Garbi Losada nos habla de sus proyectos como autora y directora
¿Cómo surge el proyecto de El nombre de la rosa?…
Es un proyecto acariciado y soñado desde hace años por nuestra compañía Ados Teatro. Pedimos los derechos por primera vez hace ya nueve años y en aquella ocasión no hubo respuesta, volvimos a solicitarlos hace tres y esta vez hubo respuesta positiva condicionada a que Umberto Eco aprobara la adaptación y… aquí estamos.
¿Hubo ocasión, durante el proceso, para que los actores aportasen ideas en la dramaturgia y la puesta en escena?…
Los actores se unieron al proceso en el periodo de ensayos, con el texto cerrado, la escenografía construída y el resto de los equipos de iluminación, música, vestuario etc… en marcha ya. Donde cada uno de los actores ha hecho una gran aportación, enriqueciendo y haciendo posible el montaje, ha sido en la construcción de sus personajes. Ellos consiguen con sus interpretaciones dotarles de vida a estos personajes, emocionarnos, hacernos pensar, reír, estremecer… hacer que la historia esté pasando de verdad en ese momento en el que se produce la representación.
¿Hay algún referente técnico o estético del que has partido para esta puesta en escena?… Háblanos de ello.
Toda la historia de “El nombre de la rosa” gira alrededor de un libro prohibido. Quería que la historia transcurriera dentro de ese libro, y esta idea conceptual fue el germen de la escenografía. Un libro que se abre y se descompone en arcos móviles con los que se pueden configurar infinitas localizaciones. Fue laborioso dar con el mecanismo, encontrar la cobertura para que pareciera pergamino…Y después un doctor en griego, Rodrigo Verano, poniéndose en la piel de Aristóteles y tomando como referencia su poética sobre la tragedia, nos escribió las dos primeras páginas del que podría ser su poética sobre la comedia, así que si entre el público hay alguien que sabe griego puede leer ese libro se supone escrito pero perdido.
¿Cómo fue el proceso de creación?…¿Qué has querido contar desde la dirección?…
Primero desde adaptación de la novela, que la hice junto con José Antonio Vitoria, y desde la dirección después, mi propósito era ser fiel a la historia y al espiíritu de la novela de Umberto Eco. Siempre he pensado que era una novela que también se podía llevar al teatro y me considero afortunada por haber tenido yo la oportunidad. Al mismo tiempo sabía que el reto o más bien la osadía era grande y he tratado de no romper el imaginario de esos amantes de esta novela, ya un clásico.
¿Qué balances haces de tus últimos trabajos como directora?…
El balance es positivo. Me considero una persona muy afortunada por realizar un trabajo que me apasiona y porque he tenido la posibilidad de llevar a escena historias que me interesaban.
¿Qué espectáculo has visto últimamente?¿Qué te pareció?…
“Figurantes”. Una adaptación de la comedia “Stones in his pockets” de la actriz Marie Jones. Me encantó. Es una comedia, bien hecha, bien interpretada, me reí mucho, me hizo pensar un poco y me sentó bien.
¿Cómo crees que está afectando la subida del I.V.A. y los recortes a la escena?…
Sé que está siendo devastador. Para los trabajadores, actores, técnicos, gremios… para las compañías, para los teatros, para el público… Para todos es nefasto. Son unas medidas que nos hacen daño a todos.
¿Proyectos?…
Hemos estrenado dentro del marco de DFERIA de San Sebastián un espectáculo nuevo. Es un texto mío inspirado en la obra de la artista plástica Dora Salazar. Es un trabajo muy personal, tuvo muy buena acogida y ahora estamos aquí, en la oficina, con los compañeros de la compañía trabajando…
¿Alguna sugerencia para seguir creando en tiempos de crisis?…
No rendirse…
SARA NIETO nos habla sobre su trayectoria como actriz.
¿Qué es el teatro para ti?… Un pedazo intenso de existencia, una droga, aprendizaje, prueba/error, un lenguaje, una manera de entender la vida…
¿Por qué haces teatro?…Porque es mi oficio y la manera que tengo de expresarme.
¿Qué balance haces de tu trayectoria como actriz? …Empecé con el teatro en el instituto, se cruzó en mi vida Herminia una profesora de literatura amante del teatro, con ella montamos un grupo y la primera obra que hicimos fue La casa de Bernarda Alba y yo hice de Bernarda con 16 años, todavía me se los textos, de ahí pase a estudiar con Zulema Katz, después con Cristina Rota y en 2001 junto a Gustavo Gonzalo montamos nuestra propia compañía FunFanfarria, en todos estos años he participado en más 30 montajes, y en varias series, quizá lo que me gustaría es haber tenido la oportunidad de trabajar en cine, pero es muy complicado, hoy por hoy imposible.
Háblanos de tus últimos trabajos…En este último año, estrenamos «El Amante» en La Casa de La Portera y por primera vez hemos trabajado con Susana Gómez en la dirección, y ha sido todo un hallazgo, trabajar los textos de Pinter es un laberinto y parece que siempre estas perdido, que nunca has tomado la elección correcta, un reto. «Gente Abollada» un texto de Gustavo Gonzalo en el que llevaba mucho tiempo trabajando, que por fin pudimos llevar a escena, trabajamos con un elenco de cuatro actores, además de Gustavo y yo contamos María de Miguel, Celia Bermejo y Francesca Sorrentino al piano y a la voz, estuvimos en la Sala Triángulo durante mes y medio, después nos fue difícil retomar en otra sala, y ahora con Cabaret Magnético volvemos al cabaret, un formato que nos ha dado muchas alegrías y que ya llevamos haciendo más de diez años.
¿Cómo surge el proyecto de Cabaret magnético para usos rurales de Funfanfarria en Selectos Puraenvidia?…
Conocimos a Alberto cuando estuvimos haciendo El Amante en La Casa de la Portera, nos habló de su espacio Selectos Puraenvidia y nos pareció el marco perfecto para volver a hacer cabaret.
Háblanos de tu personaje…Hago varios personajes desde una diva pasada de rosca a una cantante-camarera adicta al tequila, pasando por una profesora de orgasmos…
¿Cómo ha sido el proceso creativo?…Una de las partes más complicadas es seleccionar los textos, adaptamos muchos textos de autores que nos gustan como Juan Cavestany, Slawomir Mrozek, Jim Jarmush, Dario Fó, Samuel Beckett, Paolo Sorrentino, etc…aunque Gustavo Gonzalo suele escribir el 50% de los textos. En los ensayos trabajamos improvisando los personajes y cuando entramos en texto los jugamos de mil formas diferentes, hasta que poco a poco vamos acotando y encajando todos los textos, es un puzzle en el que el orden de los números es muy importante, hay cambios muy rápidos y la música la lanzamos nosotros, hay que orquestar muchos elementos.
¿Hay algún referente técnico o artístico del que has partido para crear tus personajes?…Muchos, desde los hermanos Marx hasta Berlanga, desde Lola Gaos a Gloria Swanson, todo el cine que he visto, todo el teatro que me ha emocionado, todos los profesores que me han enseñado, el teatro que me ha arrebatado, observar lo que hay a mi alrededor y tomar cañas y/o tequilas con mis amigos son a grosso modo mis referentes.
¿Cómo preparas los personajes?…¿Cuál es tu método?…Cada personaje lo preparo de una forma, no es lo mismo preparar una borracha en un número de 10 minutos a Sara h de El Amante de Pinter; en el primer caso trabajo mucho desde la intuición y haciendo una composición tanto física como psicológica más marcada, en el segundo caso preparar un personaje a fuego lento, intentar entenderlo desde el texto, pensar como pensaría, como huele, que le gusta, en este caso el trabajo con la directora Susana Gómez fue muy minucioso, a la hora de enfrentar un trabajo para mi no existe un METODO, cada actor es completamente diferente y hay métodos que a unos sirven y a otros no, lo ideal es estar en continua formación y no dejar de actuar que es la mejor forma de aprender.
¿Qué función crees que ha de tener hoy el teatro para la sociedad en la que vivimos?…Enseñar una parte oculta del ser humano, poder vernos en nuestras pequeñas miserias, ser un espejo para entendernos mejor, pero también tiene que hacer reír, llevo muchos años haciendo cabaret en los pueblos más recónditos de España y hacer una buena función de cabaret y ver como la gente se ríe a carcajadas es algo que da sentido a este oficio tan duro. Espejo y carcajada podría ser un buena función.
¿Cómo crees que está afectando la subida del I.V.A. y los recortes al teatro?…
Es una burrada lo que esta haciendo el gobierno en muchos sentidos, lo del IVA para una compañía como la nuestra supone, que si antes ganabas casi nada, ahora es, menos nada, una locura. En cuanto a los recortes en el teatro, nosotros nunca hemos recibido ninguna subvención y no porque no las hayamos pedido, con «Gente Abollada» hicimos un crowfounding para la producción, en cuanto a los recortes en el teatro público desconozco las cifras, pero los teatros del ayuntamiento están a la deriva y pasando a manos privadas, creo que es un debate que nos tenemos que plantear en la profesión, implicarnos en el funcionamiento de lo público pagado por todos que funciona como el cortijo de unos pocos, un desastre.
¿Alguna sugerencia para seguir creando en tiempos de crisis?…Tesón,imaginación y muchas muchas ganas y algo más de amor.
¿Qué obra de teatro has visto últimamente?¿Qué te pareció?…Varias, me quedo con «Lo único que necesita una gran actriz es una gran obra y ganas de triunfar»de Vaca 35, una propuesta sobre el texto de Las Criadas de Genet, un trabajo desgarrador, «Andre y Dorine», una belleza delicada y profundamente humana, «Mbig» un trabajo arriesgado con unas interpretaciones que te dejan sin aliento, con una dirección y espacio escénico únicos,»Intimidad»en la Sala Tu, una muy buena interpretación, un montaje directo y sencillo, la presentación del nuevo disco de LAB, que aunque no es estrictamente teatro, sus directos si lo son, humor fino y canciones surrealistas, un lujo.
Me encanta ir al teatro, a veces me quedo con las ganas de ver mas montajes, tengo el presupuesto ajustado.
¿Proyectos?…Volvemos con El Amante a una sala nueva que se llama OFF de La Latina y en Mayo queremos empezar otro proyecto,una obra de Harold Pinter y volver a trabajar con Susana Gómez.
La Güasa Circo-Teatro nos habla de su trayectoria al presentar sus trabajos en Teatralia 2014
¿Cómo surgió vuestra Compañía?…¿Cómo decidís las ideas para cada espectáculo que hacéis?…
Bueno, nosotr@s nos conocimos en Japón, donde amb@s estuvimos trabajando durante un año, en el 2002, y ya en ese periodo comenzó a gestarse en nuestras cabezas la idea de fundar una compañía de Circo-Teatro. En un principio, tanto a Jose (malabarista) como a mi (Pepa, actriz), nos apetecía mucho que nuestra primera producción como compañía, estuviera orientada a realizarse en calle; por las licencias que permite a nivel creativo, por la agilidad y el reto que supone a nivel interpretativo, por la esencia misma de lo que supone sacar la cultura a la calle a disposición de cualquier persona que lo desee y por otras particularidades muy características de este formato. De modo que ya de regreso en España, Madrid concretamente, y tras trabajar por separado durante un tiempo en otros proyectos, nos decidimos, dimos el paso y fundamos La Güasa Circo-Teatro en 2005.
Con respecto a las ideas, es todo un proceso donde se mezclan, en mayor medida y primero de todo, la búsqueda de nuevos retos respetando lo que nos apetece hacer como creadores y lo que nos apetece trabajar a nivel de malabarista y actriz y, en buena medida también pero en segundo plano, el trabajo de pensar cómo dar forma a esa idea embrionaria para que… quepa en la furgoneta, je,je,je…(me río pero no es broma), para que se adapte a nuestras posibilidades y no se convierta en un proyecto inabarcable, para que pueda realizarse tanto en calle como en sala, etc…
¿Qué balance hacéis sobre estos años de existencia de la Compañía?…
Como todo el mundo hemos tenido rachas mejores y otras que no han sido tan buenas, pero el balance general es muy positivo. Vivimos de lo que nos gusta y nos realiza como personas, que es lo que siempre hemos pretendido, y eso ya es un logro. Por supuesto la lucha diaria y el esfuerzo constante están ahí y da mucho gusto cuando ves que tu trabajo da buenos resultados. En concreto ahora estamos disfrutando de un momento muy bonito ya que, desde su estreno en la feria de Umore Azoka 2013 en Leioa, nuestra última producción, «Mobil», con la que vamos a estar en Teatralia, está teniendo muy buena acogida. De hecho, hace muy poquito, recibimos el premio a la mejor dirección en Feten.
¿Qué evolución ha hecho la Compañía a lo largo de las diferentes producciones realizadas?…
Tanto a nivel profesional como a nivel personal la evolución ha sido muy grande. De vez en cuando nos acordamos de los comienzos y alucinamos con todo lo que hemos aprendido desde que iniciamos esta aventura de formar la compañía.
La diferencia entre formar parte de una producción ajena, sólo a nivel de artista, y formar parte de una producción propia a todos los niveles, es enorme. Hay que tener en cuenta que a lo largo de estos años hemos tenido que aprender a gestionar una idea, producirla, interpretarla, dirigirla, distribuirla…etc. Y cuando te toca sacar para adelante tu propio proyecto en el que se ponen tantas cosas, o evolucionas…o evolucionas.
¿Es importante tener unos colaboradores habituales en el equipo artístico y técnico?… ¿Cómo participan en los procesos de creación?…
Es importante que haya entendimiento, escucha mutua y que se genere una complicidad y una confianza que es muy valiosa y que facilita mucho las cosas. Las personas con las que esto sucede vienen a convertirse en tus colaboradores habituales.
En nuestro caso concreto la colaboración más longeva es la de Pedro Peinado que desde un principio se ha encargado de todo lo referente al diseño gráfico; pero también hemos contado y seguimos contando en La Güasa con grandes profesionales, a demás de buena gente que también es importante, como: Adrien Batiot (escenografía), Juan Carlos Tama y Rafael Díaz Ramirez (iluminación), Javier Aranda y Maria Jesús bufa (vestuario), Luis Gil (web), Nacho Sanchez, de El Arbol boca abajo (vídeos) o más recientemente Antonio J. Gómez, más conocido por El Gran Dimitri, que se pegó tres diítas con nosotr@s a modo de «ojo externo» . Lo cierto es que, al menos hasta ahora, la compañía comienza los proyectos, los desarrolla y en el proceso vamos incorporando colaboraciones según las necesidades.
¿Cómo surgió el espectáculo que presentáis en Teatralia 2014?…¿Cómo fue el proceso de creación?…
Para contestar de la manera más completa a esta pregunta y no extendernos aquí lo más grande, lo mejor que se nos ocurre es remitiros al siguiente link http://vimeo.com/59640135 donde contamos todo sobre el proceso de creación de «Mobil».
¿Qué proyectos tenéis entre manos?…
De momento estamos poniéndo toda nuestra energía en «Mobil» y en seguir moviendo los otros proyectos de la compañía. Aunque ya se van cociendo nuevas ideas.
Alguna sugerencia para crear en tiempos de crisis…
Lo de siempre: CREAR COMO SI NO EXISTIERA EL MAÑANA.
¿Qué montaje que hayáis visto últimamente, os ha interesado?¿Por qué?…
Uf!, que difícil contestar a esta pregunta en singular. Lo cierto es que hay un montón de gente buena haciendo cosas super interesantes tanto en sala como en calle. A si que, bien por la maestría interpretativa, como por la sensibilidad artística, el riesgo u originalidad de las propuestas o el trabajazo que se ve detrás, te podríamos mentar, por ser de lo último que hemos visto, «El Intérprete» de Asier Etxeandía, «La Gran Ilusión» de Antonio Díaz, » Mi otro yo» de Doble Mandoble, «Minutos» de Marcel Gros, «Una niña» de La Rous, «La Petite Caravane» de Adrián Conde o «Heian» de Zen del Sur entre otros.
