El Laboratorio Rivas Cherif del CDN busca dramaturgos para su propuesta de escritura “a pie de escenario”
El proyecto del Centro Dramático Nacional “Escritos en la escena” plantea un modelo de escritura dramática a pie de escenario: el autor desarrolla su texto en el ámbito escénico, trabajando estrechamente con un director y un grupo de intérpretes durante un plazo de tiempo determinado. Textos dramáticos viables y aptos para ser exhibidos, en la línea de los semimontados, susceptibles de prorrogar su vida y desarrollo en otros ámbitos.
Más info en: cdn.mcu.es
La ceremonia de la confusión de María Velasco
Se acaba de publicar en la colección Autores en el Centro del CDN el texto «La ceremonia de la confusión» de María Velasco.
Se puede adquirir en el Centro Dramático Nacional.
«Fósil» de la Compañía Alta Realitat.
Dentro de «Una mirada diferente» del CDN se ha estrenado esta abra dirigida por Jordi Cortés y que nos hace reflexionar sobre nuestro espacio privado y el público.
En el día a día de nuestra comunicación hemos ido construyendo nuestro mundo, nuestra personalidad y hemos ido poniendo barreras a los demás. ¿No las ven? Esas gafas de sol, para ocultar nuestra mirada; esos tacones altos, para estar por encima de los demás, las mascarillas, que evitan un «contacto aéreo» de contagiosas enfermedades; los auriculares que todos llevamos en el metro para escuchar nuestra música favorita y no esos desafinados acordeones que nos piden limosna… sí señores, es así, y lo hemos hecho nosotros…Pero ¿y si las barreras vinieran dadas obligatoriamente por nuestra condición física? Ser ciego, sordo, cojo, parapléjico…no se elige, no se construye… ¿Han probado ustedes a sentirse como un ciego en el medio de una gran ciudad? ¿Cómo se baila con una silla de ruedas? ¿Cómo canta un mudo? Inténtenlo: A más de uno le darán ganas a partir de esa experiencia de estampar sus Ray Ban contra el suelo, desnudarse y salir corriendo a ver el sol.
Juegen, experimenten, profundicen en esto y… ¡bájense de esos ridículos tacones!
Luis Mª García.
Presentación de la temporada 2013-14 del Centro Dramático Nacional
Más info en: http://cdn.mcu.es/temporada-2013-2014/
Convocado el XXXVIII Premio Born de Teatro 2013
Las bases del XXXVIII Premio Born de Teatro se publicaron en la web del Cercle Artístic de Ciutadella de Mallorca el día 25 de abril de 2013, en el que se indica que el plazo de admisión de trabajos concluye el 30 de junio. El premio en metálico para el ganador será como la pasada edición de 14.000 euros más la publicación de la obra ganadora en las cuatro lenguas oficiales del estado. El veredicto del jurado se dará a conocer, como es costumbre, el último sábado de noviembre, este año día 30.
El Jurado estará formado por los siguientes miembros:
– Ernesto Caballero, director del Centro Dramático Nacional
– Enrique Gallén, catedrático de la Universidad Pompeu Fabra de Barcelona
– Blai Llopis, actor.
– Natalia Menéndez, directora del Festival de Teatro Clásico de Almagro.
– Gerard Vázquez, dramaturgo y director teatral.
Los preseleccionadores son Bernat Joan, profesor y escritor, Rosa Molero, dramaturga.
La novedad de este año es que no podrán presentarse autores premiados en las tres últimas convocatorias.
El Premio cuenta con el apoyo del Gobierno de las Islas Baleares, el Consell Insular de Menorca, el Ayuntamiento de Ciutadella y la Fundación Rubió-Tudurí-Andrómaco. También colaboran como el año pasado Destilerías Xoriguer y el Café Balear.
Las bases completa pueden consultase en la web:
La copla negra en el Centro Dramático Nacional
José Luis reabre las puertas de «La Copla Negra», lugar que ofrece a sus clientes, además de las actuaciones, la posibilidad de relajarse unos minutos con alguna de las artistas: la Olvido, la Manuela y la Chana. En esta aventura le acompaña su mujer, Mari Carmen, enamorada hasta los tuétanos de ese hombre embustero, miserable y encantador a partes iguales. Esta es la anécdota que permite la recuperación de un pequeño cabaret en ruinas en el corazón de Cádiz. Las chirigotas son las canciones populares con las que los gaditanos critican con inteligencia e ironía a todo aquel estamento o persona que no actúa correctamente en la sociedad. Los carnavales son el escenario perfecto para este tipo de manifestaciones. Este grupo lleva años investigando de la mano de Antonio Álamo sobre la teatralización de estas divertidas e ingeniosas canciones. En La copla negra van mucho más allá, no solo realizan un ensamble de canciones divertidas en las que tocan los puntos candentes que preocupan a la sociedad en la actualidad, también crean una estructura dramática que le da entidad de obra de teatro. Hay que destacar por encima de todo, a las tres intérpretes: Alejandra López, Ana López Segovia y Teresa Quintero que se desdoblan en varios personajes, dando credibilidad y humanidad a todos ellos en esta metáfora de la España de hoy que es el local desvencijado de la copla negra.
