La casa de los huéspedes, capitulo I en La Trastienda
Dentro de un tiempo, cuando se pregunte qué se puede hacer un domingo a la mañana en Madrid, habrá más respuestas a la que hasta ahora era la habitual: Ir al Rastro!. Si, el mercado popular de esta ciudad es el gran acontecimiento del fin de semana, pero, ahora hay otros atractivos, algo que además se puede sumar al recorrido por Cascorro: Ir al teatro. Si, desde hace unos meses, se están llevando a cabo sesiones matutinas en domingo, empezaron en La Pensión de las Pulgas, siguió La casa de la portera y ahora empiezan a programarse estas funciones en La Trastienda; creo que en breve también las habrá en la Sala Mirador. Las personas somos como ciudades, depende de cuál sea el recorrido vital que compartamos con el interlocutor, tendrá una idea de nuestro paisaje personal u otra. Una ciudad puedes recorrerla de arriba a abajo o de derecha a izquierda…Puedes empezar una ruta al amanecer y otra al atardecer, seguramente, cuando hables de este lugar con alguien que lo conozca, creerá que le hablas de otro, es sencillamente que cada uno ha mirado sus calles desde ángulos distintos. Eso ocurre en el I Capítulo de La casa de los huéspedes, escrita por Luis López de Arriba que se representa en La Trastienda, muy cerca del Rastro. El público entra con una tarjeta roja o verde, dependiendo del grupo al que correspondas, tendrás un recorrido por la sala u otro…y por tanto, conocerás las historias de los personajes desde un ángulo u otro. Así, participamos de un rompecabezas con varios posibles finales. Además, con esta propuesta, tenemos acceso a todos los espacios de La Trastienda, verdaderos recovecos sugerentes. Si quieren sentir que eres parte de ese grupo de viajeros que irán descubriendo a los personajes y sus historias…tal vez muy parecidas a las nuestras, acudid a La Trastienda.
Adolfo Simón
Fran Calvo nos habla de sus múltiples proyectos para la escena
¿Cómo surge la propuesta que presentáis en Surge Madrid?… Estábamos buscando un teatro para estrenar «Constelaciones» en Madrid y en cuanto se lo comentamos a Fernando Sánchez-Cabezudo nos abrió las puertas de Kubik Fabrik, sala que participa dentro del festival y presentamos la obra al festival a través de ellos.
Háblanos de la obra…De tu personaje…Del montaje… «Constelaciones» es un texto maravilloso. Su autor es Nick Payne, un joven dramaturgo inglés que estrenó en la sala pequeña el Royal Court (Londres) en 2012. La reacción de público y crítica fue excelente y la obra fue transferida a un gran teatro del West End.
Es una historia de amor entre una profesora de física cuántica de Universidad (Inma Cuevas) y un apicultor urbano. A partir de ahí el autor teje un entramado de universos paralelos y vemos las infinitas posibilidades que se pueden dar en esta relación. Es una dramaturgia ágil y con una estructura muy particular.
El personaje que interpreto es Roland, el apicultor urbanita. Es un jóven empresario que ha dejado el campo por la ciudad, y trabaja fabricando polen y miel.
El montaje está dirigido por Fernando Soto. Es una propuesta muy limpia, despojada de artificio y basada sobretodo en el trabajo de los actores, con el espacio escénico practicamente vacío. La luz juega también un papel muy importante en este espectáculo. Creo que Fernando nos ha facilitado mucho el trabajo con una propuesta liberadora pero exigente, que capta perfectamente la esencia del texto, y con un trabajo de movimiento escénico (a las órdenes de Antonio Gil) que ayuda a construir y apuntalar la obra, que tiene más de 50 transiciones. Es todo un viaje emocional.
¿Cómo surgen las ideas y los proyectos en los que te embarcas?¿Qué te anima a participar en ellos?… Cada proyecto tiene un origen distinto. En algunos casos te llaman y te proponen algo concreto y cerrado, y en otros debe nacer de uno mismo. Considero que es nuestra responsabilidad como actores mantenernos activos y no parar en la búsqueda de nuevas historias y nuevas formas de contar las cosas.
Particularmente, lo que me anima a embarcarme en un nuevo proyecto (teatral) es un buen texto y el equipo de trabajo que lo forme. Hay por supuesto otras variables que afectan pero, sin duda, para mi esos son pilares fundamentales.
¿Cómo fueron tus inicios en el teatro?… En Estados Unidos, en el año 2002, con un montaje de «Los cuentos de los Hermanos Grimm».
¿Qué balance harías sobre tu trayectoria en teatro?… La verdad es que nunca me paro a hacer balance. Intento siempre mirar hacia delante. Estoy en una etapa muy feliz de mi vida, personal y profesionalmente, y estoy muy ilusionado con todo lo recorrido en estos dos últimos años, pese a las circunstancias de nuestro sector y pese al enorme esfuerzo y desgaste que esto supone a veces.
«Constelaciones» es uno de los mayores retos en los que he podido trabajar en mi trayectoria profesional, y estoy disfrutándolo intensamente, pero creo que para llegar a este punto y con los matices y trabajo que requiere la obra ha sido de vital importancia pasar por un recorrido profesional y una experiencia vital de muchos años viajando, conociendo distintas culturas y observando lo que tenía alrededor.
¿Cómo creas los personajes?¿Tienes un método?… Bueno, hay una mezcla de componentes. Para mi todo parte de un buen análisis del texto. Una vez tengo claro ese esqueleto textual, combino un trabajo de observación y documentación, para luego materializarlo en ensayos con propuestas concretas a nivel formal y con un trabajo de imágenes. Un profesor mío siempre nos decía que «oír es ver lo que se dice, hablar es extraer imágenes visuales». Esas imágenes mentales crean un estado de ánimo que nos harán sentir.
Me gusta hacer también siempre un trabajo previo sobre el ritmo interno y la energía del personaje antes de darles vida y antes de confrontarlo con el resto. Y a partir de ahí, todo debería ser juego y exploración. Es muy rico llegar con ese trabajo previo a los ensayos y sorprenderte, y jugar y equivocarse, y «afinar al personaje» en el proceso.
¿En qué proyectos has participado durante el último año?… Muchos, la verdad. Teatralmente ha sido un año de mucho trabajo y ahora que lo pienso, creo que necesito unas vacaciones jajaja
He trabajado con Gabriel Olivares en un vodevil francés que se llama «La caja», de Clèment Michel y con el que hice 2 temporadas en el Teatro Lara el año pasado; también la pasada temporada estuve en una adaptación del clásico de Strindberg «La señorita Julia», bajo versión y dirección de Miguel Angel Cárcano; «El feo», una comedia ácida del alemán Marius von Mayenburg, que se presentó en Matadero Madrid dentro del festival Fringe 2013, dirigida por Paco Montes y que retomaremos este mismo verano; un nuevo proyecto de Teatro En Serie que se llama «La casa de huéspedes», escrita por Luis López de Arriba, y que son obras de teatro por capítulos en espacios no convencionales; y las 2 obras que tengo actualmente en cartel: «Tape», que llega a la sala grande del Teatro Lara el 22 de mayo, y «Constelaciones», con la que tenemos de momento cerradas 6 únicas fechas entre mayo/junio en la Sala Kubik Fabrik, también en Madrid.
Como director he montado el año pasado «Secundario», un monólogo que protagoniza Antonio Velasco y que acaba de volver a la cartelera madrileña, a El umbral de Primavera, todos los viernes de Mayo. Un emotivo homenaje a los cómicos y al teatro.
¿Qué proyectos tienes entre manos?…
No me da mucho la cabeza para pensar en nuevos proyectos ahora. Me ha llegado algún texto que tengo pendiente leerme pero hasta otoño no me planteo nuevos proyectos. Creo que es bueno oxigenarse, dedicarme plenamente a todos los montajes en los que tengo la suerte de estar trabajando ahora y dejar que lleguen nuevos aires.
¿Cómo crees que están afectando los recortes y el aumento del I.V.A. a los proyectos de teatro?… Terriblemente. A consecuencia de los recortes y de un IVA desproporcionado, cada vez existe más precariedad y el tejido profesional es difícilmente sostenible. Confío que las conversaciones que se llevan manteniendo desde hace tiempo para regular el tema del IVA cultural sean satisfactorias y que lo veamos pronto. No obstante, el daño está hecho y tristemente se ha perdido gran parte de un trabajo de muchos años y de muchas personas, no solo en las grandes ciudades, sino a nivel de giras y producción teatral en focos alejados de Madrid y Barcelona.
¿Qué te parece la iniciativa de Surge Madrid?… Toda iniciativa que promocione el teatro me parece positiva. Con este festival en particular, y con el despliegue masivo de estrenos que anuncia me siento más escéptico. Me pregunto si realmente creará público para el teatro alternativo madrileño, es decir, si conectará con el público que habitualmente o el resto del año no es asiduo de las salas alternativas, o si solo hará que el público habitual se tenga que multiplicar para ver más obras en un mes. Para mí ahí radica el éxito de un festival con estas características. Que trascienda al público que de otra forma no iría a (o no conoce) las salas alternativas.
¿Cómo ves la situación teatral en estos momentos en nuestra ciudad?…¿En nuestro país?… Muy fértil e ilusionante a nivel creativo pero preocupante en términos de sostenibilidad y apoyo Institucional.
¿Qué montaje que hayas visto últimamente, te ha interesado?¿Por qué?… Me vienen a la cabeza «Un buen día», de Dennis Lumborg, un monólogo protagonizado por Bruno Ciordia que estuvo en El Sol de York y que me pareció un soberbio trabajo de construcción de personaje, de capas y de pincelada fina para un texto demoledor; la versión de «El caballero de Olmedo» que ha dirigido Lluís Pasqual, que tuve ocasión de verla en el Pavón hace un par de meses, por su minimalisto elegante, la musicalidad y la frescura en la propuesta; y por último «Entre Actos», una historia de amor de dos mujeres que está en La casa de la portera, y que me pareció la definición perfecta de sutilidad y sensibilidad en el trabajo, con el público a un palmo de distancia. Muy recomendables las tres.
¿Alguna sugerencia para seguir creando y haciendo teatro en tiempos de crisis?…
Mucho amor, paciencia, esfuerzo, sacrificio y deseo de seguir haciéndolo, le pese a quien le pese.
Una «Cerda» muy especial en La casa de la Portera
«La Toñi», Fran Arráez hace un cameo en Cerda
«Cerda» de Juan Mairena, regresa a La Casa de la Portera todos los martes de mayo, en función doble. Y para celebrarlo ayer se hizo un estreno de lujo con colaboraciones de amigos que querían entrar en el convento de la Orden del Santo Membrillo. Por allí pasaron Obispos con tacón, Toñi, la de «Elepé» con falso visón y otros seres propios del travestismo ilustrado. Y allí nos obsequiaron con una CERDA, de verdad, pero en forma de galleta creada por Moses Sweetmoses.
Alberto Puraenvidia nos dió la Comunión.