¿Qué os parece la programación de Teatralia 2014?…
«Súper», hay un poco de todo y para todas las edades. Una excelente oportunidad para disfrutar de lindos proyectos.
Nieve de Medina: El arte es fundamental para el ser humano
¿Cómo fueron tus inicios en el teatro?… Yo venía de la danza de haber sido bailarina y sin darme cuenta empecé con un grupo de amigos a hacer performance en bares de Madrid allá por los años 80. De ahí pasé inmediatamente al laboratorio Teatral de William Layton y todo comenzó ahí. Al terminar la escuela ayudada por un compañero montamos un monólogo de Mario Fratti que se llamaba “La Hungara” y desde entonces.
¿Realizaste otras facetas además de la actuación?… Si. Di clases de gimnasia de mantenimiento en Centros Culturales, he hecho zancos, malabares, me he metido en el muñeco mascota del Parque de Atracciones, he hecho pasacalles, he dado clases de teatro y por supuesto al empezar estuve casi diez años de camarera trabajando los fines de semana. Lo peor que he hecho, se robó la luz de mi cara y mucha de mi voz, fue un infierno, ni me drogaba, ni bebía, ni fumaba y odio la música a todo volumen.
¿Qué es el teatro para ti?…Es arte. Aunque a veces uno no llega a hacer arte.. en sí lo es. Una manifestación artística un lujo poder incluirse ahí dentro mientras estemos vivos.
¿Por qué haces teatro?… Creo que es lo más apropiado que puedo hacer en este sistema que nos hemos inventado para vivir con mis emociones, mis pasiones, mi gusto estético y mi forma de ver la existencia, es el único refugio donde poder estar en plenitud. Quizá podría hacer otras cosas, sí es cierto pero no quiero porque mis condiciones son favorables para esto y no debo tirarlas.
¿Qué balance harías sobre trayectoria?… Puf no me atrevo todavía; soy mayor pero no tanto. Javier Angulo director del por entonces Fotogramas cuando todo el follón que supuso Los Lunes al Sol en mi carrera, dijo de mi, que yo era una flor rara. Puede que tenga razón. Me gusta mi trabajo y hay cosas que aún no teniendo para comer no las he cogido no porque no fuesen dignas, simplemente no quería estar ahí, no quería eso en ese momento, creo que estos pasos han condicionado mi carrera mucho, sobre todo en cine que no perdona. Además de una manera muy personal de hacer y de un físico no muy comercial y singular. Pero estoy tranquila conmigo y con mi trabajo, es muy importante ser fiel a uno mismo y más si te dedicas a esto. Hay demasiado ruido, demasiado alboroto en esta profesión, uno no debe perder su meta, su norte. Hay que permanecer firme. Uno tiene el deber de amarse, si no nada funcionará.
¿Qué función crees que ha de tener el teatro para la sociedad de hoy?… La de siempre, ser un espejo, para todos, un lugar al que asomarse cualquiera de nosotros para descubrir que la realidad no es como creemos; que puede ser otra. El teatro debe ser un lugar de arte. Un lugar donde preguntarse cosas, un lugar por supuesto para soñar, para escuchar el sonido y el aire de la poesía. Un arma política un lugar de catarsis… de cambios… de crisis.
¿En qué proyectos has participado durante el último año?…
Este año empecé en Enero terminando unos bolos de Atlas de Geografía Humana función sobre una novela de Almudena Grandes de la que me quedaban varios funciones por provincia. Inmediatamente empecé los ensayos de La Punta del Iceberg, función que estoy representando en La Abadía de Madrid hasta el 30 de Marzo. Por otro lado en cine se estrena este año, el 27 de Marzo, la segunda parte de una película que hice hace 10 años (1 Franco 14 pesetas) que se titula 2Francos 40 pesetas dirigida por Carlos Iglesias y rodada en Agosto de 2012. Por mi cuenta he rodado un documental sobre un personaje anónimo de la movida madrileña, una persona que se malogró y no llegó a realizar lo que quería, espero estrenarlo en breve en Madrid. Estoy en busca de sala para proyectarlo.
Háblanos de estos trabajos…
Puf… De Atlas de Geografía Humana tengo poco que contar, fue un montaje duro para mí, hacía un personaje de comedia muy divertido y muy loco, me lo pasaba bien, pero estuvimos dos temporadas en el María Guerrero y en la primera, durante las representaciones murió mi padre y en la segunda murió mi hermana del alma todo eso y más cosas que no vienen a cuento hace que me aleje con amor pero sin pausa de aquel montaje.
De La Punta del Iceberg podría hablar horas, es el proyecto que me tiene atrapada en este momento, me hace muy feliz, es la primera vez que una casa como La Abadía confía tanto en esta “flor rara”. Ha sido una bendición, es un lujo, mis compañeros son adorables, estoy en el estado ese de los primeros seis meses de relación con alguien, es decir en la fase del enamoramiento y la pasión. Estar a las órdenes de Sergi Belbel ha sido algo delicioso. Todos los días empiezo con ese miedo que impone la responsabilidad de llevar todo el peso de una función pero en cuanto me veo a mí misma en la penúltima escena lo único que quiero es detener el tiempo, que no se acabe, que no acabe nunca. Me invento (porque yo escribo también) escenas continuamente en mi cabeza para continuar la función para poder prolongarla… Necesito una segunda parte de La Punta del Iceberg… Es hasta ahora el proyecto de teatro que más me ha reconfortado y que más he amado.
De la película de Carlos… Se me escapa; la rodé hace dos años es una segunda parte… Esto no me había pasado nunca, me ha parecido muy divertido… Esta vez en comedia, al cien por cien, con guiños (respetando a los genios) a Berlanga y Azcona… y es estupendo estar en ese tipo de pelis porque yo que vengo de una carrera en la que se me ha identificado mucho con el drama, es muy bueno descolocar al espectador con mi trabajo. Estoy contenta de mi trabajo en “2Francos 40 Pesetas” se estrena el 28 de Marzo, id a verla, vais a pasar un buen rato, es una película honesta, consigue lo que se pretende… Que el espectador pase un rato muy muy agradable. Eso hoy en día me parece un logro importante.
Y de mí documental(“Por si te vas te quedas”) sólo tengo que guardar silencio, es mi primera apuesta fuerte, está dedicado a mi hermano pequeño que es esquizofrénico y al que amo más de lo que yo creía. Ha sido un viaje duro y apasionante a la vez, un reconocimiento a su persona a su talento malogrado. Rodarlo y estar con él, fue una lección para mí en todos los sentidos. Ahora sólo me queda estrenar y ver qué puede pasar. Pero sobre todo no perder el objetivo: que le sirva a él para algo. Reforzar su autoestima y su amor propio. No lo he hecho para nada más.
¿Cómo surgió tu participación en La punta del iceberg?..
Yo conocía a Ronald Bower (Coordinador Artístico de La Abadia); le había ofrecido un texto para la Abadía hacíe años, pero no pudo ser, también había trabajado con María Ruiz hace veinte años cuando Ronald trabajaba con ella, además Ronald me había ido a ver al Teatro Lara cuando yo monté un texto mío hace tres años: “Ni con el pétalo de una rosa” y finalmente un día vino al María Guerrero a ver Atlas de Geografía Humana y se quedó a saludarme, me felicitó por el trabajo y me dijo que había perdido mi teléfono, se lo di, no se quedó ni a tomar un café… al verle marchar me pareció un poco raro. Dos días más tarde me llamó y me propuso; en palabras suyas, “ser la protagonista del nuevo montaje de La Abadía”… Me dejó clavada en el suelo, yo estaba paseando a mi perra por el parque, creo recordar que le dije: “cuando cuelgues recuerda que esta mañana has hecho feliz a una mujer”.
Háblanos de tu personaje…
Soy Sofía Cuevas, una Ejecutiva de una Multinacional con sede en Londres que viene a Madrid a investigar por qué ha habido tres casos de suicidio en cinco meses… Para averiguarlo se va a ir entrevistando con diferentes personajes de esta empresa y de la conversación con ellos no sólo irá atando cabos para solucionar el enigma como si de un puzle o un thriler se tratase, si no que ella se irá transformando, redescubriendo. Es un viaje apasionante una autentica montaña rusa de emociones, pasiones, frustraciones, deseos, anhelos… puf… increíble. Ella es fuerte y frágil es seductora pero fría y calculadora a la vez, muy inteligente, muy preparada, con un toque masculino, pero es elegante y algo sofisticada… además de que es un personaje que necesita urgentemente una caricia… YA!, una pizca de amor antes que su soledad la devore totalmente.
¿Cómo creas los personajes?… No tenéis espacio suficiente para esta pregunta… Ja, ja, ja, ja… No, de veras es complicado contestar. Hay personajes que los lees y sabes que no tienes nada más que hacer que estudiarte el texto, estar en situación, elegir muy bien un vestuario que te ayude a que el espectador lo vea… y ser. Sobre todo jugar a ser… como un niño pequeño cuando coge un palo de escoba, se lo mente entre las piernas y grita ¡¡Soy el jefe Indio Jerónimo!!. Otras veces resulta que se te escapa y tienes que andar no sólo documentándote si no haciendo preguntas importantes al texto o a los personajes para que te lleven a dónde está la clave del drama personal, del personaje o de su extremada ligereza, del conflicto… O trabajar de forma corporal porque la mente no ayuda en algunos casos. También a veces uno necesita algo que le ayude a situarse en un contexto o época que desconoce… Es una pregunta que se puede extender mucho.
¿Tienes algún método?… Todo el mundo tiene un método hasta aquel que dice… yo no hago nada… Salgo y lo digo. Bien pues ese es su método… porque salir y decirlo no es moco de pavo. El mío es un método que cambia con las necesidades de cada proyecto. Pero tengo un abc que siempre me funciona. Primero leerme el texto (no todo el mundo empieza así), no es una obviedad; hay gente que empieza jugando y a partir de improvisaciones de las situaciones y de los conflictos encuentra la manera de llegar al texto. Lo segundo ver si reconozco en mí todo lo que me toca de lo que voy a tener que ocuparme y después ponerme a ello, memorizar, buscar emociones, conflictos, imaginar mucho, inventármelo todo en mi cabeza y pasarlo por el cuerpo, por lo que yo soy, que generalmente es el cuerpo, porque lo que uno es en materia y de forma tangible es el cuerpo. Aunque luego se vaya a lo mejor todo fuera, en cuanto entra la figura del director… pero no importa… nunca está de más, imaginar mucho, hay que soñar… La realidad está bien pero a veces se queda corta.
¿Cómo ha sido el trabajo con el director?… Maravilloso. Dos semanas de lectura de texto para dejar claro lo que el quería ver y lo que podíamos dar. Otras dos semanas a toda velocidad dibujando un montaje a brochazos y después el resto del tiempo lo dedicamos a hilar fino a rellenar y a pasar constantemente las escenas para pulirlas y renegociar en algunos casos cosas con tiempo para investigar algunos puntos. Sergi Belbel no sé si es más sabio que mago o al revés. Además de una persona muy agradable y cercana. Un lujo de verdad. El es autor además de director y ayuda mucho al actor con pequeños trucos que vienen de toda una vida dedicada con pasión pero sobre todo con mucho amor a este oficio.
¿Qué proyectos tienes entre manos?… Me han ofrecido hacer de Catalina de Rusia en una Zarzuela muy especial que se va a montar en Madrid para Junio. La función se llama Catalina. No voy a cantar ni a bailar (qué más quisiera) es una propuesta diferente. Viene de la mano de un dramaturgo y director de escena, Álvaro del Amo, pero esto aún no lo he cerrado así que… pasa palabra.
Y por supuesto la gira: La gira de La Punta del Iceberg, ojalá podamos viajar por toda España y por fuera… Otro sueño… No importa, no pasa nada… esperaré.
¿Cómo crees que están afectando los recortes y el aumento del I.V.A. a los proyectos de teatro?…Poco que decir, las cifras hablan por si mismas. No ha servido para nada, más que para que se vacíen los teatros, se nos castigue a los cómicos y se redondee una política penosa y desastrosa en lo cultural de este gobierno. Pero como no me gustan los que gobiernan y no se merecen que les hagamos publicidad de su deplorable gestión y gobierno, lo dejo aquí. A esta gentuza no les dedico ni una línea más.
¿Qué montaje que hayas visto últimamente, te ha interesado?… Soy muy mala espectadora de teatro, no es que no me guste el trabajo de mis compañeros no, no soy la típica actriz resabiada que sólo le gusta lo que hace ella. No, es que me parece que en general me acerco al teatro a ver poesía y no la encuentro. Supongo que porque soy una espectadora ávida de lo lírico… Ahora mismo no me acuerdo más que del último que vi en la Abadía, antes justo de estrenar nosotros, “Las Ratas” de Alex Rigola…
¿Por qué?… El texto entraba como una caricia y los actores eran impecables, para mí fue un regalo. Se apagan las luces y soy una espectadora, empecé a escuchar y el texto tan hermoso se ocupó de mí.
¿Alguna sugerencia para seguir creando y haciendo teatro en tiempos de crisis?… La de siempre; el amor a lo que hacemos y la certeza de que es necesario: la sociedad necesita a personas como nosotros para que el teatro, el cine, las ficciones televisivas continúen. El arte es fundamental para el ser humano.
Juan Fernández nos habla sobre su larga trayectoria en la el mundo de la interpretación
¿Qué es el teatro para ti?…¿Por qué haces teatro?…
El teatro es la gran escuela donde se aprende día a día y donde uno realmente crece como actor, el teatro es la gran fuente donde un actor debe beber para llegar a realizarse completamente. Hago teatro, porque es el único género que me hace tener los pies en el suelo, aprendes a ser humilde y a trabajar con generosidad, algo absolutamente necesario para la buena formación de un actor.
¿Qué balance haces de tu trayectoria como actor?…
La verdad es que no me puedo quejar, llevo treinta años en esta profesión y he tenido la suerte de trabajar con grandes directores tanto de teatro, como de cine o de TV, de los que he aprendido mucho. He compartido reparto con los grandes actores y actrices de este país y con actores y actrices no tan conocidos, pero todos, absolutamente todos, me han aportado algo que me ha hecho crecer un poco más. De todas formas espero que aún me queden muchas cosas por hacer y que dentro de unos años hagamos un balance más global.
Háblanos de los últimos trabajos en los que has participado…
Mis últimos trabajos realizados son dos, uno en teatro y otro en televisión. En teatro «Madame Bovary» espectáculo dirigido Magüi Mira, en el que compartía reparto con Ana Torrent, Armando del Rio y Fernando Ramayo. Yo interpretaba a Carlos Bovary. Este trabajo me trajo muchas satisfacciones a nivel profesional, porque después de mucho tiempo, pude mostrar otro registro muy diferente al que se me pedía en todos los trabajos anteriores. Fue un gran éxito de crítica y público.
Y el de televisión es una serie para TVE titulada «Víctor Ros», que espero se emita en el segundo semestre del año. Esta serie, ambientada en el siglo XIX, está basada en las novelas de Jerónimo Tristante, cuyo protagonista es Víctor Ros, un inspector de policía. Yo interpreto al comisario.
¿Cómo surge el proyecto de El nombre de la rosa?…Háblanos de tu personaje…
Un buen día me llamó José Antonio Vitoria, productor del espectáculo para ofrecerme la sustitución de Karra Elejalde, tardé dos o tres días en contestar, porque he de reconocer que me asusté un poco, pero al final dije que sí.
Mi personaje es Guillermo de Baskerville, un franciscano que ha sido presidente de la Inquisición y que es destituido por estar en desacuerdo con los métodos utilizados por la misma para juzgar y condenar. Su discurso está más cerca de lo científico que de lo espiritual, es inteligente, gran observador, y eso le dota de una gran capacidad de deducción, posee un gran sentido del humor. Gran amante de la lectura, su necesidad de saber y su curiosidad es infinita. Yo lo describo como un yonqui del conocimiento.
