusta hacer buenos proyectos, desde hace mucho tiempo nunca me conformo con cualquier cosa. Respeto mucho el teatro y aunque este haciendo otra cosa siempre vuelvo. El año pasado estaba haciendo Amar En Tiempos Revueltos y no pude renunciar a hacer al mismo tiempo Luces De Bohemia y El Inspector. Acabé agotado pero mereció muchisiiiisimo la pena el esfuerzo.
¿Qué balances haces de tus últimos trabajos como actor en teatro?…
El balance es muy positivo. Hacer De Ruben Darío en Luces De bohemia fue algo increíble, agradezco tanto a Lluis Homar que confiara en mi. Tabajar un texto de Valle Inclán es un lujo. Después estuve en El Inspector con Miguel Del Arco y fue otro regalazo. Me permitió crear e inventar un personaje que no estaba en la función y que se convirtió en el mejor de los tres que tenía que interpretar. Además el proceso con Lluis y con Miguel fue radicalmente distinto, no se puede pedir más…bueno si, hacer Las Huerfanas, y aquí estamos.
¿Cómo ha sido el trabajo con el director?…
Como te dije antes este no ha sido un proceso con un director como se hace habitualmente. Una Creación Pop, como a mi me gusta llamarlo, nace desde sitios intelectualmente complejos hasta lugares absolutamente intuitivos o espontáneos.
¿Qué función crees que ha de tener hoy el teatro para la sociedad actual?…
Yo creo que el teatro fundamentalmente tiene que ENTRETENER. Adoro la palabra ENTRETENIMIENTO. Que sea desde el lugar que sea pero que entretenga, y creo que se puede entretener desde muchos lugares y cada uno tiene que elegir el suyo. Además no todo el mundo se entretiene con lo mismo, se puede entretener desde la intelectualidad, desde la vanguardía o desde la comedia más ligera, o mezclando todo, porqué no? Y en cualquier caso lo importante es que haya una buena historia que contar porque si la hay enseguida se mueven conciencias.
¿Crees que afectarán los recortes al teatro en lo que veremos durante los próximos meses en los escenarios?…
Claro que afectaran, pero no menos que lo que ya afectan desde hace mucho tiempo. Fijate que cuando Lluis Pascual dirigió Luces De Bohemía en el año 84 para el María Guerrero en el reparto había 41 actores y nosotros el año pasado en la dirigida por Lluis Homar, también para el María Guerrro, éramos 15. Estuvimos dos meses en Madrid y no pudimos hacer gira, en cambio en la de Pascual estuvieron creo que dos ó tres años. Lo del 21% de IVA es vergonzoso y una muestra clara de lo que nuestro gobierno aprecia nuestro trabajo.
¿Te preparas de manera distinta un personaje para tv, cine o teatro?…
Todos los medios son muy distintos y todos los procesos también, no tengo una receta clara para hacer los personajes, confío mucho en los directores cuando tienen muy claro su proyecto y eso hace que tu proceso de trabajo también cambie.
¿Cómo preparas los personajes?…
A mi madre, que era una gran cocinera, cuando le preguntaban como hacía sus guisos siempre respondía los mismo, «CON LAS MANOS» jjajajjajajaj…yo te digo lo mismo, no reveló los ingredientes, aunque si te diría que sigo al pie de la letra lo que me enseño Yolanda Monreal, mi profesora de interpretación, que siempre decía que lo más importante era La Observación.
Háblanos de QUÉ MARAVILLA!…¿Para cuándo una próxima?
Que Marávilla es un gran show de cabaret underground que dura varias horas y que hago cuando me apetece. Es un Espectáculo que he hecho 10 veces en tres años y que cada vez es completamente distinto. Define todo lo que yo soy,lo que me gusta y en el soy absolutamente libre. Tengo la suerte de contar con unos colaboradores de lujo, desde Jose Martret que es parte fundamental e inspiración creativa hasta un moton de artistas que han pasado por el escenario de Laydown( el local donde se representa). Desde Loles León, Alaska. Hugo Silva, Chevy Muraday, Concha Cuetos, Asier Etxeandía, Vivían Caoba, Diabeticas Aceleradas y un montón de artistas desconocidos y otros Undergound. Prometo hacer una pronto e invitarte.
