CLAUDIA FACI: Yo no tengo miedo a hacer mi trabajo. Me siento responsable de decir y hacer ciertas cosas y no me pesa. Hago lo que hago, por amor.
¿Cómo fueron tus inicios en la danza?¿Cómo fue surgiendo tu personal lenguaje en el escenario?…
Pertenezco a una saga de bailarinas así que me inicié en la danza a la vez que en todo lo demás. Y luego, como en todo lo demás, fui desarrollando mi propio punto de vista. Después de haber pasado gran parte de mi vida subida a un escenario, de haber bailado de muy distintas maneras y de haber participado en todo tipo de producciones tanto de danza como de teatro debo confesarte que tengo serias dudas acerca de la posibilidad de que existe realmente un lenguaje personal. El lenguaje es una convención, es algo que repetimos y copiamos constantemente. En realidad, no hay nada nuevo en lo que yo hago. Es todo una cuestión de foco y de cómo cada cual administra lo que hay pero no creo que estemos inventando lenguajes. Y es precisamente esto lo que me sigue fascinando del teatro y de la danza, que siendo lo mismo, sigue siendo pertinente realizar la ceremonia de ofrecerse a la mirada y a la presencia de los otros. Lo que nos diferencia a unos de otros es lo que perseguimos con nuestro trabajo, lo que nos mueve y lo que queremos que haga, pero eso no es una cuestión de lenguaje.
¿Qué evolución has hecho a lo largo de este tiempo? ¿Qué balance harías sobre tu trayectoria?…
Durante este tiempo simplemente he vivido. La vida, o parafraseando a Jose Luis Pardo, esa inclinación a la muerte que hace que merezca la pena vivir, es un proceso continuo de transformación y pérdida. Supongo que lo que he hecho en estos años no ha sido tanto ganar como perder, no tanto conquistar como rendirme. No me refiero a tirar la toalla, ni a agachar la cerviz, ni a aceptar imposiciones de ninguna clase, eso jamás, hablo de aceptar asumir cierta responsabilidad. Eso es lo que más ha cambiado a lo largo del tiempo. Por lo demás, creo que no hecho otra cosa que insistir sobre lo mismo, de distintas maneras, desde distintos lugares, pero siempre en la misma búsqueda.
¿Es importante tener colaboradores habituales en el equipo artístico y técnico? ¿En qué medida participan del proceso de creación?…
Lo importante es sacar adelante el proyecto que una tiene entre manos y trabajar lo más a gusto posible; si para ello conviene más repetir colaboración o encerrarse a trabajar sola o introducir agentes nuevos, es cosa de cada proyecto y de cada individuo.
Hace ya mucho tiempo que Roland Barthes se dio cuenta de que “el autor” había muerto. Esa figura inventada e impuesta por el patriarcado no me sirve para nada. Yo hago la mayor parte de mi trabajo sin nadie alrededor, es más, cuanto más lejos mejor, pero en realidad no puedo decir que trabaje sola porque estoy llena de tanta gente que si tuvieran que hacerse presente todos, entre vivos y muertos no cabrían en ninguna sala. No me creo lo de tener una voz propia, ni siquiera podría asegurar que mi cuerpo es mío. Tampoco tengo ninguna pretensión de propiedad sobre nada de lo que hago. Como todas, soy una acumulación de voces ajenas, de encarnaciones prestadas y de referencias robadas. El proceso de creación es en sí mismo una confluencia de subjetividades que me atraviesan, una superposición de cuerpos, una mezcla de espacios. Por tanto, para mí, un proceso de creación, aunque transcurra sin cruzarse con ser humano alguno, solo es posible como colaboración, como proceso de disolución en el que desaparezco por completo como sujeto individual y mis límites se vuelven difusos.
Impartes cursos habitualmente…¿Cómo enfocas el trabajo en ellos…? ¿Cuáles son los objetivos?
Para empezar procuro que los asistentes entiendan que aquello no va de una que dice cómo se hacen las cosas y los demás obedecen sino de trabajar juntos para descubrir algo que nunca sabemos de antemano qué será, solo sabemos que lo que nos une es el interés por todo lo que tiene que ver con la creación escénica. A partir de ahí, lo que pase dependerá de las necesidades concretas de las personas que formen el grupo. Yo no tengo nada que enseñar a nadie, lo que tengo es una experiencia que compartir y lo hago con sumo placer. En cada caso trato de encontrar la manera que más le aproveche al interlocutor pero siempre hay un espíritu común; algo que tiene que ver con desterritorializar, con abolir fronteras y sobre todo con ampliar el punto de vista sobre el hecho escénico.
¿Cómo ves el panorama de la danza en nuestro país?¿Qué colectivos te interesan?…
¿El panorama de la danza? ¿Existe tal cosa? Puedo decirte que si miro a los artistas se me llena el corazón de amor y entusiasmo, si miro a los agentes del Régimen (ministros, programadores, directores artísticos, directores generales, consejeros, concejales) se me encoge tanto que me invade la náusea.
Me interesan particularmente los colectivos de jóvenes que han recibido inputs bien diferentes a los míos. Gente que al crecer en un mundo que se tambaleaba y en el que a nadie le importaba un carajo lo que viniera detrás han tenido que buscarse la vida no solo para hallar respuestas sino – y sobre todo- para encontrar las preguntas. Personas que han llegado a interesarse por lo escénico no como oficio o profesión -o no sólo- sino como parte de un proceso de subjetivación.
¿Qué temas o propuestas te seducen a la hora de poner en pie un proyecto?…
Persigo lo que desconozco, lo invisible, lo que en primera instancia parece imposible. Dependiendo de la ocasión, le pongo un nombre u otro pero a estas alturas la dirección está bastante clara.
