¿Qué nos espera en la próxima temporada en los Teatros oficiales?…
Centro Dramático Nacional
Más info: cdn.mcu.es
Compañía Nacional de Teatro Clásico
Más info: teatroclasico.mcu.es
Teatro Español
Más Info: http://www.teatroespanol.es
Teatros del Canal
Más info: http://www.teatroscanal.com
Teatro de la Abadía
Más info: http://www.teatroabadia.com
Teatro Real
Más info: http://www.teatro-real.com
Teatro de la Zarzuela
Más info: teatrodelazarzuela.mcu.es
Antony and the Johnsons presentaron Swanlights en el Teatro Real
No es la primera vez que Antony Hegarty pisaba las tablas del Real, ya había pasado por allí con el espectáculo The Life and Death of MArina Abramovic, dirigido por Robert Wilson hace poco. Esta vez hemos tenido la gran oportunidad de ver el espectáculo «Swamlights». en 2012 el MoMA le encargó una obra para una única representación en el Radio City Music Hall de Nueva York, en la que Antony, en colaboración con el artista Chris Levine, el iluminador Paul Normandale y el escenógrafo Carl Robertshaw transformaron el escenario en el interior de una montaña blanca repleta de cristales y luces fragmentadas…
Un espectáculo mágico en todos los sentidos: por la voz única de Antony , por su presencia, por la de sus músicos, por la de la orquesta titular del Teatro Real, por la de la escenografía e iluminación…
Como en todos los conciertos de Pop que se precie tiene que haber un telonero, en esta ocasión, el prólogo fue ‘Ascension’, una pieza coreográfica interpretada por Johanna Constantine, que nos introdujo a ese mundo surrealista creado para dar placer a nuestros sentidos.
Acto seguido, sobre el escenario pudimos ver cómo un Antony iba apareciendo entre nubes verdes creadas con laser en una atmósfera completamente imaginaria que nos recordaba a Superman en las montañas de hielo al lado de la kryptonita.
Un Antony entregado y libre, en estado de gracia que fue interpretando las canciones que ha ido creando a lo largo de su trayectoria, partiendo del pop y elevándose hasta la categoría de un espectáculo más que digno de las tablas del Teatro Real. Una voz única, espiritual que puede mover montañas y elevar a un público a un mundo imaginario, su mundo, el que Antony ha creado. Como dijo en la rueda de prensa previa: «Se espera que el pop solo hable de fantasías románticas, pero puede ser tan profundo como quieras» y efectivamente así lo ha demostrado, ha infundido toda su personalidad para demostrarnos que el pop puede ser tan clásico y tan sublime como La Boheme.
Porque el pop puede hablar de nuestra realidad y tener un trasfondo político, social y humano y a Antony le preocupa transmitir a la sociedad su forma de pensar y de vivir, desde la máxima humildad y timidez que le caracteriza y que le ha elevado hasta el punto en el que está, casi casi en el cielo, como los ángeles, esos que cantan tan bien.
Luis Mª García Grande.
Orfeo y Eurídice, una ópera danza de Pina Bausch en el Teatro Real
Pina Bausch fue una precursora en la escena del siglo XX. Su obra es tan personal y a la vez tan impresionante que no ha podido dejar indiferente a nadie que ha presenciado alguna de sus propuestas. Ella revolucionó la danza cuando ya parecía que estaba todo inventado en esta disciplina, la dotó de teatralidad y vida, de poesía y belleza. Además de sus grandes creaciones con la Compañía que durante mucho tiempo dirigió, tuvo ocasión también de adentrarse en otros mundos de creación como el de la ópera y su peculiar manera de abordar la poética lírica tampoco dejó indiferente a nadie. Ahora Pina es un mito del arte del siglo pasado y su obra ya está instalada en el Olimpo de la inmortalidad pero no siempre fue así, en sus principios fue criticada y abucheada por un público que se resistía a que la danza dejase de ser un espacio inexpresivo y que la ópera no perdiese ese estatus de ceremonial burgués. La recuerdo salir a saludar en medio del griterío del patio de butacas, firme y segura, avanzando por el escenario, estaba convencida de lo que hacía y sabía que el tiempo le daría la razón. Ahora que ya no está entre nosotros, la echamos mucho de menos entre tanta mediocridad y falta de riesgo. Por suerte, su obra podrá perdurar mientras forme parte del repertorio de grandes ballets como es el caso del Ballet de l´Opéra de Paris que ha traído al Teatro Real la ópera-danza Orfeo y Eurídice de Christoph W. Gluck. Aquí, Pina Bausch propone que el canto y la danza se den la mano en escena…Los cantantes interactúan con los bailarines creando un extrañamiento fantástico ya que las voces crean movimientos y el baile genera silencio dramático. Además, en el tríptico que es esta descomunal pieza, crea duplicidades entre los personajes para contar la historia de este amor imposible desde una visión dual, huyendo de la visión del bien o del mal. Un espectáculo maravilloso que dejó boquiabierto a todo el que tuvimos suerte de acudir a verlo. Por siempre, las imágenes fantasmagóricas creadas por Pina nos perseguirán y a ellas regresaremos cuando la falta de belleza nos asfixie.
Adolfo Simón
Mark Morris Dance Group en el Teatro Real presenta «L’allegro, il Penseroso ed il Moderato»
Es todo un placer ver a un grupo compacto de bailarines ejecutando una obra con brío y ganas y si es en el Teatro Real y de la Mano de Mark Morris y con orquesta y coro en directo es algo más que supremo.
Morris nos trae una obra neoclásica, en la línea de Béjart, creada con la música de Händel en 1988 en la que se aprecian las reminiscencias de la época en una escenografía minimalista de Adrianne Lobel y un vestuario algo vaporoso para estas épocas pero todo ello elegido con un gusto increíble y muy adecuado para representar lo que se pretende: Una sucesión de estampas basadas en los cuadros de William Blake.
Los bailarines recrean las escenas en un escenario compuesto por marcos y telones lisos que van cambiando constantemente y en el que predomina la importancia de la tonalidad y el conjunto grupal de los bailarines que compondrán cada escena con una ejecución impecable y completamente sincronizada. La evolución de estas tonalidades de tonos apagados y clásicos hacia tonos más coloristas en la segunda parte provoca también una subida en el pulso de la coreografía y por lo tanto una evolución hacia arriba que hace que salgamos con optimismo y ganas de disfrutar de los amigos y de la sociedad en la que vivimos. El hombre como animal social es, en definitiva, lo que nos quiere mostrar Morris.
Una obra «clásica» en la que podemos disfrutar con la presencia de las sopranos Sarah-Jane Brandon y Elizabeth Watts, el tenor James Gilchrist y el bajo Andrew Foster-Williams, quienes, junto al Coro y Orquesta Titulares del Teatro Real, interpretarán la bella partitura de Händel L’Allegro, il Penseroso ed il Moderato bajo la dirección de la maestra Jane Glover.
Una buenísima elección para el fin de semana. Aprovechen y dense un lujo de los de verdad.
Luis Mª García Grande
VANESSA MARTÍNEZ nos habla de sus experiencias para la escena
¿Cómo fueron tus inicios en el teatro?…¿Realizaste otras facetas además de la dirección?…
Yo aterricé en el teatro a través de la ópera. Estudié la carrera de canto y durante bastante tiempo me dediqué a la lírica. De hecho, cuando empecé a estudiar interpretación actoral con Juan Pastor en la escuela Guindalera tenía toda la intención de aplicar esos conocimientos a la construcción de mis personajes operísticos, pero en el camino descubrí que mis ideas sobre la puesta en escena en ópera no encontraban reflejo en la realidad escénica que me circundaba, y decidí estudiar dirección para cambiar esa realidad. Con tan noble intención comencé la carrera de dirección de escena en la RESAD. Y durante ese viaje apareció Shakespeare y apareció el teatro del siglo de oro español, y entendí que aquello que amaba en la ópera (la forma musical) era el sustrato del teatro clásico, en especial del teatro en verso. Así que he estado compaginando la dirección de teatro clásico y ópera durante 12 años, aplicando lo aprendido en un medio al otro, y viceversa.
¿Tu trayectoria en el teatro lo has compatibilizado con otros trabajos?…
Sí, muchos. Como estudié magisterio en la especialidad de educación musical, he sido profesora de música en colegios. Guardo especial recuerdo de mi experiencia de cinco años en el colegio Estilo, dirigido por la gran pedagoga Josefina Aldecoa, de quien tanto aprendí. Pero sin duda de quien más aprendí fue de los niños: digerí su capacidad de asociación libre, su ausencia de preconceptos, su vivencia del proceso por encima del resultado… Además he seguido trabajando como soprano, en producciones propias y ajenas, y también he sido directora de coro. Uno de los trabajos que más me ha gustado y que ha sido un compendio de mi formación teatral y musical, ha sido la dirección musical del espectáculo “En este vida todo es verdad y todo es mentira” de Calderón de la Barca para la CNTC, dirigido escénicamente por Ernesto Caballero, hacia quien no tengo suficientes palabras de agradecimiento. Luego repetimos formato en “Montenegro” para el CDN, donde me atribuyó las funciones de entrenamiento vocal y arreglos corales. Todo aquello que fusione música y teatro es el mejor de los paisajes para mi.