¿Proyectos?…
Proyectos hay, en breve empiezo a ensayar LA CHUNGA de Vargas Llosa dirigida por Joan Ollé para el Teatro Español de Madrid.
Entrevistamos a Marta Fernández Muro mientras representa en La casa de la portera
¿Cómo surge el proyecto de UN PASADO EN VENTA?…
Porque quiero escribir un monólogo para interpretarlo yo. Y lo llevo a cabo.
¿Hubo ocasión durante el proceso para que se modificase la dramaturgia al realizar la puesta en escena en La casa de la portera?…
Tengo 3 o 4 versiones del monólogo. La última versión se adecuó especialmente para «La casa de la portera».
¿Cómo ha sido el proceso de creación?…
No sé explicar un proceso. Empiezo sabiendo lo que quiero contar y luego lo voy desarrollando. En la puesta interviene la dirección y el proceso se desarrolla conjuntamente.
Trabajas en televisión, cine…pero siempre que puedes vuelves al teatro…¿Es importante para ti?…
Me gusta mucho el teatro. Me siento más cómoda y más libre.
¿Qué balances haces de tus últimos trabajos como actriz en teatro?…
Positivos. Me siento contenta del trabajo que hice en «La abeja reina» de Narros, y en «La Celestina» de Lepage. Si me remonto más y más, estoy muy orgullosa de «Carcajada Salvaje» y de «La secretaria», un texto inédito de Natalia Ginnszburg.
¿Cómo ha sido el trabajo con la directora?…
Me ha ayudado a ver desde fuera un texto en el que estoy en exceso implicada.
¿Qué función crees que ha de tener el teatro para la sociedad actual?…
La de siempre. Contar una historia que ilumine al espectador.
¿Crees que afectarán los recortes al teatro en lo que veremos durante los próximos meses en los escenarios?…
No. El trabajo siempre es el mismo. Cambia el medio, pero no la esencia del trabajo.
¿Te preparas de manera distinta un personaje para tv, cine o teatro?…¿Cómo los personajes?…
Los entiendo con la cabeza y los hago con el cuerpo.
¿Qué espectáculo de teatro has visto últimamente?¿Qué te pareció?…
Lo último «Huérfanas» con texto de Miguel Albaladejo… Genial. También resalto el trabajo de la Portillo en «La vida es sueño».
¿Proyectos?…
Seguir.
Las huérfanas en La Casa de la Portera
Se han realizado muchas películas y obras de teatro sobre las consecuencias de la Guerra Civil española. La postguerra ha causado estragos que a día de hoy todavía estamos sufriendo. Las huérfanas podría ser el contenido de tres páginas arrancadas del diario de dos víctimas de aquel tiempo. Pero también es un viaje emocional y sensorial al album de fotos en sepia de unos años que recordamos como retazos de una pesadilla. Solo se podía huir hacia el exilio o la muerte…quedarse suponía aceptar que la huída solo se podría realizar a través de la imaginación y la amistad. Esta obra es un canto a la amistad, elevada al rango de gran amor. Los niños nacidos de los desleales heredarían un estigma para siempre, por eso hay tanta verdad en la composición de estas niñas barbudas que hablan susurrando en la cama del hospicio…o comparten camerino en un lugar imposible…o recuerdan el pasado en la habitación de un hospital ante la atenta mirada de un espectro amigo. Las huérfanas es mucho más que una obra de teatro íntima, es un viaje a la memoria de todos y además, nos invitan a sonreír frente al horror…¿Se puede pedir más?.
Adolfo Simón
Un pasado en venta en La casa de la portera
Hay que tener cuidado con las personas que viven solas…
Hay que tener cuidado con las personas que siempre piensan en el bien ajeno…
Hay que tener cuidado con las personas que siempre esperan que suene el timbre de la puerta y haya alguien tras ella…
Hay que tener cuidado con las personas que quieren vender una casa a muchos compradores…
Hay que tener cuidado con las personas que no les gusta repetir las cosas…
Hay que tener cuidado con las personas que se parecen a algún familiar que ya no está entre nosotros…
Hay que acudir a La casa de la portera para acompañar al personaje que interpreta Marta Fernández Muro mientras se recorre la vivienda en venta…Y dejarse llevar por su amabilidad…aunque uno no escuche las cosas que ella oye…
Es una delicia oler la mandarina que mordisquea ante nosotros mientras recuerda…recuerda…recuerda…y un lujo tener a una actriz como Marta entregada a esta experiencia insólita…
El texto, de la propia intérprete, es un cuento mágico con tintes terroríficos que apetece seguir por las estancias de la casa que se prolonga gracias a la imaginación del público. La dirección de Pilar Massa es sencilla y efectiva…facilita que todo tenga sentido y se ubique en el espacio coherentemente.