Adolfo Simón
Pepe Corzo nos habla de su trayectoria como diseñador de vestuario
¿Cómo fueron tus inicios en el diseño de vestuario?…
Empecé como diseñador de modas experimental en Lima allá por los años 90, trabajando como diseñador de vestuarios para espectáculos de teatro -danza experimental y al mismo tiempo creando colecciones que presente en desfiles en Alemania, USA, Buenos Aires, etc.
¿Lo has compatibilizado con otros trabajos?…
Hace muchos años que lo comparto con mi trabajo de Director de Arte publicitario para comerciales de televisión, actividad que me gusta mucho.
¿Qué balance harías sobre tu trayectoria?…¿Qué proyectos destacarías?…
Yo me siento muy satisfecho con mi trayectoria laboral, ya que mi profesión me ha llevado a lugares inimaginables trabajando en proyectos fantásticos con gente muy interesante, destacaría muchos de mi proyectos que he realizado en España, debido a lo significativo que es para mí, vivir en Lima y sin embargo poder estar dentro del circuito Español de teatro, zarzuela y opera con proyectos como «El rey que Rabió» en el Teatro de la Zarzuela, «Los cuentos de Hoffmann» para la opera de Las Palmas de Gran Canaria, «Celebración» para el Centro Dramático Nacional de España y ahora «Marina» de nuevo para el Teatro de la Zarzuela.
¿Qué diferencia hay para ti a la hora de diseñar un traje para cine, tv o teatro?…
La diferencia va de acuerdo al concepto del proyecto, no importa si es para tv, teatro o cine, lo más importante es la propuesta visual.
¿Cómo te surgen las ideas?…¿Cuánto margen te dejan para crear durante los procesos?…
Las ideas surgen en base a la investigación, tanto de imágenes como de materiales y técnicas, mis proyectos siempre son resultados de búsquedas de nuevos experimentos con materiales y conceptos. Normalmente no me dan ningún tipo de limitación en el proceso creativo, cuando me llaman saben que mi trabajo es muy experimental y están buscando eso.
¿En qué proyectos has participado durante el último año?…
El último año me he concentrado en el proceso de creación de «Marina» y he realizado la dirección de arte de más de 60 comerciales de tv y catálogos fotográficos de moda.
¿Te ha tentado alguna vez desarrollar otras facetas más allá del diseño de vestuario en la escena?…
Hace algunos años que ya vengo diseñando también la escenografía de algunos espectáculos, cosa que me encanta!!! y vengo perfeccionando.
¿Cómo surgió el proyecto de Marina?…Háblanos del proceso…
Recibo la propuesta de parte del director Ignacio García y del Teatro de la Zarzuela hace como un año, ha sido una experiencia fantástica, hemos tenido varias reuniones durante el año en las cuales fui presentando mis propuestas, que fueron muy bienvenidas; finalmente fue un experimento novedoso que hemos realizado con la ayuda de fabricas textiles de lavados industriales, tratando el vestuario con químicos, óxidos, enzimas etc. para lograr efectos de desgaste y de luz y sombra en el vestuario.
¿Qué proyectos tienes entre manos?…
A mi regreso a Lima me incorporaré a la producción de un un nuevo programa de tv como director de Arte, voy a estrenar en Junio el espectáculo Perú Jaja 2013, una comedia sobre la historia del Perú, en la que he diseñado un vestuario y escenario muy lúdico, y para fin de año probablemente diseñe el vestuario y escenario para La Flauta Mágica en el Gran Teatro Nacional del Perú y para el Ballet «Alicia en el país de las maravillas».
¿Crees que los recortes y el aumento del I.V.A. van a afectar a los proyectos de teatro?…
Me imagino que sí.
¿Qué montaje que hayas visto últimamente que te haya interesado?¿Por qué?…
Me encantó el vestuario y escenario de la zarzuela «El Juramento» que vi en el Teatro de la Zarzuela».
¿Qué momento está viviendo el teatro en tu país?…
El Teatro en Perú, así como la vida cultural esta en un momento de desarrollo, evolución y crecimiento, cada vez se invierte más en espectáculo y cada vez se consume más teatro.