¿Qué balance harías sobre tu s trabajos?…Háblanos de los montajes más significativos…
El balance, con perspectiva, es inmejorable. Llevo 12 años trabajando y he dirigido más de 20 espectáculos teatrales y más de 10 óperas. Todo ello surge, por supuesto, de la inversión vital, económica y emocional de los dos componentes de Teatro Defondo, que somos Pablo Huetos, (productor, actor y alma mater) y yo. Esta inversión no siempre ha sido productiva a corto plazo pero me ha permitido aprender mucho y muy deprisa, desarrollar todo mi imaginario, sin restricciones, sin mediadores, con una confianza y una ilusión algo suicida. Todo ha sido muy intenso, todos los espectáculos son hijos míos. Incluso algunos que al principio sentía como ajenos, cuando el día del estreno me senté en el patio de butacas, me quedé con la boca abierta. “¡Pero si yo estoy ahí, y no me había visto!”.
Si tuviera que elegir tres espectáculos especialmente relevantes para mi serían:
1. “El maestro de danzar” de Lope de Vega, mi primer clásico español, mis primeros pre-mios como directora, mi primera gira grande.
2. “Mucho ruido y pocas nueces”, de W. Shakespeare, mi primer Shakespeare (vinieron tres mas, ¡y todos los que quedan!), con el elenco más grande que he dirigido en teatro hasta la fecha, y aderezado con la maravillosa presencia de Will Keen como asesor y maestro, de quien tantísimo he aprendido.
3. Y finalmente “Don Giovanni” de W. A. Mozart, que tuve la enorme suerte de dirigir en gran formato en el Templo de Debod delante de 1000 personas. Este espectáculo fue probablemente el más personal de todos los que dirigí. Cuando tenía 18 años y empezaba a cantar, mucho antes de saber que yo alguna vez sería directora de escena, escuchaba incesantemente Don Giovanni y lo imaginaba todo en mi cabeza, intención por intención, escenario tras escenario, incluso me hice una especie de (entonces ni sabía lo que era) cuaderno de dirección con diagramas de movimientos escénicos. Almacenaba esa ópera desde hacía 15 años cuando finalmente la estrené. Fue un proceso increíble, los dos elencos ensayaron dos meses y medio 7 horas diarias… Conseguí realizar, gracias a un equipo de cantantes jóvenes talentosísismos (entre los que destaca el grandísimo barítono mejicano Manuel Gorka) el Don Giovanni que existía en mi cabeza. Verlo estrenado fue una emoción muy intensa.
¿Cómo surgen las ideas y los proyectos en los que te embarcas?¿Qué te anima a participar en ellos?…
Mi motor es siempre el amor. Yo me enamoro de los textos, o de las músicas, y entonces empiezo a generar imágenes y sonidos. Mi devoción por la forma, adquirida a través de mi trayectoria en la lírica, me decanta por aquello que revela un enorme contenido a través de una forma estricta y perfecta. El cómo es para mi tan importante como el qué. Y creo que he hallado en Shakespeare y en Mozart el balance perfecto entre los dos.
¿Ha sido importante tener unos colaboradores habituales en los equipos artísticos y técnicos?…
Ha sido vital. He tenido la inmensa fortuna de contar con compañeros/as maravillosos en mi carrera: Pablo Huetos, por supuesto, y una enorme cantidad de actores fantásticos como Pedro Santos, Mon Ceballos, Gemma Solé, Javier Román, Celia Nadal, Maya Reyes, Vicente Colomar, Carmen Gutiérrez… seguro que me olvido muchos. Ellos han sido mis maestros y mis compañeros, hemos podido crear un grupo más o menos estable de “habituales de Teatro Defondo” del que nos sentimos orgullosos.
¿En qué proyectos has participado durante el último año?…
Esta temporada pasada la comencé estrenando en el Teatro de la Maestranza el espectáculo “Dos pianos con Pasión”, que escribí y dirigí, interpretado por Pasión Vega junto al Dúo Del Valle, y que se acaba de estrenar en el Teatro de la Zarzuela de Madrid este pasado 20 de mayo. Después dirigí escénicamente dos veces en el Teatro Real: la primera fue “El hombre que se llamaba Amadé”, sobre la vida de Mozart, y la segunda un espectáculo titulado “A mis amigos”, un regalo del gran Jose Manuel Zapata donde colaboró José Mercé, Emilio Aragón, Rocío Márquez, Cecilia Gómez… A continuación estrenamos nuestro proyecto estrella para este año con Teatro Defondo: “La Opera del Malandro” de Chico Buarque, que estrenamos en Madrid este próximo 6 de junio en el Teatro Fernán Gómez. Y continuamos con la gira del “Sueño de una noche de verano” de W. Shakespeare, que parece que nos va a seguir dando muchas alegrías en 2015 después de las 70 funciones que lleva ya. Mucho trabajo, mucho teatro, mucha música… como te decía, ¡el mejor de los paisajes!.
Háblanos del proyecto de La ópera del Malandro…¿Cómo surgió este proyecto?… ¿Cómo ha sido el proceso?…
Este proyecto surge como todos los demás, surge del amor. Conocí hace año y medio la obra de Chico Buarque y me quedé sin aliento. Entre toda su producción una pieza llamó poderosamente mi atención, por su música deliciosa y compleja y por su poesía y sus imá-genes de altísimo nivel, que dibujaban el sentir de la sensualidad femenina de un modo que yo jamás había escuchado; la canción se llama “O meu amor”. Cuando empiezo a investigar sobre la canción en internet veo que la letra tiene indicado el nombre de dos personajes, Teresinha y Lucia. Y descubro que pertenece a una obra de teatro musical llamada “La opera del Malandro”. Como yo ya había dirigido “La opera de los tres peniques” de Bertold Brecht, entendí la asociación inmediatamente: ¡aquel era el dúo del segundo acto entre Polly y Lucy! Muy emocionada por el descubrimiento me hice con el texto completo (en portugués, no estaba aún traducida al castellano) y descubrí que tal y como sospechaba Chico Buarque escribe en 1978 una brillante versión del original brechtiano (a su vez versión de John Gay) ambientada en el barrio de Lapa de Rio de Janeiro en los años cuarenta, en plena dictadura de Getulio Vargas. El texto era pura dinamita, descarado, actual, rítmico… una vez más, la forma perfecta. Y la música era sencillamente deslumbrante. Era para mi la oportunidad perfecta para hacer realidad un antiguo sueño: reivindicar el género del “teatro musical», tan vilipendiado por los márgenes comerciales de nuestra profesión. Este es un GRAN musical, de texto preciso, personajes definidos, argumento vertiginoso, poética sorprendente y con una calidad musical digna del autor de música popular brasileña más importante de su generación.
El proceso fue muy intenso: comenzó con un taller de música brasileña y repertorio impartidos por Pedro Moreno(director musical) y Mario Bidart (maestro repertorista y especialista en canto popular brasileño) en la Casa do Brasil. Entre los participantes del taller seleccionamos a los nueve actores/cantantes que compondrían en elenco. Tras un mes de barbecho acometimos un proceso de ensayos largo y denso, complejo por la propia idiosincrasia de la obra. No puedo estar más contenta del resultado.
¿Qué proyectos tienes entre manos?…
De manera inmediata dirijo mi primer espectáculo de danza. Es una versión de “El Principito” en el que firmo la versión y la dirección escénica, y la coreografía es del gran bailarín José Tirado. Estaremos ensayando en los Teatro del Canal todo el mes de julio.
La temporada que viene tengo dos cosas en perspectiva: la primera es la siguiente produc-ción de Teatro Defondo, que será casi con toda seguridad un Shakespeare aún no estrenado en España. Recuperaremos todos nuestros espectáculos shakespirianos ya estrenados (“Mucho ruido y pocas nueces”, “Macbeth”, “La Tempestad” y “El Sueño de una noche de verano”) y haremos un ciclo Shakespeare para gira con las cinco funciones y un elenco estable. Al estilo inglés…
El tercero de los proyectos, quizá uno de los más importantes de mi carrera, que gracias a Dios ya está confirmado y cerrado, es para abril de 2015 pero aún no puedo revelar nada sobre él. Seguro que a no mucho tardar sabréis de qué se trata.
¿Cómo crees que están afectando los recortes y el aumento del I.V.A. a los proyectos de teatro?…
Está siendo un tsunami destructor, como casi todas las iniciativas que sobre cultura se están tomando de un tiempo a esta parte. Ya no somos empresas teatrales, es imposible tener beneficios, y mucho menos con un espectáculo que da trabajo a nueve actores, cuatro músicos y tres técnicos. Ahora somos devotos teatrales. La profesión se está devaluando, se trabaja de cualquier manera a cualquier precio.
