El testamento de María de Colm Tóibín con Blanca Portillo en el CDN
No hay mejor sensación que aquella que nos hace sentir que el peligro acecha desde el escenario. Y no hablo de esos espectáculos en los que temes que te empujen o sacudan físicamente, hablo de esas propuestas en las que sabes que has acudido a un lugar donde se va a abrir la puerta del rito sagrado, donde las meigas acudirán y el duende se abrazará a tu pecho. El testamento de María es un texto hermoso y desmitificador sobre la figura de la madre de Jesús. Una mirada emocionante y profunda de lo que tal vez vivió aquella mujer en un momento que cambió la religiosidad en el mundo. Está contado como si fuese una narración que se recuerda, un recorrido por los pasajes de los momentos cruciales de Jesús de Nazaret. La puesta en escena es sobria y llena de elementos para que una gran actriz como es La Portillo, se sumerja en un juego lúdico y comprometido. Ella llega al escenario caminando en la penumbra y ahí uno siente, desde el patio de butacas, que el teatro abrirá las puertas del imaginario de todos los allí convocados. Ella es una maga y una médium que transita por todos los momentos y personajes de la narración como si estuviesen escritos en su piel y en su cerebro. Blanca Portillo no está sola en escena, está rodeada de los fantasmas convocados para que entre en trance y nos traslade a aquel tiempo. Pocas veces hay peligro en el patio de butacas y muy pocas hay teatro en mayúsculas en la escena, en esta ocasión hay de ambos.
Adolfo Simón
Víctor Clavijo: El teatro es un ejercicio de comunión con el público, que tiene su propia liturgia y que busca la transformación a uno y otro lado del escenario.
¿Cómo fueron tus inicios en el teatro?… Mi padre era amigo del director y los integrantes de una compañía de teatro de Algeciras, «Teatro Algarabía», y en algunas ocasiones les acompañábamos en sus bolos fuera de la ciudad. Allí respiré por primera vez el teatro, casi desde dentro. A los 14 años leí casi por casualidad «La construcción del personaje», de Stanislavsky, y tomé la secreta decisión de convertirme en actor algún día. El año siguiente me apunté al aula de teatro del Instituto, de la mano del pintor algecireño Pepe Barroso y, al mismo tiempo, me enrolé en una compañía de teatro que dirigían el actual defensor del pueblo andaluz, Pepe Chamizo, y Carlos Galiana. La compañía se llamaba «Teatro Mejorana» y durante los veranos hacíamos gira por los pueblos de la provincia de Cádiz. Tenía claro que quería ser actor, pero al acabar COU estudié dos años de Derecho en Granada; aquellos dos años eché tanto de menos el teatro que terminé por abandonar la carrera para venir a Madrid a estudiar Arte Dramático en la RESAD a los 20 años.
¿Realizaste otras facetas además de la actuación?… Aparte del montaje y desmontaje técnico cada vez que íbamos a actuar con la compañía de Teatro Mejorana, no. Durante los años de estudio en la RESAD escribí una pieza que montó un compañero con su compañía de teatro en Alcalá de Henares en un par de ocasiones; se trataba de una versión actual y divertida sobre el Don Juan de Tirso de Molina y llevaba por título «Fantasía en do menor sobre Don Juan Tenorio»; empezó como un ejercicio de clase y acabó representándose el 1 de Noviembre en Alcalá de Henares.
-¿Qué es el teatro para ti?…Es un ejercicio de comunión con el público, que tiene su propia liturgia y que busca la transformación a uno y otro lado del escenario.
¿Por qué haces teatro?… Ahí se encuentra mi origen como actor. El teatro es el único medio que te permite volar como actor, sin interrupciones, con continuidad dramática, sentir esa magia del salto al vacío y ese poder de transformación en uno y en los demás al mismo tiempo.
¿Qué balance harías sobre tu trayectoria?… Es difícil hacer un balance, porque no soy objetivo. Quizá le corresponda a otros hacerlo, no a mí. Desde luego trato de escoger proyectos que me supongan un reto, un aprendizaje y que tengan algo estimulante. Aún me queda mucho por aprender y mucho por dar, por supuesto. Digamos que estoy en el camino.
¿Qué función crees que ha de tener el teatro para la sociedad de hoy?… El teatro debería ser un lugar para la transformación, para la reflexión, para poner un espejo a la sociedad e invitarla a conocerse, a conocer en más profundidad al ser humano; esto se puede conseguir a través de la comedia más banal o a través de un texto profundo y complejo. Lo importante es que algo quede en quien ha visto la función, que se produzca una transformación ( que puede ser sencillamente emocional: pasar un buen rato no deja de ser una transformación emocional ).
¿En qué proyectos has participado durante el último año?… Háblanos de ello: Arranqué el 2014 con los últimos bolos de «Oddi», una obra de Sergi Pompermayer con la que estuvimos el año anterior en el Teatro del Arte. A comienzos del verano, estrené «Sótano», un texto de Benet i Jornet dirigido por Israel Elejalde, en La Pensión de las Pulgas, donde compartía protagonismo con Juan Codina, En Septiembre volvimos un par de semanas con la función en el mismo espacio. Y acabo de estrenar «Fausto» , de Goethe, dirigida por Tomaz Pandur en el CDN. He rodado dos películas ( «Sicarius» y «Unamuno en Fuerteventura», con José Luis Gómez ) y he participado en las series «El ministerio del tiempo» y «El fin de la comedia».
¿Cómo surgió tu participación en el montaje de Fausto?… Háblanos de este trabajo… Hice una prueba en verano para Tomaz Pandur. Durante la prueba me hizo leer un texto y, como sabía que tocaba el piano, me hizo interpretar una pieza en un teclado. A los pocos días me llamó para decirme que le había gustado la prueba y que me quería en su montaje. El proceso de trabajo con Pandur es muy creativo y te pide que estés siempre en ese estado de creatividad y riesgo; le encanta la inmediatez con la que los actores son capaces de incorporar sus propuestas, por lo que uno debe estar siempre en un estado de predisposición para el juego y el riesgo. Desde un principio entendí su propuesta y el modo de trabajar que proponía. Pandur tiene una imaginación desbordante y te pide que juegues con él, sin cuestionamientos de ninguna clase: en ese ejercicio es donde uno encuentra a veces cosas sorprendentes que se salen de la racionalidad (que tantas veces nos limita como artistas). Al mismo tiempo, todas sus propuestas tienen un fundamento detrás y nada es gratuito. Yo interpreto al Mefisto, que en esta ocasión es el padre de una familia que representa el mal, invade el espacio ( mental ) de Fausto y le seduce de muy distintas maneras: desde el humor, la humildad, la torpeza, el glamour, la tentación.. Esta familia mefistofélica hace todo un despliegue de medios y no duda en usar a sus propios hijos para darle a Fausto lo que quiere a cambio de su alma.
¿Cómo creas tus personajes?… ¿Tienes un método?…
No tengo una, sino muchas maneras de abordar un trabajo. Cada nuevo reto me exige una aproximación distinta al personaje. Por supuesto tienes que saber no sólo quién es y cómo es tu personaje, sino cuáles son sus deseos, su arco dramático, su función dentro de la obra…a partir de ahí te aproximas a él de distintas maneras. A veces me lleno de estímulos que tengan que ver con el personaje, el tema o la obra ( lecturas, referentes cinematográficos, música, artículos, cuadros, referentes personales.. ) y dejo que toda esa información se pose en algún lugar para que el subconsciente haga un trabajo de selección natural. Hay trabajos que requieren buscar profundamente dentro de uno y otros que te permiten jugar más livianamente y encontrar desde ese juego el brillo. No creo que todos los personajes y estilos exijan o permitan incluso el mismo tipo de aproximación…hay veces que me siento perdido, otras en las que doy con la clave en un golpe de intuición, y otras en las que el estudio y el trabajo hacen que aparezca poco a poco el personaje.. Como decía un profesor que tuve: el trabajo que ve el público es como la punta de un iceberg: para que se vea un 10 por ciento, tiene que haber por debajo un 90 por ciento que sustenta ese diez por ciento visible.
¿Cómo crees que están afectando los recortes y el aumento del IVA al teatro?… Muy negativamente, como era de esperar, y como es evidente. Nos han puesto palos en la ruedas y muchas compañías y muchos teatros han tenido que cerrar. Gravar la cultura de este modo es una canallada hacia nuestro sector y hacia el público en general y parece evidente que hay una intencionalidad política en ello.
¿Qué montaje que hayas visto últimamente te ha interesado y por qué?… En el último mes no he tenido mucha ocasión de ir al teatro, al estar inmerso primero en los ensayos y ahora en las representaciones de Fausto. Destacaré tres de los que he visto hace poco: «El largo viaje del día hacia la noche», de O´Neill, que es uno de mis textos favoritos, «Lluvia constante», con unos espléndidos Sergio Peris Mencheta y Roberto Álamo y «A vueltas con la vida», de Juan Luis Iborra, con Beatriz Carvajal, que se estrenará el 19 de Diciembre en el Fernán Gómez y que trata en una clave agridulce del poder revolucionario y regenerador que tiene la lectura en una empleada doméstica que encuentra su propia voz a través de los libros que descubre en las casas que limpia.
¿Proyectos?… Suenan cosas pero aún no se pueden decir en voz alta.
¿Alguna sugerencia para seguir creando en tiempos de crisis?… Desprenderse del miedo y darle rienda suelta a nuestras voces más profundas, a pesar del qué dirán, del éxito, del fracaso o de la falta de dinero. Un creador no necesita excusas para crear: Lo hace a pesar de todo, contra viento y marea. Así ha sido siempre.
Carlos Lorenzo: Hago teatro para formar parte de un colectivo que trata de entender de una manera ética y estética los mecanismos humanos.
¿Cómo fueron tus inicios en el teatro?…¿Realizaste otras facetas además de la actuación?…
Mis inicios en el teatro fueron en Asturias. Estaba estudiando Psicología y me apunté a un curso de teatro con Etelvino Vázquez. Él me animó a matricularme en el Instituto del Teatro de Asturias (ITAE) y así lo hice. Inmediatamente pasé a formar parte de Teatro del Norte, liderado por Etelvino. He realizado casi todos los trabajos realizables en una compañía de teatro: ayudante de dirección, ayudante de producción, regidor, utilero, maquinista, chofer, etc. Pero cuando empezaba, siempre con la actuación, mi cometido era la escenografía y el atrezzo. Estoy muy interesado en las artes plásticas. De hecho, he seguido diseñando algunas escenografías para otras compañías profesionales.
¿Qué es el teatro para ti?…¿Por qué haces teatro?…
Para mí el teatro es una forma de vida y una necesidad. Prácticamente todo en mi vida gira alrededor del teatro: trabajo en teatro, mi principal ocio es el teatro, la mayor parte de mis amigos los he conocido haciendo teatro…sigo formándome en teatro y cuando paso tiempo sin hacer teatro me invade la tristeza. Es una pregunta que me han hecho varias veces a lo largo de mi carrera y mi respuesta suele ser bastante difusa, creo que va implícita en la respuesta anterior. Pero te diría que hago teatro para formar parte de un colectivo que trata de entender de una manera ética y estética los mecanismos humanos.