Pero no nos equivoquemos: tener actitud travesti no significa ser frívolo… en esta obra se tratan temas muy serios y de una manera bastante profunda.Y es que se puede ser travesti y denunciar hechos que nos conmocionan en nuestra vida diaria, se puede ser travesti y monja, se puede ser travesti y poeta, se puede ser travesti y surrealista y se puede ser travesti y facha… Todo cabe dentro de esta obra que nos habla de niños robados, transexualidad, amor, religión, apariciones de Madonna, podedumbre y anhelos.
Los actores están todos en estado de gracia… y no porque estén en un ficticio convento sino porque cada uno borda su papel y lo hace suyo.
El Equipo: Dolly, Inma Cuevas, David Aramburu, Soledad Rosales, María Velesar
Una obra que debe tener prioridad cuando vayan a hacerse la agenda de ocio de la semana. Apúntense a ser Cerdas!
Luis Mª García Grande
Dolly nos habla de sus experiencias en la escena teatral y cabaretera
¿Cómo fueron tus inicios en el cabaret y el teatro?…
En el año 92 empecé a actuar en todo el circuito madrileño de teatro cabaret con un grupo llamado «Luba Kanga» donde hacia varios personajes. Hasta el año 95. Compartimos escenario con Las Virtudes, Anthony Blake, etc. Previamente había actuado en plan amateur en Ibiza, que es de donde vengo, en el grupo de teatro GAT, eso sí, con algún que otro protagonista. Después, en el año 96 nació Dolly en la famosa película coral «Más que amor, frenesí» que más tarde tendría vida propia en el espectáculo «Goodbye Dolly» con cuatro temporadas en cartel. Y hasta ahora.
¿Qué balance harías sobre tu trayectoria?…
Los inicios son duros, pero he tenido mucha suerte y se han cruzado en mi camino buenas personas.
¿Cómo surgen las ideas y los proyectos en los que te embarcas?¿Qué te anima a participar en ellos?…
La creatividad es caprichosa. De repente un show se va haciendo solo actuando día a día y fijándote en todo lo que te rodea. Otro show te pones a escribir con alguien y también surge. Otro montaje te lo ofrecen, estudias y ensayas. Lo que me anima a participar es mi amor por la profesión. El aplauso engancha, es adictivo.
¿Cómo surgió tu participación en Cerda?…Háblanos de tu personaje…
El autor, Juan Mairena, me lo ofreció y yo acepté con gusto. Era hacer una Dolly ‘monja’ pero mucho más Bette Davis o Norma Desmond, mas extrema. Y un poco mala. Pero lo justo.
¿Cómo creas los personajes?¿Tienes un método?…
Investigo sobre el personaje y empiezo a tomar referencias, ver películas, fotos, maquillajes, tonos de frases, actitudes…, todo eso que te pueda inspirar y te haga clic en tu modus operandi actoral.
¿En qué proyectos has participado durante el último año?…
Empezamos con «Cerda» a principios del verano de 2013. En navidad «Rubia navidad» en la sala Nada, donde hacía un cóctel de mis espectáculos. Actualmente sigo en dos espectáculos en sendos restaurantes: «Las rubias no somos tontas» en el renombrado Gulagula de Gran Vía desde hace varios años y «El divan de Dolly» en Riofrío de Colón, más recientemente. Y volvemos en mayo con «Cerda» en La CASA DE LA PORTERA después de dos meses de descanso y de haber recibido el prestigioso galardón de la Unión de Actores nuestra querida Inma Cuevas como mejor actriz secundaria por la función y varias menciones más. Ah y un capitular que todavía no se ha estrenado en una exitosa serie donde hay muchos vecinos…
¿Qué proyectos tienes entre manos?…
Seguir currando como una mula y a ver si salimos de esta…
¿Cómo crees que están afectando los recortes y el aumento del I.V.A. a los proyectos de teatro?…
Está afectando en todo. Es obvio que si subes la entrada y la gente, cada vez tiene menos dinero, o más miedo a gastarlo, no van a venir a verte. Con lo cual hay que bajar el precio de la entrada y prácticamente no hay margen de beneficio. Es todo un despropósito lo que están haciendo nuestros queridos dirigentes. Ellos si que no se bajan el sueldo que les pagamos entre todos, no. Me enerva.
¿Qué montaje que hayas visto últimamente, te ha interesado?¿Por qué?…
Mañana voy a ver «Dorian» en la Pensión de las Pulgas y tengo que decir que estoy un poco turbada… y hace poco vi, también en La Pensión «MBIG». Brutalmente intenso. Soberanamente profesional. Una delicia.
¿Alguna sugerencia para seguir creando y haciendo teatro en tiempos de crisis?..
Seguir con ilusión y esas ganas que te crea el gusanillo de la escena. Y seguir adaptándose como uno mejor pueda a estos tiempos de poco presupuesto, intentar aguantar. Tú das y la vida te da. Tú quitas y la vida te lo quita multiplicado. Espero que eso le pase con creces a todos éstos que tanto nos están quitando….. Sin acritud, Dios me libre.
Berenice amó a Edgar Allan Poe
¿Por qué los seres humanos nos sentimos tan atraídos por el terror?¿Que nos lleva a acudir a esos espacios donde nos prometen vértigo y pesadillas?.
Hay algo atávico en nosotros que seguramente se remite a un tiempo ancestral donde las historias se transmitían a la luz del fuego en cuevas oscuras.
Edgar Allan Poe fue un maestro del terror, describió, como pocos autores, esos personajes y territorios donde la locura se da la mano con la realidad, causándonos zozobra y desequilibrio. Esa frontera entre lo humano y lo monstruoso es lo que nos atrapa de sus relatos. Con sus cuentos se ha hecho de todo, música, cine, teatro…En esta ocasión, Pilar Massa ha elegido tres narraciones y las ha convertido en un oratorio terrorífico a dos voces. El público es repartido en los dos espacios de La casa de la portera para experimentar las historias contadas al oído mientras a través de las paredes, se oyen susurros lejanos. Al final, una Berenice dual nos cuenta el amor mortal que vivió por el propio autor. Una experiencia intensa que se ve reflejada en los espejos del lugar y en las líneas trazadas en el tablero de la guija. Carmen Mayordomo acompaña a la propia directora en este viaje a los paraísos del miedo.
Adolfo Simón
Ignacio Tofé nos habla de «El tesorero»
¿Cómo surge el proyecto de El tesorero?…
El proyecto surge del estupor que me han producido algunas de las noticias sobre la corrupción política en España. Especialmente los detalles más terrenales y ridículos: las transcripciones de los pinchazos telefónicos en las que se puede ver como hablan y como se relacionan los corruptos, las exigencias de los corruptos cuando recibían algún regalo, o las explicaciones absurdas que han dado los políticos para intentar justificar cobros irregulares.
Todo esto me parecía un material estupendo para construir una comedia de tono berlanguiano. Pero no quería hacer algo que dejase al espectador deprimido, me apetecía más burlarme de los políticos, devolverles la pelota, darle al espectador la oportunidad de reírse de los mismos políticos que se ríen de él todos los días.
¿De qué va la obra?…
Basada libremente en el Caso Bárcenas, la obra cuenta el primer día en el gobierno de un nuevo ministro de Cultura, cuyo mayor interés es usar su puesto para hacer negocios, y buscarse un buen enchufe para cuando deje el gobierno.
¿Hiciste algún tipo de búsqueda o documentación sobre el tema antes de empezar a escribirla y dirigirla?…
Leí el libro “El Caso Bárcenas” de Ernesto Ekaizer, y también me resultó bastante útil el programa de Salvados en el que Jordi Évole entrevista a Pablo Crespo. Aparte de esto llevamos años desayunando comiendo y cenando con corrupción. Todo lo que he leído en los periódicos, o he visto en los telediarios, en los últimos años ha servido para alimentar el montaje.
¿Cómo ha sido el proceso de puesta en escena?…¿Con los actores?…
La ventaja de estrenar en “La casa de la portera” es que hace que te concentres en lo importante de una obra: los actores y el texto. Ensayábamos en el salón de mi casa y yo tenía claro que lo que no nos divirtiera a nosotros no iba a divertir al público. Así que el proceso con los actores: Mario Tardón y José Navar ha sido el de construir la comedia buscando pasarlo bien y reírnos en los ensayos. Muchos de los chistes que surgieron durante el proceso se han incorporado a la obra.
¿Qué balance haces de tus últimos trabajos como director?…
Este año me he lanzado a dirigir mis textos y estoy muy contento con el resultado. Por vocación soy más escritor que director, pero llegó un momento en el que me di cuenta de que si quería que mis textos llegaran al público me tenía que convertir en productor y director. Esta era una posibilidad que me asustaba un poco, pero que al final ha resultado ser más fácil de lo que yo pensaba y que me ha dado mucha libertad creativa.
¿Qué función crees que ha de tener hoy el teatro para la sociedad en la que vivimos?…
Entretener, divertir, emocionar, hacer pensar, formar, ofrecer nuevas perspectivas, etc. Creo que lo ideal es que el espectador, cuando decide ir al teatro, pueda elegir entre un abanico de posibilidades lo más amplio posible.
¿Qué te motiva para llevar a cabo un proyecto teatral?…
Sinceramente: el dinero. Ahora mismo vivo sólo del teatro así que necesito que mis proyectos además de que me gusten y me interesen, sean rentables.
Yo no creo que ganar dinero y hacer buen teatro, sean cosas incompatibles, tampoco creo que para ganar dinero haya que bajar el listón. El público es más inteligente de lo que muchos creen.
¿Cómo está afectando la subida del I.V.A. y los recortes en las ayudas al teatro?…
Se han cargado la clase media del teatro. Ahora puedes estar en montajes grandes donde las condiciones laborales son, más o menos, las de antes de la crisis, o en montajes pequeños donde todo es un poco precario y vives bastante al día. Lo que era la clase media, las compañías independientes que hacían sus bolos pagados por los ayuntamientos, o los actores que vivían con puntuales sesiones de publicidad o de televisión, por poner dos ejemplos, ha desaparecido casi totalmente.
¿Qué obra de teatro has visto últimamente?¿Qué te pareció?…
De lo que he visto últimamente me ha gustado: “El viaje a Ninguna Parte” en el CDN, “Intimidad” de Iván Ruiz Flores y “Las heridas del viento” de Juan Carlos Rubio.
¿Cómo ves el teatro en nuestro país, en Madrid?…
En Madrid el off está más activo que nunca. Cada semana te enteras de que ha abierto una sala nueva, y todo el mundo está estrenando nuevos espectáculos. La crisis ha hecho que todo el mundo se vea obligado a salir de su “zona de confort” y tenga que ponerse a hacer cosas nuevas.
¿Proyectos?…
Acabo de enviar una obra titulada: ¿Tienes un minuto? para Microteatro y estoy preparando una obra para estrenar en el Fringe. Aparte de esto, me gustaría irme de vacaciones pero no sé si lo conseguiré.
Dinero y poder en La casa de la portera
Todos tenemos un precio, todo se compra y se vende, es algo tan antiguo como la humanidad.
El dinero da poder y el poder pide contraprestaciones.
Vivimos tiempos donde solo vales por lo que tienes y eso pervierte a las personas.
Hay un programa doble perfectamente situado en el mismo día de programación en La casa de la portera que nos habla de todo esto, mirando al pasado reciente y haciendo una radiografía de la actualidad.