¿Cómo ves la realidad teatral en Madrid?…
No comparto el optimismo generalizado. Hay mucho teatro de mala calidad, con pocos medios, muy mal pagado. El teatro low cost es exactamente eso, teatro barato. Salvo para los tres o cuatro tocados por la mano de los centros de producción nacionales, la ausencia de tejido teatral profesional nos supone una mengua, no un acicate.
¿Qué montaje que hayas visto últimamente, te ha interesado?¿Por qué?…
Ejemplar “Novecento” del compañero Raul Fuertes con el gran Miguel Rellán. Tiene la escenografía más cara del mundo.
Muy emotivo “Ay, Carmela” del compañero Pepe Bornás. Historias bien contadas, con compromiso e ideas. Eso es teatro.
“Viaje a ninguna parte”, interesante concepción espacial, correcto el trabajo con los actores, donde sobresalía claramente el maestro Antonio Gil.
Si en algún lugar de España coincidís con la gira de “Barroqueros”, la macarrada más culta de José Manuel Zapata, no dudéis en llevar a todosvuestros hijos para iniciarles en la música antigua.
¿Alguna sugerencia para seguir creando en tiempos de crisis?…
1. No conformarse con “hacer lo que se pueda”.
2. No devaluar la profesión; ergo, no devaluarse a uno mismo.
3. Conservar el espíritu crítico.
4. Conservar la dignidad.
5. No olvidar que no somos las circunstancias que vivimos, sino las elecciones que hace-mos en esas circunstancias.
La Compañía Nacional de Danza con «Casi-casa» de Mats Ek en el Teatro Real
Neoclásica, Clásica y Contemporánea. Estas son las variaciones que nos está presentando durante estos días la CND en el Teatro Real. Un programa muy variado con obras de Balanchine, Forsythe, Mats Ek y José Carlos Martínez y que nos hace mirar el mundo de la danza desde varios ángulos y facetas.
Comenzando con Allegro Brillante de Balanchine, nos sumergimos en la frescura de la danza abstracta, el nuevo clásico representa el «romanticismo ruso expansivo» en palabras de Maria Tallchief. Un ritmo musical vigoroso como el de Chaikovski nos impulsa a meternos en coreografía de una técnica complicada y una velocidad que ya quisieran algunos Ferraris, pero todo está bien resuelto porque los pasos están hilvanados, cosidos y reforzados para que nada rompa el ritmo enérgico de la música. Balanchine sabía lo que hacía y él mismo lo dijo: «contiene todo lo que sé acerca del ballet clásico en trece minutos». 
Delibes Suite nos devuelve a los grandes ballets clásicos con un paso a dos. La pieza está coreografiada por José Carlos Martínez y en ella se pretende recoger pasos complejos dotándolos de ligereza y aportando así un pequeño grano de arena al mundo de la danza.
La impactante música de Thom Willems nos anuncia que ha llegado el cambio de registro y nos sumergimos en los electrónicos años ochenta con In the Middle, Somewhat Elevated de Forsythe. Con ella llega uno de los platos principales de la noche sumergiéndonos en el mundo de la creación coreográfica a través de bailarines que desarrollan el tema inicial y lo amplifican hasta que el conjunto se convierte en variaciones y pas de deux de creciente complejidad. Una coreografía impactante y bien llevada por la compañía que demuestra más soltura aún en lo contemporáneo que en lo clásico, y en la que un acertado vestuario verde metálico acompaña y acentúa las notas musicales. Sólo una pega: «el título hace referencia a dos cerezas que penden del centro del escenario y que sirven de reflexión sobre el vasto interior de la Ópera de París, para el que fue creado el ballet»… nos dice el programa…y la verdad es que hay que leer el programa para darse cuenta de qué es lo que cuelga sobre el escenario.
Mats Ek y José Carlos Martínez
Pero el plato fuerte esta vez es Casi-Casa de Mats Ek que se estrena por primera vez en Europa y que nos habla de la cotidianeidad, de lo importante que es vivir las pequeñas cosas de la vida como leer el periódico, observar a los hijos, los animales, el tráfico, la gente…cosas que no están hechas para ser miradas. El coreógrafo busca resaltar en una puesta en escena minimalista, compuesta por un sillón, una puerta y una cocina, nuestro pequeño mundo, el arte que se encuentra en nuestro día a día. La poética con la que aborda el hecho cotidiano nos crea un sentimiento de optimismo al lograr resaltar nuestro pequeño mundo. La expresividad en los movimientos que crea Ek y la conjunción con el grupo nos hace pensar que la vida es como un regalo y hay que cuidarla. Toda una declaración de principios.
La CND está haciendo un gran esfuerzo de la mano de José Carlos Martínez para ampliar su repertorio y consolidar sus vertientes clásica y contemporánea de manera que se llegue a ser referencia entre los ballets internacionales y se nota el ímpetu con el que poco a poco va saliendo ese trabajo por el que ha apostado y que va dando sus frutos
. Un gran esfuerzo que no está siendo recompensado por la administración pública que asfixia con unos salarios que no llegan al mileurismo a los que son el cuerpo y alma de la compañía y que impide que haya giras internacionales y que el bailarín se dedique a bailar al cien por cien. Menos mal que nos queda Ek para recordarnos que con la danza podemos disfrutar todos los días pese a la escasez económica.
Luis Mª García Grande.
Fotografía J. Vallinas
Exposiciones sobre la escena
RICKY DÁVILA: El cuento de un idiota
El próximo jueves, 5 de junio, a las 20:00 h. la Fábrica Galería presenta la exposición El cuento de un idiota, de Ricky Dávila, como parte de la programación del Festival Off de PHotoEspaña 2014. Durante la apertura de la muestra contaremos con la presencia del artista, que nos explicará en directo el planteamiento y desarrollo de este proyecto.
El cuento de un idiota es una serie inédita realizada por encargo de Gérard Mortier para el Teatro Real de Madrid. Doce interpretaciones en forma de fotografías en blanco y negro dotadas de una extraordinaria fuerza visual. Un trabajo conceptual y contundente con el que Dávila reinventa en clave fotográfica el imaginario de las grandes óperas que pasaron por el Real en aquella temporada 2012-2013, como The Perfect American, de Philip Glass, o Don Giovanni, de Mozart.
Más info en: http://www.lafabrica.com
Fátima Rueda expone su pintura y escultura bajo el título “La Magia de la Danza”
Más info en: http://lamiradaactual.blogspot.com.es/2014/04/fatima-rueda-expone-su-pintura-y.html
Lohengrin en el Teatro Real
Escrita en plena agitación revolucionaria, Lohengrin supone la primera unión perfecta entre poesía y música según los ideales estéticos del Romanticismo que el propio Wagner contribuyó a crear: la ópera es eclipsada por el drama musical. Aquí dos visiones de la realidad se enfrentan: la de Ortrud y su mundo de magia negra, frente a la luz, portadora de salvífica transformación, de Lohengrin, el caballero del Grial. Entre estos dos símbolos, se mueve la brutal sociedad de caballeros medievales, que vive sobre todo de la guerra. La joven Elsa es la única que busca la belleza y la luz de Lohengrin, pero su amor sucumbirá porque se empeña en comprenderlo. Ello lleva a preguntarse si el mundo masculino puede exigir una entrega absoluta sin indagación, razón por la que también Lohengrin fracasa. Así, solo el niño, con su inocencia, pueda tal vez vencer a la maldad. Aunque el montaje tiene un aire clásico por la opulencia del mismo, hay signos en la escenografía que recuerda a la obra de Oteiza y al vestuario que muestra los diferentes niveles de estatus en los personajes o la luz, que por momentos tiene un carácter divino en este espacio catedral-tumba donde transcurre la historia de amor puro que trata de abrirse paso entre las traiciones de la parte oscura que siempre habita en los seres humanos; con todos estos elementos se consigue contemporaneidad. De este modo, una fábula mítica se transforma en lo que desgraciadamente pasa a diario en nuestro mundo, el pulso entre el bien y el mal. La puesta en escena ha sido una creación de Lukas Hemleb y ejecutó magníficamente la dirección musical: Hartmut Haenchen.
Adolfo Simón
Sueños y pesadillas de Wagner en el Teatro Real
El Teatro Real sigue con su interesante programa pedagógico para niños-as y familias. En este caso, la idea era fomentar nuevo público para la obra inmensa de Wagner. Para ello han creado un espectáculo titulado Sueños y pesadillas de Wagner, en él, el propio compositor sueña con sus personajes y vive la creación de su música frente a los espectadores. Una pieza sencilla pero intensa. La dirección musical corrió a cargo de Till Drömann y el guión y puesta en escena fue creación de Patrick Hahn. La acción transcurría en la escenografía que hay en estos momentos en el Teatro Real y que pertenece a la ópera Lohengrin que se representa estos días en Madrid.