¿Qué balance harías sobre tu trayectoria?…
Me siento un privilegiado por poder vivir de esta profesión. Llevo veinte años trabajando casi exclusivamente de ella y sé que eso no es lo habitual. Siempre he sido lo que se llama un «actor de compañía», eso no todos los actores lo llevan bien, porque en un montaje tienes un papel protagonista, en otro de reparto y en otro haces la ayudantía de dirección. Yo estuve siete años formando parte del Teatro del Norte y trece años en la compañía L´Om Imprebis que dirige Santiago Sánchez. Esto te da una estabilidad laboral pero tiene una contrapartida y es que tu nombre pasa a un segundo término. En los últimos dos años y tras haber formado parte del reparto de Transición, coproducción con el CDN y en diferentes montajes del Off, en lo que va de año he participado en cinco montajes.
¿Qué función crees que ha de tener el teatro para la sociedad de hoy?…
Creo que el teatro no debe ser sólo entretenimiento, no es difícil sucumbir a esta función y más en estos tiempos difíciles Creo que el teatro debe ser un lugar para la reflexión y una experiencia poética compartida por un grupo de seres humanos.
¿En qué proyectos has participado durante el último año?…Háblanos de ellos…
Como decía antes este año ha sido muy fructífero en proyectos. Empecé el año en la sala Arte&Desmayo con 405 de Marilia Samper, dirigida por Juanma Gómez, un thriller psicológico y no falto de humor que protagonicé junto a Elia Muñoz, una partenaire de lujo. En Marzo retomamos El banquete, noche de borrachera filosófica ,que ya había sido estrenada en el Festival Fringe del año pasado; una adaptación de El Banquete de Platón hecha por María Velasco , Alberto Conejero , Sergio Martinez Vila , Ana G.Costa y Elena Lombao, con la dirección de Sonia Sebastián y acompañado por Miquel Insua , Natalie Pinot , Julio Rojas , Aarón Lobato , Hiuchi Chiu y María Ordoñez. Se reestrenó en el Ateneo de Madrid dentro del Festival Ateneo mucha vida en Marzo y continuamos en la sala Nave 73 en Abril y en junio en» La Pecera «del Círculo de Bellas Artes. Y también en Junio estrenamos Instantes en la Sala Tu, con textos de Paloma Pedrero , Nestor Villazón y Sandro Cordero , dirigida por Roberto Cerdá y acompañado por Mélida Molina , Ana Blanco Y Sergio Otegui . Formada por tres piezas breves con un denominador común encuentros que se tornan excepcionales y desembocan en la unión amorosa .
A principios de Julio participé en el festival Clásicos en Alcalá con Un cuento de invierno de W. Shakespeare , en versión y dirección de Carlos Martínez Abarca para Síosí teatro con uno de los personajes más complejos a los que me he enfrentado en mi carrera : Leontes , junto a Rocío Marín , Zaira Montes, Jimy Castro, Nuria López, David Lázaro, Oscar Ortiz de Zárate y Xoel Yañez . Participando también en los Festivales de Almagro , El Escorial ,etc. Y en Septiembre llegó Cliff / Acantilado sin duda el texto más bonito que me han ofrecido nunca, un reto y una oportunidad de enfrentarme en solitario a la descomposición de un mito. Ha ido muy bien por lo que seguimos programados en La Pensión de las Pulgas.
¿Cómo surgió tu participación en Cliff?…Háblanos de ella…
Cliff surge del empeño de Alberto Velasco de poner en pie la obra de Conejero, del encuentro de estos dos creadores, y del flechazo que tuvimos el resto del equipo con ella. Hace tres años, cuando la obra ganó el premio LAM ya pudimos comprobar su eficacia en la lectura dramatizada, dirigida por Elisa Marinas en la SGAE y que yo mismo protagonicé. Cuando conocimos La Pensión de las Pulgas nos dimos cuenta de que era el espacio ideal para albergar esta obra . Cliff /Acantilado , recurre al famoso actor Montgómery Clifft para hablar de las zonas oscuras , la cara B de las estrellas , lo que no suele salir en el papel couché , y lo hace desde la poesía del texto y la ausencia de interlocutores y con una puesta en escena que desde la sencillez y la utilización tanto de los objetos como del propio cuerpo del actor dibuja a un personaje a punto de romperse durante una hora y ocho minutos . En esta puesta en escena tiene mucho peso el trabajo de Velasco, que destaca como coreógrafo, bailarín y actor además de como director. Todo esto se apoya y complementa con el trabajo maravilloso de Mariano Marín en el espacio sonoro, quién compone parte de la música para nuestra pieza y las sugerentes imágenes que nos proporciona el videocreador Adriá Giralt.
¿Cuál es tu método de trabajo?¿Cómo creas tus personajes-propuestas?…
Lo cierto es que no tengo ningún método concreto, a lo largo de estos veinte años de profesión me he seguido formando ( casi con avidez ) con diferentes profesionales que me parecía podían aportar herramientas a la hora de interpretar y de todos ellos he ido tomando lo que me resultaba útil .
Es difícil explicar como se crea un personaje , creo el personaje va apareciendo capa a capa desde la primera lectura a la última representación , normalmente las claves te las va dando el texto y a medida que vas descubriendo los porqués de su comportamiento va surgiendo el personaje . En el caso de Cliff además del texto dramático existen biografías y una abundante filmografía .
¿Cómo crees que están afectando los recortes y el aumento del I.V.A. a los proyectos de teatro?…
Creo que se están cargando una profesión que en las últimas décadas había logrado un estatus más o menos aceptable y se está convirtiendo en una actividad amateur . Las compañías consolidadas se ven obligadas a hacer montajes de pequeño formato con uno o dos actores y la falta de incentivos hace que muchos profesionales tengamos que embarcarnos en producciones sin producción moviéndonos de sala en sala y aceptando condiciones en ocasiones miserables . Es verdad que se están creando cosas interesantísimas , pero también hay mucho hacer por no parar , un poco a la desesperada .
¿Qué montaje que hayas visto últimamente, te ha interesado?¿Por qué?…
En este último año he visto muchos trabajos interesantes y elegir sólo uno es difícil . Me gustó mucho Ahora empiezan las Vacaciones , una estupenda adaptación de El Pelícano de Stringberg hecha por Paco Becerra , con dirección de Luís Luque y cuatro actores fantásticos . Me atrapó . Una buena historia , una dirección impecable y unos actores fantásticos… ¿Qué más se puede pedir?.
¿Proyectos?
En enero empiezo a ensayar un montaje con el CDN , voy a formar parte del elenco de Salvator Rosa o el artista de Francisco Nieva que dirige Guillermo Heras .
La calma mágica de Alfredo Sanzol en el CDN
Oliver es un hombre que quiere cambiar de vida, durante una entrevista de trabajo, su futura jefa le ofrece probar unos hongos alucinógenos. Oliver comienza a ver que en el futuro se quedará dormido delante del ordenador y que un cliente le grabará con el móvil dando cabezadas. Oliver querrá que el cliente borre ese vídeo del móvil y el cliente no querrá. De la lucha de dos cabezones nace esta historia de búsqueda de la dignidad y del sentido de la vida. Alfredo Sanzol está creando una obra propia y personal, a medio camino entre el humor delirante y el absurdo cotidiano. Sus personajes se ven atrapados en situaciones tontas gracias a las cuales, el espectador puede reflexionar sobre sus propios miedos y miserias. Aquí, indaga sobre los límites de la libertad entre unos seres atrapados en una fantasía con resultados de sorprendente teatralidad.
Adolfo Simón
Gasoline Bill de René Pollesh en Una mirada al mundo del CDN
Gasoline Bill, última creación de Pollesh para el Kammerspiele de Munich redunda en estas características propias de su teatro: los grandes temas son algo del pasado; el texto es presentado como un proceso colectivo y como un mosaico sin orden aparente en el que cuatro actores en estado de gracia nos hacen transitar en clave de humor a veces desenfrenado, por todas las pequeñas obsesiones del hombre actual (y del actor actual), y que podríamos resumir en una frase del texto: «he salvado dos delfines gracias a mi voluntariado en Greenpeace, y aun así, no consigo dejar de estar triste…». Hay espectáculos que parecen un caos, un cúmulo de frivolidad y poca elaboración en el discurso y la forma, pero a veces, este aparente desorden no es más que una decisión firme de cuestionar precisamente esos trabajos en lo que todo es vacio y falto de compromiso ético. En Gasoline Bill se habla y habla sin decir nada, se hace y vuelve a hacer cosas que no tienen ningún sentido y se entrega el alma para nada, vamos, lo que pasa en muchos espectáculos pretenciosos donde hay mucho ruido y pocas nueces. Una obra viva en todos los sentidos.
Adolfo Simón
VIP de Ramon Fontserè y Martina Cabanas en el CDN
La vida es ondulante y la educación y la relación del mundo adulto con los niños ha ido cambiando a lo largo de la historia. En nuestra moderna sociedad actual parece que el niño ha alcanzado el máximo privilegio que lo hace equiparable al trato que recibe una Very Important Person (VIP). A partir de esta premisa, Ramon Fontserè y Martina Cabanas crean una fabula en la línea de trabajo de creación actoral con el que Joglars nos han deparado exquisitos trabajos. En esta ocasión, recorren el viaje de un niño desde el vientre de su madre hasta que se adueña del núcleo familiar y su entorno, con toques visuales y aire de teatro del absurdo.
Adolfo Simón
La Ilíada de Homero dirigida por Stathis Livathinos en Una mirada al mundo del CDN
En ese espacio infernal al que bajan los personajes a través de una escalera de caracol, como si desde el plano divino se descendiese a los subterráneos pozos de la humanidad, transcurre esa obra cumbre de la literatura dramática que es La Ilíada. A ritmo frenético fueron sucediéndose los acontecimientos, extractados y violentados, como cada situación planteada, distanciada o en guerra emocional. Hay un tratamiento interpretativo que oscila entre el gran guiñol, el circo y el distanciamiento brechtiano que nos aboca a situaciones intensas cargadas de emociones ubicadas entre los brazos del amor y la guerra. La primera parte es un rayo crepuscular, la segunda se sitúa en un pasaje lunar devastado donde todo va sucumbiendo a una terrible agonía épica. Y de fondo, todo el tiempo, el sonido del griego como el eco de otro tiempo.
Adolfo Simón
Alberto Conejero: Cada texto teatral es una semilla de mil árboles distintos.
¿Cómo surge el proyecto de Cliff?…
El proyecto de Cliff / Acantilado surge gracias a la iniciativa y pasión desbordante de Alberto Velasco. El texto había sido estrenado en Buenos Aires un par de años antes y casi estaba resignado a que no ocurriese lo mismo en España. Pero Velasco lo leyó y perseveró para hacerlo posible. Finalmente me sumé a la dirección y pudimos contar con Carlos Lorenzo, el actor para el que había sido escrito. Imagino que en como casi todo lo excepcional, un cúmulo de anhelos y de voluntad por hacerlos posibles. Posteriormente se sumó Pablo Martínez a la ayudantía de dirección y técnica, otra pieza fundamental del montaje. Hemos contado además con colaboradores excepcionales como el músico Mariano Marín y el creador audiovisual Adrià Ghuiralt.
