Rebeca Valls: El teatro alimenta el espíritu
¿Cómo fueron tus inicios en el teatro?…
Mi familia también se dedica a las artes escénicas. Mi madre dirige una compañía de danza contemporánea y mi padre es escritor. Así que me he criado entre bailarines y libros… Tuve la suerte de que me seleccionaran para Cabaret de Jerôme Savary siendo una niña, y en ese y en los primeros montajes en los que participé pude trabajar con gente a la que ya admiraba muchísimo como Ovidi Montllor, Teresa Lozano, Carmen Benlloch, Nina, Joaquín Climent, Joaquín Hinojosa… Mis inicios los recuerdo como un lanzarse al vacío, un salto, un abandono… como ahora, vamos, jajaja… ¡Pero con menos conocimiento y mucho miedo! En cuanto cumplí los 18 me fui a Barcelona a estudiar arte dramático, porque ya entonces lo tenía clarísimo, y mi familia me apoyaba. Después me llamó Joaquín Hinojosa para hacer El Libertino en el Teatro de la Abadía y ya me trasladé a Madrid. Aunque sin abandonar nunca Valencia.
¿Realizaste otras facetas además de la actuación?…
Inicié estudios de filología francesa, que algún día, cuando tenga tiempo, me gustaría terminar. Además de claqué, danza, patinaje artístico sobre hielo.. Y camarera… ¡cómo no!
¿Qué es el teatro para ti?…
Un modo de vida, una manera de comunicarme, de aprender. Una necesidad.
¿Por qué haces teatro?..
Porque alimenta el espíritu.
¿Qué balance harías sobre tu trayectoria?…
Positivo. He hecho de todo. He tenido la suerte de trabajar con grandes maestros como Lluís Pascual, Nuria Espert, Carles Alfaro… y un largo etcétera… Y representando grandes autores como Shakespeare, Lorca, Ibsen, Lope de Vega, Marivaux, Moreto… He aprendido todo con ellos… También con Gabriel Olivares en el teatro más comercial. Y aún me queda mucho que aprender. Y eso me alienta. Tengo ganas de seguir aprendiendo, de seguir formándome.
¿Qué función crees que ha de tener el teatro para la sociedad de hoy?…
El teatro es un acto social, un acto de participación. Somos nosotros mismos arriba y abajo del escenario. El teatro habla de la relación del ser humano y el mundo que le rodea. Es vida. Nuestra vida actual.. nuestras preguntas y nuestros problemas actuales tanto del alma como los de nuestra sociedad. A veces nos hace reir, a veces llorar, otras veces nos incomoda pero al mismo tiempo, nos hace pensar. Amar. Aprender. Soñar. Sanar. Verse uno mismo reflejado en el espejo de la representación, es algo consustancial al ser humano.
¿En qué proyectos has participado durante el último año? Háblanos de ellos.
Mis últimos proyectos han sido El Lindo Don Diego, dirigida por Carles Alfaro en la Compañía Nacional de Teatro Clásico, Casa de Muñecas de Teatres de la Generalitat Valenciana, El Feo en el Festival Fringe y Teatro Lara, un proyecto propio, Me esperaràs? de Albena Teatre, El Lenguaje de tus Ojos o El Príncipe Travestido, dirigido por Amelia Ochandiano en el Teatro de la Danza. Proyectos y personajes bien diferentes entre sí, pasando del verso a un lenguaje contemporáneo, y de un personaje como Nora, donde el trabajo es totalmente interno y con una evolución enorme, a una Hortensia, de la obra de Marivaux, donde lo que siente el personaje la desborda y no lo puede controlar. Además, este año, he tenido mi primera experiencia como creadora y productora de un proyecto propio como El Feo y ha sido una gran experiencia, tanto por los compañeros que he tenido como por la responsabilidad que se adquiere.
¿Cómo surgió tu participación en Más apellidos vascos?… Háblanos de este trabajo…
Intervine en este proyecto porque Gabriel Olivares pensó en mí. Hicimos los cuatro actores una prueba, a pesar de que Gabriel había trabajado ya con nosotros, y la verdad encajamos como grupo desde el principio. El proyecto en sí tiene el sello de la película Ocho Apellidos Vascos que ha sido un exitazo de público. Es la misma productora. Se ha querido repetir la misma temática. Pero sin contar la misma historia que la película. En la obra nos reímos de los tópicos sobre andaluces y vascos desde muchos puntos de vista. Pero también hay una historia de amor que vertebra la obra y que une la realidad con la ficción… incluso rompiendo la cuarta pared. La obra es una fiesta, una celebración. Teatro popular. Y como actores es puro juego. Cambiamos constantemente de personaje a ritmo vertiginoso. Es muy divertido.
¿Cómo creas tus personajes?… ¿Tienes un método?…
Depende del tipo de personaje que sea, la verdad. Del texto, del autor, del género… Pero sí que trato de que sean lo más personales posible. De darles mi verdad, mi sensibilidad, profundidad, contradicciones. Primero empiezo con lecturas, trabajo de mesa, imaginario, después ya lo pongo en pie, y lo dejo volar… A veces tarda más… a veces menos.
¿Cómo crees que están afectando los recortes y el aumento del I.V.A. a los proyectos de teatro?…
Los recortes y el aumento del I.V.A en el teatro muestra claramente la poca consideración que se le da a la educación y a la cultura en este país. Siempre, y más en tiempos de crisis, es necesario alimentar el alma. Estas medidas que se están tomando hacen que volvamos a una precariedad laboral, a taquilla, o proyectos propios sin cobrar, y las compañías poco a poco desaparecen, puesto que les es inaguantable la situación.
¿Qué montaje que hayas visto últimamente, te ha interesado? ¿Por qué?…
Los montajes que más he disfrutado en este último año han sido Un trozo invisible de este mundo… me recuerda por qué me dedico a este oficio… Misántropo por la versión y gran dirección de Miguel Del Arco y por el trabajo de elenco que representa la compañía Kamikaze. The Table de Blind Summit porque amo la relación entre el actor y el bunraku; Los nadadores nocturnos, por el gran trabajo de Carlota Ferrer y su elenco, Lebesraum por el universo onírico, la magia y el trabajo de cuerpo que hace Jakop Ahlbom y Entremeses por el tipo de conexión que establece el elenco con el público. También es verdad que he estado trabajando desde Octubre hasta ahora y me he perdido muchos montajes que me hubiera encantado ver…
¿Proyectos?…
Seguir con Más Apellidos Vascos.
¿Alguna sugerencia para seguir creando en tiempos de crisis?…
Me parece muy buena iniciativa seguir el modelo de trabajo que está llevando a cabo Lazona, productora de Más Apellidos Vascos, porque está colaborando y estableciendo vínculos con multitud de salas, de creadores jóvenes, de directores interesantes… Y que combina el teatro comercial con otro más de investigación y creación. En definitiva crear vínculos, uniones, que nos den un mínimo apoyo, que nos permitan, a todos, seguir trabajando, creo que es una buena iniciativa.
AIXA VILLAGRÁN: El teatro ha de tener la función de emocionar y hacer que te olvides por un momento de la realidad
¿Cómo fueron tus inicios en el teatro?…¿Realizaste otras facetas además de la actuación?…
Tuve claro desde niña que quería dedicarme a esto. Estudié en Sevilla en un colegio muy progre en los 70 y teníamos una asignatura obligatoria que era Dramatización, actuábamos a Lorca y recitábamos en clase el Romancero Gitano. Contaba los días para que llegara esa asignatura, era feliz, me evadía de todo, siempre he sido muy imaginativa. Luego estudié en la escuela de Juan Carlos Corazza y empecé a hacer obras de teatro aquí en Madrid y luego en México donde viví durante un año. Siempre me concentré, me preparé y me formé para ser actriz y nunca desarrollé otra faceta hasta hace un año que escribí mi primer texto en Microteatro con el cual hemos vuelto y nos han programado también en Segovia, Sevilla y Almería…Me gustaría profundizar más en el mundo de la dramaturgia…hay tantas historias qué contar.
¿Qué es el teatro para ti?…¿Por qué haces teatro?…
Para mi el teatro es mi vida, aunque suene intenso es así ya que no lo vivo como una profesión sino como una vocación, cuando no actuó me deprimo y cuando actuó soy feliz y me como el mundo. Estar en el escenario expresando y transmitiendo, hacer reír y hacer llorar, que la gente sienta cosas viéndote es uno de los mayores placeres que pueden existir y ser capaz de crear un personaje y darle vida cuando ha nacido del alma de un autor ajeno a tí es realmente grato.
¿Qué balance harías sobre tu trayectoria?…
Es una profesión difícil y es una carrera de fondo, no es un camino de rosas el que hay que recorrer hasta llegar a poder vivir de esto. He pasado por todos los estados, he tenido trabajo y he estado también en el paro, rachas buenas de no parar y rachas de pensar que debía tirar la toalla, he trabajado con Gerard Jugnot haciendo cine francés por todo lo alto y he puesto cañas cuatrocientas pero siempre he resistido porque siempre he deseado dedicarme a esto y no me arrepiento. Ahora tengo la oportunidad poder estar en las tablas y sólo puedo decir que me siento pletórica.
¿Qué función crees que ha de tener el teatro para la sociedad de hoy?…
La función de emocionar y de olvidarte por un momento de la realidad, la función de transmitir y hacerte participe de una historia, como cuando lees un libro o ves una película o escuchas una canción, si te atrapa no existe la realidad. Depende del tipo de teatro que se haga, algunas obras te hacen reír hasta la extenuación y se te olvidan los problemas, otras tienen carga social y te hacen cuestionarte y plantearte cosas, otras te abren en canal y afloran todas tus emociones. No se está apoyando hoy en día la cultura y es
tristísimo porque a través de ella la humanidad se ve mucho más hermosa, la música, el teatro, el cine, el arte en general te hace ser alguien que te gusta ser, no sé si me explico. En definitiva creo que debería tener la función de abrir los cerebros, los corazones y los ojos de los seres humanos.
¿En qué proyectos has participado durante el último año?…Háblanos de
ellos…
He estado trabajando en En el TDA con luciérnagas, una obra de Carolina Román y en Microteatro.
¿Cómo surgió tu participación en LUCIÉRNAGAS…?…Háblanos de este
trabajo…
Me llamó su autora y directora y no puedo estar más agradecida, trabajar con Carolina ha sido revelador, he encontrado muchas cosas dentro de mí en el proceso de este proyecto. Es una persona con un universo muy especial. Soy muy fan de como trabajan los argentinos, siempre con tanta verdad, pueden estar diciendo un texto complicadísimo pero jamás con solemnidad, te crees
lo que hacen y Carolina me ha llevado por esos derroteros hasta el fondo y puedo decir que me he encontrado bastante en este montaje con la actriz que me gustaría llegar a ser algún día. Estudié también con argentinos ya que Juan Carlos lo es así que entiendo el trabajo como el texto cargado de verdad.
¿Cómo surgió el proyecto que presentas en Microteatro…?…Háblanos de
este trabajo…
Escribí en una tarde una historia que me salió del alma, empecé a darle a las teclas del ordenador y durante cuatro horas no pude parar y sin querer me salió una pieza muy personal con un humor muy negro, se lo envié a Alfonsa Rosso para que interpretará a la protagonista pensando que me mandaría a hacer puñetas y me dijo que había escrito un «dimantito» así que lo envié a Microteatro y la seleccionaron, desde entonces la hemos hecho ya tres veces y ahora una cuarta y una quinta.
¿Cómo creas tus personajes?…¿Tienes un método?…
Sí, me encierro en casa a cal y canto y repito mil veces el texto hasta que lo tengo tan integrado que soy capaz de jugarlo sin pensar en él cuando voy al ensayo. En realidad uno siempre llega verde a un estreno por mucho que se haya ensayado y creo que el personaje realmente lo encuentras totalmente una vez pasan las funciones. En el trabajo previo al estreno, durante el proceso de ensayo hago análisis de texto, intento entender qué quiere decir el personaje y qué cosas le mueven, cuales son sus acciones en la escena y desde ahí trabajo con experiencias personales, imágenes, sensaciones y hechos reales, pregunto mucho al director y necesito su apoyo y ayuda.
¿Cómo crees que están afectando los recortes y el aumento del I.V.A. a los proyectos de teatro?…
Pues están haciendo un daño que va a costar mucho reparar, hoy en día la cultura es un privilegio de pocos, la industria del cine está sufriendo más que nunca lo cual hace que los proyectos escaseen por lo tanto no hay trabajo, las producciones de teatro son pocas y últimamente se trabaja mucho a taquilla y no a caché, es decir, ganas en función de lo que se llene la sala porque no todo el mundo puede permitirse el lujo de afrontar una producción. Esto hace
además que los actores tengamos que reinventarnos constantemente y luchar por estar en un escenario sin ninguna producción que nos ampare, cobrando mal y sin recursos con lo cual los de arriba tienen la absurda idea de «ellos se apañan solos para que vamos a dar ayudas», en fin, este país está muy atrasado.
¿Qué montaje que hayas visto últimamente, te ha interesado?¿Por qué?…
En este caso voy a hablar por muy raro que parezca de un montaje que aún no he visto y me muero de ganas de ver, aún no lo he visto porque no se ha estrenado, «Adentro», se estrena en abril en el CDN y creo que va a ser una barbaridad en el buen sentido de la palabra porque el equipo es bárbaro e intuyo que van a dar mucho de que hablar.
¿Proyectos?…Una cosa que prefiero no decir no se vaya a gafar y seguimos con segunda temporada de «Luciérnagas» todos los sábados y domingos a las 19:30 en el TDA, de momento febrero. En abril hacemos de nuevo mi obra «Mejunjes» en el Microteatro de Sevilla.
¿Alguna sugerencia para seguir creando en tiempos de crisis?…
No perder la esperanza y seguir apostando y creando.
Gloria Muñoz: El teatro, para mí es…Crear preguntas en la cabeza de los espectadores y provocarles para que busquen respuestas.