El tesorero de José Ignacio Tofé
Estamos cansados de leer en la prensa las mil y una fechorías que realizan nuestros dirigentes cuando han de administrar el dinero destinado al bien de la ciudadanía, curiosamente, casi nunca va destinado a los contribuyentes, se queda en el camino, en reparto de influencias entre amigos y familiares de quien corta el bacalao. Solo podemos especular entre las noticias, las declaraciones de los acusados y lo que a veces se vislumbra en los juicios. Y como la mentira es la moneda de cambio de estos tiempos, pues nunca sabemos realmente qué pasó y nos quedamos con la duda instalada en el cuerpo. En El tesorero, se nos permite entrar en la intimidad de los personajes que deciden y trafican con los presupuestos y los objetivos pensados para estos. Gracias a la torpeza de un ministro, podemos descubrir el nivel de necedad y perversidad que les mueve a los que manejan los hilos y toman las decisiones. Los unos por los otros, terminan demostrando que el ser humano es un pobre muñeco de cartón fruto de sus debilidades. Hay actores en escena, José Navar y Mario Tardón que juegan hasta el final para, con toques esperpénticos, hacernos disfrutar del mal trago de conocer los entresijos del poder.
Trinidad de Ana F. Valbuena
Isaac Chocrón fue un autor poco valorado mientras vivió, sus obras siempre han mostrado una visión diferente de la realidad, enseñando muchas veces que tras los personajes sencillos se esconden monstruos. En Trinidad se juega a la doble acepción de este nombre, por un lado, hay un personaje que se llama así y conforme avanza la trama, los seres que habitan un mundo creado como un traje a su medida, conforman una nueva trinidad de difícil existencia. Hay un interesante texto creado por Ana F. Valbuena a partir de Okey de Chocrón que traslada la acción a los sesenta-setenta del siglo pasado de nuestra sociedad franquista, con todo lo que suponía ser diferente entonces y los secretos que había que tener para existir. Vivir en un mundo creado para sobrevivir a la falta de libertad de afuera crea otras reglas de juego, a veces, muy peligrosas ya que se corre el riesgo de establecer toxicidad en las relaciones. Aquí también se instala un nuevo poder en la sombra del que siempre saca partido el más fuerte. Es curioso comprobar cómo, La casa de la portera, puede seguir alojando a seres de hoy en día metidos en sus despachos fraudulentos o a frágiles personajes sacados de revistas antiguas y mostrarnos su realidad de entonces, no tan diferente a la de hoy. Hay tres actrices deliciosas en Trinidad…Cristina Bernal, Marta Guerras y Lorena Toré dirigidas con sensibilidad y aplomo por Nacho Sevilla.
Salgo esta vez de esta sala imaginando a Rita Pavone dejando su corazón clavado con alfileres sobre la mesa mientras tararea Cuore.
Adolfo Simón
Francisco Vidal nos habla de su larga trayectoria como actor y director
¿Cómo fueron tus inicios en el teatro?…
Empecé en el Teatro Universitario a los 17 años. Gané un premio de interpretación y se marcó mi destino. A los 18 comencé a trabajar con Miguel Narros y William Layton como profesores. Y a los 24 estrenamos “El proceso por lasombra de un burro” de Durretmatt, dirigida por José Carlos Plaza. En 1991 abordé también la dirección con “La isla” de Athol Fuggard. Fué motivado por un bache como actor y ya llevo más de 30 obras. Me apasionan las dos cosas por igual. Pero cuando soy actor me olvido por completo que soy director y me mantengo muy disciplinado.
¿Qué balance harías sobre tu larga trayectoria como actor, director y pedagogo?…
Ha sido un camino largo y bueno. He tenido la suerte de trabajar mucho y casi siempre en cosas interesantes. He estado siempre aprendiendo y oyendo a muchos a los que admiro. Y poniendo en duda muchas cosas para cambiarlas o reafirmarme. Y en el camino estoy, sigo haciéndolo. Tratando tambien de transmitir mis experiencias…y mis dudas a las generaciones más jóvenes.
¿Qué diferencia hay para tí del teatro que se hacía en tus principios al que se hace hoy en día?
Había mucho trabajo. El público estaba preocupado por la cultura. Por la última obra, por el último libro, la última película. Pero a los jóvenes les costaba mucho entrar en la rueda profesional. Sin embargo hoy se encuentran mejor preparados, son más responsables y buscan la excelencia. En cuanto a directores teníamos a José Luis Alonso, Miguel Narros, Adolfo Marsillach… Y productores con ánimo de riesgo. Estábamos al día de las obras más importantes internacionalmente. Y había muchos autores españoles que estrenaban. Lo peor era la censura, pero se intentaba pasar por encima. Hoy los autores estrenan poco, salvo alguna figura, salvo en las salas alternativas, y el riesgo está limitado a ellas que alimentan los deseos de un teatro distinto.
¿Cómo surgen las ideas y los proyectos en los que teembarcas? ¿Qué te anima a participar en ellos?…
Pueden surgir por muchas razones. Sobre todo por mi creencia de la obra, poque despierte mi emoción o mi humor, o las dos cosas unidas, porque el estilo que más me gusta es la tragicomedia. Porque sea actual, o despierten cosas actuales, pues el teatro como museo no me atrae. Sigo con el equipo posible y la posible financiación. Muy complejo.
¿Cómo surgió tu participación en Napoles millonaria?…
Siempre he sido un gran admirador de Eduardo de Filippo.Cuando cayó en mis manos la obra me impactó y me divirtió, y desgraciadamente, era muy actual. Había un problema, once actores. Pero no podemos dejar de conocer obras importantes por la extensión de su reparto. Lo más dificil fué conseguir su estilo. Y el trabajo con los actores fué muy gratificante.
¿En qué proyectos has participado en el último año?…
He participado en TV. Pero en teatro ningún otro.
¿Qué proyectos tienes entre manos?…
He acabado de montar una obra sobre la memoria histórica:
“El valle de los cautivos”. Otra vez con el Teatro del Laberinto, que irá a principios de temporada. Es de un autor nuevo, Pedro Martín Cedillo. Magnífico y con mucha magia. Va a sorprender. También preparo “El zoo de Cristal” de Tennesee Williams para el productor Eduardo Galán y “En manos del enemigo” de José Luis Alonso de Santos para Enrique Salaberría. Tambien me interesa una obra de Noel Coward, “La vida manda”.
¿Qué obra te hubiera gustado hacer y no pudíste?…
Hay muchas: Rey Lear, Los bandidos, los últimos Arniches; aunque hice “El Sr. Badanas” y miles más. Mi ideal sería que me tocase la lotería y producir 10 obras al año, 5 de las grandes obras internacionales y 5 de autores contemporaneos españoles. Pero me temo que me voy a quedar con las ganas.
¿Cómo crees que están afectando los recortes y el aumento del I.V.A. A los proyectos del teatro? Sobre todo a que hay que ir sobre seguro. No caben riesgos. Si el teatro es un negocio limitado, a no ser que tengas un enorme éxito, ahora no hay casi salida.
¿Qué montaje que hayas visto ultimamente te ha interesado? ¿Por qué?…
“Ahora empiezan las vacaciones” de Strindberg, en La casa de la portera. Por la versión de Paco Bezerra, llena de inteligencia; por su dirección y sus actores. “El duelo” de Chejov, por una compañía procedente de Rusia, por su manejo de la teatralidad y el espacio…Dirección y actores. Y ayer mismo “Dionisio Ridruejo” por la complejidad de la obra de Ignacio Amestoy, que nos habla de una manera adulta, por la dirección de Juan Carlos Perez de la Fuente, su escenografía y expresividad teatralidad y mucho, mucho por los actores. El director de Strindberg es Luis Luque. No nombro a los actores porque son muchos y muy buenos. Todos estan magnificos y se puede ver por Internet.
¿Alguna sugerencia para seguircreando y haciendo teatro en tiempos de crisis?…
Hay que seguir haciendo teatro donde sea y como sea. El público se lo merece y nos necesita. Y nosotros no sabemos vivir sin él.
PILAR MASSA nos habla de su último proyecto «Yo amé a Edgar Allan Poe»
¿Cómo surge el proyecto de Yo amé a Edgar Allan Poe?…¿De qué va la obra?…
El proyecto surge a partir del propio espacio, al conocer la Casa de la Portera, pensé que era el lugar idóneo para representar los relatos de Poe que desde siempre me habían atrapado….
Como realmente no es un espacio convencional, tampoco es una obra convencional, la verdad es que el punto de partida es un «cuenta cuentos» para adultos y nada mejor que los cuentos macabros de Edgar Allan Poe para iniciar esta aventura.
¿Hiciste algún tipo de búsqueda o documentación sobre el tema antes de empezar a dirigirla?…
Me documenté muchísimo, pero fue una tarea casi sin fin, el universo de Poe es realmente inalcanzable y además crea una especie de morbosa adicción, como sus relatos…
¿Cómo ha sido el proceso de puesta en escena?…¿Con los actores?…
Primero trabajamos en una dramaturgia para poder «contar» los relatos desde un lenguaje teatral, después elegimos los cuentos con un arco dramático idóneo y empezamos a ensayar buscando la implicación de una narradora emocionada, sobrecogida y casi protagonista del propio relato.
Con la otra actriz, Carmen Mayordomo, he trabajado muy a gusto, apostando y creyendo en el proyecto desde el primer momento.
¿Qué balance haces de tus últimos trabajos como directora?…
Que siempre, siempre estamos aprendiendo.
¿Qué función crees que ha de tener hoy el teatro para la sociedad en la que vivimos?…
Hoy y siempre el teatro tiene que tener algo de espejo, de reflejo de nuestra sociedad, creo que debemos aprovechar el escenario, nuestra posición como comunicadores para hacer llorar, reír, pensar, denunciar, emocionar…Pero concretamente, en los tiempos que corren, creo que los actores, los creadores, deberíamos expresar contundentemente todas las injusticias, las miserias, los desaciertos, los terribles dramas que surgen cada día como pequeñas historias en cualquier rincón, casa, trabajo, familia… de esta sociedad tan vapuleada y maltratada últimamente. Nosotros tenemos el privilegio de poder contar una historia y conseguir trasmitirla hasta el pensamiento y la conciencia del espectador, yo creo que contar una buena historia siempre sirve para algo (los políticos nos cuentan muchas y mucha gente se las cree).
¿Qué te motiva para llevar a cabo un proyecto teatral?…
No se lo que me motiva, pero sí se que no puedo vivir sin hacerlo.
¿Cómo está afectando la subida del I.V.A. y los recortes en las ayudas al teatro?…
Están afectando dramáticamente, terriblemente: si trabajas «a taquilla», al espectador le supone un esfuerzo que ahora no se puede permitir; a «caché», el I.V.A. actual hace que se incremente tanto que los ayuntamientos o quien te contrata te obliga a que el I.V.A. esté incluido en el precio. Todos los profesionales lo estamos sufriendo, porque es una cadena en detrimento de todos.
