LOS TORREZNOS nos hablan de sus últimos proyectos.
¿Cómo fueron vuestros inicios creativos?…¿Qué facetas habéis realizado hasta hoy?…
Nos conocimos en 1990 en un taller de Isidoro Valcárcel Medina. Hemos trabajado y generado proyectos autogestionados (CIB Circo Interior Bruto/ ZAT Zona de acción temporal) y desde hace quince años desarrollamos el proyecto de Los Torreznos. Venimos del ámbito de la performance o arte de acción. Desde posiciones cercanas a este territorio desarrollamos también trabajos en el ámbito de la imagen y el sonido
¿Qué es lo escénico para vosotros?…¿Por qué esta exposición en el Museo?…Habladnos de ello…
Nosotros preferimos hablar de «lo presencial».
El trabajo presencial que puede darse en una escena, o en cualquier lugar.
Justamente la situación en el CA2M plantea un posible enfoque de «lo presencial» sin estar presente.
La idea es poder desarrollar trabajo creativo usando fundamentalmente el tiempo y dejando en segundo lugar al espacio, justo al contrario de lo que suele ser habitual en el territorio del arte contemporáneo. La presencia como detonante temporal
¿Qué balance hacéis sobre vuestra trayectoria?…
Pues un balance muy positivo. Hasta el momento hemos podido hacer lo que queríamos. Al principio sin ningún tipo de ayuda y ahora con mayor reconocimiento. El haber podido atravesar ya tres décadas te permite una visión general más amplia que te ayuda a valorar más y mejor el viaje hasta el presente
¿En qué proyectos habéis participado durante el último año?…Háblanos de ellos…
En el último año hemos estado muy enfocados a preparar este proyecto del CA2M una “exposición” que durará cuatro meses donde convivirán trabajos presenciales y no presenciales bajo el techo de la institución artística. Antes hemos estado en distintos festivales de performance en Europa y también poniendo a prueba nuestra capacidad creativa en circunstancias muy especiales, como por ejemplo, en los campamentos de refugiados del Sahara, o en un festival en Ramala, Palestina. También hemos construido un proyecto escénico y teatral, muy distinto a lo que estamos acostumbrados, sobre una propuesta de Isidoro Valcárcel Medina.
¿Qué proyectos tenéis entre manos?…
Ahora mismo vamos a preparar una nueva pieza presencial que se estrenará en Mayo. El material que tenemos entre manos gira en torno a la economía y como afecta cada vez con mayor intensidad a la totalidad de los ciudadanos. ¿Quién decide?. ¿Cuál es el margen de decisión?. ¿Quién gobierna? ¿Cómo escaparse?.
¿Cómo creéis que están afectando los recortes y el aumento del I.V.A. a los proyectos culturales?…
La falta de apoyo económico a la cultura, debilita las estructuras, hace desaparecer proyectos y recorta las iniciativas. El actual gobierno debería afinar su sensibilidad y hacer un esfuerzo por acercarse a los creadores.
Afortunadamente, la creatividad de las personas es independiente de todo esto.
¿Qué montaje escénico que hayáis visto últimamente, os ha interesado?¿Por qué?…
Cosas muy dispares. Nuestro abanico es amplio. Un par de piezas, el otoño pasado, de un ciclo de teatro europeo en el Valle Inclán, excelentes. Un ciclo en el teatro Pradillo llamado Apuntes en Sucio donde se mostraban piezas en proceso de PlayDramaturgia, Cris Blanco, Sandra Gómez y Ana Salomé Branco. La pieza Introducción a la Introducción de la Societat Doctor Alonso… por suerte seguimos disfrutando encontrándonos cosas interesantes y sugerentes.
¿Alguna sugerencia para seguir creando en tiempos de crisis?…
Seguir buscando.
Hacer lo que te da la gana.
No hacer caso ni a modas ni a condiciones externas.
No depender de las ayudas.
Ir ligero de equipaje
Disfrutar mucho de lo que uno hace
Albert Boadella nos habla a QRLA de sus últimas experiencias en la escena y la gestión.
¿Cómo fueron tus inicios en el teatro?…
Empecé por la expresión corporal pero mejor no recordar tanta ingenuidad y tanta vanidad de juventud. Por suerte no existía entonces el video.
¿Tu trabajo en el teatro lo has compatibilizado con otros trabajos?…
En los inicios era muy complicado ganarse la vida como titiritero. Mi padre tuvo el acierto de obligarme a aprender el oficio de grabador y cincelador de metales preciosos. Ello me permitió sobrevivir alternando con la escena y conocer el proceso de un oficio artesanal como también lo es el propio teatro.
¿Qué balance harías sobre tu larga trayectoria?…
No puedo hacer una descripción demasiado detallada porque he disfrutado tanto, que mis enemigos podrían suicidarse o aun peor, atentar contra mi vida.
¿Qué diferencia hay para ti del teatro que se hacía en tus principios al que se hace hoy en día?…
Lo que más ha cambiado ha sido la actitud de público. Hoy los espectadores tienen la piel más gruesa. Los medios les han vuelto menos sensibles ante lo que puede suceder en el escenario. Si a ello sumamos el desenfrenado consumismo cultural, se produce la metabolización de lo visto en cuestión de horas, después se olvida y a otra cosa mariposa.
¿Cómo surgen las ideas de los proyectos que pones en marcha personalmente?…¿Cuántos proyectos te han llegado como propuestas de otros productores?…
Uno puede tener multitud de ideas, pero lo esencial son aquellas cosas a las que intuyes las posibilidades de ser convertidas solo en teatro y esto aparece muy esporádicamente. Casi nunca he trabajado con propuestas ajenas y no por desprecio pues me encantaría realizar encargos, sin embargo, es muy difícil que alguien se adapte a una forma de trabajo tan personal y tan poco convencional.
¿Ha sido importante tener unos colaboradores habituales en los equipos artísticos y técnicos?…
La clave de los grandes éxitos de Joglars es precisamente haber creado unos equipos muy duraderos que han significado una forma de escuela para todo aquel que entraba de nuevo. Sin esta dinámica de tradición todo es como empezar de nuevo cada vez.
¿Qué ha sido lo más importante vivido en Joglars?…
Desarrollar un trabajo con absoluta libertad al margen de las corrientes mayoritarias de pensamiento y a veces en su contra. Un trabajo, en el cual el público ha sido quien lo ha financiado en su mayor parte, o sea, que no se dependía de las administraciones culturales.
¿En qué proyectos has participado durante el último año?…
Escribí y puse en escena El Pimiento Verdi que fue mi homenaje personal al bicentenario del nacimiento de Verdi y Wagner. Me divertí mucho montándolo y el público se divirtió en la misma medida ¡Bingo! Después empecé a escribir Ensayando Don Juan.
Háblanos de Ensayando a Don Juan…¿Cómo surge?…¿Cómo ha sido el proceso?…
Hacía muchos años que deseaba hacer algo con Arturo Fernández. Don Juan es algo que en España está ligado directamente con su persona. Es el último galán seductor de nuestro teatro. Se trata de un gran actor que a su edad ha sido capaz de asumir el riesgo que significa entrar en una forma tan peculiar de trabajo. Se ha integrado magníficamente a un equipo de jóvenes actores y simula ante ellos un enfrentamiento generacional en la forma de entender el teatro, el amor y la vida. http://www.teatroscanal.com/espectaculo/ensayando-don-juan-albert-boadella/
¿Qué balance haces de tu gestión en los Teatros del Canal?…¿Qué proyectos tienes entre manos?…
Mi gestión ha sido distanciarme de la forma como se dirigen los teatros públicos en Europa. Hacer precisamente lo contrario. Todo se hace según el gusto de su director. Yo he pensado esencialmente en el gusto de todos los contribuyentes que son quienes pagan esos teatros y obviamente son gustos muy variados. www.teatroscanal.com
¿Hay algún proyecto que nunca pudiste realizar y te gustaría?…
Ya estoy realizando muchas cosas que jamás me hubiera imaginado. Entre ellas programar más de cien eventos por año. En lo personal me hubiera gustado ser torero pero ya veo que eso no lo podré realizar ni tan siquiera de salón.
¿Cómo crees que están afectando los recortes y el aumento del I.V.A. a los proyectos de teatro?…
Ponerle más dificultades a un sector ya de por sí tan frágil es un acto de inconsciencia o de sadismo. Me gustaría pensar que solo es consecuencia de lo primero pero en España hay un sector de la administración política que considera el teatro como algo residual y aburrido.
¿Qué montaje que hayas visto últimamente, te ha interesado?¿Por qué?…
Emilia, porque es una pieza sencilla, inteligente y muy bien actuada. No se puede pedir más.
¿Alguna sugerencia para seguir creando y haciendo teatro en tiempos de crisis?…
Aprovechar las dificultades y saber jugarlas a favor. Es precisamente, en la forma de enfrentarse a ellas como más se aprende la construcción del arte, el cual tiene como base: Con lo mínimo lo máximo. Nunca lo contrario.
Carlos Be nos habla de sus experiencias escénicas como autor y director
¿Cómo surgió The Zombie Company?…
En el año 2003, Fran Arráez me anima a montar “Eloísa y el domador de mariposas”, mi primera obra teatral, y la estrenamos en el Teatre Artenbrut. Vivíamos en la Barcelona más bohemia de inicios de siglo y nos dábamos cita en un ático inmenso en el barrio del Borne, en la calle de Mercaders. De aquella época conozco también a Mentxu Romero, que ahora mismo actúa en “Autostop” junto con Juan Caballero en el Teatro Lara y es que, en torno al año 2010, llegamos los tres a Madrid, sede actual de la compañía, y aquí seguimos.
¿Cuáles son las premisas para seleccionar los proyectos de la compañía?…
La compañía se funda para poner en escena mis textos. En la mayoría de los montajes, la dirección corre por mi cuenta pero hay un par de excepciones maravillosas en las que profesionales muy allegados han tomado las riendas de los montajes: Álex D. Capo, que dirige “Noel Road 25: a genius like us” en 2005, y Fran Arráez, que firma la dirección de “Autostop”.
También existe una excepción en lo que concierne a la autoría: hace dos años presentamos en el Teatro Lara la lectura dramatizada de “Locuras cotidianas” de Petr Zelenka, un autor contemporáneo checo sin parangón, lo cual nos permitió conocer a actores afincados en Madrid de la talla de Alfonso Torregrosa, Esperanza Elipe, Pepa Rus e Iván Ugalde, entre otros.
¿Qué balance haces de estos años de existencia de la compañía?…
Muy bueno. Después de diez años, hemos tenido el privilegio de trabajar con grandes profesionales de la escena y hemos compartido, aprendido y mejorado en muchos aspectos, ¡y queremos que continúe así!.
¿Es importante tener unos colaboradores habituales en el equipo artístico y técnico?…
Por supuesto, aunque siempre estamos abiertos a nuevos talentos. En principio, el equipo artístico-técnico de un espectáculo se plantea según las necesidades concretas de esa propuesta, independientemente de los equipos de otros espectáculos de la compañía. Es verdad que hay profesionales, como el iluminador Jesús Antón y el escenógrafo Alberto Puraenvidia, por ejemplo, con los cuales es un honor contar entre las filas de los Zombies proyecto tras proyecto.
Has escrito o adaptado textos para The Zombie Company. ¿Se modifican en los ensayos?…
Depende el texto. Hay obras que se han escrito ex profeso para sus actores, como “Peceras” y “Elepé”, protagonizadas por Fran Arráez, Carmen Mayordomo e Iván Ugalde. Ello facilita que el texto, en principio, siente como un guante al actor sin olvidar el desafío que siempre debe representar para quienes encarnen esos papeles.
En éste y en otros muchos aspectos, un montaje bastante excepcional fue el de “Peceras” –quienes la vieron recordarán los cerca de veinte minutos de improvisación a los que se enfrentan los actores nada más empezar la obra–. En “Peceras” los actores también generaron fragmentos de texto durante los ensayos como parte de la creación.
En cambio, otras obras como “Exhumación”, “Muere, Numancia, muere” o “Dorian” requieren otro planteamiento desde los ensayos, pues son obras extremadamente frágiles a la hora de soportar modificaciones textuales.
¿Cómo es el diálogo entre el director y el autor en los procesos?…
Ese diálogo se resuelve desde el primer día de ensayo, cuando el director comunica a los actores y el resto del equipo que al autor hay que darle por muerto y cualquier duda se soluciona directamente con dirección. Aunque en realidad siga vivo, dice el autor, vamos a tratarle con la holgura que sólo otorgan los autores muertos.
¿Qué evolución has hecho como dramaturgo a lo largo de tu trayectoria como autor?…
Sobre todo valoro la influencia positiva que el hecho de dirigir ha aportado a la escritura. Se aprende a controlar la organicidad del texto, a dominar la respiración del discurso y también a que los actores que tomen impulso para volar ayudados por la cadencia del texto, entre otros temas.
¿Cómo enfocas la escritura de un texto de encargo?…
Como cualquier obra que escribo motu proprio, la verdad. Tengo que aclarar que he tenido la oportunidad de aceptar sólo encargos que me interesasen. Las propuestas buenas pueden llegarle al escritor de cualquier lado, hay que estar siempre atento a las necesidades de los demás y a las historias que quieren contar.
¿Cómo surge el proyecto que presentáis en el Teatro Lara? Háblanos del texto y de cómo ha enfocado el director la puesta en escena…
El proyecto surge de la lectura de “Falešný autostop” de Milan Kundera por parte de Fran Arráez, su director. Fran me comenta que encuentra en este relato muchos paralelismos con el imaginario de mi obra y de ahí nace la necesidad de acercarlo a mi mundo. La puesta en escena de Fran propone varios viajes: por un lado con el pensamiento de los personajes, que se recrea en un espacio diferente al del viaje real de Jupe y Dana, y que refleja a veces lo más oculto y a veces lo más externo y estereotipado de la relación; por otra parte, el propio juego en el que se embarcan los protagonistas, que es totalmente emocional y supone un reto para los actores, que han sido muy generosos y valientes dándolo todo y poniéndose en las manos de su director. También Jesús Antón y Alberto Puraenvidia, al cargo de las luces y la escenografía, han logrado recrear esos espacios irreales de pensamiento aportándoles mucha elegancia e ironía.
¿Qué montaje que hayas visto últimamente te ha interesado?…
Los más recientes son bogotanos, del Teatro Varasanta y Proyecto 2046. Al viajar bastante últimamente tengo grandes lagunas y me pierdo muchos espectáculos, pero afortunadamente hay buen teatro en todas partes. A mi regreso a Madrid me gustó mucho “La visita” en La Casa de la Portera, escrita y dirigida por Antonio Muñoz de Mesa e interpretada por Rosa Mariscal e Iván Villanueva, un espectáculo de pequeño formato que roza la perfección.
Háblanos de las últimas experiencias como director fuera de España…
En otoño del año pasado dirigí en Bogotá “Muere, Numancia, muere” con estudiantes de último curso de interpretación de la Academia Superior de Artes de Bogotá, facultad de la Universidad Distrital Francisco José de Caldas. El espíritu teatral existe en todas partes del mundo y eso me permite sentirme como en casa en cualquier teatro, aunque debo confesar que la ciudad me sobrecogió. Recuerdo mi sorpresa inicial al comprobar con qué naturalidad los actores abordaban las escenas más violentas de la obra. No tardé en comprender los motivos. Siempre cuento que en Bogotá me habitué a ver muertos cada día por la calle y, junto a Cecilia García, la directora de Proyecto 2046, guardo una visión sin igual, la de las puertas del infierno, porque esas puertas existen y se encuentran en Bogotá, exactamente enfrente de una colchonería en la zona conocida como la Ele del Bronx. Gracias a estas visiones y más, comprendí que la violencia posee muy diversos y me vi obligado a adaptar la puesta en escena de la obra a una intensidad inédita para mí. Como director supuso un reto que se logró y con creces; pero como persona, fue aceptar algo muy duro.
Beatríz Argüello nos habla de sus experiencias para la escena
¿Qué es el teatro para ti?…
El teatro para mí es la forma de expresividad más completa que existe. Incorpora la palabra, la música, la danza, arquitectura, escultura…E incluso las nuevas tecnologías. Es totalmente permeable y se adapta a cualquier época, por eso jamás morirá.