¿Hiciste algún tipo de búsqueda o documentación sobre el tema antes de empezar a escribir?…
El texto no es un biodrama sobre Montgomery Clift aunque esté irremediablemente ligado a su biografía. Leí todo lo que pude sobre Montgomery Clift, volví a ver toda su filmografía, e iba apuntando todo aquello que coincidía con la obra que empezaba a intuir, que se sumaba en ese otro Clift que yo necesitaba contar. De ahí que desde el título el texto busque señalar esta ficcionalización de la persona real. En este sentido, el texto es mucho más deudor de La gaviota de Chèjov que de la propia biografía de Clift. Hay un juego de muñecas rusas entre Treplev, Clift y mi personaje que, quizá, es la suma de ellos o la suma de ellos en mí…
¿Cómo ha sido el proceso de escritura del texto?¿Ha cambiado tu visión del texto a partir de la lectura hecha en la puesta en escena?…
Los dramaturgos sabemos que no escribimos teatros sino para el teatro. Hay en los textos una constante incitación a los imaginarios de los actores, del director, del escenógrafo, etc. Lo peculiar aquí es que además yo codirigía la función aunque la distancia con el momento de escritura (cinco años) me han permitido tener una distancia que considero imprescindible. La función no es un mero representar de mi texto sino una nueva reescritura de la que también son responsables Velasco , Lorenzo y el resto del equipo. He tenido que renunciar a partes del texto que sobre el papel funcionan poderosamente pero que en esta función estorbaban. Pero lo he hecho sin ningún sentimiento de renuncia.
¿Opinas como algunos autores que no hay que publicar un texto hasta verlo estrenado?…
No estoy seguro. Defiendo la necesidad de una literatura dramática que exista como tal, que se publique y se lea teatro, que se reivindique la palabra escrita que, en el caso de la teatral, espera además hacerse carne. La publicación permite además sobrevivir a la fugacidad del hecho escénico y poder dar ocasión a nuevas representaciones. Cada texto teatral es una semilla de mil árboles distintos. Es además un refugio para los dramaturgos. Nadie te proscribe cuando escribes. ¿Qué hubiera sido de Valle-Inclán siguiendo ese pensamiento? Pero efectivamente la escena es la mejor escuela para un dramaturgo. Es una catástrofe que en este país no haya verdaderos espacios de aprendizajes de escritura en escena, que se le facilite a los dramaturgos crecer en el escenario, sin la presión del resultado. Por lo tanto, aquellos que puedan permitirse estrenar antes de publicar que lo hagan… y mientras tanto, defendamos la literatura dramática.
¿Qué balances haces de tus últimos trabajos como autor?…
Los últimos textos que he escrito y publicado han sido La piedra oscura y Ushuaia. El primero se estrena en enero en el CDN con dirección de Pablo Messiez y el segundo espera aún su oportunidad… Estoy feliz de haber encontrado compañeros de viaje como Messiez o el propio Velasco en Cliff. Siento que mi escritura está creciendo gracias al privilegio que es llegar a las tablas y que realmente, aunque lleve quince años escribiendo teatro, estoy empezando.
¿Cómo ves la autoría teatral en estos momentos en nuestro país?…
Una generación espléndida que es capaz de generar maravillas en una tormenta perfecta. Es el resultado de la educación pública y de los esfuerzos por dignificar las enseñanzas artísticas. Pero me temo que ese fulgor sea devorado por la destrucción sistemática de los espacios de reflexión, por esta oscuridad sin nombre que nos gobierna. En una sensación extraña la de saberme rodeado de autores con inmenso talento y, a la vez, vivir en uno de los peores momentos para la cultura en este país.
¿Cómo crees que está afectando la subida del I.V.A. y los recortes al teatro?
A esto me refería. La profesión se ha atrincherado en espacios pequeños para no dejar pudrirse ganas y talento pero la precarización es absoluta y no debemos ni podemos conformarnos. El IVA cultural es una medida profundamente antipatriota de los que dicen amar este país, una de las grandes vergüenzas que recordaremos de estos años…
¿Qué sentido ha de tener el teatro hoy?…
Un lugar de encuentro para la poesía y el pensamiento, para plantearnos quiénes somos como seres humanos y ciudadanos. Lo que siempre fue y será.
¿Qué obra de teatro has visto últimamente?¿Qué te pareció?…
He visto Infamia de María Velasco, una de las voces más importantes de la dramaturgia contemporánea. Un montaje artesanal que suple con talento a raudales una producción de resistencia.
¿Proyectos?.
El estreno de La piedra oscura en el CDN, una lectura dramatizada de Ushuaia en Nueva York y ojalá finalmente cuaje un proyecto que Luis Luque y yo llevamos tiempo soñando.
Beatríz Bergamín y Ángeles Martín nos hablan sobre su trayectoria aprovechando el estreno de «No hay papel»
¿Cómo fueron tus inicios en el teatro?…¿Realizaste otras facetas además de la actuación?…
Beatriz: En el escenario del desaparecido Teatro Martín cumplí 17 años, haciendo La Estanquera de Vallecas de J. L. Alonso de Santos junto a la que luego se convirtió en mi abuela para siempre, la genuina Conchita Montes. Después entré en la RESAD y fui alumna de un gran maestro espléndido ser humano, Pepe Estruch, que me enseñó entre otras muchas cosas, la importancia en escena – y en la vida – del silencio. También recuerdo con inmenso cariño a Marta Schinca. Y allí conocí a muchos de mis amigos del alma, los que me acompañan desde entonces y hasta hoy. A raíz de la Estanquera me independicé de mis padres, así que trabajaba por las noches de camarera, por las mañanas iba a la RESAD y por las tardes posaba como modelo de pintores y escultores. Intenso, duro, feliz.
Ángeles: Empecé en el hostal que regentaban mis padres en la calle Valverde de Madrid, actuando para la gente que pasaba por ahí desde muy pequeña. Me inscribí en la Escuela de Arte Dramático de Madrid tan pronto acabé el bachillerato, determinada a hacer lo que sentía.
¿Qué es el teatro para ti?…¿Por qué haces teatro?…
Beatriz:El teatro es mi vocación, mi manera de estar en el mundo, de mirar, de respirar, de sentir, de mostrarme y expresarme, de vivir, de bucear en mi misma y de empatizar o no, con los demás, mi lucha, mi sueño en curso, mi responsabilidad.
Ángeles: El teatro para mi es poder vivir lo que sienten los personajes que habito.
¿Qué balance harías sobre tu larga trayectoria?…
Beatríz: Un balance sin balanza, más en el desequilibrio que en la línea continua. He trabajado mucho, es cierto, pero cada día que pasa me siento más transparente, menos sabia, más abierta, más sensible al presente. Todos mis trabajos están en mi, todos han dejado huella, los buenos, los malos, los regulares poca huella han dejado pero también han sido y ahora, menos mal, recuerdo más intensamente a las personas que han estado conmigo en esos procesos, esas funciones, esas giras, que las obras en sí mismas o los personajes que interpretaba en ellas. La suerte, y a veces también lo difícil de “entender” o mirar a vista de pájaro mi carrera, es que he trabajado y trabajo con personas muy diferentes entre sí, en estilos o modos de ver las cosas incluso opuestas, no tengo claramente una “familia” teatral. No tengo sentido de pertenencia y tampoco de permanencia, pero sí de fidelidad y respeto hacia lo que de verdad me atrae, me atrapa, me apasiona o me emociona y me cambia. He hecho cabaret, teatro de calle, recitales, teatro infantil, he sido una salvaje con la Fura dels Baus, he trabajado en la Compañía Nacional de Teatro Clásico y en el Centro Dramático Nacional, he producido mi propio teatro personal, he estado en La Abadía y en el Teatro de la Latina casi a la par, o en series de televisión horteras y en otras muy buenas. Qué más da. Se trata de ser coherente en lo personal y en la aceptación de las diferencias humanas o poéticas que uno percibe en uno mismo y en los otros, creo, pero siempre que en lo que uno hace haya implicación, dignidad, ilusión, entrega y sentido del humor, por supuesto. Siempre ha sido difícil trabajar en lo nuestro, pero es que ahora es un milagro, y además suele pasar que lo que más te gustaría hacer es lo más difícil de conseguir, porque se te ven las ganas, el temblor, la fragilidad.
Ángeles: He tenido el privilegio de trabajar con grandes directores y compañeros que me han enseñado mucho sobre la interpretación, es decir, sobre la vida.
¿Qué función crees que ha de tener el teatro para la sociedad de hoy?…
Beatríz: Como mínimo la función de existir o seguir ahí, siendo y estando, porque ya casi ni eso tiene, el pobre. La función de tocar, tocar algo, como cuando un sable toca al adversario y al adversario le duele el pecho, o como un amor que te toca y no sabes si eso te gusta o te da miedo pero sabes que te están tocando y estás vivo. La función de abrir las carnes, de sensibilizar ante situaciones extremas, políticas, indignantes o delicadas, crear una mirada nueva ante lo efímero, frente al hoy, ante lo que no queremos ver o lo que no nos han dejado mirar, lo ya pasado o lo que podría suceder; y servir como reflexión o pausa ante la prisa, la barbarie y como no, la belleza. Y la función por y para la que nació el teatro en Grecia, comunicar, conectar, empatizar a unos seres humanos con otros seres humanos. Mucho, ¿verdad? Pues parece que no lo ven, en España.
Ángeles: La función del teatro es ser testigo del tiempo en que vivimos, o del tiempo en que otros, muy parecidos a nosotros vivieron.
¿En qué proyectos has participado durante el último año?…Háblanos de ellos…
Beatríz: He vivido una experiencia sorprendente, participando como actriz en la ópera Les Contes d´Hoffmann de Offenbach que se ha estrenado en el Teatro Real de Madrid con dirección de escena de un creador singular, yo diría genial, Christoph Marthaler, generoso, cercano, divertido, un mito del teatro alemán internacionalmente reconocido. Actualmente sigo con la gira de El Lenguaje de tus Ojos de Pierre de Marivaux con dirección de Amelia Ochandiano para la compañía Teatro de la Danza, que se pudo ver en julio de este año en el Festival de Almagro. Nunca antes había trabajado con Amelia y he descubierto con admiración su disciplina, su meticulosidad y su amor incondicional hacia nuestra profesión.
Ángeles: Este último año he trabajado junto a Blanca Portillo y Eva Hache, en la muy personal comedía de Ferrán González, dirigida por Victor Conde. Teniendo el privilegio, con los tiempos que corren, de hacer una gira como las de antes con los teatros llenos hasta la bandera.
¿Cómo surgió la propuesta de NO HAY PAPEL?…Háblanos de ella…
Beatríz: NO HAY PAPEL es ahora mi hijo y el hijo de Ángeles Martín, es nuestra apuesta, nuestro proyecto, nuestra decisión. Algo pequeñito que hay que proteger con extrema sensibilidad y con muchísima humildad pero con impulso, pulso y confianza. Surgió porque yo estaba, a inicios del 2014, sin papel, sin trabajo, sin dinero, sin sitio, sin alegría, así de crudo, sin confianza en ser capaz de sacar adelante nada o poco. Surgió por la necesidad profunda de escribir, de actuar, de equivocarme, de reírme más, de estar. Y surgió porque Ángeles me insistía: escribe escribe escribe, yo estoy aquí, mírame, hazlo ahora, sal fuera de tí. Ahora es ahora y aquí estamos, juntas. Con la contundente apuesta, desde el inicio y sin reservas hacia nuestro proyecto, del director Víctor Velasco, que sabe, puede y quiere mirar este texto y a nosotras dos, desde sí mismo, repleto de talento, lo cual ha desembocado en una propuesta de montaje personal, desnuda, honesta. Ahora somos un equipo, y estamos despegando gracias a la inestimable ayuda de la sala Off de La Latina, unos valientes que nos apoyan e impulsan porque han apostado por No hay Papel, ferozmente. Gracias.