¿Qué obra de teatro has visto últimamente?¿Qué te pareció?…
Antes de ayer fui al Circo Price, tuve la piel de gallina durante una hora y media, me pareció una forma de expresión sublime. Además he visto «La Cortesía de España», con un fantástico reparto de jóvenes actores y «Continuidad de los Parques», con un fantástico reparto de actores consagrados, con lo cual material hay…
¿Cómo ves el teatro en nuestro país, en Madrid?…
Veo que hay muchas ganas, mucha calidad, muy buenos profesionales, muchos espacios nuevos y muchas zancadillas por parte del gobierno actual.
¿Proyectos?…
No se cuentan, ya sabes…
Nacho Sevilla nos habla de su estreno «Trinidad» en La Casa de la portera
¿Cómo surge el proyecto de Trinidad?…¿De qué va la obra?…
Este proyecto nace atendiendo a dos condicionantes:
-Estrenarlo en un espacio no convencional, como La casa de la portera.
-Trabajar con dos estupendas actrices: Lorena Toré y Cristina Bernal.
Soy un lector voraz desde muy jovencito, y con 15 años, y mucho antes de saber que me dedicaría a las artes escénicas, llegaron a mis manos textos de autores que me impactaron. Uno de ellos fue el venezolano Isaac Chocrón, autor maldito e injustamente tratado en nuestro país. Zurdo, judío, homosexual y escritor, así se definió a sí mismo demostrando un gran sentido del humor, y asumiendo una disidencia quizás impuesta.
El primer texto suyo que leí fue Okey, donde, al igual que en el resto de su obra, transgrede doblemente los modelos familiares heredados a través de una pareja de mujer madura y amante joven, a los que se une una tercera mujer en la formación de un trío.
Encargué una adaptación a Ana F. Valbuena, con quien tracé las pautas que marcaron su reescritura: España en los años 60. Ana además propuso un trío de mujeres, doblemente transgresor en la España del momento.
La obra plantea temas aún por resolver como el precio del ser humano, la necesidad de reconciliación entre vencedores y vencidos, o el debate entre los condicionantes sociales y económicos como factores destructores de las relaciones.
¿Hiciste algún tipo de búsqueda o documentación sobre el tema antes de empezar a dirigirla?…
Como egresado y actual profesor de la RESAD en la especialidad de Dirección de Escena, siempre realizo un escrupuloso trabajo de información y documentación relativo al proyecto, previo a toda la labor dramatúrgica y de propuesta de puesta en escena. Soy discípulo de Juan Antonio Hormigón.
¿Cómo ha sido el proceso de puesta en escena?…¿Con los actores?…
Es éste un trabajo fundamentalmente basado en la interpretación actoral. A Lorena y a Cristina ya las conocía de trabajos anteriores. A Marta Guerras siempre la tuve en mente para interpretar a la joven Trinidad. Tres actrices egresadas por la RESAD, con una disciplina de trabajo común, y con distintas peculiaridades técnicas.
El resto de la propuesta se apoya en una escenografía de finas líneas, artesanal y cercana, firmada por David Orrico, y en ingredientes como la radio, o la música de Rita Pavone quien ha marcado nuestro espacio sonoro no sólo por sus temas, sino como modelo de mujer que destacó en la música de una manera muy peculiar e inspiradora para nuestro trabajo.
¿Qué balance haces de tus últimos trabajos como director?…
Mis cinco años en la directiva de la RESAD me han impedido llevar a cabo más proyectos deseados. Destacaría mi trabajo con La Bernalina, cupletista interpretada por Cristina Bernal, con textos de Alberto Conejero, con quien he realizado dos puestas en escena que aún siguen girando, Sicalipsis now! y La chica del XVII o El corral de los cuplés. El musical es uno de mis géneros.También Migraciones internas, de Ana F. Valbuena, estrenado en el Piccolo de Milán, con profesores, egresados y alumnos de la RESAD, en una experiencia maravillosa.
Echando la vista atrás veo que he montado textos de autores emergentes: Paco Bezerra, Alberto Conejero, Nacho de Diego, Ana F. Valbuena.
¿Qué función crees que ha de tener hoy el teatro para la sociedad en la que vivimos?…
El que siempre tuvo: señalar con el dedo. Sea cual sea el género.
Si además tenemos en cuenta las especiales circunstancias de nuestra realidad, y que los políticos se están dedicando a hacer teatro (del malo), el teatro debe hacer política, más que nunca.
El circo en el congreso, el debate político en el escenario.
Los cómicos nunca tuvieron tanta competencia. Ni el poder tanta desvergüenza.
¿Qué te motiva para llevar a cabo un proyecto teatral?…
Un director siempre tiene muchos proyectos a la espera de que llegue su momento (tú lo sabes, como director). Okey ha tardado 30 años. Ahora se llama Trinidad.
Mi maestro Bielski decía que lo importante es tener un buen texto y unos buenos actores. Lo suscribo.
¿Cómo está afectando la subida del I.V.A. y los recortes en las ayudas al teatro?…
Mientras tengamos un ministerio donde ya no caben más competencias, todo bajo el mismo presupuesto, seguiremos viendo mermados los derechos básicos del ciudadano.
El teatro debe ser un servicio público, como la educación y la sanidad. ¿Quién ha dicho que no debe subvencionarse? No es una limosna, es un presupuesto que sale de los impuestos de los ciudadanos y a él debe volver.
Pero no nos engañemos, la crisis económica evidencia una crisis de pensamiento, y la imposición de una ideología.
¿Qué obra de teatro has visto últimamente?¿Qué te pareció?…
¿Hablas en singular? Veo mucho teatro. Acudo al teatro con el respeto que merece un trabajo que se hace con tanta entrega y disciplina y con tantos inconvenientes.
¿Cómo ves el teatro en nuestro país, en Madrid?…
Buscando nuevas fórmulas de supervivencia, rompiendo espacios convencionales y nuevos medios de autogestión, como Hilvanando Producciones, de total autofinanciación y capitaneado por la gestión de Eva Campillo, una productora creativa, resolutiva y con nuevas fórmulas de producción.
¿Proyectos?…
Si nos dejan… Desgraciadamente tenemos más proyectos que realidades.
INMA CUEVAS nos habla de su intenso trabajo en los últimos proyectos escénicos.
¿Qué es el teatro para ti?…
Donde crezco, donde me refugio, donde respiro. La libertad. A donde acudo para hacerme mayor, para volver a ser niña, donde juego, donde sueño.
¿Por qué haces teatro?…
Porque un día decidí que allí, encima de un escenario podía ser.
¿Qué balance haces de tu trayectoria como actriz?…
Más que positivo, soy muy afortunada.
El esfuerzo se ve recompensado.
¿Cómo surge tu participación en los proyectos en que estás implicada ahora?…
De muy diversas maneras.
Juan Mairena, director y autor de Cerda se puso en contacto conmigo para ofrecerme un personaje en su obra. Lo leí, me apasionó su lírica y su sentido del humor. Entendí cada palabra y el porqué de cada coma. Delirante y valiente.
Pablo Muñoz -Chápuli, director de No son maneras de tratar a una dama, me conocía de haber trabajado en una producción anterior, Anda que no te quiero, parece que mi locura y mi comicidad le atrajo para colaborar en este gran musical del Off Broadway, lo único que le faltaba era saber si daba la nota, y ahí la he estado dando con fortuna.
True West es el más personal de todos. Mis compañeros de Los últimos días de Judas Iscariote , Alberto Berzal ,Luis Rallo e Israel Frías llevaban mucho tiempo soñando con poner en pie este texto de Sam Shepard. Quisieron contar conmigo y ahí estuvímos los lunes de Marzo, en el Hall del Teatro Lara bajo una impecable dirección de José Carlos Plaza.
MBIG llegó de la mano de José Martret. Imagino que entre los pasillos de La casa de la portera e iluminada por los cirios de Sor Cicilia, Martret vio la luz para enfundarme en una deliciosa Camelia a la que la debo tantas satisfacciones…
¿Cómo fue el proceso de creación en cada una de las propuestas?…
Cada proyecto nace de un lugar distinto, con compañeros que aportan desde perspectivas diferentes, pero siempre los abordo desde la ilusión, el compromiso y el rigor.
¿Hay algún referente técnico o artístico del que has partido para crear tus personajes?…
Todos ellos están llenos de matices partiendo primero del propio texto.. porque ahí están muchas de las respuestas y luego añadiendoles color con todas las referencias posibles, desde lo que te dice el director de primera partida y leyendo sobre el autor, un perfume, una obra pictórica, una banda sonora particular, alguna serie de tv, viajando y descubriendo con tu imaginación lugares donde nunca has estado. Improvisando entre cajas. Dejandote llevar por lo que te proponen otros. Cuantas más referencias tengas más rico es el personaje.
Camelia de MBIG siempre despierta a la mañana cantando a Frank Sinatra, por ejemplo.
¿Cómo preparas los personajes?…¿Cuál es tu método?…
Después de un camino andado seleccionas lo mejor de cada casa, lo que de verdad crees que concuerda con tu forma de trabajar y de jugar con un texto, con un personaje, con tu compañero, con el público.
El rigor, la intuición y el trabajo constante. Ese es mi método. Saber lo que uno dice, a quién y por qué. Preparar el cuerpo y seguir descubriendo.
¿Qué función crees que ha de tener hoy el teatro para la sociedad en la que vivimos?…
Cualquiera que nos remueva en la butaca, cualquiera que al salir sigamos pensando que estamos vivos.
¿Cómo crees que está afectando la subida del I.V.A. y los recortes en las ayudas al teatro?…
Por un lado parece que al haber poco presupuesto todo vale encima de un escenario y además se están recortando mucho los sueldos. Ya no se puede vivir de hacer un espectáculo, haces varios a la vez, o te buscas un trabajo alternativo como es el caso de muchos de nosotros… y por otro están surgiendo grandes propuestas teatrales que hacen que valga la pena seguir luchando a pesar de los obstáculos que nos ponen.
¿Alguna sugerencia para seguir creando en tiempos de crisis?…
Eso mismo, seguir creando. Los actores siempre estuvimos en crisis. Perseverancia y pensar que se puede.
¿Qué obra de teatro has visto últimamente?¿Qué te pareció?…
La visita escrita y dirigida por Antonio Muñoz de Mesa con Rosa Mariscal e Ivan Villanueva. Gran texto, grandes personajes. Delicada, poderosa, exquisita y al estómago.
¿Que ha significado el premio de la Unión de actores?…
He recibido todo el cariño y más por parte de mis compañeros actores. Después de todo un año trabajando duro este reconocimiento me alienta a seguir caminando. Muy agradecida.
¿Proyectos?…
Sigo con MBIG hasta el 13 de Abril y en Mayo estrenaré un proyecto muy personal y necesario en la sala Kubik Fabrik.
Muy pronto os iré contando.
Miquel Insua nos habla sobre sus trabajos interpretativos
¿Qué es el teatro para ti?…
El teatro nació de la comunidad y sigue siendo un ritual comunitario. En el teatro nos encontramos para compartir.