¿Por qué haces teatro?…
Porque es mi profesión. Es mi responsabilidad.
¿Qué balance haces de tu trayectoria como actriz?…Háblanos de tus últimos trabajos…
Mi trayectoria como actriz comenzó muy pronto, pues mi primer trabajo profesional fue a los veinte años en la Abadía. Después he tenido la suerte de trabajar con muchos y distintos directores en distintas instituciones y teatros privados o salas alternativas. Y cuando me he separado de mi carrera, ha sido por una elección personal así que estoy relativamente satisfecha.
Mis últimos trabajos han sido » Noche de Reyes» de Shakespeare dirigida por Eduardo Vasco en el que interpretaba a Viola, y el monólogo «4.48 Psicosis» de Sarah Kane dirigido por Carlos Aladro. Este último muy especial, pues creo que conseguimos hacer de un texto absolutamente demoledor, una pieza llena de poesía.
¿Por qué no has hecho más cine o televisión?…
Eso mismo me pregunto yo.
¿Cómo surge el proyecto de Kafka Enamorado?…Háblanos de tu personaje…
El director José Pascual, (con quien trabajé en «El caballero de Olmedo» en la Compañía Nacional de Teatro Clásico), me ofreció este proyecto el cual me pareció muy interesante desde el primer momento, pues recrear la vida de alguien que ha existido, siempre resulta algo fascinante. Así es como llego a Felice Bauer, mujer de la cual Franz Kafka se enamora y que viven una relación durante cinco años. Felice es una mujer adelantada para su época (principios del siglo XX), independiente, trabajadora, una mujer de negocios que viaja por las ciudades europeas; y que conquista a Kafka por su capacidad de decisión y seguridad. A esto se suma su visión de la pareja como un compromiso, donde casarse y formar una familia es lo más normal y lógico. Y es en este punto donde encuentra la resistencia de Kafka, el cual es incapaz de asumir este tipo de vida.
¿Hubo ocasión durante el proceso para que los actores aportaseis ideas en la puesta en escena?… ¿Cómo ha sido el proceso creativo?…
Por supuesto. Ha sido un trabajo de equipo donde todos han estado muy presentes en el proceso de ensayos aportando ideas y donde los actores hemos estado muy arropados. La historia que contábamos estaba especialmente viva, pues el autor Luis Araújo estaba allí, enriqueciendo y ofreciéndonos mucha información valiosa para el proceso creativo.
¿Hay algún referente técnico o artístico del que has partido para crear tu personaje?…
Bueno, hablamos mucho sobre el papel de la mujer en aquella época. Para el personaje de Grete ( la amiga de Felice y amante de Kafka), me serví de la idea de la “femme fatale”, la mujer como perversión y devoradora del hombre. Pero en Felice, me centré en el texto y en las distintas situaciones y eso fue creando su carácter y su fisicidad.
¿Cómo preparas los personajes?…¿Cuál es tu método?…
No parto de una idea preconcebida del personaje. Llego a los ensayos lo más vacía posible y juego las situaciones a fondo. Poco a poco se irá manifestando un carácter determinado que se comporta y reacciona de una manera concreta.
¿Qué función crees que ha de tener hoy el teatro para la sociedad en la que vivimos?…
El teatro es fundamental. Tiene una importancia vital en nuestra sociedad, aunque intenten hacernos creer que es prescindible. El ser humano necesita el arte para evolucionar , es el pan para nuestra alma, como decía Isadora Duncan. Una sociedad sin arte, sin teatro, está condenada a la pobreza espiritual y eso es muy peligroso.
¿Cómo crees que está afectando la subida del I.V.A. y los recortes al teatro?…
Es realmente triste que el poder, en vez de proteger su cultura como lo más valioso que tiene un pueblo, ponga dificultades y trabas para que no se desarrolle. Estamos en un momento muy complicado, donde se fomenta la alineación del ser humano, y eso es totalmente contrario a la cultura y a la educación.
¿Alguna sugerencia para seguir creando en tiempos de crisis?…
Pues por todo lo anterior, es cuando hay que estar más despiertos y con actitudes de valentía y riesgo. La crisis trae un cambio, y casi todo cambio es bueno, pues eso significa que hay movimiento, transformación.
¿Qué obra de teatro has visto últimamente?¿Qué te pareció?…
Ví no hace mucho unas “Bodas de sangre” de Lorca dirigido por Irina Kouberskaya en la sala Tribueñe. El trabajo que hace esta directora es espléndido, su intrepretación del texto da una nueva dimensión al texto de Lorca.
¿Proyectos?…
Estoy en un proyecto de investigación sobre la danza y el teatro. Espero que se pueda concretar en breve.
Adolfo Fernández nos habla sobre su trayectoria en la escena
¿Cómo fueron tus inicios en teatro?…
En Bilbao, trabajando a las ordenes de grandes maestros como Antonio Malonda o Luis Olmos, y en el teatro independiente con grupos como Tarima y Geroa.
¿Cómo surgió que pasases de la actuación a la dirección?…
Es un proceso natural cuando tienes una compañía propia y ves la posibilidad de controlar el proceso creativo al completo. También llega un momento en el que, por acumulación de experiencia, te sientes más o menos preparado.
¿Qué balance harías sobre tu trayectoria en teatro?…
Personalmente muy satisfactorio.
¿Qué diferencia hay entre el teatro que se hacía en tus principios al que se hace hoy en día?…
La diferencia la marcan los avances técnicos y sobre todo la aparición de los audiovisuales. Afortunadamente han mejorado las condiciones técnicas de los espacios teatrales ya que antes, las compañías tenían que llevar consigo el sonido, los focos, cableado y montar prácticamente un teatro donde antes podía haber un frontón.
¿Cómo surgen las ideas y los proyectos en los que te embarcas?…
Extrayendo de la realidad los temas más candentes y que más me preocupan. En ocasiones de una película (EN TIERRA DE NADIE de Danis Tanovic), otras de autores que nos envían sus textos (Antonio Álamo, David Desola…) o novelas que leemos y nos tocan (EN LA ORILLA de Rafael Chirbes).
¿Qué te anima a participar en ellos?…
Mi idea del compromiso social.
¿Cómo surgió Ejecución Hipotecaria?…
Un autor al que conocí hace años y no había vuelto a ver llamó un día a las puertas de nuestra oficina y nos presentó un proyecto ilusionante porque conectaba radicalmente con lo que era y es una preocupación ciudadana. Y, por tanto, interesante para nosotros. Al estar basado en un hecho real y tan bien reflejado en material dramático por el autor, nos animó a unir todas nuestras fuerzas para sacarlo adelante.
¿Ha sido importante tener unos colaboradores habituales en los equipos artísticos y técnicos?…
Prácticamente siempre trabajamos con el mismo músico, Mariano Marín y el mismo iluminador, Pedro Yagüe. Y también formamos el mismo equipo de producción. El hecho de conocernos, ese entendimiento inmediato no oral, facilita enormemente la creación.
Con los actores ocurre otro tanto… con Sonia Almarcha, por ejemplo, llevamos cuatro espectáculos seguidos. Con el resto del elenco de Ejecución Hipotecaria también venía de trabajar en proyectos anteriores.
¿Qué proyectos tienes entre manos?…
La adaptación teatral de la novela de Rafael Chirbes EN LA ORILLA.
¿Hay algún proyecto que nunca pudiste realizar y te gustaría?…
Son tantos…
¿Alguna sugerencia para seguir creando y haciendo teatro en tiempos de crisis?…
La crisis en el teatro es mejor ignorarla. Pero eso sí, sin dejar de exigir a las instituciones un compromiso de futuro real, y no ideológico.
Natalia Hernández nos habla de sus últimas experiencias en la escena
¿Cómo fueron tus inicios en el teatro?…
La primera obra profesional que hice fue en el Teatro de la Abadía sobre textos de Bertold Brecht en el año 98, todavía estaba estudiando en la Resad y antes hice varios montajes con compañías amateur.
¿Qué es el teatro para ti?…
Mi profesión y mi hobbie.
¿Por qué haces teatro?…
Creo que es lo que mejor que se hacer y soy feliz haciéndolo…que más se puede pedir .
¿Qué balance harías sobre tu trayectoria?…
Decidí dedicarme a esto porque me gustaba y cada trabajo nuevo que hago hace que me guste más. Así que el balance es muy positivo.
¿Qué función crees que ha de tener el teatro para la sociedad de hoy?…
Muchas. Cada creador tiene que decidir que quiere hacer. Todas son válidas para mí.
¿En qué proyectos has participado durante el último año?…
A principios de año estrené “El Lindo Don Diego” con la Compañía Nacional de Teatro Clásico. Repusimos “De buena familia”, un espectáculo propio, en el Off del Lara. En verano dirigí un montaje para Almagro Off y ahora…”Carlota” …un año perfecto . Me siento muy afortunada.
¿Qué proyectos tienes entre manos?…
Disfrutar de “Carlota” y por ahora intentar mover mi espectáculo “De buena familia”.
¿Cómo surgió tu participación en “Carlota”?…
Me llamaron para hacer el personaje de Margaret…y acepté. Ha sido un proceso de trabajo estupendo. Un gran reparto, gran equipo y gran director. Espero que se refleje en el resultado y que el público disfrute con el espectáculo.
¿Cómo crees que están afectando los recortes y el aumento del I.V.A. a los proyectos de teatro?…
Pienso como la mayoría. Creo que no es bueno ni para los que trabajamos en esto, ni para el espectador.
¿Qué montaje que hayas visto últimamente, te ha interesado?¿Por qué?…
Son varios. Lo que más me gusta, son las ganas que hay de hacer cosas nuevas, y eso se refleja en todas las pequeñas salas que se están abriendo.
¿Alguna sugerencia para seguir creando y haciendo teatro en tiempos de crisis?…
La imaginación y la creatividad son gratuitas así que…adelante.
RAÚL TEJÓN nos habla de sus experiencias en la escena
¿Cómo surge el proyecto de El huerto de los guindos?…¿Qué has modificado del texto original para tu versión?…
El proyecto nace años atrás y estaba esperando el momento de ponerlo en pie. Surge de la necesidad de contar y de seguir por el camino que llevo explorando como actor desde hace tiempo. No hay grandes modificaciones del texto original. Algunos personajes se han unido para crear alguno nuevo y me he permitido la licencia de dar una salida más amable a dos de ellos. Chejov no salva a ninguno en el texto original y los condena a casi todos a iniciar un camino en solitario.
¿Hubo ocasión, durante el proceso, para que los actores aportasen ideas en la dramaturgia y la puesta en escena?…¿Cómo ha sido el trabajo con ellos?…
Si como actor, a la hora de dirigir, no permitiera que los actores aportaran, creo que me estaría perdiendo una parte preciosa del proceso de creación. Han aportado ideas, textos y su visión de la adaptación que hice. Lo que diferencia un actor de otro es la visión subjetiva que tiene de un texto. Ese mundo que es propio de cada persona y que no es repetible, es una fuente de creación que no me podía perder. De haber tenido otros actores seguramente, el huerto sería distinto. Eso es parte de la grandeza de este trabajo y yo no podía cercenar en mis actores.
El proceso ha sido fantástico. Ha habido un entendimiento rápido de todos y una visión muy parecida de la historia. Yo les propuse contar la historia de forma muy sencilla, y ellos entendieron y agradecieron la propuesta, por lo que no ha habido obstáculos a la hora de ensayar, mas allá de las propias dificultades que en un proceso de creación se pueden dar.
A casi todos les conocía y todos confiaron casi a ciegas en mi, incluida Consuelo que fue mi maestra y que desde una humildad tremenda se puso a mis órdenes. Con algunos como Carles o Barbara había trabajado en tele y sabían como trabajo y con otros he hecho tanto teatro que me entendían rápidamente.
¿Hay algún referente técnico o estético del que has partido para esta puesta en escena?… Háblanos de ello…
Antes de estrenar leí una entrevista de un actor argentino que decía que cuanto más crecía, mas se daba cuenta que menos tenía que actuar. Y esa ha sido mi propuesta. No hacer, no construir, sino ser, encarnar. En este sentido, desde hace mucho tiempo hemos visto montajes de Veronese o de Tolcachir, donde los actores fluyen en la historia sin necesidad de hacer. Sin querer compararme, que desde luego soy un recién llegado con mucho que aprender, técnicamente me parecía que ese era el camino. También porque como actor, ese es el camino que me interesa. Y desde hace tiempo que lo exploro. El reto era saber si podía transmitir ese modo de contar a los compañeros. Y la verdad que estoy contento con el resultado.
¿Cómo ha sido el proceso de creación?…¿Qué has querido contar desde la dirección?…
El proceso ha sido fácil, fluido. Ponerte en la creación es el único modo de que no te asalten las dudas como director y que tu propia inseguridad cercene la creatividad de los otros. Cuando se está inseguro, impones criterio, porque te preocupas del resultado que has imaginado a priori. Sin embargo, si el proceso se centra en crear, el resultado cambia, pero es más interesante y más sorprendente, para ti y para los demás.
Lo que yo quería era trasmitir la idea de que, por mucho que evolucionemos, que lleguemos a Marte, que seamos capaces de secuenciar el ADN de cualquier ser vivo, cuando nos ponemos frente a otro individuo y tenemos que vivir, no hemos cambiado nada en siglos. Desde finales del XIX hasta ahora han pasado grandes cosas, estamos de nuevo en un momento de cambio, donde comunismo capitalismo, liberalismo, todo ha fracasado, como paso en aquel momento, en el que todo un sistema social, político y económico cambiaron. Pero seguimos siendo muy torpes frente al otro. Esa es la raíz del huerto y lo que quería contar. Por eso la función va rozándote como el agua a una piedra hasta que te erosiona.
¿Qué balances haces de tus últimos trabajos para la escena?…
Pues estoy francamente contento de todo lo que me está pasando y de cómo he encontrado un punto de madurez, actoral y personal que me permiten tener más recursos expresivos. Estoy contento. Ivan, Axel en el Pelicano, ahora la dirección… Solo puedo estar a gradecido de tener las oportunidades de seguir haciendo personajes así y de que haya huecos para hacerlos. Creo que cada vez hago personajes mas complejos y que tengo la madurez para hacerlos. Y eso es fantástico. Aunque siempre pienso que lo puedo mejorar…
¿Qué espectáculo has visto últimamente?¿Qué te pareció?…
Pues MBIG En la Pensión de las pulgas. Y ¿que puedo decir de ellos si somos familia? Que son fantásticos, que el montaje esta lleno de aciertos, desde el espacio creado por Alberto Puraenvidia hasta esa Inma Cuevas que es fascinante.También que tengo amigos y compañeros de escuela en el reparto. Con lo cual, para mi es algo que nadie se puede perder. Pero es que no soy objetivo. Ni tengo por que serlo. Asi que, todos a ver ese Shakespeare. También, porque es necesario que haya gente como Alberto y Jose que apuesten por la creación de nuevos espacios y porque un Shakespeatre es muy necesario en la cartelera de todas las ciudades.
¿Cómo crees que está afectando la subida del I.V.A. y los recortes a la escena?…
Pues a nosotros no muy bien. Pero creo que el gobierno ha recaudado un 40% más pero con una bajada del numero de espectadores similar a la de los peores momentos de nuestro cine y teatro. Es una pena que impidan el acceso a la cultura y que sea cada vez más elitista. Esto suena a rancio y a épocas pasadas. Pero a los actores no se nos dejaba entrar dentro de los muros de las ciudades en la edad media y todavía hoy no ha habido rey, presidente o ministro que haya podido callarnos. Así que si la estrategia es esa, no lo van a conseguir. Mientras que el arte esté vivo y haga sentir vivas a las personas seguirá adelante. Y la capacidad de crear no nos la pueden quitar ni encerrándonos. Así que, deben pensar otro modo, porque una subida de impuestos es infantil como estrategia para disuadir a creadores y publico de que se reúnan. Será mas difícil, nos apretaremos mas el cinturón los unos y los otros, pero seguiremos dando guerra.
¿Proyectos?…
Pues alguno hay de teatro, pero como todavía no se que pasará con otros en los que estoy, no puedo decir que si.