Ángeles: La propuesta surge cuando nos damos cuenta mi amiga Beatriz Bergamín y yo, de que tenemos todos los elementos para poder realizar nuestro proyecto personal y poder decidir lo que queremos hacer y como queremos hacerlo.
¿Cuál es tu método de trabajo?¿Cómo creas tus personajes-propuestas?…
Beatríz: Leo mucho, cosas que tiene que ver con la propuesta o el personaje y otras que no pero que me inspiran. Se da por hecho que mi voz y mi cuerpo ya están ahí disponibles y entrenados, claro. Estudio en voz baja, en voz alta, por la casa, por la calle, mientras corro, mientras nado, mientras duermo. Me impregno de cosas, de gente, de músicas. No cierro ninguna puerta, me dejo, luego tomo decisiones claro, porque hay que tomarlas y porque se toman ellas mismas a sí mismas, y porque escucho, me vuelve loca confiar, confiar en las personas que me acompañan en ese trabajo en concreto. Me encanta jugar jugar jugar…
Ángeles: En cada proyecto que recibo intento adaptarme a lo que el director quiere. Para eso es imprescindible llevar el texto aprendido. Eso es lo que me permite jugar al juego que me proponen.
¿Cómo crees que están afectando los recortes y el aumento del I.V.A. a los proyectos de teatro?…
Beatríz: Están afectando terroríficamente a la cultura en general, no solo al teatro y al cine español, están golpeándonos, maltratándonos, borrándonos, dejando nuestras propuestas creativas y nuestra forma de vida aterida, parca e insostenible económicamente. Estamos en un momento durísimo, de absoluta desventaja frente a otros países de Europa, desangelados, pero no acobardados ni muertos.
Ángeles: No nos queda más remedio que hacer de la necesidad virtud. La subida del IVA ha sido demoledora para la industria teatral, así como la desaparición de las ayudas. Pero,intentando verlo desde el punto de vista positivo, creo que han abierto la caja de Pandora, porque han dejado de controlar lo que se hace.
¿Qué montaje que hayas visto últimamente, te ha interesado?¿Por qué?…
Beatríz: Este año, que ya está otoñando, he visto montajes que me han emocionado y cambiado, por ejemplo en La Abadía, en Matadero y en los Teatros del Canal y en diversas salas alternativas, donde se están fraguando y estrenando propuestas interesantísimas.
Ángeles: Hay una oferta increíble, llena de creatividad y competencia en la cartelera. Me interesa mucho los trabajos que se están haciendo en las salas alternativas, y todos ellos se merecen una mención por el riesgo que implican y su desbordante creatividad con medios escasos.
¿Proyectos?…
Beatríz: En Enero del 2015 me espera un texto barroco y revolucionario de un autor español, al que quiero y admiro profundamente, un regalo. Empiezo la gira de El Lenguaje de tus Ojos y estaré entregada cada miércoles de octubre y cada jueves de noviembre y diciembre 2014 a No Hay Papel en Off de La Latina, nuestra apuesta personal.
Ángeles: Ahora mismo apostamos por nuestro proyecto “No hay papel”, con la dirección del enorme Victor Velasco, escrita por mi gran amiga Beatriz Bergamín y con un equipo inmejorable. Y el resultado es consecuencia de lo anterior, aunque esa opinión, como siempre le corresponde a los espectadores.
Tengo el privilegio de hacer la próxima función de mi gran amigo y maestro Paco Nieva, “Salvator Rosa” interpretando el maravilloso mundo de “Floria”, producida por el CDN.
Medida por medida de Declan Donnellan en el CDN
William Shakespeare es el mayor dramaturgo de la historia del teatro porque su obra es de una complejidad fantástica y al tiempo, nos cuenta la vida de forma sencilla, como un cuento. Esto hace que cada vez que un equipo artístico se enfrenta a sus textos, tenga que mantener el equilibrio entre la complejidad y la sencillez, de otro modo, fracasará totalmente en el intento de llevar sus piezas a la escena. Declan Donnellan hace fácil lo difícil, en esta ocasión con la compañía que ha creado en Rusia. Ha conseguido que desarrollen un lenguaje propio con el sello de Donnellan que nunca es el mismo, no tiene un molde para el éxito, tiene la curiosidad de cómo traducir y expresar, para el espectador de hoy, las grandes obras de la literatura dramática, en este caso ha sido Shakespeare pero podría ser Jarry como ocurrió el año pasado. En esta ocasión crea un paisaje con los actores y los mueve en escena como piezas de un juego que ha inventado, donde la trama va desarrollándose ante los ojos del espectador, haciendo que una historia compleja nos llegue como si de un cuento para niños se tratase.
Adolfo Simón
Titerescena en el CDN
Una colaboración de Centro Dramático Nacional
y Centro Internacional del Títere de Tolosa (Topic)
TEATRO VALLE-INCLÁN
Sala Francisco Nieva, El Mirlo Blanco y calle
Septiembre de 2014 a junio de 2015
Más info en: http://cdn.mcu.es/
Una nueva edición del Festival «Una mirada al mundo» en el CDN
Más info en: http://cdn.mcu.es/prensa-documentacion/una-mirada-al-mundo/
Felipe Andrés Santos: Creo que el teatro debe ser una ventana para la reflexión y el descubrimiento
¿Cómo fueron tus inicios en el teatro?
Empecé a los 15 años en los grupos de teatro aficionado de mi ciudad, Alcalá de Henares. Después me interesé por la formación y tras hacer cursos en Metropolis y la Escuela de William Layton, conseguí entrar en la RESAD, hecho fundamental en mi vida profesional pues, además de tener profesores maravillosos como Charo Amador, Ernesto Caballero…, me permitió entrar en contacto con profesionales con los que sigo trabajando en el presente.
…¿Por qué haces teatro?…
Para mí significa tener un lugar en el mundo en el que poder expresarme y en el que poder transformar en cierta medida lo que me rodea.
¿Qué balance harías sobre tu trayectoria en la interpretación?…
Mi trayectoria, principalmente teatral, está basada en el esfuerzo y en el trabajo del día a día, lo que me hace sentir muy satisfecho. Todo lo conseguido, sea mucho o poco, ha sido cocido a fuego lento, con muchas horas de dedicación y compromiso. He tenido la suerte d trabajar con directores muy experimentados como Juan Pastor, con el que he realizado 6 montajes, y con el que trabajar es un auténtico regalo para cualquier actor, gracias a él mi trabajo en “El fantástico Francis Hardy, curandero” fue reconocido con el Premio Unión de Actores de este años al mejor actor secundario de teatro, o con directores más jóvenes y talentosos como Victor Velasco, que fue compañero de promoción en la Resad y este año me abrió la puerta del CDN para protagonizar el montaje “La corrupción al alcance de todos”.
Mi implicación siempre es total y procuro vivir todos mis trabajos con la mayor ilusión e intento sacar lo mejor de cada experiencia, aunque sea algo comercial y a priori menos interesante, por ejemplo mi primera gran gira teatral fue con ´Frente a frente´ dirigida por Fermín Cabal en la Cía de Pedro Osinga, con él hice en un año más de 400 representaciones, era el típico vodevil y aprendí mucho.
Aunque he participado en varias producciones comerciales más, realmente donde he tenido un desarrollo y una proyección más interesante ha sido, además de los trabajos mencionados anteriormente, con las funciones producidas por mi compañía Críacuervos. Con la comprometida farsa política ´Pacto de Estado´conseguimos titulares en todos los periódicos y llegamos a estrenar en la Sala 2 del Nuevo Teatro Alcalá y con ´Cuando fuimos dos´ permanecimos casi una año de representaciones en el Teatro Infanta Isabel de Madrid y gira, consiguiendo emocionar a mucha gente y en la que mostramos, desde la mayor naturalidad, la vida de una pareja homosexual.
En televisión he intervenido en 14 series con papeles episódicos y he realizados decenas de programas de bromas de cámara oculta. Es un medio que me fascina y en el que espero poder tener un mayor desarrollo.
¿Qué sentido ha de tener el teatro para la sociedad en la que vivimos?..
Creo que el teatro debe ser una ventana para la reflexión y el descubrimiento, un lugar donde reconocernos y, por qué no, también divertirnos.
¿Cómo surgen las ideas y los proyectos en los que te embarcas?¿Qué te anima a participar en ellos?…
Principalmente tiene que haber un personaje y una historia que me enganchen, que me motiven, y que tenga posibilidades comerciales, es decir, que pueda interesar al público. No me gusta hacer teatro sólo para los amigos.
Si conecto con lo que se quiere contar me lanzo sin prejuicios.
También es fundamental el equipo que integre el proyecto, hablar un lenguaje común me parece imprescindible para que las cosas fluyan y se produzca el hecho artístico.
¿Cómo surgió la propuesta del Chejov que estáis haciendo en La Guindalera?…Háblanos de este proyecto y tu trabajo en él…
Juan Pastor, con el que ensayé y no pude estrenar hace años ´La petición de mano´ de Chéjov, nos sugirió a María Pastor, José Bustos y a mí rescatar algunas piezas cortas cómicas de Chéjov para hacer un espectáculo fresco y divertido para el verano en Guindalera. Nos encantó la idea y contando con su supervisión y ayuda en la dramaturgia nos lanzamos, queríamos que no fuera un espectáculo convencional, y surgió la idea, partiendo de ´La audición´ del propio Chéjov, de hablar de nuestro mundo, si en las piezas cortas este retrata los deseos y anhelos, la frustación , la soledad, las miserias y defectos del alma, nosotros estableciendo un paralelismo con el momento actual, situamos la acción dentro del proceso de inicio y creación de un espectáculo, de la lucha , renuncias y sacrificios que el creador tiene que soportar en el desamparo y mediocridad reinante. Esto nos permite también jugar al teatro dentro del teatro y el público lo disfruta enormemente.
¿En qué proyectos has participado durante el último año?..
He protagonizado, CUANDO FUIMOS DOS de Fernando J. López y dirección de Quino Falero en el Teatro Infanta Isabel y gira (montaje del que me siento especialmente orgulloso porque fue de producción propia) y LA CORRUPCIÓN AL ALCANCE DE TODOS de José Ricardo Morales y dirección de Victor Velasco en la Sala de la Princesa del Teatro María Guerrero.
También he participado en la Dramatización de ´EL RECONCILIADOR´de Manuel Silvela que con dirección de Juan Pastor se pudo ver en el Teatro Pavón.
¿Qué proyectos tienes entre manos?…
Aunque terminamos con las representaciones esta semana, me gustaría continuar con ´Verano Chéjov´ después de agosto pues estamos obteniendo un éxito tremendo de público y está gustando mucho.