¿Por qué haces teatro?…
El teatro explora lo que significa ser humano. Y la humanidad no es una cosa natural, es una cosa que nosotros construimos. Lo mismo que la justicia. Nuestra concepción básica de lo que es la humanidad lleva el germen de la corrupción desde la Biblia, que nos narra como pecadores. Esa energía psíquica milenaria nos persigue. La literatura y los noticiarios nos narran diciendo lo malos que somos. Vivimos en una sociedad que maltrata a diario la imagen del hombre. Para mi, el teatro es un proyecto humano dónde trato de encontrar respuestas a una pregunta, ¿Cómo ser humanos en un mundo asolado por la guerra y por la injusticia social?.
¿Qué balance haces de tu trayectoria como actor?…
El balance lo hacen los presupuestos de acción, las historias con las que te acabas comprometiendo. Llevo un año encadenando proyectos, tanto en el cine como en el teatro. En el teatro, he trabajado textos de Lola Blasco, María Velasco y Sergio Martínez Vila. Y en el cine con Carlos Vermut, Borja Cobeaga, Juan Cavestany o Nacho Vigalondo. Y, curiosamente, casi todas interrogan o dan cuenta de los mecanismos del sistema para deshumanizarnos.
Háblanos de los últimos montajes en los que has participado.
Hace un año, en el CDN, me propusieron uno de los retos más grandes de carrera como actor. Interpreté a una transexual en La Ceremonia de la confusión de María Velasco, con dirección de Jesús Cracio. El texto interrogaba a la generación de la movida desde el movimiento de los indignados del 15M, y mi personaje acababa desmontando la cuestión de género. Después llego un regalazo, abordé a Sócrates en El banquete, que estrenamos en el Fringe y que ahora volvemos a reponer en el Ateneo. Uno del os mejores monólogos que ha llegado a mis manos, escrito por Sergio Martínez Vila. Y, pasado el verano, Carlos Aladro me propuso participar en el Don Juan, de Zorrilla. Un montaje multimedia para Alcalá de Henares. Ahí descubrí lo sagrado del teatro. El viaje culminó en la Huerta del Obispo del Palacio Arzobispal, el 31 de octubre y el 1 de noviembre, ante 20.000 personas en silencio, durante dos horas. Después hicimos Perfiles, de Sergio Martínez Vila, en La casa de la portera. La obra planteaba como en el mundo virtual el Otro desaparece y el sistema nos va convirtiendo en máquinas. Estuvimos cuatro meses reflexionando sobre esas máquinas que llevamos en los bolsillos y que lo aceleran todo pero que no pueden asegurar nuestra humanidad. Y, los dos últimos montajes fueron en el escenario de la Cuarta Pared. Günter, un destripador en Viena, de María Velasco. Un montaje sobre el accionista vienés Günter Brus y sus autolesiones para despertar a la sociedad de su tiempo. Un trabajo que entronca con nuestra actualidad, con la dificultad para renovar en el ámbito del arte y de lo social. Y En defensa( un concierto de despedida), de Lola Blasco. Luis Paniagua compuso la música original del concierto, una elegía para despedir a los jóvenes que abandonan el país, por falta de trabajo. Un montaje de investigación para renovar el teatro político a partir de Brecht y de Piscator. Y una toma de conciencia sobre la resistencia que habitamos. La revolución de las ideas se corresponde con la de las formas y de las estéticas.
¿Cómo surge El Banquete, el proyecto que vais a presentar en el Ateneo?…
La idea de hacer El banquete surge de María Velasco, que coordinó a la dramaturgia, y de Sonia Sebastián, que se encargó de la dirección. Cinco dramaturgos: Alberto Conejero, Elena Lombao, Ana R. Costa, Sergio Martínez Vila y María Velasco, reescribieron los discursos del amor, a partir del original de Platón.
¿Cómo fue el proceso de creación?…
Escritos los discursos, Sonia Sebastián ofreció a los dramaturgos la posibilidad de que propusieran a los actores que podían interpretar sus discursos. Una vez formado el equipo, hicimos exploratorios sobre la clase social a la que podían pertenecer estos filósofos, su manera de comportarse en este tipo de reuniones y las posibles relaciones que podían surgir entre los comensales. Siempre con la comida de por medio o distintas catas de vinos. El equipo se compactó en seguida, la verdad. Y el resto, con la batuta de la Sebastián, fue rodado.
¿Hay algún referente técnico o artístico del que has partido, para crear tu personaje?…
A Sócrates lo condenaron por corromper a los jóvenes… Situé su juventud, la década en la que podía haber forjado sus cimientos, en el movimiento hippie, Todavía estamos bebiendo de la revolución sexual de los años sesenta, del amor libre, la marihuana, la experimentación con los alucinógenos y de todo un mundo sonoro. Se instaló una canción y un tempo: Across the universe, de los Beatles. Nothings gonna change my world…
¿Cómo preparas los personajes?…
Suelo trazar momentos de su biografía que le marcaron cambios de conciencia. Trato de documentarme todo lo que puedo y estar alerta de lo que me va dando la vida diaria. Para mi, lo importante es aproximarme a su carácter, sentir de dónde nace el discurso que trata de sostener y de su estado de conciencia en el momento que entra en acción.
¿Qué función crees que debe tener el teatro para la sociedad en la que vivimos? …
Vivimos la desaparición del especio público, de reunión. Cada día estamos más dispersos y el bombardeo de la información crea confusión. Creo que el teatro nos convoca para sacarnos del ruido del mundo y abrirnos un poco más los ojos a una verdad secreta. Esa que fecunda la conciencia. Tenemos que empezar por entender que sentido nos damos nosotros a nosotros mismos para saber qué tipo de sociedad queremos. Y el sentido también debe aprenderse, nos una cosa natural.
¿Te interesan las propuestas combativas y políticas?…
Claro que sí. Las ideas que mueven al hombre entroncan con la situación política en las que esas ideas se gestaron. Ahora que la democracia no nos ayuda porque no hay una verdadera comunidad, que estamos divididos por la economía, sin objetivos comunes, el teatro tendría que ser más abiertamente político. Es el momento de repensarse. Si no ahora, ¿cuándo?.
La Subida del IVA…
Tratan de hacer daño a la cultura y, por tanto, a la identidad del país. Nos duele, pero no nos paran.
Alguna sugerencia para seguir creando en tiempos de crisis…
En vez de crisis di resistencia. Estamos en una resistencia y hay que planificar la resistencia. La otra palabra puede llegar a paralizarte.
Qué obra de teatro has visto últimamente? ¿Qué te pareció?…
Citaría el repertorio de Pablo Messiez. Me interesa lo que cuenta, como lo cuenta, los climas que crea y adónde viajo como espectador.
Proyectos.
Tenemos Los bárbaros como distribuidora y como compañía. El proyecto es crear más visibilidad a la dramaturgia contemporánea; y más amortización del trabajo. Lo más inmediato, el estreno de Perfiles en escenario a la italiana. El 5 de abril, en La Elipa. Nos vamos de bolos con Günter, un destripador en Viena, a Burgos. Seguiremos en Madrid con El Banquete. Y estamos con la pre-producción de El arte de la guerra, una versión de Sergio Martínez Vila sobre el original de Sun Tzu.
Entreactos en La Casa de la Portera
Un entreacto es ese tiempo de espera donde no pasa nada, entre las escenas y actos de una obra donde se supone que ocurren las cosas importantes…la vida. Y sin embargo, a veces, la verdadera vida transcurre entre los momentos aparentemente trascendentales, porque la vida no es el fuego artificial sino que en muchas ocasiones, lo esencial es ese momento donde se prende la mecha o las cenizas que quedan al final. En Entreactos de María Inés González y Miguel Ángel Cárcano, asistimos a los pequeños momentos privados que durante diez años viven dos mujeres tratando de construir vida en su relación, a pesar de que los obstáculos en el día a día no les dejen afianzar su amor. Ay! si los sofás hablasen…nos contarían los secretos de los trucos de magia.
Adolfo Simón
Dalí en la portería
Volvía anoche para mí casa tarareando la canción Suspiros de España después de un doble programa de teatro. A veces, la coincidencia de dos piezas escénicas hace que uno entienda mejor el mundo que habitamos aunque sea sobre ficciones del pasado porque, al final, la historia es un bucle que se repite constantemente. En Dalí versus Picasso de Fernando Arrabal que se presenta estos días en el Matadero Madrid, hay un encuentro poético entre los dos geniales pintores para mostrarnos sus fragilidades y terrores antes la creación y el desarraigo vital. Todo transcurre dentro, delante y detrás de un cuadro porque, probablemente, su vida no existió más allá del arte y el precio que pagaron, a pesar de pasar a ser inmortales en la historia de la pintura, tal vez no fueron muy felices, al fin y al cabo…artistas mortales. Salvando las distancias, en La casa de la portera, el excelente coreógrafo y bailarín, Ramón Oller nos sitúa en ese país sin fronteras que es el mundo de los artistas, esos gitanos trashumantes que igual bailan en una plaza que en el Folies Berger y siempre, con la memoria a cuestas, con todo lo que se queda en el camino al recorrer tantos. Y de nuevo, el precio de crear a costa de perder la vida en cada paso, en este caso, de baile.
Adolfo Simón
The room, trabajando para el diablo en La casa de la portera
Afuera la ciudad ruge enzarzada en el carnaval, en el disfraz y la máscara…
Dentro de la portería, un indeseable se esconde tras un pasamontañas para desvelarnos su participación como mano ejecutora del diablo.
Afuera la gente va de su corazón a sus asuntos creyendo que la primavera está a la vuelta de la esquina…
Dentro bajamos al infierno de las miserias humanas.
¿Por qué si leemos Teatro documento o político miramos para otro lado?…¿Por qué somos cómplices de los horrores de este mundo y no movemos ni un dedo?…
La casa de la portera sigue siendo ese lugar en Madrid donde nunca se sabe que plato tendrás ante tus ojos en la mesa. The room no es teatro y lo es de manera esencial… No lo es porque bebe de hechos reales y eso suena más a docudrama pero está hecho con tanta teatralidad y valentía, que hay que llamarle TEATRO y punto. No voy a desvelar lo que pasa ni como ocurre, si queréis dejar de mirar el telediario mientras os tomáis un buen vino y creéis que ya habéis cumplido con vuestro paso por este desierto estéril, no vayáis a ver The Room, pero si queréis sentir el corazón en un puño mientras os abren las entrañas que cuelgan rotas de la cruceta del poder, ir a verla. Además, cuando terminéis de conocer el terror de ciudad Juárez y alrededores…Cuando el pasamontañas caiga, otra sorpresa os dejará boca abiertos.
Adolfo Simón
Carlos Be nos habla de sus experiencias escénicas como autor y director
¿Cómo surgió The Zombie Company?…
En el año 2003, Fran Arráez me anima a montar “Eloísa y el domador de mariposas”, mi primera obra teatral, y la estrenamos en el Teatre Artenbrut. Vivíamos en la Barcelona más bohemia de inicios de siglo y nos dábamos cita en un ático inmenso en el barrio del Borne, en la calle de Mercaders. De aquella época conozco también a Mentxu Romero, que ahora mismo actúa en “Autostop” junto con Juan Caballero en el Teatro Lara y es que, en torno al año 2010, llegamos los tres a Madrid, sede actual de la compañía, y aquí seguimos.
