Jose Luis Patiño nos habla sobre su fructífera trayectoria en el teatro
¿Qué es el teatro para ti?…¿Por qué haces teatro?…
Me es difícil resumir lo que es el teatro para mi. Un juego exigente y divertido, una forma artística de comunicación, un lugar de encuentro con los otros y con uno mismo, un acto simultáneo de vanidad y generosidad…
Empecé en el grupo de teatro del instituto, después en el de la facultad y cuando llevaba dos años en la universidad me presenté a las pruebas de ingreso para la RESAD. Me cogieron y estando en el primer curso empecé a trabajar en la Compañía Nacional de Teatro Clásico, primero como figurante y enseguida haciendo pequeños papeles… Hago teatro porque la vida me ha llevado por este camino y porque siempre he sentido que éste era mi camino.
¿Qué balance haces de tu trayectoria como actor?…Háblanos de tus últimos trabajos…
El balance que puedo hacer de mi trayectoria es muy positiva: He tenido la fortuna de haber estado en espectáculos estupendos y haber hecho personajes muy interesantes y muy variados. Gracias a este oficio he podido conocer gentes y sitios inolvidables, a mis amigos, (casi todos) a mi mujer… Llevo más de 25 años haciendo teatro, viviendo con pasión esta profesión y siento que mi condición de actor es mi gran tesoro (algunas veces también mi maldición).
En los últimos meses antes de «EL Triángulo Azul» he estado interpretando a Tomás Moro en «Tomás Moro, una utopía», bajo la dirección de Tamsin Towsand. Una función muy curiosa escrita por varios autores isabelinos,( Shakespeare entre otros).Se estrenó en el último Festival de Almagro y hemos girado con ella hasta el mes de abril, con temporadas en Madrid (teatro Fernando Fernan Gomez) y Barcelona (Teatro Barts). Ha sido un trabajo muy intenso y muy agradable, con un equipo fantástico.
¿Cómo surge tu participación en el proyecto de El Triángulo azul?…Háblanos de tu personaje…
«El Triángulo Azul» es un proyecto muy personal de Mariano Llorente y Laila Ripoll que el CDN ha acogido como producción propia. Laila y Mariano son unos de mis mejores amigos, con los que, junto a Juanjo Artero, fundamos en 1991 la compañía Producciones Micomicón. Desde entonces hemos compartido muchas cosas. Mi participación en este espectáculo, como la de varios actores más, habituales en los espectáculos de Micomicón,(Manuel Agredano, Marcos León) viene de esa trayectoria de grupo.
Mi personaje en la obra es Toni (Antonio García en la realidad), uno de los miles de republicanos españoles que después de haber tenido que huir de España tras la guerra civil, acabaron en el campo de concentración de Mathausen.
Toni y Paco (Francisco Boix en la realidad) fueron asignados al laboratorio fotográfico del campo y consiguieron salvar miles de fotografías,(que los nazis intentaron destruir al final de la guerra), en los que quedaba exhaustivamente documentado todo el horror al que fueron sometidos aquellos seres humanos.
Aparte de este personaje también participo en los números musicales del espectáculo.
¿Cómo ha sido el proceso creativo?…
«EL Triángulo Azul» es un espectáculo complejo y muy exigente. El proceso ha sido muy intenso con la sensación en algunos momentos de que no había tiempo suficiente. Entre la mayoría de las personas del equipo ya había de entrada una gran complicidad por haber trabajado juntas muchas veces, y «las nuevas incorporaciones» gente maja,como Paco Obregón, enseguida fueron como compañeros de toda la vida y, especialmente los más jóvenes (Elisabet Altube y Jorge Varandela) nos han puesto las pilas a los más talluditos. Laila Ripoll es una directora que quiere a los actores, confía en ellos y que, teniendo muy claro el espectáculo, escucha.
¿Hay algún referente técnico o artístico del que has partido para crear el personaje?…
En este caso los referentes son básicamente históricos. Nos hemos documentado sobre la peripecia que pasaron estos hombres, leyendo, viendo imágenes reales y también alguna película que aunque no tratara directamente el tema, nos alumbrara sobre la vida en los campos.
¿Cómo preparas los personajes?…¿Cuál es tu método?…
En general, mi manera de prepararme los personajes parte de la lectura del texto. Esto puede parecer una perogrullada pero creo que a veces no se le otorga la importancia que tiene. Una lectura atenta del texto puede darte las claves fundamentales para crear el personaje. Lo siguiente es descubrir cómo anda, escuchar y por último ponerte la ropa.
¿Qué función crees que ha de tener hoy el teatro para la sociedad en la que vivimos?…
Creo que el teatro tiene una función maravillosa de entretenimiento, ese mecanismo por el cual el espectador te concede el permiso para llevártelo a «otro lado» con la única condición de que no le aburras, en sí mismo es fascinante y nos conecta con algo muy básico, muy primitivo que todavía llevamos dentro. Pero es que además desde ahí podemos encontrarnos y hacer reflexionar sobre aspectos profundos del ser humano con una intensidad,creo,mayor que en ninguna otra manifestación artística.
¿Cómo crees que está afectando la subida del I.V.A. y los recortes al teatro?…
Es evidente que entre la subida del IVA y los recortes en los presupuestos dedicados al teatro, tanto para la producción como las partidas destinadas a la contratación por parte de los teatros de titularidad pública, han dejado al sector sumido en una auténtica depresión de la que no sé como y cuando saldremos.
¿Cómo ves el teatro en estos momentos en Madrid?…
Creo que esta ciudad, a pesar de la crisis y de unos políticos municipales que no nos merecemos, tiene una vitalidad y una creatividad potentísima y creo que en los últimos años mucha gente joven encuentra en el teatro su forma de expresión. Teatralmente esto es lo más interesante de Madrid ahora mismo.
¿Alguna sugerencia para seguir creando en tiempos de crisis?…
No rendirse.
¿Qué obra de teatro has visto últimamente?¿Qué te pareció?…
Dionisio Ridruejo, una pasión española. interesante, buena dirección, buenos actores, factura impecable.
¿Proyectos?…
Tengo la sensación de que «El triángulo Azul» nos va a dar sorpresas agradables, tenemos funciones de «Tomás Moro» para el otoño y también hemos remontado un espectáculo histórico de Micomicón: «Atra Bilis». También hay algún proyecto con UNIR (la productora de «Tomás Moro»).
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¿Cómo fueron tus inicios en el teatro?…¿Realizaste otras facetas además de la dirección?…
Hice mucho teatro como actriz, de niña, en compañías de teatro aficionado; y de adolescente en el instituto. En mi familia, casi todos profesores, nadie se había dedicado nunca al espectáculo, pero ese encuentro casual que tuve de pequeña con el escenario me cambió la perspectiva de la vida: Existía un espacio donde todo estaba permitido y donde se podía ir más allá de las absurdas y aburridas convenciones sociales…. y encima te aplaudían… A los 15 años empecé a formarme profesionalmente. Di clase con mucha gente, hice muchos cursos, pero mi maestra fue Cristina Rota, con la que estudié cuatro años y a la que le debo también mi formación en tai-chi, danza, acrobacia, voz… (allí te conocí a ti, en clase de contact-dance, con Bellusci ¿te acuerdas?)…Trabajaba en su escuela y a cambio podía asistir a todas las clases y a todas las asignaturas de todos los profesores. Siempre se lo agradeceré, porque, como sabes, las clases son caras y en ese momento (y supongo que en este) yo no habría podido acceder a tener una formación tan completa si hubiera tenido que pagarla. Empecé a escribir y dirigir muy joven, a los 23 años, cuando terminé la escuela y, poco después, me puse a estudiar dramaturgia en Roma y dirección, más tarde, en la RESAD de Madrid. Creo que en el teatro he hecho de todo: actriz, ayudante de dirección, producción, espacio sonoro, dramaturgia, coordinaciones, dirección… y muchas de estas actividades las sigo alternando.
¿Tu trabajo en el teatro lo has compatibilizado con otros cometidos?…Háblanos de ello…
Estudiaba interpretación y, a la vez, Periodismo y Filología en la Complutense y, como tantos de mi generación, he sobrevivido a base de trabajos basura: he sido encuestadora, camarera, payaso, go-gó, animadora, profesora particular… Periodismo y Filología se fueron quedando por el camino a medida que conseguía trabajos remunerados en el ámbito teatral. A partir de los 26 o 27 años más o menos comienzo a vivir exclusivamente del teatro, ya sea como actriz, como directora, como profesora, como ayudante… No descubro nada nuevo si digo que esta es una profesión inestable y que no siempre se corresponde un “éxito” en un escenario con lo que verdaderamente te da de comer… Paralelamente a la dirección escénica y la dramaturgia he desarrollado la docencia, que es una actividad que no creo que abandone nunca, la producción (necesaria para poner en marcha proyectos por los que otros no van a apostar) y la… no me gusta la palabra, pero no encuentro otra, “gestión”… En este sentido, mi último trabajo ha sido como Coordinadora Artística del CDN, una experiencia muy interesante y enriquecedora que no prolongué más porque despertaba suspicacias el hecho de que además fuese directora y estuviese en activo. Decidí marcharme y apostar por mi trabajo artístico, al que, por otro lado, nunca dije que fuera a renunciar.
¿Qué balance harías sobre tu trayectoria?…
Me siento una privilegiada por trabajar en esto y por haberlo hecho desde una sana, y a veces castigada, independencia. He ido de aquí para allá; he colaborado con un montón de gente, he dirigido en compañías distintas, en el ámbito institucional, alternativo y en la privada, he participado en proyectos estupendos y en otros estrafalarios… Y me he mantenido al margen de los grupos muy cerrados, de los gurús, de los clubs de amigos o de los clanes… Esto me ha dado perspectiva y libertad de acción, por un lado, y por otro ha despertado antipatías… Qué le vamos a hacer… En estos 20 años he aprendido a sobrevivir a las críticas y a la indiferencia de un sector muy cerrado y extrañamente conservador. También he aprendido que muchos de los males que aquejan a la profesión se los ocasiona ella misma y que hasta que no haya una necesidad de cambio y autocrítica seria… esto es lo que hay y lo que va a seguir habiendo.
¿Cómo surgen las ideas y los proyectos en los que te embarcas?¿Qué te anima a participar en ellos?…
Sean propios o ajenos necesito que algo me enganche con la realidad social, política, estética, emocional o sensorial que estemos viviendo. Trato de ser honesta conmigo y si un proyecto no lo veo claro, no lo hago. Esto no garantiza quizá conectar con una mayoría, pero sí me conecta conmigo y tal vez con otros que, como yo, no comparten las corrientes estético-ideológicas alabadas normalmente por los medios.
¿Ha sido importante tener unos colaboradores habituales en los equipos artísticos y técnicos?…
Es fundamental contar con equipos cómplices. La creación exige riesgo, libertad y permiso para poder equivocarse y eso no se puede hacer en un entorno hostil, que te juzga, o al que “tienes que demostrar” algo. La afinidad estética también es necesaria, porque muchas veces la falta de comunicación se debe a que estás en las Antípodas del otro… Yo he crecido mucho, por ejemplo, teniendo cerca a Raymond, que es un maestro del espacio y de la profesión y tiene un gusto exquisito… Seguramente no trabajaría de la misma manera si no hubiera contado con su colaboración tantas veces.
¿Cómo surge tu participación en Sobre algunas especies en vías de extinción?…
Ernesto Caballero me propuso que realizara esta dirección y dije que sí, sin dudarlo. Había leído todo el teatro de Morales y esta pieza en concreto me interesaba mucho: es rara, inquietante… es una obra de final de vida y se nota. Y dirigir en el Centro Dramático… qué quieres que te diga… es una oportunidad que no ocurre todos los días, si ocurre alguno… Le agradezco mucho a Ernesto este voto de confianza.
¿Cuál ha sido tu planteamiento de puesta en escena?…
En el proceso previo a los ensayos y a la selección del equipo, recordaba una y otra vez una frase del texto: “…el fallecimiento de todos y de todas los que componen, componemos, el coro lamentable de la sufrida humanidad”. En estas líneas descubrí que tenía que crear un coro y que tenía que hablar, con ironía, de “la sufrida humanidad”. Decidí desde el principio incorporar música en directo (el autor define la obra como una “cantiga”) y proyecciones, porque el texto habla, entre otras cosas, de un mundo que es la imagen de sí mismo. Morales es un autor difícil de clasificar, pero no hay duda de que es irreverente, subversivo y tiene mucho sentido del humor… qué mejor manera que construir la puesta en escena como si se tratara de un “Cabaret Metafísico”. He tratado de ser fiel a los postulados ideológicos y artísticos del autor a través de una estética contemporánea.
¿Cómo ha sido el trabajo con los actores y el resto del equipo artístico?…
Intenso, exigente, estimulante… El proyecto se enmarcaba dentro del Laboratorio Rivas Cherif lo que nos posibilitaba y exigía asumir riesgos artísticos y desafíos escénicos. Los planteamientos estéticos se fundamentaron en la creación de un universo apocalíptico, post-punk, con referentes en Blade Runner o Mad Max. Y con los actores hemos viajado desde el expresionismo alemán hasta el tratamiento de la palabra tomando referentes no habituales como Albert Pla, los Polipoètics, Sid Viciux, o El Noi del Sucre, entre otros: queríamos trabajar una palabra con intención, elaborada y nada casual o ingenua. Ha sido un trabajo apasionante, arriesgado y siempre en el filo. Al tratarse de una producción del Laboratorio no he contado con muchos de mis colaboradores habituales. El proceso de selección de los actores se hizo a través de audiciones (intensas) y el equipo artístico procede también de los creadores del Laboratorio. Ha sido una experiencia fantástica porque hemos hecho un trabajo de compañía pero con las condiciones de un Centro Dramático Nacional y eso, que no debería ser tan raro, es algo inusual todavía en este país. Estoy muy contenta, pero mucho: hemos vivido un encuentro artístico y humano que, probablemente, no quedará reducido sólo a este espectáculo.
¿En qué proyectos has participado durante el último año?…
Dirigí una lectura dramatizada para el Instituto Goethe, “El niño que vuela”, de Roland Schimmelpfennig, un autor interesantísimo que me gustaría ver en los escenarios madrileños; hice la coordinación y asesoría de “Haz clic aquí” el “Escritos en la Escena” de José Padilla para el CDN; he estado escribiendo y poniendo en marcha una compañía de teatro, “La Radical”, con la que voy a estrenar, entre otras cosas, “Las neurosis sexuales de nuestros padres”, de Lukas Bärfuss y “El mal de la piedra”, de Blanca Doménech. También he impulsado, con otros compañeros, La Liga de las Artes, un colectivo de profesionales, empeñados en recuperar el uso y buen uso de los espacios públicos.
¿Cómo crees que están afectando los recortes y el aumento del I.V.A. a los proyectos de teatro?…
Que nadie se lleve a engaño: los recortes están afectando fundamentalmente a los creadores y a las empresas pequeñas e independientes. La gran mole administrativa, que más que administrar parece pensada para ahogar y sofocar la creación, continúa casi intacta. De “la cultura” viven, y siguen viviendo, políticos, cargos, altos cargos, programadores, funcionarios, vividores, periodistas, empresarios de la construcción o de la hostelería…. La mayoría de los creadores y profesionales del sector, no: viven, vivimos, muy mal.
Los recortes han hecho visibles las carencias estructurales del tejido teatral español. Antes había más dinero y se disimulaba o se callaban más bocas, pero las cosas nunca han estado bien. En España sigue vigente un modelo cultural franquista: clientelismo, amiguismo, sectarismo… y detrás de las mínimas estructuras creadas en la transición subyace un pensamiento arcaico que desprecia al creador (si no es famoso) y lo considera un muerto de hambre que vive del cuento, al que hay que dar algo de dinero como el que da una limosna. Así, la relación entre profesionales y administraciones será siempre difícil.
¿Qué montaje que hayas visto últimamente, te ha interesado?¿Por qué?…
Todos los del ciclo “Una Mirada al Mundo”, en especial “Julia” de la brasileña Christiane Jatahy: atrevido, comprometido, formalmente deslumbrante. Me lo pasé muy bien también con “Manifestaciò” de Albert Pla y con lo último que he visto, “La corrupción al alcance de todos”, donde Víctor Velasco ha hecho una apuesta formal arriesgada y muy bien resuelta.
¿Alguna sugerencia para seguir creando y haciendo teatro en tiempos de crisis?…
Artísticamente hay que seguir haciendo buenos espectáculos, el problema es cómo. Desde mi punto de vista necesitamos espacios grandes que nos permitan establecer otra relación con el público y que posibiliten el poder vivir realmente de la taquilla. Estos espacios existen, son públicos y están cerrados o en desuso. Mi opción es la de ocuparlos, programarlos y defenderlos como espacios de bien común. Creo que debemos recordar que a nosotros no nos pagan ni la administración ni los programadores. Nuestros salarios provienen del dinero de los ciudadanos, ya sea a través de las entradas que compran o de sus impuestos, y es con ellos con los que tenemos que ser responsables. Hemos convertido a los intermediarios en los reyes de la fiesta y a los profesionales, en los camareros. Y deberíamos darle la vuelta a esta situación no aceptando la infinidad de condiciones, incompatibles con el teatro, que impone muchas veces la administración.
Si esta postura parece demasiado radical siempre se puede seguir haciendo lo que hemos hecho hasta ahora… invierte tu dinero, trabaja en salas reducidas, no cobres o arruínate, llora o seduce al programador, aguanta y calla y, si algún día te va bien, “pilla lo que puedas y que te quiten lo bailao”.
Una tercera opción es irse del país. Muchos lo están haciendo y, lamentablemente, creo que algunos son de los mejores que tenemos.