Háblanos del proyecto que presentas en el Festival de Otoño a Primavera.
Por todo lo que he venido respondiendo hasta aquí creo que conviene aclarar es que lo que presento no es un espectáculo de danza. Yo no tengo ningún interés en establecer la diferencia entre disciplinas porque lo que hago no responde a ninguna pero en este caso, digamos que la pieza dialoga con el teatro. En concreto con el repertorio universal. Se trata de una propuesta basada en los Acreedores de Strindberg en cuyo título he introducido un guión (A-creedores) para no llamar a engaño haciendo creer a nadie que va a ver representado el texto del autor sueco tal cual, a la manera tradicional. Ese guión que desvía el sentido de la palabra también desvía el curso de la obra. Y cuando nos desviamos solemos acabar en un lugar distinto al previsto. A-creedores es un intento de plantarle cara al repertorio. El repertorio es esa instancia característica del patriarcado que designa las obras que deben formar parte del relato oficial de la historia. El repertorio pertenece al mundo de los hombres y de las pollas y August Strindberg es una de las figuras que más me interesan de ese mundo. El reto principal que me ha planteado este intento ha sido encontrar la manera de plantarme frente a la autoridad patriarcal y decirle: “tus preguntas no son las mías, no te atrevas a intentar secuestrarme en tu subjetividad, tus malentendidos son tu tumba y te has metido en ella solito así que tú verás cómo sales… Mientras haces tus cosas yo te espero en la fiesta. ”
No quiero des-velar nada más porque adoro los secretos y porque lo que propongo es una experiencia estética; algo que no se puede apresar ni aprehender ni comprender a través de las palabras. Solo diré que si estamos hablando de esto es porque Fernanda Orazi, Pablo Messiez y yo queríamos hacer algo juntos y la cosa acabó tomando estos derroteros.
¿Cómo está afectando los recortes y el aumento del I.V.A. a tu trabajo?…
Supongo que los que nunca hemos tenido nada más que nuestra imaginación para inventarnos y nunca contamos con papá estado para llevar a cabo nuestras tareas, lo acusamos de manera diferente que aquellos que dieron por sentado que su lugar en el mundo tenían que facilitárselo las autoridades competentes. Yo nunca he pedido permiso para hacer lo que hago y ni voy a dejar de hacerlo ni pienso participar en los debates estériles que el Régimen nos lanza cual cebos para que acabemos por abandonar la que en verdad es nuestra tarea. La cuestión de la cultura y el arte no tiene tanto que ver con el IVA y con todas esas patrañas con las que se entretienen tanto los medios oficiales.
¿Se pueden plantear propuestas arriesgadas hoy?…
Respondo con una cita: “… yo me pregunto en qué pensará la gente cuando dice que un trabajo es arriesgado. ¿A qué riesgo se refieren?, ¿al de que nunca más te programen en una sala?, ¿al de dormir debajo de un puente? ¿o al de que te de un infarto del subidón? ¿Cual les parecerá más grave?».
Yo no tengo miedo a hacer mi trabajo. Me siento responsable de decir y hacer ciertas cosas y no me pesa. Hago lo que hago, por amor. No me puedo hacer cargo de ansiedades ajenas y menos de aquellas producidas por la sumisión a la subjetividad heteronormativa, patriarcal, burguesa y decadente. Cada una elige de qué es esclava y yo lo soy de otras cosas pero no del miedo. Por otra parte, no concibo la creación sin riesgo. Sería como follar si cuerpo o algo así. Para mi no solo se puede sino que se debe.
¿Qué le pedirías a las Instituciones Culturales para la cultura?…
Que desaparecieran discretamente cuanto antes.
¿Qué espectáculo de danza has visto últimamente que te haya interesado? ¿Por qué?…
Este tipo de preguntas me acojonan porque no me fio de mi memoria y porque odio un poco confundir las cosas con los nombres. Suelto lo primero que me viene a la mente: me ha interesado mucho FLACO-MEN de Israel Galván. Me parece un ejemplo extraordinario de rigor en la creación y de generosidad con las personas que van a verle. Finalmente, el hecho teatral más simple –y al que más atención presto yo- es el encuentro con las personas que llenan un teatro y ahí es donde se juega todo. Israel ha encontrado la manera de hacer de ese encuentro una especie de oportunidad para la revelación, para explorar ciertas experiencias físicas que solo pueden darse en el teatro.
Marcial Álvarez: Estoy orgulloso de haber aprendido un oficio
¿Cómo fueron tus inicios en el teatro?…
Todo comenzó cuando en el instituto de bachillerato un profesor
me convenció para que participara en las obras que se estaban ensayando , y ¡madre mía!!!! aquel mundo de disfraces, maquillajes, decorados, ensayos, literatura, toda esa artesanía me fascinó, me divertía y me ponía en contacto con la cultura, con el arte, con quince añitos, así que hacíamos de todo, todo el día, maravilloso, me puso en un camino que me interesó. Luego he hecho muchas cosas dentro y fuera de esto, pero lo que más, interpretar personajes.
¿Por qué haces teatro?…
Hago teatro porque no se me da mal hacerlo, e incluso diría que bien, eso dicen. Aunque algunas veces me gustaría ganarme la vida con otra cosa, eh. No es fácil, es un oficio precioso pero también angustioso y muy absorvente. Pero así es el amor, si te llama, acude y lucha por él. Y por diversas razones, me gustan las fiestas, me gustan los amigos, me gustan las ganas de vivir, me gustan los viajes, me gusta la pasión y la seducción, no me gusta la comodidad, no me gusta la ignorancia, si la inocencia, me gusta ser otro, me gusta ser yo, vivo en el arte y en la creatividad, todo esto y más conlleva la gran fiesta del teatro. Y no puedo evitarlo.