¿Cuáles son las premisas para seleccionar los proyectos de la compañía?…
La compañía se funda para poner en escena mis textos. En la mayoría de los montajes, la dirección corre por mi cuenta pero hay un par de excepciones maravillosas en las que profesionales muy allegados han tomado las riendas de los montajes: Álex D. Capo, que dirige “Noel Road 25: a genius like us” en 2005, y Fran Arráez, que firma la dirección de “Autostop”.
También existe una excepción en lo que concierne a la autoría: hace dos años presentamos en el Teatro Lara la lectura dramatizada de “Locuras cotidianas” de Petr Zelenka, un autor contemporáneo checo sin parangón, lo cual nos permitió conocer a actores afincados en Madrid de la talla de Alfonso Torregrosa, Esperanza Elipe, Pepa Rus e Iván Ugalde, entre otros.
¿Qué balance haces de estos años de existencia de la compañía?…
Muy bueno. Después de diez años, hemos tenido el privilegio de trabajar con grandes profesionales de la escena y hemos compartido, aprendido y mejorado en muchos aspectos, ¡y queremos que continúe así!.
¿Es importante tener unos colaboradores habituales en el equipo artístico y técnico?…
Por supuesto, aunque siempre estamos abiertos a nuevos talentos. En principio, el equipo artístico-técnico de un espectáculo se plantea según las necesidades concretas de esa propuesta, independientemente de los equipos de otros espectáculos de la compañía. Es verdad que hay profesionales, como el iluminador Jesús Antón y el escenógrafo Alberto Puraenvidia, por ejemplo, con los cuales es un honor contar entre las filas de los Zombies proyecto tras proyecto.
Has escrito o adaptado textos para The Zombie Company. ¿Se modifican en los ensayos?…
Depende el texto. Hay obras que se han escrito ex profeso para sus actores, como “Peceras” y “Elepé”, protagonizadas por Fran Arráez, Carmen Mayordomo e Iván Ugalde. Ello facilita que el texto, en principio, siente como un guante al actor sin olvidar el desafío que siempre debe representar para quienes encarnen esos papeles.
En éste y en otros muchos aspectos, un montaje bastante excepcional fue el de “Peceras” –quienes la vieron recordarán los cerca de veinte minutos de improvisación a los que se enfrentan los actores nada más empezar la obra–. En “Peceras” los actores también generaron fragmentos de texto durante los ensayos como parte de la creación.
En cambio, otras obras como “Exhumación”, “Muere, Numancia, muere” o “Dorian” requieren otro planteamiento desde los ensayos, pues son obras extremadamente frágiles a la hora de soportar modificaciones textuales.
¿Cómo es el diálogo entre el director y el autor en los procesos?…
Ese diálogo se resuelve desde el primer día de ensayo, cuando el director comunica a los actores y el resto del equipo que al autor hay que darle por muerto y cualquier duda se soluciona directamente con dirección. Aunque en realidad siga vivo, dice el autor, vamos a tratarle con la holgura que sólo otorgan los autores muertos.
¿Qué evolución has hecho como dramaturgo a lo largo de tu trayectoria como autor?…
Sobre todo valoro la influencia positiva que el hecho de dirigir ha aportado a la escritura. Se aprende a controlar la organicidad del texto, a dominar la respiración del discurso y también a que los actores que tomen impulso para volar ayudados por la cadencia del texto, entre otros temas.
¿Cómo enfocas la escritura de un texto de encargo?…
Como cualquier obra que escribo motu proprio, la verdad. Tengo que aclarar que he tenido la oportunidad de aceptar sólo encargos que me interesasen. Las propuestas buenas pueden llegarle al escritor de cualquier lado, hay que estar siempre atento a las necesidades de los demás y a las historias que quieren contar.
¿Cómo surge el proyecto que presentáis en el Teatro Lara? Háblanos del texto y de cómo ha enfocado el director la puesta en escena…
El proyecto surge de la lectura de “Falešný autostop” de Milan Kundera por parte de Fran Arráez, su director. Fran me comenta que encuentra en este relato muchos paralelismos con el imaginario de mi obra y de ahí nace la necesidad de acercarlo a mi mundo. La puesta en escena de Fran propone varios viajes: por un lado con el pensamiento de los personajes, que se recrea en un espacio diferente al del viaje real de Jupe y Dana, y que refleja a veces lo más oculto y a veces lo más externo y estereotipado de la relación; por otra parte, el propio juego en el que se embarcan los protagonistas, que es totalmente emocional y supone un reto para los actores, que han sido muy generosos y valientes dándolo todo y poniéndose en las manos de su director. También Jesús Antón y Alberto Puraenvidia, al cargo de las luces y la escenografía, han logrado recrear esos espacios irreales de pensamiento aportándoles mucha elegancia e ironía.
¿Qué montaje que hayas visto últimamente te ha interesado?…
Los más recientes son bogotanos, del Teatro Varasanta y Proyecto 2046. Al viajar bastante últimamente tengo grandes lagunas y me pierdo muchos espectáculos, pero afortunadamente hay buen teatro en todas partes. A mi regreso a Madrid me gustó mucho “La visita” en La Casa de la Portera, escrita y dirigida por Antonio Muñoz de Mesa e interpretada por Rosa Mariscal e Iván Villanueva, un espectáculo de pequeño formato que roza la perfección.
Háblanos de las últimas experiencias como director fuera de España…
En otoño del año pasado dirigí en Bogotá “Muere, Numancia, muere” con estudiantes de último curso de interpretación de la Academia Superior de Artes de Bogotá, facultad de la Universidad Distrital Francisco José de Caldas. El espíritu teatral existe en todas partes del mundo y eso me permite sentirme como en casa en cualquier teatro, aunque debo confesar que la ciudad me sobrecogió. Recuerdo mi sorpresa inicial al comprobar con qué naturalidad los actores abordaban las escenas más violentas de la obra. No tardé en comprender los motivos. Siempre cuento que en Bogotá me habitué a ver muertos cada día por la calle y, junto a Cecilia García, la directora de Proyecto 2046, guardo una visión sin igual, la de las puertas del infierno, porque esas puertas existen y se encuentran en Bogotá, exactamente enfrente de una colchonería en la zona conocida como la Ele del Bronx. Gracias a estas visiones y más, comprendí que la violencia posee muy diversos y me vi obligado a adaptar la puesta en escena de la obra a una intensidad inédita para mí. Como director supuso un reto que se logró y con creces; pero como persona, fue aceptar algo muy duro.
El huerto de los guindos de Chejov en La casa de la portera
De nuevo Chejov en La casa de la portera, ahora con una adaptación del actor Raúl Tejón, cuando todavía resuena en nuestra memoria aquel Iván-Off que hizo de La casa de la portera un lugar de culto, nos llega ahora esta nueva adaptación de uno de los grandes textos del autor ruso y de la literatura dramática del siglo XX. Raúl ha puesto el acento en lo que conoce bien, el trabajo de los actores y les acompaña para que las emociones e intenciones de los personajes afloren y llenen cada rincón del lugar. Todo el grupo de intérpretes están afinados en su trabajo, como buenos pianos, no se puede ni se debe resaltar a ninguno entre todos. Casi dos horas de teatro de hoy que mira a los clásicos con fervor. De momento se terminan las funciones de este huerto pero no dudo que volverá a habitar las estancias de la casa o se enfrentará a otro espacio, donde seguro, tendría también posibilidades escénicas.
Adolfo Simón
Sobre identidades y deseos
El teatro es el espacio idóneo para hacerse preguntas importantes…¿Quiénes somos?¿Qué somos?¿Cómo amamos?¿A quién amamos y por qué?…Hay dos propuestas en estos momentos en Madrid que tienen como eje dramatúrgico preguntarse y preguntarnos sobre qué hacemos en este paraíso perdido.
El esperanza de Quique Culebras en La casa de la portera nos invita a una cena fuera de fecha para entender mejor porque nos perdemos en el laberinto del amor y no encontramos la salida…Porque…¿De qué nos enamoramos?…¿Del otro?¿De nosotros mismos?…¿De la imposibilidad de amar?¿De la torpeza de las caricias y las palabras?…Bueno, tendrán que ir a ver El esperanza si quieren conocer las respuestas o hacerse las propias.
Y en la Sala II del Teatro Español se representa Cuestión de Altura de Sandra García Nieto. Una obra que parece habla de esos personajes atrapados en la belleza y el arribismo pero al final nos muestra la cara oculta que todos tenemos, esa que no enseñamos ni al espejo. ¿Somos tan bellos o tan horribles como pensamos o nos dicen?…¿Qué pasaría si un día sale atravesando el espejo nuestra miseria y nos abraza?…Pues también tendrán que ir a ver esta función si quieren verse en los espejos del callejón del gato y de paso, disfrutarán de dos actores en estado de gracia.
Adolfo Simón
Pequeños dramas sobre arena azul en La casa de la portera
Las mascotas terminan pareciéndose a sus amos o estas a ellos. Hay algo inquietante en Pequeños dramas sobre arena azul ya que, ante la sorpresa que nos genera ver a actores que interpretan personajes y animales humanizados, esta se diluye para situarnos ante seres con emociones y contradicciones, pasando los humanos a situarse en un espacio más animal y los bichos a pequeños corazones sobre el alfeizar de una ventana. En este inquieto lugar de Lavapiés sigue teniendo cabida todo tipo de propuestas dramatúrgicas, es un espacio camaleónico que acoge a seres de otro tiempo, a personajes del futuro y a miradas diferentes sobre nuestra realidad, como esta de seres humanos salvajes y animales de compañía sensibles.
Adolfo Simón
CONSUELO TRUJILLO nos habla de su trayectoria y proyectos para la escena
¿Cómo fueron tus inicios en el teatro?…¿Realizaste otras facetas además de la actuación?
Yo comenzé en el teatro universitario, despues inicié mi formación en el Instituto de Teatro de Sevilla y mi pasion por la interpretación me llevo a Buenos Aires a estudiar con Carlos Gandolfo. Aquel viaje cuando yo tenía 27 años me cambió la vida y y me orientó hacia el tipo de actriz que yo quería ser. Se me abrió un camino en el arte pero también en la vida. La búsqueda del “ser” en la actuación, ser. La necesidad de encontrarme de romper bloqueos, resistencias conocerme más…. En aquella época la pregunta era ¿quién so yo? ¿quen es esta mujer que desea tanto actuar?
Y claro Carlos Gandolfo era un gran maestro en desvelar la verdad y sobretodo en señalar la falsedad de la que ni tu te das cuenta. Allí también conocí a Juan Carlos Corazza quién también ha sido un maestro importante y con quién he colaborado en su escuela durante 14 años, a él le debo el despertar de mi vocación por enseñar.
¿Qué es el teatro para ti?…¿Por qué haces teatro?…
El teatro es mi pasión, mi destino, mi vocación, el lugar donde puedo dar lo mejor de mí misma, donde me expando, crezco y me desarrollo siendo útil a los demás. Me siento muy identificada con ese texto de Nina en La Gaviota “Y cuando pienso en mi vocación no le temo a la vida”.
¿Tu labor en el teatro lo has compatibilizado con otros trabajos?…
He tenido la suerte y la posibilidad de desarrollarme en el teatro desde varios frentes,: la actuación, la enseñanza, la dirección y esto me ha abierto puertas y a la vez he tenido que trabajar muy duro para prepararme y también para compatibilizarlo.