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¿Qué es el teatro para ti?… ¿Por qué haces teatro?…
El teatro me ha dado fundamentalmente la posibilidad de encontrar y definir unos principios, una manera de ver el mundo, de confrontar y analizar lo que ocurre. Antes podía posicionarme o no frente a determinados sucesos pero no podía hablar con derecho de casi nada. Eso me lo ha dado el teatro y no es poco. La posibilidad de encontrarme y encontrar a otros, de contactar, reflexionar y descubrir. Sobre todo eso, he descubierto tantas cosas y a tantas personas gracias al teatro que mirando hacia atrás no entendería el mundo del mismo modo. Hago teatro por la capacidad que tiene de redefinición constante. En cada proceso el teatro nos abre puertas para re-pensarnos una y otra vez, para ponernos contra el paredón de nuestras contradicciones, del fracaso, del abismo, de los discursos que enarbolamos como banderas y que no quedan en ningún lugar; es la posibilidad real de mirarnos de otra manera y de mirar el mundo de otro modo, y esto es, para mí, adictivo.
¿Qué balance haces de tu trayectoria teatral?… Háblanos de tus últimos trabajos…
Comencé en el mundo del cine y del Periodismo en Sevilla, estudié realización audiovisual, producción, guión, etc…, y cuando cumplí veinte años una amiga me invitó a ver «Santa Juana de los Mataderos» de Brecht dirigido por Álex Rigola. Y aluciné… Sobre todo porque descubrí que «eso se podía hacer en el teatro», sentí esa conexión brutal con el público, la lectura contemporánea sobre un texto no ilustrándolo sino agregando otro mundo, el compromiso físico, emocional e intelectual de los actores en directo, el humor, la mezcla de lo divertido y lo didáctico (Brecht en estado puro) y ahí entendí que se podía disfrutar al mismo tiempo que se cuestionaba al sistema. En fin, me enamoré del teatro cuando descubrí que no era tan aburrido ni banal como nos querían vender, que había directores jóvenes haciendo nuevas propuestas y que dirigir escénicamente era transportar al espectador a un mundo maravilloso y en directo. Me aboné al Teatro Central de Sevilla (uno de los mejores del mundo, por cierto, donde estrena media Europa) y desde entonces no he dejado de formarme y aprender de cuantos que podido. Gracias al apoyo de mis padres, compañeros y amigos he podido dirigir siete montajes en estos diez años y con cada uno de ellos el cuestionamiento y la incertidumbre han sido los pilares donde sujetarme: lo importante es lo que queremos generar en el espectador y lo que éste nos quiera devolver. El último montaje que he dirigido como proyecto final de estudios en la RESAD ha sido «La evitable ascensión de Arturo Ui» de Brecht y para mí ha sido como cerrar un ciclo que comenzó con «Santa Juana» hace diez años. En este espectáculo, como ocurre en “La cena del rey Baltasar”, hay una preocupación por crear un contexto donde el público pueda arrojar luz sobre el trabajo realizado, donde su impacto sea determinante en la pieza y en el proceso de investigación. De ahí la fundación de [ los números imaginarios ] como proyecto de investigación teatral y de LA MANADA como centro de estudios y formación para actores y directores.
¿Cómo surge el proyecto de «La cena del rey Baltasar»?… Háblanos del montaje…
El proyecto surge como trabajo de investigación sobre el género del auto sacramental. Queríamos reflexionar sobre el sentido primigenio que tenían estas representaciones en el Siglo de Oro español, su alta codificación y si tiene sentido montarlas hoy, o de qué manera hacerlo. El texto de Calderón es paradigmático en este sentido y a la vez es, rara avis en este tipo de textos, una obra que comienza con conflicto en marcha y que potencia la acción por encima de la descripción. La obra gira en torno al rey Baltasar, descendiente de Nabucodonosor, quien desafió a los dioses con la construcción de la torre de Babel. En el auto, Baltasar se erige como un heredero directo de esta estirpe mítica y no duda en considerarse un Dios en la Tierra. El contrapunto en la pieza lo representa Daniel, el profeta, que no dudará en cuestionar la osadía de Baltasar y para ello invoca a la Muerte, no para que se lleve a Baltasar sino para que le «aterrorice» y se arrepienta de todos sus pecados. Nos parecía muy revelador el uso del «terror» como medio de extorsión en el hombre, ya que Daniel, por sí solo, no dispone de suficientes argumentos para convencer a Baltasar ni al auditorio; de ahí que en la pieza la presencia de ambos (el profeta y la Muerte) sea determinante para el transcurso de la acción.
Otro de los temas ampliamente estudiados en el auto es el desdoblamiento de Baltasar en sus partes simbólicas (Vanidad, Idolatría, Pensamiento) y en nuestra puesta hemos querido ir más allá, de modo que todos los personajes que aparecen son «literalmente» las partes jóvenes y añoradas del rey, representaciones no reales de su mundo interno, incluyendo a la Muerte y a Daniel. Y por ello, el propio Baltasar necesita de ellos para vivir y para actuar, al encontrarse encerrado en un cuerpo enfermo y vencido, en un estado de parálisis que supera gracias a sus alegóricos partenaires.
Como tercera punta de lanza tenemos el dispositivo escénico creado para el público. En lugar de recibir la representación desde lo alto, en carras, sobrevolando al público en el objetivo de edificar y conmemorar el Corpus Christi, en nuestro caso hemos sentado al público alrededor de una mesa, doce comensales como en una “última cena” profana, donde compartirán pan y vino junto a Baltasar y sus alegorías; de pronto, el auto ocurre alrededor nuestra, presenciamos la disolución de la máscara del actor, tomamos partido o no de la acción en favor de Baltasar o de Daniel, contactamos con la celebración, la vida, la enfermedad y la muerte de una manera directa, sin interferencias, viviendo una experiencia donde la inmersión y la relación con el entorno es íntima y personal. Y aún así, después de todo, seguimos estando en el género, ya que se celebra la eucaristía, se sacraliza un lugar profano, se reflexiona sobre los pecados del hombre, se espectaculariza el formato con música en directo, juego de luces, números coreografiados, etc…, es decir, reflexionamos desde el género y el autor pero dándoles actualidad y sentido hoy. O al menos eso es lo que intentamos.
¿Hubo ocasión durante el proceso para que los actores aportasen ideas en la puesta en escena?… ¿Cómo ha sido el proceso creativo?…
El proceso que plantemos desde [ los números imaginarios ] y LA MANADA es considerar al actor como un creador más, un artista con voz y criterio para tomar decisiones activas a todos los niveles, no sólo en lo que se refiere a su parcela como intérprete. Hemos puesto en cuestión la propia narrativa del auto, el formato, el género, el dispositivo, la tesis… Todo lo que tiene que ver con un análisis profundo de la obra ha sido consensuado entre todos, no sólo actores, sino con el resto del equipo artístico. Aún hoy seguimos función a función reflexionando sobre las conveniencias y dificultades de la pieza, siempre hay modificaciones, matices, lugares donde arrojar luz, y siempre partimos de la misma premisa: si está vivo, se mueve. Si no se mueve, es que no está vivo. Por eso no compartimos el mecanismo del «bolo», cuando de pronto se decide que la obra de teatro ya está estrenada y sólo hay que repetirla, una y otra vez, una y otra vez. Lo que intentamos trabajar, semana a semana, es que el público viva una experiencia única, y para eso, el único camino que hemos encontrado es que efectivamente sea único también para nosotros, nuevo y vivo. Y sin reflexión, sin conciencia de lo que estamos haciendo, sin respeto por la vivencia, la experiencia y la re-actualización constante, creemos que es imposible. O al menos muy complicado de conseguir.
¿Hay algún referente técnico o artístico del que has partido para la adaptación y la puesta en escena?…
Tengo debilidad por el trabajo de Thomas Ostermeier que viene desarrollando en Berlín desde hace quince años, por sus lecturas contemporáneas sobre textos clásicos, su conexión con el público y la ruptura de fronteras, la estética dura, la música en directo con referentes pop, la expresividad en la interpretación, etc… A nivel estético hay conexiones con el trabajo de Castelluci, Pandur, Lepage, pero todos satélites lejanos; realmente estamos en la búsqueda de un lenguaje propio que parte fundamentalmente de la experiencia con el espectador y la disolución de la máscara del actor y en este sentido los dos modelos más cercanos son Álex Rigola, como ya comenté al principio, al que he tenido la suerte de acompañar en un proceso creativo para el Teatro de la Abadía, y Andrés Lima, al que acabo de asistir en prácticas de dirección con Los Mácbez y que plantea un proceso de trabajo ejemplar para mí: trabajo conjunto con todos los departamentos desde el día uno, lectura y re-lectura de la fuente original para después estirarla hasta otros mundos, el humor, el disfrute en la puesta en escena, etc…
¿Qué función crees que ha de tener hoy el teatro para la sociedad en la que vivimos?…
En lugar de generar significados para que el espectador tenga que desentrañarlos (como viene siendo tradición desde el clasicismo ilustrado) creo que la sociedad necesita un teatro que genere contextos donde el público se encuentre y comparta con los creadores mundos posibles, donde la reflexión y el impacto sean reales, donde haya intercambio de ideas y de experiencias, no un teatro escaparate que siempre se desarrolle de la misma manera, que ofrezca el mismo «producto» y el escenario sea un mero contenedor. El teatro nos obliga a repensarnos, a identificarnos y a mirar hacia al lado, hacia dentro, hacia fuera. Sólo este acto, el acto de mirar a otro haciendo o diciendo algo, es tan contundente que tiene sentido por sí mismo.
¿Cómo crees que está afectando la subida del I.V.A. y los recortes al
teatro?…
Se habla mucho de este aspecto pero me gustaría desviar la mirada hacia otro lugar. Está claro que el país donde vivimos no cree en la cultura ni en el teatro, o siendo justos, no cree en la cultura y el teatro incómodo para el propio sistema. Se castiga al espectador, se castiga a las salas de exhibición, se castiga a las compañías que vivían de subvenciones y de giras, etc… Nunca tendremos a un dramaturgo o director como presidente, (como sí ocurrió con Vaclav Havel) ni tendremos I+D+I en industria cultural ni estaremos en la vanguardia teatral europea. Ahora bien, el verdadero problema, donde habría que mirar con lupa porque es un teatro irrecuperable es el teatro “en la sombra”: las salas alternativas de nueva creación, las compañías de pequeño formato, las apuestas por el teatro postdramático, discursivo, asociativo, de investigación sin fines comerciales… Ellos tienen el verdadero problema porque nadie habla, porque los empresarios pierden espectadores, ayudas y giras pero los que nunca optaron a ellas, los que jamás existieron oficialmente, pero existen, estos son los que conforman el tejido cultural invisible y donde realmente está el futuro del teatro español, en los «jóvenes locos y raros» que hacen teatro imposible, ahí es donde está la vanguardia y esto es lo que está desapareciendo: la asunción de riesgos reales, la apuesta por el fracaso en pos de una experiencia no oficial ni oficiante, el teatro anti-sistema no porque lo critique sino porque se encuentra en sus límites, en sus fronteras. Ahí está el germen de lo que podría llamarse la «esperanza de las nuevas ideas» que se están extinguiendo, y como seguimos hablando de los que se mueren permitimos, queramos o no, que “los otros” no puedan nacer.
¿Alguna sugerencia para seguir creando en tiempos de crisis?…
Aunque suene a tópico, realmente no hay recetas ni soluciones inmediatas, el camino seguro es el de la incertidumbre y la asunción del fracaso. Sobrevivir, tener éxito, que te reconozcan…, todo esto no hace más que incrementar la frustración y la parálisis. Hay que crear y seguir creando, investigando, reflexionando, con pocos medios, con los que haya, pero seguir «haciendo», solo, con gente, con nueva gente, de nuevo solo, pero seguir en este camino si es lo que realmente quieres hacer, si es lo que te hace feliz, no esperando rendimiento, o esperándolo, pero no con hipotecas creativas. Esto de “voy a llamar a este actor o voy a hacer este texto porque así voy a poder moverlo” es algo que lamentablemente hoy ya no es garantía de nada. Puede funcionar o no, pero puestos a arriesgar tiempo, dinero y vida, mejor hacerlo con un barco en el que creas, y si te hundes, te hundes con todo, pero fiel a lo que querías compartir. Ésta es al menos mi manera de verlo, me vaya bien o mal, siempre podré decir que era lo que quería hacer y como lo quería hacer.
¿Qué obra de teatro has visto últimamente?¿Qué te pareció?…
«El banquete» dirigido por Sonia Sebastián, un montaje muy interesante y revelador sobre cómo entendemos “el amor” hoy. Me pareció muy elocuente la elección dramatúrgica: un monólogo para cada personaje escrito por un dramaturgo diferente. Traducen escénicamente la heterogeneidad del discurso platónico y me sedujo mucho los momentos patéticos, cómo presentan a Sócrates (viejo, perdido, irónico), su relación con Alcíbiades, el trabajo de Hui Chin, vamos, disfruté mucho de la puesta y creo que es un espectáculo emprendedor que ojalá pueda girar.
¿Proyectos?…
Actualmente con [ los números imaginarios ] y LA MANADA estamos inmersos en un nuevo proyecto llamado «NO EXIT», que estrenamos el próximo 30 de mayo: una reflexión sobre nuestra incapacidad para adaptarnos al otro. Partimos de «A puerta cerrada» de Jean Paul Sartre y estamos en co-producción con Atolladeros, compañía que viene trabajando desde hace años con actores con diversidad funcional (motriz, intelectual y sensorial) y con Espacio en Blanco donde residimos desde hace un año. Volvemos a generar un dispositivo especial para treinta personas que vivirán en «el infierno» durante una hora y compartirán qué supone generar espacios de incomunicación o de inaccesibilidad en el otro, en el que es diferente a mí. Será un montaje cien por cien accesible para el espectador sea cual sea su diversidad y esperamos poder moverlo por espacios no convencionales.
Nacho Sevilla nos habla de su estreno «Trinidad» en La Casa de la portera
¿Cómo surge el proyecto de Trinidad?…¿De qué va la obra?…
Este proyecto nace atendiendo a dos condicionantes:
-Estrenarlo en un espacio no convencional, como La casa de la portera.
-Trabajar con dos estupendas actrices: Lorena Toré y Cristina Bernal.
Soy un lector voraz desde muy jovencito, y con 15 años, y mucho antes de saber que me dedicaría a las artes escénicas, llegaron a mis manos textos de autores que me impactaron. Uno de ellos fue el venezolano Isaac Chocrón, autor maldito e injustamente tratado en nuestro país. Zurdo, judío, homosexual y escritor, así se definió a sí mismo demostrando un gran sentido del humor, y asumiendo una disidencia quizás impuesta.
El primer texto suyo que leí fue Okey, donde, al igual que en el resto de su obra, transgrede doblemente los modelos familiares heredados a través de una pareja de mujer madura y amante joven, a los que se une una tercera mujer en la formación de un trío.
Encargué una adaptación a Ana F. Valbuena, con quien tracé las pautas que marcaron su reescritura: España en los años 60. Ana además propuso un trío de mujeres, doblemente transgresor en la España del momento.
La obra plantea temas aún por resolver como el precio del ser humano, la necesidad de reconciliación entre vencedores y vencidos, o el debate entre los condicionantes sociales y económicos como factores destructores de las relaciones.
¿Hiciste algún tipo de búsqueda o documentación sobre el tema antes de empezar a dirigirla?…
Como egresado y actual profesor de la RESAD en la especialidad de Dirección de Escena, siempre realizo un escrupuloso trabajo de información y documentación relativo al proyecto, previo a toda la labor dramatúrgica y de propuesta de puesta en escena. Soy discípulo de Juan Antonio Hormigón.
¿Cómo ha sido el proceso de puesta en escena?…¿Con los actores?…
Es éste un trabajo fundamentalmente basado en la interpretación actoral. A Lorena y a Cristina ya las conocía de trabajos anteriores. A Marta Guerras siempre la tuve en mente para interpretar a la joven Trinidad. Tres actrices egresadas por la RESAD, con una disciplina de trabajo común, y con distintas peculiaridades técnicas.
El resto de la propuesta se apoya en una escenografía de finas líneas, artesanal y cercana, firmada por David Orrico, y en ingredientes como la radio, o la música de Rita Pavone quien ha marcado nuestro espacio sonoro no sólo por sus temas, sino como modelo de mujer que destacó en la música de una manera muy peculiar e inspiradora para nuestro trabajo.
¿Qué balance haces de tus últimos trabajos como director?…
Mis cinco años en la directiva de la RESAD me han impedido llevar a cabo más proyectos deseados. Destacaría mi trabajo con La Bernalina, cupletista interpretada por Cristina Bernal, con textos de Alberto Conejero, con quien he realizado dos puestas en escena que aún siguen girando, Sicalipsis now! y La chica del XVII o El corral de los cuplés. El musical es uno de mis géneros.También Migraciones internas, de Ana F. Valbuena, estrenado en el Piccolo de Milán, con profesores, egresados y alumnos de la RESAD, en una experiencia maravillosa.
Echando la vista atrás veo que he montado textos de autores emergentes: Paco Bezerra, Alberto Conejero, Nacho de Diego, Ana F. Valbuena.
¿Qué función crees que ha de tener hoy el teatro para la sociedad en la que vivimos?…
El que siempre tuvo: señalar con el dedo. Sea cual sea el género.
Si además tenemos en cuenta las especiales circunstancias de nuestra realidad, y que los políticos se están dedicando a hacer teatro (del malo), el teatro debe hacer política, más que nunca.
El circo en el congreso, el debate político en el escenario.
Los cómicos nunca tuvieron tanta competencia. Ni el poder tanta desvergüenza.
¿Qué te motiva para llevar a cabo un proyecto teatral?…
Un director siempre tiene muchos proyectos a la espera de que llegue su momento (tú lo sabes, como director). Okey ha tardado 30 años. Ahora se llama Trinidad.
Mi maestro Bielski decía que lo importante es tener un buen texto y unos buenos actores. Lo suscribo.
¿Cómo está afectando la subida del I.V.A. y los recortes en las ayudas al teatro?…
Mientras tengamos un ministerio donde ya no caben más competencias, todo bajo el mismo presupuesto, seguiremos viendo mermados los derechos básicos del ciudadano.
El teatro debe ser un servicio público, como la educación y la sanidad. ¿Quién ha dicho que no debe subvencionarse? No es una limosna, es un presupuesto que sale de los impuestos de los ciudadanos y a él debe volver.
Pero no nos engañemos, la crisis económica evidencia una crisis de pensamiento, y la imposición de una ideología.