¿Qué balance harías sobre tu larga trayectoria?…
Me han pasado vital y profesionalmente cosas preciosas, y otras no tanto. De las malas no me acuerdo, pero sí que las he tenido muy en cuenta para provecho de mi oficio. Sobre todo estoy orgulloso de haber aprendido un oficio, como me inculcó mi padre, como me apoyó mi madre. Y ahora poderlo compartir y desarrollarlo.
¿Qué función crees que ha de tener el teatro para la sociedad de hoy?…
Para la de hoy y para la de siempre, hacer mejores a las personas. Embellecernos el alma. Incomodarnos. Hacernos mas fuertes. Reír más.
¿En qué proyectos has participado durante el último año?…Háblanos de ellos…
Ahora ando con la gira de «Pluto» de Aristófanes que se estrenó el año pasado en el Festival de Mérida y a finales de marzo entraremos en el Teatro de La Latina. Una puesta en escena semi musical del clásico sobre el reparto de la riqueza y la corrupción. El gran Gurruchaga al frente. He grabado en dos series de televisión. He participado en el espectáculo Femenino singular, que anda dando vueltas por España. Va de actrices madres y padres. Un corto con Belén Rueda aún por estrenar. También va de mujeres maltratadas.
¿Cómo surgió tu participación en el montaje que se ha estrenado en La Pensión de las pulgas?…Háblanos de este trabajo…
«La balsa de la Medusa», Por Antonio Escribano, autor de la función,y compañero actor en los dos últimos montajes que dirigió Miguel Narros. Me lo ofreció, lo leí y me encantó, me recordó a Becket, y sin prueba ni nada, jeje, me aceptó. Un proyecto humilde, del que estoy muy orgulloso, y en el que he hecho un viaje maravilloso con unos compañeros llenos de sensibilidad e inteligencia.Y como no, nos ha salido muy bien. Cuenta el recorrido emocional y físico de seis personajes que se quedan encerrados en una habitación y que aún con la puerta abierta no pueden salir. Trata sobre el miedo y el rechazo a lo nuevo, a lo distinto, a los cambios, a lo diferente, de la pérdida de la máscara social, de la posición social, del poder, del ego, de la avaricia, de la pereza y la inmovilidad, de la lucha de clases, de lo más primitivo del ser humano, de su vulnerabilidad, de sus pasiones, de la supervivencia, de su deriva en una balsa que hace aguas. Mi personaje es el capitán del barco, el señor de la casa, «burguesito» cirujano plástico, poderoso anfitrión que ante las dificultades y el naufragio se acobarda, cae de su pedestal y surge su animalidad y sus peores vicios. Vamos, unos encantos de personas.
Y todo armado con una dramaturgia, una dirección y unas interpretaciones exquisitas, y a escasos centímetros del público de la Pensión de las Pulgas!!!!!! Que más se puede pedir!!!!! Duro el asunto pero también te ríes, eh.
¿Cómo creas tus personajes?…¿Tienes un método?…
No, no tengo un método específico. Voy con la historia, con lo queremos contar, asumo el rol que me toca encarnar y con retales de aquí y de allí, con referencias de la vida o elaboradas, pelis, música, pintura. Voy trazando al personaje, su viaje emocional e intelectual, defendiéndole con uñas y dientes, echándole ingredientes y pintándole detalles, integrándole en mi fisicidad y mi voz, y a jugar, lo hago mío, para que sea creíble, para que sea espectáculo. O eso intento. Me aprendo bien el texto y la partitura, y me concentro en no aburrir al personal. Algo así…
¿Cómo crees que están afectando los recortes y el aumento del I.V.A. a los proyectos de teatro?…
Pues muy mal. Es cuestión de sensibilidades. El que nunca es sensible al teatro y a la cultura, el que no le da importancia como pilar fundamental para la educación y el desarrollo de una sociedad, el que piense que todo tiene que ser rentable, pues nunca lo podrá defender, sea cual sea su cometido. He oido que quieren suprimir en los colegios la asignatura de Naturales y alguna otra, y volver a hacer rezar a los niños, ¿es cierto? ¡Que fuerte!!!!.
¿Qué montaje que hayas visto últimamente, te ha interesado?¿Por qué?…
Lo último que he visto ha sido Las amistades peligrosas en el Matadero de Madrid, dirigido por Darío Facal. Me encantó. Una puesta en escena arriesgada y divertida, unas interpretaciones llenas de arte y un vestuario exquisito. No me acordé de la peli. Y me gustó mucho que se basara totalmente en el formato original epistolar, poniéndolo en boca de los personajes.
¿Proyectos?…
La reina de la belleza, de Martin McDonagh, dirigida por Gerardo Vera, y con Terele Pávez. ¡Casi na!.
Y un corto con Benito Zambrano.
Helena Lanza: Los personajes me ayudan a entender el mundo, las conductas humanas y a conocerme
¿Cómo fueron tus inicios en el teatro?…
Cuando estaba en el instituto hice un taller de teatro con Javier de Dios López y me apasionó. Fue la primera persona que me inculcó el amor por esto. Pero al acabar el instituto, hice caso al consejo familiar: «Sácate una carrera de provecho» y pensé que era mejor aparcar el Arte Dramático. Comencé Derecho y Filología Hispánica pero estaba en el grupo de teatro de la Universidad y era lo que más me llenaba. Un verano me fui de gira por pueblos de España con este grupo. Después de dos años en la universidad decidí estudiar teatro profesionalmente. Comencé en el Laboratorio William Layton y más tarde me licencié en la RESAD en el 2013. Recuerdo también con muchísimo cariño los años que he estado trabajando de acomodadora en el Corral de Comedias de Alcalá de Henares. Ver tanto teatro fue realmente enriquecedor.