Alguna sugerencia para seguir creando en tiempos de crisis…
Solo eso. Crear. Es tan fácil y tan difícil a la vez. Aunque sea para tus amigos, para tu madre y tu abuela. Hay que crear como terapia frente a la desidia y los problemas. Hay que hacer sin importar el resto. SI haces al final modificas tu entorno. Y eso siempre es bueno. La militancia del artista es la creación y desde ella es desde donde tiene que responder. Porque la capacidad de creación no esta mediatizada por nada.
MARTA BELAUSTEGUI nos habla de su trayectoria como actriz
¿Qué es el teatro para ti?…¿Por qué haces teatro?…
El teatro es mi casa. El lugar donde me siento libre. Subirme a un escenario nace de una necesidad. Como espectadora creo que el teatro, al ser un arte efímero, tiene una potencia crítica extraordinaria. Cada día es diferente, cada día es especial.
¿Qué balance haces de tu trayectoria como actriz?…
No suelo hacer muchos balances, miro hacia adelante y sueño con todo lo que me queda por hacer. Siempre digo que el mejor personaje es el que está por descubrir.
Háblanos de tus últimos trabajos…
Lo apasionante de este oficio son los mundos tan diferentes que te permite conocer de cerca. Mis últimos trabajos han sido en Televisión.
He tenido la suerte de interpretar a Amparo en “14 de Abril la República” y a María de las Mercedes de Borbón en la serie de “El Rey”.
¿Por qué no has hecho más cine o televisión?…
He trabajado tanto en cine, como en teatro y televisión.
Siempre que me apasiona un proyecto me involucro en él independientemente del medio.
¿Cómo surge el proyecto de Amantes?…Háblanos de tu personaje…
Se pone en contacto conmigo Sandra Toral la productora y tenemos un encuentro muy enriquecedor con Vicente Aranda.
Luisa es un personaje fascinante que se niega a vivir sometida a las normas de represión y falta de libertad de la época.
¿Hubo ocasión durante el proceso para que los actores aportaseis ideas en la puesta en escena?.
Sí, de hecho, seguimos aportándolas cada día.
¿Cómo ha sido el proceso creativo?…
Todavía estamos inmersos en él. Para encarnar estos personajes hay que hacerlo a corazón abierto.
¿Hay algún referente técnico o artístico del que has partido para crear tu personaje?…
He visto mucho cine, sobre todo los grandes clásicos del cine erótico.
¿Cómo preparas los personajes?…
Para mí lo más importante es descubrir lo que los personajes no dicen, lo que callan.
¿Cuál es tu método?…
Me forme en la Escuela Superior de Arte Dramático. Tuve la suerte de tener profesores extraordinarios. Cada día intento poner en practica todo lo aprendido.
¿Qué función crees que ha de tener hoy el teatro para la sociedad en la que vivimos?…
Una función critica, sin duda.
¿Cómo crees que está afectando la subida del I.V.A. y los recortes al teatro?…
La cultura nunca debe ser elitista, tiene que estar al alcance de todos. Es una política errónea. Las sociedades que no apuestan por la cultura se convierten en sociedades muy peligrosas.
¿Alguna sugerencia para seguir creando en tiempos de crisis?…
Las formas de producción están cambiando y, en mi opinión, las cooperativas son una buena fórmula para seguir trabajando en libertad. Seguiremos creando porque es una necesidad y un compromiso.
¿Qué obra de teatro has visto últimamente?
“De noche, justo antes de los bosques” de Koltés.
¿Qué te pareció?…
Un montaje valiente y necesario.
¿Proyectos?…
Empezare el rodaje de la película “Je suis,vous ete,il será” dirigida por Norberto Lopez.
ALEX O´DOGHERTY nos habla de sus proyectos escénicos y musicales
¿Qué es para ti el teatro?…
La mejor manera de ahorrarme un psicólogo
¿Por qué haces teatro?…
Porque la gente necesita divertirse
¿Cómo fueron tus inicios en el teatro?…
En el grupo de teatro del Hogar del Pensionista de mi barrio. Muy tierno. Y en el Instituto. Muy divertido.
¿Cómo surge la posibilidad de participar en THE HOLE 2?…
Hombre, teniendo en cuenta que hice 300 funciones de The Hole 1, se ve que los productores me conocían y me lo propusieron.
¿Hubo ocasión durante el proceso para que los actores aportaseis ideas en la puesta en escena?…¿Cómo ha sido el trabajo con Víctor Conde?…
En este caso he escrito el guión, así que se puede decir que he aportado bastante. Trabajar con Víctor está siendo una delicia. Es entusiasta, amable y con muy buenas ideas.
¿Hay algún referente técnico o artístico del que has partido para crear el personaje?…
Sinceramente no, aunque no niego que me puedan haber afectado los espíritus de los payasos a los que admiro. De hecho, espero que así haya sido.
¿Cómo ha sido la experiencia de trabajar juntos, actores, acróbatas…?…
El hecho de trabajar con artistas tan variopintos ha sido un regalo. El aprendizaje es continuo.
¿Por qué no haces más televisión o cine?…
Porque no tengo un clon.
¿Preparas de forma distinta un personaje para audiovisual que si es para teatro?…¿Cuál es tu método?…
Bueno, en teatro se ensaya más. Pero no tengo un método concreto. Procuro creérmelo y divertirme.
¿Qué función crees que ha de tener hoy el teatro para la sociedad en la que vivimos?…
El teatro debe divertir, debe hacer pensar, debe hacer olvidar. El teatro es imprescindible.
¿Cómo está afectando la subida del I.V.A. y los recortes al teatro?…
Está hundiendo y asfixiando a muchas compañías. Lo está poniendo muy difícil. Pero no podrán con nosotros.
¿Cuál fue la última obra de teatro que viste?…
El Crédito, con Luis Merlo y Carlos Hipólito
¿Qué te pareció?…
Me encantó. Dos monstruos
¿Proyectos?…
The Hole 2 y mi disco con La Bizarrería salió a la venta el 29 de Octubre…También estamos en concierto todos los viernes a las 23:30 en el Teatro de La Latina.
Claudio Tolcachir nos habla de sus creaciones escénicas
¿Cómo surge el proyecto de Emilia?…Háblanos del montaje…
Yo quería hacer la experiencia de escribir en soledad. Para después formar un elenco.
Los personajes de Emilia están atrapados por diferentes maneras de entender el amor y si bien son concientes del engranaje en el que están sumergidos no pueden escapar. El amor como entrega absoluta, como agradecimiento, posecion, culpa. El miedo a la soledad como justificación para sostener una vida solitaria. Y fundamentalmente la desconeccion. La incapacidad de registrar al otro.
¿Hubo ocasión durante el proceso para que los actores aportasen ideas en la puesta en escena?…¿Cómo ha sido el trabajo con ellos?…¿Qué diferencias hay entre el resultado de los montajes de España y el de Argentina?…
Para mi no hay otra manera de ensayar que no sea nutrirse de la peculiaridad de los actores. Los cuerpos y sus historias son los que verdaderamente construyen los personajes y por lo tanto la historia. Es lo más maravilloso del teatro. El momento en que todas esas energías se entremezclan y florecen. Siempre lo accidental es infinitamente superior a lo previsto y ese es el trabajo del director.
Por esto mismo las dos versiones son absolutamente diferentes. Porque los cuerpos que sostienen el cuento son otros. Si así no fuera sería un trabajo tremendamente aburrido.
¿Hay algún referente técnico o artístico del que has partido para crear esta obra?…
Los de siempre: CHEJOV, Beckett, todo el movimiento de teatro que disfruto y me exita. Lo íntimo y lo espectacular.
¿Por qué haces teatro?…
Porque es lo más divertido que conozco. Además es lo único que se hacer.
¿Qué balances haces de tus últimos trabajos como director-autor de teatro?…
Uno es muy crítico con su trabajo. Siempre pienso que podría hacerlo mejor y ser más creativo y sutil.
Más allá de esto siempre soy honesto con mi trabajo. Intentó ser genuino y desafiar mi propio camino sin tener en cuenta las expectativas externas. Busco sobre todas las cosas la libertad. Pero es algo realmente difícil.
En definitiva estoy feliz por haber sido coherente. Y siempre insatisfecho.
¿Qué función crees que ha de tener hoy el teatro para la sociedad en la que vivimos?…
Removernos, hacernos más grandes. Menos prejuiciosos. Más humanos, sacarnos de la comodidad. Sencibilizarnos en cualquier sentido. Y disfrutar. El teatro tiene que ser atrapante, intenso. Fulminante.
¿Cómo crees que está afectando la subida del I.V.A. y los recortes al teatro en España?…
Dificulta la producción. Lo hace todo más complejo. Más duro en un mundo que de por sí es muy complejo. No creo que sea inocente. Pero por suerte la reacción de los teatrístas esta siendo producir más y más. Generar nuevos espacios. Que no resuelven económicamente el problema pero activa un movimiento que siempre es sano.
¿Qué obra de teatro has visto últimamente?¿Qué te pareció?…
Breve ejercicio para sobrevivir. Dirigido y escrito por Lautaro Perotti en La pensión de las pulgas en Madrid. Un trabajo maravilloso de una sensibilidad y una sutileza admirable.
¿Qué diferencia crees que hay a la hora de poner en pie un proyecto en Argentina o en España?…
Adaptarse a las diferentes formas de producción. A los diferentes códigos. Luego. Todo el teatro creo que es sentido común, adaptación. Disfruté ambos proyectos por suerte.
¿Proyectos?…
Mirando el horizonte. A ver que aparece.
Esperanza Elipe nos habla de su trayectoria como actriz
¿Cómo surge el proyecto de Locos por el té?..
Me llamó Nadia Corral de La Zona y me ofreció la posibilidad de estar en Locos por el Té. Cuando el Teatro llama a mi puerta siempre estoy para abrirme a el y sobretodo cuando hay tiempo «de verdad» para prepararlo aisladamente de otros trabajos, en este caso era perfecto porque yo terminaba con las grabaciones de la serie y empezaba los ensayos, el plan soñado de todo actor.
¿Hubo ocasión durante el proceso para que los actores aportaseis ideas en la dramaturgia y la puesta en escena?…
Sí por supuesto, Quino tiene muy claro lo que quiere pero también es un director abierto que escucha a los actores y valora lo que la puesta en común enriquece cualquier proceso creativo. Desde el primer día hemos tenido la libertad de proponer y sugerir para ir encauzando a los personajes y hacer más llano el recorrido de la función.
¿Hay algún referente técnico o artístico del que has partido para crear tu personaje?…
En este caso hay un referente técnico sí. He tenido que trabajar el acento inglés porque mi personaje es el de la directora inglesa que habla perfectamente español pero lo maneja con un marcado acento british.
¿Cómo ha sido el proceso de creación durante los ensayos?…
Muy divertido, cuando se trabaja comedia las jornadas de ensayos están llenas de carcajadas esto no le quita rigor al trabajo, muy al contrario, lo abastece. Hemos trabajado tranquilos con tiempo por delante, aunque tener las Navidades en medio de un proceso es bastante latoso, por lo discontinuas que hace las semanas, pero todo ha ido poco a poco creciendo como debe ser en un proceso.
Trabajas también en televisión…pero siempre que puedes vuelves al teatro…¿Es importante para ti?…
Importantísimo, como ya te he dicho antes, siempre quiero estar cuando me proponen teatro, para mí es volver a renovar votos (aunque suene religioso) esta es una profesión vocacional, yo empecé haciendo teatro, el teatro es el origen de mi camino profesional, el vehículo en el cual me subí hace más de 25 años (se dice pronto) y aunque el camino se va combinando con otros vehículos el teatro es en el que me siento más libre, más cómoda y más feliz.
¿Qué balances haces de tus últimos trabajos como actriz en teatro?…
Positivos siempre, cada trabajo te aporta una experiencia y una sabiduría que siempre se quedan contigo y te hacen crecer como actriz, como ser humano. Cualquier montaje está rodeado de personas e ilusiones con las que convivir y compartir, cualquier proceso sirve para sumar, conectar y hacer nuestra esfera más grande y redonda. Otra cosa es que las producciones hayan sido más o menos dichosas y luego del esfuerzo, hayan tenido una vida digna pero esa es la otra cara del teatro y cuando por esa razón sobreviene una decepción (que las hay) intentas que no empañe la parte buena y tratas de olvidarla lo antes posible. Los balances los hago sobre los elementos esenciales de la creación y evolución de personajes e historias.
¿Te preparas de manera distinta un personaje para tv o teatro?…¿Usas algún método?…
De inicio la preparación de los personajes la hago de igual manera y siempre es a partir de la información que me llega a través de los guiones o el libreto combinada con las conversaciones previas con el director, ahí ya suele haber un material para ponerse a trabajar y a jugar con las posibilidades del personaje llevarlo por un lado u otro. Tras ese inicio común ya empiezan las diferencias de creación de los personajes de tv frente a los de teatro, la energía es otra y los tiempos de proceso también son otros. ¿Método? Sí el de la inclusión. Todo lo que llevo aprendido lo voy utilizando aleatoriamente y de forma espontánea, construyo desde lo pequeño para que sea más fácil el acceso desde mí y voy poniendo capas. Escucho la mirada de fuera, es importante y no me obceco. Disfruto con cada hallazgo que me lleve a afianzar. Doy bastante valor a los objetos que rodean a la criatura porque la hacen visible a través de las acciones, en fin no sé, como dice el refrán «cada maestrillo…»
¿Qué función crees que ha de tener hoy el teatro para la sociedad en la que vivimos?…
El Teatro lleva tres mil años removiendo la conciencia del pueblo, es un escaparate vivo que devuelve al espectador la inquietud, el teatro es, debe ser un estímulo para la sociedad.
La función básica del teatro es la de PROVOCAR pero no sólo con el discurso, ojo, no estoy hablando de sermonear o predicar. Es a través de su capacidad estética (inherente al arte Teatral) como mejor puede afectar el interior de las personas, sacarlos de la rutina y sobre todo de la resignación.
¿Cómo crees que está afectando la subida del I.V.A. y los recortes al teatro?…
De forma Brutal. Es un atraco a la cultura. Ya hay datos, cifras y balances de este último año que asustan. Se están cerrando teatros porque no pueden hacer frente al impuesto del taquillazo, hay muchos empleos que se han perdido. Hubo un momento en que se vislumbró la posible revisión del 21% pero sólo fue un pregoneo que no llegó a nada.
¿Qué significó para ti participar en la Trilogía de la Juventud de Cuarta Pared?…¿Cómo fue aquella experiencia?…
La Trilogía de la Juventud en Cuarta Pared es una de las mejores cosas que me han pasado en la profesión y en la vida. Formé parte de la I (Las Manos) y la III (24/7) El fenómeno de Las Manos en 1999 es historia del Teatro. Y es un orgullo haber formado parte de aquella experiencia. Cuando Javier Yagüe me llamó, hablamos de un «espacio de investigación teatral», que iba a estrenarse en Sala, sí, pero de ahí a lo que luego fue…, nadie (ni autores, actores, escenógrafos…) sabía la dimensión que llegaría a tener. Me emociona recordarlo porque conseguimos llegar a mucha gente, lo sacamos de Madrid a muchísimos lugares, no solo espacios de Teatro, sino lugares insólitos que se convertían en mágicos con aquella función. Fue muy hermoso y siempre estaré agradecida por haber disfrutado de ese privilegio.
¿Qué obra has visto últimamente que te haya interesado?¿Por qué?…
Lo último de Titzina Teatro «Distancia siete minutos». Me gusta la sencillez y el rigor con que Diego Lorca y Pako Merino abordan grandes temas de la vida. La justicia, la felicidad…Sus procesos son largos y siempre en progreso, no cierran los espectáculos, de hecho este acaba prácticamente de nacer y sé que si el año que viene tengo el placer de volver a verlo me descubrirán cosas distintas, nuevas inquietudes con una misma función eso es lo que hace vivo al teatro por encima del audiovisual.
¿Proyectos?…
El estreno de Locos por el Té es todavía un proyecto que espero que tenga un largo viaje. Luego en primavera supongo que se reanudarán las grabaciones de la segunda temporada de Vive Cantando donde tengo un personaje, pero no hay fechas aún. Todo esto en los tiempos que corren es de una perspectiva inmejorable.