¿Cómo fueron tus inicios en el teatro?…¿Realizaste otras facetas además de la actuación?…
Mis inicios se remontan a mis seis años haciendo de Mariposa en la obra «Lentejita» de la Galería Salesiana.
Después, mis inicios profesionales se dan en 1965, primero en el Festival de Hita y enseguida en la Compañía de Amelia de la Torre y Enrique Diosdado.
Luego, en un giro fundamental para mí en 1970, me incorporo a Tábano y al Teatro Independiente.
Allí todos realizábamos otras facetas…yo estuve llevando la pasta (me refiero a la economía de la compañía) unas veces, preparando las giras otras, ayudando a montar los focos, ayudando en la realización de vestuario…y en dos montajes formé parte del equipo de dirección.
¿Qué es el teatro para ti?…¿Por qué haces teatro?…
Para mí el teatro es básicamente mi profesión, una profesión con la que me gano la vida trabajando mucho (cuando hay trabajo), pero pasándolo muy bien.
Dentro de eso, es una forma de hablar de la realidad, de crear preguntas en la cabeza de los espectadores y de provocarles para que busquen respuestas.
Hago teatro porque es lo que he querido hacer desde mi adolescencia y he ido aprendiendo a hacerlo y a disfrutarlo.
¿Qué balance harías sobre tu larga trayectoria?…
Cuando trato de hacer un balance, siempre tengo una extraña sensación de que estoy empezando…de que aún no he dado el paso importante para estar plenamente dentro del teatro.
Pero, aparte de esa impresión, creo que he tenido la suerte de hacer personajes muy hermosos, muy complejos, en funciones casi siempre estupendas, la suerte de trabajar con directores extraordinarios que me han enseñado muchísimo y con textos de autores de los que saben crear personajes de verdad.
¿En qué ha cambiado el teatro de tus inicios a hoy?…
En el terreno formal, el desarrollo de las tecnologías ha ido añadiendo posibilidades que, cuando están bien empleadas, sea con grandes presupuestos o con pocos medios, ayudan al desarrollo de las funciones, aunque a veces no son más que fanfarria que entorpece el buen desarrollo del texto.
Un cambio muy importante es la desaparición de la censura explícita. Quiero decir que ahora los que hacemos una función de teatro, desde el autor al actor…nos autocensuramos, demasiado diría yo, y después los productores y los programadores ejercen otra censura a la hora de llevar una obra a la cartelera. Pero, cuando yo empecé las funciones tenían que ser revisadas varias veces por la censura propiamente dicha: eso provocaba ejercicios maravillosos de ingenio para sortearla, juegos de palabras, dobles sentidos, guiños continuos al espectador que se convertía en cómplice.
Hay otro cambio en el terreno profesional. Mis inicios fueron en una época en que luchamos mucho por conseguir derechos laborales. Luego hubo un tiempo en que éstos se respetaron. Pero ahora, como ocurre en todas las profesiones en este país, ha habido un retroceso que aprovecha el miedo a no tener o a perder el trabajo, de manera que se trabajan más horas, los salarios han bajado, muchas veces no se respeta el día de descanso, o se olvida que somos trabajadores por cuenta ajena…en fin que hay que volver a empezar.
¿Qué función crees que ha de tener el teatro para la sociedad de hoy?…
Sobre todo la de ser un reflejo vivo de la propia sociedad. Que la gente se reconozca y llegue a conclusiones.
Es muy importante que esté muy vivo, porque ese es el interés actual del teatro frente al cine, la tele o, como dicen los contratos actuales, cualquier otro dispositivo inventado o por inventar. En el teatro el espectador respira y siente al mismo tiempo que el actor y así reconoce los sentimientos y las emociones de una forma más directa, se siente implicado en lo que está viendo y reflexiona.
¿En qué proyectos has participado durante el último año?…Háblanos de ellos…
Este último año, tomado a fecha de hoy, he estado de gira con «Emilia» , una función escrita y dirigida por Claudio Tolcachir, que nos ha dado muchas satisfacciones. Era un trabajo muy emocional y muy sincero donde lo pasábamos muy bien sufriendo mucho.
He participado en una serie de TV, «Bajo sospecha» que ha sido un gran éxito de audiencia.
Y desde febrero estoy inmersa en esta función «El señor Ye ama los dragones» que nos está proporcionando muchas alegrías a todo el equipo.
¿Cómo surgió tu participación en El señor Yi…?…Háblanos de este trabajo…
A mediado de Enero me llamaron del Español para proponerme esta función. Nada más leerla, dije que sí. El texto de Paco Bezerra me pareció excelente, original, que habla de la actualidad, de lo que está pasando, incisivo y muy divertido y el personaje estupendo, con muchas capas y un lado muy oscuro que me apeteció muchísimo. Y además tenía ganas de trabajar con Luis Luque, así que, de cabeza…
Ha sido un trabajo muy interesante, partiendo de crear equipo… porque ninguno habíamos trabajado juntos antes y el resultado en cambio, es muy empastado como sí lleváramos toda la vida haciendo funciones. Tuvimos que ponernos de acuerdo en desde dónde íbamos a trabajar, con qué estilo, aprender a mirarnos y entendernos y desde allí poner de pie una función extraña, parte sainete, parte thriller, parte futurista.
¿Cómo creas tus personajes?…¿Tienes un método?…
Mi método es absolutamente ecléctico. Empecé aprendiendo Declamación, Expresión Corporal (se llamaban así). Luego hice todos los cursos y cursillos que me pasaron por delante, y sobre todo, he absorbido todo lo que me gustaba de las actrices grandísimas que veía y veo.
Luego, cada personaje se crea un poco en función del tipo de obra y del director: no es lo mismo hacer Las Troyanas con Mario Gas que Emilia con Tolcachir ni El señor Ye…con Luis Luque.
Por lo general, y tratando de sintetizar un poco, estudio y analizo muy a fondo el texto, invento una composición más o menos ligera según sea la obra, lo cotejo con el director… y luego me dejo llevar por la intuición y la relación con los otros actores en las situaciones de la obra.
¿Cómo crees que están afectando los recortes y el aumento del I.V.A. a los proyectos de teatro?…
Están afectando de una manera crucial, naturalmente. Las obras con más de cinco personajes o con complicaciones de montaje sólo las pueden abordar los teatros públicos que luego no las hacen girar o algún empresario arriesgado que no recupera la inversión.
Las giras se acortan porque nadie se atreve a ir a taquilla con ese IVA y los teatros que pagaban cachet fijo, no tiene ahora dinero para hacerlo. Los salarios bajan.
Las salas alternativas programan de manera desaforada, varias funciones al día y funciones distintas cada uno de esos días, de muy diferente calidad.
La profesión se precariza….Para eso se han hecho los recortes y ese IVA, ¿no?.
¿Qué montaje que hayas visto últimamente, te ha interesado?¿Por qué?…
Últimamente, al estar en el teatro trabajando, voy poco al teatro. Lo último que he visto ha sido «Crímenes de andar por casa» que es uno de esos montajes que se hace un sólo día y a las 11 y media de la noche, lo que es una pena.
Es un montaje muy divertido, pero con un fondo muy ácido, en la línea de nuestros Mihura o Jardiel Poncela y con unos actores estupendos.
¿Proyectos?…
Varios, pero aún no está cerrado ninguno… y de todos es sabido que da mala suerte hablar de ellos.
De momento, viajar y estar con mis nietos que, por cierto, es lo que más vida da para poderla luego poner en escena.
¿Alguna sugerencia para seguir creando en tiempos de crisis?…
Justamente eso, seguir creando…reunirse con compañeros y hacer cosas y muchos proyectos, pero sin perder de vista que ésta es también nuestra forma de vida, nuestra profesión y hay que pelear para que se mantenga digna.
José Dault. Actor y productor de Kulunka Teatro.
¿Cómo fueron vuestros inicios como Kulunka?…
Kulunka Teatro se creó en 2010 por Garbiñe Insausti y José Dault, dos jóvenes actores formados en la Resad.
Creamos la compañía para producir nuestro primer espectáculo «André y Dorine», que se estrenó en Octubre del 2010, y con el que llevamos 4 años de gira por más de 20 países.
Para ello contamos con un equipo de colaboradores de lujo, el actor Edu Cárcamo, las escenógrafas y vestuaristas Laura Eliseva Gomez e Ikerne Jimenez, la ayudantía en dirección de Rolando San Martín,
el director Iñaki Rikarte y la música de Yayo Cáceres.
¿Realizasteis otras facetas además de la actuación?…
Pese a nuestra formación, puramente actoral, tuvimos que aprender labores de producción y distribución del espectáculo: herramientas que, rara vez, forman parte del aprendizaje de un actor,y que son indispensables en la aventura de la autogestión. Las muchas horas de ensayo en la sala se vieron y se siguen viendo acompañadas
de muchas horas de trabajo frente al ordenador en casa.
¿Qué es el teatro para vosotros?…
Un lugar en el que la necesidad de contar historias se junta con la necesidad de escucharlas.
¿Por qué hacéis teatro?…
Precisamente por esa necesidad de contar historias que diviertan, emocionen y hagan sentir a quien las escucha.
¿Qué balance haríais sobre vuestra trayectoria?…
El balance ha sido sin duda positivo. Hace casi cinco años, cuando estábamos descubriendo la historia de «André y Dorine» en nuestro pequeño local, jamás pensamos que llegaríamos a recorrer más de 20 países, o a hacer temporadas en China o en Estados Unidos. El éxito de «André y Dorine» nos ha permitido además fantasear con una idea que poco a poco se esta convirtiendo en realidad: la creación de un equipo estable de trabajo.
¿Cuál ha sido el recorrido de la Compañía?…
El recorrido de la compañía y el de «André y Dorine» van de la mano.
Kulunka Teatro se creó para dar vida a «André y Dorine». En estos cuatro años de gira hemos realizado casi 300 funciones, 2 temporadas en Madrid (agotando localidades), visitado 23 países, tan diversos como Estados Unidos, Rusia, China, Nepal, Francia, Argentina, Ecuador, Chile, Inglaterra…algunos de ellos como China, Turquía, Colombia o Estados Unidos en varias ocasiones.
¿Qué balance y evolución habéis hecho?…
Este ha sido nuestro primer espectáculo de máscaras y nos ha abierto las puertas a un lenguaje nuevo sin fronteras cuya capacidad de comunicación no entiende de limites culturales ni idiomaticos.
Un lenguaje con el que tratamos historias esenciales y por lo tanto universales. «André y Dorine» nos ha hecho sentir que nuestro trabajo es útil al espectador, le divierte, le emociona, y le hace sentir.
Como compañía queremos seguir en esa linea, tanto en los trabajos que realizamos con máscara como en los de texto.
¿Qué función creéis que ha de tener el teatro para la sociedad de hoy?…
El teatro es un narrador de historias, tan diversas tan distintas unas de otras que es difícil adjudicarle un único papel en la sociedad.
¿En qué proyectos habéis participado durante el último año?
Además de la extensa gira de André y Dorine, hemos estrenado el segundo espectáculo de mascaras de Kulunka Teatro, en co-producción con EszenaT (Teatro Victoria Eugenia y el Theatre National de Bayonne), en la Feria de Donosti en el Teatro Victoria Eugenia.
«Solitudes», es un espectáculo cuyo argumento reposa sobre eterna duda de si «Nunca es tarde» o si «tarde es nunca». Habla de las oportunidades perdidas, de la soledad y de la importancia de las cosas pequeñas. También nos hemos lanzado a producir un espectáculo de texto, «Taxidermia de un Gorrión», de Oscar Galán. Una interesante reflexión sobre la necesidad de los mitos en nuestra sociedad, a partir de la figura de Edith Piaf. Un espectáculo dirigido por Fernando Soto e interpretado por Alberto Huici, Lola Casamayor y Garbiñe Insausti
¿Cómo surgió la obra que presentáis en el Teatro Fernán Gómez?…Habladnos del proceso de creación y su evolución durante las funciones…
«Acabas de cumplir 82 años. Has encogido seis centímetros, no pesas más de 45 kilos y sigues siendo bella, elegante y deseable. Hace 58 años que vivimos juntos y te amo más que nunca». Así comienza «Carta a D», una maravillosa carta en forma de libro que el filósofo y periodista André Gorz escribe a su mujer, Dorine, pocos meses antes de que los dos apareciesen muertos en su casita de Vosnon, en Francia. No hubo dudas de que se trató de un suicidio compartido. La belleza de las palabras que aparecen en el libro sembró en nosotros la necesidad de contar una historia de amor en la vejez, no la biografía de los «André y Dorine» originales, sino nuestra propia historia. Mantuvimos los nombres de los personajes como homenaje.
El proceso fue relativamente corto, precedido de un tiempo de sensibilización (más que de investigación) con el tema, tras el cual reunimos al equipo en el local de ensayos en busca de la historia. Exploramos las capacidades y limitaciones comunicativas del lenguaje de la máscara. Fue nuestro primer montaje de máscaras y toda una aventura, pero en poco más de dos meses de intensivas jornadas de ensayos estrenamos la obra. Han pasado 4 años de gira y 300 funciones, y seguimos trabajando siempre que podemos en mejorar la obra, en ser más eficaces en la dramaturgia y más limpios y exactos en la partitura de acciones físicas y emocionales que componen «André y Dorine». Es una búsqueda que no tiene limite.
¿Cómo creáis los personajes?…¿Tenéis un método?…
Las máscaras son realizadas por Garbiñe Insausti y son determinantes para abordar el carácter del personaje, este proceso suele ser muy intuitivo. En ocasiones, es Garbiñe la que se adapta a la situación y crea un personaje acorde al contexto, y otras veces el carácter del personaje surge de la propia máscara. Nuestro proceso ha sido en todo momento muy intuitivo, sin otro método que el de «prueba y error».