¿Realizaste otras facetas además de la actuación?…
Estuve tocando el piano durante siete años. Estudié hasta Tercero de Grado Medio en el Conservatorio Profesional de Alcalá de Henares.
¿Qué es el teatro para ti?…
Es mi manera de vivir. Me paso la mayor parte del tiempo en un escenario o en una sala de ensayos. Podríamos decir que el teatro es mi vida.
¿Por qué haces teatro?…
Porque me gusta convertirme en otras personas. Me encanta regalar cosas de mí a mi personaje y que él a su vez me regale muchísimas más. Es un intercambio mágico. Los personajes me ayudan a entender el mundo, las conductas humanas y a conocerme. Poder compartir esto es una sensación única.
¿Qué balance harías sobre tu trayectoria?…
De momento siento que el balance está siendo positivo. Voy cumpliendo sueños como: estudiar Arte Dramático, trabajar y conocer a diferentes profesionales de las Artes Escénicas que un día desde mi butaca me tocaron el alma con sus obras, trabajar en un Teatro Nacional y que todos los días los asientos estén ocupados…
¿Qué función crees que ha de tener el teatro para la sociedad de hoy?…
No entiendo que el teatro deba tener una función en concreto para la sociedad de hoy. El teatro es comunicación, divertimento… Cada espectador recibe la obra como la sienta, sin someterse a ninguna norma en concreto. La música, la danza, el teatro, la pintura… ya tienen una función en sí mismos.
¿En qué proyectos has participado durante el último año?…Háblanos de ellos…
LOS CUATRO DE DÜSSELDORF, escrita y dirigida por José Padilla. Es una comedia que nació en «El sol de York». José Padilla creó el texto a partir de improvisaciones.
LA CASA DE BERNARDA ALBA dirigida por Alberto Alonso con la compañía «Desde el suelo Producciones» .Esta obra nos ha permitido investigar sobre el universo lorquiano en diferentes laboratorios como «La Incubadora del Corral de Comedias de Alcalá de Henares», en festivales como el «Gigantefest» (en el mágico espacio de «La sociedad cervantina») o en el Certamen de Jóvenes Creadores de Madrid donde ganamos el II premio.
LOS DESVARÍOS DEL VERANEO dirigida por José Gómez con la compañía Venezia Teatro. Esta compañía tiene ahora mismo tres espectáculos en cartel. Es una comedia de Goldoni que estrenamos en el Festival Fringe del Matadero y desde entonces hemos rodado por diferentes teatros de Madrid.
EL VALOR DE LAS MUJERES dirigida por Carlota Gaviño e Íñigo Rodríguez-Claro con la compañía Trampolín Teatro. Es una comedia apasionante de Lope de Vega en la que estamos seis mujeres en escena y tres hombres. Algo poco común en el teatro clásico.
EL SALTO DE LÉUCADE de Alicia Casado y dirigida por Pedro Entrena. Hemos actuado fuera de Madrid y estamos deseando traerla.
FUEGO FATUO escrita y dirigida por Pedro Entrena.Es una tragedia que quedó finalista en el Certamen de Jóvenes Creadores de Madrid,
POESÍA EN EL CORRAL:TRES POETAS JÓVENES,TRES APUESTAS DE FUTURO. Fue una performance que dirigí junto a Alberto Alonso y con la participación de tres grandes poetas: Bárbara Butragueño,Sara R. Gallardo y Federico Ocaña. Todo un descubrimiento.
¿Cómo surgió tu participación en el montaje de La Ola?…Háblanos de este trabajo…
Hace varios meses el Centro Dramático Nacional (CDN) convocó pruebas para el montaje «La ola» .Pasando pruebas y pruebas…¡Conseguí trabajar en esta producción!. «La ola» está basada en hechos reales. Fue un experimento que el profesor Ron Jones realizó con sus alumnos de California en el 1967. Les sumerge en un trabajo de campo para explicarles como caer en un régimen fascista. Los alumnos se meten de lleno y acaban entrando en la dictadura que se forma en la clase, llegando tan lejos que el experimento se terminó antes del tiempo estipulado. De esta manera los alumnos sintieron en sus propias carnes como un pueblo puede caer en una dictadura(en este caso en concreto, el Fascismo Nazi) pero se sintieron utilizados por el profesor.
¿Visteis la película sobre la que está basada?…¿Qué te pareció?…
Ví la película hace tiempo pero no ha sido nuestro referente de investigación.La película está basada en la novela pero no es fiel a los hechos reales.
¿Cómo creas tus personajes?…¿Tienes un método?…
Trabajo a partir del texto. Poco a poco voy dejándome llevar. Me gusta jugar, pasármelo muy bien y disfrutar del trabajo de mis compañeros. Mi método es el trabajo diario en casa y sobre todo en los ensayos. Con el trabajo de texto va surgiendo poco a poco mi creación de personaje donde le añado la corporalidad, el imaginario….
¿Os documentasteis sobre el tema en el proceso de creación?…
Por supuesto. El director, Marc Montserrat Drukker, nos ha inculcado la pasión por el tema desde antes del proceso de ensayos. Ha sido un proceso muy intenso y enriquecedor. Hemos leído libros como «Los niños de Hitler» de Guido Knopp y nos hemos documentado en la época(California en 1967). Marc nos ha proporcionado muchísimo material. Ha sido muy positivo investigar tanto para saber bien qué historia queremos contar.