Adolfo Simón
Sheherezade, concierto teatralizado en el Teatro Real
Dentro del programa pedagógico del Teatro Real, se ha presentado este fin de semana Sheherezade con música de Nicolái Rimski-Kórsakov con la orquesta titular del propio teatro dirigida con fuerza y emoción por Vicente Alberola. Un concierto teatralizado cuyo maestro de ceremonias, Enrique Viana, hizo las delicias del público asistente con la introducción al autor, música, libreto e instrumentos de la orquesta. Una buena propuesta musical para público familiar que imaginó las aventuras narradas por Sheherezade para salvar su vida ante la brutalidad machista del Sultán; muy acorde para el día que se celebra hoy: El día de la mujer trabajadora. Un homenaje a todas esas mujeres que salvan la vida día a día a través del poder de su imaginación.
Adolfo Simón
JUAN GÓMEZ-CORNEJO SÁNCHEZ, Iluminador de “El viaje a ninguna parte” nos habla de su trayectoria
¿Cómo surge tu participación en el proyecto de El viaje a ninguna parte?…
Primero por invitación de la directora Carol López, es la primera vez que trabajamos juntos, y después por invitación del C.D.N. También por la propuesta de Álvaro Luna (video escena) que somos habituales colaboradores y que el sí que había trabajado con Carol López.
¿Qué balance haces de tu larga trayectoria como iluminador?…
Que difícil resumir y hacer balance, sobre todo porque “lo de larga” es bien cierto ya.
El balance es positivo, me siento un ser afortunado por desarrollar una profesión que me apasiona y además me permite vivir de ella. El tener una formación autodidacta (de forma irremediable en este país) te da inseguridad pero por otro lado te obliga a descubrir y aprender de forma continuada en el proceso. La investigación es constante y eso te motiva continuamente y no te deja parar. Analizas tus trabajos y los de tus compañeros y eso te mantiene vivo y te permite seguir aprendiendo.
¿Cuáles han sido los proyectos para los que has realizado un diseño de iluminación en el último año?…
“La verdad sospechosa” con dirección de Helena Pimenta para la C.N.T.C.
“Maribel y la extraña familia”, “El cojo de Inishmaan” bajo la dirección de Gerardo Vera para Grey Garden.
“El Crédito” dirección Gerardo Vera. Producción Carlos Larrañaga
“Los Justos” con dirección de Javier Hernández. Producción de 611 Teatro.
“Conversaciones con mama” con dirección de Juan Echanove. Pentación.
“Emilia” dirección de Claudio Tolcachir, para Producciones Teatrales Contemporáneas.
¿Cuándo te llega la propuesta de un proyecto te dejan margen de creación o te piden lo que necesitan?…
Normalmente si me llaman es para que yo haga mi propuesta, lógicamente con unas pautas de dirección para que todo se encamine hacia el mismo lugar. Te piden necesidades pero más de tipo dramático que tú traduces en propuestas de luz.
¿A partir de qué creas los diseños de iluminación?…
A partir del texto, de la música, del espacio propuesto y fundamentalmente de la historia que se quiere contar. Y sobre todo de la propuesta de dirección que debe de ser nuestra mayor aliada y servirnos de guía. Todo debe de confluir en un mismo punto.
¿Qué iluminadores tienes como referencias? ¿Por qué?…
Uno en este “arte tan joven” siempre tiene en la cabeza a los maestros, a los que cuidan de una forma especial la luz y han marcado un estilo con sus espectáculos. Bob Wilson, Robert Lepage, Robert Carsen, a veces no son tanto iluminadores si no directores que tienen un especial cuidado con la luz y se acompañan de grandes iluminadores. Puedo seguir citando a Jennifer Tipton, Vinicio Cheli, Max keller, y en cine Vittorio Storaro, Alcaine, Aguirresarobe, etc. También una gran cosecha Española de directores e iluminadores estupendos con los que comparto esta pasión por la luz. Evito citarlos para no olvidarme de ninguno. Perdón, si citare a Josep Solbes que nos abrió camino y que desgraciadamente ya no está entre nosotros.
¿Hay una carencia de formación a nivel iluminación en la profesión teatral de nuestro país?…
Total y absoluta y esto hay que remediarlo lo antes posible. Estamos en Europa y en estos aspectos formativos no lo parece. Hay pequeñas incursiones más en la parte técnica que en la artística pero es curioso que mientras que en la RESAD (Real Escuela Superior de Arte Dramático) existe la especialidad de escenografía no existe la de Iluminación. También sucede lo mismo en el Instituto del Teatro en Barcelona. Si alguien quiere estudiar Iluminación se tienen que ir fuera de España irremediablemente.
¿Cuál ha sido tu formación en esta materia?…
Como ya he dicho bastante autodidacta, no quedaba otra que aprender sobre el terreno y apuntándome a todo “curso viviente” relacionado con el tema de la luz. Viendo espectáculos, analizándolos. Mi labor como director técnico en La histórica Sala Olimpia (ahora teatro Valle Inclán) y posteriormente en el Teatro Central de Sevilla durante la Expo 92 me permitió disfrutar dese dentro de muchísimos espectáculos y aprender de ellos. Y continuamente aprendo de mis colegas con los que comparto, no solo oficio si no, la ilusión por la luz.
¿Qué iluminación has visto últimamente que te haya interesado?…
Interesarme casi me interesa todo, yo soy un espectador muy agradecido y siempre saco cosas positivas. Podría decir que me ha interesado el trabajo de Lluis Pascual- Fernando Ayuste con “El Caballero de Olmedo” en la CNTC.
“The Indian Queen”de Peter Sellars con iluminación de James Ingalls en el Teatro Real.
Sorprenderme realmente hace tiempo que no veo nada que me sorprenda, echo de menos espectáculos que nos visitaban antes con un componente visual importante. Estamos descuidando este tipo de propuestas y son tan necesarias para el espíritu como las minimalistas (escuetas) en a las que últimamente estamos tan acostumbrados.
¿Están bien dotadas técnicamente las salas actualmente?…
Si nos fijamos en las grandes capitales, centros oficiales, teatro de ópera y de musicales, más o menos te diría que sí, que no están mal equipados.
Si nos vamos de gira con algún espectáculo y visitamos el resto de España “de bolo” como se suele decir (montaje y actuación en el mismo día) te diría que, sin ánimo de ser pesimista, la cosa deja mucho que desear y la presentación de los espectáculos queda bastante desmejorada por el tema de los equipos. Te tienes que adaptar continuamente y esto en ocasiones es bastante frustrante. Las dotaciones técnicas en general no cumplen ni los mínimos.
¿Se nota la crisis actual en la demanda de iluminación?…
Si claro ¡cómo no¡ sobre todo en los presupuestos y cuando te dicen que el espacio es “vacío” (concepto moderno que ha perdido absolutamente su significado, ahora quiere decir que no hay “ni un duro” para escenografía) y que todo “lo arreglamos con la luz” pero que no hay presupuesto para más material de iluminación. Como ya te lo sabes le buscas el lado gracioso que por momentos no aparece por ningún sitio.
¿Alguna sugerencia para seguir creando en tiempo de crisis?…
No dejar de inventar y no permitir que nos quiten la ilusión por este maravilloso trabajo. Esto que cada cual lo interprete y traduzca a su modo.
¿Qué proyectos tienes entre manos?
Lo más inmediato remontar “La vida es sueño” en el teatro Pavón para la C.N.T.C. ahora en el mes de Marzo.
“Amo y criado” con Helena Pimenta para la C.N.T.C que se estrenara en el Festival de Almagro.
“El señor de las Moscas” con José Luis Arellano para la Joven Compañía.
Como el arranque de la entrevista era el estreno de “El viaje a Ninguna Parte” déjame volver a esta obra tan de actualidad.
Ha sido un trabajo de disfrute y total entrega de todo el equipo artístico. Es de agradecer la generosidad absoluta de todos los actores para contar de una forma tan poética algo que a “los cómicos” nos resulta tan familiar. El proceso me ha hecho olvidar que mi cometido era la luz.
Desde aquí les doy las gracias a todos y a la directora Carol López por dejarme participar en tan gratificante experiencia.
Rita Consentino nos habla de su trabajo para la escena
¿Cómo surge el proyecto de La pequeña cerillera?…¿De qué va la obra?…
El proyecto surge de una propuesta del Señor Gerard Mortier, anterior director artístico del Teatro Real, para realizar un cuento de Andersen para la temporada del Pedagógico. Fue un encargo del Teatro para el cual tuve que pensar una adaptación posible para la escena y además elegir una pieza musical que acompañara a la historia. Este cuento de Andersen es muy conocido, y se podría decir que es uno de los más tristes que ha escrito el autor danés; su protagonista, una niña pobre obligada por su padre a vender cerillas bajo el frío y la nieve logra a través de su imaginación romper las ataduras de una realidad opresiva. Es a través de su fantasía que la niña se encuentra con todo aquello que desea, hasta que finalmente su abuelita se hace presente invitándola a irse con ella; en el cuento de Andersen la niña muere pero para esta adaptación he pensado suavizar este final y enmarcar el cuento dentro de otra situación que hiciera posible la participación de los niños y sus sonrisas.