Ángel Málaga, gestor de Espacio Labruc nos habla de las líneas y contenidos del espacio escénico
¿Cómo surgió el proyecto de Labruc?…¿Cuáles son las premisas para seleccionar los proyectos programados en este espacio?…
Surge por muchos motivos: somos profesionales de nuestro oficio, amamos lo que hacemos y creemos que la cultura es una «empresa» sostenible, tenemos una necesidad de desaprender para volver a aprender, una necesidad de generar y aceptar las diferentes maneras de entender el mundo que nos rodea, una necesidad de encuentro con el otro, tener un espacio donde generar interrogantes, donde poder redimirse mediante el arte.
Nuestro logo es un perro sin cabeza, de la cual sale un ladrido «labruc», es una llamada de atención, un aquí estamos para hacer lo que amamos, reivindicar la dignidad y profesionalidad de nuestro oficio.
Nos interesa la creación y el pensamiento contemporáneos. Exigimos que las piezas no tengan más de 5 años, al igual que los textos en las obras dramáticas.
Nos interesan las formas «no convencionales» de mirar el mundo desde las artes escénicas: del teatro dramático a la performance, pasando por la post dramaturgia y las piezas no definidas.
Las piezas que se programan en labruc, han de cumplir con unos requisitos mínimos de calidad y excelencia. En tiempo pedimos entre 50 y 75 minutos de duración.
¿Qué equipo conforma este proyecto a nivel producción y gestión?…
Labruc ocupa el lugar donde se encontraba la Sala Nudo Teatro. Era un proyecto de 4 personas. Por diferentes motivos 2 de ellas dejaron el proyecto para emprender otros vuelos. Nos quedamos Eva y yo con la gestión de la sala. Asumimos la programación e intentamos dar un giro al proyecto, ya que no compartíamos las líneas de trabajo del anterior programador, pero fue una tarea difícil: había que cambiar la imagen corporativa, la web, los diseños…vamos que nos dimos cuenta de que teníamos que empezar de cero y esto es lo que estamos haciendo.
Eva Caballero, actriz y gestora cultural, se encarga de la dirección técnica y de producción del espacio. Ángel Málaga, artista visual y gestor cultural, se encarga de la dirección artística y de la gráfica de labruc. Ambos, al ser un espacio autogestionado, hacemos el resto de labores: taquilla, técnica, jefatura de sala, limpiar los baños…
¿Habrá talleres y actividades paralelas en el espacio?…
Labruc centra sus actividades en torno a las artes escénicas (teatro, música y danza contemporánea) sin perder de vista las artes visuales. La primera exposición con la que hemos inaugurado el espacio, es de fotografías de Julio de la Rosa.
La formación e investigación escénica, son otro de los platos fuertes del espacio: investigar nuestros límites, ubicarse en la manera de contar las cosas, encontrar el origen para poder mostrar al espectador y que éste se pueda redimir con ello. Compartir los hallazgos con el resto del grupo de trabajo y construir juntos. formarnos no sólo como artistas, sino como personas, que es lo más importante para nosotros.
¿Hay colaboradores habituales en el equipo artístico y técnico?… ¿Participan del proceso de gestión y creación?…
Tenemos una colaboradora que participa activamente en las labores de gestión y creación: Itziar Cabello. Pertenece a la compañía lacosaneutra (compañía del espacio labruc) y nos ayuda en las tareas cotidianas del espacio.
Otros amigos cercanos nos ayudan de manera puntual y especialmente Albano López, autor de nuestro logo y de las ilustraciones de la web, al igual que nos asesora con la imagen del espacio.
El director de actores de lacosaneutra, Roberto Morales, ha estado con nosotros desde que la compañía comenzó su andadura participando activamente de las tareas de creación de la misma.
¿Van a producirse espectáculos o solo se va a programar?
La actividad principal es la de comisariado del espacio, pero estamos empezando a producir piezas, no solo desde la compañía sino también a otras compañías con becas de residencia. En este momento, tenemos 3 compañías residentes: vehemente, producciones bernardas y artes verbénicas.
¿Hay una línea ética y estética prevista para la programación o habrá diferentes tipos de teatro programado?…
Estamos unificando criterios. Nuestra idea es definir claramente esa línea ética y estética, es muy importante para nosotros, hacia ello caminamos. No nos cerramos a nada, siempre que esté dentro de nuestro criterio, mencionado anteriormente. Definir una línea clara sin dinero, es bastante complicado, ya que lo que más nos interesa, a veces, no lo podemos asumir porque su público es extremadamente reducido y las facturas llegan a final de mes, pero es nuestro objetivo y estamos en el buen camino.
¿Se pueden realizar propuestas combativas y alternativas en estos tiempos de crisis?…
Creemos que estamos en el momento idóneo para hacerlo, creemos que tenemos el lugar para ello. El arte es la mejor herramienta para combatir.
¿Qué fórmulas pondréis en marcha para crear el público de Labruc?…
Estamos fidelizando a público que ya nos seguía en el anterior proyecto y que se ha acercado a nosotros a curiosear y se han llevado una grata sorpresa, nos dicen.
Estamos trabajando para ser un lugar de referencia para el barrio, que nuestros vecinos sientan este espacio como suyo, que lo puedan utilizar.
En estos momentos de crisis, la mejor manera de fidelizar público es ofreciéndoles actividades de calidad y a precios más asequibles que los de venta habitual.
¿Qué proyectos tenéis previstos?…
Estamos retomando una pieza de adultos que preestrenamos antes del verano «árbol», del dramaturgo italiano Alessio Arena. Estamos preparando dos piezas para público familiar y un pequeño festival del que aún no podemos dar muchos datos. Continuamos en la búsqueda de nuevos proyectos para la programación habitual y estamos cerrando sinergias con otros espacios escénicos de España, Uruguay y Argentina.
¿Cómo están afectando los recortes y el aumento del I.V.A. a las salas de teatro?
Creemos que abrir el periódico es una respuesta a esta pregunta. Es una declaración de intenciones del gobierno hacia la cultura, nos están destrozando.
¿Qué montaje que hayáis visto últimamente, fura de vuestra sala os ha interesado?¿Por qué?…
Hemos visto «La chica de la agencia de viajes nos dijo que había piscina en el apartamento» de la compañía El Conde de Torrefiel. Nos identificamos con el discurso de la Cía. y también con las maneras de hacer, aunque nos reservamos algunos aspectos formales en los que no coincidimos. Hacen una definición de nuestro país muy certera, o al menos para nosotros.
Creemos que este tipo de trabajos son muy necesarios ahora y lo serán siempre. Apuntar con el dedo en lo ya conocido es misión de los artistas, esto conlleva un compromiso político en la creación artística y El Conde de Torrefiel se hace responsable de ello.
CONSUELO TRUJILLO nos habla de su trayectoria y proyectos para la escena
¿Cómo fueron tus inicios en el teatro?…¿Realizaste otras facetas además de la actuación?
Yo comenzé en el teatro universitario, despues inicié mi formación en el Instituto de Teatro de Sevilla y mi pasion por la interpretación me llevo a Buenos Aires a estudiar con Carlos Gandolfo. Aquel viaje cuando yo tenía 27 años me cambió la vida y y me orientó hacia el tipo de actriz que yo quería ser. Se me abrió un camino en el arte pero también en la vida. La búsqueda del “ser” en la actuación, ser. La necesidad de encontrarme de romper bloqueos, resistencias conocerme más…. En aquella época la pregunta era ¿quién so yo? ¿quen es esta mujer que desea tanto actuar?
Y claro Carlos Gandolfo era un gran maestro en desvelar la verdad y sobretodo en señalar la falsedad de la que ni tu te das cuenta. Allí también conocí a Juan Carlos Corazza quién también ha sido un maestro importante y con quién he colaborado en su escuela durante 14 años, a él le debo el despertar de mi vocación por enseñar.
¿Qué es el teatro para ti?…¿Por qué haces teatro?…
El teatro es mi pasión, mi destino, mi vocación, el lugar donde puedo dar lo mejor de mí misma, donde me expando, crezco y me desarrollo siendo útil a los demás. Me siento muy identificada con ese texto de Nina en La Gaviota “Y cuando pienso en mi vocación no le temo a la vida”.
¿Tu labor en el teatro lo has compatibilizado con otros trabajos?…
He tenido la suerte y la posibilidad de desarrollarme en el teatro desde varios frentes,: la actuación, la enseñanza, la dirección y esto me ha abierto puertas y a la vez he tenido que trabajar muy duro para prepararme y también para compatibilizarlo.
¿Qué balance harías sobre tu larga trayectoria?…
De lo que estoy más contenta es de haber estado siempre en el teatro desde que decidí que era mi camino, también de todo lo que he dedicado y sigo dedicando a formarme, reciclarme, experimentar, buscar nuevos retos. Yo por dentro me siento con la misma ilusion, la misma ansia por saber, el mismo extasis amoroso por actuar… El teatro es ese camino insondable, inabarcable, en el que me adentré con 21 años y todavía sigue siendo para mí un misterio por descifrar, o no, no lo quiero descifrar, quiero que siga siendo un misterio para mí, sorprendente, lleno de nuevos retos…. En realidad el teatro es mi maestro.
¿Qué diferencia hay para ti del teatro que se hacía en tus principios al que se hace hoy en día?…
Ya he comentado antes que yo empecé en el teatro universitario y el teatro independiente, era un teatro de guerrilla, ahora volvemos a las trincheras pero la diferencia es que estamos más preparados, sabemos más, nuestro arte ha crecido, los profesionales se preparan mucho más, y yo me siento más cerca de estas inquietudes de ahora que de las de antes… Y vibro en la esperanza de que desde las trincheras del teatro, este off tan vivo y fuerte que está emergiendo en Madrid se van a producir cambios muy importantes que con el tiempo se recordará como una época gloriosa para la escena de nuestro pais.
¿Qué función crees que ha de tener el teatro para la sociedad de hoy?…
Ayudar a cambiar el mundo, parece muy grande pero así lo siento, contribuir a la revolucción de la conciencia, revelar lo que esta oculto. Lo dicen todos los grandes: Chejov, Shakespeare y yo humildemente y desde mi modesta situación me sumo a ese proposito. Los artistas tenemos que contribuir con nuestro arte al cambio que esta emergiendo y que tanto necesita nuestro mundo.
Despertar conciencias, reflexionar sobre el sentido, la gran pregunta. Ya se la hace Chejov: “¿Para qué nacemos, para qué vivimos?”.
¿En qué proyectos has participado durante el último año?…Háblanos de ellos…
Este año he estado sumergida en un proyecto de creación en el que también seguiré en 2014 “Criatura” en el participo como creadora, codirectora e interprete y que es una apuesta personal muy arriesgada de la que estoy muy contenta. He dirigido por primera vez una Opera como proyecto pedagógico para el Auditorio Nacional “El rio de la vida” algo muy especial que hicimos con la compositora Marisa Manchado, la orquesta nacional, el coro nacional y casi 70 niños de primaria y secundaria, una locura que resultó una experiencia maravillosa. He seguido con el Laboratorio que realizo en CriaturadelArte para actores, este año iniciamos el laboratorio en torno a la la obra de Mouawad y por ultimo el regalo grandísimo que me ha hecho Raul Tejón con el personaje de Andrea en el Huerto de Guindos para La Casa de la Portera.
¿Cómo surgió tu participación en El Huerto de los Guindos?…¿Qué te atrajo de la propuesta…
Raul Tejón me lo propuso y no me lo pensé. El me transmitió mucha confianza, tenía más fé en mi que yo misma. Y la verdad que me pareció tan bello, que él que había sido mi alumno, quisiera dirigirme y me trajera este regalo a mi vida. El personaje de Lubov Andreievna, Andrea en nuestra version es un personaje que me apasiona, es un reto para cualquier actriz, te obliga a rajarte las vestiduras, a entregarte a un viaje apasionante, sin control, un tobogan de emociones, procesos irracionales, locura, contradicciones, desgarro. Ella lo pierde todo, ya lo dice “mi huerto, mi dulce y querido huerto, mi vida, mi juventud, mi felicidad”… pero también es el adios a una forma de vida, a una época y quitando capas es el adios que todo decimos a ese anhelo de felicidad que hemos sentido tan vibrante en la niñez y la juventud, cuando te ibas a comer el mundo, cuando todo era posible…y llega el momento de bajar las armas y aceptar que no sera posible, entonces se nos abre la brecha… o claudicar o abrirnos a una nueva vida, en la que nada es como parecia que tenía que ser, la aceptación…Parece que Andrea esta dispuesta a quemar todos los cartuchos y vivir en la intensidad hasta morir, es su opción y yo la respeto y cada noche viajo con ella, bailo su danza y me da mucho. También esta siendo un viaje actuar en La Casa de la Portera con esa cercania e intimidad con el publico y con un grupo de compañeros maravillosos que me estan enseñando mucho, mucho de humildad, amor al teatro y generosidad…
¿Hay algún proyecto que nunca pudiste realizar y te gustaría?…
Este Huerto es uno de ellos y este personaje es uno de ellos, Criatura mi proyecto de creación en torno al universo poético que me ha marcado en la vida es otro y está en marcha…Me gustaría mucho mucho hacer una puesta con la obra de Wjadi Mowaud con un grupo actores que siento muy afín y con los que llevamos trabajando un tiempo. Y que sigan viniendo textos interesantes, me interesa mucho el teatro contemporaneo, pero también la creación colectiva y hacer nuevas lecturas de los grandes textos.
¿Cómo crees que están afectando los recortes y el aumento del I.V.A. a los proyectos de teatro?…
Esto es una bomba que nos han tirado para acabar con la cultura pero no lo están consiguiendo. Todo esto está hacienda que los artistas y la gente de la cultura estemos hacienda de tripas corazón y derrochando amor e imaginación para seguir creando. Esto implica mucho sacrificio pero estamos resistiendo y abriendo una brecha de esperanza que los politicos y poderos no esperaban. El arte nunca muere y la gente necesita el alimento del arte. A mi me inspira e ilumina este texto de Federico para saber que vamos por el buén camino: El teatro es una escuela de llanto y de risa y una tribuna libre donde los hombres pueden poner en evidencia morales viejas o equívocas y explicar con ejemplos vivos normas eternas del corazón y del sentimiento del hombre. Un pueblo que no ayuda y no fomenta su teatro, si no está muerto, está moribundo…
¿Qué montaje que hayas visto últimamente, te ha interesado?¿Por qué?…
Quede fascinada con SEUL el ultimo montaje que ha traido Mowaud, es un creador que me interesa mucho y su obra me estimula a llevar mi mundo, mi historia a escena, comprometiendome con la universalidad de la mi historia y la de mi pueblo. Y acabo de descubrir a Christiane Jatahy con la version de JULIA que trajo al Valle Inclán… en ambos me facinó la libertad de los creadores, la combinación de lenguajes, como se interrelacionaban lo cinematográfico y lo teatral, la presencia viva y salvaje de los actores en escena, textos llenos de poesía que nos hablaban de un aquí y ahora que nos traspasaba por inmediato y a la vez atemporal.
¿Qué proyectos tienes entre manos?…
Creo que esta pregunta ya te la he contestado en las otras. Hay también un proyecto de cine que me apetece mucho que es la primera película de Albalá-Deudero… En tus huesos afilo mis dientes y depues hay dos proyecto de adaptaciones de textos dramaticos al lenguaje cinematográfico que ojalá lleguen a buen termino porque para mi supondrán dos personajes maravillosos para este momento de mi camino como actriz.
Titzina Teatro…Pako Merino y Diego Lorca nos hablan de la trayectoria de la Compañía
TITZINA TEATRO
¿Cómo surge el proyecto de Distancia siete minutos?…
PAKO: Distancia siete minutos surge de la necesidad de querer contar una nueva historia. Después de cuatro años y más de trescientas representaciones en gira con Éxitus, Diego y yo tuvimos la necesidad de comenzar una nueva creación. Nos sentamos un día juntos y pusimos sobre la mesa cuales eran nuestras inquietudes, qué temas nos planteaban preguntas o nos apasionaban lo bastante como para pasar otros cuatro años hablando de ellos. Uno de esos temas fue: la felicidad.