¿Qué obra de teatro has visto últimamente?¿Qué te pareció?…
¿Hablas en singular? Veo mucho teatro. Acudo al teatro con el respeto que merece un trabajo que se hace con tanta entrega y disciplina y con tantos inconvenientes.
¿Cómo ves el teatro en nuestro país, en Madrid?…
Buscando nuevas fórmulas de supervivencia, rompiendo espacios convencionales y nuevos medios de autogestión, como Hilvanando Producciones, de total autofinanciación y capitaneado por la gestión de Eva Campillo, una productora creativa, resolutiva y con nuevas fórmulas de producción.
¿Proyectos?…
Si nos dejan… Desgraciadamente tenemos más proyectos que realidades.
Víctor Velasco nos habla de su trayectoria como director de escena
¿Cómo fueron tus inicios en el teatro?…¿Realizaste otras facetas además de la dirección?…
Mi afición por el teatro se desarrolló a partir de mi interés por el cine. Yo era un auténtico devorador de películas. De la misma manera que otras generaciones han desarrollado una gran fascinación por el cine, creo que la mía, o al menos yo, ha desarrollado una análoga, por unos locales a pie de calle llenos de estanterías repletas de cintas que conociamos como videoclubs. Benditos videoclubs.Yo, de mayor, quería dedicarme al cine y para conseguirlo, me apunté a un taller de teatro del centro cultural de mi barrio. Benditos centros culturales de barrio. Y desde entonces, mi interés por el cine ha quedado eclipsado por mi pasión por el teatro. Empecé haciendo algún curso y taller de interpretación, hasta que en COU, sin saber qué hacer o qué estudiar, me enteré de la existencia de la escuela de arte dramático. Así que me presenté a las pruebas de acceso de la RESAD para la especialidad de dirección, y me admitieron. A los pocos meses de licenciarme, tuve la gran suerte de entrar a trabajar como segundo ayudante de dirección con Miguel Narros, en la compañía de Andrea D’Odorico. En dicha compañía también trabajé de regidor, de sonidista y como coordinador técnico de la gira. Esos años me permitieron conocer aspectos de la profesión que no había aprendido en la escuela.
¿Tu trabajo en el teatro lo has compatibilizado con otros trabajos?…
Sí. Por desgracia, en nuestra sociedad ganarse la vida es una tarea muy complicada. Más todavía si se pretende hacer con aquello que a uno le gusta y para lo que has estudiado. Parece hecho aposta. Y conseguirlo se convierte en un auténtico milagro. Pero no me arrepiento. En mi caso, alejarme del ámbito teatral de vez en cuando ha resultado ser un acicate para querer seguir vinculado a él. También dentro de la profesión teatral he trabajado en diferentes puestos. Y estoy orgulloso de todos y cada uno de esos trabajos.
¿Cómo surgen las ideas y los proyectos en los que te embarcas?¿Qué te anima a participar en ellos?…
De muy distintas maneras. Algunos de proposiciones de conocidos, o incluso de desconocidos. Otras, de mi propia voluntad, de la recurrencia de algún texto, o idea en la cabeza. Me alegro de haberme vinculado a proyectos en los que la ilusión de un grupo determinado fuera el motor principal. Pero hasta el momento, he tenido la suerte de no tener que decir que no a ningún proyecto que me hayan propuesto. Digamos que he alternado mis proyectos personales con otros a los que he sido invitado a participar.
¿Cómo surgió tu participación en el Laboratorio del CDN?…Háblanos de él…
Como integrante del laboratorio Rivas Cheriff sólo puedo tener palabras de elogio hacia esta valiosa iniciativa. Creo que su objetivo es el de generar un espacio de diálogo y creación para que los profesionales más jóvenes puedan desarrollarse. El laboratorio lo componen creadores de todas las ramas teatrales (dramaturgia, escenografía, vestuario, iluminación, audiovisuales), y es un complemento perfecto a “La vía del actor”. El espectáculo que vamos a estrenar, Las horas contadas y La corrupción al alcance de todos de José Ricardo Morales es un buen ejemplo del funcionamiento del laboratorio: Este espectáculo está integrado en su totalidad por profesionales vinculados a dicho laboratorio y al de La vía del actor. Además, el caracter experimental del mismo nos ha permitido indagar en propuestas y lenguajes teatrales que en otros contextos resultarían difíciles. Así ha sucedido con este proyecto, en el cual hemos tenido la suerte de contar con todos los medios técnicos y humanos del CDN, y estrenar a este no muy conocido, pero no por eso menos valioso autor, inédito en nuestro país, con el propósito de acercar su obra a la sensibilidad del espectador de hoy.
¿En qué proyectos has participado durante el último año?…
He compatibilizado montajes propios con ayudantías de dirección. Hemos tenido bastantes funciones de El chico de la última fila de Juan Mayorga, creo que llevamos unas 120, lo cual, teniendo en cuenta los tiempos que corren y de que se trata de una compañía novel es poco menos que inaudito. Es un espectáculo que no deja de darnos alegrías. Ahora mismo se está representando en Barcelona, en la sala Muntaner. También he tenido el honor de participar en un laboratorio de investigación del ETC, organizado por la Cuarta Pared, del que surgió el impulso de montar Aqui hay una mano, de Juanma Romero Gárriz, recién estrenada en esa sala.
¿Qué proyectos tienes entre manos?…
Por el momento, estoy absolutamente centrado en el estreno y últimos retoques de los textos de José Ricardo Morales. En cuanto se estrene volveré a la dura actividad de intentar vender Aquí hay una mano, espectáculo complejo con el que estoy muy ilusionado. También hay un proyecto sobre un fantástico texto de Lucía Vilanova, para el cual estamos buscando ayuda para sacarlo adelante.
¿Cómo crees que están afectando los recortes y el aumento del I.V.A. a los proyectos de teatro?…
Los recortes son nefastos. No entiendo que alguien pueda estar de acuerdo con ellos. Para mí, sin duda, los peores son los relativos a la educación, ya que en el futuro afectarán a todos los aspectos de la realidad, desde la sanidad hasta la cultura. Tampoco entiendo la falta de visión estratégica en el apoyo a nuestra cultura. La cultura, si se sabe gestionar, es una poderosísima y peligrosa arma politica y no la seudo-ocupación de un puñado de desharrapados. Otros paises nos colonizan a través de su cultura y eso no parece importarle a casi nadie. España, pese a ser un país no muy poblado en relación a sus vecinos, siempre ha destacado por su cultura. No puedo entender que nosotros mismos la boicoteemos. Es del género tonto. Debe ser parte de nuestra esencia. Siempre que pienso en este tema me acuerdo del cuadro de Goya duelo a garrotazos. No entiendo por qué hemos desarrollado cierto tipo de complejo que nos impide decir (y pensar) que la cultura es una necesidad social, una necesiad del espíritu, una necesidad irrenunciable para el ser humano.
¿Qué montaje que hayas visto últimamente, te ha interesado?¿Por qué?…
Disfruté mucho de Ensayando Don Juan de Albert Boadella. Soy un gran admirador de su trabajo. Gracias a su ironía y mala leche habitual sales del teatro con alguna interesante reflexión flotando en la cabeza y una gran sonrisa en la boca. De otro formato, vi hace algún tiempo La otra voz, versión de Manuel De sobre La voz humana y me encantó. Me entusiasmó el universo dramático que plantea a partir del famosísimo texto de Cocteau.
¿Alguna sugerencia para seguir creando y haciendo teatro en tiempos de crisis?…
Aguantar. El teatro ha resistido crisis y multitud de avatares durante más de tres mil años. Será porque resulta necesario para el ser humano.
“8 dramaturgos, nueve premios” en la RESAD
9 de abril a las 17.00 h., el Departamento de Escritura y Ciencias Teatrales de la Real Escuela Superior de Arte Dramático (RESAD), de Madrid, organiza el acto: “8 dramaturgos, nueve premios”.
Por cuarto año consecutivo, la RESAD rinde homenaje a los alumnos y ex alumnos ganadores de diversos premios literario-dramáticos.
Este año contaremos con Alberto Conejero (Premio Ricardo López Aranda); Carlos Contreras (Premio Calderón de la Barca); Blanca Doménech (Premio de Teatro AAT); Xabier López Askasibar (Concurso de Radio Teatro XXXVIII Festival Internacional de Teatro Vitoria Gasteiz); Ozkar Galán (Premio Villa de Hecho 2013); Nieves Rodríguez Rodríguez (Finalista del Premio la Jarra Azul); Javier Sauquillo (Convocatoria de Textos Teatrles Culturarts y Creador.es) e Isabel Vidal (Concurso de Teatro Exprés, AAT).
Se realizará una lectura dramatizada de fragmentos de las obras, a cargo de los profesores del Departamento de Escritura y Ciencias Teatrales, con dirección de Julio Escalada.
En el transcurso del mismo acto se presentará el último número de la Revista Estreno, a cargo de Francisca Vilches, del CSIC, como miembro del Consejo de Redacción de la revista. Estreno dedica en su número XXXIX, un dossier monográfico a la implantación de los estudios de Dramaturgia en la RESAD, que ha cumplido su vigésimo aniversario.
Asimismo, tendrá lugar la presentación del volumen de Piezas Breves (RESAD Fundamentos), que recoge los textos de los alumnos Lola Correa, Pedro Entrena, Lola Fernández de Sevilla, Félix Gómez-Urda y Oscar Merino.
La entrada es gratuita.
LUISA MARTÍN nos habla de sus últimos proyectos como actriz.
¿Cómo fueron tus inicios en el teatro?…
Maravillosos.
Estudié en la RESAD con Angel Gutierrez y el propició la creación de un grupo, nos organizamos y bajo su Direccion comenzamos a trabajar, a viajar. Lo hacíamos todo, fue apasionante y muy instructivo.
¿Qué balance harías sobre tu trayectoria en teatro?…
Bueno, buenísimo.
He ido muy poco a poco y sin darme cuenta han pasado mas de 30 años.
¿Qué diferencia hay para ti del teatro que se hacía en tus principios al que se hace hoy en día?…
Al principio era teatro en grupo, » teatro independiente» ahora ya no tengo que cargar ni descargar, pero la ilusión es la misma o mayor.
En cuanto a lo que se hacía y se hace, siempre hubo de todo y sigue habiendo de todo.
¿Cómo surgen las ideas y los proyectos en los que te embarcas?¿Qué te anima a participar en ellos?…
De muchas maneras, alguien que me conoce, algún amigo, proyectos que le llegan a mi representante etc.
Básicamente me anima el corazón, me dejo llevar por la primera impresión.
¿Cómo surgió tu participación en EL ARTE DE LA ENTREVISTA?…Háblanos de este proyecto y tu participación en él…
Una mañana de verano me llamó Cuco Afonso, me lo contó, me envió el texto, lo leí y aquí estoy.
¿En qué proyectos has participado durante el último año?…
«El show de Kafka» » Palabra de actriz» en teatro.
«frágiles» , «B&B » en tv.
¿Qué proyectos tienes entre manos?…
El lunes estrené B&B y el viernes estreno El Arte de la Entrevista, por ahora esos son mis proyectos.
¿Hay algún proyecto que nunca pudiste realizar y te gustaría?…
No.
¿Cómo crees que están afectando los recortes y el aumento del I.V.A. a los proyectos de teatro?…
Mucho, muchísimo, el IVA ha conseguido que la taquilla se redujera un 30% , ellos lo saben, ni siquiera ha salido rentable y en cambio ha hecho desaparecer a muchas compañías y ha mandado a muchos profesionales al paro. No ha sido una buena medida.
¿Qué montaje que hayas visto últimamente, te ha interesado?¿Por qué?…
Ví «Dalí versus Picaso» me encantó, Juan Carlos Perez De la fuente ha hecho un magnifico espectáculo con un texto dificilísimo y los actores están geniales. ( y eso que solo vi un ensayo general)
¿Alguna sugerencia para seguir creando y haciendo teatro en tiempos de crisis?…
¿Quien soy yo para sugerir nada?… Ánimo es lo único que se puede decir.
Al contrario, si pudiera, si valiera, exigiría que los políticos de los que depende la cultura asistan al teatro, vivan de cerca el teatro, conserven el teatro y lo preserven de consideraciones que no hacen mas que dañarlo.
PREMIOS ADE 2013
La RESAD de Madrid acogió ayer la gala de entrega de premios de la Asociación de Directores de Escena (ADE), como maestro de ceremonias actuó con elegancia y discreción Carlos Rodríguez, quien a lo largo de todas sus intervenciones y mediante citas inteligentemente escogidas introducía los premios que se entregaban, los discursos de apertura e institucionales corrieron a cargo del presidente Eduardo Alonso y su secretario general Juan Antonio Hormigón, la situación actual de crisis y presión del IVA cultural sirvió de motivo a estos y a muchos de los discursos que se ofrecieron tanto por parte de los ganadores del premio, como de aquellos a los que se entregaban, a destacar las palabras de Santiago Sánchez, que habló en nombre de todos, un total de doce, entro ellos él mismo, que recibían la medalla que la ADE concede a los asociados de 25 años de continuidad en la asociación. Los premiados Eladio Pablo, por su traducción de “Cielos» de Wajdi Mouawad; Juan Antonio Hormigón, por su estudio teatral “El legado de Brecht”; Luis Perdiguero, por su iluminación en el montaje de “Transición”; María Araujo, por el figurinismo de “El lindo don Diego; Alejandro Andújar y Esmeralda Díaz por la escenografía de “La vida es sueño”; Denis Raffter consiguió el Premio Adolfo Marsillach po una labor teatral significativa; Helena Pimenta por la mejor dirección –y es el tercero- de “La vida es sueño”. Se entregó por primera vez el recién creado premio de Honor de la ADE a título póstumo a Julio Castronovo. La Tarascas de la ADE fueron para Santiago Martín Bermúdez y el Centro Uruguayo de Madrid, por el Centro lo recogió una brava Lucila Maquieira que acabó su discurso con un emotivo VIVA EL TEATRO!. A destacar los discursos de Jesús Campos Presidente de la Asociación de Autores de Teatro, Fernando Marín de AISGE y Denis Raffter que recibieron una fuerte ovación. Una gala que, a diferencia de otras, no requiere del glamur de focos y moda y se respira cultura de gente de teatro inteligente. Felicidades a los premiados y hasta el año que viene.
Ángel Savín
Pedro G. de las Heras nos habla de su trayectoria en la escena
¿Cómo fueron tus inicios en el teatro?…¿Realizaste otras facetas además de la actuación?…
Profesionalmente de la Mano de la maestra Dolores Marco, como corista en la compañía de Zarzuela de Juanjo Seoane, haciendo repertorio y muchas giras, mas tarde la RESAD, con una maestra Adela Escartin y un maestro Pepe Estruch realmente excepcionales, Al salir de la escuela montamos dos empresas de producción: Corral 86 y La Marítima Espectáculos, en las que aparte de actuar todos hacíamos de todo, y a mí me toco la gerencia. Creo que a lo largo de todo este tiempo he hecho de todo: producción, gerencia, regidurías, ayudas, dirección…
¿Qué es el teatro para ti?… ¿Por qué haces teatro?…
Toda mi vida gira en torno a mi profesión, me gusta contar cosas, bien interpretando o dirigiendo, y ojala las cosas que hago, aunque solo sea por un segundo transforme la vida de alguien, le lleve a otro sitio, provoque una reflexión, una risa, un silencio, una duda, una discrepancia…
¿Qué balance harías sobre tu trayectoria?…
Me considero muy afortunado a lo largo de más de treinta años he conseguido vivir de mi trabajo, discretamente pero con constancia, he conocido a profesionales maravillosos y trabajado con directores a los que he admirado y de los que he aprendido: Montesinos, Plaza, Narros, Luis Olmos, Ramón Simó, Ernesto Caballero, Santiago Sánchez, María Ruiz, Mariano de Paco…con Zampano teatro haciendo repertorio de teatro clásico, coqueteos con el musical… dirigiendo cinco montajes con Descalzos Producciones la empresa de Jesús Cisneros y Yolanda Arestigui a los que estoy tremendamente agradecido por la confianza que depositarnos en mi dándome esa oportunidad.
¿Qué función crees que ha de tener el teatro para la sociedad de hoy?…
Los que ha tenido siempre, entretener, formar, concienciar, abrir mentes…
¿En qué proyectos has participado durante el último año?…Háblanos de ellos…
Los dos últimos años han sido muy duros, el último montaje en el que participe “Para Bellum” una producción de La Estampa Teatro, dirigido por Mariano de Paco, con un texto de Concha Rodríguez fue en 2010 y desde entonces cuatro o cinco sesiones de televisión y mucho tiempo dedicado a un grupo de teatro aficionado que dirijo en mi pueblo, “Xexil Body Milk” desde hace más de veinticinco años. Dos años en paro, pero no parado.
¿Qué proyectos tienes entre manos?…
En el mercado, je je je… abierto a todas las propuestas que puedan venir y mientras tanto una nueva producción con XBM para Abril y muy probablemente la dirección de un texto con un grupo de actores profesionales, con muchas ganas de sacar un pequeño proyecto adelante.
¿Cómo surgió tu participación en “Carlota”?…
Cuando vi que Mariano, iba a dirigir en el CDN, le llame por teléfono para recordarle que estaba “libre” jejeje y le estoy muy agradecido por haber contado conmigo para este trabajo.
Háblanos de esta experiencia…¿Cómo ha sido trabajar con Carmen Maura?…
La primera sorpresa viene con el texto, para mi desconocido de Mihura y no sé cómo no se ha hecho antes, aparte de todo el humor de su autor, la construcción, la trama policiaca… hacen de Carlota una pieza indiscutible de la historia del teatro español y mi personaje a pesar de ser puramente anecdótico es maravilloso y en esa única escena Mihura me regala un Doctor Whtas en la línea de esos personajes de reparto imprescindibles en su teatro… trabajar con Carmen, de la expectación fruto de la admiración a la normalidad de una compañera más, con ese sentido del humor que le hacen tan especial, ya en la primera lectura era Carlota.