La ceremonia de la confusión en el CDN
Escritos en la escena es un ciclo que ha puesto en marcha la nueva dirección del Centro Dramático Nacional para potenciar la escritura contemporánea, una experiencia que recuerda al T-6 del Teatre Nacional de Catalunya, con la diferencia de que allí, los proyectos elegidos son tutelados en el proceso de escritura y finalmente se incluyen en la programación de la temporada con el mismo tratamiento que cualquier otra producción. Seguramente, la crisis está obligando a que muchas ideas se queden en el chispazo inicial y que si no se desarrollan en condiciones, terminen siendo proyectos débiles. Creo que las propuestas de Escritos en la escena solo disponen de un grupo de actores, un director y un autor, es verdad que muchas veces se cuenta con menos, pero cada historia precisa de unos presupuestos y si no los hay económicos, los ha de haber artísticos. En La ceremonia de la confusión hay poco de lo primero y no mucho de lo segundo. María Velasco propone desde el texto una sugerente situación: ¿Qué pasaría si treinta años después se mira a la transición democrática de este país durante el velatorio de uno de los protagonistas de aquel momento, en un tanatorio de hoy?. Seguramente, nuestros días se parecen mucho a aquellos, días de confusión donde el poder provoca la atención del ciudadano hacia otro lugar, entonces hacia la movida y hoy…¿Hacia la corrupción?…¿Y si el poder está moviendo los hilos mientras miramos para otro lado?. Toda esa confusión ciudadana no se puede escenificar en el salón del tanatorio donde yace el muerto, hay que bailar sobre la tumba de todos aquellos que no permiten que la luz entre al cementerio.
Adolfo Simón
¿CUÁNTOS POETAS HAN MUERTO EN LOS ANDAMIOS DE LA CARPINTERÍA TEATRAL?
DOS GENERACIONES DE DRAMATURGOS ESPAÑOLES CONVERSAN
Es emocionante escuchar de boca de Ignacio Amestoy que el dramaturgo español tiene algo de Sísifo: consecuciones y logros efímeros salteados de caídas sin arnés; y, asimismo, el titular: “Seguimos con la furgoneta” (para ilustrar nuestra perenne necesidad de auto-producirnos a falta de que otros lo hagan). Amestoy (Ederra, Chocolate para desayunar, Cierra bien la puerta, etc.) Premio Nacional de Literatura Dramática, venía a corroborar que la etiqueta “emergente” no es solo aplicable a los autores menores de treinta años, aún en ese “purgatorio de duración variable, tras el cual se instalan en la gloria de los elegidos o en el infierno del olvido” (Fernando Savater), sino una condición sine qua non.
El lunes 11 de marzo, sobre la escena del teatro María Guerrero, nos sentamos a conversar dos generaciones de dramaturgos españoles nacidos, respectivamente, en derredor de los cuarenta y de los ochenta. Se trataba de una nueva cita de los “Lunes con voz”, punto de encuentro para el gueto teatral madrileño. Aunque el moderador, Ignacio García May (Alesio, El dios tortuga, Los vivos y los muertos, etc.), envalentonado por “el buen momento que vive la dramaturgia”, dictaminó que esta mesa iba a diferenciarse de otras sobre autoría en evitar el llanto y el deporte de la queja, no pudimos menos que sacar el vaso de lágrimas. La situación (recortes, subida del IVA, etc…) no es para menos.
El veterano, Domingo Miras (Una familia normal, Las brujas de Barahona, La Monja Alférez, etc.), asimismo Premio Nacional de Literatura Dramática, comenzó diciendo que los autores de su quinta, la generación realista, ganaban premios, pero no estrenaban sin haber encanecido. Nada ha cambiado, como pronto tuvimos oportunidad de aclarar los noveles (Lola Blasco –Pieza Paisaje, Proyecto Milgram-, Carlos Contreras –Verbatim Drama, La comedia que nunca escribió Mihura-, Verónica Fernández –Presas, Serena Apocalipsis- y yo –Perros en danza, La ceremonia de la confusión-), que concurríamos allí gracias al nuevo programa “Escritos en la escena”. Esta iniciativa, semejante a otras en Europa (el Royal Court) o, sin ir más lejos, el T6 del Teatro Nacional de Cataluña, ni siquiera nos depara la oportunidad de un montaje profesional. El resultado, difícil de categorizar es un semi-montado o muestra. No obstante supone un conato, un primer esfuerzo, por parte de la nueva dirección del Centro Dramático Nacional, de apoyar la creación dramatúrgica contemporánea.