¿Cómo creéis que están afectando los recortes y el aumento del I.V.A. a los proyectos de teatro?…¿Y a las giras?…
Es obvio que el 21% a la cultura ha afectado gravemente a todos, tanto a espectadores como a empresas. Y lo peor de todo es que aparentemente no ha cosechado los resultados recaudatorios que pretendía. Es una medida que asfixia a la industria cultural y que sólo se justifica desde cierto afán revanchista hacía la plataforma de la cultura contra la guerra de Irak, y el apoyo que algunos miembros de la industria hicieron a la campaña de Zapatero. Es triste que a menudo sólo nos equiparemos a Europa en lo malo y rara vez en lo bueno. Ninguna de las grandes potencias europeas tiene un impuesto sobre la cultura tan elevado.
¿Qué montaje que hayáis visto últimamente, os ha interesado?¿Por qué?…
Me gustaría destacar, «Un Trozo Invisible de Este Mundo» de Juan Diego Botto, dirigido por Sergio Peris-Mencheta. Por tratarse de una forma de teatro útil, que emociona y divierte. Un teatro que te hace sentir, que te remueve por dentro. Quedé especialmente impactado por la magistral interpretación de Juan Diego.
¿Proyectos?…
Este año «André y Dorine» prosigue con su gira dentro y fuera de España. Volvemos a Mexico, Alemania, China, y haremos una temporada de tres semanas en Los Angeles, Estados Unidos. Y pronto empezarán a caminar también nuestros dos nuevos proyectos, «Solitudes» y «Taxidermia de un Gorrión».
Ruth Núñez: Siempre lo que despierta en mi el interés es el texto, la historia y el personaje en cuestión.
¿Cómo fueron tus inicios en el teatro?…
Empecé en el instituto con un professor maravilloso que despertó en mi la curiosidad por esta profesión y más adelante, en la escuela de El Montacargas, primero haciendo muestras de estudiantes y después algún espectáculo.
¿Qué balance harías sobre tu trayectoria en teatro?…
He tenido suerte por los proyectos en los que he podido participar, siempre con textos que me han interesado y con compañeros estupendos.
¿Cómo surgen las ideas y los proyectos en los que te embarcas?¿Qué te anima a participar en ellos?…
Siempre lo que despierta en mi el interés es el texto, la historia y el personaje en cuestión.
Si hablamos de proyectos de Ditu, el motor es la illusion, las ganas de actuar y de hacer teatro con Alejandro Tous y poder desarrollar un proyecto como nos gusta. A partir de ahí, buscamos un texto que sea especial para nosotros por algo, una historia que queramos contar.
¿Cómo surgió tu participación en La Pausa del mediodía?…Háblanos de tu personaje…
Bueno, mi participación surje de que nosotros buscamos el texto, nos gustó y en seguida tuvimos claro quién queríamos que encarnara cada personaje.
En mi caso son tres: la ex-mujer de Juan (el protagonista de las historia), su ex-amante y una prostituta.
¿Cómo creas los personajes?¿Tienes un método?…
Sí, todos tenemos una manera de conducirnos cada vez que afrontamos un trabajo, como el que hace paredes que sabe cuál es cada paso para que le quede recta…
En este caso, además, he contado con la ayuda de mis compañeros y del director que ha sabido guiarnos a los tres en procesos muy distintos.
En mi caso, José Troncoso me ha ayudado increíblemente a diferenciar los personajes.
¿En qué proyectos has participado durante el último año?…
De momento sigo con La Pausa del Mediodía que requiere mucho tiempo y energía por mi parte dado que también la produzco, junto con Alejandro Tous.
El año pasado tuve la suerte de participar en la segunda temporada de Frágiles.
¿Qué proyectos tienes entre manos? De momento, La Pausa.
¿Cómo crees que están afectando los recortes y el aumento del I.V.A. a los proyectos de teatro?…
Muy negativamente. La subida del I.V.A. ha sido desproporcionada y más en tiempos de crisis, cuando no puedes subir el precio de las entradas porque la gente no puede permitírselo, lo que ha supuesto que los empresario teatrales y productores tengan que asumir enteramente este I.V.A. Las posibilidades de beneficio son menores y esto hace más difícil poder emprender nuevos proyectos, tener que decantarse por unos u otros debido a su viabilidad y que se reduzcan muy notablemente los salarios de todos los involucrados.
¿Qué montaje que hayas visto últimamente, te ha interesado?¿Por qué?
La maleta de los nervios de Las Chirigóticas. Me sorprendió el punto de partida del espectáculo, me encantó el trabajo de las actrices y disfruté mucho.
Encrucujada o nihil novum sub sole de Borja Roces. Me sorprendió mucho el texto, lo que cuenta y cómo lo cuenta, me conmovió en muchas direcciones.
¿Alguna sugerencia para seguir creando y haciendo teatro en tiempos de crisis?…
Ojalá la tuviera, la compartiría encantada.
DAVID LUQUE: El teatro supone para mi una forma de observar la realidad que te rodea, de intentar comprerderla para compartir tu punto de vista con los demás.
¿Cómo fueron tus inicios en el teatro?…
Empecé a hacer teatro ya en el instituto con Lisístrata de Aristófanes, con el que participamos en un festival de teatro en las ruinas romanas de Segóbriga. Me volví a encontrar con el teatro en el último año de la universidad en Heidelberg (Alemania) a donde acudí con una beca Erasmus. Era mi último año de Filología Inglesa y participé en el montaje en inglés de Blithe Spirit (Un espíritu burlón) de Noël Coward. Al volver a Madrid comencé a trabajar con una compañía inglesa, The English Theatre Workshop, que por aquel entonces tenía su base en Madrid. Sin darme apenas cuenta y actuando siempre en inglés, comenzó realmente con ellos mi carrera profesional como actor. Después de 5 años con ellos, estudié con Mar Navarro y entré en el elenco del Teatro de la Abadía durante 8 años.
¿Realizaste otras facetas además de la actuación?…
En aquella primera etapa, hasta que entré en la Abadía, trabajé como profesor de inglés.
¿Qué es el teatro para ti?…
El teatro supone para mi una forma de observar la realidad que te rodea, de intentar comprerderla para compartir tu punto de vista con los demás. En ese compartir se realiza un ejercicio de mucha generosidad que implica esfuerzo pero, sobre todo, mucho disfrute.
¿Por qué haces teatro?…
Sinceramente, porque me lo paso muy bien.
¿Qué balance harías sobre tu trayectoria?…
Me considero muy afortunado con la trayectoria que he tenido hasta ahora. Desde los inicios tuve la suerte de trabajar con gente muy interasante en proyectos de mucha calidad con los que he viajado por medio mundo y que me han formando como actor y como persona. Cada nuevo proyecto me hace ilusionarme como el primer día.
¿Cómo surgió LOS LUNES?…
LOS LUNES surge de la amistad con personas con las que trabajé durante años en la Abadía, y en especial con Fefa Noia, junto a quien finalmente fundé LOS LUNES. En las giras con la Abadía, hablábamos de nuestros gustos artísticos y teatrales. En esto, un día acabamos hablando del De Profundis de Oscar Wilde, y sin más, estuvimos de acuerdo en que queríamos llevarlo al teatro y de paso montar un compañía.
¿Cuál ha sido el recorrido de la Compañía?…
Wild Wild Wilde fue nuestro primer proyecto. La respuesta fue muy positiva desde el comienzo. Tuvimos además desde el arranque, el apoyo de la Comunidad de Madrid y del Ministerio. Con nuestro segundo montaje, Cuerdas, fuimos nominados a los Max como mejor Espectáculo Revelación 2014. Y ahora con Ayuda, la Cuarta Pared nos ha brindado un oportunidad fantástica de poder mostrar todo nuestro trabajo hasta la fecha. Han sido cuatro años muy intensos pero estamos contentísimos con el desarrollo y la proyección que está teniendo la compañía. No puedo dejar de mencionar que Fefa y yo contamos con un equipo tanto artístico como técnico de lujo, que afortunadamente hemos podido mantener en todos los proyectos.
¿Qué función crees que ha de tener el teatro para la sociedad de hoy?…
La que ha tenido siempre, la de poder proyectar sus sueños y sus inquietudes; la de espejo de reflexión para intentar comprender mejor la paradoja y las contradicciones del ser humano. También la de entretener, y la de evadir de una realidad tantas veces tan aplastante.
¿En qué proyectos has participado durante el último año?…
He participado en Las Dos Bandoleras de Lope de Vega y, en televisión, en El Ministerio del Tiempo.
Háblanos de ello…
Las dos bandoleras dirigido por Carmen Posrtacelli para la CNTC me ha dado la oportunidad de conocer a una directora interesantísima además de a una persona con una calidad humana extraordinaria. Carmen Portacelli escogió un texto increíblemente moderno de Lope (y sin embargo no muy conocido) para hablarnos de mujeres fuertes que luchan por tomar las riendas de su destino. Me encantaría volver a repetir con Carmen Portacelli.
Para la televisión he interpretado a Heinrich Himmler, el jefe de las SS, para, en mi opinión, una de las producciones audiovisuales más interesantes de los últimos años. Todo mi papel lo he interpretado en Alemán (no cayó en saco roto mi año de Erasmus en Heidelberg) y ha tenido un impacto en las redes sociales que nunca hubiera podido imaginar.
¿Cómo surgió el tríptico que presentáis en Cuarta Pared?…
Surgió a partir de una reunión con Javier Yagüe, director de la Cuarta Pared, en la que nos hablaba las pocas compañías que tienen un recorrido sostenido en el tiempo. De ahí su interés en mostrar al público la línea de trabajo de LOS LUNES.
Háblanos de estos trabajos. Wild Wild Wilde, como ya he mencionado antes, es la teatralición de la magnífica carta que Oscar Wilde escribió a asu amante desde la cárcel. Lejos de ser un carta llena de reproches, se trata de un alegato al amor y de una lúcida reflexión sobre la naturaleza del arte y del ser humano. Cuerdas es la historia de tres hermanos que van a ver a su padre, funambulista de fama mundial, tras muchos años sin tener contacto. Durante el viaje los hermanos sacan a relucir sus carencias afectivas y sus anhelos. Una estupenda comedia en torno a la familia fantásticamente construida por la mexicana Bárbara Colio y finísimamente dirigida por Fefa. Ayuda de la holandesa Maria Goos hace que un banquero de inversiones recién despedido conozca en su casa a su empleado del hogar, un inmigrante del este. A través de esta inesperada relación se reflexiona sobre los resortes de la crisis y sobre lo intercambiable que puede ser el rol que jugamos en ella.
¿Cómo creas tus personajes?…
La base para mi siempre es el texto. De ahí surge todo.
¿Tienes un método?…
Mucha observación del mundo, y como te decía, el propio texto de la pieza como fuente inagotable de inspiración. Y también, mucha escucha.
¿Cómo crees que están afectando los recortes y el aumento del I.V.A. a los proyectos de teatro?…
Están afectado de una forma terrible. Lo ponen muy difícil. Pero en España hay muchísimo talento, así que las cosas solo pueden ir a mejor, como dice mi admirada Fefa Noia.
¿Qué montaje que hayas visto últimamente, te ha interesado?…
Me gustó muchísimo Hacia la Alegría dirigido por Olivier Py con un enorme Pedro Casablanc.
¿Por qué?…
Hablaba del hombre urbano de hoy y sus miserias, pero desde una poesía muy esperanzadora. Tenía además una propuesta escénica muy interesante sostenida en la brillante actuación de Pedro Casablanc. Una gozada.
¿Proyectos?…
País un texto de Fefa Noia para LOS LUNES, La Entrevista de Luisa Etxenike y Gustavo Schwartz dirigido por Pablo Viar y otras ofertas todavía por confirmar. Estoy feliz.
Estefanía de los Santos: Una virtud que tiene el Teatro es la multifunción
¿Cómo fueron tus inicios en el teatro?…
La primera primerísima actuación en el salón de mi casa para familiares y amigos, eso ya era hacer teatro!! y profesionalmente en la Sala Mirador con “Los viernes del Hotel Luna Caribe” obra dirigida por Fermín Cabal y escrita por Alberto de Casso. Fui feliz!!
¿Realizaste otras facetas además de la actuación?…
Por supuesto…la profesión que acompaña siempre a la actuación; camarera! Bueno y mil cosas más pero esa la que más.
¿Qué es el teatro para ti?…
Algo inevitablemente necesario, me identifico como persona teatral. En muchos sentidos…menos mal que siempre tendré salones donde poder saciarme!!.
¿Por qué haces teatro?…
Para ser feliz, haciéndolo me aseguro un ratito de felicidad.
¿Qué balance harías sobre tu trayectoria?…
De montaña rusa.
¿Qué función crees que ha de tener el teatro para la sociedad de hoy?
Las que ha tenido y tendrá siempre; mostrar realidades, ensoñar, entretener, divertir…Es una virtud que tiene el Teatro; la multifunción.
¿En qué proyectos has participado durante el último año?Háblanos de ello…
En teatro: ”Las Plantas(la carne, la lefa y las razones por las que me voy a levantar mañana)” , “Las palabras(una historia de amor) ambas de Pablo Messiez, dos maravillas para mi corazón por muchas razones…y “Normal” de Chiqui Carabante para Microteatro un loco divertimento. En cine: ”Hablar” de Joaquín Oristrel un proyecto muy interesante ya que es una película de un sólo plano secuencia y “Chica busca chica” de Sonia Sebastián una divertidísima película de enredo. Se estrenan este año. Y he participado en tres cortos también: ”Quiero conocer a Brad Pitt” de Esteban Garrido y “Más sabe el diablo” de Benja de la Rosa, dos cortos que son dos chaladuras muy locas!. Y ”Hermano” escrito y dirigido por Javier Roldán, una hermosura…
¿Cómo surgió tu participación en el montaje Las plantas?…Háblanos de este trabajo
Fue un regalo de Pablo Messiez por Reyes. Siempre lo digo; ¡Yo no creo en los Reyes pero sí en Pablo!!. Es uno de los mejores regalos de mi vida.
De los trabajos más satisfactorios, me está dando muchas alegrías, muchas reflexiones…
¿Cómo ha sido el trabajo con Pablo Messiez?…
Fácil, fluido, lleno de amor, trabajar con Pablo es una bendición, una suerte caída del cielo. Te hace sentir bien todo el rato. Es pura generosidad.