¿Cómo crees que están afectando los recortes y el aumento del I.V.A. a los proyectos de teatro?…
Es evidente la cantidad de puestos de trabajo que se han perdido, las empresas que han cerrado y las que no han trufando sus repartos con nombres que les garanticen la atracción del público… pero por otro lado ese componente tremendamente vocacional de nuestra profesión nos está moviendo a nuevos modos de producción, imaginando, inventando otras formas que están dando magnificaos resultados.
Qué montaje que hayas visto últimamente, te ha interesado?¿Por qué?…
Disfrute muchísimo con Desclasificados, en El Teatro Bellas Artes, entretiene y provoca la reflexión, partiendo de un texto magnifico y con interpretaciones de lujo.
¿Alguna sugerencia para seguir creando y haciendo teatro en tiempos de crisis?…
No dormirse, ni esperar… inventar y actuar.
Alberto Castrillo-Ferrer nos habla de la trayectoria de su compañía de teatro y del espectáculo Ildebrando Biribó
¿Cómo surgió Ildebrando Biribó?…
La primera vez que vi Ildebrando Biribó yo estaba estudiando en la escuela de mimodrama de Marcel Marceau, me fascinó. En ese momento (año 1997) no pensé en absoluto en que yo iba a hacer su versión en español. Cuando unos años más tarde coincidí en la RESAD con Iñaki Rikarte le propuse que me lo dirigiese, hicimos una versión bastante osada y diferente a la de Emmanuel, pero él vino, la vio y me dio lo derechos. Desde entonces han pasado más de diez añitos.
¿Cómo fue el proceso de creación?…
Lo recuerdo maravilloso. Y creo que en verdad lo fue. Ensayamos en un local del Paseo Extremadura, durante todo un verano. Ensayábamos, hacíamos la escenografía, venían compañeros a ver la evolución, a poner tornillos en el mueble, a pintar… fue un acto de amor por el teatro. Aportamos cada uno un dinerillo para comprar madera, pintura, comer… hubo mucha generosidad, ten en cuenta que éramos todavía estudiantes. Cuando creímos tenerlo listo para mostrar no sabíamos dónde, menos mal que la RESAD nos dejó su maravillosa sala García Lorca y entonces vimos toda la potencia de nuestro Ildebrando.
¿Cómo surgen las ideas para cada espectáculo que pone en pie la Compañía?…
Toda idea, creo, surge de un estímulo. Músicas, lecturas, películas o vivencias que crees que merecen la pena seguir contándolas o transmitiéndolas. El Cabaré de Caricia y Puntapié (con el que ganamos el Max al mejor espectáculo de teatro musical en 2010) surgió de un CD de canciones que teníamos por casa y que me encantaba oír. Ildebrando surgió de verlo sobre escena, Un Tal Pedro (versión de Peer Gynt) surgió de que estábamos estudiando a Ibsen en esos momentos, a veces las cosas surgen del número y tipo de actores que hay y creas algo para ellos. No hay que olvidar que el Teatro es Actor.
¿Qué balance haces sobre estos años 10 años de Ildebrando?…¿Cómo ha evolucionado la obra?…
El día del estreno vino Iñaki Rikarte a ensayar un poquito conmigo y creo que en nuestra mirada se leía lo ingenuos que éramos hace diez años. Nosotros hemos evolucionado, pero el espectáculo no tanto. Y para eso tiene que velar el director, para que no se salga de ciertos cauces con los que fue creado. Evidentemente ha ganado en seguridad, en concreción, en capacidad de comunicar… probablemente haya perdido en otras cosas que no sé, porque si las supiera intentaría recuperarlas. Lo queremos todo, ya sabes.
¿Qué evolución ha hecho la Compañía a lo largo de las diferentes producciones realizadas?…
Ha sido una Montaña Rusa. Con caídas al vacío espectaculares, subidas lentas y costosas, algún bonito paseo por las alturas, vuelta a caer… ha habido pérdidas personales importantes por el camino y también recuperaciones, errores, traiciones, premios, ovaciones, borracheras, momentos mágicos, presiones, risas, viajes, deudas, deudas, deudas… aplausos (por terminar con algo positivo).
¿Es importante tener unos colaboradores habituales en el equipo artístico y técnico?…
No sólo importante, es que no puede ser de otra manera. Un buen técnico que te acompañe en los proyectos es el 50% de que eso vaya adelante. Si además, como es el caso con mi jefe técnico, Alejandro Gallo, se implica personal y artísticamente entonces se convierte en un ángel, no obstante tengo varios “ángeles” que me arropan, mi diseñador Manuel Vicente, figurinista Marie-Laure Bènard, escenógrafo-attrezzista Manuel Pellicer… y por otro lado actores como Rafael Blanca o realizadores como Germán Roda que siempre sabes que puedes contar con ellos. Ha habido gente muy implicada: Alberto Huici, David Ardid, Carmen Barrantes, Jorge Usón… en temporadas o proyectos concretos de la compañía, luego cada artista sigue su propia estrella. Es difícil mantener una compañía como las de antes, que eran familias, pero me gusta tanto la idea… quizá en un futuro podamos arropar a un elenco estable. ¿Quién sabe?.
¿Cómo participan en los procesos de creación?…
La verdad es que como cada uno es tan profesional en su parcela, hay una confianza en que todos lo harán/haremos bien. Lo importante es comunicar bien la idea central al principio, luego cada uno la desarrolla y aporta. Todos somos diferentes, pero el objetivo es común y sólo suma.
¿Qué proyectos tenéis entre manos?…
La verdad es que hay varios, unos textos que estamos ensayando precisamente en El Sol de York y que, aunque no te puedo contar mucho, creo que verán la luz en febrero. Yo estoy buscando un nuevo solo en escena para completar la trilogía junto a “Ser o no ser” e “Ildebrando Biribó”, hay un bonito proyecto de Commedia dell´Arte para este verano por mi tierra (Aragón)… muchos sueños.
¿Cómo está afectando los recortes y el aumento del I.V.A. a vuestra Compañía?
Pues como a todos, nos están enterrando en vida. Pero todo pasa. La incapacidad, la maldad y la ignorancia son signos de quienes nos gobiernan.
Pero hay que vivir el día a día, “creer que un cielo en un infierno cabe”.
¿Qué montaje que hayáis visto últimamente os ha interesado?¿Por qué?…
El último, último, ha sido “El Crédito” y efectivamente me ha interesado mucho. Soy un incondicional de Carlos Hipólito, creo que está en otra galaxia actoral, pero aparte de eso creo que es un ejemplo de teatralidad, de oficio desde la escritura. El anterior fue “Lúcido”, de mi admirado Rafael Spregelburd, una obra muy divertida y cruda a la vez: teatral, muy bien interpretada (también allí tengo una debilidad actoral: Itziar Miranda) y, sobre todo, osada. Creo que hay que mirar hacia los argentinos, saben mucho de este “negocio”.
Jorge Eines nos habla de su larga trayectoria en el teatro.
¿Como fueron tus inicios en el teatro?…Realizaste otras facetas
además de la dirección?
De estudios de Medicina hacia la Filosofía y de ahí al Teatro. Entre
Medicina y Filosofía elaboro sin darme cuenta muy bien, un equipaje donde
se me mezcla el humanismo con algo de trascendencia mística y se ve que la
salida mas fácil fue el Arte del Actor. No exactamente el Teatro como
totalidad. El Actor como inspiración y problema. Creo que por eso llevo 6
libros sobre el tema.
¿Tu trabajo en el teatro y lo has compatibilizado con otros
cometidos?…Háblanos de ello.
He vivido y comido de la pedagogía. No hubiera subsistido sin la Cátedra
en la RESAD y mis clases privadas. Ha sido complementario e integrador,
por suerte. Nunca viví una clase como un mal menor.
¿Que balance harías sobre tu larga trayectoria?…
Hice lo único que podía y debía hacer con respecto a mi deseo y mis
principios. He batallado contra añejas tendencias. Ahí donde se unen la
tradición y la copia de la vida. Me ha ido bien desde el 76 en esta tierra
pero he sido un aguafiestas. Muchas veces he dicho y sigo diciendo, lo que
no me preguntan y lo que no quieren escuchar. Tanto en mis libros, como en
mis clases como en mis espectáculos. Como dice Sanchis Sinisterra, un toca
pelotas.
¿Qué diferencia hay para ti del teatro que se hacía en tus principios
al que se hace hoy en día?…
Entiendo que el teatro interesante ha pasado de la palabra o del problema
de lo teatral como hecho lingüístico al problema del actor como generador
de vida y signo escénico. Cada vez hay menos actores ocultos detrás de lo
que dicen y cada vez hay menos directores que se ocultan detrás de la
escenografía, la música o las luces.
¿Cómo surgen las ideas y los proyectos en los que te embarcas?¿Que te anima a participar en ellos?…
Los últimos tres montajes de Tejido Abierto, Beckett, Shakespeare, Lorca,
eran deudas conmigo que tenía que pagar. Yo comencé a dirigir en los 70 y
me enseñaron que los artistas debían hacer lo que les gustaba o inspiraba
y si eso le gustaba al público tanto mejor. Eso me facilita las
elecciones, porque no se trata de cuanto dinero puedo ganar sino de lo que
me pasa cuando ensayo.
¿Ha sido importante tener unos colaboradores habituales en los equipos artísticos y técnicos?…
Imposible sin ellos. Soy la consecuencia mas que nada de un grupo de
actores con los cuales me resulta imposible no querer trabajar. Si uno se
siente solo en el Arte es porque ha construido muros y no puentes.
¿En qué proyectos has participado durante el ultimo año?…Hablamos de
tu versión de Bodas de Sangre…
Ningún proyecto del cual pueda hablar. Solo Bodas de Sangre. Por fin Lorca
nos ha inspirado. Tenía mucho miedo que no fuera así o que una vez mas no
me gustara ese tercer acto que tantas veces he visto y que siempre me
pareció tan imposible como hermoso. Han explotado tantas cosas ahí dentro.
Nada existía antes de los ensayos o muy poco y eso es muy bueno aunque uno
nunca sabe si a la gente le va a gustar lo que hacemos.
¿Hay algún proyecto que nunca pudiste realizar y te gustaría?…
Peer Gynt de Ibsen. Despertar de Primavera de Wedekind…Turgueniev…En
fin…proyectos imposibles.
¿Como crees que están afectando los recortes y el aumento del I.V.A. a los proyectos de teatro?
A la Empresa en general supongo que bastante. En mi caso me he alimentado
de las carencias. Aprendí a resolver como pude y durante muchos años puse
dinero todos los meses para sostener una sala como fue Ensayo 100. Estoy
entrenado. Sigo tratando de creer en el Arte para que la verdad no me
mate. La verdad también es el IVA.
¿Que montaje que hayas visto Últimamente, te ha interesado? ¿Por qué?…
El Régimen del Pienso de La Zaranda. Como siempre no son una ventana. Una
manera de entrar al trabajo creador y a lo que exponen al público. Su
equilibrio entre lo ético y su poética, es el alimento esencial del
Teatro.
Kafka Enamorado. Por la historia de ese hombre muy bien reinventada por
Araújo para la escena y por el trabajo de Jesus Noguero.
¿Alguna sugerencia para seguir creando y haciendo teatro en tiempos de crisis?…
Crear como se pueda. Donde se pueda. Con quien aguante el tirón del sin
sentido y se ponga a construir algo para salvarnos de la muerte. ¿Para
qué? Para recordar una vez más que ser un poco feliz es hacer lo que uno
quiere con la gente que uno quiere.
“DUELO Y MEMORIA” en la RESAD
MARTES 17 DE DICIEMBRE:
PARTE 1: 10: 30h. Duración aprox. 20min.
Espectáculo de clown sobre el enfrentamiento de los discursos y las ideologías, los antagonismos y sus desastrosos resultados.
PARTE 2: 11:30h. Instalación y una actriz. Obra en curso, acceso y salida a elección del espectador.
Realización escénica sobre el proceso de búsqueda de la Verdad llevado a cabo por una alumna en su entorno familiar y local, las narraciones y los silencios a los que se ha enfrentado.
PARTE 3: 12:30h. Duración aprox. 90min. Para 40 espectadores. Reserva previa en el evento de facebook o en el teléfono: 915 042 151.
Realización escénica y debate sobre la memoria -el tiempo- del espacio: el discurso oficial de la historia reciente de España y sus lugares heterotópicos analizados a la luz del pensamiento de Foucault. Participa José Manuel Roca Vidal.
MIÉRCOLES 18 DE DICIEMBRE:
PARTE 4: 10.30h. Duración aprox. 150Min.
Exposición interactiva “Mujeres Republicanas”, de Javier Larrauri + Ágape + Conferencia sobre Memoria Histórica. Participan Marcos Ana, Ángeles García-Madrid y Carmen Arrojo.
Una antecrítica del proyecto en: http://aristarquitos.blogspot.com.es
La entrada es libre y gratuita.
Lucía Quintana nos habla de sus proyectos como actriz.
¿Qué es para ti el teatro?…¿Por qué haces teatro?…
El teatro es la manera que tengo de expresarme, de comunicarme, de contar, y de conocer. En apariencia hacemos teatro para enseñar pero realmente hacemos teatro para intentar conocer la realidad.
¿Cómo fueron tus inicios en el teatro?…
En la compañía de mi padre, Juan Antonio Quintana, en Valladolid. Mi padre dirigía y actuaba y mi madre era la escenógrafa y figurinista, la mejor escuela, mirar el teatro por dentro y luego pasar de mirar entre cajas a actuar. A los 11 años salí por primera vez al escenario, fue una gira por EE.UU con la compañía de mis padres en “La zapatera prodigiosa” de Lorca, después con los años fui cambiando de papel dentro de esta función, porque mis padres tenían repertorio y los actores iban cambiando según la época, llegamos a poner 4 espectáculos en una semana en la misma ciudad, era una escuela riquísima! y de “El Avaro” de Moliere llegamos a hacer 500 representaciones. Con mi padre trabajé en 7 espectáculos y estudié con diversos maestros en el aula de teatro de la universidad que también llevaba mi padre, después me vine a Madrid, me presenté a las pruebas de la Resad y me cogieron, y empezó la andadura aquí.
¿Cómo surge la posibilidad de que interpretes a Maribel…?…
Me llamó Gerardo Vera. Con Gerardo es mi tercer espectáculo. Ya habíamos hecho juntos Woyzeck, e hice una sustitución en el Rey Lear. Gerardo y yo trabajamos muy bien juntos.
¿Hubo ocasión durante el proceso para que los actores aportaseis ideas en la puesta en escena?…¿Cómo ha sido el trabajo con Gerardo Vera?…
Gerardo es un director muy intuitivo y durante los ensayos está muy abierto a las propuestas de los actores. Además se entusiasma mucho con el trabajo del actor, es muy apasionado y eso es muy bueno para propiciar un ambiente creativo.Y tiene un olfato maravilloso para configura los equipos, así que es un lujo tener un caldo de cultivo como el que crea Gerardo.
¿Hay algún referente técnico o artístico del que has partido para crear el personaje?…
He intentado construir el personaje sobre la vulnerabilidad de Maribel. En apariencia es un personaje echado para adelante, sin miedo, pero cuando se encuentra con el mundo de Marcelino, la idea que tenía sobre la realidad se transforma, y esto la desarma. Maribel hace un viaje de transformación. Transformación que tiene que ver con tener confianza en que su vida puede cambiar, que puede ser mejor.
¿Cómo ha sido la experiencia de trabajar juntos, actores de diferentes generaciones?…
Es algo que siempre me gusta. Que haya diferentes generaciones en las compañías. Hace que los espectáculos tengan algo orgánico, algo familiar, conectado con la realidad.
¿Por qué no haces más televisión o cine?…
Jajajjja hago todo lo que puedo y todo lo que me dejan. La última película que he estrenado ha sido ”Todas las mujeres” de Mariano Barroso, con Eduard Fernández y un grupo de actrices estupendas.
¿Qué balances haces de tus últimos trabajos como actriz en teatro?…
Es un balance muy bueno. Por un lado estoy realizando todo un trabajo con los espectáculos de mi compañero Alfredo Sanzol y por otro lado trabajo con otros directores. Siento que todo se complementa y que estoy teniendo la oportunidad de crear estilos y propuestas muy diferentes. Además, con los años, siento que uno puede ser cada vez más consciente de su propia expresividad, de conocerla, aceptarla, y de este modo poder usarla mejor cada vez para contar las historias.
¿Preparas de forma distinta un personaje para audiovisual que si es para teatro?…¿Cuál es tu método?…
Son lenguajes diferentes que exigen técnicas diferentes. El teatro requiere repetición cada noche, y la interpretación hay que construirla sobre unas guías sólidas que al mismo tiempo te permitan flexibilidad, porque cada noche es diferente. En el audiovisual la interpretación tiene algo más explosivo, pero con una gestualidad muy medida. Creo que sobre estas contradicciones cada uno tiene que ir creando su propia técnica.
¿Qué función crees que ha de tener hoy el teatro para la sociedad en la que vivimos?…
El teatro es el arte de la comunidad por excelencia. Es el arte de la democracia y de la libertad. Si una sociedad quiere ser libre necesita el teatro.
¿Cómo está afectando la subida del I.V.A. y los recortes al teatro?…
Creo que en el futuro esta subida de IVA se verá como una de los errores más grandes que se han perpetrado contra el bienestar de la sociedad.
¿Cuál fue la última obra de teatro que viste?¿Qué te pareció?…
“Mi pasado en b” de Javier Lara con dirección de Pietro Olivera e interpretada por el propio Javier Lara, una maravilla de monólogo, emocionante y divertida , que nos conecta de una manera profunda a los seres humanos con nuestros propios pasados en b… no se la pierdan, pronto volverá a alguna sala de Madrid.
¿Proyectos?…
Seguir con esta estupenda “Maribel” que tantas alegrías me está dando…y un par de cosas que se están perfilando y que como siempre pasa, por ahora no se pueden desvelar….
Javier Veiga nos habla de sus experiencias en el teatro.