¿Cómo crees que están afectando los recortes y el aumento del I.V.A. a los proyectos de teatro?…
Está afectando de una manera muy negativa:cerrando teatros, actores trabajando en condiciones laborales indignas, reducción de público en los teatros por la subida del precio de la entrada, reducción de giras teatrales… Un país que no cuida su cultura,y en concreto, su teatro, es un país gobernado por personas que quieren una sociedad muerta, una sociedad que no piense por sí misma. La cultura es un bien preciado y necesario que debemos cuidar. No debe ser un lujo. Confío en el cambio, en la lucha de los artistas. El teatro es indestructible y esto va a cambiar.
¿Qué montaje que hayas visto últimamente, te ha interesado?¿Por qué?…
«La piedra oscura» de Alberto Conejero y dirigida por Pablo Messiez. Porque yo ví esa obra y pensé: «Esto es teatro». Reunía todas las cualidades necesarias para que una obra de teatro te llegue: un texto brillante, una historia necesaria para contar, dos actores extraordinarios dirigidos desde el corazón(Eran dos seres humanos en escena. Nada de «grandes personajes»), un espacio sencillo donde elaborar la historia…Acabó la obra y yo no podía parar de llorar y de preguntarme: «¿Por qué?, ¿por qué?, ¿por qué?». Espero poder volver a verla cuando la prorroguen.
¿Proyectos?…
Ahora mismo estoy terminando «La ola» en el Teatro Valle-Inclán y ensayando «La comedia de los errores» de William Shakespeare con dirección de Lidio Sánchez Caro y producida por Ciclo Mexico A Escena. Estaremos en mayo en el Teatro Lagrada. También estoy trabajando con la cía Bazar Eslavo Teatro en el montaje «La herida del tiempo» donde estaremos en unos días en el Teatro Quevedo. Además, tengo bolos de los montajes que he hablado anteriormente y algún proyecto en camino que pronto verá la luz.
Diana Palazón: El teatro es el espejo donde nos miramos los seres humanos, donde nos reconocemos
¿Cómo fueron tus inicios en el teatro?…
Con el Burgués Gentilhombre de Moliere, con la compañía Teatre Micalet, en Valencia, cuando tenía 18 años…
¿Realizaste otras facetas además de la actuación?…
No, siempre me he dedicado a esto.
¿Qué es el teatro para ti?…
El teatro es el espejo donde nos miramos los seres humanos, donde nos reconocemos. Tanto los que estamos en escena como los que vienen a mirar, aunque más bien vienen a compartir…
¿Por qué haces teatro?…
Me cura, me da felicidad, me hace conocerme, me muestra lo peor y lo mejor de mi. Comparto lo que vivo en cada momento, sin normas sociales, sin límites, sin juicio. Es un acto de amor hacia mi misma. De honestidad.
¿Qué balance harías sobre tu trayectoria?…
Aún es pronto para hacer balance.
¿Qué función crees que ha de tener el teatro para la sociedad de hoy?…
La que siempre tuvo. La de conectarnos con lo divino, con nuestra alma, con nuestros pensamientos. Masajear las emociones, poner en duda lo establecido, de uno mismo y de sociedad. Comunicarnos. Dar forma a lo abstracto.
¿En qué proyectos has participado durante el último año?… Estos últimos 2 años han sido tres montajes teatrales: La Dama Duende, el que fue el último montaje de Miguel Narros. Los Miércoles no Existen, primer montaje teatral de Peris Romano y Héroes, de Antonio Hernandez Centeno, que representamos ahora en La Pensión de las Pulgas. Y varias colaboraciones en televisión: La que se avecina, El Don de Alba, Sin Identidad.
¿Cómo surgió tu participación en el montaje de Héroes?… Antonio y yo somos amigos y nos apetecía volver a trabajar juntos. Esta es nuestra tercera vez. Háblanos de este trabajo…Es un trabajo de mucha intimidad, de mostrar la soledad y el conflicto que no nos deja amarnos a nosotros mismos, a los otros, porque son diferentes, porque pensamos distinto. Por las heréncias. Por las cargas, por los odios antiguos arrastrados durante generaciones.
¿Cómo creas tus personajes?…
Con análisis profundo del texto, con acercamientos a lo personal para tender un puente hacia el personaje, con referencias, con improvisación, y sobre todo con el otro.
¿Tienes un método?… Utilizo herramientas de método, pero no soy nada ortodoxa. También uso mucho mi instinto.
¿Cómo crees que están afectando los recortes y el aumento del I.V.A. a los proyectos de teatro?…
Completamente. Es abusivo, injusto y sin sentido. No se valora la cultura como tal. No se le da el sitio que merece. La cultura es un derecho, no un lujo.
¿Qué montaje que hayas visto últimamente, te ha interesado?…
El Misántropo, Lluvia Constante, Insolación.
¿Por qué?…
La magnífica dirección de las tres, el texto, los actores con una verdad y una generosidad abrumadora. Son piezas muy diferentes y con un trabajo lleno de amor, de dedicación, de profesionalidad. De las que remueven los cimientos de la conciencia.
¿Proyectos?…
Haberlos, «haylos». Nada de hablar antes de tiempo.
¿Alguna sugerencia para seguir creando en tiempos de crisis?…
Solo se puede seguir con amor y paciencia. Y con Valentía de proponer nuevas formas, nuevas estructuras. Hasta que volvamos a encontrar un equilibrio entre lo que se da y lo que se recibe…Y ahora hablo de lo puramente material.