¿Cómo fue el proceso de creación de la dramaturgia y la puesta en escena?…
DIEGO: Se inició con la elección del tema de la felicidad como punto de partida, a partir de ahí pasamos la fase de documentación en los lugares donde pensábamos que esta temática podía ser observada en su cotidianidad. Esta observación, se ha convertido para nosotros en una de la herramientas básicas a la hora de escribir nuestras obras. Por ello asistimos a conferencias para la felicidad, la cárcel para buscar la relación entre encierro-felicidad y acabos asistiendo a juicios de primera instancia donde los conflictos cercanos entre vecinos, parejas y familia forzó un texto inspirado en la vida de un juez a la búsqueda de la felicidad en su entorno laboral y familiar. Varios meses de escritura conjunta con Pako. Y unos meses más de encierro en el teatro con el resto del equipo artístico.
¿Hay algún referente técnico o estético del que habéis partido para esta obra?…
PAKO: El punto de partida de la obra fue encontrar el guión; la trama que absorbiera nuestra atención y la del público durante más de una hora. El paso siguiente fue la escritura íntegra del texto, siempre basándonos en la mezcla entre la realidad observada en los lugares visitados junto con la fantasía que aportábamos cada uno de nosotros. Dentro de estos mundos medio imaginarios y medio observados estaba todo lo relacionado con el aterrizaje del robot Curiosity en Marte, el mundo de las termitas. Temas que nos llevaron a buscar un espacio más simbólico que otras veces. La escenografía un suelo rojizo de piedras, un fondo de color negro y dos mesas, no sólo marca una estética en el espacio de juego sino que también reflejan o recalcan sentimientos u emociones de los personajes de la obra. Las mesas no sólo actúan como mesas, como puerta o pasillo de una casa, sino que también sirven como pizarras donde el personaje principal Félix puede expresarse a través de dibujos, palabras, esquemas.
¿Cómo ha sido el proceso de creación actoral?… ¿Qué os ha inspirado?…
DIEGO: En el caso de los personajes principales Félix (el juez) y su padre se basa principalmente en la búsqueda de la relación directa que sugiere el texto, adentrándose en las reacciones que surgen de la palabra. El resto de personajes que interpreta Pako se basan en gran medida en la realidad observada por nosotros en los juzgados, esto le dan una fuerza y carácter que configuran una interpretación muy veraz y directa.
¿Qué balances hacéis de la trayectoria de la Compañía?…
PAKO: Pienso que somos muy afortunados por llevar casi trece años haciendo nuestro propio teatro. Un teatro que nos apasiona y conecta muy bien con la gente. Somos libres e independientes como creadores. Todo nuestro esfuerzo se concentra en realizar buenos trabajos. Dedicamos mucho tiempo a cada detalle de la producción, puesta en escena, luces, sonido, cartel, programa de mano, distribución. Esta dedicación luego se ve recompensada tarde o temprano.
¿Cuál ha sido la evolución de los trabajos?…
DIEGO: Distancia siete minutos es nuestra cuarta creación en estos doce años de existencia de proyecto artístico y pienso que hemos ido pasando por las fases propias que te da esta manera de trabajar que nosotros aplicamos; a largo plazo. Con veinticuatro años la dramaturgia, la energía que aplicas en tu trabajo artístico es la del todo o nada ahora intentas calcular más la progresión y el consumo de recursos sin perder la energía del principio. Folie a deux(2001-2005)fue intuición, Entrañas(2005-2009)…compromiso, Exitus(2009-2012)…confirmación y Distancia siete minutos (20.013-…) una necesidad.
¿Qué espectáculo habéis visto últimamente? ¿Qué os pareció?…
PAKO: Hablaré de los dos últimos que me gustaron. Si hablo de los últimos que he visto, más de uno me daría la razón pero igual algún otro me pinchaba las ruedas de la moto. El año pasado vimos Diego y yo en los Teatros del Canal de Madrid, el último espectáculo de Complicite, Master and Margarite. Una sinfonía teatral en el que todos los elementos funcionaban a la perfección. Donde la interpretación, el despliegue técnico, todo, estaba al servicio de la historia, al servicio de algo que pasaba en el escenario y estaba hecho para ser contado, para que el público entrara en conexión con lo que estaba pasando. Como espectador no veías ni al director, ni al actor principal, ni al escenógrafo, la historia estaba por encima de los egos de los artistas. Este es un mal frecuente en esta y otras profesiones. La otra obra que me gustó fue Solfatara de la compañía Atresbandes en la Sala Beckett de Barcelona. Un espectáculo con mucho menos presupuesto que Complicite, también una compañía mucho más joven, pero igualmente un trabajo honesto y bien elaborado.
¿Cómo veis el teatro contemporáneo en España? ¿Creéis que están mejor preparadas las nuevas generaciones de creadores?…
DIEGO: Todas las épocas han tenido grandes gentes de teatro. El talento o la necesidad artística nacen de una combinación tan compleja de factores que creo los hacen independientes a las coyunturas del momento. Refiriéndome claro está al teatro que trasciende y no el que se hace a medida.
¿Qué teatro hay que hacer para estos tiempos tan confusos?…
PAKO: El mismo que en tiempos menos confusos. Un teatro exigente para el artista y para el público. Un teatro que emocione, que haga reír, llorar, pensar, pero que haga algo.
Que sea cualquier cosa menos insustancial.
¿Cómo creéis que está afectando la subida del I.V.A. y los recortes a la escena?…
DIEGO: Lógicamente en un sistema profesionalizado como es el teatro español. Encarecerlo significa, utilizando expresiones que les gusta mucho a los que toman esas decisiones, perder competitividad, perder cuota de mercado, bajada de consumo, externalización, perdida de rentabilidad, ERE, perdida de puestos de trabajo, TRAGÉDIA!!!!! Por lo tanto TEATRO, vacío, sin recursos, empobrecido pero TEATRO. Copia fiel del resto de la sociedad como no podía ser de otra forma.
¿Proyectos?…
PAKO: Ahora dejar crecer Distancia siete minutos. Después, seguir aprendiendo todo lo que podamos. Es una de las fuentes de la felicidad.
Alguna sugerencia para seguir creando en tiempos de crisis…
DIEGO: Menos es más. Pero no cualquier cosa ni a cualquier precio.
PAKO: Aprovechar los tiempos de crisis como sugerencia para seguir creando.
Luz Arcas nos habla de la trayectoria de La Phármaco aprovechando el estreno en Madrid de Éxodo: Primer día.
¿Cómo surge el proyecto Éxodo: primer día?…
Nace de la idea de bailar la tragedia antigua. Nace de imaginar la danza encarnando una tragedia de Sófocles. De imaginar cómo sería el cuerpo trágico, la danza trágica (su temporalidad, su forma, sus dinámicas). Cómo sería bailar a Edipo y Antígona (su gestualidad, su plástica).
También nace de un interés por retomar el antiguo sentido del espectáculo escénico, y llevarlo a la danza: por un lado, recuperamos el concepto de repertorio, es decir, tramas y argumentos que forman parten de la cultura occidental, y que se ponen en escena no para contar historias nuevas, si no para ahondar en la manera de contarlas, en el cómo; por otro, profundizar en la danza contemporánea como un arte más amplio de cómo suele concebirse, como parte del espectáculo total, que pese a seguir siendo el centro de la obra, está al servicio del libreto que hemos construido y dialoga con la música que se interpreta en directo. La danza pretende disolverse en el todo, que es Éxodo: primer día.
El libreto se construye a partir de los silencios entre las tres obras del ciclo tebano: baila lo que Sófocles no cuenta, los espacios en blanco provocados por las unidades de espacio, tiempo y decoro clásicos. El camino (el éxodo) de Edipo ciego y desterrado después de su tragedia, acompañado por su hija Antígona al bosque de Colono; la muerte de Edipo, con la esperanza de que su muerte redima a los suyos de la condena trágica; y el regreso (el primer día) de Antígona ya a solas a la ciudad de Tebas, cuando intuye que la muerte de su padre no la librará de su propia tragedia.
La música y la coreografía se inspiran en la época arcaica griega, para buscar un resultado contemporáneo, propio, que hable de nuestro tiempo.
¿Hubo ocasión durante el proceso para que los bailarines aportasen ideas en la dramaturgia y en la puesta en escena?…
Coreográficamente, trabajo con la particularidad del cuerpo del intérprete (su cuerpo como encarnación de todo lo que es como persona, por supuesto). El personaje de Edipo está creado para y con Regina Navarro. Todos los movimientos nacen del diálogo entre su visión de la danza y la mía, y en la visión que uno tiene de la danza, está su visión del mundo. Así que como intérprete ha ido dirigiendo parte de la dramaturgia, pero desde dentro, como Edipo, o como el Edipo que ha construido Regina. Con otra intérprete habría resultado otra obra.
¿Hay algún referente técnico del que habéis partido para este espectáculo?…
Creo que no. Sabíamos que trabajaríamos con espacio vacío y que la luz (Jorge Colomer) iba a ser un personaje más, mejor dicho, el tiempo de la obra. Sabíamos que queríamos trabajar con ciclorama porque queríamos que la acción sucediese en un exterior (el camino al bosque y el bosque). También sabíamos desde el principio que la música iba a ser en directo. Pero todo esto iba surgiendo a medida que concebíamos la obra, no antes de concebirla. Son elementos que la propuesta requiere.
¿Cómo ha sido el proceso de creación? ¿Qué os ha inspirado?…
El proceso de creación ha sido lento porque hemos tenido que ir descubriendo el camino. Teníamos que encontrar, primero, el lenguaje del cuerpo, la danza trágica. Nos inspiramos en las kores, los frisos, las vasijas, rescatando algunos detalles gestuales y compositivos, como la simetría, la sobriedad, el esquematismo, la simbología de los elementos, pero no era un trabajo de reconstrucción, si no de búsqueda de un lenguaje nuevo, contemporáneo, pero que conservara el sentimiento trágico.
Con la música ha sucedido lo mismo. Hemos partido de recreaciones de la música griega arcaica, pero también de Scelsi, y por supuesto, de la visión musical de cada uno de los compositores e intérpretes (Mariano Peyrou, Xosé Saqués y Laura Fernández). Abraham Gragera y yo queríamos que la música fuese el espacio de la obra, no solamente temas que acompañan e intensifican la danza.
¿Qué balances hacéis de vuestros últimos trabajos?…
Estamos contentos porque vemos que el lenguaje de La Phármaco es cada vez más preciso. Tenemos cuatro obras en el repertorio, hemos hecho una obra por año prácticamente, y eso, además de porque el panorama actual exige estar más activo que antes ya que las obras tienen un período de difusión más corto (al menos para una compañía joven y sin mucha infraestructura como la nuestra), es porque hemos necesitado ir más lejos. Cada obra deja una gran satisfacción, que es la esperanza de la siguiente.
¿Cómo veis la programación de danza en España?…
Creo que hay un problema esencial que impide que exista una afición a la danza contemporánea, y es que ninguna institución asume el riesgo de que la danza contemporánea española llegue a los grandes teatros, no en la programación excepcional de un festival especializado, sino para hacer temporada. La danza contemporánea atraviesa un momento creativo especialmente fructífero, sólo necesita apoyo institucional: apoyo institucional no es dar subvenciones, a mi juicio, es apostar porque las obras de danza contemporánea estén tiempo en la cartelera de los teatros públicos. Es la única manera de sacarla de las élites alternativas y de la endogamia a la que se ve condenada.
¿Qué espectáculo de danza habéis visto? ¿Qué os pareció?…
He podido ver varias obras de Madrid en Danza. Una de las últimas fue La consagración de la primavera y La Anunciación de Preljocal. Iba con muchas ganas porque La consagración de la primavera es una pieza que me gusta mucho, y soy especialmente devota de la de Nijinsky.
La verdad es que la versión de Preljocaj no me pareció del todo lograda. Sentí que el coreógrafo no había entendido el mito. Había incongruencias en la dramaturgia. No contó el mito, pero tampoco consiguió la revisión irónica o posmoderna que parecía pretender.
La música de Stravinsky es demasiado poderosa, arrasa con todo. Me parece que solamente la de Nijinsky ha superado la prueba de crear una danza de las dimensiones de la partitura (incluso esto es puesto en duda por una parte de la crítica especializada).
El movimiento tampoco me pareció muy interesante. Me extrañó descubrir esto, porque hemos estudiado parte de la coreografía en el conservatorio, y la sensación al bailarlo es mucho más poderosa que al verla como espectadora.
Sin embargo La Anunciación me pareció muy interesante. La puesta escena, la propuesta de iluminación, el movimiento y la visión del autor sobre el tema, parecían el resultado de una investigación profunda, original, sorprendente y de una gran belleza.
¿Cómo veis la danza contemporánea en estos momentos?…
En España existe una gran contradicción entre la producción de obras, el número de coreógrafos y de bailarines y la recepción, el número de espectadores: casi hay más gente que necesita bailar que la que necesita ver danza, como algo habitual en su vida. Es un arte que tiene poco público, por desagracia no es solamente un tópico.
Creo que la culpa es tanto de los creadores como de los que programan o conciben los planes para apoyar este arte. La danza contemporánea ha nacido en España como un arte elitista, consolidado en los márgenes de la oficialidad, no tanto por su pureza, como muchos quieren creer, sino, más bien por la desconexión de los creadores con las necesidades reales de la gente.
Quiero pensar que ha llegado el momento de que ambas partes, creadores y programadores, den un paso más, que en los primeros consiste en pensar más en el público, y en los segundos en favorecer que la danza sea algo oficial, asequible y necesario para la vida de las personas. Y esto sólo se consigue programando danza, única manera de que el público se familiarice con este lenguaje.
Por eso las representaciones en el Teatro Galileo pueden ser una oportunidad no sólo para nosotros, sino para la danza, ya que si funciona, probablemente programen danza de forma habitual.
¿Proyectos?…
Pues estamos dedicados a la difusión del repertorio de la compañía y con algunos proyectos para que salga también fuera de España. Y preparando la siguiente obra, que nos gustaría estrenar, si va todo bien, a finales de 2014 o a principios del 15.
¿Cómo está afectando la subida del I.V.A. y los recortes en vuestros trabajos?…
Como hemos tenido la mala suerte de nacer como compañía en tiempos de crisis, todo ha sido muy difícil desde el principio. El público ha bajado mucho, y ya no hay subvenciones, y han desaparecido teatros especializados en danza, y festivales. Por desgracia nos hemos criado en este ambiente. Así que la sorpresa vendrá cuando todo sea más fácil. Lo malo es que volver a lo de antes no va a ser tan fácil, porque como dice Stanislaw Jerzy Lec “construimos para siglos, destruimos para siempre”.
RUTH GABRIEL nos habla de sus trabajos como actriz ante el estreno de Una vida robada
¿Qué es el teatro para ti?…
El teatro para mí es un hogar. Crecí (casi nací) en él, y me siento en mi elemento. Sin embargo, es tal el respeto que siento por el teatro que me obliga a una mejora y una investigación constante. No me deja dar las cosas por sentado, puesto que la respuesta del público es inmediata y variable, con lo cual, función a función, se abren siempre nuevas posibilidades de enfocar el trabajo.
¿Por qué haces teatro?…
La pregunta para mí, no sería por qué hago teatro, sino por qué soy actriz. Creo que todo artista tiene una necesidad de “regalar”, de crear un viaje para los demás (público, oyente, lector…) un viaje que les lleve desde el centro de su ser a otros límites, fuera de sus experiencias cotidianas. Al dar este regalo, nos estamos impulsando nosotros mismos a transitar ese viaje, somos los que abrimos camino, con lo cual somos los primeros en beneficiarnos. En el caso de la interpretación, sentir al público vibrar con la experiencia del viaje estimula a probar nuevos caminos, cruzar otros límites, volar más alto. Esto finalmente crea un buen equilibrio entre el dar y el recibir, que nos alimenta a unos y a otros.