Mal de muchos, consuelo de todos: las distintas generaciones no solo resemblábamos una problemática similar a la hora de ganar cierta visibilidad… También se evidenció que ciertos referentes seguían vivos y el nombre de Federico García Lorca, aquel que anhelaba el momento de “abrir los viejos escotillones del teatro” salió varias veces a colación, al igual que fuentes inspiradoras, sugeridoras de una mayor libertad dramatúrgica, como la Nouvelle Vague. No faltaron las manidas discusiones sobre si, en paralelo al teatro, podemos hablar de una literatura dramática: ¿es la obra un simple pretexto para el hecho escénico? Se trata de una cuestión cáustica, infalible a la hora de agitar una mesa de dramaturgos… Nunca nos pondremos de acuerdo: mi opinión, que el placer de leer Hamlet es distinto al de verlo representado y que ciertas obras, algunas de reciente factura, son mucho más que un cuaderno de dirección, un libro de cabecera: pequeñas biblias dialogadas.
Y mientras los veteranos discutían acerca de los pormenores biobibliográficos de Goethe (con envidia de su erudición), pensé por un momento en el viejo Allen Ginsberg revolviéndose en su tumba (querido, Ginsberg, ya queda menos para la literatura transgénero; pensé en cuántos poetas habían muerto en los andamios de la carpintería teatral; y cuánto tiempo nos lleva (como decía Picasso) llegar a ser jóvenes.
María Velasco
María Velasco a punto de estrenar La ceremonia de la confusión nos habla de su trabajo como dramaturga
¿Cómo surgió el proyecto de La Ceremonia de la confusión?…
Con la que está cayendo en España, en lo que concierne a lo político y social, hacía tiempo me propuse hablar de los albores de nuestra “democracia”. Los sueños de aquellos que eran jóvenes cuando el dictador nos dejó, el referéndum para la nueva constitución y, a comienzos de los 80, con la movida cultural. Sus aspiraciones en contraste con la realidad actual…
¿Cómo ha sido elegida para Escritos en la escena?…
Envié un dossier a la convocatoria procurando el mayor rigor. Hubo muchos candidatos, porque esta iniciativa es pionera en el Centro Dramático Nacional. En Europa y, sin ir tan lejos, en Cataluña, ya se habían llevado a cabo programas similares, pero aquí era la novedad, y no se sabía qué criterios iba a valorar el jurado. Escogieron las propuestas de cuatro dramaturgos. Conozco bien a dos: Lola Blasco y Carlos Contreras, por eso deduzco que prefirieron autores de nueva cuna y de escritura más bien postdramática. Tanto Lola como yo habíamos participado de experiencias semejantes (para la integración del dramaturgo en el proceso creativo) en la Sala Cuarta Pared.
¿De qué va tu texto?¿Has podido seguir el proceso de creación del montaje?…
Un grupo de viejos amigos se encuentran en el velatorio. Ha fallecido el que era el líder del grupo de su juventud. Hacer el duelo, implica también despedirse de una época, de un pasado mistificado. La pareja del difunto, dos décadas más joven, es testigo de las contradicciones de una generación, la de la democracia. A él le corresponde tomar el relevo. La parte más “trascendental”, por así decirlo, viene edulcorada por el ambiente frívolo de la Movida (flashbacks), así como algunas versiones musicales de temas de los 80.
He estado presente en un porcentaje de los ensayos. He escrito y reescrito, pero no más que en cualquier otro proceso. En ese sentido creo que el programa de Escritos en Escena debe de reforzar la figura del “dramaturgista”: aquella figura que vela, hasta el día del estreno, por que se cuente la historia y se cuente bien.
¿Qué lectura escénica han hecho en la puesta en escena sobre tu texto?…
Creo que la propuesta de Jesús Cracio “barroquiza” más un texto ya de por sí formalista. A veces, ir a favor del texto es ir contra… y viceversa. La propuesta ha apadrinado, en cierta forma, la estética de la Movida. Esta es muy “poderosa”, engatusa; pero el público de hoy no reaccionará igual al eclecticismo y la tentación del kitsch.
¿Qué balance haces de tus últimos proyectos como autora…
Ha habido de todo: encargos, producciones propias, trabajos de creación colectiva… El teatro hoy es un cajón de sastre y a mí, como autora, me ha proporcionado experiencias muy distintas: desde un encierro con unas monjas carmelitas para documentar una obra sobre Santa Teresa de Ávila (Tiempo de caminar) al frenesí creativo (Lorca al vacío). Creo que lo interesante es estar abierto al mundo sin perder la voz propia…
¿Cuál ha sido tu evolución como autora?…¿Estás escribiendo algún texto?…
El primer espaldarazo me lo dio Cuarta Pared. Me becaron, y coordinaron el proceso de escritura de “Günter, un destripador en Viena”, que tuvo cierta repercusión después de que José Monleón la publicara en Primer Acto. Luego llegaron otras como “Los perros en danza”, “Nómadas no amados”, “Manlet”… Ahora tengo varios proyectos en ciernes con las directoras Sonia Sebastián y Rakel Camacho. Y estoy escribiendo narrativa, para depurarme.