¿Cómo fue el proceso de creación?…
Mi proceso de creación fue un poco caótico, ya que dispuse de muy poco tiempo, yo entré haciendo una sustitución y solo tuve dos semanas para estudiar el texto y cuatro ensayos con mis compañeros, las primeras funciones, puedo decir que el personaje estaba un poco ausente, era yo, tratando de sacar un espectáculo adelante.
¿Hay algún referente técnico o artístico del que has partido para crear tu personaje?…
Al disponer de tan poco tiempo, lo primero que hice fue ver la película, pero después recurrí a la novela, ahí están todos los datos necesarios para construir el personaje.
¿Cómo preparas los personajes?…¿Cuál es tu método?…
Para preparar un personaje, yo desmenuzo el texto, porque ahí están todas las claves, el trabajo de mesa es fundamental. También depende mucho de la lectura que el director le quiera dar al espectáculo, qué quiere contar con él, porque un personaje se puede interpretar de muchas maneras diferentes. Y no tengo un método concreto, lo que procuro es no ir a resultados, sino trabajar para el compañero.
¿Qué función crees que ha de tener hoy el teatro para la sociedad en la que vivimos?…
Desde los griegos, siempre ha tenido la función de ser un fiel espejo de la sociedad donde se ven reflejados sus defectos, virtudes, problemas, miserias, penas, alegrías, etc. El teatro, que quede claro no es entretenimiento, es “CULTURA”, y la cultura ennoblece y engrandece y hace libre a los pueblos.
¿Cómo crees que está afectando la subida del I.V.A. y los recortes en las ayudas al teatro?…
Está siendo muy duro. Con la subida del IVA la afluencia de público ha bajado notablemente, los números no salen, por la tanto también hay una bajada importante en la producción. En muchas localidades han dejado de programar, por lo que las giras se han resentido mucho. Espero y deseo que toda esta situación tenga un fin próximo.
¿Alguna sugerencia para seguir creando en tiempos de crisis?…
Creo que en estos tiempos que corren, la única forma de seguir creando (y haciendo un símil con lo que hacían nuestras abuelas en los tiempos de hambruna) es recurrir a la imaginación.
¿Qué obra de teatro has visto últimamente?¿Qué te pareció?…
La última obra que he visto es “La anarquista” (David Mamet) interpretada por Magüi Mira y Ana Wagener. Me pareció un texto estupendo y un recital de interpretación realizado por dos grandes actrices.
¿Proyectos?…
Mi proyecto es seguir con “El nombre de la rosa” hasta el 2015, después, como diría Guillermo de Baskerville, Dios proveerá.
Compañía Escena Miriñaque comparten con nosotros su trayectoria al presentarse en Teatralia 14
¿Cómo decidís las ideas para cada espectáculo que hacéis?…
Mi planteamiento como directora artística de la Compañía Escena Miriñaque es un proyecto global que se orienta hacia la creación y difusión del teatro contemporáneo, la investigación de nuevos lenguajes escénicos y el mestizaje de diferentes vanguardias.
Cada espectáculo que producimos tanto desde el punto de vista estratégico como artístico es el resultado del consenso de las directoras de la compañía Escena Miriñaque.
¿Qué balance hacéis sobre estos años de existencia de la Compañía?…
Nuestro balance es muy positivo y en incremento. Tanto en el teatro que dedicamos al publico infantil como en las creaciones de teatro contemporáneo para publico adulto. El premio Max Revelación del 2013 por nuestra creación “Cartas de las Golondrinas” nos alienta para seguir trabajando con ilusión y convicción.
¿Qué evolución ha hecho la Compañía a lo largo de las diferentes producciones realizadas?…
Nuestras creaciones han crecido en frecuencia y en número de representaciones de manera muy considerable. Actualmente contamos con 6 producciones en repertorio además de las producciones puntuales que responden a encargos de diferentes instituciones. En el año 2012 / 2013 realizamos 245 funciones.
¿Es importante tener unos colaboradores habituales en el equipo artístico y técnico?…
Si, es importante , Escena Miriñaque tiene una palabra mágica que es “casa” queremos que nuestra escuela, nuestra compañía y nuestra sala sean, para los que la frecuentan, una casa. Solemos trabajar con los mismos colaboradores, un equipo de artistas y técnicos que conocen nuestra insignia y un cierto estilo que desde algunos años se destila en nuestras creaciones. Una forma de hacer, un teatro abierto a las artes afines de la escena un teatro cooperativo. En Miriñaque todo suma.
¿Cómo participan en los procesos de creación?…
Bajo las indicaciones de nuestra directora artística Blanca Del Barrio cada uno aporta en su competencia, su “savoir faire” sus habilidades, los actores improvisan , los técnicos audiovisuales proponen, el escenógrafo hace posible lo imposible, en fin una cadena de artesanos que ponen al servicio del espectáculo lo mejor de si mismos. Nada de lo que Miriñaque hace se podría hacer solos.
¿Cómo surgió el espectáculo que presentáis en Teatralia 2014?…
Muchas mañanas en nuestro teatro recibimos en función matinal mares de niños que vienen a nuestro teatro…Algunos por primera vez… ese día miraba pasmada los ojos que brillan de los niños que miran. Eran pequeños, dos, tres o cuatro años, los contaríamos con los dedos de una mano… la intensidad de su mirada, la inteligencia de su emoción prestada al descubrimiento de cada situación, su respuesta generosa, me motivaron para hacer este nuevo espectáculo. Un público tal merecía todo el esmero y el talento de los artistas.
Cucú Haiku nace de la necesidad de contar, mejor dicho de mostrar, a los niños las belleza inmediata que la naturaleza nos ofrece : la elegante caída de una hoja en otoño, el silencio del invierno o la explosiva alegría de los colores en primavera. Son cosas sencillas que a veces, por demasiado cotidianas, dejamos de ver. Volver a educar la mirada, luchar contra la competencia de los escaparates y de la pantallas, devolver la autoría a la naturaleza como creadora del mejor espectáculo posible.
Y como hacerlo?
¿Cómo fue el proceso de creación?…
Lo primero contemplar lo que ella (la naturaleza) hace…para eso necesitamos tiempo.
Sabemos que el tiempo del adulto y el tiempo del niño son totalmente distintos, para el adulto siempre le falta , para el infante siempre le sobra. Reunirlos y sintonizarlos en un territorio común, este momento mágico el teatro sabe brindárnoslo. En el teatro nos gusta detener , condensar o extender el tiempo y mostrar en 40 minutos los extraordinarios cambios que la naturaleza opera.
Lo segundo la forma : ¿cómo contarlo? Me acerqué a la estética japonesa por su elegancia y sobriedad y por la inmediatez que su arte tiene con la naturaleza.
Poner belleza en cualquier gesto cotidiano, El arte del Ikebana, el jardín japonés, la caligrafía, y los haikus son algunos de las artes que me sedujeron y que fueron inspiradoras para dar el aspecto formal a nuestro espectáculo.
Las palabras sencillas, los poemas cristalinos y también alguna anécdota. Entre el texto y el gesto todo un abanico de significados.
Y por ultimo una antigua leyenda, una metáfora que consigue que el niño se identifique con los procesos de transformación y cambio que experimentan la naturaleza y sus seres vivos , en este caso las mariposas. Procesos que ayudan a comprender los propios cambios que ellos mismos experimentaran.
¿Qué proyectos tenéis entre manos?…
En 2015 y cruzando los dedos, sacaremos adelante un nuevo espectáculo infantil y la reposición (vista y corregida) de nuestro primer espectáculo para celebrar los 10 años de existencia de nuestra compañía.
Alguna sugerencia para crear en tiempos de crisis…
Creer es crear. Hasta en los lugares mas áridos del planeta la posibilidad de vida existe. Las inclemencias no van a parar nuestro proceso creativo. Nosotros guardamos siempre en nuestra despensa manzanas de esperanza y conservas de amor y miel para todo aquello en lo que creemos.
¿Qué os parece la programación de Teatralia 2014?…
Estamos felices de participar en una programación de prestigio que selecciona compañías de vienen de diferentes horizontes culturales y proponen ofertas variadas en el marco de las artes escénicas. Pero sobre todo aplaudimos la idea de que a través del teatro, TEATRALIA fomente valores y hábitos culturales necesarios para el desarrollo humano.
Los niños que van al teatro hoy serán, sin duda alguna, personas diferentes y los adultos que los acompañan compartirán experiencias enriquecedoras y reafirmaran su compromiso con las artes escénicas valorando la cultura como un bien imprescindible.
OLIVIA MOLINA nos habla de su experiencia en el teatro
¿Cómo fueron tus inicios en el teatro?…
Mi primer recuerdo en el teatro fue cuando estudiaba en el Liceo Francés, un Molière y la sensación de algo que se activa en ti profundamente. Mi primera obra profesional, tenía 21 años, fue El Adefesio de Rafael Alberti, estuve girando durante un año por toda España, recuerdo que lo hicimos en todo tipo de teatros grandes y pequeños, en centros culturales, incluso al aire libre, algo así como que valía para todo…en fin, una aventura, que me aportó tablas y capacidad de resolver.
¿Qué balance harías sobre tu trayectoria en la interpretación?…
No creo que esté en el momento para hacer balance de mi trayectoria, más bien creo que estoy en el momento de mirar hacia delante, en la búsqueda de un lugar desde el que trabajar con más disfrute para seguir creciendo como actriz.
¿Qué sentido ha de tener el teatro para la sociedad en la que vivimos?..
Me gusta pensar que el teatro es una experiencia común entre espectadores y actores, sucede allí mismo en presente y cada vez son menos las cosas que vivimos en directo…es enriquecedor.
¿Cómo surgen las ideas y los proyectos en los que te embarcas?¿Qué te anima a participar en ellos?…
Cada uno aparece de una forma distinta y se hacen por motivos diferentes, pero de todos se saca algo bueno.
¿Cómo surgió El viaje a ninguna parte?…Háblanos de este proyecto y tu trabajo en él…
Recibí una llamada para hacer las audiciones de El viaje a ninguna parte y allí me presenté. Hacía muchos años que no hacía teatro y sentía mucho vértigo…Tuve la suerte de que Carol López, la directora, me eligió y me dijo: «Va, tírate, yo te pongo la red» En la obra mi personaje es Juanita Plaza, una de las tres actrices de la compañía Iniesta Galván, es muy interesante dar vida a una actriz siendo actriz. Comprendo su camino, sus dificultades, también sus elecciones…Y tengo un grupo de actores al lado, que me hacen ir con ganas de trabajar todos los días.
¿En qué proyectos has participado durante el último año?…
En el proyecto más bonito de mi vida: criar a mi hija Vera.
¿Qué proyectos tienes entre manos?…
De momento estar en el CDN con El viaje… hasta Abril, que tal como está todo, ya es una suerte. Luego ya se verá… La incertidumbre es parte de este trabajo.
¿Cómo crees que están afectando los recortes y el aumento del I.V.A. a los proyectos de teatro?…
Yo sólo sé que ha bajado el número de espectadores y que se han eliminado muchos puestos de trabajo, no se apoya el crecimiento y el desarrollo cultural del país. Siento pena.
¿Qué montaje que hayas visto últimamente, te ha interesado?¿Por qué?…
Pues si te soy sincera, llevo casi la edad que tiene mi hija sin ir al teatro. Mi prioridad ahora mismo es la familia que estoy creando y en este momento concreto pasar mi tiempo con mi hija es lo principal, ya llegará el momento de volver a disfrutar viendo teatro.
¿Alguna sugerencia para seguir creando y haciendo teatro en tiempos de crisis?…
Veo a mi alrededor que los problemas agudizan el ingenio.
Pablo Remón nos habla de su visión sobre la escena
¿Cómo surge el proyecto La abducción de Luis Guzmán? ¿Cómo ha sido el trabajo con el equipo creativo?…
Surge del deseo de construir una obra de teatro partiendo del trabajo con actores. Queríamos hacer algo de texto, pero donde los actores estuvieran muy presentes desde el principio. Los personajes se construyeron con los actores, y para estos actores en concreto.
Trabajamos con improvisaciones. Había un deseo claro de explorar, de crear situaciones que después quedaron grabadas. Registramos todas esas improvisaciones en audio. A partir de esos audios yo escribí la obra. Después ensayamos ya el texto fijado.
¿Cómo ha sido el proceso del texto a la puesta en escena?¿Ha cambiado tu visión del texto a partir de la lectura hecha en la puesta en escena?…
Una vez que el texto estuvo cerrado ensayamos, y ajustamos algunas partes. Hubo ligeros retoques y algunos cortes. No demasiado, porque el proceso de exploración ya estaba hecho; se trataba de ajustarlo al espacio y a la puesta en escena.
Mi visión del texto no ha cambiado demasiado; al crear el texto partiendo de estas improvisaciones tenía una visión muy concreta de cómo iba a ser el montaje. Si alguna otra persona montara La abducción, estoy seguro de que cambiaría más.
¿Hiciste algún tipo de búsqueda o documentación sobre el tema antes de empezar a escribir?…
Mientras me peleaba con la obra di, casi por casualidad, con la historia del Voyager 1 y del Voyager 2, dos sondas robóticas enviadas al espacio en 1977, a los pocos meses de que yo naciera. Me impactó el hecho de que llevaran flotando en el cosmos el mismo tiempo, más o menos, que llevo yo en la Tierra. Su misión es localizar y estudiar los últimos límites del Sistema Solar, lo que suena a misión suicida. Hace unos años estaba ya a 14 mil millones de kilómetros de aquí. A mí, que algo que hemos hecho los humanos esté a esa distancia, me sobrecoge bastante.
En esas sondas hay algo de llamada de auxilio, de socorro, de mensaje enviado en una botella, que me parecía que era muy parecido a la historia que estábamos contando, a Luis hablando a unos oyentes imaginarios desde su salón, con una grabadora vieja.
¿Es importante tener unos colaboradores habituales en el equipo artístico y técnico?
Claro. En este caso, los actores (Emilio Tomé, Ana Alonso, Francisco Reyes) se implicaron en el proyecto tanto y de una manera tan generosa que siento que la obra es algo que hemos creado entre todos. Lo mismo puedo decir de Ikerne Giménez, Edu Vizuete, Silvia Herreros y Mar López, el resto del equipo. Todos han sido muy comprensivos con mi falta de experiencia en el teatro, que he tratado de suplir con entusiasmo. Desde aquí les agradezco su trabajo y su confianza.
Opinas como algunos autores que no hay que publicar un texto hasta verlo estrenado…
No. Una cosa es la obra y otra cosa es el montaje de la obra, que para mí es una interpretación y una lectura activa de la obra. La abducción de Luis Guzmán va a publicarse en breve y es algo que me alegra muchísimo; creo que es un objeto distinto de la función. Yo he disfrutado mucho leyendo literatura dramática, sin tener necesidad de ver esas obras montadas.
¿Qué sentido ha de tener el teatro hoy?…
Supongo que el mismo que ha tenido siempre; que pongamos en común aquellas cosas que nos emocionan, nos perturban, nos hacen reír, nos sobrecogen. Aquellas cosas de las que no se puede hablar más de manera lateral, a través de los personajes y las historias.
Bambalina Teatro nos habla de su trayectoria al presentarse en la edición de este año de Teatralia
¿Cómo surgió vuestra Compañía?…¿Cómo decidís las ideas para cada espectáculo que hacéis?…
Surgió hace mucho tiempo, en el año 1981 en un pequeño pueblo (Albaida) al sur de Valencia. Allí empezamos a soñar con hacer teatro. Aquel juego juvenil se convertiría poco después en una opción profesional. Han pasado 33 años y seguimos en la brecha.
¿Qué balance hacéis sobre estos años de existencia de la Compañía?…
Hemos descubierto que el teatro contenía valores esenciales que conectaban con lo más íntimo de nosotros mismos. La compañía ha sido nuestro proyecto vital más importante, al que le hemos dedicado todo el tiempo imaginable. En ella hemos sufrido y nos hemos divertido mucho. Sin duda, el viaje ha sido apasionante.