¿Cómo creas tus personajes?…¿Tienes un método?…
Pues yo a mis personajes los pienso mucho; sobre todo, y después los siento y los quiero y como por arte de magia sus expresiones van apareciendo, se van encarnando en mi cuerpo… Y, cosa rara!! el hecho de como van peinados me los termina de colocar!… Ya ves…
¿Cómo crees que están afectando los recortes y el aumento del I.V.A. a los proyectos de teatro?…
Cuál salmones…luchando contra corriente! Los recortes y el 21% i.v.a son actos satánicos. Pero aquí estamos bieeen ricos de espíritu!.
¿Qué montaje que hayas visto últimamente, te ha interesado?¿Por qué?…
Comento un par, aunque me han interesado más; “La piedra oscura” es una joya! quien la haya visto sabe los tantos porqués y quien no la haya visto que corra, vuele para conseguir entradas para la próxima temporada.
Y “A vueltas con la vida” la gran Beatriz Carvajal está espectacular. Adoro a esta mujer.
Recomiendo “Killing Paquito”, ”A-creedores”, ”Como si pasara un tren”…aaah! ¡tanto buen teatro!…
¿Proyectos?…
Estoy en pleno rodaje de “La Tama”(título provisional) de Martín Costa. Esta película va a sorprender. En breve empiezo ensayos para un Microteatro dirigido por Sonia Sebastián que me apetece muchísimo entre otras cosas,trabajo por primera vez con mi hermano Guillermo de los Santos y es un sueño cumplido!. Y seguiremos regando “Las plantas(la carne,la lefa y las razones por las que me voy a levantar mañana)” ¡qué me llena de felicidad!…Bueno y algunas cosas que están por cerrar y ya se sabe…
Y el proyecto de los proyectazos seguir viviendo con alegría y estusiasmo!.
Marcial Álvarez: Estoy orgulloso de haber aprendido un oficio
¿Cómo fueron tus inicios en el teatro?…
Todo comenzó cuando en el instituto de bachillerato un profesor
me convenció para que participara en las obras que se estaban ensayando , y ¡madre mía!!!! aquel mundo de disfraces, maquillajes, decorados, ensayos, literatura, toda esa artesanía me fascinó, me divertía y me ponía en contacto con la cultura, con el arte, con quince añitos, así que hacíamos de todo, todo el día, maravilloso, me puso en un camino que me interesó. Luego he hecho muchas cosas dentro y fuera de esto, pero lo que más, interpretar personajes.
¿Por qué haces teatro?…
Hago teatro porque no se me da mal hacerlo, e incluso diría que bien, eso dicen. Aunque algunas veces me gustaría ganarme la vida con otra cosa, eh. No es fácil, es un oficio precioso pero también angustioso y muy absorvente. Pero así es el amor, si te llama, acude y lucha por él. Y por diversas razones, me gustan las fiestas, me gustan los amigos, me gustan las ganas de vivir, me gustan los viajes, me gusta la pasión y la seducción, no me gusta la comodidad, no me gusta la ignorancia, si la inocencia, me gusta ser otro, me gusta ser yo, vivo en el arte y en la creatividad, todo esto y más conlleva la gran fiesta del teatro. Y no puedo evitarlo.
¿Qué balance harías sobre tu larga trayectoria?…
Me han pasado vital y profesionalmente cosas preciosas, y otras no tanto. De las malas no me acuerdo, pero sí que las he tenido muy en cuenta para provecho de mi oficio. Sobre todo estoy orgulloso de haber aprendido un oficio, como me inculcó mi padre, como me apoyó mi madre. Y ahora poderlo compartir y desarrollarlo.
¿Qué función crees que ha de tener el teatro para la sociedad de hoy?…
Para la de hoy y para la de siempre, hacer mejores a las personas. Embellecernos el alma. Incomodarnos. Hacernos mas fuertes. Reír más.
¿En qué proyectos has participado durante el último año?…Háblanos de ellos…
Ahora ando con la gira de «Pluto» de Aristófanes que se estrenó el año pasado en el Festival de Mérida y a finales de marzo entraremos en el Teatro de La Latina. Una puesta en escena semi musical del clásico sobre el reparto de la riqueza y la corrupción. El gran Gurruchaga al frente. He grabado en dos series de televisión. He participado en el espectáculo Femenino singular, que anda dando vueltas por España. Va de actrices madres y padres. Un corto con Belén Rueda aún por estrenar. También va de mujeres maltratadas.
¿Cómo surgió tu participación en el montaje que se ha estrenado en La Pensión de las pulgas?…Háblanos de este trabajo…
«La balsa de la Medusa», Por Antonio Escribano, autor de la función,y compañero actor en los dos últimos montajes que dirigió Miguel Narros. Me lo ofreció, lo leí y me encantó, me recordó a Becket, y sin prueba ni nada, jeje, me aceptó. Un proyecto humilde, del que estoy muy orgulloso, y en el que he hecho un viaje maravilloso con unos compañeros llenos de sensibilidad e inteligencia.Y como no, nos ha salido muy bien. Cuenta el recorrido emocional y físico de seis personajes que se quedan encerrados en una habitación y que aún con la puerta abierta no pueden salir. Trata sobre el miedo y el rechazo a lo nuevo, a lo distinto, a los cambios, a lo diferente, de la pérdida de la máscara social, de la posición social, del poder, del ego, de la avaricia, de la pereza y la inmovilidad, de la lucha de clases, de lo más primitivo del ser humano, de su vulnerabilidad, de sus pasiones, de la supervivencia, de su deriva en una balsa que hace aguas. Mi personaje es el capitán del barco, el señor de la casa, «burguesito» cirujano plástico, poderoso anfitrión que ante las dificultades y el naufragio se acobarda, cae de su pedestal y surge su animalidad y sus peores vicios. Vamos, unos encantos de personas.
Y todo armado con una dramaturgia, una dirección y unas interpretaciones exquisitas, y a escasos centímetros del público de la Pensión de las Pulgas!!!!!! Que más se puede pedir!!!!! Duro el asunto pero también te ríes, eh.
¿Cómo creas tus personajes?…¿Tienes un método?…
No, no tengo un método específico. Voy con la historia, con lo queremos contar, asumo el rol que me toca encarnar y con retales de aquí y de allí, con referencias de la vida o elaboradas, pelis, música, pintura. Voy trazando al personaje, su viaje emocional e intelectual, defendiéndole con uñas y dientes, echándole ingredientes y pintándole detalles, integrándole en mi fisicidad y mi voz, y a jugar, lo hago mío, para que sea creíble, para que sea espectáculo. O eso intento. Me aprendo bien el texto y la partitura, y me concentro en no aburrir al personal. Algo así…
¿Cómo crees que están afectando los recortes y el aumento del I.V.A. a los proyectos de teatro?…
Pues muy mal. Es cuestión de sensibilidades. El que nunca es sensible al teatro y a la cultura, el que no le da importancia como pilar fundamental para la educación y el desarrollo de una sociedad, el que piense que todo tiene que ser rentable, pues nunca lo podrá defender, sea cual sea su cometido. He oido que quieren suprimir en los colegios la asignatura de Naturales y alguna otra, y volver a hacer rezar a los niños, ¿es cierto? ¡Que fuerte!!!!.
¿Qué montaje que hayas visto últimamente, te ha interesado?¿Por qué?…
Lo último que he visto ha sido Las amistades peligrosas en el Matadero de Madrid, dirigido por Darío Facal. Me encantó. Una puesta en escena arriesgada y divertida, unas interpretaciones llenas de arte y un vestuario exquisito. No me acordé de la peli. Y me gustó mucho que se basara totalmente en el formato original epistolar, poniéndolo en boca de los personajes.
¿Proyectos?…
La reina de la belleza, de Martin McDonagh, dirigida por Gerardo Vera, y con Terele Pávez. ¡Casi na!.
Y un corto con Benito Zambrano.
Helena Lanza: Los personajes me ayudan a entender el mundo, las conductas humanas y a conocerme
¿Cómo fueron tus inicios en el teatro?…
Cuando estaba en el instituto hice un taller de teatro con Javier de Dios López y me apasionó. Fue la primera persona que me inculcó el amor por esto. Pero al acabar el instituto, hice caso al consejo familiar: «Sácate una carrera de provecho» y pensé que era mejor aparcar el Arte Dramático. Comencé Derecho y Filología Hispánica pero estaba en el grupo de teatro de la Universidad y era lo que más me llenaba. Un verano me fui de gira por pueblos de España con este grupo. Después de dos años en la universidad decidí estudiar teatro profesionalmente. Comencé en el Laboratorio William Layton y más tarde me licencié en la RESAD en el 2013. Recuerdo también con muchísimo cariño los años que he estado trabajando de acomodadora en el Corral de Comedias de Alcalá de Henares. Ver tanto teatro fue realmente enriquecedor.
¿Realizaste otras facetas además de la actuación?…
Estuve tocando el piano durante siete años. Estudié hasta Tercero de Grado Medio en el Conservatorio Profesional de Alcalá de Henares.
¿Qué es el teatro para ti?…
Es mi manera de vivir. Me paso la mayor parte del tiempo en un escenario o en una sala de ensayos. Podríamos decir que el teatro es mi vida.
¿Por qué haces teatro?…
Porque me gusta convertirme en otras personas. Me encanta regalar cosas de mí a mi personaje y que él a su vez me regale muchísimas más. Es un intercambio mágico. Los personajes me ayudan a entender el mundo, las conductas humanas y a conocerme. Poder compartir esto es una sensación única.
¿Qué balance harías sobre tu trayectoria?…
De momento siento que el balance está siendo positivo. Voy cumpliendo sueños como: estudiar Arte Dramático, trabajar y conocer a diferentes profesionales de las Artes Escénicas que un día desde mi butaca me tocaron el alma con sus obras, trabajar en un Teatro Nacional y que todos los días los asientos estén ocupados…
¿Qué función crees que ha de tener el teatro para la sociedad de hoy?…
No entiendo que el teatro deba tener una función en concreto para la sociedad de hoy. El teatro es comunicación, divertimento… Cada espectador recibe la obra como la sienta, sin someterse a ninguna norma en concreto. La música, la danza, el teatro, la pintura… ya tienen una función en sí mismos.
¿En qué proyectos has participado durante el último año?…Háblanos de ellos…
LOS CUATRO DE DÜSSELDORF, escrita y dirigida por José Padilla. Es una comedia que nació en «El sol de York». José Padilla creó el texto a partir de improvisaciones.
LA CASA DE BERNARDA ALBA dirigida por Alberto Alonso con la compañía «Desde el suelo Producciones» .Esta obra nos ha permitido investigar sobre el universo lorquiano en diferentes laboratorios como «La Incubadora del Corral de Comedias de Alcalá de Henares», en festivales como el «Gigantefest» (en el mágico espacio de «La sociedad cervantina») o en el Certamen de Jóvenes Creadores de Madrid donde ganamos el II premio.
LOS DESVARÍOS DEL VERANEO dirigida por José Gómez con la compañía Venezia Teatro. Esta compañía tiene ahora mismo tres espectáculos en cartel. Es una comedia de Goldoni que estrenamos en el Festival Fringe del Matadero y desde entonces hemos rodado por diferentes teatros de Madrid.
EL VALOR DE LAS MUJERES dirigida por Carlota Gaviño e Íñigo Rodríguez-Claro con la compañía Trampolín Teatro. Es una comedia apasionante de Lope de Vega en la que estamos seis mujeres en escena y tres hombres. Algo poco común en el teatro clásico.
EL SALTO DE LÉUCADE de Alicia Casado y dirigida por Pedro Entrena. Hemos actuado fuera de Madrid y estamos deseando traerla.
FUEGO FATUO escrita y dirigida por Pedro Entrena.Es una tragedia que quedó finalista en el Certamen de Jóvenes Creadores de Madrid,
POESÍA EN EL CORRAL:TRES POETAS JÓVENES,TRES APUESTAS DE FUTURO. Fue una performance que dirigí junto a Alberto Alonso y con la participación de tres grandes poetas: Bárbara Butragueño,Sara R. Gallardo y Federico Ocaña. Todo un descubrimiento.
¿Cómo surgió tu participación en el montaje de La Ola?…Háblanos de este trabajo…
Hace varios meses el Centro Dramático Nacional (CDN) convocó pruebas para el montaje «La ola» .Pasando pruebas y pruebas…¡Conseguí trabajar en esta producción!. «La ola» está basada en hechos reales. Fue un experimento que el profesor Ron Jones realizó con sus alumnos de California en el 1967. Les sumerge en un trabajo de campo para explicarles como caer en un régimen fascista. Los alumnos se meten de lleno y acaban entrando en la dictadura que se forma en la clase, llegando tan lejos que el experimento se terminó antes del tiempo estipulado. De esta manera los alumnos sintieron en sus propias carnes como un pueblo puede caer en una dictadura(en este caso en concreto, el Fascismo Nazi) pero se sintieron utilizados por el profesor.
¿Visteis la película sobre la que está basada?…¿Qué te pareció?…
Ví la película hace tiempo pero no ha sido nuestro referente de investigación.La película está basada en la novela pero no es fiel a los hechos reales.
¿Cómo creas tus personajes?…¿Tienes un método?…
Trabajo a partir del texto. Poco a poco voy dejándome llevar. Me gusta jugar, pasármelo muy bien y disfrutar del trabajo de mis compañeros. Mi método es el trabajo diario en casa y sobre todo en los ensayos. Con el trabajo de texto va surgiendo poco a poco mi creación de personaje donde le añado la corporalidad, el imaginario….
¿Os documentasteis sobre el tema en el proceso de creación?…
Por supuesto. El director, Marc Montserrat Drukker, nos ha inculcado la pasión por el tema desde antes del proceso de ensayos. Ha sido un proceso muy intenso y enriquecedor. Hemos leído libros como «Los niños de Hitler» de Guido Knopp y nos hemos documentado en la época(California en 1967). Marc nos ha proporcionado muchísimo material. Ha sido muy positivo investigar tanto para saber bien qué historia queremos contar.