¿Cómo ves el panorama teatral en nuestro país?…
Gris oscuro, casi negro, mientras las autoridades competentes sigan viendo la cultura como un bien de lujo y la gestión cultural esté en manos de personas que privilegian los intereses económicos por encima del humanismo. Ahora bien, en lo creativo, se hace notar cierta ebullición. El CDN, de la mano de Ernesto Caballero, comienza a asumir la responsabilidad de pujar por la dramaturgia contemporánea española; las salas alternativas se ven abocadas a la necesidad de llegar a un público más amplio (se acabó el “todo para el pueblo pero sin el pueblo”), y la proliferación de espacios no convencionales, pese a las limitaciones técnicas, augura un renacimiento cultural. La materia prima está; en el ámbito de la escritura, que el que mejor conozco, autores como José Manuel Mora, Alberto Conejero, Pablo Iglesias, Carlos Contreras, Lola Blasco, Zo Brinviyer, José Padilla, Antonio Rojano o Sergio Martínez Vila han demostrado con su poética que si son jóvenes (lo cual, biológicamente, ya es más que dudoso), no son célibes.
¿Crees que el aumento del IVA y los recortes perjudicarán al teatro?…
Estas “políticas bárbaras” han sido como un electroshock para los gestores y los creadores. Hecha la ley, hecha la trampa… El teatro va a tener que maridarse con la desobediencia civil.
¿Qué obra has visto últimamente que te interesase?¿Por qué?…
Me impresionó mucho “Autopsia”, de Jose Manuel Mora, dirigida y protagonizada por Fernando Soto. Hubo dos únicas representaciones dentro del Festival de Escena Contemporánea en la Sala Triángulo. Desearía que fueran más. Con una modestia de medios y recursos admirable se accedía, por el llanto y por la risa, a la filosofía, el amor al saber. La palabra hablada era poesía y los actores no tenían nada más que citarla. La plástica y el espacio sonoro eran hipnóticos. Salí de la sala como si hubiera estado soñando despierta… y, con la sensación, de que había crecido unos centímetros.
¿Alguna idea para seguir creando en estos tiempos de crisis?…
En una sola expresión, robada además a Enzo Cormann, “POELÍTICA”.
Transición en el Centro Dramático Nacional
“Transición”, es una coproducción de Teatro del Temple, L’Om Imprebís, Teatro Meridional y el Centro Dramático Nacional, escrita por Alfonso Plou y Julio Salvatierra y dirigida por Carlos Martín y Santiago Sánchez, en un espacio sencillo, realizado por Dino Sánchez, se nos hace desfilar por momentos esenciales de la transición política española, yo era adolescente en esa época y reconozco todos ellos. Una historia que se estructura con un esqueleto musical, las canciones más de moda de esa época sirven de pegamento para la historia, Mariano Marín es el responsable y todos los actores cantan juntos y por separado, parece que está de moda, nos envuelven en algo casi tierno, Antonio Valero que encabeza el reparto hace un ejercicio estupendo de interpretación bien arropado por sus compañeros, tengo la impresión de que el magnífico Álvaro Lavín está un poquito desaprovechado, la historia desde el punto de vista de un Adolfo Martínez o Suarez desde su Alzheimer muestra la memoria de esa época. Entretenida, intenta aproximar ese tiempo al actual en tanto causa y efecto del presente político que vivimos, del consenso a la división, de la pérdida de valores a la demagogia individualista, pero no sé si quizá por reciente, o vivido para mucha parte del posible público, puede quedarse en algo que ya sabemos y no nos dice nada nuevo, bueno el caso es que habrá que verla y que cada uno opine lo que quiera, que para eso está el teatro.
Ángel Savín
El malentendido de Albert Camus en el Centro Dramático Nacional
En ocasiones, la mejor manera de entender el presente es mirando al pasado. Albert Camus ya es un clásico de la literatura universal. Gracias a su pasión por el teatro nos dejó en herencia algunas piezas dramáticas esenciales para entender al ser humano. El malentendido es una obra esencial que partió de un acontecimiento real que impactó al autor. En ella, con un enfoque filosófico y trágico, se nos muestra como el ser humano, escondido en la caverna, luchará por la protección de la tribu. Pero, y ahí está el salto dramático que plantea el autor, el error del hombre puede llevarle a dar pasos en falso cuando más firme quiere pisar la tierra que hay bajo sus pies. La propuesta de Eduardo Vasco es sobria, en un espacio inmenso que deja en mayor soledad y fragilidad a los intérpretes-personajes. Todo el elenco se entrega para desvelar lo que Camus dejó escrito entre líneas en su texto.