¿Qué evolución ha hecho la Compañía a lo largo de las diferentes producciones realizadas?…
La compañía ha evolucionado muchísimo. Empezamos a trabajar en la buhardilla de nuestras casas preprando un pequeño espectáculos de títeres que presentamos en las fiestas de nuestro pueblo. Con el tiempo descubrimos que ésta era una profesión compleja que requería preparación y mucha constancia. Entendimos que esta era una carrera de fondo, que había que prepararse para afrontar retos cada vez mayores. Con el tiempo llegaron proyectos atractivos y de gran envergadura. Hemos colaborado con profesionales extraordinarios y algunas instituciones confiaron en nosotros para llevar a cabo proyectos ambiciosos que han marcado nuestra trayectoria. Buenas parte del teatro que hemos hecho ha tenido un componente esencialmente visual y ello ha facilitadola exhibición de nuestros espectáculos en el extranjero, creo que eso nos ha dado una perspectiva interesante.
¿Es importante tener unos colaboradores habituales en el equipo artístico y técnico?… ¿Cómo participan en los procesos de creación?…
Este es, sin duda, un trabajo de equipo. En un espectáculo de teatro confluyen muchas disciplinas y cada una debe tener un responsable, la última palabra la tiene el director pero todo el equipo técnico y artístico (iluminador, sonidista, escenógrafo, vestuario, músico…) debe trabajar en la misma dirección. El equipo de producción es el encargado de facilitar ese diálogo imprecindible entre creadores y marcar los tiempos adecuados en los que cada uno debe participar en la creación de un espectáculo.
¿Cómo surgió el espectáculo que presentáis en Teatralia 2014?…¿Cómo fue el proceso de creación?…
Es un espectáculo que la compañía estrenó en 1992. Nos apetecía revisitar un trabajo nuestro y que fuera el punto de partida de un nuevo espectáculo. Se incorporaron tres nuevos actores y algún otro creador en el equipo artístico. El resultado ha sido muy sorprendente y gratificante porque ha puesto de manifiesto la evolución artística que hemos sufrido en estos años: los códigos de interpretación, estéticos, el mundo sonoro… Ha resultado un espectáculo más minimalista, en el que sólo ha quedado lo verdaderamente significativo.
¿Qué proyectos tenéis entre manos?…
A finales de 2013 estrenamos un espectáculo para adultos llamado Petit Pierre, de la autora canadiense Suzanne Lebeau. Es un espectáculo dirigido por Carles Alfaro con Jaume Policarpo y Adriana Ozores. Andamos de gira con él y esperamos presentarlo la próxima temporada en Madrid.
Alguna sugerencia para crear en tiempos de crisis…
Volver a la esencia del teatro, a su capacidad para despertar emociones, para provocar, para divertir y también para pensar. Los tiempos en los que vivimos nos incitan a la reflexión. De momento no nos podemos permitir muchos más oropeles.
¿Qué montaje que hayáis visto últimamente, os ha interesado?¿Por qué?…
Hay una joven compañía valenciana, Maduixa, que acaba de estrenar Dot. Un espectáculo muy bello y que consolida a esta compañía como un referente de teatro para para niños. Ha ganado el Premio al mejor Espectáculo en la edición de este año de FETEN.
¿Qué os parece la programación de Teatralia 2014?…
Me parece un programa muy rico en cuanto a contenidos y disciplinas artísticas.
Cristina Rota nos habla sobre su larga trayectoria en la pedagogía y la escena
¿Cómo surgió el Centro de Nuevos Creadores?…
Nace del sueño de ofrecerle al joven creador un espacio donde hubiese una técnica común discutible día a día y reactualizada permanentemente. Un espacio donde los actores aprendieran a crear movimientos artísticos y a generar pensamiento, concepto. Para ello, tienen que aprender a ser gestores de su trabajo y tomar contacto con la gestión de sus propios espectáculos, con la realidad actor-director-dramaturgo-público. Por eso, la presencia del teatro, tanto para la escuela como para el centro es indispensable, de ese modo, participando en el espectáculo, el alumno adquiere una visión global del fenómeno teatral. Nace también del sueño de generar movimientos artísticos intercambiando con otras disciplinas artísticas para fecundar nuevas ideas, que dinamicen el conocimiento humano a través de la experimentación.
¿Cuál es la línea de formación en estos momentos?…
Es un sistema de trabajo, por lo tanto, siempre es abierto y se reactualiza con cada nueva generación.
¿Qué balance haces…?
Hago un balance positivo y muy estimulante porque tanto el CNC como producciones Cristina Rota ha sido un estímulo y un referente para otras escuelas que se han ido creando en los últimos 30 años. Además de generar muchas generaciones de actores a lo largo de más de 30 años.
¿Es importante tener un profesores habituales…?
Lo importante es la coherencia pedagógica e ideológica de todos los profesores que conforma el Centro. De lo contrario, podríamos caer en uno de los defectos más corrientes en nuestra educación; cada disciplina quedará compartimentada obstaculizando nuestra capacidad de síntesis.
¿Os ayuda tener un espacio propio…?
Es una práctica insuperable para el joven aspirante a actor tener un teatro en su propia escuela donde poner en práctica sus conocimientos y tomar contacto con la realidad. El mundo entra en el ámbito de la escuela y la escuela sale para conocer la realidad y el fenómeno global del teatro.
¿Se trabaja así con menos presión?…
Así se trabaja con mejor goce en el placer, con más alegría y motivaciones más estimulantes.
¿Qué balance harías de tus trabajos en este campo?…
Comencé a trabajar como actriz y a estudiar interpretación a los 14 años. Me siento privilegiada por haber podido trabajar como actriz y directora en más de 60 montajes.
¿Cómo surgió el proyecto de Rudolf?…
La ambición de cualquier director o actor es que su obra o su actuación lleguen al corazón del espectador. Para que esto ocurra primero tiene que conmovernos a nosotros. Por eso no hago ninguna obra que no me conmueva. Es importante para mí que la obra remueva los conflictos del alma humana y se recoja el latido social y como diría Lorca, el drama de sus gentes.
¿De qué va la obra?…
Un hombre y una mujer.
Él con mutilaciones del cuerpo por la tortura física, y del alma, por la desaparición de sus hermanas y su madre en algún campo de concentración. Realiza una investigación de rutina a una ex amante de un criminal de guerra al que intenta localizar. Durante la obra va descubriendo que los une el amor por la música y la desesperación.
Ella pertenecía a esa clase media que perdió todo en la guerra, hasta su piano, y con ello a su amada música. Por ello vive en silencio.
A los dos los une la pulsión de vida, la necesidad de amor.
Son dos náufragos que se encuentran en una isla rodeada por los sonidos hostiles de una sociedad inmisericorde, demasiado ocupada en el nuevo estado de bienestar.
El contexto de un país devastado por la guerra en plena reconstrucción. La reconstrucción implica olvidar o evitar recordar que por debajo de cada edificio nuevo hay una gota de sangre de los muertos y desaparecidos.
Es una perfecta “unidad de contrarios” pero cabe aún la pregunta; ¿El amor puede triunfar sustentado en los pilares de una indiferencia criminal?
¿Cómo ha sido el proceso de creación?…
Intenso. Con los actores hicimos un profundo trabajo de campo. Partimos cada uno de nuestros conocimientos y nuestras vivencias para ahondar en los profundos traumas y heridas que dejaron en las víctimas las desapariciones, las torturas…tanto durante la dictadura militar argentina como durante la época de Franco. Aunque profunda y dura, la historia nos otorgó ciertos respiros gracias a su sentido del humor.
¿Se pueden realizar propuestas combativas y alternativas en estos tiempos de crisis?
En los tiempos de crisis es cuando hay que ser combativo y apoyarnos en la pasión que sentimos por revelar los conflictos humanos. Entonces no hay crisis que nos detenga. Si confiamos en ello tendremos la firme convicción de la imprescindibilidad del arte.
¿Cómo ves el teatro en nuestro país?…
Luchando desesperadamente por resistir y a sus gentes intentando no caer en el desánimo. No cabe duda que cuesta ser creativo con la crisis económica y social que estamos viviendo.
¿Qué proyectos tienes entre manos?…
Una nueva producción que estrenaremos en mayo interpretada por Nur levi. “Lo que no te digo” es un monólogo donde un personaje paranoico y cómicamente obsesivo tratará de descifrar los constantes mensajes “ocultos” tras las palabras.
Además tenemos en desarrollo también un proyecto audiovisual que pretendemos rodar este mismo año. Y el reestreno en las naves del Matadero el 8 de mayo de “Un trozo invisible de este mundo”.
¿Cómo crees que está afectando el aumento del IVA y los recortes a los proyectos de teatro?…
La subida del I.V.A. ha sido terrible para todo el sector cultural, fundamentalmente para el teatro. Para muchas salas y compañías ese margen era la diferencia entre subsistir o desaparecer .
¿Qué montajes que hayas visto últimamente te han interesado?…
Últimamente me parece muy notable la oferta de calidad que la cartelera de Madrid está ofreciendo. En estos tiempos hay un surgimiento mayor de producciones creativas y arriesgadas. Lamentablemente no tengo tanto tiempo para ver todos los montajes que querría. En la programación de nuestro centro, en el CNC-Sala Mirador he podido disfrutar de producciones que me han interesado muchísimo como “El rey tuerto” de Marc Crehuet, “Perdidos en nunca jamás” dirigido por Lucía Miranda de la Compañía Crossborder, “Fuenteovejuna, Un ensayo desde la violencia” dirigido por César Barló, “Una mujer en la ventana” dirigido por Juan Margallo, “Ejecución Hipotecaria” dirigido por Adolfo Fernández… podría enumerarte muchos…
JUAN GÓMEZ-CORNEJO SÁNCHEZ, Iluminador de “El viaje a ninguna parte” nos habla de su trayectoria
¿Cómo surge tu participación en el proyecto de El viaje a ninguna parte?…
Primero por invitación de la directora Carol López, es la primera vez que trabajamos juntos, y después por invitación del C.D.N. También por la propuesta de Álvaro Luna (video escena) que somos habituales colaboradores y que el sí que había trabajado con Carol López.
¿Qué balance haces de tu larga trayectoria como iluminador?…
Que difícil resumir y hacer balance, sobre todo porque “lo de larga” es bien cierto ya.
El balance es positivo, me siento un ser afortunado por desarrollar una profesión que me apasiona y además me permite vivir de ella. El tener una formación autodidacta (de forma irremediable en este país) te da inseguridad pero por otro lado te obliga a descubrir y aprender de forma continuada en el proceso. La investigación es constante y eso te motiva continuamente y no te deja parar. Analizas tus trabajos y los de tus compañeros y eso te mantiene vivo y te permite seguir aprendiendo.
¿Cuáles han sido los proyectos para los que has realizado un diseño de iluminación en el último año?…
“La verdad sospechosa” con dirección de Helena Pimenta para la C.N.T.C.
“Maribel y la extraña familia”, “El cojo de Inishmaan” bajo la dirección de Gerardo Vera para Grey Garden.
“El Crédito” dirección Gerardo Vera. Producción Carlos Larrañaga
“Los Justos” con dirección de Javier Hernández. Producción de 611 Teatro.
“Conversaciones con mama” con dirección de Juan Echanove. Pentación.
“Emilia” dirección de Claudio Tolcachir, para Producciones Teatrales Contemporáneas.
¿Cuándo te llega la propuesta de un proyecto te dejan margen de creación o te piden lo que necesitan?…
Normalmente si me llaman es para que yo haga mi propuesta, lógicamente con unas pautas de dirección para que todo se encamine hacia el mismo lugar. Te piden necesidades pero más de tipo dramático que tú traduces en propuestas de luz.
¿A partir de qué creas los diseños de iluminación?…
A partir del texto, de la música, del espacio propuesto y fundamentalmente de la historia que se quiere contar. Y sobre todo de la propuesta de dirección que debe de ser nuestra mayor aliada y servirnos de guía. Todo debe de confluir en un mismo punto.
¿Qué iluminadores tienes como referencias? ¿Por qué?…
Uno en este “arte tan joven” siempre tiene en la cabeza a los maestros, a los que cuidan de una forma especial la luz y han marcado un estilo con sus espectáculos. Bob Wilson, Robert Lepage, Robert Carsen, a veces no son tanto iluminadores si no directores que tienen un especial cuidado con la luz y se acompañan de grandes iluminadores. Puedo seguir citando a Jennifer Tipton, Vinicio Cheli, Max keller, y en cine Vittorio Storaro, Alcaine, Aguirresarobe, etc. También una gran cosecha Española de directores e iluminadores estupendos con los que comparto esta pasión por la luz. Evito citarlos para no olvidarme de ninguno. Perdón, si citare a Josep Solbes que nos abrió camino y que desgraciadamente ya no está entre nosotros.
¿Hay una carencia de formación a nivel iluminación en la profesión teatral de nuestro país?…
Total y absoluta y esto hay que remediarlo lo antes posible. Estamos en Europa y en estos aspectos formativos no lo parece. Hay pequeñas incursiones más en la parte técnica que en la artística pero es curioso que mientras que en la RESAD (Real Escuela Superior de Arte Dramático) existe la especialidad de escenografía no existe la de Iluminación. También sucede lo mismo en el Instituto del Teatro en Barcelona. Si alguien quiere estudiar Iluminación se tienen que ir fuera de España irremediablemente.
¿Cuál ha sido tu formación en esta materia?…
Como ya he dicho bastante autodidacta, no quedaba otra que aprender sobre el terreno y apuntándome a todo “curso viviente” relacionado con el tema de la luz. Viendo espectáculos, analizándolos. Mi labor como director técnico en La histórica Sala Olimpia (ahora teatro Valle Inclán) y posteriormente en el Teatro Central de Sevilla durante la Expo 92 me permitió disfrutar dese dentro de muchísimos espectáculos y aprender de ellos. Y continuamente aprendo de mis colegas con los que comparto, no solo oficio si no, la ilusión por la luz.
¿Qué iluminación has visto últimamente que te haya interesado?…
Interesarme casi me interesa todo, yo soy un espectador muy agradecido y siempre saco cosas positivas. Podría decir que me ha interesado el trabajo de Lluis Pascual- Fernando Ayuste con “El Caballero de Olmedo” en la CNTC.
“The Indian Queen”de Peter Sellars con iluminación de James Ingalls en el Teatro Real.
Sorprenderme realmente hace tiempo que no veo nada que me sorprenda, echo de menos espectáculos que nos visitaban antes con un componente visual importante. Estamos descuidando este tipo de propuestas y son tan necesarias para el espíritu como las minimalistas (escuetas) en a las que últimamente estamos tan acostumbrados.
¿Están bien dotadas técnicamente las salas actualmente?…
Si nos fijamos en las grandes capitales, centros oficiales, teatro de ópera y de musicales, más o menos te diría que sí, que no están mal equipados.
Si nos vamos de gira con algún espectáculo y visitamos el resto de España “de bolo” como se suele decir (montaje y actuación en el mismo día) te diría que, sin ánimo de ser pesimista, la cosa deja mucho que desear y la presentación de los espectáculos queda bastante desmejorada por el tema de los equipos. Te tienes que adaptar continuamente y esto en ocasiones es bastante frustrante. Las dotaciones técnicas en general no cumplen ni los mínimos.
¿Se nota la crisis actual en la demanda de iluminación?…
Si claro ¡cómo no¡ sobre todo en los presupuestos y cuando te dicen que el espacio es “vacío” (concepto moderno que ha perdido absolutamente su significado, ahora quiere decir que no hay “ni un duro” para escenografía) y que todo “lo arreglamos con la luz” pero que no hay presupuesto para más material de iluminación. Como ya te lo sabes le buscas el lado gracioso que por momentos no aparece por ningún sitio.
¿Alguna sugerencia para seguir creando en tiempo de crisis?…
No dejar de inventar y no permitir que nos quiten la ilusión por este maravilloso trabajo. Esto que cada cual lo interprete y traduzca a su modo.