¿Cómo crees que están afectando los recortes y el aumento del I.V.A. a los proyectos de teatro?…
La subida del IVA está consiguiendo que cualquier montaje superior a 2 personajes sea practicamente inviable, por lo que la oferta teatral se está empobreciendo muchísimo, reduciendo la cartelera de muchos teatros, que hace años contaban con grandes e interesantes producciones, a espectáculos de monologuistas. La mayoría del teatro alternativo se ha visto abocado a una multiprogramación insostenible para las compañías, ya que además de mermar la calidad de las representaciones, hace casi imposible tener una continuidad y un rodaje con el que poder amortizar la inversión, por lo que muchos actores están trabando casi sin cobrar y en condiciones lamentables.
Lugares como la Guindalera que apuestan por la calidad y el rigor, y no por la cantidad y “el todo vale”, deberían estar protegidos.
¿Qué montaje que hayas visto últimamente, te ha interesado?¿Por qué?…
Disfruté enormemente de NOVECENTO en la sala pequeña del Teatro Español. Texto bellísimo interpretado magistralmente por Miguel Rellán y dirigido con una gran precisión y sensibilidad por Raúl Fuertes. Me conmovió y emocionó muchísimo pues me transporte por cada imagen, sentimiento y vivencia del personaje. Un ejemplo de honestidad y rigor.
Igualmente me gustó LA BELLA DE AMHERST en el Teatro Guindalera que con magistral dirección de Juan Pastor me metió de lleno en la vida de la poetisa Emily Dickinson, maravillosamente encarnada por María Pastor.
¿Alguna sugerencia para seguir creando y haciendo teatro en tiempos de crisis?…
Constancia, compromiso y mucha ilusión. Rodearse de gente con los mismos intereses y contar buenas historias.
Una mirada esencial al mundo en el CDN
El Centro Dramático Nacional ha de dar un paso valiente hacia adelante. Es verdad que ya lleva dos años programando el ciclo Una mirada diferente-creando para la inclusión, una muestra donde se exhiben propuestas profesionales que tienen en cuenta a las personas con minusvalías, pero colocarlo al final de la temporada no ayuda al objetivo que pretenden: Que un día no hagan falta este tipo de ciclos si no que ya estén integrados de manera natural en la programación de un teatro. Pues para eso, han de empezar a darle un lugar de mayor eco entre la ciudadanía… ¿Qué tal si este ciclo abriese la temporada en vez del Festival de grandes creaciones internacionales?, estas últimas ya tienen su efecto entre los medios y el público porque vienen avaladas por grandes nombres pero lo que se ha visto en las dos semanas de Una mirada diferente…aunque no tenga grandes espectáculos entre lo expuesto, si han tenido una calidad y riesgo excelente, como ha sido el caso de las dos últimas obras que he tenido el placer de disfrutar: L´assenza (La ausencia) de Teatro Buffo de Italia, un espectáculo lleno de poesía y belleza, con imágenes impactantes cargadas de discurso donde se olvidaba si los intérpretes tenían discapacidad o no, conseguían que la magia del teatro existiese y que la emoción invadiese el patio de butacas. Y una obra para público familiar «Uga» de Seña y verbo, compañía de México liderada por la dramaturgia y dirección de Haydeé Boetto. Aquí, los cinco integrantes consiguen tejer el lenguaje de signos con la palabra de manera tan sencilla y accesible que seguimos la historia y la creación visual de los actores de manera deliciosa, descubriendo que la comunicación no tiene barreras si lo deseamos. Y además, he aprendido como se dice amigo en lenguaje de signos…Gracias!.
Adolfo Simón
Boomerang de Blanca Domenech en el ciclo Escritos en la escena
Escritos en la escena es un espacio de investigación dramatúrgica en el Laboratorio Rivas Cherif dirigido por Ernesto Caballero. Boomerang es un texto escrito por Blanca Domenech surgido de este territorio de búsqueda que se ha representado en la Sala de la Princesa del Centro Dramático Nacional. Los acontecimientos importantes ya no ocurren en los palacios, surgen en los espacios traseros, allí donde se acumula el material en desuso, este parece ser el planteamiento del director que ha optado por una propuesta sencilla a medio camino entre la lectura dramatizada y la escenificación sujeta a lo esencial, espacialmente hablando, centrándose más en el trabajo actoral que en otras cuestiones. Una trama que nos remite a los laberintos emocionales que se usan como moneda de cambio en un mundo donde triunfa solo aquel que está dispuesto a pagar cualquier precio por su ascenso.
Adolfo Simón
Una mirada diferente para el teatro
Por segundo año consecutivo se lleva a cabo el ciclo Una mirada diferente, creando para la inclusión. Una posibilidad de conocer la escena desde la visión y perspectiva de colectivos que trabajan con personas con discapacidad. Desde el 19 al 29 de junio se podrán ver ocho espectáculos y disfrutar de la experiencia: Ficción sonora, una ocasión en la que recuperar la dramaturgia acústica de alguno de los trabajos presentados durante la temporada actual en el CDN.
En el primer fin de semana se han presentado dos propuestas escénicas y un concierto al aire libre de El Langui en la Plaza de Lavapiés.
A cantora careca(La cantante calva) de Eugène Ionesco por Crinabel Teatro de Portugal.
Este colectivo luso se ha enfrentado a uno de los textos más representados del teatro del absurdo y lo hacen con una mirada personal, huyendo de los tópicos de cómo hay que hacer una obra de estas características. El mundo propio de los actores entra en juego con la disparatada historia de La cantante calva y la convierten en un juguete delirante lleno de jocosas formas en su escenificación. Se cree que Ionesco escribió esta obra a partir de un manual para aprender inglés, seguro que si hubiera trabajando con este grupo, habría encontrado más material para hablar del absurdo que nos envuelve hoy en día.
The Freak & The Showgirl de Mat Fraser del Reino Unido.
¿Qué ocurre cuando un monstruo y una ex reina de belleza se juntan en un escenario?…El británico Mat Fraser, actor y escritor con discapacidad y la estadounidense Julie Atlas Muz, estrella del arte erótico y Miss Exotic World y Miss Coney Island, conspiran para hacer un cabaret para adultos como ningún otro. Se trata de un espectáculo políticamente incorrecto y escandalosamente divertido con striptease, canciones, participación del público, pop de los años 70, un ukelele, brazos protésicos, un montón de tangas… un abismo de sexo, canciones y sudor, prohibido en algunos lugares. The Freak & the Showgirl es un espectáculo estrictamente para mayores de 18 años. Hoy domingo todavía queda una función de este espectáculo y solo puedo decirles que no deberían perdérselo si es que todavía quedan entradas. Si el boca a boca funciona, todos los que abarrotamos ayer la sala Francisco Nieva, nos habremos encargado de decirle a algún amigo o enemigo que no se lo pierdan, a los primeros para que disfruten como niños de la perdida de pudor y prejuicios, volviendo a ser aquellos que jugamos llenándonos de barro hasta las cejas y a los enemigos, para que miren el mundo de otro modo, sin tanta fobia y miedo. Desde aquí le digo que no es un espectáculo que pueda herir la sensibilidad, más bien la pone a flor de piel.
Adolfo Simón
María Velasco: Detesto el entretenimiento.
¿Cómo surgen los proyectos dramatúrgicos y de dirección que han presentado este año?…
Cada uno tiene un punto de partida. “Günter” (dentro del ciclo ETC, de Cuarta Pared) es un viejo proyecto, de 2009, rescatado; “El Banquete” cumple ahora un año, habiendo sido estrenado en el Fringe 2013, y lo concebí con la directora Sonia Sebastián, mano a mano; “Intimidad” (Surge Madrid) fue un trabajo menos “comprometido” de adaptación y colaboración con Simbiontes Teatro; “Manlet”, ahora en cartel en la Nave 73, es una grata sorpresa: la directora, Inés Piñole, rescató el texto y lo montó por su cuenta, dando a luz una hermosa propuesta.
¿Cómo fue el proceso de ETC con los actores?…
Generalmente trabajo con actores de mi confianza, con los que comparto una trayectoria mínima. A veces el “casting” no es el ideal, sin embargo esto garantiza que la comunicación sea fluida y que no “escatimemos” riesgos en el proceso. Me gustan los actores-creadores, con iniciativa y creatividad. Mi carrera está unida a la de Aarón Lobato juntos creamos la firma “Pecado de Hybris”.
¿Cómo fue el trabajo de documentación sobre el tema antes de empezar a escribir?…
Descubrí la obra de Günter Brus, en la cual se inspira el texto, en el Museo de Arte Contemporáneo de Barcelona. Sentí un deslumbramiento. Una conexión. Desde entonces prestaba atención a todo lo que tenía que ver con el Movimiento Accionista que se desarrolló en Viena en los años 60 (de Goya y el expresionismo al arte de acción, pasando por la crueldad artaudiana). A partir del “metarelato” de las vanguardias de los años sesenta era posible pensarnos como artistas.
¿Cómo ha sido el proceso del texto a la puesta en escena?…
Ha consistido, en parte, en olvidar la puesta en escena que tenía en mente cuando lo concebí. Buscar imágenes que, sin emular la plástica del Accionismo, partían del mismo subsuelo conceptual. Me he acompañado de un codirector, Diego Domínguez, que aportaba cierta objetividad y frescura a un proyecto “masticado” a lo largo de años. Como tenemos miedo de la “violencia” en escena, preferimos generar imágenes poéticas y efectistas.
¿Ha cambiado tu visión del texto a partir de la lectura hecha en la puesta en escena?…
Siempre rehago mis textos en función de las puestas en escena, aunque las dirija yo misma. Los textos se publican y, de esa manera, se osifican, y no me disgusta, es romántico. Pero el teatro permite dar rienda suelta a la obsesión relacionada con la revisión que compartimos los escritores de todos los géneros. Cada montaje es la excusa para un replanteamiento.
¿Cómo ha sido el proceso de varios autores en El Banquete?…
Creamos un molde, o una estructura englobante. Nunca pretendimos que se tratara de una obra homogénea, sino que dimos prioridad a las texturas. Cinco discursos sobre el amor y cinco plumas. Parte de la gracia de la obra está en la heterogeneidad. Para que esa heterogeneidad fuera “organizada” y “conciliada” hicieron falta muchas reuniones y diálogos. Cuando la escritura colectiva (respetando todas y cada una de las individualidades) funciona, se produce algo mágico. Uno empieza a creer en lo “asambleario”.
¿Participas siempre del proceso de puesta en escena de tus textos?…
Lo intento. No lo puedo evitar, es como una enfermedad. Sin embargo, no creo que sea la única vía. A veces se sobrevalora. Inés Piñole, por ejemplo, ha hecho una lectura muy fidedigna de mi texto “Manlet” sin haber mantenido una sola conversación conmigo. A veces dedicamos demasiado tiempo a “teorizar” y a las “relaciones públicas”. No hay que olvidar la dimensión solitaria del trabajo del escritor, por mucho que el teatro sea un trabajo en grupo.
¿Crees que ha habido crecimiento técnico en lo actoral y la puesta en escena para abordar textos contemporáneos?…
Desde luego. Considero que la literatura dramática –cuando es estimulante- sirve, como decía Heiner Müller, para sugerir desafíos, forzar los ingenios y recursos de la interpretación y la puesta en escena. No es algo exclusivo de la contemporaneidad. Tiene más que ver con un “modo” que desafía el academicismo y el realismo para abordar lo “impresentable” (Lyotard).