¿Qué balance harías sobre tu larga trayectoria?…
De lo que estoy más contenta es de haber estado siempre en el teatro desde que decidí que era mi camino, también de todo lo que he dedicado y sigo dedicando a formarme, reciclarme, experimentar, buscar nuevos retos. Yo por dentro me siento con la misma ilusion, la misma ansia por saber, el mismo extasis amoroso por actuar… El teatro es ese camino insondable, inabarcable, en el que me adentré con 21 años y todavía sigue siendo para mí un misterio por descifrar, o no, no lo quiero descifrar, quiero que siga siendo un misterio para mí, sorprendente, lleno de nuevos retos…. En realidad el teatro es mi maestro.
¿Qué diferencia hay para ti del teatro que se hacía en tus principios al que se hace hoy en día?…
Ya he comentado antes que yo empecé en el teatro universitario y el teatro independiente, era un teatro de guerrilla, ahora volvemos a las trincheras pero la diferencia es que estamos más preparados, sabemos más, nuestro arte ha crecido, los profesionales se preparan mucho más, y yo me siento más cerca de estas inquietudes de ahora que de las de antes… Y vibro en la esperanza de que desde las trincheras del teatro, este off tan vivo y fuerte que está emergiendo en Madrid se van a producir cambios muy importantes que con el tiempo se recordará como una época gloriosa para la escena de nuestro pais.
¿Qué función crees que ha de tener el teatro para la sociedad de hoy?…
Ayudar a cambiar el mundo, parece muy grande pero así lo siento, contribuir a la revolucción de la conciencia, revelar lo que esta oculto. Lo dicen todos los grandes: Chejov, Shakespeare y yo humildemente y desde mi modesta situación me sumo a ese proposito. Los artistas tenemos que contribuir con nuestro arte al cambio que esta emergiendo y que tanto necesita nuestro mundo.
Despertar conciencias, reflexionar sobre el sentido, la gran pregunta. Ya se la hace Chejov: “¿Para qué nacemos, para qué vivimos?”.
¿En qué proyectos has participado durante el último año?…Háblanos de ellos…
Este año he estado sumergida en un proyecto de creación en el que también seguiré en 2014 “Criatura” en el participo como creadora, codirectora e interprete y que es una apuesta personal muy arriesgada de la que estoy muy contenta. He dirigido por primera vez una Opera como proyecto pedagógico para el Auditorio Nacional “El rio de la vida” algo muy especial que hicimos con la compositora Marisa Manchado, la orquesta nacional, el coro nacional y casi 70 niños de primaria y secundaria, una locura que resultó una experiencia maravillosa. He seguido con el Laboratorio que realizo en CriaturadelArte para actores, este año iniciamos el laboratorio en torno a la la obra de Mouawad y por ultimo el regalo grandísimo que me ha hecho Raul Tejón con el personaje de Andrea en el Huerto de Guindos para La Casa de la Portera.
¿Cómo surgió tu participación en El Huerto de los Guindos?…¿Qué te atrajo de la propuesta…
Raul Tejón me lo propuso y no me lo pensé. El me transmitió mucha confianza, tenía más fé en mi que yo misma. Y la verdad que me pareció tan bello, que él que había sido mi alumno, quisiera dirigirme y me trajera este regalo a mi vida. El personaje de Lubov Andreievna, Andrea en nuestra version es un personaje que me apasiona, es un reto para cualquier actriz, te obliga a rajarte las vestiduras, a entregarte a un viaje apasionante, sin control, un tobogan de emociones, procesos irracionales, locura, contradicciones, desgarro. Ella lo pierde todo, ya lo dice “mi huerto, mi dulce y querido huerto, mi vida, mi juventud, mi felicidad”… pero también es el adios a una forma de vida, a una época y quitando capas es el adios que todo decimos a ese anhelo de felicidad que hemos sentido tan vibrante en la niñez y la juventud, cuando te ibas a comer el mundo, cuando todo era posible…y llega el momento de bajar las armas y aceptar que no sera posible, entonces se nos abre la brecha… o claudicar o abrirnos a una nueva vida, en la que nada es como parecia que tenía que ser, la aceptación…Parece que Andrea esta dispuesta a quemar todos los cartuchos y vivir en la intensidad hasta morir, es su opción y yo la respeto y cada noche viajo con ella, bailo su danza y me da mucho. También esta siendo un viaje actuar en La Casa de la Portera con esa cercania e intimidad con el publico y con un grupo de compañeros maravillosos que me estan enseñando mucho, mucho de humildad, amor al teatro y generosidad…
¿Hay algún proyecto que nunca pudiste realizar y te gustaría?…
Este Huerto es uno de ellos y este personaje es uno de ellos, Criatura mi proyecto de creación en torno al universo poético que me ha marcado en la vida es otro y está en marcha…Me gustaría mucho mucho hacer una puesta con la obra de Wjadi Mowaud con un grupo actores que siento muy afín y con los que llevamos trabajando un tiempo. Y que sigan viniendo textos interesantes, me interesa mucho el teatro contemporaneo, pero también la creación colectiva y hacer nuevas lecturas de los grandes textos.
¿Cómo crees que están afectando los recortes y el aumento del I.V.A. a los proyectos de teatro?…
Esto es una bomba que nos han tirado para acabar con la cultura pero no lo están consiguiendo. Todo esto está hacienda que los artistas y la gente de la cultura estemos hacienda de tripas corazón y derrochando amor e imaginación para seguir creando. Esto implica mucho sacrificio pero estamos resistiendo y abriendo una brecha de esperanza que los politicos y poderos no esperaban. El arte nunca muere y la gente necesita el alimento del arte. A mi me inspira e ilumina este texto de Federico para saber que vamos por el buén camino: El teatro es una escuela de llanto y de risa y una tribuna libre donde los hombres pueden poner en evidencia morales viejas o equívocas y explicar con ejemplos vivos normas eternas del corazón y del sentimiento del hombre. Un pueblo que no ayuda y no fomenta su teatro, si no está muerto, está moribundo…
¿Qué montaje que hayas visto últimamente, te ha interesado?¿Por qué?…
Quede fascinada con SEUL el ultimo montaje que ha traido Mowaud, es un creador que me interesa mucho y su obra me estimula a llevar mi mundo, mi historia a escena, comprometiendome con la universalidad de la mi historia y la de mi pueblo. Y acabo de descubrir a Christiane Jatahy con la version de JULIA que trajo al Valle Inclán… en ambos me facinó la libertad de los creadores, la combinación de lenguajes, como se interrelacionaban lo cinematográfico y lo teatral, la presencia viva y salvaje de los actores en escena, textos llenos de poesía que nos hablaban de un aquí y ahora que nos traspasaba por inmediato y a la vez atemporal.
¿Qué proyectos tienes entre manos?…
Creo que esta pregunta ya te la he contestado en las otras. Hay también un proyecto de cine que me apetece mucho que es la primera película de Albalá-Deudero… En tus huesos afilo mis dientes y depues hay dos proyecto de adaptaciones de textos dramaticos al lenguaje cinematográfico que ojalá lleguen a buen termino porque para mi supondrán dos personajes maravillosos para este momento de mi camino como actriz.
Sergio Martínez Vila nos habla de su trabajo de creación para la escena
¿Cómo surge el proyecto de ‘Perfiles’?…¿De qué va la obra?…
‘Perfiles’ se instala en la rutina de dos solteros de cuarenta y tantos (Fernando y Silvia) que comparten piso y que viven enganchados a las webs de contactos. Su obsesión por encontrar pareja o por tener algo de sexo con el que distraer su soledad es el motor de todos los conflictos emocionales que acaban por gestarse entre los dos.
El proyecto nace no sólo de mi particular relación de amor / odio con Internet sino de unas charlas de trabajo que mantuve con los actores (Miquel Insua y Mercedes Castro) a principios de este año. Escribí ‘Perfiles’ para ellos y gracias a ellos. Llevaba un tiempo trabajando en distopías sociopolíticas y en textos de carácter más poético y ‘Perfiles’, de algún modo, me obligaba a situarme desde un lugar mucho más actual y cotidiano.
¿Cómo ha sido el proceso de creación con los actores?…
Miquel y Mercedes han tenido un papel muy activo en todo el proceso, desde la puesta en escena hasta los diálogos, lo que ha facilitado y enriquecido mucho el trabajo. Por otro lado, dar forma escénica a un texto tan cercano al lenguaje hablado no siempre era fácil; por eso hemos intentado ser muy concretos con lo que queríamos transmitir en cada escena, a fin de darle un sentido a la incomunicación y a la impotencia de la que hablan los diálogos de ‘Perfiles’.
¿Hay algún referente técnico o estético del que has partido para esta puesta en escena?… Háblanos de ello…
En ‘Perfiles’ no tenía unos referentes muy claros, al ser un tipo de trabajo y de registro dramático al que no estaba muy acostumbrado. Para la veracidad y la cercanía que buscaba me inspiré mucho (como hago casi siempre que emprendo algo) en el cine y el teatro de John Cassavetes, en concreto ‘Love Streams’.
¿Cómo ha sido el proceso de puesta en escena en La casa de la portera?…¿Qué has querido contar desde la dirección?…¿Y desde el texto?…
‘La casa de la portera’ es un regalo para la puesta en escena, sobre todo si tu texto tiene lugar en un apartamento antiguo, como es el caso de ‘Perfiles’. Se trataba más bien de utilizar los elementos escénicos precisos para apoyar el concepto estético que ya tiene de por sí el espacio y no saturarlo.
Quería que la gente se sintiese desde el principio en la casa de Silvia y que pudiese percibir el día a día en ese lugar, el deambular por los pasillos, el olor de la comida, el tacto de las sábanas… El texto ya apoyaba este tipo de realismo ‘voyeurístico’ desde el coloquialismo y la imprecisión deliberada en los diálogos.
¿Qué balances haces de tus últimos trabajos en teatro?…
Éste ha sido el año más activo que he tenido nunca, en lo que a proyectos teatrales se refiere. Aprendí mucho del trabajo colectivo que hicimos a mediados de año en ‘El banquete’, de Sonia Sebastián (co-escrito con María Velasco, Elena Lombao, Anna R. Costa y Alberto Conejero), y también de ‘La madre tolerante’, un monólogo interpretado por Julio Rojas con el que me puse a dirigir teatro después de un paréntesis de seis años. He recuperado una confianza que hacía tiempo que no tenía y la verdad es que no puedo estar más contento con el diálogo que han ido generando nuestros trabajos. El balance sólo puede ser positivo.
¿Qué espectáculo has visto últimamente?¿Qué te pareció?…
No voy al teatro tan a menudo como me gustaría, en parte porque vivo y trabajo fundamentalmente en el campo. De lo poco que he podido ver este año tengo que destacar el montaje ‘Leche’, estrenado en la galería de arte Espacio 8 durante el invierno pasado. Las actrices Eva Llorach, Ángela Villar y Ángela Boix y el director Camilo Vásquez me introdujeron en un universo hipnótico sin corsés estructurales o morales. Era un trabajo de investigación libre, arrojado, carnal y de una belleza explosiva. Salí de allí con unas ganas de escribir y de trabajar tremendas. ¿Qué más se le puede pedir a una función?.