¿Qué proyectos tienes entre manos?
Lo más inmediato remontar “La vida es sueño” en el teatro Pavón para la C.N.T.C. ahora en el mes de Marzo.
“Amo y criado” con Helena Pimenta para la C.N.T.C que se estrenara en el Festival de Almagro.
“El señor de las Moscas” con José Luis Arellano para la Joven Compañía.
Como el arranque de la entrevista era el estreno de “El viaje a Ninguna Parte” déjame volver a esta obra tan de actualidad.
Ha sido un trabajo de disfrute y total entrega de todo el equipo artístico. Es de agradecer la generosidad absoluta de todos los actores para contar de una forma tan poética algo que a “los cómicos” nos resulta tan familiar. El proceso me ha hecho olvidar que mi cometido era la luz.
Desde aquí les doy las gracias a todos y a la directora Carol López por dejarme participar en tan gratificante experiencia.
LUISA MARTÍN nos habla de sus últimos proyectos como actriz.
¿Cómo fueron tus inicios en el teatro?…
Maravillosos.
Estudié en la RESAD con Angel Gutierrez y el propició la creación de un grupo, nos organizamos y bajo su Direccion comenzamos a trabajar, a viajar. Lo hacíamos todo, fue apasionante y muy instructivo.
¿Qué balance harías sobre tu trayectoria en teatro?…
Bueno, buenísimo.
He ido muy poco a poco y sin darme cuenta han pasado mas de 30 años.
¿Qué diferencia hay para ti del teatro que se hacía en tus principios al que se hace hoy en día?…
Al principio era teatro en grupo, » teatro independiente» ahora ya no tengo que cargar ni descargar, pero la ilusión es la misma o mayor.
En cuanto a lo que se hacía y se hace, siempre hubo de todo y sigue habiendo de todo.
¿Cómo surgen las ideas y los proyectos en los que te embarcas?¿Qué te anima a participar en ellos?…
De muchas maneras, alguien que me conoce, algún amigo, proyectos que le llegan a mi representante etc.
Básicamente me anima el corazón, me dejo llevar por la primera impresión.
¿Cómo surgió tu participación en EL ARTE DE LA ENTREVISTA?…Háblanos de este proyecto y tu participación en él…
Una mañana de verano me llamó Cuco Afonso, me lo contó, me envió el texto, lo leí y aquí estoy.
¿En qué proyectos has participado durante el último año?…
«El show de Kafka» » Palabra de actriz» en teatro.
«frágiles» , «B&B » en tv.
¿Qué proyectos tienes entre manos?…
El lunes estrené B&B y el viernes estreno El Arte de la Entrevista, por ahora esos son mis proyectos.
¿Hay algún proyecto que nunca pudiste realizar y te gustaría?…
No.
¿Cómo crees que están afectando los recortes y el aumento del I.V.A. a los proyectos de teatro?…
Mucho, muchísimo, el IVA ha conseguido que la taquilla se redujera un 30% , ellos lo saben, ni siquiera ha salido rentable y en cambio ha hecho desaparecer a muchas compañías y ha mandado a muchos profesionales al paro. No ha sido una buena medida.
¿Qué montaje que hayas visto últimamente, te ha interesado?¿Por qué?…
Ví «Dalí versus Picaso» me encantó, Juan Carlos Perez De la fuente ha hecho un magnifico espectáculo con un texto dificilísimo y los actores están geniales. ( y eso que solo vi un ensayo general)
¿Alguna sugerencia para seguir creando y haciendo teatro en tiempos de crisis?…
¿Quien soy yo para sugerir nada?… Ánimo es lo único que se puede decir.
Al contrario, si pudiera, si valiera, exigiría que los políticos de los que depende la cultura asistan al teatro, vivan de cerca el teatro, conserven el teatro y lo preserven de consideraciones que no hacen mas que dañarlo.
Yayo Cáceres nos habla de sus trabajos de composición y dirección
¿Cómo fueron tus inicios en el teatro?…¿Realizaste otras facetas además de la dirección?…
Me inicié trabajando en Andamio 90 en un proyecto que se llamó «Los que vienen» que eran actores y directores consagrados junto a alumnos de la escuela y contaron conmigo. Luego vino Mariana Pineda con Virginia Lago, La borra de la yerba con Mabel Manzotti y asi hasta hoy. Ya había hecho teatro vocacional en mi pueblo (Curuzú Cuatiá) desde los 15 años o asi y había estudiado previamente teatro para niños en la escuela de Hugo Midón. Como músico ya había debutado profesionalmente junto a Teresa Parodi en 1985 y asi junté ambas profesiones, (que siempre van de la mano) hasta que un día vine a hacer Imprebis a España y conocí a los Ronlaleros y nos pusimos a trabajar para hacer teatro con música en directo y humor que es lo que hasta hoy nos mantiene juntos.
¿Tu trabajo en el teatro lo has compatibilizado con otros trabajos?…
Muchas veces si. En vez de trabajar como actor en cosas que no me gustaban, preferí ser taxista o trabajar en el puerto. Di clases también en unos colegios para chicos con problemas de aprendizaje y ahi aprendí cosas de las mas importantes de mi vida. Sin duda la docencia es una de las profesiones mas altas que existen. Creo que, de ser posible solo hay que hacer proyectos que lo llenen a uno para no dejar nunca de amar esta profesión. Una vez en el taxi llevé a una mujer dueña de un teatro donde trabajaba Mabel Manzotti, años despues coincidí con ella en casa de Mabel…cosas de esta vida,
¿Qué balance harías sobre tu trayectoria?…
Pues creo que soy un tipo afortunado. Creo tambien que nunca coincide lo que has planeado con lo que luego resulta que es, pero si logramos que coincida gran parte de lo planeado con lo vivido, está todo bien. Tengo bienestar espiritual y estoy donde quiero estar y con quienes quiero estar. Que me llama Lluis Homar para que actúe con él? Pues allá iré de cabeza, pero digamos que hago mi vida y mi profesión con respeto y honestidad y creo en el trabajo como punto de partida y de llegada.
¿Cómo surgen las ideas y los proyectos en los que te embarcas?¿Qué te anima a participar en ellos?…
Soy bastante hiperactivo con lo cual amo estar metido en cosas que me gusten. Compongo muchas canciones para Ron Lalá y para grabar mis cds de chamamé que es la música de mi tierra. Con Ron Lalá tenemos nuesrtra dinámica de trabajo y acción y nos va bastante bien. Con los demás proyectos que aparecen, aplico la «teoría de las 3 P » y en base a eso decido si embarcarme o no.
¿Cómo surgió Vitalicios?…Háblanos de este proyecto y del proceso de creación…
Esta pregunta creo que te la podría contestar mejor alguno de los chicos, pero surge por iniciativa de los actores que a su vez se ponen en contacto con Sanchis que saca del cajón Vitalicios y bueno…aqui estamos. El proceso de creación creo que ha sido interesante y hemos aprendido mutuamente que en el fondo es de lo que se trata. Trabajamos de manera bastante diferente los actores y yo, con lo cual encontrar esa sintonía del «como» resulta apasionante siempre. Por lo demas creo que para dirigir hay que saber esperar….siempre llega mediante el trabajo aquello que hace falta.
¿Ha sido importante tener unos colaboradores habituales en los equipos artísticos y técnicos?…
Es fundamental, aunque no ha sido el caso de Vitalicios donde partimos con un equipo que no venía de mi mano. En Ron Lalá si que tenemos un equipo creativo que espero dure muchos años.
¿En qué proyectos has participado durante el último año?…
He grabado un cd que se llama AGUA (está en las redes), hemos montado En un lugar del Quijote en coproducción con la CNTC, he mantenido mis talleres de interpretación y dirigí Vitalicios.
¿Qué proyectos tienes entre manos?…
Muchos…un tío mío decía que el hombre tiene la edad de sus proyectos y me encanta. El movimiento permanente. Por ahora nada de quietud y de gente sin humor.
¿Cómo crees que están afectando los recortes y el aumento del I.V.A. a los proyectos de teatro?…
Creo que es obvia la respuesta, pero creo que es bueno decir algo en lo que siempre insisto, La educación y la cultura no son un gasto, son una inversión en la gente que es lo mas importante que tiene un pais. Tambien quiero decir que es un momento ideal para hacer cosas, sacar fuerzas y recursos de donde se pueda, el ser humano no puede vivir sin la magia del arte.
¿Qué montaje que hayas visto últimamente, te ha interesado?¿Por qué?…
«Un trozo invisible de este mundo». Me ha conmovido y Botto me ha parecido un actor maravilloso. No lo había visto nunca en teatro y debo decir que me ha ganado. Mas allá de mi propio exilio, económico en este caso; creo que es un espectáculo que habla de un tema delicado y sin una visión maniquea del asunto. La inmigración es imposible de detener, es como ponerle muros a un monte, somos hijos de la cruza y bienvenida sea si aprendemos a vivir con el otro, a abrirnos a su cultura y los que venimo, a vivir de lleno en el pais donde comemos y con su gente.
¿Alguna sugerencia para seguir creando y haciendo teatro en tiempos de crisis?…
Mi verbo preferido es HACER. Encontrar las maneras y no las excusas.
LOLA BLASCO nos habla sobre su experiencia en la creación dramatúrgica.
¿Cómo surge el proyecto EN DEFENSA?…
En Defensa surge dentro de uno de los laboratorios ETC de la sala Cuarta Pared denominado Lo real. El laboratorio partía de la premisa ¿cómo llevar lo real a escena? La investigación, en mi caso, se centro en cómo renovar el teatro político a través de la música. Pensando en Bertolt Brecht y en su opereta, la pregunta que me hice fue ¿cuál sería la opereta de ahora? Y consideré que el rap o el spoken word era una forma interesante de renovación de ese lenguaje. No obstante, yo creo que la verdadera radicalidad reside, como su nombre indica, en irse a las raíces. Por ello pensé en la figura del clásico rapsoda en las tragedias y, de nuevo, el rap me servía para «modernizar» esa figura. Pero en En Defensa, además de rap hay cantos en latín. Y textos de rabiosa actualidad política. Así lo nuevo y lo viejo se dan la mano.
Para el concierto hemos contado con dos compositores, Luis Paniagua y Jesús Rubio. Cuyos estilos son radicalmente opuestos. Luis compone con instrumentos antiguos como la lira, mientras que Iñaki hace música electrónica . Ha sido un lujo trabajar mezclando estilos tan distintos.
Al igual que pasa con la música, la temática comienza en el presente, (se centra en los jóvenes que tienen que exiliarse por la falta de trabajo en el país, en la denominada Generación Perdida) pero echa la vista al pasado, al exilio republicano y antes aún, y encuentra, en las figuras de Sócrates y Ovidio, consuelo.
¿Cómo fue el proceso de ETC con los actores y el director?¿Y las siguientes fases hasta su estreno?…
En el proceso de ETC trabajé con Óscar Villegas y el laboratorio aunque breve fue muy fructífero. Después volví a trabajar con Óscar en Proyecto Milgram en el CDN, precisamente por la buena comunicación que tengo con él. No obstante, cuando Julián Fuentes Reta, director con el que trabajo de forma habitual, propuso retomar En Defensa, Óscar no pudo sumarse al proyecto y en ese momento pensamos en Luis Panigua. Trabajar con Luis ha sido maravilloso en todos los sentidos. Admiro su música y para mí ha sido un gran placer. Iñaki ya hizo el espacio sonoro para Los hijos de las nubes, así que ya conocía su estupendo trabajo. De entre los actores ya había trabajado en varios montajes con Miquel Insúa, al que también conocí en un ETC. Completan el reparto la actriz y cantante Mónica Dorta y el rapero Mentenguerra. Todos ellos son grandes profesionales, pero lo que me parece más importante, excelentes personas. Sé que me has preguntado por los actores, pero me gustaría hablar también del maravilloso trabajo de Jesús Almendro (quien hace las luces de esta función, pero con quien ya trabajé en Los hijos de las nubes) y de Iván Arroyo (que se encarga de los audiovisuales), así como Marcela Cantillo, una artista plástica que se suma al equipo por primera vez.
¿Hiciste algún tipo de búsqueda o documentación sobre el tema antes de empezar a escribir?…
En realidad, En Defensa es la obra para la que menos me he documentado de cuantas he escrito, ya que surge de un problema personal, del problema de los jóvenes de mi generación, de mis amigos. Nace de la rabia y de la tristeza y de la necesidad de utilizar el teatro para compartir el duelo.
¿Cómo ha sido el proceso del texto a la puesta en escena?¿Ha cambiado tu visión del texto a partir de la lectura hecha en la puesta en escena?…
Sí, bastante. De hecho parte del texto se ha construido sobre los ensayos y con conversaciones que he tenido con Miquel Insúa.
¿Es importante tener unos colaboradores habituales en el equipo artístico y técnico?… ¿Cómo participan en los procesos de creación?…
Es imprescindible. El teatro es un trabajo de equipo. Para mí no hay un elemento más importante que otro en el hecho escénico. Considero de igual importancia desde la primera palabra escrita hasta el último foco dirigido. El teatro es un arte horizontal. Si no contara con el resto de personas que he mencionado, mis obras no saldrían de la soledad de un cajón.
Opinas como algunos autores que no hay que publicar un texto hasta verlo estrenado…
Creo que eso sería lo deseable, pero no siempre ocurre. Y publicar resulta de mucha importancia también. Yo he tenido mucha suerte, la verdad, y hasta la fecha, he visto todas mis obras estrenadas, sin embargo tengo alguna sin publicar.
¿Qué balances haces de tus últimos trabajos como autora en teatro?…
Han sido buenos trabajos, si no lo creyera no me habría metido en esos proyectos. Estoy contenta con tener la posibilidad de seguir estrenando y de seguir creciendo como autora. He crecido mucho desde mi primera obra. Mis últimos trabajos, Los hijos de las nubes, Proyecto Milgram o En Defensa, han sido trabajos de fuerte carga política. Sacarlos adelante ha sido arriesgado, pero me han traído muchas satisfacciones.
¿Cómo crees que está afectando la subida del I.V.A. y los recortes al teatro?…
Creo que es otra más de las acciones que lleva a cabo el gobierno para acabar con la cultura del país. Antes sentía rabia, ahora cansancio, y eso me da miedo.
¿Qué sentido ha de tener el teatro hoy?…
Es importante tener algo que contar, no caer en un formato televisivo de entretenimiento que sólo consigue ser opio para el pueblo. El teatro es una experiencia compartida de un conjunto de seres humanos, es un ritual. Creo en ese tipo de teatro en el que uno sale transformado de la sala.
Alguna sugerencia para crear en tiempos de crisis…
Si alguien la tiene, por favor, que me escriba.
¿Qué obra de teatro has visto últimamente?¿Qué te pareció?…
Staying Alive de Matarile. Con momentos de una belleza indescriptible.
¿Cómo ves la autoría teatral en estos momentos en nuestro país?…
Como un «sálvese quien pueda». No hay ninguna red que sostenga al autor, y dentro de la propia profesión, es el último a tener en cuenta. Yo me he visto obligada a encargarme o involucrarme de un modo u otro en mis espectáculos porque de lo contrario, al cabo del tiempo, a la gente que está en la sala ensayando se les olvidan los meses que dedicaste creando una historia. Y te marginan por ello. Es una profesión solitaria, carente de recursos. Y además, como la palabra siempre queda escrita, a diferencia de lo efímero que resulta el resto del hecho teatral, los autores se enfrentan al juicio y a la critica constante. Dicho esto, creo que nos crecemos ante la adversidad. Creo que hay una nueva generación de autores con fuerza y con valentía para contar historias que merezcan la pena. Agradezco iniciativas como la de la Cuarta Pared. A mí me han dado la posibilidad de seguir creando.