Adolfo Simón
Nuestro hermano en La Casa de la Portera
La desaparición de los progenitores suele ser, casi siempre, una situación propicia para guerras familiares. Los herederos se convierten en buitres que se abalanzan sobre los cuerpos calientes, para apropiarse de sus pertenencias. Hay una obra mítica en el teatro contemporáneo español…Hay que deshacer la casa de Sebastián Junyent; en ella dos hermanas ajustan cuentas personales mientras reparten los bienes que dejaron sus padres al morir…Una obra llena de pequeñas sorpresas y batallas humanas. En Nuestro hermano se parte de la misma situación, unos hermanos que han de repartir la herencia de la madre muerta…pero…una vez planteada la situación dramática, no evoluciona. Da igual que vayamos de una habitación a otra, el conflicto se ha estancado y se confunde tensión con gritos. Los personajes con deficiencia mental funcionan muy bien en escena pero a un palmo del espectador hay que cuidar la composición del mismo para que sea creíble y se entienda lo que dice.
Adolfo Simón
Playlist en La Casa de la Portera
Con el nuevo año se renueva la programación en La Casa de la Portera…Muchas propuestas sugerentes esperan a los voyeurs de este peculiar lugar. La primera guinda que he podido degustar ha sido Playlist…Un viaje de la mano de canciones que nos abren las puertas de espacios privados. El conejo de Alicia, convertido aquí en un loco visionario que toca música en un piano de juguete, nos prepara para entrar en los distintos trozos rotos del espejo que atravesó el personaje fantástico… Aquí nosotros somos Alicia, tropezándonos en cada recodo del bosque con pedazos de pesadilla…Dos mujeres que se increpan en un combate verbal sobre las máscaras de la emoción…Un juego perverso para inventarse amantes en lugar de amigos invisibles…Y el pacto más terrible que se puede hacer en una relación: Ser torturador complaciente. Otro ritual único en la cartelera teatral. La Casa de la Portera sigue proponiendo el «otro teatro», el que no tiene límites ni censuras.
Adolfo Simón
Historias del Chiscón(HdC) en La Casa de la Portera
¿Por qué no echar pimienta a la mayonesa?…¿Por qué no mezclar churras con merinas?…¿Por qué no sumar y componer un puzle sobre la realidad que vivimos o con la que se nos viene encima a partir de textos de diferentes autores?…¿Es un disparate?…Puede ser…¿Y?…¿Qué harías si te quedase un minuto de vida?…Pues seguramente vaciar toda la mierda que llevamos en la cabeza. Y ese parece ser el hilo conductor de esta propuesta, en la que han tenido que poner en sintonía muchas historias montadas por varios directores…Y han debido congeniar porque no hay nada extraño o en desequilibrio que haga pensar que allí hubo problemas de comunicación. Miguel Ángel Cárcano, Quino Falero, Rulo Pardo y Diego Sabanés dirigien algunas de sus propias historias o en el caso de Quino Falero, las que escribió Denny Horror, Carlos Molinero y José Ignacio Tofé. Y todo junto, una vez llevado al punto, se transforma en un caramelo acido pegado al paladar de la boca, si, reímos pero por momentos se nos queda la risa congelada porque estamos riendo de aquello que nos duele y no entendemos…De este mundo en el que somos extraños en un paraíso del que, otros, tienen la llave…De nuevo un acierto en este espacio que se multiplica sin derribar paredes y sin instalar grúas que muevan al público, ya lo consigue la imaginación y el buen hacer de los intérpretes. Y al final…un OSCURO dicho a plena luz…Por un momento pensé que saldría Gila y diría aquello de…»¿Está el enemigo?… Que se ponga.»
Adolfo Simón
Que Revienten los Artistas 
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