¿Qué balance haces de tu trayectoria como actriz?…Háblanos de tus últimos trabajos…
Mi padre (Ismael Abellán) era actor, mi madre (Ana Rossetti) es escritora, mis dos tías (Susi Sánchez y Consuelo Trujillo) son actrices también, y desde bien pequeña he vivido los altibajos de las profesiones artísticas, lo cual ha hecho que en el fondo nunca tenga miedo cuando las cosas no salen exactamente como a mí me gustarían. Lo que he aprendido es que lo más importante es mantenerse constante en el crecimiento. No en la proyección pública, sino en crecer como artista cada vez un poco más sin prisa pero sin pausa, y lo cierto es que en los últimos trabajos reconozco sentirme orgullosa de todo lo que he aprendido o avanzado. En esto también incluyo la televisión: hacer un personaje en una serie diaria con una velocidad trepidante como Bandolera, me obligó a confiar plenamente en mi instinto, porque a ese ritmo no da tiempo a darle demasiado tiempo y espacio a otro tipo de trabajo más elaborado. Después de eso he hecho bastante teatro, que ha sido como un regreso a mis orígenes familiares. Haber formado parte del elenco de “EL GRAN TEATRO DEL MUNDO” de Calderón con versión y dirección de Carlos Saura fue otra prueba de fe: Uno tiene que ser humilde, pero también demostrarse a una misma que está perfectamente a la altura, y las críticas recibidas hacia mi trabajo me recordaron que en el fondo llevo en esto toda la vida, y que estoy aquí no solo para trabajar como una jabata, sino también para disfrutar como la que más.
¿Por qué no haces más cine o televisión?…
No es, desde luego por elección mía. Cada cierto tiempo reconozco que me entra mono de cámara, y me encanta la mecánica de equipo que se crea en un rodaje. Pero luego me he dado cuenta de una cosa: por alguna razón existe cierto pudor a llamarme para papeles pequeños, y no siempre doy el perfil para la protagonista. Eso lo he vivido de manera particular este verano cuando tuve que convencer a Belén Macías que me hacía especial ilusión trabajar con ella, aunque el único papel que tuviese para mí en su película Marsella fuese pequeño. Al final lo cogí con todo el cariño, lo disfruté a lo grande y me sentí exquisitamente dirigida por Belén, y eso no me lo quería perder por nada del mundo.
¿Cómo surge el proyecto de “Una vida robada”?…Háblanos de tu personaje…
¿Hubo ocasión durante el proceso para que los actores aportaseis ideas en la puesta en escena?… ¿Cómo ha sido el proceso creativo?…
¿Hay algún referente técnico o artístico del que has partido para crear tu personaje?…
En cuanto al proyecto en sí, como todo proyecto sufrió muchas vueltas, enterramientos en el cajón, resurrecciones de cajón y un largo etc… en cuanto a cómo llego yo al proyecto, hay una parte que le debo a mi querida amiga y compañera Marta Hazas. El resto del elenco ya estaba cerrado, pero seguían dándole vueltas a el personaje de Luz, que al ser el protagonista lleva mucho peso sobre sus hombros. Por lo que me cuentan tanto el director, Julián Fuentes Reta, como Antonio, el autor, tenían gran interés en que yo lo hiciera, pero no sabían cómo dar conmigo. Antonio lo comentó con Marta, ella me mandó un wassap, y 3 minutos más tarde tenía el libreto en mi ordenador. Por supuesto fue un flechazo instantáneo con El libreto, pero sobre todo con Luz.
Luz me fascinó porque es un personaje fuerte y valiente, con una herida, un vacío profundo que le hace lanzarse a todo, de mentir incluso para llegar a la verdad. Dulce y manipuladora, encantadora y cruel, llena de contradicciones como cualquier ser humano y que se enfrenta todo el tiempo a la necesidad de tomar decisiones rápidamente, lo cual resulta muy atractivo para trabajar.
El otro atractivo era el director. Yo ya había visto montajes de Julián Fuentes Reta y conocía compañeros que habían trabajado con él. Su proceso creativo es muy hermoso. Trabaja buscando la harmonía física y emocional de estos seres humanos que nos toca llevar alumbrar dentro del contexto de la función. Nos guía a través del viaje de nuestros personajes, y nos permite, a partir de ahí aportar nuestros movimientos. En este caso además había que aportar un trabajo de investigación. Al estar hablando de una historia, inspirada en hechos reales, había que documentarse bien y hacer también deberes no solo sensoriales, sino también intelectuales, y el proceso de mezclar todos estos esfuerzos ha sido maravilloso.
¿Cómo preparas los personajes?… ¿Cuál es tu método?…
Cada personaje, cada proyecto, cada contexto requiere una preparación diferente. Lo que siempre hago es un trabajo previo de mesa y luego observo, y me dejo guiar y “contaminar” por lo que me piden o me ofrecen los diferentes directores y los compañeros, encontrando el espacio de mi personaje dentro de lo que veo y escucho.
¿Qué función crees que ha de tener hoy el teatro para la sociedad en la que vivimos?…
¿Cómo crees que está afectando la subida del I.V.A. y los recortes al teatro?…
El teatro siempre ha recreado verdades que sirvan como testimonios para redefinir nuestro espacio en la historia. Necesitamos un recuerdo del pasado un espejo del presente y una clave para el futuro, y el arte en general lo ofrece y lo expone.
Por eso pienso que la subida tan desproporcionada del IVA y los recortes al teatro, a las artes e incluso a la investigación no son más que una castración de nuestra voz, de nuestra historia, de nuestra manera de expresar lo que vivimos y lo que somos, del legado que tenemos la obligación de dejar a las generaciones venideras para que puedan saber el “lo que ha sido” y con esa herramienta crear el “lo que puede ser”.
¿Alguna sugerencia para seguir creando en tiempos de crisis?…
¿Qué obra de teatro has visto últimamente? ¿Qué te pareció?…
Estoy viendo muchos montajes arriesgados y maravillosos. Algunos que gozan de un gran presupuesto y un extenso elenco y otros (los que van proliferando) monólogos con montajes sencillos de bajo presupuesto donde la fuerza está en un actor o actriz totalmente expuestos sin más ayuda que su inmenso talento. Hacia ellos va mi más profunda admiración, y entre ellos destaco a Isabelle Stoffel con La Rendición (dirigido por Sigfrid Monleón), que empezó en el microteatro y cuya gira y cosecha de merecidísimo éxito parece no tener fin, mi cada vez más admirado José Luis García Pérez con su Diario de un Loco (dirigido por Luis Luque) que nos dio una maravillosa lección de libertad y locura sobre el escenario del Matadero de Madrid, y una impresionante María Hervás que me dejó sin palabras y prácticamente sin aliento en Confesiones a Alá (dirigido por Arturo Turón).
¿Proyectos?…
En cuanto a proyectos para este año, tengo previsto compaginar la gira de Una Vida Robada con el rodaje de HIELO (una coproducción hispano portuguesa dirigida por Luis Galvao) y TIEMPO SIN AIRE (de Samuel Martín Martín Mateo y Andrés Luque).
Ramón Barea, Premio Nacional de Teatro y protagonista de Montenegro en el CDN nos habla de su trayectoria en el teatro
QRLA empieza su andadura en el 2014 con una entrevista a Ramón Barea.
¿Cómo fueron tus inicios en el teatro?…¿Realizaste otras facetas además de la actuación?…
De veinteañero en Bilbao, formé un grupo»profesional al calor del Teatro Independiente que se llamó COMICOS DE LA LEGUA, en el estaba Alex Angulo entre otros actores. Anteriormente había hecho teatro aficionado. Fui, de adolescente, un espectador compulsivo de teatro. Quería ser actor, aquello me fascinaba.
¿Qué es el teatro para ti?…¿Por qué haces teatro?…
Es mi vida. A veces pienso que las actividades artísticas encubren una forma de canalizar una patología, probablemente desemboqué en esto porque era una manera de vencer mi timidez, no se…pero ahora mismo no imaginmo otra vida sin ser actor.
¿Qué balance harías sobre trayectoria?…
Valoro mucho el haber podido trabajar de manera continuada en teatro, cine, televisión, haber podido escribir, dirigir… es lo mejor que me podía haber pasado. Y aun me queda guerra que dar.
¿Qué diferencia hay para ti del teatro que se hacía en tus principios al que se hace hoy en día?…
Yo comencé haciendo teatro de grupo, creación colectiva…era un poco una postura militante, de grupo, aunque ya desarrollaba labores de dirección y de escritura dramática. Ahora hecho de menos precisamente aquellos equipos estables de trabajo. Eran una forma de crecer, de arroparse, pero también una actitud de equipo estable de trabnajo que ahora es menos frecuente. Todo el mundo hace la carrera por libre, y por individual.
¿Qué función crees que ha de tener el teatro para la sociedad de hoy?…
Un lugar de encuentro y de reflexión, un espacio compartido.
¿En qué proyectos has participado durante el último año?…Háblanos de ellos…
Este año estuve en LA MONJA ALFEREZ bajo la direcciñon de Juan Carlos Rubio. En el PABELLON 6 de Bilbao dirigí el espectáculo HOY ULTIMA FUNCION, y ahora estoy metido hasta el cuello en el MONTENEGRO.
¿Cómo surgió tu participación en Montenegro?…
Me llamó Ernesto Caballero, y no veas tu como me alegré de esa llamada. Por volcver a trabajar con Ernesto y por poder hacer ese persponaje tan especial que es Juan Manuel Montenegro.
¿Cómo ha sido el trabajo con el director?…¿Y con el resto del equipo?…
Ernesto me gusta mucho porque nunca trabaja sobre lo previsible, siempre lleva sus trabajos un poco mas lejos de lo que consigue en los primeros ensayos. Esto a los actores nos produce vértigo, inserguridad, inicialmente, pero luego es un viaje muy gozoso hacia algo desconocido. Me gusta que se genere caos e incertidumbres en los ensayos.
¿Qué visión se da de la obra de Valle Inclán?…
Yo creo que hace una lectura simbolista, que se usan las acotaciones de Valle como uuna sugerencia para crear los ambientes, las atmósferas, pero que Ernesto no ha querido hacer simple ilustración. Me ha parecido muy valiente. Valle Inclán que parece un autor «de siempre» está por descubrir, por interpretar.Parece una paradoja pero creo que es así.
¿Qué proyectos tienes entre manos?…
En cine, haré una peli «rara» fuera de las que ha hecho anteriormente con BORJA COBEAGA, sobre un negociador socialista con ETA, y en teatro estoy enredando con JUAN MAYORGA en un proyecto que tiene y en el que va a contar conmigo como actor, junto con Edu Soto. Va de ajedrez.De jugadores de ajedrez.
¿Cómo crees que están afectando los recortes y el aumento del I.V.A. a los proyectos de teatro?..
El IVA es mortal, yo confío en la marcha atrás de la decisión.
¿Qué montaje que hayas visto últimamente, te ha interesado?¿Por qué?…
Me gustó mucho EL PENAL DE OCAÑA de Nao D´amores por ser una pequeña pieza, entrañable y magníficamente interpretada.
¿Alguna sugerencia para seguir creando y haciendo teatro en tiempos de crisis?…
Las de siempre, no esperar a que nos llamen, a que nos contraten, trabajar, actuar en espacios diferentes. Ofrecer teatro en el barrio, en el entorno cercano. Cuando el mensaje es: no se puede hacer nada mas, es cuando mas hay que moverse.
¿Qué ha significado para ti el Premio Naciona de Teatro?…
Fue una alegría enorme. Primero gran sorpresa porque yo no soy el actor de moda, ni estoy en la cresta de la ola, soy un corredor de fondo, un currante del teatro. Pero por esta misma razón me alegró especialmente la decision del jurado. Siento que el premio pertenece a mucha gente que ha viajado conmigo en mi vida profesional, y me he alegrado comprobar que lo han sentido así. Feliz, feliz, y además me he quitado varios préstamos bancarios que me acosaban. Seguimos, seguimos….
Pedro G. de las Heras nos habla de su trayectoria en la escena
¿Cómo fueron tus inicios en el teatro?…¿Realizaste otras facetas además de la actuación?…
Profesionalmente de la Mano de la maestra Dolores Marco, como corista en la compañía de Zarzuela de Juanjo Seoane, haciendo repertorio y muchas giras, mas tarde la RESAD, con una maestra Adela Escartin y un maestro Pepe Estruch realmente excepcionales, Al salir de la escuela montamos dos empresas de producción: Corral 86 y La Marítima Espectáculos, en las que aparte de actuar todos hacíamos de todo, y a mí me toco la gerencia. Creo que a lo largo de todo este tiempo he hecho de todo: producción, gerencia, regidurías, ayudas, dirección…
¿Qué es el teatro para ti?… ¿Por qué haces teatro?…
Toda mi vida gira en torno a mi profesión, me gusta contar cosas, bien interpretando o dirigiendo, y ojala las cosas que hago, aunque solo sea por un segundo transforme la vida de alguien, le lleve a otro sitio, provoque una reflexión, una risa, un silencio, una duda, una discrepancia…
¿Qué balance harías sobre tu trayectoria?…
Me considero muy afortunado a lo largo de más de treinta años he conseguido vivir de mi trabajo, discretamente pero con constancia, he conocido a profesionales maravillosos y trabajado con directores a los que he admirado y de los que he aprendido: Montesinos, Plaza, Narros, Luis Olmos, Ramón Simó, Ernesto Caballero, Santiago Sánchez, María Ruiz, Mariano de Paco…con Zampano teatro haciendo repertorio de teatro clásico, coqueteos con el musical… dirigiendo cinco montajes con Descalzos Producciones la empresa de Jesús Cisneros y Yolanda Arestigui a los que estoy tremendamente agradecido por la confianza que depositarnos en mi dándome esa oportunidad.
¿Qué función crees que ha de tener el teatro para la sociedad de hoy?…
Los que ha tenido siempre, entretener, formar, concienciar, abrir mentes…
¿En qué proyectos has participado durante el último año?…Háblanos de ellos…
Los dos últimos años han sido muy duros, el último montaje en el que participe “Para Bellum” una producción de La Estampa Teatro, dirigido por Mariano de Paco, con un texto de Concha Rodríguez fue en 2010 y desde entonces cuatro o cinco sesiones de televisión y mucho tiempo dedicado a un grupo de teatro aficionado que dirijo en mi pueblo, “Xexil Body Milk” desde hace más de veinticinco años. Dos años en paro, pero no parado.
¿Qué proyectos tienes entre manos?…
En el mercado, je je je… abierto a todas las propuestas que puedan venir y mientras tanto una nueva producción con XBM para Abril y muy probablemente la dirección de un texto con un grupo de actores profesionales, con muchas ganas de sacar un pequeño proyecto adelante.
¿Cómo surgió tu participación en “Carlota”?…
Cuando vi que Mariano, iba a dirigir en el CDN, le llame por teléfono para recordarle que estaba “libre” jejeje y le estoy muy agradecido por haber contado conmigo para este trabajo.
Háblanos de esta experiencia…¿Cómo ha sido trabajar con Carmen Maura?…
La primera sorpresa viene con el texto, para mi desconocido de Mihura y no sé cómo no se ha hecho antes, aparte de todo el humor de su autor, la construcción, la trama policiaca… hacen de Carlota una pieza indiscutible de la historia del teatro español y mi personaje a pesar de ser puramente anecdótico es maravilloso y en esa única escena Mihura me regala un Doctor Whtas en la línea de esos personajes de reparto imprescindibles en su teatro… trabajar con Carmen, de la expectación fruto de la admiración a la normalidad de una compañera más, con ese sentido del humor que le hacen tan especial, ya en la primera lectura era Carlota.
¿Cómo crees que están afectando los recortes y el aumento del I.V.A. a los proyectos de teatro?…
Es evidente la cantidad de puestos de trabajo que se han perdido, las empresas que han cerrado y las que no han trufando sus repartos con nombres que les garanticen la atracción del público… pero por otro lado ese componente tremendamente vocacional de nuestra profesión nos está moviendo a nuevos modos de producción, imaginando, inventando otras formas que están dando magnificaos resultados.
Qué montaje que hayas visto últimamente, te ha interesado?¿Por qué?…
Disfrute muchísimo con Desclasificados, en El Teatro Bellas Artes, entretiene y provoca la reflexión, partiendo de un texto magnifico y con interpretaciones de lujo.
¿Alguna sugerencia para seguir creando y haciendo teatro en tiempos de crisis?…
No dormirse, ni esperar… inventar y actuar.