¿Proyectos?…
Pues he acabado Los Gigantes, una obra musical sobre el drama de los deshaucios dirigida por Lorena Bayonas con música de Ana Laan, también he acabado Canícula, obra que la Cuarta Pared ha dotado con cinco mil euros para su puesta en escena y recuerdo que todavía se puede concurrir con un proyecto para el montaje de la misma. Además, estoy haciendo una adaptación de Proyecto Milgram para cine, me han dado la beca del Inaem para escribir Siglo mío, bestia mía y en Junio me han invitado a crear un texto colectivo que se representará como lectura dramatizada en el Deutsches Theatre de Berlín. No me puedo quejar.
Isabel Dimas nos habla de su trayectoria como actriz y cantante.
¿Qué es el teatro para ti?…
Al principio fue un divertimento, algo que hacía inconscientemente. Siempre me gustaba disfrazarme, hacer reír a la gente, hacerles la vida un poquito mejor. Cualquier excusa era buena para hacerlo. Por tanto, para mí, empezó como un juego y sigue siéndolo. No en vano, en francés se dice “jouer”, en inglés “to play” aunque en castellano se traduzca como “interpretar” o “representar”. Hasta que yo misma dejé de divertirme, dejé de sonreír por circunstancias familiares que me llevaron bastante al límite. Entonces el teatro se convirtió en mi tabla de salvación, me ayudó a redescubrirme como persona y como artista. Para mí tiene un efecto terapéutico, es un bálsamo, una isla confortable y hermosa entre tanta injusticia y barbarie. En el teatro siempre me siento más segura, es un refugio y por suerte mi trabajo.
¿Por qué haces teatro?…
Para sentirme bien conmigo misma, porque conecto con toda mi parte creativa, me hace sentir que formo parte de algo bueno y maravilloso, de un equipo humano implicado en lo mismo. El teatro te remueve, te hace pensar, investigar, te fuerza a estudiar y a aprender siempre algo a través del personaje y la historia que quieres contar y en definitiva a conocerte más a ti mismo y al ser humano. Además puedo pasar de un personaje a otro y hacer locuras en un escenario sin que te traten de loca! Me gusta ser una creadora de emociones.
¿Qué balance haces de tu trayectoria como actriz?…
He tenido mucha suerte. Desde que terminé la escuela he enganchado proyecto tras proyecto. He estado mucho tiempo preparándome, haciendo mil cosas en mi profesión, pasando por muchos baches pero también con grandes aciertos. Mis vivencias personales y profesionales me han permitido adquirir un nivel muy maduro a la hora de afrontar mi trabajo y he tenido la suerte de vivir de ello hasta ahora. Así que ahora quiero que se me presenten más y nuevos retos. Estoy deseándolo!
¿Cómo surge el proyecto de Sonrisas?…Háblanos de tu trabajo en él…
Este proyecto se inició con otros compañeros con la productora Cachivache, S.L. hace tiempo. El concepto era completamente distinto. Iba a ser un espectáculo basado en los números de títeres de Francisco García del Águila, coreografías de claqué con música en directo y proyección de películas mudas, pudiendo hacerse tanto en sala como en calle. El equipo anterior dejó un excelente trabajo que nosotros recogimos y ampliamos. Poco después se unieron Javier Botella y Juan Sánchez. Me encanta este espectáculo porque hago de todo, cabaret, locutora de radio, clown, manipuladora de títeres pero sobre todo exploto más mi faceta como cantante y en varios idiomas!! Inglés, francés (mi segunda lengua) y alemán!
¿Cómo fue el proceso de creación?…
Ha sido un proceso de creación muy colectivo. Tanto en la producción como en la creación de números. Aunando fuerzas, riéndonos e improvisando mucho también. Partiendo de lo que ya había, le dimos más importancia a la parte musical que compone este espectáculo y decidimos incluir muy diversos temas, desde estándares de jazz, pasando por García Lorca, Bertolt Brecht, Edith Piaff… Además creamos números nuevos y una dramaturgia que nos ayudase a contar una propuesta tan variada.
¿Hay algún referente técnico o artístico del que has partido para crear tus personajes?…
En este trabajo, Paco García del Aguila me ha enseñado mucho sobre la manipulación de títeres. Tener en mi cabeza la España de los 50, los locutores, su forma de transmitir, de hablar, los grandísimos actores que hemos tenido en este país. Por otro lado mi parte francesa, la elegancia de sus intérpretes femeninas… tengo muchos registros de voces, que es lo que me ha aportado trabajar en bastantes producciones infantiles, así que el trabajo vocal ha sido muy importante en esta función. Poder pasar de un registro a otro, la inmediatez… hay muchos referentes a los grandes cómicos españoles.
¿Qué balances haces de tus últimos trabajos como actriz en teatro?…
Positivo, siempre positivo. En cada trabajo aprendo algo que me surge de cada personaje y eso es oro para mí. He tocado tragedia y comedia así que estoy muy agradecida porque me gustan los dos géneros. Y ahora este medio cabaret-recital musical!¬¬¬¬ Trabajar en lo que me gusta es un regalo, y además si te da la oportunidad de viajar, como lo vamos a hacer con “Sonrisas” en abril a Costa Rica y quizá a Brasil, entonces ya es toda una suerte!
¿Cómo preparas los personajes?…¿Cuál es tu método?…
Cada personaje lo encaro de forma distinta. Depende del texto y de cómo el director quiera abordar el trabajo. A veces desde lo físico, desde el detalle, otras te vas adentrando en el personaje en cada ensayo, a partir de sus acciones, de sus reacciones. Utilizo mi imaginación. Y si hay director, me pongo de acuerdo con él haciéndome mil preguntas. Creo que siempre hay mil posibilidades para todos los personajes pero me suelo fiar del primer impulso e intuición que tengo en la primera lectura.
¿Qué función crees que ha de tener hoy el teatro para la sociedad en la que vivimos?…
El teatro siempre ha reflejado lo que pasa en la sociedad, tiene que tener una función social, creativa y artística. A través de los grandes autores o de los textos más contemporáneos el teatro siempre es un fiel reproductor de cómo se comporta un ser humano en mil situaciones. Cuando un espectador acude al teatro tiene que salir renovado, con ganas de cambiar y queriendo ser mejor persona. Como ves siempre veo el lado sanador de este oficio.
¿Cómo crees que está afectando la subida del I.V.A. y los recortes en las ayudas al teatro?…
Es una barbaridad el ataque a la cultura en este país. Juan Diego dijo que nos estaban gaseando ideológicamente. Creo que es muy dañino para todo el mundo que se pongan barreras al crecimiento de un sector que además de actuar como catalizador de todo lo que ocurre en la sociedad, da miles de puestos de trabajo. No creo en un teatro subvencionado pero sí en aportar ayudas a un sector que se asfixia y que tiene que ser accesible para todo el mundo. Una sociedad que no protege y favorece la cultura para mí está perdiendo su identidad.
¿Alguna sugerencia para seguir creando en tiempos de crisis?…
No tirar la toalla, asociarse, formar cooperativas, aunar fuerzas, seguir luchando y trabajando. Exigir no sólo nuestros derechos sino los de todo el mundo, sanidad, educación… Los actores siempre nos hemos movilizado en grandes cuestiones y hemos dado la cara. En esta ocasión debemos sacar fuerzas de donde sea para que no acaben con nosotros. Debemos de resultarles muy “incómodos” cuando nos maltratan tanto…
¿Qué obra de teatro has visto últimamente?¿Qué te pareció?…
He visto unas cuantas. “Retrato de un joven capitalista” de Alberto San Juan, divertido y muy aleccionador. “A medianoche” con Iñaki Font y Lisi Linder, estupendos los dos! También en la sala El Sol de York. Las propuestas de La Casa de la Portera me parecen fantásticas. Hay tanto por ver y tan interesante… “Camille” de Turlitava Teatro, María Pastor en “Duet for One” que me han dicho que está en estado de gracia sobre las escena. Ojalá pudiese ir a ver a todo el mundo pero por agenda a veces me pierdo cosas.
¿Proyectos?…
Unos cuantos en teatro que espero se cumplan. Me gustaría formar mi propia productora y embarcarme en proyectos más personales que tengo aparcados, pero de momento el proyecto fundamental es seguir luchando por esta profesión y que conozcan mi trabajo.
Rita Consentino nos habla de su trabajo para la escena
¿Cómo surge el proyecto de La pequeña cerillera?…¿De qué va la obra?…
El proyecto surge de una propuesta del Señor Gerard Mortier, anterior director artístico del Teatro Real, para realizar un cuento de Andersen para la temporada del Pedagógico. Fue un encargo del Teatro para el cual tuve que pensar una adaptación posible para la escena y además elegir una pieza musical que acompañara a la historia. Este cuento de Andersen es muy conocido, y se podría decir que es uno de los más tristes que ha escrito el autor danés; su protagonista, una niña pobre obligada por su padre a vender cerillas bajo el frío y la nieve logra a través de su imaginación romper las ataduras de una realidad opresiva. Es a través de su fantasía que la niña se encuentra con todo aquello que desea, hasta que finalmente su abuelita se hace presente invitándola a irse con ella; en el cuento de Andersen la niña muere pero para esta adaptación he pensado suavizar este final y enmarcar el cuento dentro de otra situación que hiciera posible la participación de los niños y sus sonrisas.
¿Cómo ha sido el proceso de creación?…
Mi idea siempre fue, y en todos los trabajos que realizo, la utilización de video además de crear una situación por fuera del cuento para que éste pudiera aparecer como parte central del espectáculo.
La idea fue entonces contar la historia de una niña que quiere ir a ver a su abuelita y para ello debe coger un tren que está a punto de partir, sin embargo, no tiene billete, por lo que decide viajar de polizón. En el tren debe lidiar con el revisor que la persigue todo el tiempo pero el encuentro con un hombre muy especial, el mismo Andersen. cambiará su vida para siempre.
Desde el punto de vista musical, apenas leí el cuento de H. C. Andersen recordé la sonata para piano y violín de César Franck cuyo universo sonoro podría acompañar perfectamente a la historia. Y así fue.
Aparte necesitaba un marco musical para el comienzo y cierre del espectáculo, para ello Gabriel Skármeta hizo su aporte preciso para crear musicalmente la apertura y cierre de la obra, además de algunos efectos de sonido que acentuarían palabras o frases claves del cuento.
El proceso fue complejo en el punto de combinar varios planos a la vez: la historia, la música, el video y la escena en vivo con los actores. Hemos tenido muy pocos ensayos y gracias a la calidad profesional de los actores (Uxía Gonzalvo, Máximo Esteban y Joseba Pinela), la interpretación musical de Alexis Delgado y Marta Morán y de todo el equipo se ha podido montar todo en 8 días.
Con Ricardo Sánchez Cuerda, escenógrafo, pensamos un espacio posible y así fue como surgió un vagón de tren donde todo podía suceder. Jorge Arranz creó los dibujos de las proyecciones que Iñaki García editó magistralmente, Tiziana Magris vistió a los personajes y el toque final fueron las luces de Lía Alves que le dio el gesto mágico que faltaba.
¿Hay algún referente técnico o estético del que has partido para esta puesta en escena?… Háblanos de ello…
Sinceramente no. En el caso de éstos espectáculos para niños más que valerme de referentes estéticos, utilizo y combino procedimientos o recursos, es decir, el video, la música, la interpretación intentando crear una estética propia. Siempre me ha gustado esta posibilidad que ofrece el video en combinación con la escena en vivo, las relaciones que se pueden crear entre sí y el equilibrio posible para que ni uno ni otro se lleve el protagonismo sino que pueda generar una nueva totalidad estética.
¿Cómo ha sido el proceso de puesta en escena en El Teatro Real?…
Como te comenté hemos tenido muy pocos días de ensayo pero el apoyo técnico de todas las áreas ha posibilitado que todo llegue a buen puerto.
¿Qué has querido contar desde la dirección?…
Este cuento de Andersen como muchos otros de su autoría son cuentos que contienen mensajes muy esperanzadores. Son cuentos que tienen la estructura vital de los cuentos de hadas y por ello su función pedagógica es fundamental. Desde la dirección, quise rescatar ese sentido de la esperanza que contiene el cuento y el valor del viaje como una experiencia reveladora.
La cerillera logra romper las ataduras de su vida oprimida y triste a través de su imaginación creando ella misma una realidad llena de magia. Esa posibilidad es la que todos los niños deberían tener, es decir, es nuestra obligación como adultos, lograr que ellos disfruten de su infancia, respetando sus derechos y ayudándolos a encontrar valores que los motiven para resolver sus conflictos futuros.
¿Qué balances haces de tus últimos trabajos para la escena?…
Bueno, no es una pregunta fácil. Lo que sí puedo decir es que hago todo lo que está a mi alcance para lograr aquello que tengo en la cabeza a la hora de un montaje. Y siempre compruebo , y cada vez más, la importancia de tener un equipo artístico y humano de calidad para lograr resultados nobles y sensibles artísticamente hablando.
¿Qué espectáculo has visto últimamente?¿Qué te pareció?…
Debo decir que hace tiempo no veo teatro porque la ópera es lo que más consumo. Lo último fue Tristán e Isolda y me pareció una puesta impecable y musicalmente brillante.
¿Cómo crees que está afectando la subida del I.V.A. y los recortes a la escena?…
Es de sentido común y ya se ha hablado mucho acerca de cómo lamentablemente afecta estas medidas a la cultura. La cultura no es mero entretenimiento es mucho más que eso. Por eso, esperemos que pronto se revierta esta situación para que el sector vuelva a revitalizarse.
¿Proyectos?…
Sí, algunos. Pero por cábala no los digo…
Alguna sugerencia para seguir creando en tiempos de crisis…
Sí, seguir creyendo. Creer en el arte como medio de expresión vital de una sociedad. Y saber que a veces para expresarnos no se necesita mucho…sino preguntarnos con lo que tenemos qué podemos hacer y cómo utilizarlo. A veces las crisis son oportunidades.
José Pascual nos habla de sus trabajos para la escena
¿Cómo fueron tus inicios en el teatro?…¿Realizaste otras facetas además de la dirección?…
Comencé como ayudante de dirección en el CDN. Luego pasé a dirigir.
¿Tu trabajo en el teatro lo has compatibilizado con otros trabajos?…
Con ninguno reseñable.
¿Qué balance harías sobre tu trayectoria?…
Todavía ninguno. Estoy inmerso en ella y me resulta difícil tomar distancia y juzgarla.
¿Qué diferencia hay para ti del teatro que se hacía en tus principios al que se hace hoy en día?…
Creo que es más variado, más atrevido también. Me parece que la situación es mucho más dinámica de lo que era antes y que autores y directores se enfrentan a su trabajo con mayor libertad y capacidad de asumir riesgos que hace unos años.
¿Cómo surgen las ideas y los proyectos en los que te embarcas?¿Qué te anima a participar en ellos?…¿Cómo surgió Kafka enamorado?…Háblanos de él…
Es una suma de circunstancias. Está por un lado mi propio interés en una obra teatral o en una idea. Después, las posibilidades de llevarla a cabo que se presenten. En el caso de «Kafka» el origen del proyecto es una propuesta que Ernesto Caballero nos hizo a Luis Araújo y a mí para trabajar juntos. Luis había leído poco antes una biografía de Kafka y estaba muy interesado en el personaje. Por mi parte, desde que leí hace años «El otro proceso de Kafka», libro de Elías Canetti en el que analizaba la relación entre el escritor y Felice Bauer a partir de las cartas cruzadas entre ambos, tenía la idea de hacer algo con ese material. Esa confluencia de intereses y el apoyo del CDN hizo posible el espectáculo.
¿Ha sido importante tener unos colaboradores habituales en los equipos artísticos y técnicos?…
Sí. Es importante trabajar con colaboradores con los que te entiendas. El trabajo en común ayuda a generar ese entendimiento.
¿En qué proyectos has participado durante el último año?…
«La Anarquista» y «Kafka enamorado».
¿Qué proyectos tienes entre manos?…
Ninguno en concreto. Las posibilidades de poner en marcha un proyecto u otro dependen más a menudo de las circunstancias (producción, actores…) que de mis propias decisiones.