John Neumeier: La danza es una expresión humana
¿Cómo ha sido el proceso de adaptación de la novela al ballet?…
Cuando era un chico de quince años leí la novela y me fascinó, me pareció universal. Pasó el tiempo y llegó el momento en que quise hacer un ballet con ella. Era muy importante elegir bien la música…En la película de Visconti y en la ópera se han realizado versiones muy personales y no quise inspirarme en ellas, preferí retomar la novela original. Al volver a leerla sentí un impacto importante, vi de nuevo que es un texto intelectual, para mí no es solo una historia sentimental. Creo que en ella se posiciona al artista frente al arte. Aschenbach era muy preciso…él mismo se vio en una situación similar a la que describe en la novela. Lo complicado era elegir bien la música. En el film se usa la música de Mahler y todo el mundo me preguntaba si la iba a utilizar yo, pero nunca lo pensé. Siempre imaginé a Bach por la precisión y claridad de su obra. Tras reflexionar mucho creí que no era la música apropiada pero leí que Bach había compuesto una obra para el personaje de Federico el Grande, algo que estaba también en la inspiración de la novela… El anhelo y el deseo… Descubrí también que Richard Wagner fue el modelo que también inspiró al autor. La música de Tristán e Isolda me resultaba interesante…Finalmente hice un collage con Bach y Wagner… Para mí era necesario descubrir como trasladar una obra de palabras a un mundo sin ellas…Pensé sobre qué sentiría el autor antes de que llegasen las palabras…Finalmente lo trasladé a un coreógrafo famoso en crisis…
¿Es un espectáculo autobiográfico?…
No es biográfico. Debo decir que las traslación de todos los personajes que creo en mis obras son, de algún modo, alter ego mío porque si no, no podría crearlos.
¿Hay alguna escena que haya creado y no esté en la novela?…
Hay que entender que la danza es una forma humana no realista…En el texto solo hay contacto visual entre los protagonistas pero si se piensa en el diálogo interior que hay detrás de las palabras, podemos imaginar que hay un contacto emocional que yo he intentado mostrar en el dueto en la playa. La danza va más allá de la forma natural de moverse. En el último dueto también he tratado de ir más allá de la imagen que expresa. Si miráis la foto del programa de mano puede surgir la pregunta de si este momento ocurrió o solo pasó en el alma del autor.
¿Cuánto tiempo hacía que no venía el Ballet de Hamburgo a España?..
Desde 2003 que vinimos con Niyinski al Teatro Real.
¿Qué proyectos tiene para el Ballet de Hamburgo?…
Podría escribir un libro sobre esto…Para mí, lo importante es que la Compañía sigue, pronto hará cuarenta y dos años que la dirijo…Es un río que sigue y fluye, siempre es el mismo y siempre sigue. Es un grupo de artistas que se unen porque tienen el mismo concepto del arte: La danza es una expresión humana. Cada integrante aporta su experiencia personal, no hay una idea de virtuosismo. Estamos reponiendo una pieza y en los ensayos técnicos, aunque no tendrían que estar algunos de los integrantes, todo el mundo espera hasta el final para recibir las anotaciones sobre los ensayos. Entienden que son unos privilegiados al realizar un trabajo como este…Eso es ser artista.
¿Tiene en cuenta hacer obras de diferentes estilos para el repertorio de la Compañía?…
Soy un coreógrafo de gustos variados. En España hemos presentado Cascanueces en una adaptación mía… Una Compañía tiene que introducir diferentes estilos, aunque lo más importante es mostrar la humanidad a través de la danza, independientemente del estilo, lo importante es la honradez y lo vivo que este esa obra en cada momento, da igual si son creaciones clásicas o mías.
José Luis Mosquera: Soy autodidacta, no tengo un método concreto y si lo fuera sería el “Caos que ordena”
¿Cómo fueron tus inicios en el teatro?… ¿Realizaste otras facetas además de la actuación?…
Después de tomar algunas clases, empecé como profesional a los 13 años en una obra infantil con entremeses de Lope de Rueda y Lope de Vega titulada “La Tierra de Jauja”, lo curioso es que entré en un teatro profesional antes como actor que como espectador.
Siempre me gustó la danza y con 17 años hice algunas coreografías para un montaje amateur de Jesucristo Superstar y he repetido la experiencia en algunas ocasiones, incluidas mis clases de cabaret y alguno de mis espectáculos.
¿Qué es el teatro para ti?…
La mejor y más completa forma de entender, sentir y comunicar el hecho de estar vivo.
¿Por qué haces teatro?…
Por la necesidad vital de disfrutar, compartir, aprender y comunicar.
¿Qué balance harías sobre tu larga trayectoria?…
Teniendo en cuenta una cierta irregularidad en la calidad de los proyectos, los parones y los aprietos económicos, emocionales y existenciales que conllevan, me siento absolutamente afortunado y agradecido, porque después de casi cuarenta años trabajando, he conseguido “vivir” de esta profesión sin tener que salir de ella, y aún siendo muy dura, me ha dado muchísimos de los mejores momentos y experiencias de mi vida.
¿Qué función crees que ha de tener el teatro para la sociedad de hoy?…
Hoy y siempre, de espejo y maestro, donde poder reflejar desde cualquier género, lo mejor y lo peor de las relaciones humanas, aprendiendo de la experiencia compartida entre los dos mundos… que son uno.
¿En qué proyectos has participado durante el último año?…Háblanos de ellos…
En el año pasado hice una pequeña colaboración en el cortometraje “Por alcanzarte” de Natalia Ruiz con un trabajo interesante de miradas y dejé “La cena de los idiotas” para incorporarme a “Priscilla, el musical”, de “La cena..” me llevo casi un máster en los ritmos de comedia, gracias a Josema Yuste, Agustín Jiménez, David Fernández y Felisuco.