¿Qué es el teatro para ti?…¿Por qué haces teatro?…
El teatro para mí es sobre todo el oficio al que decidí dedicarme hace ya más de 20 años (joder, que viejo soy), y hasta el momento lo voy consiguiendo. Hago teatro por muchas razones, pero quizás la principal es porque me hace feliz. No hay nada metafísico en ello. Es una felicidad mundana, me subo a un escenario y me siento bien, feliz, como cuando de chaval me ponían de titular en el equipo de balonmano.
¿Qué balance haces de tu trayectoria como actor?…
Buf, yo qué sé, depende en cuanto a qué. Creo que lo más positivo es que he tenido la fortuna de trabajar en más de 20 espectáculos teatrales y en un montón de proyectos audiovisuales distintos en cine y televisión. A veces te entran momentos de flojera, de insatisfacción o hasta de ansiedad… pero el principal balance que puedo hacer es que si, cuando estaba en la Escuela de Arte Dramático, alguien me hubiese dicho: «dentro de 20 años vas a haber hecho todo esto», yo hubiese firmado con los ojos cerrados y con el culo apretado.
¿Cómo surge el proyecto de El Caballero de Olmedo?…Háblanos de la obra…
A mí el proyecto me llega directamente desde la productora, Secuencia 3. Yo estaba representando ‘Amigos hasta la Muerte’ en el Teatro Muñoz Seca de Madrid. Y el productor y el director vinieron a ver la función. En realidad venían a ver a Marta Hazas para ofrecerle el papel de Doña Inés. Pero a la salida del teatro nos tomamos un vinito con el productor(Eduardo Galán); y aprovechando el estado de confraternización etílica le dije que yo era un enamorado de esta función. A los pocos días me llamaron para ofrecerme protagonizarla y aquí estoy. Y encima pagó los vinos él!!!
¿Cómo fue el proceso de creación?…
Pues la verdad es que fueron unos ensayos muy tranquilos. Tuvimos bastante tiempo para trabajar. Empezamos por el verso para intentar dar a todo una coherencia de estilo en la manera de decir. Y a partir de ahí nos pusimos en manos del señor director y a trabajar. Él tenía clara su puesta en escena y a nosotros nos tocó ir a sudar la camiseta.
¿Hay algún referente técnico o artístico del que has partido para crear tu personaje?…
Mi referente técnico es mi formación. Tuve algunos muy buenos profesores en la RESAD, que creo que es una escuela que te prepara muy bien, sobre todo para proyectos de este tipo. A partir de ahí, he seguido trabajando y, quiero suponer, perfeccionando mis recursos técnicos. Y como referente artístico no creo que haya uno concreto. El actor que soy es la suma de todos los distintos trabajos que he hecho y que he visto; y cada vez que te vuelves a subir a un escenario, te subes con la suma de todo lo anterior.
¿Cómo preparas los personajes?…¿Cuál es tu método?…
No sé si se puede llamar método. Me leo el texto 1.500 veces, normalmente nunca tengo que estudiar, me lo acabo aprendiendo de tanto leerlo. Luego pienso en el personaje compulsivamente, en la cama, en el desayuno, en el metro, mientras me habla mi cuñado… y voy apuntando cosas en papelitos que luego suelo perder. Y luego voy al ensayo preguntándome de cuánto habrá servido todo ese trabajo anterior. Y finalmente me limito a un método absolutamente revolucionario: Repetir y repetir hasta que me salga bien.
¿Qué función crees que ha de tener hoy el teatro para la sociedad en la que vivimos?…
Creo que los teatreros hemos sido un poco pretenciosos respondiendo a esta pregunta. Hasta el límite en el que hemos perdido cualquier capacidad movilizadora porque nos hemos vuelto endogámicos y autocomplacientes. El resultado es que una gran parte del público nos ha dado la espalda. Y la mayoría de la otra gran parte tienen descuento en taquilla porque hace años que peinan canas. Creo que la primera función del teatro debe ser interesar a su público. Un espectáculo sólo tiene sentido si hay espectadores dispuestos a escuchar. Lo demás es onanismo y vanidad. Y una vez que volvamos a interesar a nuestro público, allá cada uno con las ideas que quiera y tenga talento para transmitir.
¿Cómo crees que está afectando la subida del I.V.A. y los recortes al teatro?…
Creo que es una canallada impresentable. Es una tomadura de pelo que el estado nos deje de facilitar el acceso a la cultura y a la vez nos suban los impuestos. Si me acribillas con estas tasas, el estado tiene que garantizar el acceso del ciudadano a los productos culturales. Y si quieren un sistema liberal, estupendo, que nos quiten los impuestos, y que dejen la cultura en manos de la sociedad civil, yo encantado. Me fío más, a pesar de todo, de la gestión privada que de la gestión pública. Pero no hacer ni una cosa ni la otra, es una estafa.
¿Alguna sugerencia para seguir creando en tiempos de crisis?…
Yo lo que creo es que no podemos seguir trabajando en cualquier tipo de condiciones. Creo que no podemos ofrecer al público espectáculos gratuitos o a precios ridículos sólo porque preferimos subirnos a un escenario gratis que quedarnos en casa. Eso sólo conduce al amateurismo de esta profesión. Y por ese camino vamos directos al: -«¿A qué te dedicas» -«soy actor» -«ya, ya, ¿pero a qué te dedicas?»… Pero esto daría para un largo debate, y seguramente muchos de mis compañeros no estarían de acuerdo conmigo.
¿Qué obra de teatro has visto últimamente?¿Qué te pareció?…
Este verano estuve en el Festival de Almagro, actuando y como espectador. Y tuve la suerte de ver ‘Siglo de Oro, Siglo de Ahora’ de Ron Lalá. Una auténtica fiesta teatral. Creo que este grupo, con Yayo Cáceres a la cabeza, es uno de los proyectos más interesantes que hay el panorama teatral actual. Una propuesta de teatralidad, lejos del micronaturalismo que se extiende como una peste por los escenarios.
¿Proyectos?…
Por lo pronto 5 semanas en el Fernán Gómez con El Caballero de Olmedo. A finales de año espero que se estrene en Barcelona la versión catalana de ‘Amigos hasta la Muerte’. Y acabo de terminar de escribir un nuevo texto que espero estrenar a principios del próximo año.
José Pedro Carrión nos habla sobre su larga trayectoria en el teatro.
¿Cómo fueron tus inicios en el teatro?…¿Realizaste otras facetas además de la actuación?…
A los siete años las Variedades llegaron a mi pueblo, a los doce salí voluntario para payaso, a los diecisiete hacía teatro leído, luego, con veintiuno, entré en la Resad y allí conocí en vivo y en directo a D. Manuel Dicenta y a William Layton… Salí de estampida tras él hacia el Pequeño Teatro de Magallanes 1. Y en ese teatruco eche los dientes…
¿Qué es el teatro para ti?…¿Por qué haces teatro?…
Una vocación. Creo que de servicio a los otros. Y lo hago, porque soy obediente a la voz que suena dentro…
¿Tu labor en el teatro lo has compatibilizado con otros trabajos?…
Vendí libros, hice la mili, cobré autobuses y me hice animador cultural… Me gusta mucho trabajar la madera en mi casa y los focos en el escenario… También sería cocinero…
¿Qué balance harías sobre tu larga trayectoria?…
Espero que la trayectoria de privilegio que he vivido me sirva para seguir buscando el camino hacia un sueño reparador.
¿Qué diferencia hay para ti del teatro que se hacía en tus principios al que se hace hoy en día?…
Por aquellas circunstancias nefastas, el teatro estaba más cerca de la sociedad. Ahora, que vamos directos a peor, además está en un momento de desprestigio, de conformismo, de autocomplacencia, que hace que a la mayor parte de las personas le sea indiferente.
¿Qué función crees que ha de tener el teatro para la sociedad de hoy?…
Cuando desarrollas el oficio de actor es cuando puedes darte cuenta del enorme capital humano que se pone en juego: el cuerpo, la respiración, la imaginación, la mente, el corazón, la voz, el silencio, la escucha del otro, las palabras escritas, que describen al hombre, la colaboración, la amistad, el coraje, la voluntad, la poesía… Y me extiendo con intención, aún habiendo más y más, porque es muy lamentable que en los teatros que se han hecho, o rehabilitado, los niños, los adolescentes, los mayores no lo practiquen. Y en su mayoría estén vacíos o infrautilizados. Quien en realidad hace el teatro son las personas que en el silencio y la oscuridad de la sala empiezan un sueño con nosotros, que cuando es buen teatro es transformador, también para el actor, y muy nutritivo para el espíritu y un gran antídoto contra la mediocridad.
¿En qué proyectos has participado durante el último año?…Háblanos de ellos…
Con Valery Tellechea. Además de hacer Júbilo, por ejemplo en el Corral de Almagro en Julio, hemos dado cuerpo a Marguerite Duras en La Douleur, con versión de Juan Caño y un equipazo de colaboradores, Mariano Díaz, Juan Gómez Cornejo, Elisa Sanz, Enrique Vara… Y he vuelto a trabajar con José Carlos Plaza, que me enseñó tanto sobre este oficio, y al lado de mi admirada ha Concha Velasco y con Juan Gea, con el que he compartido tantas noches en el escenario. Y soy un hombre contento, viendo que los parlamentos de Eurípides han provocado en las personas una unanimidad y un calor en el aplauso, que a mi parecer convertían Mérida en un autentico Parlamento. Quizá también era la expresión de su rabia… Seguimos la gira…
¿Qué proyectos tienes entre manos?…¿Cómo surgió “Júbilo Terminal”?…
Seguir con VIVERO, donde trabajo el arte de “largar”, que mis queridos mayores dominaban. Cerraron Garaje Lumière. Allí trabajábamos, y , al aniquilarlo injustamente, me han dado en el talón. Quiero soñar espectáculos ricos en imaginación, que quepan en una maleta. Así nació Júbilo… Por la inspiración de Joaquim Benite, un buen amigo y gran hombre del teatro Portugués.
¿Hay algún proyecto que nunca pudiste realizar y te gustaría?…
Después de veintiséis años anhelando hacer Cyrano, antes de conseguirlo, soy muy precavido. Pero Einstein me tienta cada día, viendo tanta estupidez entre los hombres.
¿Cómo crees que están afectando los recortes y el aumento del I.V.A. a los proyectos de teatro?…
Como a cualquier ciudadano los impuestos nos abrasan. En el teatro es una forma de Inquisición. ¡Todos a la hoguera! La diferencia es que ahora estamos considerados como “mamandurrios” según la propaganda que lanzan los malos farsantes en nuestra contra. Pero mi queja se dirige hacia mi propio colectivo, por no reaccionar ni ahora, ni cuando hemos sido beneficiados por lo Público, ignorando un problema común para nosotros y para la sociedad en general: la reclamación del Teatro en la Educación de nuestros jóvenes. Se acaba el público acostumbrado a acudir a las salas. Una butaca ha costado hace poco mucho más de lo que hemos acostumbrado a la gente a pagar por ella. Ahora les parece caro. Y sin ayudas sólo nos queda la Taquilla. Sin gente en las salas ese IVA es criminal. Pero confío en que toda esta provocación tendrá su reacción apropiada.
¿Qué montaje que hayas visto últimamente, te ha interesado?¿Por qué?…
A mi el teatro me gusta, hasta cuando es malo. Echo de menos no ir todos los días… Lo último fueron unos ingleses, que, siendo buenísimos, también tienen su techo creativo…
¿Alguna sugerencia para seguir creando y haciendo teatro en tiempos de crisis?…
Crisis es la forma del teatro, y su sentido más profundo, para mi. Por eso siempre está terminal sin llegar a morir. Si todo va bien, quieres dormir. Mientras haya sueños habrá teatro… Quiero despertar mi astucia, mi picardía, para encontrar la manera de interesar. Siempre nos queda la plaza pública… “La crisis trae progresos” “La creatividad nace de la angustia” “Sin crisis no hay desafíos, ni méritos…” “Callar en la crisis es fomentar el conformismo” “La verdadera crisis es la incompetencia…” EINSTEIN dixit. ¡Qué fuerte!.
Chiqui Fernández nos habla de su trayectoria como actriz.
¿Qué es el teatro para ti?…¿Por qué haces teatro?…
El teatro para mí significa mis inicios y también un lugar donde me lleno de energía el teatro es un lugar donde me siento bien, es mi casa.
¿Qué balance haces de tu trayectoria como actriz?…Háblanos de tus últimos trabajos…
Mi trayectoria como actriz….Te puedo decir que ha sido muy variada y de pasito en pasito. Termine la Resad e hice cabaret, actué para niños en payasos, hice radio y por fin monte compañía y pasee nuestro Pareja abierta por todas partes acompañada de Paco Churruca y dirigida por Raquel Toledo. Entré en la tele haciendo de gancho en Inocente Inocente, después Periodistas, Un paso adelante, Mujeres, La familia mata, Cheers y La última familia. La tele es un lugar en el que me desenvuelvo bien y que me gusta. Aunque siempre hay proyectos que te gustan más que otros claro. Una de las cosas que más orgullosa me hacen sentir es mi personaje protagonista en la serie Mujeres, por el que obtuve muchos premios y muchas recompensas, pero llego a la vez que mi hijo y un protagonista y un bebe a la vez fue muy difícil de llevar (pero lo hice), todos estos años he estado combinando mi faceta de actriz con la de madre. Cuando trabajas en televisión suele ser cuando más papeles interesantes te ofrecen en teatro, pero yo decidí dedicar el tiempo a mi hijo (y no me arrepiento), he seguido trabajando aunque los últimos proyectos hasta este Maribel no hayan tenido tanta repercusión.
¿Por qué no has hecho más cine o televisión?…
No he hecho más cine o televisión…Te diré que televisión he hecho bastante casi se podría decir que no he parado, lo que ocurre es que los últimos proyectos no han tenido apenas repercusión, cine he hecho todo para lo que me han llamado, si no he hecho más es como casi cualquier actor español, porque no me han llamado.
Cuando me llamaron para Maribel y la extraña familia estaba inmersa en un proyecto personal de teatro, todo iba genial, producción, dirección, ect… pero de pronto se cayó y el mismo día me ofrecieron Maribel, a veces los duendes actúan.
Háblanos de tu personaje en Maribel…
Mi personaje es Pili, desde que lo leí me día cuenta que era uno de los mejores personajes de la función, de hecho es quien da el giro más importante a la trama. Es impresionante como el público sigue enganchando con una función de los años 50…El público ríe y llora… y yo doy gracias a diario de ver tanto público en el teatro. Me hace gracia porque muchos críticos hablan de mi como si fuese una actriz de televisión a la que nunca habían visto en teatro,(casi como una nueva revelación), en fin todo esto es muy gracioso.
¿Qué función crees que ha de tener hoy el teatro para la sociedad en la que vivimos?…
Yo creo y veo a diario como el teatro funciona como catarsis y llevo toda mi vida oyendo hablar de la crisis del teatro pero ahí seguimos. Me parece que ahora es tiempo de volver a crear, de no esperar a que nadie te llame, de agudizar el ingenio y de hacer teatro en cualquier espacio. Porque los grandes sentimientos, las emociones, siguen siendo las mismas y mientras transmitan, no importará el espacio ni para cuanto público. Cada vez hay más salas pequeñas, muy pequeñas y compañías-cooperativa y menos productores. Están siendo cuatro contados los que llevan el mercado comercial.
¿Proyectos?…
La famosa frase de lo difícil no es llegar sino mantenerse cada vez la tengo más cerca. Yo soy feliz con seguir trabajando en esta profesión, que hace años hice dos series protagonistas y ahora estoy haciendo un papel de reparto, es normal en un país en el que no existe una verdadera industria, y yo soy feliz de seguir trabajando y creando en lo que mejor se me da…
Ángel Ruíz nos habla de su trayectoria como actor.
¿Qué es el teatro para ti?…
El teatro es espejo de la sociedad, tiene por tanto el objetivo de mostrarnos las miserias del ser humano de manera que nos haga cuestionarnos nuestra actuación en el mundo real. Para mi el teatro todavía tiene algo de sagrado como en sus inicios, debe conmover y comunicar para conseguir la catarsis; bien sea por medio del drama o a través del humor. Sin olvidar que es espectáculo, y como tal debe epatar al espectador.
¿Por qué haces teatro?…
Porque tengo la necesidad de contar y de comunicar. De hacer sentir y de hacer cosquillas al público. Porque tengo alma de payaso. Porque soy un exhibicionista . Porque nada me satisface más que sentir que he hecho feliz por un momento a alguien. Porque soy una persona generosa.
¿Qué balance haces de tu trayectoria como actor?…
Mi carrera ha sido muy variopinta. Tras licenciarme en arte dramático, me busqué la vida como diseñador de vestuario. Después me metí de cabeza en el cabaret, un género que me apasiona y que me ha dotado de una capacidad de comunicación que a veces perdemos cuando nos enfrentamos a un trabajo en el que existe la cuarta pared. Al mismo tiempo compaginé mi proyecto de quesquispas con el cine, la televisión y el teatro. Mi formación como cantante me ha ofrecido la posibilidad de hacer alguna que otra incursión en géneros musicales. Aunque esto que puede ser considerado como una virtud, a veces me ha apartado de otras posibilidades dramáticas porque todavía existen muchos prejuicios con respecto a los actores que habitualmente hacen comedia, como yo. Sólo recordar que en el proyecto Youkali de Miguel de Arco o el Miguel De Molina de Ortiz de Gondra, ambas con gran éxito de critica y publico, mis papeles no eran precisamente cómicos. Pero no me quejo por no hacer drama, en absoluto, me quejo de que la comedia siga menospreciándose con respecto al drama. Pero vamos, nada nuevo, ya ocurría en la Grecia no rescatada del siglo IV a.C.
Háblanos de tus últimos trabajos…
Este año ha sido estupendo, no me puedo ni debo quejarme. He participado en mi segunda zarzuela de la mano de un grande como es Jesús Castejón y con compañeros y actores fabulosos como Cristina Serrato, Mamen Godoy y Juanma Cifuentes; el culpable de que el casto José esté en mi piel. Anteriormente en la difícil Monja Alferez en el CDN, afrontando varios personajes y antes durante unos cuantos meses ejerciendo de Maestro de Ceremonias en el cabaret circense The Hole. Como ves géneros variopintos. Nada que ver uno con el otro, pero en todos me siento como en casa.