¿Cómo crees que está afectando la subida del I.V.A. y los recortes a la escena?…
Como medida que sólo pretende gravar libertades de expresión y de reunión en espacios de intercambio cultural, las consecuencias son devastadoras y van desde el aislamiento (tanto de creadores como de espectadores) hasta la auto-censura y otras formas tristes de boicot creativo. De todos modos, la medida es tan abiertamente absurda y tan clara en sus objetivos reales que, en sí misma, ya contiene la semilla de su propia destrucción.
¿Proyectos?…
Estoy preparando un díptico teatral sobre el sentido y las formas de una supuesta guerrilla (tanto urbana como rural) fuertemente anclada en este contexto de malestar político. Uno es un texto original, ‘Judit triunfante (o el océano contra las rocas)’, que me gustaría poder hacer en espacios tan poco ‘teatrales’ (a priori) como el campo o las dehesas de la sierra norte. El otro es una adaptación muy libre de ‘El arte de la guerra’ de Sun Tzu.
Alguna sugerencia para seguir creando en tiempos de crisis…
De la ausencia de recursos casi siempre surge, paradójicamente, un abanico muy amplio de posibilidades. Cuesta creérselo, en un principio, por el tremendismo de los medios y por el aura general de desánimo que parece impregnarlo todo, pero a poco que se vea todo lo que está surgiendo en los márgenes, uno se va haciendo a la idea de lo liberador que es el vacío cultural, al menos como punto de partida de algo nuevo. Los tiempos exigen unas formas modestas que no hacen sino propiciar contenidos aún más depurados y reveladores. Hay que confiar en el mensaje, trabajar con lo que se tiene para no instalarse para siempre en la espera y adiestrar las expectativas que se tengan sobre el alcance de tu trabajo. Y con eso se va haciendo camino.
Ana Rayo nos habla de sus experiencias como actriz.
¿Cómo surge el proyecto de La vida en blanco?…
Un día llamé a José Manuel y le dije: mira, estamos los dos sin trabajo en este momento, por qué no me escribes un monólogo? Un proyecto sencillo que pueda hacer en cualquier espacio, solo tu y yo, y lo producimos nosotros. Empezó a escribir con una idea radicalmente opuesta a la historia de «La vida en blanco», me llegó a dar una primera versión de ese otro monólogo, esa misma tarde me mandó un mensaje que decía mas o menos: olvídate de ese monólogo en unos días te doy otro texto, a la semana me mandó el texto de «La vida en blanco» una versión de media hora, a partir de ese momento nos pusimos a ensayar y lo estrenamos en octubre del 2012 en la librería 8 y medio, un año después escribió la versión de una hora y la montamos para «La casa de la portera»
¿Hubo ocasión durante el proceso para que aportases ideas en la puesta en escena?…¿Cómo ha sido el trabajo con el director-autor?…
El texto de esta segunda versión, de una hora, me lo dio 10 días antes del estreno, cuando nos pusimos a ensayar en dos días me lo marcó entero, yo fui creando a partir de sus marcas, José tenía clarísimo lo que quería, y yo soy una de esas actrices que hago, a saco, lo que me piden los directores, así que él iba pidiendo y yo haciendo y de ahí él cerraba la puesta.
¿Qué balances haces de tus últimos trabajos como actriz?…
Tengo un balance muy positivo, porque puedo hacerlo! Creo que lo mas importante en esta profesión es poder vivir de ella, en los últimos años he tenido mucho trabajo en todos los medios y estilos, espero poder decir lo mismo dentro de otros 20 años de profesión.
¿Cuál es tu método de trabajo?…
Depende de a qué me enfrente, tengo un método que cambia con cada trabajo, medio y director. Lo que si hago siempre es hablar con el director e intentar apoyar su historia con mí trabajo, creo en el trabajo de autor, por eso para mí lo mas importante es entender lo que el director quiere contar y apoyarlo al máximo con todos mis recursos.
¿Qué función crees que ha de tener hoy el teatro para la sociedad en la que vivimos?…
Creo que el teatro debe tener una función renovadora siempre, en este y en cualquier otro momento, creo que la gente tiene que salir del teatro planteándose algo… Creo que igual desde el teatro no se puede cambiar el mundo pero si se puede hacer que la gente se cuestione su mundo y con ello ayudar a cambiarlo.
¿Cómo crees que está afectando la subida del I.V.A. y los recortes al teatro?…
Como a todo, esto es un horror. El ahogo al que nos está sometiendo la administración es brutal, nuestros sueldos se hunden ( en nuestra profesión han bajado mas de un 50%) y la presión fiscal no hace mas que aumentar, mientras nos ofrecen menos servicios y de menor calidad. El otro día oí a Woody Allen en una entrevista decir que en Estados Unidos la lucha de clases la había ganado la clase alta, y que pensaba que esto pasaba en todo el mundo. Así es han ganado ellos, y ahora quieren que seamos mano de obra barata y calladita, para eso necesitan una sociedad de borregos sin cultura ninguna para que les sigan votando. Y el plan les está saliendo redondo. El acoso a la cultura es absoluto. Pero también a la educación, a la ciencia… A todo lo que nos haga evolucionar, mientras subvencionan la venta de coches o aumentan el presupuesto en defensa.
En fin, creo que la subida del IVA es solo una parte del plan.
¿Qué obra de teatro has visto últimamente?¿Qué te pareció?…
Pues he visto, últimamente, tres obras maravillosas. La última el Macbeth de José Martret, con apertura de nuevo espacio, «La pensión de la pulgas», nadie en Madrid debería perdérselo. Otra es «Dos Ninas para un Chejov» que este mes seguirá en «La casa de la portera» los jueves y viernes a las 20h un trabajo de actrices realmente espectacular y auténtico y por último vi a Alberto San Juan en el Alfil con «Retrato de un joven capitalista» ahora este maravilloso e imprescindible monólogo se puede ver en el recién inaugurado «Teatro del barrio» que se ubica en la antigua Sala Triángulo en Lavapies, un espacio que creo que va a ser el centro de aprendizaje y creatividad más interesante que se ha puesto en marcha en Madrid en los últimos tiempos, animo a la gente a entrar en su página web teatrodelbarrio.com porque todo lo que están haciendo merece la pena, además tienes la posibilidad de participar en el proyecto.
¿Proyectos?…
Lo primero seguir con «La vida en blanco» a ver si el público nos sigue acompañando y puede seguir creciendo.
Estoy pendiente de un proyecto en televisión, que espero salga adelante, y poder contarlo prontito.
Y por otra parte el proyecto personal mas potente, que es montar compañía, en ello estamos, para seguir creando proyectos en los que poder dar nuestro punto de vista del mundo en que vivimos y las consecuencias que tiene vivir en él.
Perfiles de Sergio Martínez Vila en La casa de la portera
Cuando se escriba la crónica y balance de las primeras temporadas de La casa de la portera, se verá que por allí no solo pasaron nombres de primera línea probándose con las paredes del lugar si no que allí se han descubierto a autores y directores que darán que hablar, como el caso que nos ocupa. Perfiles es una pieza inteligente, de teatralidad condensada y el autor y director de la misma es un joven llamado Sergio Martínez Vila. Con un tema tan actual como es los contactos en la red, aquí se nos muestran los fantasmas que hay por esos mundos virtuales pero también los fantasmas que generan en nosotros y en nuestro entorno inmediato ese manera de conocer gente. Perfiles es una pieza de cámara y frente a las cámaras y en ella, los actores, se muestran veraces y creíbles, por momentos parece que hay espacio, incluso, para probar detalles y matices durante la representación.
Adolfo Simón
Teatro para un nuevo milenio
Hubo un tiempo, en la Edad Media, que tanto se parece a esta época, en la que el teatro fue expulsado de sus lugares de representación porque el poder ocupó el púlpito, no para dar libertad a la mente de los espectadores si no para aprisionar sus conciencias con el terror del pecado y el mal. Pero, en ese tiempo, los cómicos, siempre hábiles y estrategas buscaron otro espacio de representación y pisaron las calles y plazas, buscando la complicidad y el diálogo con el pueblo. Hoy vivimos una época en la que el teatro ha pasado a ocupar el lugar de la representación mediática, cercana a los parques temáticos. Pocos espacios públicos siguen respetando las reglas de lo que siempre fue el teatro, un espacio vivo en el que hablar de tú a tú entre la ficción y la realidad. Recortes económicos y privación de expresión nos asaltan día a día en los medios de comunicación…¿Son las leyes de esta época incierta?…¿No haremos nada por salir de ese callejón sin salida donde nos están acorralando?. El teatro no morirá nunca porque se reinventa en cada época, porque es necesario, porque tiene que ver con los ancestros del ser humano, con su origen tribal. Y si nos expulsan del paraíso, nos iremos al infierno. Y si no nos dejan los templos teatrales, nos iremos a las cuevas o a las pensiones…o a cualquier rincón donde pueda seguir existiendo lo que solo nos da la catarsis real, la escena viva, el latido de los actores frente a nuestra mirada. Para estos tiempos es necesario la complicidad y la lucha codo a codo, algo que se han encargado durante mucho tiempo de hacer desaparecer de nuestra manera de relacionarnos en la sociedad de hoy: Es preferible un pueblo tonto que educado, un pueblo bruto que sensible; se le maneja mejor si no piensa ni siente. Hace un par de años, dos locos se embarcaron en una aventura teatral distinta: La casa de la portera, huyendo de las modas y los efectismos y tal vez, por esa manera de plantearse un teatro desde la necesidad y la coherencia, su empeño funcionó. Durante estos dos años hemos disfrutado en muchas ocasiones de lo que allí se presentó y estaba claro que, tarde o temprano, la aventura crecería. Ayer presentaron su nuevo sueño: La pensión de las pulgas y los que tuvimos ocasión de disfrutar de este evento pudimos ver cómo han trabajado duro por seguir fieles a una idea. Y funcionará muy bien de nuevo, porque hay muchos elementos en juego… una versión libre e inteligente de Macbeth de Shakespeare realizada por José Martret y que ha dirigido con buen pulso en un espacio cuidado hasta el máximo detalle por Alberto Puraenvidia que aquí, llega a cotas muy altas como dirección de arte, llenando de detalles los espacios por los que el espectador transita por un laberinto donde la belleza y contundencia están al servicio de la obra. Y qué decir de los actores, esos seres valientes que muestran sus contradicciones humanas a un palmo del público…Pues que se confirma esa máxima de que el teatro existe cuando un actor se pone frente al público, lo demás sobra. Cuando vivimos un momento en el que las opciones culturales son los parques temáticos, los sex-shops o los pasajes del terror donde solo empujan nuestra sensibilidad al precipicio de la ignorancia, hay que dar las gracias y apoyar iniciativas como La pensión de las pulgas y este MBIG al que auguro larga temporada en escena. Aviso a los cómicos: Si nos excluyen del espacio cultural al que tenemos derecho, escapemos a las montañas o las pensiones y hagamos teatro de guerrilla.
Adolfo Simón
Que Revienten los Artistas 
Debe estar conectado para enviar un comentario.