¿Cómo surgió tu participación en el montaje de Priscilla?…Háblanos de este trabajo…
Estando de gira con “La cena…” me envió la convocatoria mi mejor amiga, después de pensarlo decidí presentarme y tras cuatro pruebas, fui seleccionado para uno de los personajes protagonistas. Bernadette es un transxesual con mucha fortaleza, fue pionera artística y socialmente por su condición sexual, divertida, dura, maternal…un personaje muy rico en matices dentro de un espectáculo impresionante, donde la alegría, el humor, la amistad y la solidaridad se mezclan con una explosión de música, imposible de no bailar.
Cómo creas tus personajes?…¿Tienes un método?…
Soy autodidacta, no tengo un método concreto y si lo fuera sería el “Caos que ordena”. Siempre me he sentido como una esponja, he aprendido de tod@s y cada un@ de mis compañer@s …y de algunos talleres puntuales. A partir de todo ello escucho lo que dice y hace el personaje, lo que dicen y hacen con respecto a él y buscamos…
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¿Cómo crees que están afectando los recortes y el aumento del I.V.A. a los proyectos de teatro?…
Demoledor en muchos aspectos, desde la puesta en pie de nuevos proyectos, hasta la rentabilidad en las recaudaciones, destrozando un, ya antes incluso, débil tejido industrial. Resulta vergonzante como ciudadano, que la Cultura en este país tribute más que muchos artículos de lujo.
¿Qué montaje que hayas visto últimamente, te ha interesado?¿Por qué?…
Me impactó mucho el montaje de “El Misántropo” de Miguel del Arco como espectador y profesional, un trabajo redondo artística y socialmente. Y “Cuando deje de llover” de Andrew Bovell dirigido por J. Fuentes Reta, un texto laberíntico y conmovedor, acompañado de una interpretación y dirección muy precisa.
¿Proyectos?…
Seguir disfrutando con “Priscilla…” y en cartera a medio y largo plazo, un estupendo monólogo que llevo tiempo con ganas de poner en pie y otro posible musical.
Alfonso Zurro: La profesión la dignificamos nosotros con la entrega de nuestro trabajo y lo mejor de nosotros mismos.
¿Cómo surge el proyecto de El buscón?…Háblanos de la adaptación y del montaje…
Todo nace de una charla con los compañeros de la compañía en torno a la picaresca… la importancia de Sevilla en la picaresca del siglo de oro… y charlando… charlando… apareció la posibilidad de hacer un espectáculo sobre la picaresca. Cuando ya lo tomamos en serio, decidí inclinarme por hacer una versión de El Buscón. La versión de la novela de Quevedo me llevó tiempo… fue un trabajo arduo… de seleccionar, dramatizar… Y sobre todo centrarme en el juego de contar las aventuras del pícaro Pablos desde dos épocas, que se fueran alternando: el siglo XVII y la actualidad.
¿Hubo ocasión durante el proceso para que los actores aportasen ideas en el texto o en la puesta en escena?…¿Cómo ha sido el trabajo con ellos?…
Sí, siempre trabajo de una forma muy abierta, muy receptiva a cualquier idea, planteamiento, sensación, no sólo de los intérpretes sino de todo el equipo. Aunque el que más corta texto y modifica soy yo, a veces con dolor de los actores.
¿Hay algún referente técnico o artístico del que has partido para crear esta obra?…
Inicio los trabajos muy codo con codo con el escenógrafo, en este caso con Curt Allen Willmer. Necesito un espacio… encontrarlo. En mi trabajo diferencio muy claramente lo que es escribir, la dramaturgia, que es una cosa, y otra muy diferente lo que es la puesta en escena. Mientras escribo no me hago ninguna idea, ni espacial, ni de dirección… Llego virgen y sin planteamientos previos a la hora de enfrentarme a la dirección. Aquí, miramos muchos cuadros de la época… por otro lado iba almacenando materiales de prensa actuales que eran referentes… Total: un gran cajón de papeles.
¿Por qué haces teatro?…
Porque siendo niño probé, como un juego, esto del teatro, me fascinó, me enganchó y ahora sobrevivo con este mono diario.
¿Qué balances haces de tus trabajos como director-autor de teatro?…
Hay de todo, como en la viña del señor. Lo que sí es cierto que en cualquier trabajo me entrego, hasta enamorarme de él, y luego intento dar lo máximo, lo mejor de mí. Siempre he dicho que no hay trabajos pequeños ni grandes, ni los de presupuestos mínimos o los desmesurados. Hay dignidad. La profesión la dignificamos nosotros con la entrega de nuestro trabajo y lo mejor de nosotros mismos. Me curtí haciendo teatro popular por pueblos y aldeas de Andalucía y ahí en la base es donde…
¿Qué función crees que ha de tener hoy el teatro para la sociedad en la que vivimos?…
Creo que debe abarcar un amplio abanico. Desde el mero entretenimiento, hasta historicista, pedagógico, revolucionario, documental, familiar, popular, político, de actualidad… etc. etc. No le pongamos vallas.
¿Cómo crees que está afectando la subida del I.V.A. y los recortes al teatro en España?…
Mal. La política teatral en España es nefasta. El IVA ha sido puñalada en ojo de tuerto.
¿Qué obra de teatro has visto últimamente?¿Qué te pareció?…
Hace dos días, en el teatro Central de Sevilla, Ruz-Bárcenas. Me encantó. Me gusta ese teatro documental tan despojado donde la palabra y los magníficos actores te llevan. No es teatro para emocionarte, no puedes, porque la sangre se te hiela.
¿Proyectos?…
El más próximo Hamlet. Con la misma compañía que está representando El Buscón. Teatro Clásico de Sevilla.