¿Por qué no has hecho más cine o televisión?…
Pues yo creo que esta pregunta habría que hacérsela a los directores de casting, a las productoras, a los que deciden… no lo sé. Yo creo que para ellos soy un histrión y no les encajo en su chata perspectiva artística. O piensan que solo sirvo para hacer gracietas y cantar. O que no doy el perfil que buscan si es que buscan alguno. Es cierto que casi todo lo que han visto de mi ha sido de naturaleza histriónica pero yo trabajo a la medida de lo que me piden. Cuando me han pedido contención, lo he hecho y con buenos resultados. Pero ya sabes que en esto, uno no siempre es responsable del encasillamiento, normalmente son los otros quienes te encasillan.. Y por esta razón he dicho que no a muchos proyectos de Televisión que me pedían lo mismo de siempre. Recuerdo que a raíz de Los Productores, me llamaron de varias series para hacer el mismo personaje de gay recalcitrante con pluma. Por supuesto, me negué. Quizá no me lo perdonan y han dejado de llamarme. Quizá debía haber tenido menos escrúpulos y haber dicho que si… no lo sé. Llevar una carrera no es fácil. De todos modos yo estoy encantado con mi trayectoria y con lo que me está pasando. Estoy disfrutando el proceso, el camino… me da igual resultado. Mantenerse en esta profesión ya es un éxito.
¿Cómo surge el proyecto de La Corte del Faraón?…
Por lo visto cuando a Jesús Castejón le propusieron la dirección, Juanma Cifuentes le recomendó que contase conmigo. Me llamo y sin presármelo dos veces, le dije que sí. Por un lado porque es una obra divertida, con una partitura excepcional y un personaje delicioso. Y por otro porque me daba la oportunidad de trabajar con dos profesionales a quienes admiro y ahora puedo decir que además quiero, como son Cifuentes y Castejón.
Háblanos de tu personaje…
El casto José en un principio es un personaje bíblico que por su castidad se niega como esclavo a dar satisfacción a su Domina y se ve envuelto en un lio de faldas del cual no es culpable. Pero en esta versión Jesús quería quitarle esa pátina recatada y una tanto obsoleta y hacer del casto José una especie de pícaro que se inventa lo de la castidad para no verse en problemas. La idea me encantó, pues convertimos a un personaje cuyo eje es la inocencia en alguien con capacidad de decisión de su propia existencia, en un disidente sin naturaleza divina, en un busca vidas, en un Arlequino.
¿Hubo ocasión durante el proceso para que los actores aportaseis ideas en la puesta en escena?…
Todo el rato. Castejón es un actor creativo y como tal deja mano libre para la creación. Aunque ya tenia la puesta en escena muy clara, también dejó espacio para lo que pudiera rescatar de lo que aportáramos los actores, lo que creo que debe hacer todo buen director.
¿Cómo ha sido el proceso creativo?…
Debido al poco tiempo que teníamos para montarlo, nos metimos directamente en las escenas, pero los actores siempre aportábamos cosas improvisando diferentes puntos de vista de la misma. Castejón iba comprando y capitalizando y aportando cosas para enriquecer lo que proponíamos. Un lujo vamos…
¿Hay algún referente técnico o artístico del que has partido para crear tu personaje?…
Bueno, concretamente para este personaje, yo me he basado en el arquetipo de Arlequin. Adoro la comedia dell’arte y la naturaleza de la función tiene mucho de esto. Creo que le va muy bien.
¿Cómo preparas los personajes?…
Depende mucho de la naturaleza y el estilo del proyecto. En este caso debido a la forma y el lugar al que está enfocado, mi trabajo ha sido muy externo. Es un trabajo de composición física y todo lo demás parte de ahí. Si me tocara realizar un personaje mas psicológico partiría desde otro lugar. Si tengo un referente estudio el referente. Si no hecho mano de la imaginación y compongo un personaje adecuado y a la medida del conjunto.
¿Cuál es tu método?…
Primero saber cual es mi lugar en la función, qué tipo de función es, cual es el estilo que requiere el director… Eso es primordial. A partir de ahí enfoco mi trabajo como dije anteriormente. Hay que saber cual es el lugar que ocupa tu personaje en la obra y que es lo necesario para hacer lo justo, ni mas ni menos. Odio esa frase del “menos es más”, aunque la entiendo. Menos es menos, y más es más. Lo que hay que conseguir es la medida justa, y esa medida no te la da el método, si no los métodos que a lo largo de tu carrera has ido adquiriendo de otros directores y compañeros de trabajo. Un actor debe ser una esponja capaz de absorber todo aquello que le ayude ha conseguir una actuación genuina y verdadera. Desde Stanislavski siempre ha existido una pugna entre el psicologismo y el trabajo físico. Yo creo que la organicidad del movimiento no tiene sentido sin una verdad que la sustente. No se puede escindir el trabajo del actor entre lo textual y lo gestual, es absurdo y una gran mentira. Esta es una de las razones por las cuales no entiendo bien la división en la enseñanza de la RESAD. Tanto el gesto como la palabra deben estar al servicio de la verdad.
¿Qué función crees que ha de tener hoy el teatro para la sociedad en la que vivimos?…
Creo que me adelanté en tu primera pregunta, pero por añadir algo más: el teatro debe conmover, comunicar, hacernos pensar, no debe darnos respuestas bien intencionadas sino que debe lanzarnos preguntas poliédricas. Debe ser un reflejo de la sociedad mostrando aquello que la realidad nos oculta premeditadamente. Creo en un teatro social, político y existencialista. Sobre todo en los tiempo que nos toca vivir. En estos tiempos el teatro debe ser un lugar donde se vapulee al espectador para que reaccione ante la desidia y la inoperancia que domina el sistema.
¿Cómo crees que está afectando la subida del I.V.A. y los recortes al teatro?…
Puff… Intentare ser breve y claro. Una cosa es la crisis que notamos todos en cualquier faceta profesional, y otra es el castigo al que hemos sido sometidos por este gobierno con acciones desastrosas y erróneas como es la subida del IVA de la cultura. Algo que no tiene ninguna razón de ser, salvo la de acabar con nosotros. La derecha de este país, la recalcitrante, la teñida del catolicismo apostólico y romano, sigue demostrando que la mejor manera de manipular al pueblo es impidiendo que piense por sí mismo, que tenga criterio propio y sentido crítico, por eso recortan y obstaculizan que la cultura y la educación esté al alcance de todo el mundo. El teatro ha logrado durante mucho tiempo alcanzar unas cotas de público que superó en su momento al del cine, gozando de una muy buena salud. Ellos se lo han cargado de un plumazo; la consecuencia: cierre de teatros, disolución de compañías, y espectáculos de peor calidad. Hemos retrocedido casi veinte años en cuestión de derechos y honorarios. Podría seguir, pero prefiero parar aquí porque me caliento…
¿Alguna sugerencia para seguir creando en tiempos de crisis?…
Lo que están haciendo muchos con iniciativas como la casa de la portera, el micro teatro o sexto derecha. El teatro tiene mas de XX siglos y ha sobrevivido a guerras, holocaustos, a tiempos de bonanza y a tiempos de crisis, incluso ha sobrevivido a la edad media. El teatro es inherente al ser humano. Pobre de aquel que lo considere un enemigo porque está destinado al más estrepitoso fracaso.
¿Qué obra de teatro has visto últimamente?¿Qué te pareció?…
Pues mira, la ultima vez que fui al teatro fue para ver las propuestas teatrales dentro del marco de una mirada diferente en la sala Valle-Inclan del CDN hecho por diversas compañías internacionales de artistas con discapacidad…Toda una experiencia. Dentro de ese marco realicé un curso de investigación una semana impartido por el Tinglado teatro y Andrés Lima y formado por actores con y sin discapacidad. Toda una experiencia vital. Una muestra más de la ceguera de la sociedad y de que el teatro puede abrir los ojos de manera que nos haga cambiar por lo menos lo que pensábamos y dar visibilidad a un hecho que no queremos ver y forma parte de nuestra realidad.
¿Proyectos?…
El tiempo de tener proyecto con cierto tiempo se ha acabado. Ahora mismo estoy a la espera de lo que caiga…. Aunque tengo un par de proyectos de mi cosecha que tendré que sacar del cajón en vista de la sequia de propuestas. Así que ya te contaré…
Santiago Molero nos habla de la trayectoria de Sexpeare
¿Cómo surgió Sexpeare?…
Surgió de pronto, un día con pocas ganas de entrar en clase y muchas ganas de encontrar respuestas en otro. Era el año 1.994 y Rulo Pardo y yo, que empezábamos a estudiar interpretación en la RESAD, nos conocíamos y empezábamos a jugar en bares y pequeñas salas de Madrid y alrededores con espectáculos que reunían textos de otros autores mezclados con algunos nuestros. El resto hasta convertirnos en compañía de teatro estable fue un camino largo pero seguro.
¿Cuáles son las premisas para poner en marcha cada nuevo proyecto de la Compañía?…
Cada proyecto tiene su propia premisa y por lo tanto son tan numerosas como los espectáculos que hemos creado. Pero como cualquier creador, en cada espectáculo buscamos, probamos cosas nuevas…tener una experiencia escénica que no has tenido antes, y sorprender en la medida de lo posible a tu público. Siempre nos hemos preguntado qué nos gustaría ver sobre un escenario.
¿Qué balance haces de estos años de existencia de la Compañía?…
Seguir haciendo los espectáculos que queremos tras 18 años, es uno de los mejores logros que se puede tener y nosotros lo hemos conseguido. Nuestro estilo, que se ha ido definiendo y redefiniendo, con el paso de los años y los montajes está salpicado por el humor absurdo, el negro, el surrealismo, la parodia, la ciencia ficción y el metalenguaje. Con los años también la reflexión sobre nuestras contradicciones a la hora de crear, se ha ido colando en nuestro imaginario. Pero lo cierto es que ante todo somos intérpretes y buscamos en el escenario el momento escénico que convierte a este oficio en algo único, y esto ha sido así desde que empezamos.
¿Qué evolución ha hecho la Compañía a lo largo de las diferentes producciones realizadas?…
De nuestros años de cabaret surge un espectáculo en el año 1998 que es un conjunto de números reunidos bajo en nombre de Sexketches (Amor de color mahonesa) y que se convierte en nuestro primer espectáculos en entrar en teatros y salas, a la vez que recorría nuestro habitual circuito de cabaret. De aquella experiencia y con la colaboración de Yllana, surge Hipo, una producción teatral en toda regla en donde nos encontramos con algunos de los colaboradores que nos acompañarán hasta el día de hoy. “Qué pelo más guay” nuestra obra más longeva, es también nuestra primera y autentica producción teatral que nace de la creación de nuestra primera empresa Producciones Efekto , con la que emprendemos un camino de total independencia como Cía. de teatro y se sientan las bases de la estructura actual. Se inicia después de este periodo un ciclo de colaboraciones con otros artistas como “Las Grotesques” con las que creamos “En grilletes” y “Sin balas”, Fele Martínez, para el que creamos “Solomillo, una historia poco hecha” entre otros. Tras “For Sale” una historia bastante intimista y reflexiva, ponemos en pie un montaje para todos los públicos “El título de este espectáculo no es mi madre” con una puesta en escena muy elaborada, que nos abre los grandes teatros de la Red Nacional. Pero la situación, tal y como sabemos, se deteriora de tal forma que es casi insostenible seguir trabajando. Y de la lucha, de las ganas de seguir haciendo lo que hacemos nace “Sexpearemente” en la que argumentamos porqué una Cía. como la nuestra debe seguir creando, divirtiendo, existiendo.
¿Es importante tener unos colaboradores habituales en el equipo artístico y técnico?…
Absolutamente, nosotros dos solo somos la parte visible de un iceberg que nos mantiene a flote. Hemos crecido juntos profesionalmente, siempre exigiéndonos algo más los unos a los otros. Hoy más que nunca es importante estar rodeado de un equipo porque el esfuerzo es titánico para poder seguir adelante, y es duro ver como las condiciones propias y ajenas se van deteriorando. Aún así, intentamos que en cada montaje haya una nueva incorporación en alguno de los equipos artísticos o técnicos porque eso siempre insufla el deseo de superarse.
¿Os ayuda tener un espacio cómplice como el Teatro Alfil para realizar cada estreno?…
Sin duda. Desde el año 1998, primera ver que estuvimos en el teatro Alfil de la mano de nuestro querido Marcelino, siempre hemos tenido la puesta abierta de este espacio singular y único de Madrid. No hay nada que se le parezca es un lugar de referencia para todos los que buscan a Sexpeare en Madrid.
¿Se trabaja así con menos presión?… Da seguridad, sin duda.
¿Cómo es el trabajo con el equipo artístico durante los procesos?…
Delegamos mucho, dejamos bastante libertad y propuestas a cada uno de los departamentos. Tras un proceso inicial de creación y puesta en escena, que solemos abordar Rulo y yo en solitario, reunimos a todo el equipo para una presentación del trabajo y entre todos vamos definiendo las pautas que vamos a seguir para empezar a darle forma. El proceso es totalmente dinámico y eso da lugar a múltiples versiones antes de la apuesta definitiva. El tiempo y nuestro tamaño nos permite crear bajo la pauta de “acierto y fallo”.
¿Hay una línea ética y estética en la Compañía?…
Con los años hemos encontrado una línea a seguir en cuanto a lo estético, pero no es fácil; se trata de apoyarte en gente, observar cómo su trabajo influye en tu idea inicial. A veces te llevas una decepción, pero es parte del juego.
Por señalar alguna de esas pautas, diremos que tendemos a rechazar “la parte por el todo” por muy valiosa que sea la aportación, la pieza en su conjunto debe ser clara, y si es sencilla mejor que mejor…que no quita que pueda ser tremendamente críptica.
¿Se pueden realizar propuestas combativas y alternativas en estos tiempos de crisis?…
Precisamente son estos tiempos los que hacen que sean combativas, pero no hay que dejar de saber cómo se debe contar, es decir, cómo tienes que combatir…Se puede luchar desde la coherencia personal y estética, sin traicionarse a uno mismo artísticamente. Nosotros hemos encontrado nuestra forma de habitar en esa estancia oscura.
¿Qué proyectos tenéis entre manos?…
Uno muy gordo…y que empieza a hacerse grande…”H, el pequeño niño obeso quiere ser cineasta”, uno de nuestros montajes (Se estrenó en Madrid en el año 2.003) está en proceso de producción en México, a cargo de una Cía. que en su día pudo ver el montaje en Madrid. Estamos colaborando con ellos en el trabajo artístico y si todo va bien cruzaremos el charco para dirigirlo.
¿Crees que los recortes y el aumento del I.V.A. van a afectar a los proyectos de teatro?…
Ya lo está haciendo, no hay más que ver las carambolas de programación que llevan los teatros a cabo para poder mantener los espacios. Todos hemos tenido que asumir una subida que no puedes repercutir en el espectador, y que encarece y empobrece esta profesión.
¿Qué montaje que hayas visto últimamente te ha interesado?…
“La tempestad” en versión y dirección de Sergio Peris-Mencheta.
¿Por qué?…Es un trabajo grupal fresco, dinámico, lleno de ingenio y que nos acerca a Shakespeare de una forma sencilla y clara. Absolutamente recomendado.
CONVOCATORIAS DE FERIAS Y JORNADAS
Solicitud de participación de compañías.
Feria Internacional de Teatro y Danza 2013. Huesca del 30 de septiembre al 3 de octubre.
Plazo de presentación hasta el 31 de mayo.
Más info en: https://www.feriadeteatroydanza.com
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IN_PRESCINDIBLES. Nueva convocatoria IN
La Poderosa quiere dar la bienvenida a la primavera celebrando que ya no sólo somos in_ formales sinó también in_prescindibles.
Ahora más que nunca hay que seguir poniendo el cuerpo en escena, el cuerpo en las escenas.
Así que se abre una nueva convocatoria para todos aquellos artistas, performers, actores, coreógrafos y creadores que quieran compartir sus procesos escénicos.
Un espacio abierto para la creación…
Un lugar para probar, pensar y equivocarse, para la reflexión y el intercambio…
Un espacio donde colocamos al espectador en la posición de testigo, compartiendo ese momento de fragilidad de la creación in_acabada.
Siempre alrededor del cuerpo y sus contaminantes.
Fecha límite de envío de propuestas: 26 de abril
Fecha de presentación de las piezas: 11 y 12 de mayo
Envíos a: info@lapoderosa.es
Más información: www.lapoderosa.es
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Jornadas de formación de nuevo público del Conservatorio «Mariemma»
Con actuaciones en el Teatro de la RESAD, días 12, 13 y 14 de abril
El Real Conservatorio Profesional de Danza «Mariemma» de Madrid celebra el 20 aniversario de su Taller Coreográfico con unas jornadas de formación del nuevo público, que se celebrarán los días 12, 13 y 14 en el teatro de la RESAD.
El Real Conservatorio madrileño es una institución de reconocido prestigio que desde hace más de 70 años forma bailarines de primer nivel. Bailarines que han adquirido la experiencia escénica necesaria gracias al Taller Coreográfico del centro.
Después de este bagaje, seguimos sintiéndonos orgullosos de comprobar año tras año la formidable respuesta del público y de la crítica especializada en danza, a nivel nacional e internacional, ante cada espectáculo presentado por este Taller, convertido tras la celebración de su 20º aniversario en “Larreal”. “Larreal”, un nombre nuevo para un proyecto consolidado, fiel a su pasado, honesto con el presente y comprometido con el futuro.
Actuaciones los días 12 y 13 abril a las 20,00 horas; 14 de abril a las 18,00h. Teatro de la RESAD (Avda. de Nazaret nº2, Madrid).
Coreografías de: Kristian Cellini, Manuel Liñán, Antonio Pérez, Jorge García, Pedro Berdäyes y José Reches.
Venta de entradas en el AMPA del RCPD “Mariemma” (C/ Soria, 2 28005 Madrid).