Adolfo Simón
Lecturas dramatizadas en el Centro Dramático Nacional: «Irlanda en escena»
El Centro Dramático Nacional presenta lecturas dramatizadas:
«Irlanda en escena» en el Teatro Valle-Inclán
Del 8 al 10 de marzo el CDN acoge en el Teatro Valle-Inclán las lecturas dramatizadas “Irlanda en escena” con motivo de la presidencia irlandesa de la Unión Europea. “Deirdre de los pesares”, de John Millington Synge con dirección de Denis Rafter, el 8 de marzo; “Conversaciones sobre sueños rotos”, de Tom Murphy con dirección de Denis Rafter, el 9 de marzo; y “Mármol”, de Marina Carr con dirección de Antonio Castro Guijosa, el 10 de marzo.
Tras la lectura del 10 de marzo, tendrá lugar un encuentro de la autora Marina Carr con el público.
Fernando Soto nos habla de su experiencia y colaboración con José Manuel Mora en Autopsia
Balance de vuestra trayectoria…Como actor, Fernando Soto ha estado ligado durante varios años al Teatro de La Abadía, participando en obras como Sobre Horacios y Curiacios, Premio Max al Mejor Espectáculo 2005; La melancolía de King Kong, con texto de José Manuel Mora; o Medida por Medida, dirigida por Carlos Aladro. Se le ha podido ver, además, en espectáculos como La Avería, dirigido por Blanca Portillo; Alejandro y Ana (Lo que España no pudo ver del banquete de boda de la hija del presidente), a cargo de la compañía Animalario; o Madre Coraje y sus hijos, producción del Centro Dramático Nacional. Como director, ha llevado a escena las piezas Hamster, Al final todos nos encontraremos, Así pasan los días, Rulos, Prohíbido besar y Mejorcita de lo mío (de la que también es coautor). Para EscenaTe ha dirigido montajes menos convencionales como Sueño y capricho, El encanto de Lugo y La pintura a escena. El siglo XIX en el Museo del Prado. Ha interpretado papeles en los largometrajes Celda 211, Una palabra tuya y La suerte dormida y es actor habitual en varias series de televisión.
José Manuel Mora es autor, dramaturgo y profesor. Cursó estudios de Dramaturgia y Dirección de Escena en la Real Escuela Superior de Arte Dramático y amplió su formación en Londres, Ámsterdam y Berlín. Entre sus obras se encuentran Trevélez (Me muero de amor), Cancro, La bendita pureza, Vértigo, Los cuerpos perdidos, Mi alma en otra parte y La melancolía de King-Kong. Sus textos han recibido numerosos premios y se han representado en espacios europeos como el Jerwood Theatre Upstairs del Royal Court Theatre de Londres, el Festival Internacional de Varsovia y el Berliner Festspiele, entre otros.
¿Cómo surge el proyecto que presentáis en Escena Contemporánea?…¿De qué va la obra?…
Este proyecto nace del encuentro entre dos creadores, José Manuel Mora dramaturgo y Fernando Soto actor y director, al que se incorpora más tarde la escenógrafa Monica Boromello. A partir de una ayuda a la creación del matadero de Madrid y el marco de DRAFT.INN, espacio de reciente creación que en la ciudad de Madrid reúne a un colectivo de jóvenes creadores en un proyecto de trueque de experiencias y reflexión cultural, donde experimentar las artes escénicas del siglo XXI. Nace de la necesidad de diseccionar la realidad como partes integrantes de la misma, es decir bucear en los resortes que mueven al ser humano y que le llevan a ser consciente de algo que muchas veces es inercia pura:su propia vida. Ser consciente de su propia vida con la consecución implícita de la muerte( pero no muerte como un estado físico única y exclusivamente sino como la parte integrante de una dualidad) y de la convivencia entre dichas partes..No pretendemos plantear un espectáculo donde se enjuicie o se dogmatice nada, buscamos ahondar en el concepto de comunicación con el espectador a través de un acto de consciencia sin ningún tipo de moralina alguna sino aludiendo a su contenido activo: ser conscientes. Pretendemos ser ese filtro por el que pase toda la información, ser el espejo dónde el espectador pueda elegir mirarse o no. Autopsia es una necesidad de comunicar no una obligación de imponer. Autopsia es un ejercicio de autocuestionarse tanto actor como espectador.
En Autopsia (Fábula moral en tiempos de crisis) hay un hombre. Una isla. El dolor inconmensurable de la pérdida del ser querido. Hay una fractura con el mundo, una necesidad de volver al epicentro de la catástrofe. Hay también un encuentro. Un encuentro convertido en esperanza de calma, de renacimiento.