¿Se potencia el aprendizaje contemporáneo en las escuelas?…
No demasiado. En la RESAD, por ejemplo, se echa de menos una “apertura” hacia la investigación artística contemporánea. A menudo, se justifica su cerrazón porque la escuela, como su propio nombre indica, es de arte dramático… pero lo posdramático y lo performativo hunden sus raíces en el mismo sustrato. No podemos ignorar una tendencia viva.
¿Cómo ves las nuevas generaciones de creadores?…
En general, creo que hace falta más compromiso y radicalidad. Y me incluyo. Somos demasiado tibios. Hacemos cultura, pero raras veces arte. En el teatro, concretamente, seguimos yendo a la zaga de la música y de las artes plásticas. Seguimos sin sacudirnos al pariente pobre del drama.
¿Están surgiendo nuevos valores en la dramaturgia?…
Disfruto mucho leyendo a algunos de mis contemporáneos (José Manuel Mora, Alberto Conejero, Antonio de Paco…). Infinitamente más que con muchos clásicos. Falta perspectiva (histórica). Sin embargo creo que es un buen momento para la escritura de los países hispanoparlantes. Hace poco con ocasión de un ciclo de textos noruegos organizado por Draftinn y el Teatro Español unos nórdicos nos comentaban sus facilidades económicas para el desarrollo de nuevas dramaturgias, pero hablaban casi con celo de la “crisis”, o el dolor como acicate creativo.
¿Qué opinas sobre el Festival Surge Madrid?…
Creo que hay más cantidad que calidad. Que se ha hecho con poco “mimo” y un gran desconocimiento de los déficits y demandas de la profesión teatral. Se trata de una primera edición… confío en que pueda mejorar.
¿Qué opinas de los espacios no convencionales que están apareciendo en Madrid?…
Por una parte, una cierta ebullición es inherente a la multiplicación de estos espacios. Por otra, empezamos a estar sobrados de salas que ofrecen poco más que unos metros cuadrados, con escasa dotación técnica e infraestructura, y sin un organigrama para la producción o la distribución, etcétera.
¿Qué sentido ha de tener el teatro hoy?…
Rabia. Detesto el entretenimiento. En los tiempos que corren me parece un insulto a la inteligencia.
Alguna sugerencia para crear en tiempos de crisis…
Considerar que la crisis es un momento para el riesgo.
¿Qué obra de teatro has visto últimamente que te haya interesado? ¿Qué te pareció?…
Me gustó mucho “La cena del rey Baltasar”, dirigida por Carlos Tuñón, en la Sala Kubik. Exprimía toda la vigencia del auto sacramental de Calderón. Un gran guiñol de las pasiones humanas. Ardo en deseos de ver qué puede hacer este director con un texto contemporáneo; tampoco puedo dejar de mencionar la propuesta escénica de Inés Piñole sobre “Manlet”, no por el texto, sino por la rigurosísima dirección de actores, la economía de las imágenes, y su elegancia.
¿Proyectos?…
El 1 de julio, en el marco del Orgullo Gay, se estrena “Infamia”, una dramaturgia sobre textos de Oscar Wilde que se centra en los procesos judiciales por los cuales fue condenado por sodomía a dos años de prisión y trabajos forzados. Es un seudomusical de pequeño formato, dirigido por Diego Domínguez y protagonizado con Richard Collins Moore, con el que hice migas en mi experiencia de Escritos en Escena en el CDN. Por lo demás, el proyecto más personal que tengo entre manos tiene que ver con un texto autobiográfico, “Líbrate de las cosas hermosas que te deseo”, que se presenta la próxima temporada en Cuarta Pared dirigido por Jorge Sánchez.
Como gustéis de Marco Carniti en el CDN
«Una comedia sobre el amor y sobre la búsqueda de la identidad. Un texto ambiguo, mimético, evanescente, filosófico, musical y poético. Una comedia que no se puede o que quizá no se debe definir. Una tragedia que se transforma en una comedia y que ya en la ironía del título desvela su objetivo: Ser como a nosotros, público, nos plazca. Un itinerario de conocimiento filosófico, donde la reflexión humanística sobre el tema del tiempo lleva al descubrimiento de un Nuevo Mundo, un inmenso espacio poético todavía inexplorado. Un viaje a veces oscuro y doloroso para llegar al descubrimiento de otros lugares dentro y más allá de sí mismos». Con estas líneas se describe la propuesta en la web del CDN, la idea del montaje que ha llevado a cabo el director Marco Carniti; por eso el título de esta nota da la pertenencia del espectáculo al director y no al autor, aunque el bardo inglés sea el que aparezca como referencia. Y Shakespeare sobrevive a esta versión tan personal que por momentos hace perder de vista al original, sobre todo cuando entra en secuencias que parecen extraídas de La Guerra de las Galaxias o de un musical de Walt Disney. Los actores defienden tres horas el planteamiento que se les ha propuesto y una iluminación y vestuario estupendos salvan el homenaje al autor inglés en el 450 aniversario de su nacimiento.
Adolfo Simón
Los Mácbez de Juan Cavestany y Andrés Lima en el CDN
Nacemos con las manos manchadas de sangre y por más que tratamos de limpiarlas, no lo conseguimos. Hay algo en el ser humano que le inhibe de la evolución y le vuelve a la animalidad, seguramente es lo mágico, el poder y el sexo. Y todo esto está expuesto en Mácbez, en esa ceremonia de laboratorio donde el sexo y la sangre se dan la mano en un coito sin fin. Por el espacio frio y opresor que ha imaginado Beatriz San Juan, inquietantemente iluminado por Valentín Álvarez, deambulan seres que parecen recortables y clones del tópico de lo que entendemos por un mediocre que ambiciona salir de sus miserias personales a costa del sufrimiento de los otros. Ese coro de seres degenerados que visten pulcros trajes es dirigido por los dos protagonistas de la obra, Mácbez y Señora; son los únicos que no cambian de máscara, todo el tiempo están cambiando de piel pero siguen siendo los mismos perros con distintos collares. La versión de la obra de Shakespeare es libre y así ha de ser si así se nombra en el programa de mano, por tanto, no hay engaños para el espectador. Se agradece que las situaciones y personajes de la obra original se crucen con seres de nuestra actualidad más rabiosa, creo que es un gran acierto. Pero el montaje está lleno de riesgo, en ningún caso gratuito, siempre expuesto con aplomo. Y hay un equipo de actores…Chema Adeva, Jesús Barranco, Laura Galán, Javier Gutiérre4z, Carmen Machi, Rebeca Montero y Rulo Pardo que se multiplican en todo lo que precisa cada momento, olvidando que la belleza es el motor del mundo, aquí, todo es horriblemente hermoso, como es la realidad, como somos en nuestro interior.
Adolfo Simón
VANESSA MARTÍNEZ nos habla de sus experiencias para la escena
¿Cómo fueron tus inicios en el teatro?…¿Realizaste otras facetas además de la dirección?…
Yo aterricé en el teatro a través de la ópera. Estudié la carrera de canto y durante bastante tiempo me dediqué a la lírica. De hecho, cuando empecé a estudiar interpretación actoral con Juan Pastor en la escuela Guindalera tenía toda la intención de aplicar esos conocimientos a la construcción de mis personajes operísticos, pero en el camino descubrí que mis ideas sobre la puesta en escena en ópera no encontraban reflejo en la realidad escénica que me circundaba, y decidí estudiar dirección para cambiar esa realidad. Con tan noble intención comencé la carrera de dirección de escena en la RESAD. Y durante ese viaje apareció Shakespeare y apareció el teatro del siglo de oro español, y entendí que aquello que amaba en la ópera (la forma musical) era el sustrato del teatro clásico, en especial del teatro en verso. Así que he estado compaginando la dirección de teatro clásico y ópera durante 12 años, aplicando lo aprendido en un medio al otro, y viceversa.
¿Tu trayectoria en el teatro lo has compatibilizado con otros trabajos?…
Sí, muchos. Como estudié magisterio en la especialidad de educación musical, he sido profesora de música en colegios. Guardo especial recuerdo de mi experiencia de cinco años en el colegio Estilo, dirigido por la gran pedagoga Josefina Aldecoa, de quien tanto aprendí. Pero sin duda de quien más aprendí fue de los niños: digerí su capacidad de asociación libre, su ausencia de preconceptos, su vivencia del proceso por encima del resultado… Además he seguido trabajando como soprano, en producciones propias y ajenas, y también he sido directora de coro. Uno de los trabajos que más me ha gustado y que ha sido un compendio de mi formación teatral y musical, ha sido la dirección musical del espectáculo “En este vida todo es verdad y todo es mentira” de Calderón de la Barca para la CNTC, dirigido escénicamente por Ernesto Caballero, hacia quien no tengo suficientes palabras de agradecimiento. Luego repetimos formato en “Montenegro” para el CDN, donde me atribuyó las funciones de entrenamiento vocal y arreglos corales. Todo aquello que fusione música y teatro es el mejor de los paisajes para mi.
¿Qué balance harías sobre tu s trabajos?…Háblanos de los montajes más significativos…
El balance, con perspectiva, es inmejorable. Llevo 12 años trabajando y he dirigido más de 20 espectáculos teatrales y más de 10 óperas. Todo ello surge, por supuesto, de la inversión vital, económica y emocional de los dos componentes de Teatro Defondo, que somos Pablo Huetos, (productor, actor y alma mater) y yo. Esta inversión no siempre ha sido productiva a corto plazo pero me ha permitido aprender mucho y muy deprisa, desarrollar todo mi imaginario, sin restricciones, sin mediadores, con una confianza y una ilusión algo suicida. Todo ha sido muy intenso, todos los espectáculos son hijos míos. Incluso algunos que al principio sentía como ajenos, cuando el día del estreno me senté en el patio de butacas, me quedé con la boca abierta. “¡Pero si yo estoy ahí, y no me había visto!”.
Si tuviera que elegir tres espectáculos especialmente relevantes para mi serían:
1. “El maestro de danzar” de Lope de Vega, mi primer clásico español, mis primeros pre-mios como directora, mi primera gira grande.
2. “Mucho ruido y pocas nueces”, de W. Shakespeare, mi primer Shakespeare (vinieron tres mas, ¡y todos los que quedan!), con el elenco más grande que he dirigido en teatro hasta la fecha, y aderezado con la maravillosa presencia de Will Keen como asesor y maestro, de quien tantísimo he aprendido.
3. Y finalmente “Don Giovanni” de W. A. Mozart, que tuve la enorme suerte de dirigir en gran formato en el Templo de Debod delante de 1000 personas. Este espectáculo fue probablemente el más personal de todos los que dirigí. Cuando tenía 18 años y empezaba a cantar, mucho antes de saber que yo alguna vez sería directora de escena, escuchaba incesantemente Don Giovanni y lo imaginaba todo en mi cabeza, intención por intención, escenario tras escenario, incluso me hice una especie de (entonces ni sabía lo que era) cuaderno de dirección con diagramas de movimientos escénicos. Almacenaba esa ópera desde hacía 15 años cuando finalmente la estrené. Fue un proceso increíble, los dos elencos ensayaron dos meses y medio 7 horas diarias… Conseguí realizar, gracias a un equipo de cantantes jóvenes talentosísismos (entre los que destaca el grandísimo barítono mejicano Manuel Gorka) el Don Giovanni que existía en mi cabeza. Verlo estrenado fue una emoción muy intensa.