¿Cómo ha sido el proceso de creación?…
Mi idea siempre fue, y en todos los trabajos que realizo, la utilización de video además de crear una situación por fuera del cuento para que éste pudiera aparecer como parte central del espectáculo.
La idea fue entonces contar la historia de una niña que quiere ir a ver a su abuelita y para ello debe coger un tren que está a punto de partir, sin embargo, no tiene billete, por lo que decide viajar de polizón. En el tren debe lidiar con el revisor que la persigue todo el tiempo pero el encuentro con un hombre muy especial, el mismo Andersen. cambiará su vida para siempre.
Desde el punto de vista musical, apenas leí el cuento de H. C. Andersen recordé la sonata para piano y violín de César Franck cuyo universo sonoro podría acompañar perfectamente a la historia. Y así fue.
Aparte necesitaba un marco musical para el comienzo y cierre del espectáculo, para ello Gabriel Skármeta hizo su aporte preciso para crear musicalmente la apertura y cierre de la obra, además de algunos efectos de sonido que acentuarían palabras o frases claves del cuento.
El proceso fue complejo en el punto de combinar varios planos a la vez: la historia, la música, el video y la escena en vivo con los actores. Hemos tenido muy pocos ensayos y gracias a la calidad profesional de los actores (Uxía Gonzalvo, Máximo Esteban y Joseba Pinela), la interpretación musical de Alexis Delgado y Marta Morán y de todo el equipo se ha podido montar todo en 8 días.
Con Ricardo Sánchez Cuerda, escenógrafo, pensamos un espacio posible y así fue como surgió un vagón de tren donde todo podía suceder. Jorge Arranz creó los dibujos de las proyecciones que Iñaki García editó magistralmente, Tiziana Magris vistió a los personajes y el toque final fueron las luces de Lía Alves que le dio el gesto mágico que faltaba.
¿Hay algún referente técnico o estético del que has partido para esta puesta en escena?… Háblanos de ello…
Sinceramente no. En el caso de éstos espectáculos para niños más que valerme de referentes estéticos, utilizo y combino procedimientos o recursos, es decir, el video, la música, la interpretación intentando crear una estética propia. Siempre me ha gustado esta posibilidad que ofrece el video en combinación con la escena en vivo, las relaciones que se pueden crear entre sí y el equilibrio posible para que ni uno ni otro se lleve el protagonismo sino que pueda generar una nueva totalidad estética.
¿Cómo ha sido el proceso de puesta en escena en El Teatro Real?…
Como te comenté hemos tenido muy pocos días de ensayo pero el apoyo técnico de todas las áreas ha posibilitado que todo llegue a buen puerto.
¿Qué has querido contar desde la dirección?…
Este cuento de Andersen como muchos otros de su autoría son cuentos que contienen mensajes muy esperanzadores. Son cuentos que tienen la estructura vital de los cuentos de hadas y por ello su función pedagógica es fundamental. Desde la dirección, quise rescatar ese sentido de la esperanza que contiene el cuento y el valor del viaje como una experiencia reveladora.
La cerillera logra romper las ataduras de su vida oprimida y triste a través de su imaginación creando ella misma una realidad llena de magia. Esa posibilidad es la que todos los niños deberían tener, es decir, es nuestra obligación como adultos, lograr que ellos disfruten de su infancia, respetando sus derechos y ayudándolos a encontrar valores que los motiven para resolver sus conflictos futuros.
¿Qué balances haces de tus últimos trabajos para la escena?…
Bueno, no es una pregunta fácil. Lo que sí puedo decir es que hago todo lo que está a mi alcance para lograr aquello que tengo en la cabeza a la hora de un montaje. Y siempre compruebo , y cada vez más, la importancia de tener un equipo artístico y humano de calidad para lograr resultados nobles y sensibles artísticamente hablando.
¿Qué espectáculo has visto últimamente?¿Qué te pareció?…
Debo decir que hace tiempo no veo teatro porque la ópera es lo que más consumo. Lo último fue Tristán e Isolda y me pareció una puesta impecable y musicalmente brillante.
¿Cómo crees que está afectando la subida del I.V.A. y los recortes a la escena?…
Es de sentido común y ya se ha hablado mucho acerca de cómo lamentablemente afecta estas medidas a la cultura. La cultura no es mero entretenimiento es mucho más que eso. Por eso, esperemos que pronto se revierta esta situación para que el sector vuelva a revitalizarse.
¿Proyectos?…
Sí, algunos. Pero por cábala no los digo…
Alguna sugerencia para seguir creando en tiempos de crisis…
Sí, seguir creyendo. Creer en el arte como medio de expresión vital de una sociedad. Y saber que a veces para expresarnos no se necesita mucho…sino preguntarnos con lo que tenemos qué podemos hacer y cómo utilizarlo. A veces las crisis son oportunidades.
Brokeback Mountain en el Teatro Real
El legado de Gerard Mortier se ha hecho realidad dentro del Real: Una ópera pedida por encargo para su estreno mundial y que trata de un tema muy común en las óperas pero que se adapta a nuestros días. La ópera toma como punto de referencia la muy elogiada película de Ang Lee en la que se narra la relación física y enamoramiento de dos vaqueros en el Wyoming de los sesenta.
Nos encontramos ante un tema transgresor aún en nuestros días: la historia de amor de dos vaqueros en los sesenta en Wyoming. Brokeback Mountain nos habla del amor imposible y del deseo puro a través de la historia de dos vaqueros, representados por Tom Randle y Daniel Okulitch, que se conocen en la montaña. La montaña es un lugar aislado del mundo, donde puede florecer un amor puro y donde sus personajes lo viven con plenitud apartados de un mundo «normal», donde la moral no va a ser tan moderna como nos lo hacen creer los medios de comunicación. Todavía existen muchas barreras para dos hombres que se aman y que desean vivir su amor con plenitud. Por este motivo, el comportamiento humano se ve distorsionado, afectado y, muchas veces, perseguido.
Ivo van Hove, director de esta obra, nos habla de este interés por reflejar la concepción de amor imposible y de la relación que tiene con Tristan und Isolde en términos de convención social y represión. Una tragedia, provocada por la moral actual que enlaza perfectamente con antiguas óperas. A través de un escenario minimalista consigue crear una atmósfera represiva y asfixiante en la que la montaña, representada en imágenes proyectadas (creadas por Tal Yarden) sobre un escenario completamente blanco, juega el papel del destino: algo inamovible y aplastante. La escena, prácticamente vacía nos sugiere un lugar inhóspito y agreste. Más adelante nos introduce en el mundo cerrado y burgués de Wyoming, que nos recuerda a Edwar Hopper y David Lynch en su imaginería. Por último el escenario se torna negro con la muerte de Jack, en el que el coro, reflejado a base de sombras y la madre de Jack, interpretada magistralmente por Jane Henschel, juegan un papel fundamental.
La relación entre la partitura, creada por Wuorinen, y la escena es de complementareidad y apoyo mutuo y refleja fielmente lo que se ha querido reflejar en el libreto. Wuorinen también ha querido reflejar, mediante una música densa y evocadora que nos traslada al peso de la montaña, ese peso de la sociedad actual y ese sentimiento de agobio por parte de los dos protagonistas. Su música minimalista intenta reflejar un discurso hablado coloquialmente en un tiempo y época precisos, aportando a los personajes masculinidad y despojándoles de cualquier diálogo superfluo, tal y como ha reflejado la libretista y también creadora de la novela Annie Proulx, la cual ha trabajado en complicidad con el músico, simplificando diálogos y creando personajes que no aparecían en la película y que redondean la partitura, como el coro y un fantasma.
Una magnífica producción que pone al Teatro Real en un listón bastante alto y que nos hace reflexionar: Dicen que el amor mueve montañas, pero en Brokeback Mountain nos demuestran que le cuesta mover la moral.
Luis Mª García Grande.
Tristán e Isolda de Richard Wagner en el Teatro Real
De nuevo Peter Sellars dirige escénicamente una ópera en el Teatro Real, en este caso se enfrenta a un monumento wagneriano como es Tristán e Isolda, cuatro horas de maravillosa música perfectamente dirigida por Marc Piollet y ejecutada con maestría por la orquesta. Richard Wagner crea una música fascinante para acompañar la historia del amor imposible de Tristán e Isolda, un amor que trasciende al tiempo y la realidad. Es una ópera intensa y teatral, la acción es mínima, todo ocurre en la cabeza y el corazón de los personajes. Esta obra es un reto para cualquier director de escena que puede dejarse llevar por lo aparatoso y perder de vista la esencia de la pieza. Pero Sellars, de nuevo nos sorprende al elegir a un artista contemporáneo como es Bil Viola y dejar que la escenografía sea una caja negra donde aparecen las fantasmagorías que el video artista ha creado. Este ambiente mágico y crepuscular nos sumerge en las emociones de la obra y acompaña a los espléndidos cantantes en el viaje al universo de los sueños imposibles. Un obra genial.