¿Cómo fue el proceso dramatúrgico y de montaje de la obra?…
El proceso dramatúrgico dura aproximadamente un año y se ha basado en diversos encuentros, largas conversaciones y continuas referencias y estudio sobre la obra de diversos autores, los cuales giraban todos entre esa contraposición entre lo vida y la muerte, lo vivo y lo caduco. Nuestra intención era ir diseñando (en torno al trabajo de mesa) a partir de una idea motor el espectáculo, tanto a nivel de escritura como de estética. Queríamos soñar el espectáculo, visualizarlo, darle forma en nuestro imaginario. De este trabajo salen seis borradores del texto y tres esquemas de escenografía, totalmente abiertos a ser modificados en el proceso de montaje, pero lo que nos facilita tener claro el camino de lo que si debe permanecer intocable a la hora de ponerlo en pie. En estos momentos estamos en la penúltima semana de ensayos, y el texto ha variado, se ha ido descargando para quedar lo que creemos esencial. Podemos decir que durante todo este proceso hemos generado muchísimo material para intentar llegar al germen de lo que queríamos contar.
¿Conoces la obra de otros creadores contemporáneos en España?…
Si, conozco la obra de bastantes creadores contemporáneos en España y creo que en este país hay gente que propone un teatro interesante y comprometido, otra cosa es que haya circuitos para poder mostrar esos trabajos.
¿Qué opinas de la programación de Escena Contemporánea XIII?…
Me parece una programación plural y comprometida con la realidad que vivimos. Además me parece que en esta edicion como en tantas otras se han vuelto a hacer malabares ajustandose a presupuestos y medios para hacer llegar al publico un teatro actual. No lo digo de verdad porque yo este incluido en esta programación, lo pienso honestamente. Creo que Salva Bolta y su equipo han hecho un esfuerzo titánico por sacar esta edición adelante.
¿Qué función crees que ha de tener hoy la creación contemporánea para la sociedad en la que vivimos?…
No debe distraer o entretener, debe plantear y cuestionar. Creo que debe ser un espejo donde mirar qué estamos haciendo bien y que mal. Debe plantear preguntas que movilicen, que nos ayuden a creer que las cosas se pueden hacer de otra manera que no sea la establecida.
¿Qué te motiva o inspira para realizar proyectos que mostrar en vivo?…
Mi máxima inspiración es el ser humano. Es alguien el cual intento comprender desde que empezó en esto, intentar comprender como funciona, cual es su mecanismos. Para mi tiene mucho de antropología el teatro
¿Crees que afectará mucho la subida del I.V.A. y los recortes al teatro para la escena alternativa?…
El teatro alternativo siempre ha estado afectado por una cosa u otra. Pero ahora esta situación es como si ya acabaran por asfixiarlo. Esta afectando y mucho, me entristece ver como compañeros que han trabajado hasta la saciedad para sacar una sala o un proyecto adelante tienen que echar el cierre. También siempre he cuestionado el termino «alternativo». Yo siempre he dicho que esa etiqueta para mi es porque no nos dejan otra alternativa. Si abrieran más los grandes teatros a otro tipo de lenguaje, la cosa funcionaria de otra manera, no se trata solo de economía en las producciones, es más una cuestión de lenguajes.
¿Qué obra de teatro, danza o performance has visto últimamente?¿Qué te pareció?…
«El traje». Me pareció una propuesta arriesgada y diferente. Un gran trabajo.
¿Cómo ves la creación contemporánea en el lugar donde trabajas?…
Veo que hay mucha gente que quiere buscar nuevos caminos e investigar diferentes lenguajes escénicos, lo malo es que el circuito de exhibición para este tipo de lenguajes cada vez es más reducido.
¿Alguna idea para seguir creando en tiempos de crisis?…
Trabajar y seguir creyendo en lo que uno hace, y sobre todo creer que hay público que le interesa lo que hacemos, que desgraciadamente muchas veces se le subestima
¿Proyectos?…
Intentar que este montaje crezca a partir de su estreno en este festival. Por otro lado seguir colaborando con Draftinn en nuevas propuestas que estamos dándoles vueltas. Intentar montar una versión de Cámara Lenta de Pavlosky y seguir de gira con Yo soy don Quijote de la mancha dirigida por Luis Bermejo.
Grandes Maestros de la Escena: Edward Gordon Craig
El próximo lunes 25 de febrero, el Centro Dramático Nacional y la Asociación de Directores de Escena de España desarrollarán, dentro del ciclo Grandes Maestros de la Escena, una sesión dedicada a Edward Gordon Craig. Durante el acto se presentarán los dos volúmenes dedicados a los «Escritos sobre teatro» de Gordon Craig, cuya traducción y edición ha sido realizada por Manuel F. Vieites, publicados por la ADE. En el acto participarán también Ernesto Caballero, Juan Antonio Hormigón y Abel Martín.
Más info en: http://cdn.mcu.es
Actividades extras en el Centro Dramático Nacional
*VISITAS GUIADAS GRATUÍTAS
*CONVOCATORIA para profesionales que quieran estar asociados al LABORATORIO RIVAS CHERIF
*Próximo encuentro de LOS LUNES CON VOZ: La femme adultère de Albert Camus.