Más info en: http://www.danza.es/actualidad/jornadas-de-formacion-de-nuevo-publico-en-en-conservatorio-mariemma
Festivales, Certamenes y Encuentros
Muestra de videodanza DANZATAC 2013
CONVOCATORIA MUESTRA DE VÍDEODANZA
En respuesta a la diversidad de propuestas, géneros y experiencias que vinculan el audiovisual y la danza, se abre la convocatoria para el Festival de Danza de Tacoronte, DanzaTac 2013, que tendrá lugar en el municipio de Tacoronte (Tenerife – Islas Canarias) entre los días 12 y 19 de octubre de 2013.
Debido al crecimiento de los proyectos que desarrolla este colectivo, para esta edición, el evento se propone como una muestra independiente y asume una identidad propia bajo el nombre de DanzaTac. El Mundo en movimiento.
En el Festival de Danza de Tacoronte, DanzaTac2013, además de la muestra de los materiales audiovisuales, serán organizados encuentros, conferencias, debates, talleres, performance y exposiciones que nos ayuden a compartir y dar progresión a las diversas posibilidades de conjunción del Audiovisual y la Danza.
Daremos amplia acogida a materiales audiovisuales que se incluyan en este apartado: Vídeo Danza como forma de expresión artística
Para su exhibición, los materiales se seleccionarán previamente por el comité organizador.
Tacoronte, será durante esos días escenario ideal para el análisis de materiales audiovisuales relacionados con la danza, donde se conjugan la imagen, el movimiento, la historia, la imaginación y los artistas.
Bases de participación:
• La Muestra de Vídeodanza DanzaTac2013 es de carácter internacional y es un evento competitivo.
• El premio consistirá en la asignación al director o productor del trabajo seleccionado por la organización de un importe de hasta 500 euros para entrar en coproducción con otro trabajo de videodanza a estrenar en la edición DanzaTac 2014.
• Todos los materiales deberán presentarse en soporte audiovisual DVD, Pal. Con una duración máxima de 20 minutos.
• Cada material debe acompañarse de la ficha técnica, así como del currículo del director y en su caso la del coreógrafo.
• Los vídeos que se presenten a la Muestra de Vídeo – Danza DanzaTac2013 serán exhibidos en el Auditorio de Tacoronte, Tenerife, en la fecha estimada por la organización dependiendo del programa final establecido, y estará comprendida entre los días 12 y 19 de octubre, notificándolo en http://www.danzatac.com. Estas proyecciones se organizan sin ánimo de lucro, no obstante, se solicita la autorización expresa de sus productores a fin de realizar las exhibiciones que correspondan.
• El material debe enviarse a la siguiente dirección: Festival de Danza de Tacoronte, DanzaTac. Calle Calvario, 36, 38350, Tacoronte. Tenerife. Islas Canarias. España, antes del día 1 de octubre de 2013.
Es propósito de este festival, crear y desarrollar una Videoteca especializada en esta manifestación artística, por lo que se agradece la donación de los materiales presentados al festival.
IV Jornadas de Danza del Conservatorio Superior de Valencia
Los días 10, 11 y 12 de abril, el Conservatorio Superior de Danza de Valencia va a celebrar sus IV JORNADAS DE DANZA 2013, con clases de distintas disciplinas y estilos, así como tres charlas- coloquio sobre temas relacionados con las especialidades que se cursan en nuestro centro: Pedagogía de la Danza y Coreografía e interpretación.
Más info en: http://www.danza.es/descargas/JORNADASDEDANZA2013_Horarios_generales.pdf
I Jornadas de Metodologías y Didáctica en la tutela de trabajos Fin de Grado en Artes Escénicas
Estas jornadas surgen de la necesidad de abordar las metodologías de investigación y los procesos didácticos que contribuyen y favorecen la realización y presentación de los Trabajos Fin de Grado y de Fin de Título en Artes Escénicas. El análisis sobre la dirección de estos proyectos proviene de la experiencia adquirida a través de la primera promoción en Artes Escénicas de la Universidad Nebrija, así como de la voluntad de abrir nuevas perspectivas de investigación y compartir los hallazgos didácticos en este ámbito de conocimiento con el profesorado de otros centros.
La adaptación española al Espacio Europeo de Educación Superior (EEES) en lo que se refiere al espacio universitario se produce a partir de la promulgación del R. D. 13/2007 por el que se establece la ordenación de las enseñanzas oficiales universitarias. A través de este decreto se regulan las estructuras de los títulos de Grado y Máster en las que destaca, al margen de la traducción de los procesos de enseñanza y aprendizaje en Créditos Europeos (ECTS) la obligatoriedad de que los alumnos realicen un trabajo individual, que debe estar diseñado curricularmente entre 6 y 30 Créditos.
Por otro lado, las titulaciones superiores de arte dramático, música y danza a través de la LOE (2006) quedan incorporadas al EEES y también han sido diseñadas curricularmente con una estructura similar, en la que también se recoge la obligatoriedad de que el alumno tenga que realizar un Trabajo final, denominado Trabajo de Finalización de Titulación.
Las enseñanzas artísticas superiores (también las universitarias) como el resto de las disciplinas de las ciencias sociales, las humanidades, cuentan con un déficit histórico en este tipo de actividades académicas, en comparación con otras áreas de conocimiento como las ingenierías. Existe, de este modo, una necesidad de que las experiencias de tutela y los resultados de aprendizaje de los TFG sean compartidos tanto en la comunidad universitaria, como entre el profesorado de las enseñanzas artísticas superiores, y asimismo, se constata un déficit en la formación del profesorado que tiene que asumir la tutela de los trabajos de Finalización de Titulación/Trabajos Fin de Grado.
Por lo tanto, estas jornadas pretenden complementar la formación del profesorado en metodología y didácticas de la tutela en los campos de las artes escénicas.
Más info en: Anabel Rodríguez arodrigu@nebrija.es
VIII Certamen Coreográfico de Sabadell
Pueden participar en el Certamen todas las piezas de danza contemporánea y danza moderna. Las piezas pueden tener una duración mínima de 8 minutos y una de máxima de 15 minutos.
No hay limitación en el número de bailarines.
Se pueden presentar coreografías con un solo bailarín, pero en este caso las coreografías deben tener una duración entre 4 y 6 minutos como máximo.
Inscripciones antes del 5 de julio
Más información: http://www.lestruch.cat
petitmon2002@hotmail.com
El Instituto del Teatro de Madrid se vuelca en la III Semana Complutense de las Letras
El Instituto del Teatro de Madrid (ITEM) se vuelca esta III Semana Complutense de las Letras en su actividad teatral desde lo académico hasta las tablas más contemporáneas. Toda una semana de teatro en su más amplio espectro se abre ante todos los alumnos de la Universidad Complutense y toda la ciudad de Madrid. Y esto es porque este año el ITEM genera actividades tanto en el campus de la UCM como en el centro de Madrid. El recién estrenado espacio Nave 73 (C/ Palos de la Frontera, 5) acogerá los días 22 al 23 de abril las II Jornadas de Nuevos Teatristas Españoles e Hispanoamericanos. El día 24 la jornada se realizará en el Paraninfo de la UCM. En 2011 se crearon estas jornadas con una gran acogida en el seno de la Universidad. Este año se recuperan las jornadas con la presencia de dramaturgos emergentes y propuestas escénicas breves, así como lecturas dramatizadas, que mostrarán las últimas creaciones en España y en Latinoamérica.
En colaboración estrecha con Metro de Madrid, el ITEM lanza la iniciativa CRONO-TEATRO. Una idea que intenta llevar el teatro a nuevos espacios como a un vagón de tren o al propio andén. Propuestas de 2 minutos para los vagones que viajen de Metropolitano a Moncloa, y de 5 minutos para los andenes de estas mismas estaciones. Textos intrépidos para espacios escénicos sin pausa. Para los amantes de la lectura de textos dramáticos, ese mismo día 25 en la Librería Alberti dará lugar la presentación de Cuentos a la Escena, dentro de la colección Varia Escénica del ITEM, con la presencia de su autor, Alberto Castilla y Antonio Zapatero. Y como colofón a la III Semana Complutense de las Letras, el Instituto del Teatro de Madrid presenta su primer ciclo del “Proyecto 3 Vías”. Un proyecto que integra la investigación filológica con la práctica escénica en el seno de la universidad. De viernes a domingo en Nave 73, a las 20.30, el ITEM presenta tres montajes que responden a la Vía Greco-Latina, presentan Heroínas [Medea – Ariadna – Fedra], a partir de diversos textos clásicos de Eurípides, Ovidio o Séneca; la Vía Siglo de Oro, con el montaje Historia del Loco Cardenio, de W. Shakespeare, Fletcher y Cervantes; y la Vía Contemporánea, que presenta Las moscas, de J.P. Sartre. Al concluir cada representación tendrá lugar un encuentro con los creadores para contrastar opiniones con el público asistente.
Más info en: http://pendientedemigracion.ucm.es/BUCM/semanaletras3/
XXX Jornadas de Teatro del Siglo de Oro de Almería
Con la fidelidad con la que llega cada año la primavera regresan un año más las Jornadas del Siglo de Oro de Almería que este año cumplen su trigésima edición para ofrecer una programación que agrupa algunas de las producciones más recientes de obras escritas hace más de cuatro siglos, pero que conservan todo su esplendor e interés, tanto para quienes las producen y protagonizan como para un público deseoso de disfrutar con nuevas producciones de clásicos de la literatura española y europea. Este año, además, «las Jornadas recuperan las ponencias, aunque sea parcialmente, y contarán con la de Fernando Domenech de la RESAD que hablará sobre la adaptación de ‘La vida es sueño’ producida por la Compañía Nacional de Teatro Clásico y la que ofrecerá Carlos González en torno al espectáculo ‘Coplas de Buen Amor’ que se estrena en esta edición», señala la directora de este evento almeriense, Ascensión Rodríguez, que confía además en recuperar para este ciclo de conferencias los créditos universitarios. Esta edición que se desarrollará entre el 4 y el 19 de abril tanto en la ciudad de Almería como en las localidades de Roquetas de Mar, El Ejido y Vícar, ofrece una programación en la que destacan el estreno absoluto de Coplas del Buen Amor y del espectáculo Perrault en danza o la presencia de la Compañía Nacional de Teatro Clásico que llega con el último espectáculo creado por su directora Helena Pimenta, La vida es sueño.
Más info en: http://www.teatrosiglodeoro.org/
La novedad volverá a ser la tónica destacada de Umore Azoka-Feria de Artistas Callejeros de Leioa 2013 y uno de cada tres espectáculos seleccionados se estrenará en esta cita que se celebrará entre el 16 y el 19 de mayo. Entre las más de 300 propuestas artísticas recibidas, los organizadores han seleccionado para ser exhibidos en esta edición 55 espectáculos, que provienen en su mayor parte de Euskadi, Catalunya y Francia, aunque también habrá propuestas llegadas del resto del Estado y de Holanda, Reino Unido, Polonia, Rusia, Rumanía, Italia, Israel o Turquía.
(Leioa 02/04/2013) Euskadi con una docena de compañías, Catalunya con un total de 16 espectáculos diferentes y Francia, desde donde llegan nueve espectáculos, forman la columna vertebral de Umore Azoka 2013. En el programa tienen cabida propuestas de teatro, circo, danza, clown, títeres, música y performances.
Umore Azoka-Feria de Artistas Callejeros de Leioa 201
Las compañías vascas serán, además, las que presenten un mayor número de estrenos, ocho, en concreto los que ofrecerán Al Di Là, Bapatean Zirko, Cachaba Teatro, Deabru Beltzak, Ertza, Gaupasa/Nacho Vilar Producciones, Ipso Facto y Trapu Zaharra. La presencia de compañías llegadas desde Catalunya se materializará con tres estrenos absolutos, otros tantos estrenos en calle y un working progress, mientras que desde Francia llegará La Mini Compagnie con un estreno absoluto, otras tres compañías presentarán sus espectáculos por primera vez en el Estado y tres más en calle. El programa contempla también tres estrenos más de compañías llegadas de Andalucía, Castilla y León y Valencia. Umore Azoka 2013 contempla además otros ocho espectáculos llegados de Holanda, Polonia, Italia, Israel, Reino Unido, Rusia, Rumanía y Turquía, muchos de los cuales se exhibirán por primera vez en el Estado.
Más info en: http://www.umoreazoka.org/fr/noticias.php
Mónica Valenciano nos habla de su trayectoria y proyectos.
¿Cómo llegas a la danza contemporánea?¿Cómo fue surgiendo tu personal lenguaje en el escenario?…
Comencé mi formación en Canarias, hablo de un tiempo en que la única opción posible de acceder a una formación, era la danza clásica. Tuve la suerte de formar parte en mis comienzos, de una compañía, cuyo director en ese momento era Lorenzo Godoy, mi primer maestro y un artista muy creativo y abierto a lo que ocurría en el ámbito de la danza en otros países, y periódicamente invitaba a otros coreógrafos a dar talleres, así pude acceder a conocer la técnica de Rudolf Laban, algo que me marcó especialmente, una especie de iniciación que despertaba en mí una resonancia, al sentir que existía un camino posible que conectaba con mis necesidades ya de investigación, conocimiento de herramientas para desarrollar aspectos técnicos dentro de la improvisación y estimulación creativa. Fue entonces cuando decidí irme a Barcelona al Institut del Teatre donde continué con mis estudios de clásico y contemporáneo. En el último examen (tenía entonces 19 años), se incluía la presentación de una pieza de creación personal y recuerdo que la presentación causó cierta polémica y perplejidad, y recuerdo que me dijeron: “Chica, tu quizás seas una buena actriz, pero no es eso lo que entendemos por danza”. Así que me pusieron un excelente en la asignatura de creación e interpretación a la vez que me suspendieron en todo lo demás. Entonces, marché a Madrid y entré en la RESAD. En el último curso, debía presentar una escena de creación personal, y se repitió la historia, me dijeron con extrañeza…“Se ve que eres muy buena bailarina, pero eso no es ser actriz”. Y volvieron a suspenderme. Tras una etapa de crisis y reflexión, pues no parecía encontrar un lugar posible, entré en un período de recogimiento donde escribía, dibujaba bailaba en casa. De ahí surgió un pequeño proyecto que presenté en el Círculo de Bellas Artes de Madrid donde entonces daban residencias temporales y una sala para trabajar. Estuve sumergida allí durante dos años. Lo recuerdo como un viaje interior apasionante. Un proceso de reconstrucción, despojamiento y transformación. Donde empezar a encontrar las primeras semillas de lo que fue germinando en la elaboración de lo que fue mi primera obra. Cada tres meses, el proceso se abría a presentaciones con público. Un día llegó Laura Kumin, de la Comunidad de Madrid y me propuso estrenarla por la Red de la Comunidad. En otra ocasión Roger Salas me invitó a formar parte de la programación Noche de Solos, y así poco a poco se fue desarrollando el camino. Luego Barcelona. Continué trabajando en otros proyectos que viajaron aún en solitario por algunos Festivales de Europa y EEUU. Desde otro período de crisis y cuestionamiento, surge la necesidad de apertura del lenguaje, de compartir, experimentar el diálogo con otros y comencé a dar los primeros talleres de donde surge El bailadero, como lugar de práctica, de encuentro donde el lenguaje sale de su autismo y se ramifica encontrando ya algunos ejes de su propia formulación, aquello fue como entrar por un punto y salir mirando al mar. Surgía un nuevo campo de posibilidades a explorar, a descubrir en sucesivas etapas que implican obras como “Puntos suspensivos”, Miniaturas, Adivina en plata y la serie de los Disparates (siete piezas). Desde ese proceso de maduración, paralelamente se abre una nueva etapa de colaboraciones, intercambios y confrontación del lenguaje con otros ámbitos. El encuentro con el cineasta Chus Domínguez en la exploración de la escritura del cuerpo a través de la mirada de la cámara y sus posibles lecturas y otras propuestas como el Centro Coreográfico de Rennes, Catherine Divérres que me ofrece la posibilidad de crear una pieza con sus bailarines. Después colaboré con Fernando Renjifo, con la poeta y filósofa Chantal Maillard. A través de la impregnación de su escritura, de su libro “Hilos”, surge mi último solo “Impregnaciones en la Srta. Nieve y Guitarra”… y otros artistas, con cada uno de ellos un viaje, experiencias de las que volvía enriquecida, realmente transformadoras.
Impartes cursos habitualmente…¿Cómo enfocas el trabajo en ellos…?¿Cuáles son los objetivos?…
Actualmente se conjugan varias líneas de trabajo, complementándose…por un lado, el desarrollo pedagógico, impartiendo cursos y talleres. La práctica que me acompaña ya en el tiempo del dibujo y la escritura. Y el trabajo con El bailadero, como grupo de investigación y colaboración en el que continúa desarrollándose el lenguaje y la constricción de nuevas obras.
¿Qué ha significado que te otorguen el Premio Nacional de Danza?…
El Premio Nacional ha supuesto, en principio una sorpresa, lo inesperado de una utopía sembrada quizá en el tiempo… que encuentra de pronto un lugar posible, cierta visibilidad a esa fe ciega en la que he ido trabajando…Reconforta sobre todo en el reconocimiento compartido de aquellas-os que han acompañado mi trabajo desde el comienzo, en los momentos de soledad y dificultad, brindárselos a ellas-os, esa constelación de luciérnagas sin cuyo apoyo nada hubiera sido posible. Lo demás, es como siempre…incertidumbre y seguir encontrando en el camino la manera de continuar trabajando, descubriendo. Inaugura tal vez, una nueva confianza en algo que me viene ocupando hace tiempo, la necesidad de transmisión a los demás y al público.
¿Cómo ves el panorama de la danza contemporánea en nuestro país?
Invita la incertidumbre y… se multiplica el misterio. Tal como lo vengo observando oscilar, entre esa intermitencia de señales… quizás como llamada que se busca en su supervivencia desde un estado aún de máxima precariedad. Especialmente desde el ámbito que corresponde a la danza de investigación y creación, se evidencia un retraso significativo en relación a otros países donde se cuenta como imprescindible la integración con respecto al funcionamiento y campo de acción, es decir apoyos, espacios, atención… que considero esencial para el desarrollo y estímulo del espíritu creativo. Cuando creo que se ha de considerar como herramienta vital, más aun con los momentos que tienen que ver con crisis de valores materialistas y el desequilibrio y la insatisfacción de una sociedad de mercado basada en el producto y consumo inmediato, mutilando así las condiciones orgánicas necesarias para el descubrimiento que da lugar a la nutrición y el enriquecimiento humano.