¿Hay algún proyecto que nunca pudiste realizar y te gustaría?…
Por supuesto, muchos, pero prefiero no detallarlos. Como digo en la respuesta anterior, el azar y las circunstancias juegan un papel importante a la hora de llevarlos a cabo.
¿Cómo crees que están afectando los recortes y el aumento del I.V.A. a los proyectos de teatro?…
El efecto conjunto de ambos factores es devastador. La producción está casi paralizada. La distribución se ha reducido al mínimo y los pocos proyectos que se ponen en marcha lo hacen desde bases precarias.
¿Qué montaje que hayas visto últimamente, te ha interesado?¿Por qué?…
El montaje de «Ubu Roi», dirigido por Declan Donellan, que pudo verse hace poco en el María Guerrero. Me pareció un excelente ejemplo de como abordar un clásico del siglo XX desde una mirada contemporánea y a la vez cuestionar muchas de las ideas habituales sobre la obra de Jarry.
¿Alguna sugerencia para seguir creando y haciendo teatro en tiempos de crisis?…
Supongo que habrá que hacerse a la idea de que las cosas no van a cambiar en mucho tiempo, y buscar (y encontrar) nuevas maneras de poner en pie espectáculos que generen interés en los espectadores.
Naim Thomas nos habla de sus últimos trabajos para la escena
¿Cómo surge el proyecto de Aladín?…¿De qué va la obra?…¿Y tu personaje?…
Pues el proyecto surge a raíz de una llamada del director que creyó en mis posibilidades para hacer el personaje, que de hecho, es una responsabilidad. La obra va sobre un ladrón, que roba para comer, y cómo su vida cambia al encontrarse con la princesa Jasmin en el bazar. No es una nueva versión, es una adaptación teatral muy fiel a la película y al cuento de las mil y una noches. Mi personaje es el archiconocido Aladín, cuyos valores son tan fuertes que incluso sin tener para comer, él roba para los demás.
¿Cómo ha sido el proceso de creación del montaje con el director?…
Él lo tenía todo montado en su cabeza, lo único que tuvimos que hacer fue plasmar y encarnar o intentar acercarnos a lo que él tenía en mente. Creo que la compañía ha logrado, aunque al 100% es prácticamente imposible, acercarnos al ideal que Jose tenía en la cabeza.
¿Qué balances haces de tus últimos trabajos como actor en teatro?…
Más que un balance que haga yo, creo que las nominaciones a los diversos premios como los Broadway World Spain 2011 (40 El musical) y Broadway World Spain 2013 (Esta noche no estoy para nadie) y mi nominación a los premios Gran Via y Chivas Telón en 2008 (El Rey de Bodas) todas como mejor actor protagonista, hablan por mi trabajo. Eso y los teatros llenos en los tiempos que corren, para mi son el mejor balance posible. Para mi el hecho de vivir de lo que me gusta, me paguen y encima me aplaudan me convierte en un afortunado.
¿Cuál es tu método de trabajo?…
Pues, mi método de trabajo es acercarme al perfil psicológico del personaje para poder conocer sus características psicológicas y a raíz de ahí intentar hacer el personaje que fluya y lo más real posible, dentro del código de teatro, que es distinto al de cine.
¿Qué función crees que ha de tener hoy el teatro para la sociedad en la que vivimos?…
Pues todas las posibles: Elemento de transmisión cultural, crítica (social, política…) y entretenimiento. Creo que hay cabida para todo tipo de teatro y todo tipo es no sólo interesante sino también necesario.
¿Cómo crees que está afectando la subida del I.V.A. y los recortes al teatro?…
La subida del I.V.A afecta a los de siempre : A los que no somos ricos, a ellos les bajan el I.V.A. del arte (pintura, escultura…) para que puedan adquirir arte a precios más razonables… Creo que la crítica que ejerce el artista/actor incomoda en este gobierno tan democrático, nótese la ironía.
¿Qué obra de teatro has visto últimamente?¿Qué te pareció?…
Lo mejor que he visto últimamente ha sido «Las Heridas del Viento» de Juan Carlos Rubio con Kiti Mánver, actriz a la que adoro en todos los sentidos, y Dani Muriel, me parece que hace un trabajo espectacular. Me tuve que quedar diez minutos más, sentado en la butaca, en shock, por un trabajo tan bonito, tan bien escrito, tan bien actuado y tan maravilloso.
¿Proyectos?… ¿Proyectos? Siempre, no soy alguien de quedarme parado mirando. Me gustan los nuevos retos, pero decirlos suele resultar un imán para la mala suerte.
CARLOS ÁLVAREZ-NÓVOA nos habla de su larga trayectoria en el teatro.
¿Cómo fueron tus inicios en el teatro? ¿Realizaste otras facetas además de la actuación?…
Procedo del TEU (Teatro Español Universitario) de la Universidad de Oviedo, donde empecé en el año 1958 como actor y después lo dirigí, alternando mi trabajo como actor con el de director. Desde esa fecha, hasta la actualidad, no hay un sólo año de vida en que no haya hecho o participado en algún montaje; después del TEU, en el teatro independiente (en los años sesenta, por ejemplo, estuve en Goliardos), y después en el profesional. Mi dedicación fundamental, de lo que vivo actualmente, ha sido siempre como actor, pero también como director, como autor (entre otros tengo el premio Tirso de Molina) y como estudioso (he publicado varios libros de investigación teatral y fui muchos años profesor del Instituto del Teatro de Sevilla).
¿Qué es el teatro para ti? ¿Por qué haces teatro?…
El teatro, el cine, la televisión, es mi forma de vida. Podría dedicarme a otras cosas, pero, ¿por qué hago teatro? Pues porque creo que con ello se hace una importante labor social, porque disfruto haciéndolo, porque, como persona, es con la profesión con la que me siento más realizado… ¡yo qué sé e1 porque ha sido mi elección y he luchado y lucho para mantener la ilusión que me produce entrar en cada montaje en una vida nueva, distinta…
¿Qué balance harías sobre tu trayectoria?…
Sin que suene a pretencioso, estoy satisfecho, porque siempre he hecho mi trabajo con toda mi ilusión y mi pasión, procurando honestamente dar lo mejor de mí mismo (y lo peor en los personajes malos). Durante toda mi vida me he dedicado a ello. Durante 55 años, que son los que llevo, en teatro he trabajado, como director o como actor, en 84 montajes; en cine -que empecé tardíamente con “Solas”-, en 26 largometrajes y en 66 cortos (es mi ONG particular); y he participado en más de veinte series de televisión. Y aparte de premios siempre he sentido a mi alrededor que mi trabajo era considerado, al menos, por su honestidad.
¿Qué diferencia hay para ti del teatro que se hacía en tus principios al que se hace hoy en día?…
Hay una diferencia grande. Por una parte, antes, estábamos menos preparados, el escenario era la única escuela y aprendías de tus errores. Pero por otra, el teatro que muchos hacíamos, sobre todo en la época de la dictadura, era, aparte de nuestra pasión, nuestro gran compromiso, nuestra arma para luchar por la libertad. Y creíamos en ello. Y a lo mejor, hasta sirvió para algo.
¿Qué función crees que ha de tener el teatro para la sociedad de hoy?…
La que ha tenido siempre: ser un espejo de la realidad para que el espectador se enfrente con sus propias preocupaciones, contradicciones y problemas y tome partido. Y, por supuesto, entretener y divertir. El teatro debe hacer pensar, pero nunca aburrir.
¿En qué proyectos has participado durante el último año? Háblanos de ellos…
En teatro, antes de “Una vida robada”, hice “La noche de Max Estrella”, un apasionante montaje de Francisco Ortuño coproducido por Centro Andaluz de Teatro y por el Centro Dramático Galego. Nada más ni nada menos que “Luces de bohemia” con un solo personaje en escena, Max Estrella, y con el texto íntegro de Valle-Inclán, en las voces de todos los demás. En cine se han estrenado este año dos películas, “Las cartas de Málex”, de Carlos Reyes y “El amor ya no es lo que era”, de Gabi Ochoa y está a punto de estrenarse “El mal del arriero”, de José Camello. Y en televisión he grabado para las series “Gran Reserva”, “Con el culo al aire” y “El Príncipe”. Y cuatro cortos “Soledad” (Fran Moreno), “Dios” (Carlos Val), “42” (Joaquín Villalonga) y “Adiós, adiós” (María Toscana). No me puedo quejar.
¿Cómo surgió tu participación en Una vida robada?…
Grabando con Petra Martínez en “Gran Reserva” me habló de la obra, ella estaba muy cerca del proyecto, y me pasó el texto, me encantó. Petra me propuso y me eligieron. Tanto Juanjo Seoane, el productor, como Julián Fuentes, el director, querían trabajar conmigo y yo con ellos.
¿Cómo ha sido el trabajo con el director? ¿Y con el resto del equipo?…
Julián Fuentes es un director lúcido, profundo e intuitivo al mismo tiempo. Me interesó mucho su propuesta y me entregué a ella al cien por cien. Aparte de su espléndido trabajo con los actores, consiguió crear un ambiente de entusiasmo y colaboración que favorecieron en el proceso de ensayos mucho al montaje. En la última fase del proceso intervino también el autor, Antonio Muñoz de Mesa, quien de acuerdo con el director, aportó al montaje ajustes muy interesantes. Y en el escenario tengo la fortuna de compartir mi trabajo con esa maravillosa mujer que es Asunción Balaguer, tan llena de vida, de ilusión, de optimismo y de alegría; me admira su sentido de lo teatral, su naturalidad y cómo vuelca en su trabajo toda la bondad de su persona. También me he encontrado muy a gusto con Liberto Rabal con quien tengo menos presencia directa en escena, pero muy intensa y muy potente. Mi personaje, con quien se relaciona fundamentalmente, es con el que interpreta Ruth Gabriel. Hacía muchos años que tenía ganas de trabajar con ella y he tenido la suerte de hacerlo. Desde el primer momento nos entendimos maravillosamente. En escena. Ruth es una actriz que, además de su personalidad, su formación y su profesionalidad, trabaja siempre con la verdad, se arriesga para ofrecer sus sentimientos y es extraordinariamente generosa. Creo que hoy es una de las mejores actrices que tenemos en España.
¿Qué proyectos tienes entre manos?…
Aparte de “Una vida robada” que durará toda la temporada, y posiblemente continúe la próxima, en cine, en junio, rodaré en La Capadocia, en Turquía, con Paula Ortiz (“De tu ventana a la mía”) una maravillosa versión suya sobre “Bodas de sangre” que con el título “La novia” protagonizará Inma Cuesta. Y en televisión participaré en un par de series que aún no se han comenzado a emitir (“El Príncipe” y “El chiringuito”)
¿Cómo crees que están afectando los recortes y el aumento del I.V.A. a los proyectos de teatro?…
Están causando daños irreparables. La situación no es sostenible. Y se produzca o no el deseado cambio de ministro, lo que tiene que cambiar es la actitud del Gobierno hacia el teatro
¿Qué montaje que hayas visto últimamente, te ha interesado? ¿Por qué?…
De lo que he visto en la última temporada, lo que más me interesó, por su puesta en escena, la “Hécuba” de José Carlos Plaza; y por las interpretaciones de los compañeros, me quedaría con la Carmela, de Inma Cuesta, y con los monólogos de Alberto San Juan (“Autorretrato de un joven capitalista) y de Sergi López (“Non solum”).
Paco Azorín nos habla de sus proyectos como director y escenógrafo.
¿Cómo surge el proyecto de Julio César?…
El proyecto surge hace casi ya diez años, cuando era director del
Festival Shakespeare. Siempre me interesó mucho la simplicidad de esta
obra, razón por la cual, en USA la estudian los alumnos de secundaria:
un asesinato de estado, los adeptos, los detractores y sus razones.
En esa idea de proyecto de hace diez años ya estaba Mario Gas y Sergio
Peris-Mencheta. Ha merecido la pena esperar estos diez años para poder
reunirlos en el escenario, junto con el resto del elenco y equipo
artístico que he tenido la inmensa suerte de tener.
¿Hubo ocasión durante el proceso para que los actores aportasen ideas en la puesta en escena?…
¿Cómo ha sido el trabajo con ellos?…
Por supuesto. Como director soy muy permeable y entiendo el teatro
como un auténtico proceso compartido. Lo que es muy importante es que
el director trace una línea de trabajo, unas ideas previas y, como si
se tratara de un juego, marcar ciertas reglas. Una vez empezado el
juego, es decir, los ensayos, cada jugador (actor) deber tener cierta
autonomía para proponer, para jugar y para sentirse parte activa del
montaje.
El trabajo con todos ellos ha sido fácil y natural. A pesar de tener a
tres directores como actores (Gas, Peris-Mencheta y Ulloa), el proceso
ha sido delicioso, puesto que todo el equipo ha sabido entregarse al
límite de sus posibilidades.
¿Hay algún referente técnico o artístico del que has partido para crear
el montaje?…
He partido de la palabra de Shakespeare y, en todos los momentos
delicados por los que atraviesa un proceso tan complejo como la
creación de un espectáculo, cuando se han producido, he sugerido
volver a confiar en la fuerza sísmica de la palabra en Shakespeare.
¿Por qué haces teatro?…
Porque el teatro, la ficción teatral, es mucho más interesante que la
vida. Porque no podría vivir si no existiera esta otra dimensión, ese
lugar llamado escenario en donde pueden pasar cosas prodigiosas con
solo emitir un sonido o lanzar una mirada.
¿Qué balances haces de tus últimos trabajos para la escena?…
No debo hacer ese balance yo sino el público, que, a fin de cuentas,
son los destinatarios de nuestro trabajo y su razón última. En todo
caso vivo cada uno de mis proyectos con auténtica pasión, entendiendo
que no son más que un paso dentro de un largo camino que nos lleva
hacia no sé bien dónde.
¿Qué función crees que ha de tener hoy el teatro para la sociedad en la
que vivimos?…
El mismo que ha tenido en los últimos veinte siglos. Espejo donde
mirarse, con todos nuestros efectos y defectos y, sobre todo,
provocador de ideas y removedor de conciencias.
¿Cómo crees que está afectando la subida del I.V.A. y los recortes al
teatro en España?…
Ha sido una medida lamentable que nunca se debió producir. A ningún
sector económico de un país se le puede subir los impuestos un 13% de
golpe. Y menos a la cultura, puesto que la cultura es una inversión,
no un gasto. Un país culto es un país más libre.
¿Qué obra de teatro has visto últimamente?¿Qué te pareció?…
Fue una ópera, TRISTAN UND ISOLDE con dirección de Peter Sellars y
proyecciones de Bil Viola. Me pareció muy interesante y muy
arriesgado, en el sentido más positivo del adjetivo, entendiendo que
el riesgo es imprescindible para el hecho artístico.
¿Proyectos?…
Como director: TOSCA, en el Liceu (marzo ’14), LA VOIX HUMAINE, en el
Teatro del Canal (abril ’14)
Cmo escenógrafo: EL CABALLERO DE OLMEDO, con la CNTC (febrero’14), LAS
DOS BANDOLERAS, con la CNTC (mayo’14).
Bimba Bosé nos habla de sus experiencias escénicas
¿Cómo fueron tus inicios en la escena?…¿Qué otras facetas has realizado además de modelo?…
Como modelo hice varias colaboraciones de niña, en los desfiles de amigos de mi madre como Francis Montesinos. Más adelante también hice cosas con amigos estilistas en revistas incipientes como Neo2 , AB, etc. Además de modelo, he hecho de todo, desde pelar melocotones para conservas, recoger aceitunas y limpiar escombros hasta camarera en bodas o gogó en discotecas… ;D
¿Qué es el teatro para ti?…¿Por qué te lanzas a esta nueva experiencia?…
Me siento como un pulpo en un garaje, Antipasti es un formato que nos permite estar en un teatro, pero al fin y al cabo es un concierto dramatizado. La gente debe tener claro que lo que va a ver es algo principalmente musical, con texto claro, pero yo no soy actriz sino intérprete y en Antipasti es lo que hago, representar un repertorio desde nuestro particular punto de vista. La oportunidad de poder presentar un formato así en un teatro es un lujo y tengo muchas ganas de ver cómo se desarrolla esta experiencia.