¿Cómo crees que están afectando los recortes y el aumento del I.V.A. a los proyectos de teatro?…
Está afectando de una manera muy negativa:cerrando teatros, actores trabajando en condiciones laborales indignas, reducción de público en los teatros por la subida del precio de la entrada, reducción de giras teatrales… Un país que no cuida su cultura,y en concreto, su teatro, es un país gobernado por personas que quieren una sociedad muerta, una sociedad que no piense por sí misma. La cultura es un bien preciado y necesario que debemos cuidar. No debe ser un lujo. Confío en el cambio, en la lucha de los artistas. El teatro es indestructible y esto va a cambiar.
¿Qué montaje que hayas visto últimamente, te ha interesado?¿Por qué?…
«La piedra oscura» de Alberto Conejero y dirigida por Pablo Messiez. Porque yo ví esa obra y pensé: «Esto es teatro». Reunía todas las cualidades necesarias para que una obra de teatro te llegue: un texto brillante, una historia necesaria para contar, dos actores extraordinarios dirigidos desde el corazón(Eran dos seres humanos en escena. Nada de «grandes personajes»), un espacio sencillo donde elaborar la historia…Acabó la obra y yo no podía parar de llorar y de preguntarme: «¿Por qué?, ¿por qué?, ¿por qué?». Espero poder volver a verla cuando la prorroguen.
¿Proyectos?…
Ahora mismo estoy terminando «La ola» en el Teatro Valle-Inclán y ensayando «La comedia de los errores» de William Shakespeare con dirección de Lidio Sánchez Caro y producida por Ciclo Mexico A Escena. Estaremos en mayo en el Teatro Lagrada. También estoy trabajando con la cía Bazar Eslavo Teatro en el montaje «La herida del tiempo» donde estaremos en unos días en el Teatro Quevedo. Además, tengo bolos de los montajes que he hablado anteriormente y algún proyecto en camino que pronto verá la luz.
Diana Palazón: El teatro es el espejo donde nos miramos los seres humanos, donde nos reconocemos
¿Cómo fueron tus inicios en el teatro?…
Con el Burgués Gentilhombre de Moliere, con la compañía Teatre Micalet, en Valencia, cuando tenía 18 años…
¿Realizaste otras facetas además de la actuación?…
No, siempre me he dedicado a esto.
¿Qué es el teatro para ti?…
El teatro es el espejo donde nos miramos los seres humanos, donde nos reconocemos. Tanto los que estamos en escena como los que vienen a mirar, aunque más bien vienen a compartir…
¿Por qué haces teatro?…
Me cura, me da felicidad, me hace conocerme, me muestra lo peor y lo mejor de mi. Comparto lo que vivo en cada momento, sin normas sociales, sin límites, sin juicio. Es un acto de amor hacia mi misma. De honestidad.
¿Qué balance harías sobre tu trayectoria?…
Aún es pronto para hacer balance.
¿Qué función crees que ha de tener el teatro para la sociedad de hoy?…
La que siempre tuvo. La de conectarnos con lo divino, con nuestra alma, con nuestros pensamientos. Masajear las emociones, poner en duda lo establecido, de uno mismo y de sociedad. Comunicarnos. Dar forma a lo abstracto.
¿En qué proyectos has participado durante el último año?… Estos últimos 2 años han sido tres montajes teatrales: La Dama Duende, el que fue el último montaje de Miguel Narros. Los Miércoles no Existen, primer montaje teatral de Peris Romano y Héroes, de Antonio Hernandez Centeno, que representamos ahora en La Pensión de las Pulgas. Y varias colaboraciones en televisión: La que se avecina, El Don de Alba, Sin Identidad.
¿Cómo surgió tu participación en el montaje de Héroes?… Antonio y yo somos amigos y nos apetecía volver a trabajar juntos. Esta es nuestra tercera vez. Háblanos de este trabajo…Es un trabajo de mucha intimidad, de mostrar la soledad y el conflicto que no nos deja amarnos a nosotros mismos, a los otros, porque son diferentes, porque pensamos distinto. Por las heréncias. Por las cargas, por los odios antiguos arrastrados durante generaciones.
¿Cómo creas tus personajes?…
Con análisis profundo del texto, con acercamientos a lo personal para tender un puente hacia el personaje, con referencias, con improvisación, y sobre todo con el otro.
¿Tienes un método?… Utilizo herramientas de método, pero no soy nada ortodoxa. También uso mucho mi instinto.
¿Cómo crees que están afectando los recortes y el aumento del I.V.A. a los proyectos de teatro?…
Completamente. Es abusivo, injusto y sin sentido. No se valora la cultura como tal. No se le da el sitio que merece. La cultura es un derecho, no un lujo.
¿Qué montaje que hayas visto últimamente, te ha interesado?…
El Misántropo, Lluvia Constante, Insolación.
¿Por qué?…
La magnífica dirección de las tres, el texto, los actores con una verdad y una generosidad abrumadora. Son piezas muy diferentes y con un trabajo lleno de amor, de dedicación, de profesionalidad. De las que remueven los cimientos de la conciencia.
¿Proyectos?…
Haberlos, «haylos». Nada de hablar antes de tiempo.
¿Alguna sugerencia para seguir creando en tiempos de crisis?…
Solo se puede seguir con amor y paciencia. Y con Valentía de proponer nuevas formas, nuevas estructuras. Hasta que volvamos a encontrar un equilibrio entre lo que se da y lo que se recibe…Y ahora hablo de lo puramente material.
José Luis Mosquera: Soy autodidacta, no tengo un método concreto y si lo fuera sería el “Caos que ordena”
¿Cómo fueron tus inicios en el teatro?… ¿Realizaste otras facetas además de la actuación?…
Después de tomar algunas clases, empecé como profesional a los 13 años en una obra infantil con entremeses de Lope de Rueda y Lope de Vega titulada “La Tierra de Jauja”, lo curioso es que entré en un teatro profesional antes como actor que como espectador.
Siempre me gustó la danza y con 17 años hice algunas coreografías para un montaje amateur de Jesucristo Superstar y he repetido la experiencia en algunas ocasiones, incluidas mis clases de cabaret y alguno de mis espectáculos.
¿Qué es el teatro para ti?…
La mejor y más completa forma de entender, sentir y comunicar el hecho de estar vivo.
¿Por qué haces teatro?…
Por la necesidad vital de disfrutar, compartir, aprender y comunicar.
¿Qué balance harías sobre tu larga trayectoria?…
Teniendo en cuenta una cierta irregularidad en la calidad de los proyectos, los parones y los aprietos económicos, emocionales y existenciales que conllevan, me siento absolutamente afortunado y agradecido, porque después de casi cuarenta años trabajando, he conseguido “vivir” de esta profesión sin tener que salir de ella, y aún siendo muy dura, me ha dado muchísimos de los mejores momentos y experiencias de mi vida.
¿Qué función crees que ha de tener el teatro para la sociedad de hoy?…
Hoy y siempre, de espejo y maestro, donde poder reflejar desde cualquier género, lo mejor y lo peor de las relaciones humanas, aprendiendo de la experiencia compartida entre los dos mundos… que son uno.
¿En qué proyectos has participado durante el último año?…Háblanos de ellos…
En el año pasado hice una pequeña colaboración en el cortometraje “Por alcanzarte” de Natalia Ruiz con un trabajo interesante de miradas y dejé “La cena de los idiotas” para incorporarme a “Priscilla, el musical”, de “La cena..” me llevo casi un máster en los ritmos de comedia, gracias a Josema Yuste, Agustín Jiménez, David Fernández y Felisuco.
¿Cómo surgió tu participación en el montaje de Priscilla?…Háblanos de este trabajo…
Estando de gira con “La cena…” me envió la convocatoria mi mejor amiga, después de pensarlo decidí presentarme y tras cuatro pruebas, fui seleccionado para uno de los personajes protagonistas. Bernadette es un transxesual con mucha fortaleza, fue pionera artística y socialmente por su condición sexual, divertida, dura, maternal…un personaje muy rico en matices dentro de un espectáculo impresionante, donde la alegría, el humor, la amistad y la solidaridad se mezclan con una explosión de música, imposible de no bailar.
Cómo creas tus personajes?…¿Tienes un método?…
Soy autodidacta, no tengo un método concreto y si lo fuera sería el “Caos que ordena”. Siempre me he sentido como una esponja, he aprendido de tod@s y cada un@ de mis compañer@s …y de algunos talleres puntuales. A partir de todo ello escucho lo que dice y hace el personaje, lo que dicen y hacen con respecto a él y buscamos…
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¿Cómo crees que están afectando los recortes y el aumento del I.V.A. a los proyectos de teatro?…
Demoledor en muchos aspectos, desde la puesta en pie de nuevos proyectos, hasta la rentabilidad en las recaudaciones, destrozando un, ya antes incluso, débil tejido industrial. Resulta vergonzante como ciudadano, que la Cultura en este país tribute más que muchos artículos de lujo.
¿Qué montaje que hayas visto últimamente, te ha interesado?¿Por qué?…
Me impactó mucho el montaje de “El Misántropo” de Miguel del Arco como espectador y profesional, un trabajo redondo artística y socialmente. Y “Cuando deje de llover” de Andrew Bovell dirigido por J. Fuentes Reta, un texto laberíntico y conmovedor, acompañado de una interpretación y dirección muy precisa.
¿Proyectos?…
Seguir disfrutando con “Priscilla…” y en cartera a medio y largo plazo, un estupendo monólogo que llevo tiempo con ganas de poner en pie y otro posible musical.
Susi Sánchez: El arte representa la belleza, la verdad y la justicia y eso son valores eternos e indestructibles.
¿Cómo fueron tus inicios en el teatro?…¿Realizaste otras facetas además de la actuación?…
Tomé mi primer contacto con el teatro a los 16 años. Yo estaba estudiando estética. Nunca pensé que sería actriz, era lo más alejado de mi que podía imaginar. Era excesivamente tímida y la idea de tener que subirme a un escenario me daba terror. Pero mi hermano Ismael había entrado en un grupo de teatro universitario (era la época de la dictadura franquista) y fui a ver un ensayo. Luego me apunté a un cursillo de expresión corporal que organizaba el propio grupo, para adolescentes y ahí, algo me pasó en un ejercicio que me dejó llena de inquietud y con una curiosidad tremenda por ver más, conocer qué naturaleza se escondía detrás de un trabajo de movimiento con los ojos cerrados. Creo que ahí, descubrí lo que llaman la «magia del teatro”. Desde entonces no quise hacer otra cosa.
¿Qué es el teatro para ti?…¿Por qué haces teatro?…
El teatro para mi es un camino de aprendizaje, de investigación. Me ayuda a entender la vida, al ser humano y a mi misma. Es una vía de comunicación con los demás. Una manera de compartir lo que sé y lo que aun no sé. Hago teatro porque me siento útil, siendo canal de los personajes, siendo parte de un equipo que trabaja para que el espectador pueda vivir una experiencia emocional y humana y salga del teatro haciéndose preguntas que quizá antes no se habría hecho.
¿Qué balance harías sobre tu larga trayectoria?…
Ha sido y sigue siendo una carrera de fondo. Desde que empecé me di cuenta que la actuación era como un trabajo de atleta. Había que entrenar y estar preparada para cuando llegara la oportunidad. Pero la preparacion del actor no solo es física, tambien hay que cuidar el equilibrio emocinal y psicológico. Hubo un momento en que entré en contacto con la psicoterapia y el trabajo sobre mí misma me ayudó mucho a conocerme más y desde ahi, saber y comprender más acerca de los movimientos internos de los personajes. Creo que la conciencia de la espiritualidad es esencial para estar en contacto con nuestro arte. También he tenido grandes maestros que me han impulsado y me han dado mucha confianza: Lupa, Veronese…
¿En qué ha cambiado el teatro de tus inicios a hoy?…
Cuando empecé casi no había escuelas que impartieran técnicas de trabajo coherentes. Se hablaba de Stanislavski, de Brecht, Piscator… pero eran solo teorías que nadie sabía exactamente como se llevaban a la práctica útil para el actor. Cada actor se buscaba la vida como podia y se dejaba mucho a la inspiracion del momento. Era muy dificil crear equipos con un sentido del trabajo homogeneo. Ahora y cada vez más, los actores se forman y aprenden un lenguaje común que ayuda a avanzar y profundizar mucho más en el trabajo.
¿Qué función crees que ha de tener el teatro para la sociedad de hoy?…
Schakespeare ya dijo, sabiamente, que era la de poner un espejo ante el mundo. Creo no puede haber mejor definición. Somos luz y oscuridad, seres complejos y con un enorme deseo de mejorar.
¿En qué proyectos has participado durante el último año?…Háblanos de ellos…
El ultimo montaje de teatro en el que he participado, antes del actual: BUENA GENTE, ha sido CUANDO DEJE DE LLOVER, un texto extraordinario de teatro contemporaneo de Andrew Bovell, dirigido por Julián Fuentes Reta. Ha sido una experiencia de equipo intensa y muy honda. Hemos tenido cuatro nominaciones de los compañeros de la Unión de Actores por ese trabajo y siento que ese reconocimiento se da, en realidad, a TODO el equipo, ya que es un trabajo completamente coral. Pero en la Unión aun no se contempla un reconocimiento a la totalidad de un elenco, cosa que espero se llegue a considerar. En esta obra especialmente, el trabajo propio no tiene mucho sentido sin “tomar” el trabajo del compañero. Siento profundamente que el teatro es un trabajo de equipo y cada día lucho porque así sea.
¿Cómo surgió tu participación en Buena Gente…?…Háblanos de este trabajo…
Fuí a ver Lluvia constante y salí impactada por el espléndido trabajo de los actores. Allí conocí a David Serrano. Hablé con él de la función y lo que me había gustado la sutil mano de su direccion, me gustan las obras donde no se hace protagonista la presencia del director. El ya me conocía y a los tres días me llamó para invitarme a participar en BUENA GENTE. Cuando leí el texto, me sorprendió que me ofreciera un personaje de comedia y tan alejado de lo que yo había trabajado hasta ahora, pero me gusto el reto y le di toda mi confianza. Y aquí estoy, disfrutando de mi nuevo equipo y tratando de descubrir cada dia más a GLORIA, mi personaje, el único que en apariencia no tiene un conflicto propio en la función pero que está llena de fuerza y de lealtad. De ganas de vivir y con un alto sentido de la justicia.