Adolfo Simón
L´elisir d´amore de Gaetano Donizetti en el Teatro Real
Las cosas del teatro…en el patio de butacas estamos en diciembre y en Madrid y en el escenario podríamos estar en Benidorm durante el último mes de agosto. Tras unas propuestas conceptuales e intensas como han sido las producciones presentadas anteriormente en el Teatro Real, en esta producción de L´Elisir d´amore de Gaetano Donizetti dan un giro de ciento ochenta grados para situarnos directamente a la orilla del mar bajo la sombra de las palmeras en una playa abarrotada de bañistas y visitantes. Una escenificación colorista y divertida que sirve de perfecto marco para que alrededor del chiringuito se lleve a cabo este pulso de amor con filtros mágicos falsos de por medio. Hay un trabajo espléndido del coro, de la orquesta y por supuesto de los intérpretes que dan vida a esta pandilla playera y todo es gracias a la inteligencia y sensibilidad de la dirección de escena y de la musical.
Adolfo Simón
José Carlos Martínez director de la Compañía Nacional de Danza hace balance de la experiencia hasta el día de hoy
El programa que presentas próximamente en el Teatro de la Zarzuela…¿Corresponde a lo que tenías previsto conseguir hasta hoy con la Compañía?…
Nuestro repertorio ha evolucionado mucho y en estas dos temporadas hemos conseguido artísticamente mucho más de lo que yo esperaba.
Diseñé este programa en continuidad a la línea que tenía la compañía antes de mi llegada ya que me parece esencial que los grandes coreógrafos de hoy estén presentes en el repertorio de la CND. El que se incluya el repertorio clásico no quiere decir que seamos una compañía del siglo pasado y de cierta manera Kylián o Naharin son los clásicos de hoy.
¿Cuáles son las líneas artísticas que te planteaste conseguir con tu proyecto para la Compañía?¿Las estas consiguiendo?…¿Qué obstáculos estas encontrando?…
Lo primero era cambiar el perfil de la CND, podríamos decir que era una compañía básicamente de autor, y que ahora se adapta más al perfil europeo de compañía del siglo XXI que puede bailar un amplio repertorio. Hay veinte bailarines nuevos, con un perfil más clásico, más versátil, y solamente eso ya cambia la compañía, también hemos vuelto a incluir las puntas en el repertorio, cosa que no se hacía desde hace más de 20 años y estamos abriéndonos a nuevos públicos. La misión social y pedagógica de la CND es muy importante en mi proyecto, casi igual de importante que crear un nuevo repertorio contemporáneo o llegar a bailar los clásicos del siglo XIX.
El obstáculo principal con el que me encuentro es, como todos, la crisis que vive nuestro país. Hay que trabajar mucho más para conseguir lo mismo, y a veces te cansas… pero en esos momentos me bajo al estudio a ver un ensayo, y allí encuentro la energía suficiente para seguir luchando.
¿Cómo han sido el proceso de recuperación de algunas de las coreografías mostradas?…
En el programa hay dos estrenos, Sub de Galili y Minus 16 de Naharin, no son creaciones pero es la primera vez que se hacen en la CND. La reposicion de “Falling Angels” es como de costumbre con Kylián, un trabajo muy interesante y preciso llevado a cabo por Roslyn Anderson. Hubo un primer periodo de montaje muy intenso en julio y tras el trabajo de nuestros repetidores ella vuelve para dar su toque final una semana antes del espectáculo.
¿Qué balances haces de la experiencia hasta hoy como director de la Compañía Nacional?…
El balance es muy positivo, artísticamente hemos avanzado mucho, gracias a la versatilidad de nuestro repertorio hemos hecho el doble de espectáculos que la temporada pasada en España, nuestro público ha ido en aumento y estamos contentos, ahora tenemos que trabajar en la proyección internacional.
¿Cuál ha sido la evolución de tu trayectoria en la danza?…¿En qué medida te ha servido para tu trabajo como Director de la Compañía?…
Mi carrera como bailarín profesional se desarrolló en su totalidad en la Opera de Paris y bailando como invitado en otras grandes compañías. En el 2002 formé mi propia compañía donde empecé a coreografiar a parte de bailar, y también he tenido experiencias en la enseñanza, trabajando en el Conservatorio Superior de Paris o dando clases magistrales. Esas múltiples experiencias me han servido para hacer contactos y para tener relación directa con coreógrafos, bailarines, directores de otras compañías… esas relaciones son muy positivas a la hora de encarar una programación, por ejemplo, o de pedir una pieza a un creador. Además, estar en una institución tan grande como la Ópera de Paris, te ayuda a saber cómo se puede gestionar un colectivo humano con sus problemas, sus conflictos, sus egos… es complicado, pero te da tablas.
¿Cómo ves la programación de danza en la ciudad de Madrid?…
A veces escasa, cada vez más, pero bueno, algunos festivales y teatros puntuales que aún apuestan por programar danza salvan un poco la situación. Es una pena que en este país no haya una presencia más continua, que la Compañía Nacional de Danza no tenga un teatro es algo inimaginable en el resto del mundo, cuando lo comento, nadie me cree… necesitamos un teatro donde hacer temporadas estables para crear más público.
¿Cómo ves la danza en España?¿Crees que están mejor preparadas las nuevas generaciones de bailarines?…
Los bailarines españoles están muy bien preparados y triunfan en un montón de compañías internacionales. Ya sean bailarines de perfil clásico o contemporáneo, es raro ir a una compañía y que no haya algún bailarín español. Lo que falta en España son compañías de danza para que esos bailarines tan bien preparados tengan la opción de trabajar en su país.
¿Qué referentes internacionales o nacionales tienes a la hora de elaborar una producción o un programa?…
Pues a nivel internacional, los grandes nombres que barajan casi todos los directores del mundo, no se pueden ignorar nombres como los de nuestro programa de la Zarzuela… y a nivel nacional quiero dar oportunidades a nuevos y jóvenes coreógrafos, ya hemos tenido a varios trabajando con nosotros en estas dos primeras temporadas y seguimos con ese tipo de iniciativas, me parece una parte fundamental de mi trabajo el fomentar la nueva creación española, aun con el riesgo que eso supone.
¿Próximos proyectos de la Compañía?…
Tras una gira a final de año que nos lleva con un programa clásico “La Cnd en Puntas” a Alicante, Pamplona y San Sebastián empezaremos 2014 con una nueva producción “Nipón-Koku” de Marcos Morau, director de La Veronal. Una propuesta vanguardista sobre Japón, donde nuestros bailarines más contemporáneos podrán experimentar varios meses con el coreógrafo antes de estrenar en Matadero el 9 de febrero. En el mes de mayo estrenaremos en el Teatro Real otro nuevo montaje con coreografías de Balanchine, Forsythe y Mats Ek, tres nombres esenciales en del mundo de la danza.
Paralelamente, estamos poniendo en marcha nuestras primeras residencias de creación, para dar oportunidades a jóvenes creadores. Hemos recibido 53 proyectos de los cuales hemos seleccionado 12 de ellos y que se están poniendo en marcha.
El bosque de Grimm en el Teatro Real
No podía empezar de mejor forma el ciclo pedagógico del Teatro Real cuyo título es «Erase una vez…». El bosque de Grimm es una propuesta de La Maquiné que aúna música, proyecciones, títeres y trabajo gestual. Este espectáculo tiene la particularidad que aún tratándose de cuentos populares, su escenificación no se hace a través de palabras, es como si hubiesen destilado una serie de historias conocidas por todos y con estas piezas obtenidas, construir un nuevo puzle poético. Y el resultado es fantástico porque podemos seguir las historias y los personajes que, a veces se cruzan en la escena, teniendo la sensación de que hemos entrado en un fascinante bosque donde habitan todos los seres imaginados por los hermanos Grimm.
Adolfo Simón
La conquista de México en el Teatro Real
La historia del hombre se puede contar desde muchas perspectivas, desde la visión de los perdedores o de los que vencieron. Pero también se puede explicar desde otro lugar que no sean datos ni ajustes de cuentas. En la nueva producción que se presenta en el Teatro Real hay un enfoque novedoso no solo en la propuesta de la escenificación que va más allá de lo bello o correcto para instalarse en un universo plástico donde todo cobra vida tridimensional, consiguiendo efectos absolutamente sorpresivos y emocionantes, ese es el gran hallazgo de este espectáculo, el que Peter Sellars ha construido como espacio mental y emocional para trasladarnos más allá de los puros acontecimientos, sumergiéndonos en la sin razón que mueve al ser humano en esa ambición yerma por dominar y conquistar al otro, da igual que sea un país, una persona o un objeto. No puedo hablar sobre una obra vista si no sobre una instalación viva donde la luz, las voces, el vestuario, los cuerpos de los intérpretes, el espacio escénico y la música, se funden para crear una visión profunda e inquietante de lo que pudieron vivir los protagonistas reales de La conquista de México.