¿Qué balance harías sobre tu trayectoria?…
No me he parado a pensar en que balance hacer sobre mi trayectoria, soy más de mirar hacia adelante o el momento presente, pero desde luego he hecho de todo y es lo único que he sabido hacer hasta ahora. Tampoco creo que me haya ido tan mal y estoy contenta de haber podido encontrarme con personajes distinguidos, momentos creativos, circunstancias únicas y equipos extraordinarios con los que he aprendido y adquirido experiencia en el camino y que me han construido como persona.
¿En qué proyectos has participado durante el último año?…Háblanos de ellos…
El año 2013 me trajo muchas novedades entre otras podría destacar mi colaboración con The Warriors DJS con los que hicimos un par de singles que han estado sonando todo el año en las pistas de baile. Por supuesto la más importante ha sido el lanzamiento de nuestra marca de ropa Sinchronic en la que podemos mostrar desde nuestra creatividad nuestra singular forma de ver el estilo y la moda.
¿Qué proyectos tienes entre manos?…
De momento Antipasti y su desarrollo. Tengo otras fantasías pero aun son sueños por realizar.
¿Cómo surgió “Antipasti”?… Háblanos de esta experiencia…
Antipasti nace de querer unir comida y música, es una idea original de Diego Postigo y mía en la que queremos dar de comer en el transcurso de un concierto. Al conocer a Julia pensamos que era un perfecto elemento para involucrar y a partir de allí se empezó a gestar el proyecto. Aunque ahora es más una síntesis de lo que inicialmente fue y tras varios intentos de poner el proyecto en pie, por fin hoy Antipasti sube al escenario en un formato renovado y que encaja perfectamente en teatro con la oportunidad de ser programado en franja horaria de hora golfa. En definitiva es un concierto dramatizado. La experiencia ha sido abrupta y toda una novedad para mí, pero al fin se ha podido efectuar.
¿Cómo crees que están afectando los recortes y el aumento del I.V.A. a los proyectos culturales?…
Fatal. Es desesperante y una vergüenza. No tengo más que decir.
¿Qué montaje escénico que hayas visto últimamente, te ha interesado?¿Por qué?…
«Escenas para una conversación después del visionado de una película de Michael Haneke» de El Conde de Torrefiel, me pareció un descubrimiento, parecía tan sencillo y lleno de sentido de humor.
¿Alguna sugerencia para seguir creando en tiempos de crisis?…
Seguir creando; exactamente eso, poner creatividad y amor a lo que uno hace, porque nadie lo va a hacer por ti pero por otra parte dejar de hacer cosas por amor al arte, me encuentro en esa paradoja…
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¿Qué es el teatro para ti?…
VIDA, así, con mayúsculas. Es mi manera de entender la vida y compartirla, de tocar un poco la vida de los demás, de vivir múltiples vidas que de otra manera no sería posible y en definitiva, que también es importante, es mi forma de ganarme la vida.
¿Por qué haces teatro?…
Si te soy sincero porque desde que lo probé no quiero hacer otra cosa y además creo que no sabría hacer otra cosa o por lo menos no me apetece intentar otra cosa. Todo lo que gire en torno al mundo de la interpretación en todas sus vertientes y medios es lo que deseo que me sumerja en su torbellino. Que eso es también esto, un torbellino fascinante del que , afortunadamente, llevo viviendo ya 21 años.
¿Qué balance haces de tu trayectoria como actor?…
Que no va mal la cosa, pero me queda tanto…
Háblanos de tus últimos trabajos…
Mi anterior trabajo fue una pequeña y deliciosa joya musical llamada “Forever Young”. Allí nos interpretábamos a nosotros mismos, ya de viejecitos, en una residencia para artistas retirados. El espectáculo lo produjo y dirigió Tricicle y estuvimos dos años con él. La respuesta del público fue brutal.
Antes había interpretado a una especie de don Juan trasnochado y venido a menos en la maravillosa “Angelina, o el honor de un brigadier” de don Enrique Jardiel Poncela.
También he tenido la inmensa suerte de interpretar al Tenorio en Alcalá de Henares en dos veladas inolvidables ante 25000 personas cada día.
Y tantas cosas…
¿Por qué no has hecho más cine o televisión?…
Jajajajajaja. Pregunta que me hacen familiares y amigos. “¿Es que no quieres hacer cine y televisión?” Y yo siempre respondo: “Es el cine y la televisión los que no quieren…” Ahora en serio, no lo sé. Son dos medios que me encantan, pero por lo que sea me llaman más para teatro. Es cierto que alguna vez andaba con teatro y ha sido difícil compaginarlo. Desde aquí hago un llamamiento: si tienen a bien, me encantaría hacer más cine y televisión. Ahí lo dejo.
¿Cómo surge el proyecto de El buscón?…
Daniel Pérez, director del Teatro Principal de Zamora, dramaturgo y versionador, adaptó este Buscón para monólogo pensando en mi. Cuando alguien te hace un regalo así… te lanzas de inmediato sin preguntar. Las respuestas ya se encuentran en el camino y, de momento, todas son, pues eso, un regalo.
Háblanos de tu personaje…
Para mi, más que la esencia del pícaro español, que también, es la historia de un superviviente. Un hombre que ha de enfrentarse a lo que el destino le ha deparado con las únicas armas a su alcance, es decir, su ingenio para salir adelante en cualquier situación, su humor afrontando el día a día, a veces cruel, su picaresca inofensiva, sólo se vuelve destructiva contra él mismo cuando las cosas le salen mal, su humanidad y su bondad. ¿Es un pecado querer prosperar? Creo que no, siempre y cuando se haga con honestidad y creo que este pícaro es siempre honesto. Es un ser, en el mejor sentido de la palabra, bueno. Pero no lo dejan. Lo pisotean, lo hunden en el fango y él siempre intenta salir a flote de nuevo. Seguro que todo esto, lamentablemente, nos suena de algo.
¿Cómo ha sido el proceso creativo?…
Primero comencé por releerme la novela de Quevedo, o si te soy sincero de leerla por primera vez, porque aquello que hice en la escuela, obligado, creo que no sirvió de mucho, o por lo menos yo no lo recuerdo. Me fascinó. Rescatamos algún episodio que no estaba en la versión de Daniel, eliminamos otro, quizá demasiado literario, que no hacía avanzar la historia de cara a una puesta en escena… Estudio y a ensayar. Un espacio vacío, un director, un actor y la PALABRA. No se necesitaba más. Con el tiempo introdujimos el laud renacentista y la guitarra barroca que me acompaña en escena maravillosamente interpretada por Dulcinea Juárez, actriz, músico y cantante. Y se creó la magia.
¿Hay algún referente técnico o artístico del que has partido para crear el personaje?…
No especialmente. Más bien partí del hecho concreto con que se inicia esta aventura. Un ser magullado, con la voz dolorida que lleva ocho días pidiendo a la puerta de una iglesia y que para que caigan los dineros rodando va a relatar su historia. Lo demás está en Quevedo y en la libertad que te deja para imaginar e interpretar su mundo.
¿Cómo preparas los personajes?…¿Cuál es tu método?…
Si te soy sincero no tengo un método concreto. Estudié el Método en la Escuela de Arte Dramático de Madrid. Mi maestro, Juan Pastor, siempre nos decía: “esto es la base, después tendréis que crear el vuestro propio”. Y así fue. Cada personaje, con ese método de base y mucha intuición, me lleva a prepararlo, cómo te diría, como él lo pide. Me dejo llevar. Investigo, si hay que investigar y luego sobre el propio texto voy jugando, inventando, siempre de acuerdo con lo que previamente haya pactado con el director o directora.
¿Qué función crees que ha de tener hoy el teatro para la sociedad en la que vivimos?…
Hoy, más que nunca, de denuncia, de apoyo al que lucha por sus derechos, de reclamo de una situación, sino ya mejor, mínimamente decente para el ser humano que la transita, la sufre, la vive. Perdón, mínimamente no, máximamente. ¿O quizás eso es demasiado pedir?
¿Cómo crees que está afectando la subida del I.V.A. y los recortes al teatro?…
Pues nos está hundiendo, o ¿es que no se ve? Con esta subida cada vez se ven más salas vacías y que tienen que cerrar. Pero hay otra realidad. Lógicamente, con o sin subida, si la gente no tiene trabajo ni perspectivas de tenerlo, si la gente no puede pagar su hipoteca o su alquiler y tiene que tirar de la familia o amigos que a veces están tan ahogados como ellos, si no puede comer, ¿cómo van a ir al teatro o al cine? Dan una vuelta, ven escaparates y sueñan con que algún día todo esto cambie. Mientras los que están en la Poltrona, bien instalados, se ríen de nosotros. Lo que me extraña es que la situación no estalle de alguna manera. Demasiado poco está ocurriendo. Y francamente, como vi hace en poco en Facebook, menos alarmarse por ver un contenedor quemado y más por ver gente rebuscando en ellos algo que llevarse a la boca.
¿Alguna sugerencia para seguir creando en tiempos de crisis?…
No rendirse. No nos queda otra.
¿Qué obra de teatro has visto últimamente?¿Qué te pareció?…
“El cojo de Inishmaan”. Un fascinante trabajo de todo el reparto. Dulce y amarga, divertida, tierna, doliente. Se desarrolla en la misma Irlanda de los años 30 que curiosamente estoy leyendo en “Las cenizas de Ángela”. No sabes la cantidad de “Buscones” que salen en sus páginas y en la función. No hemos mejorado mucho.
¿Proyectos?…
Alterno este “Buscón” con “Ay, Carmela”, la espléndida función de Sanchís Sinesterra que tengo el placer de interpretar con Elisa Matilla, una actriz de altura.
También estoy participando en la tercera temporada de la serie de TVE “ISABEL”, ¡coño, mira, tele! y en Abril comienzo a ensayar un Marivaux.
Álvaro del Amo nos habla de sus experiencias en el teatro…
Hablános de tu experiencia en el teatro…
Siempre me ha interesado el teatro, quizá con mayor fuerza que
otras actividades (novela, cine, crítica), a las que también me he
dedicado. Si ha habido una «trayectoria», su dibujo ha sido
zigzagueante e intermitente en su variedad. Dirigí una colección de
teatro en la editorial «Cuadernos para el diálogo», he traducido a
Harold Pinter, Eugene O´Neill, Tom Stoppard, entre otros; he dirigido a
Samuel Beckett y obras mías, estrenado «Geografía», «Motor», «La
emoción», y «Lenguas de gato». También una versión de La Orestiada de
Esquilo. Soy crítico de ópera del diario «El Mundo».
¿Cómo surje el proyecto de Amantes?…
El proyecto de «Amantes» surgió a propuesta del director de la
película Vicente Aranda; se trataba no tanto de hacer una versión
cinematográfica del guión, sino de escribir una obra teatral; la misma
historia en otro medio.
¿Es importante tener colaboradores habituales?…
Para tener colaboradores habituales es preceptivo que exista
continuidad, pero siempre se percibe una cierta línea de fondo, donde
las personas próximas se mantienen de un modo u otro, además de
colaboradores más jóvenes que surgen con nuevo ímpetu.
¿Qué proyectos tienes en preparación?…
Mi proyecto teatral más inmediato consiste en una «dramaturgia»
sobre zarzuelas de alrededor de 1850 («Catalina», «El diablo en el
poder», «El dominó azul»), que se estrenarán, en versión concierto, en
el Teatro de la Zarzuela en el mes de junio de este año.
¿Hay algún proyecto que te gustaría llevar a cabo?…
Me gustaría ver representada mi obra reciente «Los tres», y también
«Correspondencia», ya con más de tres décadas encima.
¿Cómo crees que está afectando la subida del I.V.A. y los recortes al teatro?…
Los recortes e impuestos feroces parecen diseñados para acabar con
la vida del teatro, que ha reaccionado con tanto vigor que, en cuanto
variedad, creatividad y dinamismo, está mejor que nunca.
¿Qué obra te ha interesado últimamente?…
Ha sido un auténtico placer ver a mi amigo el gran Emilio Gutiérrez
Caba el pasado verado en la obra «Poder absoluto», escrita y dirigida
por Roger Peña Carulla.
¿Qué obra tienes en mente escribir?…
Tras el estreno de «Amantes», quiero escribir una obra sobre la
relación íntima entre dos hermanos.
María Pastor nos habla de cómo concibe el teatro
¿Qué es el teatro para ti?…
Te contesto con una frase de mi personaje: «No es mi trabajo, no es una forma de vida, es donde yo vivo».
¿Por qué haces teatro?…
Porque lo necesito y porque es la mejor forma que he encontrado de aportar algo a los demás. Creo firmemente que el teatro puede transformar, inspirar y dar paz al que lo hace y al que lo mira.
¿Qué balance haces de tu trayectoria como actriz?…
El balance de mi trayectoria como actriz es que estoy exactamente donde quiero estar.
¿Por qué no has hecho más cine o televisión?…
No he hecho más cine ni TV porque no ha surgido ocasión.
¿Cómo surge el proyecto de Duet for One? Háblanos de tu personaje…
El proyecto me lo propone mi padre en un momento perfecto social y personalmente, lo leo, me enamora y lucho para que mi propio padre interprete al doctor. Para mí no tendría sentido con otro actor. Mi personaje está inspirado en Jacqueline du Pré, una de las más grandes chelistas de la historia, que se ve obligada a dejar de tocar (o más bien a seguir con el propósito de su vida) por la esclerosis múltiple.
¿Cómo ha sido el trabajo con el director-actor?…
El trabajo con mi padre es para mí algo natural y fascinante al mismo tiempo. Nadie me conoce mejor que él y yo sé lo que quiere montar antes de que lo monte. No dejo de aprender de él; creo que nunca dejaré de trabajar con él. Me apasiona. En el sentido de actor/director esta vez ha sido más duro porque el trabajo ha sido el doble: repetíamos cada escena cinco veces, con él y con el ayudante de dirección… Sobre todo fue mentalmente agotador.
¿Hay algún referente técnico o artístico del que has partido para crear tu personaje?…
Mi referente técnico es el lenguaje que hemos ido confeccionando durante estos 10 años en Guindalera. Son años insistiendo y profundizando en una técnica hasta que se supera y se vuelve lenguaje.
¿Qué balances haces de tus últimos trabajos como actriz en teatro?…
Mis últimos trabajos como actriz han sido un desafío cada vez mayor y un placer maravilloso.
¿Cómo preparas los personajes? ¿Cuál es tu método?…
Preparo mis personajes a fuego lento, escuchando mucho al director y, sobre todo, escuchando mucho a mi instinto. Mi técnica es «Johnny Pastor’s Method».
¿Qué función crees que ha de tener hoy el teatro para la sociedad en la que vivimos?…
Para mí es lo que una vez escuché decir a mi padre: que el teatro ha sustituido a los templos o a las iglesias… Es donde uno va a encontrarse a sí mismo.
¿Qué opinión tienes sobre la subida del IVA y los recortes al teatro?…
Es inconcebible que las revistas porno tengan el 4% de IVA y el teatro el 21%. Es absurdo e indignante. Me hace sentir vergüenza del país en el que vivo.
¿Alguna sugerencia para seguir creando en tiempos de crisis?…
Mi única sugerencia para crear en tiempos de crisis es «resistir manteniendo la fe», como dice Nina en La Gaviota.
¿Qué obra de teatro has visto últimamente? ¿Qué te pareció?…
Lo que he visto últimamente es que hay mucho aprendiz de todo y maestro de nada; que hay mucha dispersión creativa y que nos hemos vuelto muy benevolentes con lo mediocre y muy críticos con lo bueno. Pero para apreciar un buen vino no sólo hace falta tener paladar, también hay que educarlo.
¿Proyectos?…
Un fascinante monólogo de Emily Dickens, de la mano de mi maestro en mi casa (Guindalera).
Que Revienten los Artistas 
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