¿Cómo creas tus personajes?…¿Tienes un método?…
Si, tengo una guía. Pero varía dependiendo de los personajes y de su contexto. En general, antes de ponerme a memorizar el texto, leo varias veces la función o el guión. Voy tomando algunas notas, intento leer sin juicio, solo dejándome libre en mis sensaciones. Luego, busco toda la documentacion que puedo sobre lo que trata la obra y sobre el personaje (si es histórico es más fácil), trabajo sobre su caracter, por qué hace lo que hace, cual es su motor, sus deseos, sus temores… etc. Luego voy estudiando el texto y viéndo qué lugar ocupa dentro de la historia, qué parte me toca contar para que tenga un sentido en la totalidad. Y luego…, prepararme para ponerme a “su” servicio, ser su canal. Ganar cada vez más libertad y disfrutarlo al máximo. Y por supuesto, tengo a mi coach: Consuelo Trujillo.
¿Cómo crees que están afectando los recortes y el aumento del I.V.A. a los proyectos de teatro?…
Básicamente ha servido para que el gobierno gane más dinero con nosotros y nosotros menos dinero trabajando. (Sacrificando puestos de trabajo y destruyendo la industria)Parece como un castigo a la cultura. La verdad es que sigo sin entenderlo, pero está siendo muy doloroso. Pero no acabarán con nosotros, el arte representa la belleza, la verdad y la justicia y eso son valores eternos e indestructibles.
¿Qué montaje que hayas visto últimamente, te ha interesado?¿Por qué?..
La verdad es que haciendo teatro puedes ver muy poco teatro pero me gusto mucho, como digo, el trabajo de Lluvia constante y me conmocionó el ultimo trabajo de Peter Brook: El Valle del Asombro. Brook siempre me emociona.
¿Proyectos?…
Ahora estamos en plena grabación de la serie para TVE: CARLOS REY EMPERADOR, en la que encarno a Luisa de Saboya, madre de Francisco I de Francia. Un regalo de personje. En preparación una nueva película con Ramón Salazar, con quien tuve el privilegio de trabajar en “10.000 Noches en Ninguna Parte”. Y otra película apasionante de la que creo que aun no puedo hablar, pero ya hemos arrancado con ensayos…
¿Alguna sugerencia para seguir creando en tiempos de crisis?…
No dejarse vencer por el desánimo. Seguir ofreciendo toda la calidad posible en cada trabajo, aunque sea pequeño. Mantener viva la imaginación y los deseos de crear y reunirse con gente afín y trabajar en equipo.
Oscar de la Fuente: «Me encuentro vivo haciendo teatro.»
¿Cómo fueron tus inicios en el teatro?…
La verdad que jamás me planteé ser actor, ni por asomo, con 20 años empecé haciendo teatro aficionado en mi pueblo por casualidad, tenía un amigo que estaba en el grupo de teatro y un día me dijo que fuera con él, que me lo pasaría bien, fui un sábado, mi amigo no apareció y … Ahí cambió todo, aquel día descubrí algo dentro de mí que jamás había sentido. Desde entonces actué con mi grupo de teatro aficionado, Teatro Tierra se llamaba, hacíamos muchas funciones, ahora que lo pienso más que algunas compañías profesionales ahora en los tiempos que corren, en fin, al año siguiente entré en la Escuela de Arte dramático de Valladolid y antes de acabar la escuela ya estaba trabajando profesionalmente con la compañía Rayuela Producciones, continué con otras compañías de Valladolid y castilla y león, hasta que en el 2008 me vine a Madrid a formar parte del elenco de la Abadía.
¿Realizaste otras facetas además de la actuación?…
Pues fíjate en las compañías de provincias se hacía de todo, allí decíamos que actuábamos para descansar, porque cargábamos la furgo, conducíamos, descargábamos, montábamos el escenario, pecheábamos, programábamos la mesa de luces, actuábamos, desmontábamos, cargábamos de nuevo la furgo y volvíamos a conducir de vuelta, imagínate si hacíamos otras facetas además de actuar, actuar era lo más fácil.
Pero si te refieres a que en una compañía, Guetto 12/26, hice el espacio sonoro, no se me daba mal, también hice de técnico de luces y diseños de luces para alguna compañía, hasta que un técnico me dijo que lo hacía muy bien, que me planteara que es lo que quería ser si actor o técnico, a la semana siguiente me llamaron para hacer otro diseño de luces, dije que no.
¿Qué es el teatro para ti?…
Vaya pregunta, uff, para mí es una forma de vivir, de ver la vida, seguramente suene a tópico pero es así, yo soy con el teatro, me encuentro vivo haciendo teatro.
…¿Por qué haces teatro?..
Porque no sé hacer otra cosa, porque es una necesidad vital, cuando cierro los ojos antes de entrar a escena algo dentro de mí se coloca en su lugar, siento que me transformo y mi alma comienza a respirar, todo se coloca, todo toma lugar, si pudiera compararlo a algo supongo que sería algo así como entrar en trance, el hecho de enfrentarme a retos cada vez que me proponen un proyecto me hace sentirme vivo.
Creo que si no fuera actor sería cocinero o pondría una ferretería.
¿Qué balance harías sobre tu trayectoria?…
No lo sé; gracias a amigos, profesionales y compañeros que han confiado en mí como Fefa Noia, Carlota Ferrer , Ernesto Arias, a los cuales conocí en La Abadía, gracias a ellos estoy donde estoy, y por supuesto a muchos otros, creo que la trayectoria, al menos la mía se ha ido forjando al lado y gracias a grandes profesionales.
¿Qué función crees que ha de tener el teatro para la sociedad de hoy?…
No creo que el teatro deba tener ninguna función, qué función tiene la pintura en la sociedad de hoy, o la música, o la danza, si te soy sincero no se responder a esta pregunta, creo que el teatro tiene una función por sí misma, el teatro crea ya preguntas.
¿En qué proyectos has participado durante el último año?…
LOCOS POR EL TE, protagonizado por María Luisa Merlo y Juanan Lumbreras, dirigido por Quino Falero, estuvimos 6 meses en el Alcázar, fue una experiencia maravillosa, nos lo pasábamos como enanos y el público también, teatro comercial que yo no había hecho nunca y me parece que si tengo la oportunidad volveré a repetir.
LA NARCISA para Storywalker, una maravillosa iniciativa de Kubik Fabrik que lleva el teatro a la radio. AYUDA de Maria Goos, dirigido por Fefa Noia. EL FEO esta vez de protagonista, todo un éxito, desde agosto hasta diciembre con público hasta la bandera en el Teatro Lara. AMAME una versión libre de Misery, dirigido por Adriana Roffi y donde comparto escena con Carlota Ferrer, lo creamos para la pensión de las pulgas. LOS NADADORES NOCTURNOS, una joya de texto de JM Mora, dirigido por Carlota Ferrer, en este tipo de trabajo es donde me encuentro como pez en el agua, explorando, trabajando investigando, proponiendo, jugando , me siento muy orgulloso de ser un nadador nocturno , un trabajo en el cual hemos aportado todos los actores , carlota nos ha permitido jugar y crear con ella y con Mora, creo que Carlota esta reinventando el teatro, y lo está haciendo muy bien, atención a Carlota Ferrer, y atención a Los Nadadores Nocturnos.
Ahora están de gira, yo me reincorporaré en cuanto pueda.
50 VOCES PARA DON JUAN dirigido por Mario Gas, un acto en benéfico de FEDER (Federación Española de Enfermedades Raras) donde 50 actores dábamos voz a los personajes de la obra, junto a grandes actores como Asunción Balaguer, Carlos Hipolito, Mauel Galiana, Fernando Cayo…
y LOS CUENTOS DE LA PESTE de Mario Vargas Llosa , dirigido por Joan Ollé, para el Teatro Español…
Háblanos de ellos…
Todos ellos me han dado muchas alegrías,
En Locos por el Te emprendí mi primer proyecto en un espectáculo “comercial» donde aprendí mucho, nos lo pasábamos muy bien creando con Quino, había momentos de los ensayos que teníamos que parar los ensayos porque nos meabamos literalmente de la risa, si pudiera volvería a repetir
La Narcisa, fue una mañana grabando en el bar barajas cerca de la Kubik un audio para una de las historias creadas para Storywalker junto con Fernando Soto, Ana Cerdeiriña y otros compañeros, con la dirección de Fernando Sánchez Cabezudo, una historia real del barrio de Usera.
Ayuda, fue un montaje que hicimos porque el texto nos gustaba muchísimo, habla sobre un hombre de negocios que tiene que estar postrado en la cama por una hernia y su “ayuda domestica” le atiende en ese tiempo, un texto que habla de cómo nos engañan en los negocios, sobre quien ayuda a quien, muy pronto en la cuarta pared tendréis la oportunidad de verlo, junto con David Luque.
El Feo, que ya lo habíamos hecho lo retomamos para hacerlo en el teatro Lara, habla en forma de comedia sobre la obsesión de la belleza, de las vicisitudes de Lette alguien muy feo que se opera para ser más guapo.
En Ámame, empezamos a trabajar sobre el texto original de Misery, pero nos dimos cuenta que era más interesante darle una vuelta, y es lo que hicimos, junto a Adriana Roffi y Carlota Ferrer que protagoniza esta pieza estupenda.
Con Los Nadadores Nocturnos, tengo que reconocer que tengo especial cariño, aparte de que Carlota Ferrer, la directora, se ha rodeado por un magnifico elenco, Miranda Gas, Esther Ortega, Marcos Marín, Jorge Machín, Joaquín Hinojosa, Paloma Díaz, Ricardo santana, Alberto Velasco; el trabajo y la investigación mano a mano, que en cada función cambia y está vivo, junto a Carlota y JM Mora ha sido el componente más importante de este proyecto, un texto que habla sobre la sociedad actual , con una poesía brutal , nos envuelve en una sociedad en la cual todo se vende y se compra y todo está a punto de estallar. Creo que Carlota esta reinventando el teatro con una nueva forma de trabajo, atención a Carlota Ferrer y a los Nadadores Nocturnos.
50 voces para don Juan… en todos ellos con unos compañeros formidables y es que el teatro una de las cosas más maravillosas que tiene son las familias que creas en cada proyecto.
Y ahora estoy en el Teatro Español representando Los Cuentos de La Peste…
¿Cómo surgió tu participación en Los cuentos de la peste…?…Háblanos de este trabajo…
Pues surgió porque el director, Joan Ollé vino a ver los nadadores nocturnos, y me dijo después que me quería hacer una prueba, estaban buscando a “Pánfilo”, el personaje que hago en la función, me preguntó si podía hacer mil personajes a la vez, si hacía acrobacia, malabares, yo por supuesto le dije que sí, y a la semana siguiente estaba haciendo la prueba.
El trabajo ha sido todo un lujazo, imagínate, con un premio Nobel como compañero, es todo un acontecimiento, todo el equipo tanto técnico cómo artístico hemos estado trabajando a tope para llevar a escena el texto de Mario.
Empezamos ensayando en la sala de abajo del Teatro Español, esperando a que prepararan el escenario en la sala grande del español, han levantado todo el teatro y dispuesto un escenario a cuatro bandas, nosotros actuamos en el patio de butacas, ahora convertido en una villa de Florencia, creo que hacía mucho tiempo que no se hacía algo así.
Trabajábamos e íbamos montando las escenas con el director y era muy bonito ver como a Mario se le iban iluminando los ojos y la sonrisa a medida que iba viendo como sus personajes y su obra cobraba vida. La verdad que ha sido muy fácil con compañeros como Aitana Sánchez Gijón, Pedro Casablanc, Marta Poveda y el propio Mario Vargas Llosa.
¿Cómo creas tus personajes?…¿Tienes un método?…
Depende de las necesidades del montaje, de su naturaleza, de los compañeros, va surgiendo poco a poco con los ensayos, pruebas muchas cosas y un día…¡¡Zas!! Aparece el personaje.
¿Método?, tengo mi propio método, supongo, fruto de una mezcla de aprendizajes, pero no siempre uso las mismas herramientas, como te he dicho depende de muchos factores.
Para mi crear es como cocinar, la cocina es la sala de ensayos, vas probando, utilizando los ingredientes perfectos hasta que das con la receta perfecta, y le das el perfecto toque de sal, emplatas… y sirves.
¿Cómo crees que están afectando los recortes y el aumento del I.V.A. a los proyectos de teatro?…
Están aniquilando el teatro, están acabando con las nuevas propuestas, con los nuevos talentos, sólo las grandes producciones y los viejos barcos subsisten, además nadie se arriesga, y algunos programadores de teatros menos, cuando son los que deberían arriesgarse, pero como la mayoría son funcionarios… bueno esto sería un articulo a parte, en fin… es una vergüenza que la cultura este considerada un lujo.
¿Qué montaje que hayas visto últimamente, te ha interesado? ¿Por qué?…
¿Proyectos?…Entremeses, y Hacía la alegría, los dos montajes los vi en la Abadía. El primero es una reposición por el 20 aniversario, un acto de precisión actoral, un montaje que tiene 20 años y parece nuevo.
Hacía la alegría es una lección de buen hacer de uno de los mejores actores de España, Pedro Casablanc, impresionante.
¿Proyectos?…
De momento acabo en el español y me voy al CDN pero ya te iré contando según se vayan haciendo realidad, de momento nada es seguro.
¿Alguna sugerencia para seguir creando en tiempos de crisis?…
Soñar, Sonreír y Amar, que de momento es gratis.
Juan Antonio Lumbreras: El teatro se ha convertido en mi modo de vida.