Adolfo Simón
Actividades paralelas y gratuitas en el Teatro Real
Más info en:
http://www.teatro-real.com/es/noticias/un-concierto-de-camara-gratuito-en-la-sala-princi
Emilio Sagi nos habla sobre su larga trayectoria y sus proyectos escénicos.
¿Cómo fueron tus inicios en el teatro?…¿Realizaste otras facetas además de la dirección?…
Yo comencé con una pequeña compañía universitaria de danza en Oviedo, el Laboratorio de Danza de la Universidad de Oviedo, así se llamaba; también trabajé como actor con Etelvino Vazquez; luego ya en mis años de beca de estudios en Londres, estuve de oyente en muchos montajes de ópera, vi trabajar al mítico Götz Friedrisch y allí conocí también a John Cox, con quien luego trabajé en la Scottish Opera. Obviamente trabajé unos cuantos años como asistente de dirección antes de debutar.
¿Tu trabajo en el teatro y la ópera lo has compatibilizado con otros trabajos?…
Si en los primeros años. Yo era profesor-ayudante en le Departamento de Lengua y Literatura inglesa de la facultad de Filosofía y Letras de Oviedo. Luego ya dejé este trabajo en el momento en que debuté en el Teatro de la Zarzuela en el año 1982.
¿Qué balance harías sobre tu larga trayectoria?…
Pues que aún, tras 32 años de carrera sigo enamorado de mi trabajo y soy feliz en cuanto me subo a un escenario.
¿Qué diferencia hay para ti del teatro que se hacía en tus principios al que se hace hoy en día?…
Creo que los profesionales del Teatro tenemos pocas diferencias entre unos de una época y otros de otra diferente, la entrega y el amor por nuestra profesión siempre será el mismo; creo que cambia la manera de hacerlo, porque cambia la manera de vivir de la gente.
¿Cómo surgen las ideas de los proyectos que pones en marcha personalmente?…
Creo que al observar y vivir la vida siempre me surgen cantidad de ideas, todas las apunto, algunas sirven y otras para nada.
¿Ha sido importante tener unos colaboradores habituales en los equipos artísticos y técnicos?…
Normalmente suelo trabajar casi siempre con el mismo equipo de personas; pero creo que siempre es bueno incorporar nueva energía a ese equipo pues siempre otra cabeza y otro corazón suelen dar algo nuevo que no esperabas y eso es bueno.
¿En qué proyectos has participado durante el último año?…Háblanos del estreno reciente en el Teatro Real…
He hecho unas cuantas cosas, pero me ha hecho mucha ilusión volver al Teatro Colón con mi nueva propuesta de la ópera «Carmen», montar en el Teatro Arriaga «Il Mondo della Luna» de Hydn, una ópera que me gusta mucho y que se repetirá en el 2014 en la Ópera de Monte-Carlo y remontar en mi tierra, en Oviedo, la opereta bíblica «La Corte de Faraón» que también en esta temporada la remontaré en Madrid en los Teatros del Canal.
En cuanto al «Barbero», siempre es un enorme placer trabajar con la música del Maestro Rossini, te llena de gozo, y por supuesto volver al Real y trabajar con todos mis compañeros.
¿Qué proyectos tienes entre manos?…
También unos cuantos, a parte de los que ya dije. Hay dos que me atraen especialmente: dirigir la ópera de Christian Kolonowitz «El Juez (Los niños Perdidos)», una ópera basada en los hechos reales del robo de bebés en España durante los años 60; además tiene el enorme aliciente de volver a trabajar con el gran José Carreras que vuelve a hacer una ópera representada y el otro proyecto es volver a la Ópera de San Francisco, donde tuve muchos éxitos, para hacer un nuevo «Barbero de Sevilla».
¿Hay algún proyecto que nunca pudiste realizar y te gustaría?…
Me encantaría dirigir una ópera rusa, adoro la música de Chaikovski, aunque lo veo difícil pues desconozco el idioma ruso y también me provoca mucho dirigir una revista.
¿Cómo crees que están afectando los recortes y el aumento del I.V.A. a los proyectos de teatro?…
Desgraciadamente afectan bastante: en primer lugar, la subida del IVA al 21% fue un golpe bajo para nuestra profesión tanto para los teatros y productores como para el público. Y también debido a esta crisis económica, los patrocinadores, que antes ayudaban mucho al teatro están más remisos a patentizar esta ayuda.
¿Qué montaje que hayas visto últimamente, te ha interesado?¿Por qué?…
Me ha interesado mucho el espectáculo «C(h)oeurs» sobre música de Wagner y Verdi, que se hizo en el Teatro Real la temporada pasada, con la dirección y coreografía de Alain Platel. Me pareció una nueva manera de acercarse a la música de estos dos grandes, por otro grande que es Alain Platel.
¿Alguna sugerencia para seguir creando y haciendo teatro en tiempos de crisis?…
Creo que es de sentido común: trabajar mucho intentando primar la imaginación junto con una gran dosis de austeridad.
Il Barbiere di Siviglia de Rossini en el Teatro Real
La nueva temporada del Teatro Real se inicia con la puesta en escena de Il Barbiere di Siviglia de Gioachino Rossini. Este melodramma buffo en dos actos con libreto de Cesare Sterbini basado en la obra de Beaumarchais estará en cartel hasta el 26 de septiembre. La propuesta de dirección de Emilio Sagi es clara y deliciosa; un paisaje en blanco y negro donde transcurre la vida sin esperanza para los personajes que cambiará y se llenará de colores intensos cuando los protagonistas dejan de ser muñecos de guiñol para convertirse en seres de carne y hueso que pueden hacer realidad sus deseos. Los actores-cantantes están fantásticos, no paran de jugar y dar matices a los distintos momentos de la trama. A todo esto hay que sumar la espléndida dirección musical a cargo de Tomas Hanus al frente de la orquesta y coro titular del Real. Seguro que este inicio de la programación no es más que un aperitivo de todo lo llegará a lo largo de la temporada.
Adolfo Simón
Juanjo Llorens nos habla sobre su trabajo como iluminador teatral
¿Cómo surge el proyecto que se has estrenado en Mérida como iluminador?…
Tengo una gran vinculación con las compañías de Teatro Extremeño como Suripanta, Triclinium o Al Suroeste teatro desde hace muchos años, si a esto le añadimos la colaboración habitual con Esteve Ferrer y que esta es la producción extremeña del Festival pues así llegamos a Las Tesmoforias.
¿Tiene mayores complicaciones iluminar el Teatro de Mérida que un espacio convencional?…
El teatro Romano de Mérida es un espacio único, cuando llegas allí debes de olvidarte de todo y centrarte en la magia y grandiosidad que transmite el espacio.
Técnicamente tiene las limitaciones de un espacio protegido donde no puedes poner ninguna infraestructura que esconda el monumento y adaptarte a ello. El monumento está muy presente y es maravilloso poder utilizarlo y mostrarlo ya que intentar esconderlo es imposible, tenemos que transportarlo a lo que nos sugiere en cada momento nuestra escena.
¿Qué balance haces de tu trayectoria como iluminador?…
Estoy mu contento con ella, tengo la gran suerte de haber podido aprender y colaborar desde jovencito de los grandes maestros en dirección, escenografía, vestuario e iluminación, aprender de ellos, además al trabajar varias disciplinas de las artes escénicas y arquitectónicas con la luz pudiendo mezclar técnicas distintas, creo que enriquece mis trabajos mis trabajos.
¿Cuáles han sido los proyectos para los que has realizado un diseño de iluminación en el último año?…
En Teatro he estrenado «Dispara, Agafa Tresor, repeteix» producción del Teatro Lliure dirigida por Josep Maria Mestres, «Deseo» Con Miguel de Arco, «Ay Carmela» dirección de Pepe Bornás, «Todos Mienten» dirección de Jaume Policarpo , «Ni para tí ni para mí» con dirección de Juan Luis Iborra ,»Mano a mano» con Magda Labarga.
En danza «Tatoo» para la compañía Otra Danza. Un espectáculo maravilloso de Títeres para adultos «Ovidia coure en transit» para la compañía La Socciette de la Moufete. En Música estrené «Sinfonity» la primera orquesta sinfónica de guitarras eléctricas dirigidas por Pablo Salinas. El estreno mundial de la Opera contemporánea «Mi diva sin mi» compuesta e interpretada por Pilar Jurado con libreto y dirección de Eloy Arenas. Bueno como ves no está siendo un mal año desarrollando desde trabajos de gran formato y muchos medios ha trabajos de muy pequeño formato donde prima la poética de la luz por encima de la técnica.