Lectura-concierto. Lunes, 11 de febrero a las 20 horas, Teatro Valle-Inclán.
*Nueva convocatoria: LVA en la Térmica de Málaga…
Taller de interpretación con Ernesto Caballero
*Colección AUTORES EN EL CENTRO. Últimas publicaciones:
La comedia que nunca escribió Mihura e Hilvanando cielos
Más info en: http://cdn.mcu.es/
Lúcido de Rafael Spregelburd dirigido por Amelia Ochandiano en el Centro Dramático Nacional
Hay montajes teatrales que se salvan gracias a un buen texto, una buena dirección…una escenografía que complete poéticamente la propuesta…pero sobre todo, lo que es esencial para que un barco teatral llegue a buen puerto es…un buen y apropiado reparto. Lúcido es un material dramatúrgico muy potente porque juega a crear efectos reflejo sobre los personajes que el espectador ha de seguir con una atención activa, descubriendo así qué es real y qué soñamos. Amelia Ochandiano ha dirigido con maestría y sutileza esa obra en ese espacio escénico que se pliega y repliega para mostrarnos mundos paralelos…Y sobre todo, saca el máximo de jugo actoral a un reparto exquisito…Alberto Amarilla, Tomás del Estal, Itziar Miranda e Isabel Ordaz, en un momento de madurez y sabiduría escénica como ya veníamos intuyendo desde su trabajo en Días Felices.
Adolfo Simón
Nadie verá este vídeo de Martín Crimp, dirección de Carme Portaceli. En el Centro Dramático Nacional
Nadie verá este vídeo de Martín Crimp, dirección de Carme Portaceli. En el Centro Dramático Nacional
Con esta obra empieza la temporada en el Teatro Valle Inclán, una de las sedes del Centro Dramático Nacional, en la nueva etapa dirigida por Ernesto Caballero. Carme Portaceli fiel a su pasión por los autores contemporáneos y por las historia de hoy en día que hablan de cómo somos y en qué barco transitamos a no se sabe donde…pone en pie Nadie verá este video del autor Martín Crimp. Aborda esta historia de vampiros emocionales que huyen de si mismos, intentando arrancar la esencia de los demás a través de entrevistas aparentemente banales, desde un planteamiento escénico en el que la realidad no es un espejo de lo que vemos a nuestro alrededor…como en las pesadillas, los lugares, los personajes, las atmósferas…están deformados, para que lo que nos cuenta Crimp se desvele y se zambulla en nuestro imaginario. Una apuesta dificil, un texto complejo…y unos actores jugando al borde del precipicio…Un trabajo que no debiera dejar indiferente al público inquieto de nuestra ciudad.
Adolfo Simón
!VIVA EL TEATRO¡…Comienza la nueva temporada
!VIVA EL TEATRO¡…Comienza la nueva temporada…Seguro que hay un teatro para ti…encuentra tu obra entre todas estas opciones…
CENTRO DRAMÁTICO NACIONAL http://cdn.mcu.es/
TEATRO REAL http://www.teatro-real.com/
TEATRO DE LA ZARZUELA http://teatrodelazarzuela.mcu.es/es/
COMPAÑÍA NACIONAL DE TEATRO CLÁSICO http://teatroclasico.mcu.es/
TEATRO DE LA ABADÍA http://www.teatroabadia.com/home/index.php
TEATRO ESPAÑOL http://www.teatroespanol.es/home/index.php
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“Proyecto Milgram”. Julián Fuentes Reta. CENTRO DRAMÁTICO NACIONAL-Teatro Valle Inclán Ciclo ESCRITOS en la ESCENA
CENTRO DRAMÁTICO NACIONAL-Teatro Valle Inclán
Ciclo ESCRITOS en la ESCENA
“Proyecto Milgram”
Autora: Lola Blasco
Dirección: Julián Fuentes Reta
La primera propuesta que ve la luz de la nueva línea de programación en el CDN ha sido este Proyecto Milgram de Lola Blasco… Un texto surgido del ciclo llamado Escritos en la Escena; donde se propicia el encuentro de un autor, un director y unos actores para investigar sobre un tema concreto…En este caso sobre los mecanismos de obediencia a la autoridad. Este viaje les ha permitido bucear en la historia antigua y reciente a través de un juego meta-teatral que ha dado como resultado una propuesta de semi-montado, revisada durante las funciones que se han llevado a cabo. Proyecto Milgram sigue afianzando la evolución como autora de Lola Blasco y Julián Fuentes Reta realiza un nuevo trabajo de puesta en escena centrándose en el material dramático, sin dejarse llevar por los efectismos que la historia habría propiciado. Un buen inicio para estos Escritos en la Escena.
Simón Ribes
Que Revienten los Artistas 
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