¿Cómo fueron tus inicios en el teatro?…
Al terminar la RESAD nos juntamos un grupo de personas con afinidades en cuanto a lo que queríamos hacer y así empezó todo.
¿Realizaste otras facetas además de la actuación?…
Al principio hay que hacer de todo y todos nos implicábamos en la escenografía, el vestuario, la dramaturgia…
¿Qué es el teatro para ti?…
Se ha convertido en mi modo de vida.
¿Por qué haces teatro?…
Es mi forma de ganarme la vida, se gana poco, sí, pero yo soy muy frugal.
¿Qué balance harías sobre tu trayectoria?…
Estoy muy contento y creo que he tenido muy buena suerte, pero hay que estar ahí y enfrentarse a cada trabajo como si fuera el primero.
¿Qué función crees que ha de tener el teatro para la sociedad de hoy?…
El teatro nace cuando las personas toman conciencia de que son ciudadanía. Debe ser político, hablar de lo que nos atañe, colocarnos delante de un espejo, y, por supuesto entretener.
¿En qué proyectos has participado durante el último año?…Háblanos de ellos…
Locos por el Te dirigida por Quino Falero; El Loco de los Balcones, dirigida por Gustavo Tambascio y una serie de TV que no se ha estrenado aún.
¿Cómo surgió tu participación en la obra que se ha estrenado en Cuarta Pared…?…Háblanos de este trabajo…
Vicente Colomar y yo hemos tenido y tenemos proyectos teatrales juntos. Además es mi amigo, así que…
¿Cómo creas tus personajes?…¿Tienes un método?…
Intento usar la lógica, pero realmente no se…
¿Cómo crees que están afectando los recortes y el aumento del I.V.A. a los proyectos de teatro?…
Mal. La recaudación en las artes escenicas ha caído un 24% desde 2008. En otros campos de la cultura tampoco van bien o están incluso peor. Muy mal.
¿Qué montaje que hayas visto últimamente, te ha interesado?¿Por qué?…
Lady Be Good y Luna de Miel en El Cairo, me hicieron muy feliz.
¿Proyectos?…
En marzo empiezo a ensayar Edipo Rei, dirigido por Alfredo Sanzol para El Teatro de la Ciudad.
¿Alguna sugerencia para seguir creando en tiempos de crisis?…
La verdad es que yo soy muy pesimista, pero hay que seguir.
Convocatorias y audiciones para danza
Audición para el Baltic Dance Theatre
Polonia
Gdansk, Polonia, desde 09/03/2015 hasta 09/03/2015
Audición para el Baltic Dance Theatre
El Baltic Dance Theatre convoca una audición abierta para bailarines profesionales (hombres y mujeres) de edades comprendidas entre 18 y 30 años, que estén interesados en formar parte de la compañía del BDT.
Dónde: Gdansk, Polonia
Cuándo: 9 de marzo de 2015
Fecha límite de inscripción: 23 de febrero de 2015
Más info en: http://www.danza.es/convocatorias/audicion-para-el-baltic-dance-theatre-2
Abierta la convocatoria Beta Pública en busca de propuestas coreográficas
Más info en: ww.redescena.net/noticia/5611/abierta-la-convocatoria-beta-publica-en-busca-de-propuestas-coreograficas/
Chete Lera: El teatro para mí es una forma de vida.
¿COMO FUERON TUS INICIOS EN TEATRO?…
Participé en la fundación de la Compañía de Teatro ESPACIO CERO a finales de los setenta. Una aventura extraordinaria que duró alrededor de 12 años en los que produjimos entre otros LA MAQUINAHAMLET de Heiner Müller, CAMARALENTA de Eduardo Pavlosky, EL PLAUTO DE Carlos Trías o CARAMBOLA de Antonio Fdez Lera.
¿REALIZASTE OTRAS FACETAS ADEMAS DE LA ACTUACION?…
Director de la Compañía, sobre todo en lo que se refiere a la administración y relaciones con el exterior, además de la contratación de directores colaboradores y otros actores cuando los miembros de la compañía no bastaban, así como la elección de los textos.
¿QUE ES EL TEATRO PARA TI?…
Una forma de vida. Espero que no te resulte muy escueto ni manido. Creo que es suficientemente esclarecedor.
¿POR QUE HACES TEATRO?…
Por la capacidad que ofrece al que lo ejerce de comunicación con la humanidad.
¿QUE BALANCE HARIAS SOBRE TU YA LARGA TRAYECTORIA?…
Como ya indicas en tu pregunta «larga», ja. Por lo demás fructuosa y emocionante la mayoría de las veces.
¿QUE FUNCION CREES QUE HA DE TENER EL TEATRO PARA LA SOCIEDAD DE HOY?…
Muchas y muy diversas. Entretenimiento? Diversión? Sí, pero más concienciación, crítica y desarrollo de los problemas que nos acucian.
¿EN QUE PROYECTOS HAS PARTICIPADO DURANTE EL ULTIMO AÑO?…
Con la Compañía INCONSTANTES TEATRO las siguientes producciones: ANTIGONA SIGLO XXI versión de Isidro Timón y Emilio del Valle, EL COLOQUIO DE LOS PERROS de Cervantes y PEDRO Y EL CAPITAN DE Mario Benedetti. Todos estos proyectos estaban de gira más o menos intensamente. Estupenda experiencia junto a mi amigo y socio teatral Emilio del Valle.
¿COMO SURGIO TU PARTICIPACION EN EL MONTAJE NARANJA AZUL?…
A través de una oferta que me llegó de la mano de Bruno. Acepté inmediatamente por la importancia que, sin duda, tiene la obra. Ha resultado un trabajo complejo pero altamente satisfactorio. Espero que sigamos trabajando y mejorando. En cuanto a la función te remito a una excelente crítica que nos hizo…
Javier Vallejo en EL PAIS. Está incorporada en la web del TEATRO GUINDALERA.
¿COMO CREAS TUS PERSONAJES… ¿TIENES UN METODO?…
Casi siempre los enfrento con determinación y con la seguridad de que me voy a equivocar muchísimo. Afortunadamente una de las características de este oficio es «el equipo». Director, ayudantes y resto del elenco. Ahí es dónde radica lo fundamental. Si hay sintonía será satisfactorio, si no… un desastre del que es imposible evadirse… más allá de la profesionalidad.
¿COMO CREES QUE ESTAN AFECTANDO LOS RECORTES Y EL AUMENTO DEL IVA A LOS PROYECTOS DE TEATRO?…
Te contesto con un supuesto.
Precio de la localidad 16 euros
50% para la empresa exhibidora 8 euros
21% IVA 1,68 euros
además distribuidora, gastos diarios de mantenimiento del espectáculo, autores, etc. Beneficio a repartir aprox.4 euros. Tres actores a 1 euro por entrada vendida ¿Bien, no? de qué coño se quejan si hacen lo que les gusta…
¿QUE MONTAJE QUE HAYAS VISTO ULTIMAMENTE, TE HA INTERESADO?…¿POR QUE?
EL COLECCIONISTA en la sala ARTE Y DESMAYO. Por su interés cultural y su compromiso con el teatro de riesgo. Y porque Juanma Gómez es amigo mío… toma ya!.
¿PROYECTOS?…
Sí, varios
Pedro Pavia de Los Modernos: El actor combate desde su lugar de batalla
¿Cómo surge vuestra peculiar manera de hacer teatro de humor…?…Habladnos de la obra que presentáis en Madrid…
Nosotros surgimos en el año 2002, en Córdoba, Argentina, tiempo de caída de gobiernos, corralitos, momentos políticamente complejos con repercusiones sociales dramáticas. La gente no iba al teatro y debimos ir a por la gente. De esa primera etapa de bares y restaurantes, llegamos recién al teatro. El humor fue un lenguaje que nos permitió transitar dicha crisis y ofrecer una lectura original, novedosa en nuestro medio, de la realidad. El espectáculo actual, Rómulo, es resultado de la evolución de tantos años. Un espectáculo de humor, poesía y reflexión como ha sido toda nuestra obra, un viaje por la alegría, acompañados por un espectador al que respetamos y no subestimamos.
¿Cómo ha sido el proceso de creación de esta propuesta?…
Los procesos son similares en cada obra: mientras se representa la obra actual, se van generando ideas, estímulos que nos guían naturalmente, a la siguiente. Mas o menos 1 año de escritura, 2 meses de ensayos y luego, a la cancha!.
¿Hay algún referente técnico o artístico del que habéis partido para crear esta puesta en escena?…
No. En cada obra debemos estar pendientes de nosotros mismos: renovarnos, mantener estilo sin repetirse, sorprender.
¿Por qué hacéis teatro?…¿Cómo fueron vuestros inicios?…
Alejandro ha tenido vocación desde niño y yo, Pedro, he llegado más tarde; una vocación tardía, de las que también existen.
¿Qué balances hacéis de vuestros trabajos hasta el día de hoy?…¿Cuál ha sido la evolución de la compañía a lo largo de estos años?…
Los comienzos te los he comentado. De ese primer año, pasamos al teatro en Córdoba y, al año siguiente, nos radicamos en Barcelona, con una maravillosa repercusión. Se nos ha reconocido con diferentes premios durante nuestros casi cuatro años de estar allí. Luego nuevamente Argentina con giras por Sudamérica. Siempre hemos sido respetados artísticamente, con críticas maravillosas. Hemos podido vivir dignamente de nuestra profesión.
¿Qué función creéis que ha de tener hoy el teatro para la sociedad en la que vivimos?…
El actor es individuo de su tiempo y como tal, intenta dar desde su lugar de trabajo, con humildad y firmeza, su lectura de la realidad, su compromiso solidario con el otro, su deseo de vivir, naturalmente, en términos de igualdad, de respeto y admiración el acto mínimo y máximo de estar vivos.
¿Cómo creéis que está afectando la subida del I.V.A. y los recortes al teatro en España?…
Afectan negativamente a la producción y por lo mismo, la realización de las obras. Dramáticamente.
¿Qué obra de teatro habéis visto últimamente?¿Qué os pareció?…
He ido a ver a Ron Lalá, en el Festival de Olite, su obra «En un lugar del Quijote». Noche de verano, Castillo de Olite y Ron Lalá y su versión libre de Cervantes: una maravilla!.
¿Proyectos ‘…
Luego del fin de gira, quedan algunos bolos por nuestro Sur y… a seguir navegando.
¿Se pueden hacer propuestas combativas de teatro hoy?…
Sí; lo hemos sugerido en respuestas anteriores. El actor combate, desde su lugar de batalla, la falta de justicia, la mediocridad; reivindica la esencia, el aire para oxigenar, el agua para purificar. Exige, desde la metáfora de su obra, DIGNIDAD. Y, en nuestro caso, con humor, poesía y reflexión.
SILVIA DE PÉ: El teatro es un lugar donde todo es posible
¿Cómo fueron tus inicios en el teatro?…No encajaba en ninguna actividad extraescolar en el cole. En fútbol era muy mala, corría hacía mi propia portería. Me echaron. La gimnasia rítmica me parecía un rollo. Le supliqué a mi madre que me sacara de allí. Un día de sexto de E.G.B. anunciaron que empezaba un curso de teatro y pensé: «mmm esto puede ser divertido», me apunté y flipé en la primera clase, me acuerdo que llegué a casa y le conté a mi madre: «mamá, no te lo vas a creer, pero es posible hablar con la tripa» y me envenené. Tenía 11 años.
¿Realizaste otras facetas además de la actuación?…
¿Que si puse copas? Sí, claro. Un buen actor que se precie debe hacerlo. Jajajajaja. Sí, además de actuar, también dirijo de vez en cuando. Me encanta y me divierte mucho.
¿Qué es el teatro para ti?…Es un lugar donde todo es posible. Es magia.
¿Por qué haces teatro?…Porque me alimenta y me hace muy feliz .
¿Qué balance harías sobre tu trayectoria?…Un balance muy positivo. He sido coherente casi siempre, he trabajado mucho, he disfrutado y sufrido mucho también, me ha hecho mejor persona, y desde hace 12 años (llevo 18) sólo como de mi vocación, así que sí, un balance muy positivo.
¿Qué función crees que ha de tener el teatro para la sociedad de hoy?…La misma de ayer, la misma de siempre. Es muy básica. Es el alimento del alma y del espíritu y como tal, lo necesitamos para sobrevivir. Es una cuestión de vida o muerte.
¿En qué proyectos has participado durante el último año?…Háblanos de ellos…
La mayor parte del 2014 he estado con «Verónica» una obra de miedo, escrita y codirigida por mi admirado Carlos Molinero, que talento tiene este hombre! El otro director es el incombustible Gabriel Olivares con el que trabajo en otros proyectos. Estrenamos en el Lara y luego estuvimos hasta Noviembre en el Maravillas. Una experiencia muy interesante, la verdad, no hay obras de teatro de miedo. Yo quise hacer una hace 15 años y fue muy complicado. Este proyecto me ha brindado la oportunidad de explorar ese género tan inusual en el teatro y además acompañada de un lujo de actrices/amigas/compañeras, Ana Villa, Cecilia Solaguren y Lorena Berdún. Tenerlas al lado ha sido un regalo cada día.
Paralelamente a «Verónica» estuve con funciones de «Los Menudillos del Sol de York» dirigido por un hombre de teatro y amigo desde hace 18 años (empezamos juntos en esto, en Zaragoza) Alberto Castrillo Ferrer. Una propuesta teatral interesantísima. Varias piezas de 45 minutos escritas por Daniel Dalmaroni (vino a vernos desde Argentina) con un enrome sentido del humor, negro y ácido y de una inteligencia desbordante. Y acompañada de unos seres entrañables (si es que soy una afortunada!!!), Nacho Rubio, Antonia Paso, Julián Ortega, Laura Gómez Lacueva, Carlos Urrutia, Elena de Frutos, Javier Ortiz y Patricia Estremera. Lo retomamos ahora, a partir de Marzo estaremos todos los martes en el Teatro Fígaro.