Rosángeles Valls nos habla de la trayectoria de Ananda Dansa
¿Cómo surge el proyecto de Peter Pan?…
Peter Pan es un espectáculo que la compañía Ananda Dansa creó en el año 2002. La idea de subirlo de nuevo a un escenario y, por supuesto de crearlo nuevamente, partió de los Teatros del Canal. Querían un espectáculo para todos los públicos, en el sentido más literal del término, que pudiera compartir escenario en horario matutino con otro espectáculo; en este caso con Momix. Por tanto tenía que ser un espectáculo de una cierta envergadura y con un nivel de calidad apropiado. Peter Pan de Ananda Dansa ya era un espectáculo lo suficientemente contrastado. Y así surgió el encargo que nosotros aceptamos gustosos y emocionados. Revisitamos nuestra memoria coreográfica y, a partir de aquella experiencia, rehicimos al completo y de nuevo Peter Pan para convertirlo en una nueva creación 2013.
¿Hubo ocasión, durante el proceso, para que los bailarines aportasen ideas en la dramaturgia y la puesta en escena?…
Nuestra compañía defiende el equipo artístico como uno de los mayores valores: la suma de talentos y el organigrama horizontal. Sin embargo, cuando hablamos de llevar a la danza un clásico de la literatura universal, el trabajo dramatúrgico y la puesta en escena parten de un previo a la sala de ensayos, de un guión muy estudiado y trabajado dividido en secuencias que, finalmente se subdividen en coreografías. Con los bailarines hemos trabajado los distintos cuerpos de los múltiples personajes que salen en la obra, en ese sentido ellos han aportado su creatividad como intérpretes y como bailarines.
¿Hay algún referente técnico o estético del que has partido para esta coreografía?… Háblanos de ello…
Mi referente siempre ha sido la obra de Barrie: ser lo más fiel a su autor y al mismo tiempo ser capaz de extraer de la historia su núcleo dramático y recrearlo dotándolo de una nueva voz, la danza contemporánea, el lenguaje con el que mi compañía se expresa y se comunica con el público.
¿Cómo ha sido el proceso de creación?… ¿Qué te ha inspirado?…
Este segundo proceso de creación ha sido todo un lujo. Cuando se tiene la oportunidad de revisitar una antigua creación se parte de una importante base: los diseños, la música, la dramaturgia ya existe. Solo hemos tenido que hacer un ejercicio de crítica hacia nosotros mismos, hacia nuestra creación y a partir de ahí empezar de cero.
La elección del casting, los bailarines, ha sido esencial: con un alto nivel técnico e interpretativo, bailarines creadores y receptivos, capaces de implicarse emocionalmente con cada uno de los personajes de Barrie. Hay que tener en cuenta que la obra de Barrie no es en absoluto superficial, como nos ha hecho creer Walt Disney; cada uno de los personajes de Peter Pan son personajes complejos llenos de contradicciones y con características muy particulares.
Estamos muy orgullosos del trabajo técnico e interpretativo de nuestros bailarines.
¿Qué me ha inspirado, qué nos ha inspirado?… Ananda Dansa defiende el poder de comunicación de la danza, el poder del cuerpo como medio de transmisión de ideas y de emociones. Nuestro proceso de creación a lo largo de estos treinta años de historia de la compañía se ha centrado en configurar un lenguaje propio capaz de compartir emociones con el público, capaz de presentar espectáculos en los que los espectadores “entiendan” –ir más allá de la estética y de la belleza de los cuerpos–. Crear historias.
Y en este espectáculo hay historias y sub historias. Como ejemplo pondré una frase de M. Cataluccio cuando vio la estatua de Peter Pan que en 1912 se instaló en los jardines de Kensington: “No se transparenta el demonio que hay en Peter!”, exclamó.
¿Qué balance haces de tus últimos trabajos como creadora?…
Ananda Dansa es un equipo con Edison y yo a la cabeza, pero con otros creadores con los que contamos habitualmente: Pep Llopis en la composición musical, Toni Aparisi en el vocabulario coreográfico, Emilio Lavarías en la iluminación… Edison en la dirección teatral y escénica y yo en la dirección escénica y en la coreografía somos los motores y responsables del lenguaje de nuestros espectáculos.
¿Balance? Regusto amargo e insatisfacción: investigar, experimentar con nuestros hallazgos y el inconformismo, nos llevan a intentarlo una y otra vez.
¿Cuál ha sido la evolución de tus trabajos en Ananda Dansa?…
En un principio estábamos más abocados a la búsqueda de un lenguaje que uniera las dos disciplinas artísticas: el teatro y la danza. Pero con el tiempo, ya superadas muchas de las fronteras que nosotros mismos nos imponíamos, hemos llegado a una síntesis en el que la danza de creación está cada vez más presente, ya sin el miedo a perder la relación de complicidad y de afecto que a lo largo de nuestra historia hemos conseguido consolidar con el público.
¿Qué espectáculo de danza has visto últimamente? ¿Qué te pareció?…
Soy una gran consumidora de espectáculos de danza y de teatro, y siento un gran respeto a todos y cada unos de las personas que se atreven a subirse a un escenario. No critico, admiro y reflexiono.
¿Cómo ves la danza contemporánea en España? ¿Crees que están mejor preparadas las nuevas generaciones de bailarines?…
La danza contemporánea está pasando un mal momento. No hemos sido capaces de conformar una programación estable que consolidara un público. Y la crisis se está llevando por delante a muchas de las compañías. Si no se actúa, no se avanza en la creación de un lenguaje ni de un público.
Y sí, los bailarines están mucho mejor preparados técnicamente.
¿Qué referentes internacionales tienes en la danza contemporánea?…
Carolyn Carlson, Pina Bausch, Bagouet, Maguy Marin, Jiry Kylian, Mats Ek y tantos otros… sin olvidar, aunque son del mundo del teatro, a Kantor, Odin Teatret y Bertolt Brecht.
¿Cómo está afectando la subida del I.V.A. y los recortes a la escena en vuestra Compañía?…
Ya no tengo la visión del medio plazo, el día a día se convierte en un ejercicio de supervivencia.
Para nosotros es muy importante atender con puntualidad y dignidad las nóminas de nuestro equipo. Creemos que este es un arte vocacional y pasional, pero también es de mucho sacrificio, de mucha dedicación, nos negamos a que nuestra gente ejerza el voluntariado como si fuera parte de nuestra profesión. Yo, aunque ya no suba al escenario, he sido bailarina y sigo luchando por nuestros derechos. El día que no podamos pagar a nuestros bailarines bajaremos la persiana.
¿Proyectos?…
Siempre! Y varios… Otra cuestión es el poder llevarlos a la práctica…
¿Alguna sugerencia para seguir creando en tiempos de crisis?…
No hay sugerencias que nos sirvan a todos. Pero Ananda Dansa intenta hacer lo que debe en lugar de lo que quiere, con la esperanza de que, algún día, pueda realizar ese proyecto anhelado.
Álvaro Morte nos habla de los proyectos con 300 Pistolas
¿Cómo surge el proyecto sobre Mihura que presentáis en Nave 73?…¿Cuál es tu versión?…
Yo siempre le tuve muchas gana a Mihura, uno de nuestros más grandes dramaturgos, dos veces premio nacional de teatro… Y me puse a investigar en sus obras para ver cual montábamos con 300 Pistolas. Me resultaba muy interesante que en Tres Sombreros de Copa, Mihura alojara en el mismo hotel al protagonista y a una compañía de music hall. Me parecía que Mihura jugaba en cierto sentido a hacer teatro dentro del teatro y eso entroncaba con mi primer objetivo al emprender esta versión: hacerle un homenaje al autor y a tres de sus grandes pasiones, el teatro, el cine y el mundo de los actores. A partir de ahí, la inspiración vino directamente a través de los grandes cómicos del primer tercio del s. XX, los cómicos que pudieron haberle gustado a Mihura.
¿Hubo ocasión, durante el proceso, para que los actores aportasen ideas en la dramaturgia y la puesta en escena?…
¡Por supuesto! Sería absurdo no escuchar sus aportaciones, opiniones… ¡Son buenísimos y sería muy poco inteligente por mi parte no aprovecharles!. Tengo la suerte de contar con un equipo fantástico. Además se tiran a la piscina sin salvavidas cuando les propongo un camino a seguir. Es muy fácil trabajar con ellos. Saben que tienen la libertad de proponer en todo momento y siempre lo hacen a favor del espectáculo. Un lujo, vaya.
¿Hay algún referente técnico o estético del que has partido para esta puesta en escena?… Háblanos de ello…
Como comentaba, la inspiración de la versión fue apoyada en los grandes cómicos de principios del s. XX. A nivel estético y de puesta en escena hemos querido también respetar esa época: el cabaret, el teatro de variedades, incluso los freak shows, y todo ello apoyado en la loca forma de hacer de los Hermanos Marx, en la comicidad del hieratismo de Buster Keaton, en la precisión de los movimientos de Chaplin… Ha sido muy gratificante estudiar tan a fondo a todos ellos y trabajar en su línea. ¡Te reafirmas en que siguen siendo unos artistas enormes!. Por otro lado, el trabajo con Blanca Clemente, la responsable de vestuario y escenografía ha sido también estupendo. Desde un primer momento estábamos muy de acuerdo en cuanto a la estética, los colores, los homenajes a todos aquellos personajes… Fredeswinda Gijón, encargada de las coreografías ha sido otro gran descubrimiento.
¿Cómo ha sido el proceso de creación?…¿Qué has querido contar desde la dirección?…
A mí me gusta embarcarme muy a fondo en la investigación del autor y su obra. Me gusta imaginar qué se le pudo pasar por la cabeza cuando escribió el texto y cómo le hubiera gustado que se representara. A raíz de ahí, empiezo a trabajar con los actores sin dejar de investigar, de probar. Hay un día en que de repente todo se clarifica y ves el camino por el que quieres continuar. Ese día fue el que descubrí que a Mihura no sólo le encantaban los Hermanos Marx, sino que llegó a dirigir el doblaje de Una Noche en la Ópera. Todo parecía cuadrar. A partir de ese momento, lo que me interesó contar es que Mihura está absolutamente conectado con aquellos grandes cómicos, que su texto sigue estando vigente y que os otro grande, como lo fueron Groucho o Chaplin. En definitiva, hemos querido hacerle un humilde homenaje al autor.
¿Qué balances haces de tus últimos trabajos en teatro?…
Estoy muy contento con los montajes de 300 Pistolas, El Perro del Hortelano y ahora Tres Sombreros de Copa. La compañía surgió como una necesidad de experimentación, de creación sin ataduras y, sobretodo, de disfrute. El objetivo principal era (y sigue siendo) hacer las cosas como queríamos hacerlas y no como nos las impusieran, sin tener que rendir cuentas a nadie. Pero creo que cuando se trabaja de esa forma -a gusto, en definitiva- es cuando salen las cosas fluidas. Nuestro único objetivo era hacer una representación de El Perro del Hortelano (nuestro primer montaje) y de ahí a Almagro con una Mención Especial del Jurado, varios premios y nominaciones en el certamen de Garnacha, representaciones fuera de España… Ahora estrenamos Tres Sombreros de Copa y las críticas están siendo estupendas. Nos sentimos muy halagados y honrados.
¿Qué espectáculo has visto últimamente?¿Qué te pareció?…
He visto varios, pero ha habido uno que me ha gustado especialmente, Confesiones a Alá…Un monólogo sobre la miserable vida de una chica del Atlas marroquí. Un montaje duro, pero necesario. Su protagonista, María Hervás está fantástica, se te mete dentro del pecho y te vapulea. Muy recomendable.
¿Cómo crees que está afectando la subida del I.V.A. y los recortes a la escena?…
No es un mero recorte, es una destrucción en toda regla. Si hace unos años ya era una proeza vivir del teatro, hoy por hoy es un milagro. Gracias a la crisis que estamos sufriendo están surgiendo nuevos formatos, nuevas ideas y a nivel creativo estamos más activos que nunca. Pero no nos engañemos, no tenemos ni tendremos nunca una industria teatral si no hacemos nosotros mismos un esfuerzo (no hablo ya del gobierno, que lo doy como cosa perdida). No debemos aceptar según qué condiciones, es la única forma de respetar nuestra profesión y luchar por ella. Aunque también entiendo que es difícil lo que pido. Creo que todo se enmendaría en cuanto se asumiera por parte de todos que la cultura no debería ser algo optativo, selectivo o elitista de lo que puedan disfrutar sólo unos pocos; debería ser considerada como un bien necesario y universal… ¿De verdad es tan difícil lo que pido?
¿Proyectos?…
Acabamos de estrenar Tres Sombreros de Copa, pero ya le estoy dando vueltas al siguiente proyecto en el que nos embarcaremos los pistoleros. Se trata de otro clásico, uno al que le tengo muchas ganas. Pero de momento sólo os puedo confirmar que prometemos dejarnos la piel una vez más.
Alguna sugerencia para seguir creando en tiempos de crisis…
Trabajo, trabajo y trabajo. Confío mucho en él. Esperar junto al teléfono a que nos llamen no es una opción que vaya conmigo. Y si no te dan trabajo, invéntatelo. Es muy difícil enfrentarse a un casting, por ejemplo, si no se está entrenado. Del mismo modo pasa si tienes que crear un personaje. Debemos estar activos y frescos. Estar al tanto de lo que se mueve culturalmente y no sólo en España, hoy por hoy, disponiendo de internet, tenemos una estupenda ventana al mundo; no hace falta viajar a Estocolmo para saber cuales son las últimas tendencias culturales en Suecia. Animo a todos a que hagan, a que inventen, creen, trabajen, en definitiva. Al final, confío en que da resultado.
Nicolás Fischtel nos habla de su trayectoria como iluminador escénico.
¿Cómo surge tu participación en el proyecto de Carlota?…
Es mi tercera colaboración con Mariano de Paco que me llamó para unirme al equipo creativo de Carlota.
¿Qué balance haces de tu larga trayectoria como iluminador?…
Llevo 23 años iluminando espectáculos de forma profesional y cada vez estoy más enamorado de mi profesión. Me apasiona contar cosas a través de la luz.
¿Cuáles han sido los proyectos para los que has realizado un diseño de iluminación en el último año?…
En danza:
“Adali”, coreografía de Aída Gómez
“Cupaima”, coreografía de Cecilia Gómez y dirección de Luis Olmos
“Sonatas”, coreografía de Jose Carlos Martinez para la CND
“Invisible”, coreografía de Nacho Duato para el Mikhailovsky Ballet de San Petersburgo
En teatro:
“Los Cenci” de Artaud dirigida por Sonia Sebastian
“El caballero de Olmedo” de Lope de Vega dirigida por Mariano de Paco
“Amores de fábula” de Eduardo Galán, dirigida por Alejandro Aristegui
“Good night, Whitney” musical dirigido por Andreu Castro
¿Cuando te llega la propuesta de un proyecto te dejan margen de creación o te piden lo que necesitan?…
Ambas cosas. Los directores/corógrafos me piden y sugieren cosas que ellos ven en la luz y a partir de ahí yo les sugiero. Como todo trabajo en equipo la comunicación es muy importante y las ideas fluyen en ambas direcciones.
¿A partir de qué creas los diseños de iluminación?…
En danza la música me inspira mucho el tipo de luz y en teatro, aparte del texto, es el espacio escénico el que me suele dar la primera idea.
¿Qué iluminadores tienes como referencias?¿Por qué?…
Mis fuentes de inspiración directa son los pintores (Caravaggio, Vermeer, Hooper, Velázquez, etc) y el cine, en el caso de “Carlota” el cine negro americano. Respecto a compañeros iluminadores todos me parecen interesantes. Siempre aprendo algo de cada espectáculo que veo, la visión de la luz que cada uno tenemos es muy particular. Tengo gran admiración por la que fue mi maestra, Jennifer Tipton, que a sus 76 años aún sigue en activo y con una gran pasión por su trabajo.
¿Hay una carencia de formación a nivel iluminación en la profesión teatral de nuestro país?…
Si, aunque las cosas han mejorado en los últimos años, sigue siendo una educación no reglada. Seria necesario que el Diseño de iluminación fuese una carrera universitaria independiente, no incluida dentro de otras materias como escenografia. Es una de las reivindicaciones que hacemos desde la AAI (Asociación de autores de iluminación) (www.adadi.org) , de la cual soy secretario.