¿Qué es lo que te mueve?…
¿Donde está ahora el cuerpo?…La pregunta en sí alberga ya aquella llamada al cuestionamiento disparado en este momento. La necesidad de reflexión que comenzaría en cada cual, por la desactivación de los mecanismos que han conducido a la inercia de la práctica escénica hacia los condicionamientos… resultado inmediato. Quizás se requeriría actualizar la presencia de una percepción más horizontal (menos intención y más atención) desde una apertura en profundidad hacia el estímulo y desarrollo de procesos que puedan dar lugar a proyectos y contextos que implicarían otro diálogo, otra mirada (dista mucho del que se instaló hace años). Se hace necesario el contacto entre artistas e interlocutores desde donde se puedan impulsar proyectos, cuestionar y escuchar… atendiendo a gérmenes, necesidades diferentes que nos mueven ahora, revisar otras percepciones, perspectivas relacionadas con el tiempo…el espacio, entre otras condiciones imprescindibles, que puedan generar un posible campo de investigación y creación. El apoyo a estos escasos espacios emergentes en nuestro país aún es frágil. Generalmente son gestionados por los propios artistas, que se arriesgan y proponen proyectos para que también otros puedan relacionarse en el intercambio de ideas, colaboraciones que permitan la confrontación de lenguajes o a través de residencias de trabajo, seminarios, talleres, etc. Como otra opción, la que se viene sucediendo en los últimos años, es la de la diáspora y el exilio de nuestros mejores artistas a otros países.
¿Qué temas o propuestas te seducen a la hora de poner en pie un proyecto?…
Como bien dice Luisa Valenzuela en su libro “Escribir con el cuerpo”…”La caligrafía de mis pasos son el itinerario de mi sed”. Observo en este devenir de la vida, en su tejido. En lo cotidiano suelo acompañarme de una libreta, una cámara, libros, donde voy registrando material de texto, imágenes, reflexiones, dibujos, apuntes, depositándose en un diario que se va impregnando de instantáneas en el día a día. Cosas que observo porque quizás me miran, algunas prenden de manera especial, otras aparecen sin intención ni voluntad consciente. De ahí, en esa mezcla, poco a poco se va configurando, va emergiendo parte de una in-formación que va formando algo y a su vez me transforma en cierto modo. Es a veces como una inmersión, otras como un pescador, de donde puedo ir trayendo algo, como hilos que van tejiendo con otros un lugar posible conformando una especie de mapa o cartografía de pistas, señales a transitar, poner en juego. Ya con la entrada en el espacio de trabajo, algo de todo esto empieza otro viaje, el de dar a luz rincones oscuros que hacen esquina en la memoria.
¿Hay un proceso o plan de trabajo que sigues habitualmente cuando empiezas un nuevo espectáculo?… Háblanos de ello…
El proceso de materialización es siempre sorprendente, porque emergen cosas muchas veces inesperadas y reveladoras. Aquello que deseaba salir, aquello a medio nacer de uno mismo, tal vez algún pliegue que se abre, encuentra su respiración, y algo se libera, tanto en los procesos de solo como en los proyectos de grupo.
¿Tienes proyectos entre preparación?…Háblanos de ello…
Si, ahora estoy terminando de organizar el nuevo mapa para el tránsito de la próxima obra, el próximo viaje. Trabajo, en principio, desde una serie de anclajes muy claros tanto técnicos como de contenidos más poéticos, de aspectos que se abren a una nueva investigación. Ya tienen nombre, se llamará “Imprenta acústica (en 14 borrones) de una aparición”. Se asoma a cuestiones que me mueven ahora: la acústica del movimiento, la escritura sonora del cuerpo (la voz del cuerpo)…el cuerpo de la palabra, la multifocalidad, su tactilidad, el cuerpo poliédrico y sus diferentes texturas en el espacio, la percepción como estado de presencia al encuentro de esa geografía que puede abrirse paso en el interior, segregando un espacio, red capaz de tocar ese instante, presente continuo que pueda alojar ese blanco donde la mirada convoca y prende su visión. De ahí, no la explicación sino la implicación es lo que me interesa. Lo inesperado de esa comunicación que respira entre la escena y el espectador en el sentido más contemplativo del acceso a la mirada y sus propias posibilidades de lectura.
Alicia Blas nos habla de su trayectoria como escenógrafa y pedagoga
¿Cómo fueron tus inicios en el diseño escenográfico?…
Me resulta muy extraño oír esta pregunta formalizada en pasado. Los años pasan para tod@s, pero, creo que afortunadamente, sigo considerándome una principiante. Alguien que está “empezando”; aunque lleve más de 20 años en la profesión… Bromas aparte, lo que atrajo a la frustrada alumna de arquitectura que era entonces, fue precisamente el carácter efímero del diseño escenográfico; y la posibilidad que brindaba de realizar un trabajo conceptual que, de alguna forma, “siempre queda inacabado”, pero que al mismo tiempo, y paradójicamente, es muy concreto, artesanal y definido por plazos estrictos.
En plena crisis personal, toparme con el Curso experimental de Escenografía que se ofertaba en la Real Escuela Superior de Arte Dramático de Madrid fue providencial. Los compañeros de un Taller de Maquinaría Teatral en el que participaba en la Sala Cuarta Pared, me informaron de la existencia de la convocatoria de sus primeras pruebas de acceso. Sin mucho pensarlo, me presenté al examen, y entré en la RESAD. Allí pronto tuve oportunidad de explorar, y de diseñar escenografías, con y para mis compañeros y profesores. Fue en el año 92. No he salido de allí: Primero como alumna de Escenografía, luego de la carrera de Dirección de escena, y más tarde como docente, siento mi trayectoria como parte de un contínuum fluido.
¿Lo has compatibilizado con otros trabajos?
Claro. Sobre todo he dado clases de espacio escénico. Pienso que mi verdadera vocación es la investigación. Tampoco veo mucha diferencia entre la enseñanza y diseñar: son sólo formas de “hacerse preguntas” y de trabajar con “gente”… Me acerco a los distintos medios con igual curiosidad y respeto, e intento integrarme en las estructuras de producción en las que he tenido la suerte de participar, con idéntico compromiso personal: Siempre abierta. La experiencia en el medio teatral, por ejemplo, me ha sido muy útil en mis incursiones en el diseño publicitario, e incluso en el interiorismo. Y a la inversa… Así se aprende mucho.
¿Qué balance harías sobre tu trayectoria?
Creo que soy afortunada, y más en los tiempos que corren, por encontrar un campo tan mutante en el que desarrollar mi creatividad, y mi vida… Un medio que exige una reinvención constante, y que ayuda a prepararse para los cambios y las crisis que llegan con el tiempo… Quizás en su momento, parecía una locura dedicarse a la experimentación pedagógica y al diseño teatral. Sin embargo, su inestabilidad me ha instruido para las “no muy favorables” condiciones de hoy, y me permite mantener la esperanza de seguir adelante también ahora; apoyándome en la satisfacción de hacer algo con lo que disfruto. Más allá de reconocimientos externos.
¿Cómo surgió tu participación en La Rendición? ¿Qué has querido proponer desde el espacio?
Trabajar en el espacio escénico de La Rendición ha sido una muestra de esas oportunidades de disfrute que se pueden obtener en las ocasiones imprevistas. Un verdadero regalo que empezó como un encargo, casi un reto: el lanzado por el CDN al proponerme diseñar una escenografía sostenible para las tres obras programadas como parte del Ciclo de la novela al teatro, en la pequeña Sala de la Princesa del María Guerrero. Creo que no se había hecho algo similar antes, y ha sido un privilegio que se acordaran de mí.
Incluir La Rendición en esa propuesta global parecía complejo: Una puesta en escena ya estrenada exitosamente en el Microteatro, y que partía de un proyecto muy personal impulsado por la adaptadora del texto, Isabelle Stoffel, que también lo interpretaba. Había un importante cambio de escala y la dificultad de integrarse en un equipo ya constituido; sin embargo, la relación con Isabelle y con su director, Sigfrid Monleón, fue desde el primer momento muy fluida, y pronto encontramos, tanto Pilar Velasco, la iluminadora de todo el ciclo, como yo, nexos a partir de los cuales desarrollar el aspecto espiritual, casi místico, de una temática aparentemente muy profana. Remitir a un “espacio sagrado”, íntimo y público al mismo tiempo, fue la propuesta principal del espacio.
¿Cómo te surgieron las ideas para este proyecto? ¿Cuánto margen tuviste para crear durante el proceso?
A lo largo de todo el Ciclo, medio en serio, medio en broma, hablamos de “milagros” y “sincronías”: Las distintas influencias se conectaban con una sencillez que a veces asustaba. Como el punto de partida era aprovechar “a favor” las características de la Sala de la Princesa, y las condiciones materiales del proyecto, nunca sentí que se coartara mi libertad creativa. Además, contábamos con el apoyo del gran equipo técnico del María Guerrero, y la forma casi circular de La Princesa y la cercanía al espectador ayudaban a crear la atmósfera buscada: envolvente e inmersiva. Similar a la de los teatros anatómicos del Renacimiento italiano, y dotada de la cualidad casi táctil y sensorial característica de la arquitectura oriental, que lo emparentaba con un “espacio sagrado”.
Incluso las columnas con las que está salpicada la sala eran perfectas para remitir en esta ocasión, al ábside de un templo cristiano o al interior de una estupa budista. Rodeadas de nuestros biombos-bastidores traslúcidos, sólo tuvimos que pintarlas de los colores “adecuados”. Y estos aparecieron en una de las primeras reuniones con Sigfrid e Isabelle: En ella me contaron como Toni Benley, la autora del libro en el que está basada la obra, tenía su dormitorio enteramente pintado de dorado por el misterioso amante protagonista. Me pareció que usar el tópico del oro y el rojo púrpura podía ser interesante para crear una “sala relicario”, contenedora de memorias y recuerdos fetichizados; materializables gracias a sombras. A ambos le encantó la idea. Que Toni se emocionara cuando asistió al estreno fue un honor añadido, pero para conseguir el ambiente buscado fue decisivo que la iluminadora no sólo no se asustara ante la propuesta, sino que muy al contrario la alentara, e insistiera en las posibilidades de experimentar con la luz sobre dichas texturas. Busqué el material adecuado, e hice muchas pruebas y experimentos: añadir pan de oro al washi (papel tradicional japonés) fue un gran hallazgo… Bajo la delicada iluminación de Pilar Velasco tiene un comportamiento casi mágico.
¿En qué proyectos has participado durante el último año?
Desde mis tiempos como estudiante de escenografía, no había tenido una actividad escénica tan frenética y estimulante como la de este año. A pesar de la crisis, o quizás precisamente por ella, se están haciendo cosas… Por supuesto, no todas llegan al público, y muchas cuentan con muy pocos recursos económicos. Pero la implicación y las ganas que ponen los equipos, a veces consiguen compensar lo exiguo de las partidas presupuestarias.
Entre los que llegaron a puerto, además del espacio para La Rendición, he diseñado para el mismo ciclo del CDN, la escenografía de Atlas de geografía humana de Almudena Grandes, dirigida por Juafra Rodríguez; he colaborado con la creación de las marionetas para los audiovisuales de Los cuentos enchufados que Christina Rosenvinge presentó en la programación infantil del Día de la música del Matadero, y he participado como coordinadora del diseño del espacio escénico del Don Juan Tenorio dirigido por César Barló en el Campo de Cebada de la Plaza de la Latina.
¿Qué proyectos tienes entre manos?
Ahora estamos sumergidos en los ensayos de la última obra del ciclo del CDN: Kafka enamorado. Está siendo muy interesante, porque José Pascual, su director, lo está planteando como un trabajo en proceso, con todo el equipo implicado en los ensayos. Incluyendo el autor del texto, Luis Araujo… Se estrena a mediados de marzo.
Para después, estoy involucrada en un par de proyectos promovidos por jóvenes directores. Casualmente, ambos parten de ideas de creación y autoría colectiva; así que, de distinta forma, seguiré en la misma línea. No puedo adelantar mucho, porque aún no están del todo en marcha, y no quiero gafarlos.
Lo que si he hecho ya, es matricularme en un Máster en Redes Sociales y Aprendizaje Digital. Me gustaría, gracias a él, relacionar las estructuras horizontales de aprendizaje cooperativo que se desarrollan en las redes sociales, con mis clases de Pedagogía Teatral en la RESAD y con la práctica creativa en el teatro. Investigar sobre esto, es mi próximo gran proyecto personal. A ver si consigo encauzarlo…
¿Crees que los recortes y el aumento del I.V.A. van a afectar a los proyectos de teatro?
Los recortes y la subida del I.V.A. no sólo afectarán, sino que ya están afectando al teatro… Como el resto de las consecuencias de la crisis sistémica que nos asola. Lo hacen a la sociedad en su conjunto y a los proyectos vitales de todos sus ciudadanos, así que no podemos pretender permanecer en una isla. El teatro, como el resto de la cultura, forma, y debe formar parte, de la colectividad. En lo bueno y en lo malo… Únicamente espero que no sólo lleguen los aspectos más negativos. Quiero ser optimista, y tengo fe en que las transformaciones también pueden traer cosas buenas: Nuevas formas de trabajar, de vivir y de desarrollar la creatividad… Algo se atisba en las redes sociales y en las asambleas ciudadanas. Desgraciadamente, como en tantos otros aspectos, parece que siempre son los más débiles los más perjudicados, y muchas de esas esperanzas están viéndose frustradas.
¿Qué montaje que hayas visto últimamente, te ha interesado? ¿Por qué?
Como dije antes, creo que se están haciendo cosas interesantes y diversas. Me cuesta elegir; pero ya que tengo que hacerlo, voy a seleccionar dos que destacaron por la ambición de sus “dimensiones” y, cada una a su manera, por su riesgo. Sobre todo en el “espacio”. Ya que no se desarrollaron en ámbitos escénicos convencionales.
La primera, y aunque puede estar mal destacarlo aquí, porque participé de alguna manera en ella, es el Don Juan Tenorio 2012 del Campo de la Cebada. Pero mi colaboración como coordinadora de espacio, fue lo suficientemente despegada, como para poder valorarlo como espectadora… Me interesó la utilización de un lugar público y al aire libre, para contar una historia a través de un recorrido físico que lo vinculaba con la arquitectura pre-existente. El intento de recuperar un ritual de encuentro comunitario por medio de un texto muy popular y tradicionalmente asociado a un momento del año, la relación con el barrio en su fase de ensayos y construcción, y fundamentalmente la ilusión puesta por un equipo enorme que trabajó sin ningún tipo de contrapartida económica, pero con gran profesionalidad y dedicación. El propio proceso fue un ejemplo de cómo se puede trabajar en red, en comunidad, y ejemplifica que, como decía su director César Barló, repartiendo el trabajo y aunando voluntades, pueden hacerse grandes cosas con pocos medios económicos.
La otra propuesta está en las antípodas como producción; ya que fue una de las más costosas del año: aproximadamente un millón de euros. También se pensó para una estructura espacial poco frecuente: circular completa. Juego de cartas 1: Picas, de Robert Lepage, en el Teatro Circo Price de Madrid, fue muy criticada desde ciertos sectores. En general, puede ser comprensible no “ver bien” que, en una época como la actual, se inviertan tantos recursos en una obra que para su estreno mundial, llevado a cabo en España, ni siquiera estaba “acabada”… Sin embargo, si lo analizamos como parte de una producción en proceso, en la que salas de más de 13 países de todo el mundo, se han unido para fomentar la experimentación teatral y crear la Red de espacios circulares 360º, adquiere otra perspectiva. Esa es la mía.
¿Alguna sugerencia para seguir creando en tiempos de crisis?…
Bueno te diré lo que suelo recomendar a mis alumnos: Creo que no hay que perder la esperanza y las ilusiones. No hay que ser impaciente, ni dejarse llevar por el desaliento. Me parece que romper la mediocridad gris de la depresión social y resistir a la tiranía de los apremios es una forma de rebeldía.
Pero es difícil: Las cambios importantes llevan su tiempo, y ahora podemos estar en uno de dimensiones enormes. Mientras ocurren, “hay que seguir comiendo”, así que la mayoría estamos abocados a hacer un arte de trincheras y resistencia… Supongo que hay que cambiar de prioridades. Estoy muy orgullosa de que muchos de mis antiguos y nuevos alumnos, ahora convertidos en compañeros y maestros, sean mis guías para este viaje. El punto de vista de la gente más joven, me está ayudando a asumir las difíciles transformaciones que el nuevo paradigma cultural obliga a hacer; con su capacidad de adaptación y flexibilidad, su generosidad y su sentido del colectivo y la comunidad… Sólo instalados en la cultura de lo que está por venir y evolucionar, se puede valorar positivamente lo que nos está tocando vivir: la crisis, la decadencia, lo inacabado, lo mudable e incompleto; y podremos encontrar la belleza y el disfrute en las cosas no convencionales, sencillas, algo toscas e imperfectas. Ya que sólo dando importancia lo que tenemos cerca y dentro, podremos alcanzar las cotas más altas y lejanas; personales y profesionales. Como dice David Lynch en Atrapa el pez dorado: Las ideas son como peces. Si quieres pescar pececitos, puedes permanecer en aguas poco profundas. Pero si quieres pescar un gran pez dorado, tienes que adentrarte en aguas más profundas. En las profundidades, los peces son más poderosos y puros. Son enormes y abstractos. Y muy bellos.
Desgraciada, o afortunadamente, nos hemos quedado casi sin “pececitos”… Así que no nos queda otro remedio que buscar nuevos caladeros, aún por explorar. Para mí, la sistematización de un trabajo procesual, la búsqueda de una metodología que te permita trabajar en equipo y la aceptación de lo inevitable, sólo es una forma de ayudar a zambullirnos más al fondo, en busca de ese gran pez. Esperemos no ahogarnos en el camino.
Que Revienten los Artistas 
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