También he tenido funciones este año y temporada en Barcelona de «Tomás Moro, una utopía» obra dirigida por Tamzin Townsend (es un divertimento trabajar con ella y un placer que no hay que perderse) y con la que hicimos temporada en Noviembre del 2013 en el Fernán Gomez con grandes compañeros también (que le voy a hacer si tengo suerte con los compis!) Jordi Aguilar, Lola Velacoracho, Chema Rodriguez, Dani Ortiz, Paco Déniz, César Sánchez, Ricardo Cristóbal, Sandra Arpa, Jose Luis Patiño, Angel Ruiz, Richard Collins Moore, Manu Hernández.
También un par de Microteatros escritos por José I. Tofé, el autor de «El Tesorero» y dirigidos por mí: «Menuda Mañanita» con Joan Carles Suau, Mario Tardón y Ricardo Cristóbal y «Pesadilla en el Microteatro» con Antonio Ponce y Mario Tardón. Con este plantel de casting, una experiencia deliciosa, como no podía ser de otra manera.
Después, a finales de Octubre, se solaparon dos proyectos, «En el baño» con Olivares y «Perdona si te mato, amor» dirigida por Castrillo-Ferrer y con ésta he terminado y he empezado el año y no se me ocurre otro modo de empezarlo mejor. Colgando cartel de localidades agotadas, el público aplaudiendo a rabiar, riendo sin parar, diciendo en alto «esto es teatro!!».Que dos meses más maravillosos!!! Ha sido un proyecto PERFECTO a todos los niveles. Pocas veces pasa y ésta es una de esas veces. Y con un equipo de quitarse el sombrero y hacer genuflexiones. No puedo nombrar a todo el mundo pero todos y cada uno de ellos profesionales como la copa de un pino y buena gente, gente buena, incluido el equipo del Matadero. En el escenario vivía un sueño cada día de función al lado de Nacho Rubio, Antonia Paso, Rafa Blanca, Julián Ortega y Javi Coll. Y por supuesto, Encarni Corrales. Amigos para siempre ya.
Creo que la cosa no termina aquí…no debería, desde luego, sería un gran error………….Veranos de la Villa…es muy probable…
¿Cómo surgió tu participación en la obra que estrenáis en el Teatro Arlequín…?…Háblanos de este trabajo…
Más bien en la cocina! En el entrenamiento/investigación con Gabriel Olivares. Ya estaba con él en otro proyecto que empezó en Septiembre «El Debut», una peli experimental, y me invitó a formar parte de «En el Baño» que ya venían cocinándolo desde hacía unos meses.
Esta obra ya la estrenaron mis queridas compañeras, Ana Villa, Marian Aguilera, María Kaltembacher, Eva Higueras, Roser Pujol y Mónica Vic en Noviembre del 2014. La que se estrenó el 31 de Enero con el personaje de Coco, soy yo.
¿Cómo ha sido el trabajo con el director?…Gabriel es la búsqueda, la investigación y el inconformismo. Valores muy buenos para un director, bajo mi punto de vista. Hemos explorado mucho con «puntos de vista» (Anne Bogart) y «suzuki». Un proceso enriquecedor, muy creativo y agotador, pero ya aprendí con mi maestra Mar Navarro que hay que sudar la camiseta, así que ha sido muy estimulante. Este método de trabajo de Gabriel te obliga a ser directora además de actriz en el escenario, a tener más responsabilidad, por lo tanto, a ser consciente de todo lo que es el acto teatral, a responder en el momento, en definitiva a que la cosa esté viva pero ¿acaso no se trata de eso? Yo soy exigente con mi trabajo y me gusta que mi director lo sea también.
¿Cómo creas tus personajes?…Aquí tengo una contradicción, no creo en el «personaje», aunque luego pienso: «que bonita es Coco» o «como quiero a Madeleine». Ves! es contradictorio!.
¿Tienes un método?…Parto siempre de mí en «esa situación» y digo las palabras que están escritas en el texto con la sensación de que no podría decir otras, de que son las perfectas, las necesarias. A esto le sumo el intentar no chocarme con los muebles (no es tan sencillo como parece, sobre todo cuando trabajas en un espacio de 2X2) y, a veces, da buenos resultados, a veces, cobra vida durante un rato algo parecido a un «personaje». Casi siempre los hallazgos más alucinantes los encuentro en mis compañeros, en cómo me hablan, en cómo me miran. A veces, sólo hay que mantener los ojos y las orejas bien abiertos.
¿Cómo crees que están afectando los recortes y el aumento del I.V.A. a los proyectos de teatro?…
O lo asume la compañía o lo asume el público que compra esa entrada. Insostenible en muchos casos. Han cerrado salas de teatro, compañías y muchos proyectos interesantes y necesarios no han llegado ni a nacer. Es una locura se mire por donde se mire, en fin…
¿Qué montaje que hayas visto últimamente, te ha interesado?¿Por qué?…
He visto muchos montajes este año pasado y algunos muy buenos, pero me viene una y otra vez a la cabeza «El triángulo azul» de Laila Ripoll y Mariano Llorente, dirigido por Laila. Debería ser Patrimonio Nacional este espectáculo, no entiendo que sólo estuviera un mes en cartel. Me parece absurdo y me cabrea. No tiene sentido.
Me conmovió, me sacudió, me enseñó, me hizo reflexionar y está claro que me ha marcado. Recuerdo que estuve llorando, con hipo, todo el camino, desde la plaza de Lavapies hasta Callao. Catarsis, también. Una catarsis en toda regla.
¿Proyectos?…
Estoy dirigiendo una pieza corta para microteatro que se estrena el 10 de febrero. Se llama «Intelecplastia» un texto muy ingenioso de Maria Eugenia Rodriguez. Las actrices son Ana Belén Serrano y Laura Salido, una combinación muy interesante. Nos estamos divirtiendo mucho montándola, así que yo creo que va a salir algo bueno de aquí, seguro.
Como comentaba antes volvemos con «Los menudillos» o mejor dicho «Crímenes de andar por casa» que es su nombre ahora. Estaremos en el Fígaro los martes, a partir de Marzo.
Ensayando ya «Our Town» dirigido por Gabriel Olivares que se estrena el próximo 23 de abril en el Fernán Gómez y estaremos hasta el 17 de Mayo.
Remontaré (por tercera vez, siempre diferente) y retomaré en Junio «Pudor», un espectáculo de literatura erótica, con mi amigo y compañero Jose Carrillo.
Y un secreto, un secreto muy bonito y personal del que no voy a contar nada pero que espero parir antes de que acabe el 2015.
¿Alguna sugerencia para seguir creando en tiempos de crisis?…
Como dice mi padre: «el que come, escapa!».
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MIGUEL HERMOSO ARNAO: Creo que debemos aspirar a un espectáculo del que un espectador salga distinto a como entró, con más dudas y nuevas inquietudes en la cabeza.
¿Cómo fueron tus inicios en el teatro?…¿Realizaste otras facetas además de la actuación?…
Entré en la RESAD cuando todavía se hallaba ubicada en el Teatro Real. Recuerdo aquellos años como un despertar constante… El teatro se me manifestó como una oportunidad de “arte total”, no era lo que yo imaginaba cuando leía textos en mi adolescencia, iba mucho más lejos. Era capaz de reunir música, acción, narración y estética en un lugar sagrado, frente a unos espectadores -que yo por aquel entonces siempre imaginaba hastiados o aletargados- deseosos de emociones.
Yo ya había estudiado música en el Real Musical (solfeo, piano y guitarra) y excitado por la posibilidad de participar en la creación de un espectáculo total, me inscribí en una escuela de jazz y rock para aprender armonía y composición contemporánea. Llegué a formar un ruidoso grupo de Funk-Metal. Leer a Antonin Artaud y a Nietzsche me inspiró grandes ideas y quiméricas expectativas que lógicamente no pude o no supe poner en práctica pero que anduve bordeando en cada iniciativa en la que participé como creador y no como intérprete (que en realidad era el sustento de mi experiencia) Es obvio que la realidad de tener que trabajar para subsistir me acortó las alas, pero aún sueño (tal vez deliro) con un espectáculo en el que pudiera poner todos los elementos que me apasionan juntos.
¿Qué es el teatro para ti?…¿Por qué haces teatro?…
Antes era más talibán: “esto sí es teatro, esto no…”. Me he vuelto mucho más tolerante y pienso que es maravilloso que exista desde una comedia ligera que no te convulsione el alma pero que te acaricie el diafragma con terapéuticas risas hasta experiencias arrasadoras como el Medea de Pandur. Todo es teatro. Y el teatro es cualquier historia contada en vivo por actores frente a un público. Ahora mismo yo diría que lo hago porque ya no sé hacer otra cosa… pero también por esos momentos -caros y difíciles de conseguir, sí- en los que consigues sincronizar tu pulso emocional y tu voz con los espectadores. Eso es comparable al Rock and Roll.
¿Qué balance harías sobre tu trayectoria?…
Que es desigual, zigzagueante y que carece de toda coherencia. Lo que me propongo es, en cada nuevo trabajo, poner toda la experiencia acumulada en anteriores -tanto la buena como la mala- para aprender o descubrir algo nuevo. He aprendido mucho, por ejemplo, de trabajos televisivos muy mercenarios y a veces no tanto de iniciativas mías en las que me convertía en productor-actor-dramaturgo y me acababa estrellando contra mi falta de flexibilidad y dominio de los elementos.
¿Qué función crees que ha de tener el teatro para la sociedad de hoy?…
Creo, como te decía antes, que cabe todo lo que no sea aburrido. Yo mismo como espectador aprecio muchísimo un rato de pura diversión, aunque creo en el espectáculo Brechtiano, creo que debemos aspirar a un espectáculo del que un espectador salga distinto a como entró, con más dudas y nuevas inquietudes en la cabeza.
¿En qué proyectos has participado durante el último año?…Háblanos de ellos…
Escribí la adaptación de “El hijoputa del sombrero” de Stephen Adly Guirgis y actué en la misma producción. Fue una experiencia total, pero solventada con muchísimas dificultades: me ví en la necesidad de, como co-productor, pedir a los actores que trabajaran en cooperativa. El resultado artístico fue bastante consistente, pero económicamente todo el mundo estaba descontento. Tras esta agotadora experiencia me apunté al placentero ejercicio de mi puro oficio de actor interpretando el glorioso personaje de Quevedo en la serie de TV “Alatriste”, que ahí anda batiéndose a capa y espada en el fango de la programación actual. Después me esperaba Blanca Portillo con su tenorio…
¿Cómo surgió tu participación en el DON JUAN que se está representando en la Compañía Nacional de Teatro Clásico…?…Háblanos de este trabajo…
Blanca Portillo me habló del proyecto hace un par de años, cuando sustituí a José Luis García Pérez en “La Avería”. Ella quería enfrentar a dos hombres de un acentuado perfil masculino comprometidos con la causa de derribar un mito machista. Me apasionó la idea, tanto estética como ideológica. Eso sí, me exigió un estado de forma digno de un atleta… Y así aproveché para ponerme al día con mi más que abandonada salud. Ahora gracias a Blanca y gracias a Tenorio, me siento casi tan joven como recién salido de la escuela. De hecho el trabajo que hemos hecho me recordaba a aquellos años de ambiciosa creatividad y sacrificio físico y emocional. Don Juan ha sido como una segunda RESAD para mí, en gran parte gracias al contacto con una nueva y potente generación de actores de escuela cuya excelente preparación nos ha puesto en jaque a todos los veteranos de la compañía. Un antes y un después para mí.
¿Cómo creas tus personajes?…¿Tienes un método?…
Tengo el método de “todos los métodos”. Trato en primer lugar de amoldarme al espíritu de la producción en la que estoy participando: según eso me aproximo al personaje desde un ángulo más físico o más intelectual. Profundizar intelectualmente en la psicología no me ha dado muy buenos resultados, la verdad. Escuchar al antagonista con verdadero interés y esperar a tener una reacción lógica y emocional a lo que recibo sí me ha proporcionado muchas soluciones.
La experiencia me enseña que las decisiones tomadas de antemano son inútiles, y que es en el tránsito de los ensayos cuando uno debe ser permeable a sus compañeros y flexible con las exigencias, tanto las propias como las del director/a. Tengo la sensación de que sabiduría creativa pasa por vaciarte de prejuicios en cada nuevo espectáculo y dejar que tu instinto te guíe: el juez no debes ser tú mismo, eso te impide lanzarte al ruedo con plena honestidad. La norma de oro sería: hagas lo que hagas, hazlo de verdad. Esa es la única manera de pergeñar ese sólido y convincente engaño que es un personaje.
¿Cómo crees que están afectando los recortes y el aumento del I.V.A. a los proyectos de teatro?…
No soy capaz de decirte algo nuevo sobre esto. Es una guerra abierta del Partido Popular al mundo del espectáculo. Un castigo duro y silencioso a un gremio que para una parte de los españoles es prescindible. Debemos convencer, no ya a los políticos de derechas, sino a los ciudadanos que los votaron, que se equivocan despreciando la cultura. Pero hay que empeñarse en seducir a este electorado más que en combatir a sus representantes. Hagámoslo produciendo obras que maravillen y que muestren cómo una sociedad no podrá prosperar ni progresar nunca sin esa deriva humana por su propia imaginación y su subconsciente: el arte.
¿Qué montaje que hayas visto últimamente, te ha interesado?¿Por qué?…
“Camisas de fuerza”, un texto divertidísimo y ácido de Nacho del Valle dirigido por Manuel Gancedo. Dos personajes en una habitación de un psiquiátrico, con la puerta abierta, que no saben salir. Inspirador…
¿Proyectos?… Una gira maravillosa con el Tenorio por los teatros más bonitos de España: el Arriaga de Bilbao, el Principal de Alicante, el Jovellanos de Gijón… Delicioso.
¿Alguna sugerencia para seguir creando en tiempos de crisis?…
Leer mucho a Peter Brook. Y recordar que el teatro de verdad no requiere más que una inversión mínima de dinero y sí una máxima de talento dramatúrgico y honestidad actoral.
Y por supuesto nunca abandonar la autocrítica.
Que Revienten los Artistas 
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