¿Cuál ha sido tu formación en esta materia?…
A finales de los años 80, cuando yo estudié iluminación no había posibilidades de hacerlo en España. Por eso me fui a Londres donde estudie Diseño de iluminación en RADA (Royal Academy of Dramatic Art). Luego hice un posgrado en la Escuela de Arte Dramático de la Universidad de Yale (USA)
¿Qué iluminación has visto últimamente que te haya interesado?…
La propuesta de Jennifer Tipton para la Opera “Il postino” y la iluminación de mi compañero y amigo Eduardo Bravo para “El barbero de Sevilla”, ambos espectáculos presentados en el Teatro Real de Madrid.
¿Están bien dotadas técnicamente las salas actualmente?…
Si, aunque aún hay carencias, la dotación de las salas suele estar bien. Otro tema es el del personal cualificado. La crisis ha hecho que cada vez haya menos técnicos en los teatros, y que estos se encuentren bastante desatendidos.
¿Se nota la crisis actual en la demanda de iluminación?…
Si, ha bajado la demanda y por supuesto los cachés.
¿Alguna sugerencia para seguir creando en tiempo de crisis?…
Imaginación, mucha imaginación
¿Qué proyectos tienes entre manos?.
El próximo Enero estreno en la sala Nieva del CDN “Amantes”, la versión teatral de la película homónima de Vicente Aranda, esta vez dirigida por Alvaro del Amo.
Alberto Castrillo-Ferrer nos habla de la trayectoria de su compañía de teatro y del espectáculo Ildebrando Biribó
¿Cómo surgió Ildebrando Biribó?…
La primera vez que vi Ildebrando Biribó yo estaba estudiando en la escuela de mimodrama de Marcel Marceau, me fascinó. En ese momento (año 1997) no pensé en absoluto en que yo iba a hacer su versión en español. Cuando unos años más tarde coincidí en la RESAD con Iñaki Rikarte le propuse que me lo dirigiese, hicimos una versión bastante osada y diferente a la de Emmanuel, pero él vino, la vio y me dio lo derechos. Desde entonces han pasado más de diez añitos.
¿Cómo fue el proceso de creación?…
Lo recuerdo maravilloso. Y creo que en verdad lo fue. Ensayamos en un local del Paseo Extremadura, durante todo un verano. Ensayábamos, hacíamos la escenografía, venían compañeros a ver la evolución, a poner tornillos en el mueble, a pintar… fue un acto de amor por el teatro. Aportamos cada uno un dinerillo para comprar madera, pintura, comer… hubo mucha generosidad, ten en cuenta que éramos todavía estudiantes. Cuando creímos tenerlo listo para mostrar no sabíamos dónde, menos mal que la RESAD nos dejó su maravillosa sala García Lorca y entonces vimos toda la potencia de nuestro Ildebrando.
¿Cómo surgen las ideas para cada espectáculo que pone en pie la Compañía?…
Toda idea, creo, surge de un estímulo. Músicas, lecturas, películas o vivencias que crees que merecen la pena seguir contándolas o transmitiéndolas. El Cabaré de Caricia y Puntapié (con el que ganamos el Max al mejor espectáculo de teatro musical en 2010) surgió de un CD de canciones que teníamos por casa y que me encantaba oír. Ildebrando surgió de verlo sobre escena, Un Tal Pedro (versión de Peer Gynt) surgió de que estábamos estudiando a Ibsen en esos momentos, a veces las cosas surgen del número y tipo de actores que hay y creas algo para ellos. No hay que olvidar que el Teatro es Actor.
¿Qué balance haces sobre estos años 10 años de Ildebrando?…¿Cómo ha evolucionado la obra?…
El día del estreno vino Iñaki Rikarte a ensayar un poquito conmigo y creo que en nuestra mirada se leía lo ingenuos que éramos hace diez años. Nosotros hemos evolucionado, pero el espectáculo no tanto. Y para eso tiene que velar el director, para que no se salga de ciertos cauces con los que fue creado. Evidentemente ha ganado en seguridad, en concreción, en capacidad de comunicar… probablemente haya perdido en otras cosas que no sé, porque si las supiera intentaría recuperarlas. Lo queremos todo, ya sabes.
¿Qué evolución ha hecho la Compañía a lo largo de las diferentes producciones realizadas?…
Ha sido una Montaña Rusa. Con caídas al vacío espectaculares, subidas lentas y costosas, algún bonito paseo por las alturas, vuelta a caer… ha habido pérdidas personales importantes por el camino y también recuperaciones, errores, traiciones, premios, ovaciones, borracheras, momentos mágicos, presiones, risas, viajes, deudas, deudas, deudas… aplausos (por terminar con algo positivo).
¿Es importante tener unos colaboradores habituales en el equipo artístico y técnico?…
No sólo importante, es que no puede ser de otra manera. Un buen técnico que te acompañe en los proyectos es el 50% de que eso vaya adelante. Si además, como es el caso con mi jefe técnico, Alejandro Gallo, se implica personal y artísticamente entonces se convierte en un ángel, no obstante tengo varios “ángeles” que me arropan, mi diseñador Manuel Vicente, figurinista Marie-Laure Bènard, escenógrafo-attrezzista Manuel Pellicer… y por otro lado actores como Rafael Blanca o realizadores como Germán Roda que siempre sabes que puedes contar con ellos. Ha habido gente muy implicada: Alberto Huici, David Ardid, Carmen Barrantes, Jorge Usón… en temporadas o proyectos concretos de la compañía, luego cada artista sigue su propia estrella. Es difícil mantener una compañía como las de antes, que eran familias, pero me gusta tanto la idea… quizá en un futuro podamos arropar a un elenco estable. ¿Quién sabe?.
¿Cómo participan en los procesos de creación?…
La verdad es que como cada uno es tan profesional en su parcela, hay una confianza en que todos lo harán/haremos bien. Lo importante es comunicar bien la idea central al principio, luego cada uno la desarrolla y aporta. Todos somos diferentes, pero el objetivo es común y sólo suma.
¿Qué proyectos tenéis entre manos?…
La verdad es que hay varios, unos textos que estamos ensayando precisamente en El Sol de York y que, aunque no te puedo contar mucho, creo que verán la luz en febrero. Yo estoy buscando un nuevo solo en escena para completar la trilogía junto a “Ser o no ser” e “Ildebrando Biribó”, hay un bonito proyecto de Commedia dell´Arte para este verano por mi tierra (Aragón)… muchos sueños.
¿Cómo está afectando los recortes y el aumento del I.V.A. a vuestra Compañía?
Pues como a todos, nos están enterrando en vida. Pero todo pasa. La incapacidad, la maldad y la ignorancia son signos de quienes nos gobiernan.
Pero hay que vivir el día a día, “creer que un cielo en un infierno cabe”.
¿Qué montaje que hayáis visto últimamente os ha interesado?¿Por qué?…
El último, último, ha sido “El Crédito” y efectivamente me ha interesado mucho. Soy un incondicional de Carlos Hipólito, creo que está en otra galaxia actoral, pero aparte de eso creo que es un ejemplo de teatralidad, de oficio desde la escritura. El anterior fue “Lúcido”, de mi admirado Rafael Spregelburd, una obra muy divertida y cruda a la vez: teatral, muy bien interpretada (también allí tengo una debilidad actoral: Itziar Miranda) y, sobre todo, osada. Creo que hay que mirar hacia los argentinos, saben mucho de este “negocio”.
Jorge Eines nos habla de su larga trayectoria en el teatro.
¿Como fueron tus inicios en el teatro?…Realizaste otras facetas
además de la dirección?
De estudios de Medicina hacia la Filosofía y de ahí al Teatro. Entre
Medicina y Filosofía elaboro sin darme cuenta muy bien, un equipaje donde
se me mezcla el humanismo con algo de trascendencia mística y se ve que la
salida mas fácil fue el Arte del Actor. No exactamente el Teatro como
totalidad. El Actor como inspiración y problema. Creo que por eso llevo 6
libros sobre el tema.
¿Tu trabajo en el teatro y lo has compatibilizado con otros
cometidos?…Háblanos de ello.
He vivido y comido de la pedagogía. No hubiera subsistido sin la Cátedra
en la RESAD y mis clases privadas. Ha sido complementario e integrador,
por suerte. Nunca viví una clase como un mal menor.
¿Que balance harías sobre tu larga trayectoria?…
Hice lo único que podía y debía hacer con respecto a mi deseo y mis
principios. He batallado contra añejas tendencias. Ahí donde se unen la
tradición y la copia de la vida. Me ha ido bien desde el 76 en esta tierra
pero he sido un aguafiestas. Muchas veces he dicho y sigo diciendo, lo que
no me preguntan y lo que no quieren escuchar. Tanto en mis libros, como en
mis clases como en mis espectáculos. Como dice Sanchis Sinisterra, un toca
pelotas.
¿Qué diferencia hay para ti del teatro que se hacía en tus principios
al que se hace hoy en día?…
Entiendo que el teatro interesante ha pasado de la palabra o del problema
de lo teatral como hecho lingüístico al problema del actor como generador
de vida y signo escénico. Cada vez hay menos actores ocultos detrás de lo
que dicen y cada vez hay menos directores que se ocultan detrás de la
escenografía, la música o las luces.
¿Cómo surgen las ideas y los proyectos en los que te embarcas?¿Que te anima a participar en ellos?…
Los últimos tres montajes de Tejido Abierto, Beckett, Shakespeare, Lorca,
eran deudas conmigo que tenía que pagar. Yo comencé a dirigir en los 70 y
me enseñaron que los artistas debían hacer lo que les gustaba o inspiraba
y si eso le gustaba al público tanto mejor. Eso me facilita las
elecciones, porque no se trata de cuanto dinero puedo ganar sino de lo que
me pasa cuando ensayo.
¿Ha sido importante tener unos colaboradores habituales en los equipos artísticos y técnicos?…
Imposible sin ellos. Soy la consecuencia mas que nada de un grupo de
actores con los cuales me resulta imposible no querer trabajar. Si uno se
siente solo en el Arte es porque ha construido muros y no puentes.
¿En qué proyectos has participado durante el ultimo año?…Hablamos de
tu versión de Bodas de Sangre…
Ningún proyecto del cual pueda hablar. Solo Bodas de Sangre. Por fin Lorca
nos ha inspirado. Tenía mucho miedo que no fuera así o que una vez mas no
me gustara ese tercer acto que tantas veces he visto y que siempre me
pareció tan imposible como hermoso. Han explotado tantas cosas ahí dentro.
Nada existía antes de los ensayos o muy poco y eso es muy bueno aunque uno
nunca sabe si a la gente le va a gustar lo que hacemos.
¿Hay algún proyecto que nunca pudiste realizar y te gustaría?…
Peer Gynt de Ibsen. Despertar de Primavera de Wedekind…Turgueniev…En
fin…proyectos imposibles.
¿Como crees que están afectando los recortes y el aumento del I.V.A. a los proyectos de teatro?
A la Empresa en general supongo que bastante. En mi caso me he alimentado
de las carencias. Aprendí a resolver como pude y durante muchos años puse
dinero todos los meses para sostener una sala como fue Ensayo 100. Estoy
entrenado. Sigo tratando de creer en el Arte para que la verdad no me
mate. La verdad también es el IVA.
¿Que montaje que hayas visto Últimamente, te ha interesado? ¿Por qué?…
El Régimen del Pienso de La Zaranda. Como siempre no son una ventana. Una
manera de entrar al trabajo creador y a lo que exponen al público. Su
equilibrio entre lo ético y su poética, es el alimento esencial del
Teatro.
Kafka Enamorado. Por la historia de ese hombre muy bien reinventada por
Araújo para la escena y por el trabajo de Jesus Noguero.
¿Alguna sugerencia para seguir creando y haciendo teatro en tiempos de crisis?…
Crear como se pueda. Donde se pueda. Con quien aguante el tirón del sin
sentido y se ponga a construir algo para salvarnos de la muerte. ¿Para
qué? Para recordar una vez más que ser un poco feliz es hacer lo que uno
quiere con la gente que uno quiere.
José Padilla nos habla del proceso de Haga clic aquí…
¿Cómo surge tu propuesta para Escritos en la escena?
Hace casi tres años me topé con una noticia que me llamó poderosamente la atención. Se trataba de la caza de brujas a la que unos muchachos se vieron sometidos después de que un abogado colgase el vídeo de una paliza que grabó desde su balcón con el objeto de que los internautas identificasen a los agresores. La respuesta fue inmediata, el acoso a los supuestos culpables fue bestial. Finalmente resultaron ser inocentes, pero el mal ya estaba hecho. Creo que las aristas dramáticas y la ausencia de conclusiones sencillas convierten esta historia en una obra de teatro pidiendo ser escrita. Ciñéndome a esto presenté mi propuesta al CDN y felizmente fue aceptada.
¿Por qué te intereso el tema que tratas en Haz clic aquí?
Por lo que te mencionaba antes: no hay respuestas fáciles en un tema así. Por supuesto, podemos optar por aleccionar, pero creo que eso no conviene a nadie, ni, por supuesto, al público ni tampoco a los que creamos historias. Es mejor proponer un foro de debate y creo que Haz clic aquí responde a este parámetro.
¿Cómo ha sido el proceso de creación del texto?
La palabra que me viene a la cabeza es enriquecedor. Se ha ido conformando en el trabajo a diario con los actores, un elenco fantástico con el que he tenido la suerte de contar. Las situaciones dramáticas que en el texto se dan las hemos encontrado en la sala de ensayos y eso, para un dramaturgo, es muy placentero. De alguna manera las situaciones te sorprenden de la misma manera que más tarde harán con el espectador. Me gusta mucho trabajar así.
¿Cómo ha sido el proceso de creación con los actores y el resto del equipo?
Mediante juegos e improvisaciones fuimos tejiendo una red dramática. Poco a poco los personajes iban adoptando su caracterología y en la interacción con los demás las situaciones iban apareciendo. Mi labor era la de dar forma dramática a todo el material y seleccionar que era susceptible de ser contado en el escenario, pulir y sobre esto rescribir. Pero lo cierto es que todo lo que se creó, lo desechado incluso, de alguna manera aporta al resultado. Con el equipo técnico del CDN, el de producción y desde luego con Aitana Galán, coordinadora de Escritos en la escena, el entendimiento ha sido inmejorable, todos han sumado para que Haz clic aquí se hiciera el mejor texto posible, y las visiones de todos han ayudado considerablemente a mi labor. No les puedo estar más agradecido.
¿En qué punto del proceso has mostrado el texto y la propuesta escénica?
He de decir que el proceso de escritura no acaba hasta que termina el periodo de exhibición ante el público. Esto es un rasgo fundamental de Escritos en la escena y me parece un acierto. El público ha entrado al mes y medio de haber empezado a trabajar, pero insisto, hasta el día 15 de diciembre no termina la labor de escritura.
¿Qué fase de trabajo faltaría a partir de ahora?
Fijar, limpiar… Y dar esplendor. El lema de la RAE entra como un guante en esta fase del proceso.
¿Cómo está siendo la respuesta del público?
Inmejorable. Sabíamos que estábamos haciendo un trabajo honesto, y siendo consecuentes con ello, probablemente la respuesta no iba a ser mala. Pero ha superado todas nuestras expectativas, la respuesta está siendo muy muy cálida. Esto nos anima a trabajar más y mejor.
¿Qué opinas sobre el Ciclo: Escritos en la escena?
Una iniciativa espléndida que espero tenga una vida larguísima. No son muchos los espacios que se brindan a autores emergentes. Que sea el CDN el que dota de medios a las propuestas de autores de nuevo corte es algo magnífico.
¿Cómo ves el teatro no convencional en la ciudad de Madrid?
Boyante. Propuestas interesantísimas en muchas salas. Tengo la enorme suerte de participar de esta corriente.
¿Crees que están surgiendo nuevas promociones de autores y directores?
No lo creo, lo sé. Esas son las mejores noticias posibles. Se nos están cortando las alas desde según qué grupos de poder, pero nos vuelven a crecer rápido. A la vista está. Esta situación cambiará, y cuando el entorno mejore tendremos a una de las mejores generaciones de todos los tiempos entrenados y con propuestas sólidas sobre el escenario. Insisto: buenas noticias.
¿Proyectos?
Inmediatamente entro a ensayar en El Sol de York, un texto que estrenaremos rozando marzo y que, al igual que Haz clic aquí, firmo y dirijo. Un proyecto que me ilusiona muchísimo.
Que Revienten los Artistas 
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