¿Cómo surgen las ideas y los proyectos en los que te embarcas?¿Qué te anima a participar en ellos?…
Mi motor es siempre el amor. Yo me enamoro de los textos, o de las músicas, y entonces empiezo a generar imágenes y sonidos. Mi devoción por la forma, adquirida a través de mi trayectoria en la lírica, me decanta por aquello que revela un enorme contenido a través de una forma estricta y perfecta. El cómo es para mi tan importante como el qué. Y creo que he hallado en Shakespeare y en Mozart el balance perfecto entre los dos.
¿Ha sido importante tener unos colaboradores habituales en los equipos artísticos y técnicos?…
Ha sido vital. He tenido la inmensa fortuna de contar con compañeros/as maravillosos en mi carrera: Pablo Huetos, por supuesto, y una enorme cantidad de actores fantásticos como Pedro Santos, Mon Ceballos, Gemma Solé, Javier Román, Celia Nadal, Maya Reyes, Vicente Colomar, Carmen Gutiérrez… seguro que me olvido muchos. Ellos han sido mis maestros y mis compañeros, hemos podido crear un grupo más o menos estable de “habituales de Teatro Defondo” del que nos sentimos orgullosos.
¿En qué proyectos has participado durante el último año?…
Esta temporada pasada la comencé estrenando en el Teatro de la Maestranza el espectáculo “Dos pianos con Pasión”, que escribí y dirigí, interpretado por Pasión Vega junto al Dúo Del Valle, y que se acaba de estrenar en el Teatro de la Zarzuela de Madrid este pasado 20 de mayo. Después dirigí escénicamente dos veces en el Teatro Real: la primera fue “El hombre que se llamaba Amadé”, sobre la vida de Mozart, y la segunda un espectáculo titulado “A mis amigos”, un regalo del gran Jose Manuel Zapata donde colaboró José Mercé, Emilio Aragón, Rocío Márquez, Cecilia Gómez… A continuación estrenamos nuestro proyecto estrella para este año con Teatro Defondo: “La Opera del Malandro” de Chico Buarque, que estrenamos en Madrid este próximo 6 de junio en el Teatro Fernán Gómez. Y continuamos con la gira del “Sueño de una noche de verano” de W. Shakespeare, que parece que nos va a seguir dando muchas alegrías en 2015 después de las 70 funciones que lleva ya. Mucho trabajo, mucho teatro, mucha música… como te decía, ¡el mejor de los paisajes!.
Háblanos del proyecto de La ópera del Malandro…¿Cómo surgió este proyecto?… ¿Cómo ha sido el proceso?…
Este proyecto surge como todos los demás, surge del amor. Conocí hace año y medio la obra de Chico Buarque y me quedé sin aliento. Entre toda su producción una pieza llamó poderosamente mi atención, por su música deliciosa y compleja y por su poesía y sus imá-genes de altísimo nivel, que dibujaban el sentir de la sensualidad femenina de un modo que yo jamás había escuchado; la canción se llama “O meu amor”. Cuando empiezo a investigar sobre la canción en internet veo que la letra tiene indicado el nombre de dos personajes, Teresinha y Lucia. Y descubro que pertenece a una obra de teatro musical llamada “La opera del Malandro”. Como yo ya había dirigido “La opera de los tres peniques” de Bertold Brecht, entendí la asociación inmediatamente: ¡aquel era el dúo del segundo acto entre Polly y Lucy! Muy emocionada por el descubrimiento me hice con el texto completo (en portugués, no estaba aún traducida al castellano) y descubrí que tal y como sospechaba Chico Buarque escribe en 1978 una brillante versión del original brechtiano (a su vez versión de John Gay) ambientada en el barrio de Lapa de Rio de Janeiro en los años cuarenta, en plena dictadura de Getulio Vargas. El texto era pura dinamita, descarado, actual, rítmico… una vez más, la forma perfecta. Y la música era sencillamente deslumbrante. Era para mi la oportunidad perfecta para hacer realidad un antiguo sueño: reivindicar el género del “teatro musical», tan vilipendiado por los márgenes comerciales de nuestra profesión. Este es un GRAN musical, de texto preciso, personajes definidos, argumento vertiginoso, poética sorprendente y con una calidad musical digna del autor de música popular brasileña más importante de su generación.
El proceso fue muy intenso: comenzó con un taller de música brasileña y repertorio impartidos por Pedro Moreno(director musical) y Mario Bidart (maestro repertorista y especialista en canto popular brasileño) en la Casa do Brasil. Entre los participantes del taller seleccionamos a los nueve actores/cantantes que compondrían en elenco. Tras un mes de barbecho acometimos un proceso de ensayos largo y denso, complejo por la propia idiosincrasia de la obra. No puedo estar más contenta del resultado.
¿Qué proyectos tienes entre manos?…
De manera inmediata dirijo mi primer espectáculo de danza. Es una versión de “El Principito” en el que firmo la versión y la dirección escénica, y la coreografía es del gran bailarín José Tirado. Estaremos ensayando en los Teatro del Canal todo el mes de julio.
La temporada que viene tengo dos cosas en perspectiva: la primera es la siguiente produc-ción de Teatro Defondo, que será casi con toda seguridad un Shakespeare aún no estrenado en España. Recuperaremos todos nuestros espectáculos shakespirianos ya estrenados (“Mucho ruido y pocas nueces”, “Macbeth”, “La Tempestad” y “El Sueño de una noche de verano”) y haremos un ciclo Shakespeare para gira con las cinco funciones y un elenco estable. Al estilo inglés…
El tercero de los proyectos, quizá uno de los más importantes de mi carrera, que gracias a Dios ya está confirmado y cerrado, es para abril de 2015 pero aún no puedo revelar nada sobre él. Seguro que a no mucho tardar sabréis de qué se trata.
¿Cómo crees que están afectando los recortes y el aumento del I.V.A. a los proyectos de teatro?…
Está siendo un tsunami destructor, como casi todas las iniciativas que sobre cultura se están tomando de un tiempo a esta parte. Ya no somos empresas teatrales, es imposible tener beneficios, y mucho menos con un espectáculo que da trabajo a nueve actores, cuatro músicos y tres técnicos. Ahora somos devotos teatrales. La profesión se está devaluando, se trabaja de cualquier manera a cualquier precio.
¿Cómo ves la realidad teatral en Madrid?…
No comparto el optimismo generalizado. Hay mucho teatro de mala calidad, con pocos medios, muy mal pagado. El teatro low cost es exactamente eso, teatro barato. Salvo para los tres o cuatro tocados por la mano de los centros de producción nacionales, la ausencia de tejido teatral profesional nos supone una mengua, no un acicate.
¿Qué montaje que hayas visto últimamente, te ha interesado?¿Por qué?…
Ejemplar “Novecento” del compañero Raul Fuertes con el gran Miguel Rellán. Tiene la escenografía más cara del mundo.
Muy emotivo “Ay, Carmela” del compañero Pepe Bornás. Historias bien contadas, con compromiso e ideas. Eso es teatro.
“Viaje a ninguna parte”, interesante concepción espacial, correcto el trabajo con los actores, donde sobresalía claramente el maestro Antonio Gil.
Si en algún lugar de España coincidís con la gira de “Barroqueros”, la macarrada más culta de José Manuel Zapata, no dudéis en llevar a todosvuestros hijos para iniciarles en la música antigua.
¿Alguna sugerencia para seguir creando en tiempos de crisis?…
1. No conformarse con “hacer lo que se pueda”.
2. No devaluar la profesión; ergo, no devaluarse a uno mismo.
3. Conservar el espíritu crítico.
4. Conservar la dignidad.
5. No olvidar que no somos las circunstancias que vivimos, sino las elecciones que hace-mos en esas circunstancias.
Ciclo: Una mirada diferente en el CDN
El festival Una mirada diferente celebra este año su segunda edición con el objetivo declarado de mejorar la visibilidad y la inclusión de los artistas con discapacidad en la vida cultural, como parte del proyecto de la actual dirección del Centro Dramático Nacional.
Mediante la programación de espectáculos de compañías integradas, el fomento de nuevas producciones generadas por el festival y la investigación y análisis de la inclusión en las artes escénicas, se pretende crear una plataforma que impulse y asiente la presencia de artistas con discapacidad en las programaciones regulares de los centros de exhibición.
Para esta edición de 2014 hemos seleccionado distintas compañías nacionales e internacionales con el fin de enriquecer la programación y mostrar la realidad de otros países en materia de arte y discapacidad.
Además de la programación de estos espectáculos, se incluyen actividades de investigación y análisis que pretenden capacitar al público general para comprender la diversidad y a la vez capacitar a los profesionales de artes escénicas para trabajar con artistas diferentes.
PROGRAMACIÓN
• 20 de junio en la Plaza de Lavapiés, 20:30 horas
Concierto de «El Langui»
• 21 de junio en el Teatro Valle-Inclán, 20:30 horas
A cantora careca (La cantante calva)
Crinabel Teatro (Portugal)
• 21 y 22 de junio en la Sala Francisco Nieva del Teatro Valle-Inclán, 22:00 horas
The Freak & the Showgirl
Mat Fraser (Reino Unido)
• 26 de junio en el Teatro Valle-Inclán, 20:30 horas
Todo me dice algo
Alteraciones/Danza Mobile (España)
• 27 de junio en el Teatro Valle-Inclán, 20:30 horas
Cuerpos dejan cuerpos
Los Hedonistas (España)
• 28 de junio en el Teatro Valle-Inclán, 20:30 horas
L´assenza (La Ausencia)
Teatro Buffo (Italia)
• 29 de junio en el Teatro Valle-Inclán, 20:30 horas
Just a Dancer
Thomas Noone Dance (España)
Estampas del teatro en los cuarenta de Blanca Baltés en el CDN
Esta pieza sencilla de teatro-homenaje a una época no tan lejana, representada en el mismo lugar donde estuvo la cafetería del María Guerrero en la que los cómicos se encontraban tras las representaciones de ese tiempo y no muy lejos del Café Gijón donde también se tejían muchos proyectos…Es una mirada necesaria a un tiempo no tan alejado del presente y que no parece tan diferente a lo que estamos viviendo hoy en la escena nacional. Es verdad que, entonces, los artistas tenían que luchar contra viento y marea para conseguir dignificar su trabajo pero hoy, más de medio siglo después, solo ha cambiado una cosa, que el enemigo no está claro y además, tiene licencia democrática, pero en lo concreto, en el día a día, en el juego por hacer un pulso para que el teatro se amordace y no muestre los dientes que siempre le ha permitido ser el verdadero púlpito vivo de la sociedad, en eso, vivimos tiempos parecidos. Está bien mirar la historia, conocer otros momentos de este país a nivel cultural, para no despistarnos, para estar alertas, porque no todo lo que reluce es oro. Y de paso, oír nombres de nuestra historia teatral que, curiosamente, solo los más mayores o los que amamos profundamente este arte, recordamos. Miremos las estampas de los cuarenta y descubramos en detalles de la sencilla puesta en escena que el pasado puede ser hoy.
Adolfo Simón
Antonio Domínguez y Rosel Murillo nos hablan del proceso a dos que han experimentado con la producción de «Adela»
Sobre ADELA…
¿Cómo surgió el proyecto de ADELA?…¿Qué evolución ha tenido durante el tiempo que lo lleváis representando?…
Adela surge tras una invitación de Bilbao Eszena para investigar lenguajes teatrales, en el marco de espacio privilegiado debido a que los artistas contamos realmente con plena libertad fuera de el circuito comercial, y sobre todo, porque cuentas con el tiempo necesario que estimes conveniente para dar profundidad a tu obra.