¿Cuando te llega la propuesta de un proyecto te dejan margen de creación o te piden lo que necesitan?…
En mi caso si que me dejan margen de creación. Es una creación de equipo donde el director tiene muy claro que es lo que nos quiere pedir a cada colaborador y a partir de esa idea nos da margen para proponer y desarrollar esa idea
¿A partir de qué creas los diseños de iluminación?…
Es algo muy personal siempre surge una primera imagen cuando lees el texto, o te proponen un espacio que iluminar, de ahí llega la primera propuesta del director y tras ellas la escenografía y a partir de ahí tienes que combinar la parte técnica con la poética de la luz para transmitir las emociones que te pide la escena, pero siempre te viene una imagen a la cabeza de la que partir.
¿Qué iluminadores tienes como referencias?¿Por qué?…
Mi gran referencia a nivel de iluminador fue Carlos Citrinoswki, ya que mi aventura profesional la empecé con él y con Adolfo Marsillach en la dirección técnica de la CNTC, y lo que mas me atraía de su trabajo era la manera que tenía de hacer del todo (escenografía, iluminación, vestuarío) un único espacio haciendo que pareciera fácil.
Mi otra gran referencia, maestro y amigo es Juan Gómez Cornejo por su limpieza y belleza de todos los cuadros que nos hace sentir además de su gran conocimiento de la tecnica.
¿Hay una carencia de formación a nivel iluminación en la profesión teatral?…
Por suerte ya empiezan a existir escuelas donde poner estudiar la parte técnica de este oficio, ya que la parte creativa e intuitiva es algo muy personal de cada iluminador.
¿Cuál ha sido tu formación en esta materia?…
Yo iba compaginado mis estudios con los grupos de teatro de mi instituto y de mi ciudad, de ahí comencé a trabajar en empresas de iluminación; así que he sido bastante autodidacta.
¿Qué iluminación has visto últimamente que te haya interesado?…
«Vida y muerte de Maria Abramovic» en el Teatro Real, la plástica de Bob Wilson no hay que perdérsela nunca.
¿Están bien dotadas técnicamente las salas actualmente?…
Las salas o teatros de este país están cada vez mejor dotadas, aunque el problema que existe actualmente es el matenimiendo de los teatros. Hay material e infraestructura pero si se estropea o funde alguna lámpara no se repara por que no hay dinero para comprar fungibles. Realmente el problema es que se utilizan espacios que no están preparados para hacer teatro y entonces no tienen ninguna infraestructura para ello.
¿Se nota la crisis actual en la demanda de iluminación?…
Por supuesto. La gente lo está pasando muy mal y tiene que elegir sus prioridades, esto ha hecho a compañías, productoras y profesionales tener que ajustarnos y reinventarnos a esta nueva situación con espectáculos de menos presupuestos con menos actores y de pequeño formato. Las salas alternativas se han multiplicado para dar una salida a la profesión.
¿Alguna sugerencia para seguir creando en tiempo de crisis?…
Tenemos que adaptarnos a la nueva situación y no tener mas o menos material no puede frenar nuestra creatividad y nuestras ganas de seguir contando cosas.
¿Qué proyectos tienes entre manos?…
A corto plazo estreno «Por los ojos de Raquel Meller», dirigido por Hugo Pérez, «Los hijos de Kennedy» dirigido por Josep Maria Pou y el nuevo estreno de Kamikaze: «El Misántropo» dirigido por Miguel del Arco.
Wozzeck en el Teatro Real
El Teatro Real ofrece entre el tres y el veinte de junio las funciones de Wozzeck, obra fundamental del repertorio lírico de todos los tiempos cuyo autor, Alban Berg, se basó en el texto dramático del escritor Georg Büchner de quien se conmemora este año el bicentenario de su nacimiento. La dirección escénica, enigmática y sorprendente es de Christoph Marthaler que trabaja por primera vez como director en el Real. Hay un reparto de lujo para este nuevo estreno, entre los que destacan Simon Keenlyside como Wozzeck, Nadja Michael como Marie y los tenores Jon Villars, Gerhard Siegel, Roner Padullés junto al bajo-barítono Franz Hawlata. Sylvain Cambreling es el encargado de la dirección musical de esta nueva visión de Wozzeck en la que participan cerca de dos centenares de intérpretes entre solistas, actores, dos coros y una gran orquesta. La obra de Büchner es una pieza fundamental en el puente dramatúrgico entre el teatro romántico del siglo XIX y la modernidad del siglo XX. Obra inconclusa, ha atraído a muchos creadores para indagar en ese misterioso libreto, la ópera no podía ser menos y Alban Berg consigue completar el texto con una música excepcional. Este material ha provocado múltiples puestas en escena operísticas, la gran mayoría de las veces se han decantado por la espectacularidad, dejando de fondo la historia del primer anti-héroe de la historia del teatro. Aquí, Marthaler, opta por un montaje en dos planos, en el primero, un hangar a medio camino entro lo festivo y lo psiquiátrico donde los personajes vagan perdidos en el tiempo y al fondo, un espacio de atracciones infantiles donde los niños aprenden a jugar a la guerra. La imagen final es espeluznante y da sentido totalmente a esta visión de hombre de hoy imaginada por el director.
Adolfo Simón
Congresos, conferencias y eventos
El proyecto «TC/12, Patrimonio teatral clásico español. Textos e instrumentos de investigación», con la colaboración del Festival «Olmedo Clásico» (Ayuntamiento de Olmedo) y la Universidad de Valladolid, convoca al Congreso Internacional «El patrimonio del teatro clásico español. Actualidad y perspectivas», que se celebrará en Olmedo (Valladolid, España) del 22 al 25 de julio de 2013.
El encuentro tendrá lugar en el Centro de Artes Escénicas «San Pedro» en el marco del VIII Festival de Teatro Clásico de Olmedo (del 19 al 28 de julio de 2013), lo que permitirá la asistencia de los congresistas a los espectáculos y actividades que se programen.
Más info en: http://tc12.uv.es/olmedo2013/
Conferencia sobre ‘Wozzeck’
El próximo jueves 28 de mayo, a las 19’00 horas en el Colegio de Ingenieros de Caminos, se celebrará la conferencia sobre la ópera ‘Wozzeck’, ópera que tendremos ocasion de disfrutar en el Teatro Real de Madrid durante el mes de junio. Esta conferencia, organizada por Amigos de la Ópera de Madrid, será impartida por el crítico musical y especialista en la obra de Alban Berg, D. Juan Lucas.’Wozzeck’ está basada en la obra de Georg Büchner, que, por primera vez en la historia de la ópera, convierte en protagonista a un proletario. Albang Berg inmostaliza a este antihéroe, erigiéndolo en símbolo de opresión del hombre por el hombre…
Lugar de la Conferencia: Colegio de Ingenieros de Caminos (C/ Almagro, 42)
Entrada libre hasta completar aforo.
Más info en: http://www.amigosoperamadrid.es/noticias_actualidad_completa.php?num_id=1125
¡Gran Gala 20 aniversario de Payasos Sin Fronteras en Barcelona!
En la Gala participarán: Tortell Poltrona, Quico Pi de la Serra con su banda (Juan Pablo Cumellas y Amadeu Casas), Tricicle, Pepe Viyuela, Pep Callau y Luis Rodríguez de los Pepsicolen, Luis Pinyot … Y las compañías Gog y Magog, Más Tumàcat, Circo Los y Mabsutim. Todos ellos artistas y compañías de Payasos Sin Fronteras que ofrecerán 90 minutos de espectáculo, recuerdos y emociones, que nos ayudarán a repasar la trayectoria de la organización y que nos harán disfrutar del circo y del payaso y la payasa, como nunca. En 20 años de existencia de Payasos Sin Fronteras ha hecho reír a 3.547.960 personas realizando 10.707 espectáculos en 707 expediciones en 98 países.
Cómo y dónde comprar las entradas: El precio de las entradas es de 15 euros y se pueden adquirir en la web del Teatro Lliure (www.teatrelliure.com) y en las taquillas del teatro. Además, para quien lo desee, existe la posibilidad de hacer aportaciones a la Fila Cero de la gala en la cuenta de Triodos Bank: 1491 0001 21 2013636127.
El 100% de la recaudación (Venta de entradas y Fila Cero) irá destinada a financiar los proyectos de la organización.
Más info en: http://www.clowns.org/content/%C2%A1gran-gala-20-aniversario-de-payasos-sin-fronteras-en-barcelona#.UZO8V9webs4.facebook
Museo Romántico de Madrid
Visitas temáticas y dramatizadas durante el mes de JUNIO
Más info en: museoromanticismo.mcu.es
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Conferencia de Patricia Davis en la que hablará sobre la magia de la improvisación teatral.
Martes 28 a las 20 horas en el Centro de Documentación de las Artes de Andalucía
Más info en: http://www.juntadeandalucia.es
Que Revienten los Artistas 
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