Rosel: Ha requerido de un proceso de escenificación natural, su valor no está en cómo se ha organizado el trabajo, quizá en esto no haya nada de original, sino en la valentía y la profundidad con la que se encara este montaje. El montaje ahora mismo continúa creciendo y evolucionando, porque a su llegada al Centro Cultural de la Villa, debido a la configuración de su espacio, su disposición a tres bandas, y su especial cercanía con el público, nos hacen leer las situaciones de una manera que antes no habíamos sentido.
Antonio: Tanto yo como Rosel somos directores que nos preocupa la evolución de la obra, la cual reescribimos, reescuchamos, pensamos en ella cuando han pasado unos días, la modificamos continuamente. Cada vez más conviven el cuerpo con la palabra y encontramos una totalidad del actor que nos está resultando muy enriquecedora para nosotros como artitas y para el propio lenguaje del espectáculo en sí.
Y de momento, se acaba de estrenar en el Teatro Fernán Gómez de Madrid, donde va a hacer su temporada madrileña. Este mes Adela también participa en el encuentro La incubadora, que realiza el Corral de Comedias de Alcalá junto al Teatro de La Abadía. Y ahora se está empezando a programar la gira, que empezará en UNIA Baeza en julio. Todo esto conlleva un riesgo especialmente duro, puesto que toda la producción es íntegra de Barluk, es decir, no hemos contado con subvención del INAEM ni de ningún organismo público.
¿Cómo fue el proceso de creación al participar juntos en la dirección?…
Rosel: Maravilloso, y no es algo que se diga, porque esto va a ser publicado. Mis ideas, iban modificándose a ideas mayores, porque con Antonio somos dos cabezas pensando, influyéndonos en ver las distintas maneras de ver lo mismo, encontrado sumas, y sumas y sumas a tus propias percepciones.
Antonio: Para mí Adela ha sido mi primera codirección y tengo que decir que con Rosel ha sido un trabajo muy sencillo, porque además es la autora del texto, y convivir con un autor que dirige, y que está montando su propio universo, pudo ser peligroso, y sin embargo no ha sido nada restrictivo, sino todo lo contrario. A Rosel creo que le gustaba ver incluso como los actores y yo íbamos soñando su texto. Se divierte viendo lo que se hace con las situaciones que ella ha imaginado, da libertad, y su texto te guía seguro, porque realmente tiene mucha, mucha fuerza.
¿Hay algún referente técnico o artístico del que habéis partido para crear este trabajo?… ¿Se escribió el texto y después se montó o se ha transformado durante los ensayos?…
Antonio: Adela es además un texto dramático que se escribe necesariamente para nuestro encuentro, buscando los límites de la convivencia entre lo gestual, lo textual, lo rítmico y lo poética de la imagen.
Rosel: He escrito este texto para que sirviera como gran continente de un sentido específico, y que versa sobre la necesidad de los seres humanos de unirse y de separarse, de necesitarse y de permanecer unidos.
De la invitación de Bilbao a la investigación, de la investigación al cuerpo, y del cuerpo a la palabra, y de la unión de todo ello a la puesta de dirección. Cada aliento ha influido en el texto, que se ha reescrito, que se ha buscado, que se ha vaciado de sentido, que se ha colocado como una capa superficial, pero maravillosamente expresiva, de las corriente internas de la obra.
¿Cuál es el planteamiento de futuro para la Compañía?…
Antonio: Pues estamos bastante centrados en Adela y queremos girar con ella y cubrir todas las plazas a donde podamos llevar. Este verano se empieza la preproducción del siguiente montaje que se empezará a ensayar en Septiembre, aunque con la inestabilidad en la que los políticos han dejado el teatro, todo depende de múltiples factores en la que solo nuestro amor por el teatro está asegurado para que este viaje continúe.
¿Qué balance hacéis de vuestros trabajos para la escena?…
Antonio: Pues considero que está en una constante revisión. Desde el paso por la RESAD siempre he pensado que a los directores buscaban colocarnos en una cierta manera de hacer, una poética propia… todo esto me resulta muy aburrido. Yo veo mucho esfuerzo y millones de horas entregadas al teatro. En mis trabajos están múltiples experiencias personales y de artistas que he seguido como público o que he trabajado con ellos y que han dejado en mí influencias, como es el caso de Miguel del Arco. Mirando hacia atrás desde aquí veo que mis trabajos abordados desde la interpretación, la escritura o la dirección siguen el común denominador de un trabajo inmenso sobre la palabra en acción, y sobre la imagen escénica. Lo que más me interesa del teatro es el actor y creo que está en todos mis trabajos de dirección. Y veo mis obras muy pegadas a mí mismo, cada uno de ellas están muy ligados a la situación en la que estaba en ese momento y también que me han hecho crecer a mí personal y profesionalmente. Le tengo un cariño inmenso a Nuestra Ciudad que dirigí hace apenas medio año. Digo, en voz muy alta, y a riesgo de que suene pretencioso, que me siento muy orgulloso de todas mis obras.
Rosel: Es necesario para mi encontrar la conexión del trabajo con la piel, necesito ponerle el corazón para vivir en un proceso tan intenso como es una puesta en escena. En cada trabajo estoy yo, mis pensamientos, emociones y cicatrices. No podría vivir en el teatro de otra manera. Igualmente quienes me acompañan en este viaje están implicados de la misma manera. Cada uno de mis trabajos habla del momento personal en que me encontraba, porque en cada uno de ellos me he desnudado para dar lo mejor de mí. Me reconozco y veo como los actores y el público pueden reconocerse en él. Mostrar de la forma más bella y extraordinaria lo que todos hablan.
¿Qué os mueve a poner en marcha un proyecto teatral?…
Antonio: La necesidad de contar, de comunicarme, de buscar la belleza del ser humano en comunidad con más gente, más artistas, más público. Hablar, sobre todo tener voz, me gusta pensar que amo este mundo y las personas que estamos en él a través del teatro y que desde ahí, entrego mi granito de arena.
Rosel: La necesidad de expresarme de una manera distinta, de poder contar lo que en particular me preocupa a mí pero que veo compartido a mi alrededor. El momento de trabajar con los actores, vivir la magia del teatro.
¿Qué función creéis que ha de tener hoy el teatro para la sociedad en la que vivimos?…
Antonio: La de la revisión. Se acabó el pensar en el discurso único y que las cosas solo pueden ser de una determinada manera. Admiro a la gente que con su fuerza y su convicción pueden llegar a otros. Creo que un teatro de divertimento no tiene sentido para nuestra sociedad, aunque creo que uno puede divertirse inmensamente encontrando dentro de sí la fuerza de lo verdadero. También últimamente pienso, y debido a lo desolado que me deja cuando pienso en nuestro entorno, que como decía el gran Lorca: “en la sociedad en la que vivo sólo se puede abrazar la tragedia”
Rosel: Creo que estamos volviendo de hace un tiempo a esta parte a un teatro social comprometido con los ojos que vienen a verlo. No podemos hacer oídos sordos a lo que nos está pasando, bajar la cabeza y seguir. El teatro debe contestar y lo está haciendo. Anteriormente decía que contaba en mis trabajos mis preocupaciones, pero que eran las mismas que las de mi vecino, y el teatro está para que mi vecino también tenga voz. Un claro ejemplo de esto es el maravilloso Sergio Peris-Mencheta.
¿Cómo está afectando la subida del I.V.A. y los recortes al teatro?…
Antonio: Pues está haciendo un daño inmenso, porque el teatro tiene una naturaleza que no se está teniendo en cuenta: se trabaja con el prototipo. Esto conlleva un altísimo nivel de riesgo, por lo que puede ser que un espectáculo sea un éxito o un fracaso en una delgada línea. Cuando tienes un éxito, como artista buscas crecer, una función en la que puedas dirigir a más de dos actores, que puedas llegar a público un poco más lejano de la comunidad de producción… continuamente volverás a enfrentarte al prototipo. Lo que hacían las ayudas a la producción y el IVA redudido era dar una mínima estabilidad a la vida del artista y a la del empresario de teatro. Ahora todo esto se ha destruido. Es gravísimo como lo están pasando los profesionales, jóvenes, posicionados, actores mayores… es una vergüenza inmensa la que siento. El estado se ha comido el mínimo beneficio empresarial que había en las artes escénicas, lo que da la posibilidad de crecer y nos ha abandonado al riesgo que podamos tomar cada uno por cuenta propia, por lo que cada vez más artistas llegan a la penuria con tal de sacar su obra adelante. Todo esto unido a que seis millones de personas las pasan putas y no pueden ni soñar con ir al teatro, pues deja la situación bastante desolada. Espero de verdad que aproveche el 21% de nada que ha desfomentado tanto al teatro y que está causando tantos crímenes en todo nuestro entorno.
Rosel: Que más puedo añadir a la gran reflexión de Antonio Domínguez. Creo que lo estamos viendo, y sufriendo, todos los días. Es un acto de valentía proponerte simplemente el hecho de hacer teatro. Nunca tienes un mínimo de seguridad y todo son dificultades, no estamos ayudando al teatro, lo estamos ahogando. Nuestros políticos han decidido que el pueblo no necesita de la cultura, que no necesita pensar. Y así nos va. «¿No te asusta la idea de un mar con todos los peces atados con cadenitas a un solo punto sin conciencia?» Federico García Lorca.
¿Qué obra habéis visto últimamente que os haya interesado?¿Por qué?…
Antonio: Hay muchísimo que ver: La joven con La cortesía de España, Misántropo, pero he visto un montaje que me dejó bastante impactado en la RESAD, y fue La visita de la vieja dama. Espero que a los compañeros que terminan la escuela con este montaje les vaya muy bien, porque realmente vi mucho talento y mucha profundidad en el trabajo que hacían.
Rosel: Este mes de mayo está cargado de mucho teatro, y eso es una alegría. Lo último que vi fue la propuesta escénica de La casa de Bernarda Alba de Hugo Pérez, de quien anteriormente había visto Por los ojos de Raquel Meller. Como siempre no me decepcionó, me encanta la estética y la maestría con la que resuelve acciones escénicas complicadas. Un maestro que se lo merecía hace mucho tiempo estar donde está.
¿Proyectos?…
Antonio: Esta semana también se estrena Como gustéis en el CDN, donde he sido ayudante de dirección de Marco Carniti. Esto junto con Adela me han pasado como un ciclón por el cuerpo. Ahora empiezo estos días a dirigir a Ana Marzoa para la Maratón de Monólogos de la AAT. Después de esto, el proyecto es descansar, leer, estar un poco en el día a día y luego preparar la siguiente temporada.
Rosel: No paramos. Como explicaba Antonio estamos pendiente de comenzar el próximo proyecto de Barluk teatro en septiembre. En junio estaré junto a Víctor Algra en Microteatro con una propuesta escrita y dirigida por mí. Este año me quedo sin verano pues estaré en PENTACION preparando las nuevas producciones para la temporada de septiembre. Mientras esto llega viviremos el momento que Adela nos ha regalado.
Que Revienten los Artistas 
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