¿Cómo ves la situación teatral en nuestro país?…¿Se pueden hacer propuestas combativas hoy en día?…
La situación teatral está difícil. Creo que estamos en un gran momento (quizá uno de los mejores de la historia de nuestro teatro) de creadores: Actores / actrices, autores, escenógrafos… disponemos de una buena red de teatros. Cada día se abren nuevos teatros de bolsillo… Se buscan alternativas de todo tipo… Pero nos falta un mayor apoyo institucional, una ley de teatro, otra de mecenazgo y… sobre todo recuperar y atraer público. El caballo de batalla es el público.
Respecto a la segunda parte de la pregunta: Sin dudarlo. Es forzoso ser combativo en estos tiempos de confusión y manipulación. Al menos que el teatro aporte algo de luz a la oscuridad.
David Quintana: Es fundamental el aportar cultura, aire fresco y divertimento negro a una sociedad.
¿Cómo surge el proyecto que presentáis en el Teatro Lara…?…Háblanos del proceso y del montaje…
Aprovechando nuestra visita a España con motivo de una presentación en la gala drag de Las Palmas no podíamos irnos sin hacer un montaje especial en Madrid y que mejor teatro que en el Lara y acompañados de elenco español, parte de él pertenece a nuestra producción de Noc un auténtico vodevil.
¿Cómo ha sido el proceso de creación?… Crazy es una recopilación de cuadros nunca presentados en España junto con alguno de nuestros clásicos con un particular y sorprendente hilo conductor.
¿Hay algún referente técnico o artístico del que habéis partido para crear esta puesta en escena?…
Mucho humor Quintana, un espectáculo musical muy divertido
¿Por qué haces teatro?…¿Cómo fueron tus orígenes en el mundo del espectáculo?…
Por pasión. Todo empezó como un juego con mi hermano y con el paso de tiempo lo profesionalizamos hasta llegar hasta hoy …20 años más tarde.
¿Qué balances haces de tus trabajos como director?… ¿Cómo surgió NOC?…
Es un trabajo muy laborioso y satisfactorio ver luz las ideas y creaciones. NOC surgió de la inquietud de realizar un montaje de sello Quintana en España para dar visibilidad a nuestro trabajo y proponer un género no muy explotado por estos lares.
¿Qué función crees que ha de tener hoy el teatro para la sociedad en la que vivimos?…
Es fundamental el aportar cultura, aire fresco y divertimento a una sociedad.
¿Cómo crees que está afectando la subida del I.V.A. y los recortes al teatro en España?…
El aumento del IVA es un auténtico maltrato al sector y esperamos reconsideren la bajada de nuevo para dinamizar la cultura.
¿Qué obra de teatro has visto últimamente?¿Qué te pareció?…
Entre las propuestas últimas vistas me sorprendieron La llamada y Las amistades peligrosas.
¿Se pueden hacer propuestas combativas de teatro hoy?…
No hay que dejar de proponer y sorprender…se vienen aires nuevos…Y hasta ahí podemos leer…
Patricia Toral-LUZ, MICRO Y PUNTO: La cultura hay que respaldarla, es un medio idóneo para transmitir valores, en nuestro caso a los niños
¿Cómo fueron vuestros orígenes en el teatro de sombras?…¿Os formásteis en ello?¿Dónde…?
Lo primero comentarte que Luz, micro y punto lo formamos tres mujeres, Chantal Franco, Verónica R. Galán y yo misma que hacemos espectáculos de Teatro de Sombras con música en directo. Chantal y yo trabajamos la creación de historias y la parte visual de los espectáculos y Verónica es la encargada de dar vida a esas fantasías visuales con sus melodías en directo.
Curiosamente Chantal y yo descubrimos el teatro de sombras de manera independiente. Ella estuvo de alumna en un curso en Madrid con la compañía Asombras y a la vuelta comenzó a experimentar en su taller con aquello que tanto le había seducido.
Por otro lado, yo me había trasladado a vivir a Malta y asistí a un curso en la Valletta impartido por el titiritero Melvyn Rawlinson que aunque tocara muy sutilmente el teatro de sombras, fue suficiente para que ese mundo me fascinara.
A partir de ahí, cada una de nosotras y por independiente comenzamos con una experimentación e indagación en ese arte escénico de manera personal.
¿Hicíste otro tipo de trabajo en el mundo de la escena?…
Chantal ha realizado varios espectáculos anteriormente además de ser constructora de títeres. Algunos de sus espectáculos han sido, “El Secreto del Arcoiris”, “Puchero Potingue” y su primer trabajo de sombras, “Frágil” en la que Verónica compuso su banda sonora.
Respecto a mí, el primer espectáculo lo desarrollé en Malta, un Teatro de Sombras, su nombre “Metamorpolis”, un trabajo que recuerdo de manera muy especial por ser el primero además de multicultural, ya que trabajamos codo con codo personas de 5 países diferentes.
¿Cómo surge la Compañía?…
A finales de diciembre de 2012 regresé a Asturias y Chantal y yo que ya éramos amigas, teníamos muchas ganas de encontrarnos y compartir las curiosidades, inquietudes e ideas que teníamos sobre el Teatro de Sombras. Comenzamos en el taller de casa a trabajar juntas y pronto vimos que el trabajo conjunto era muy productivo y además nos lo pasábamos genial, así que comenzamos a hacer visuales analógicas con retroproyector.
Pero queríamos ir más allá, queríamos montar un teatro de sombras con música en directo como habíamos hecho anteriormente por independiente y en 2013, le propusimos a Verónica, nuestra amiga y excelente pianista que nos acompañara en esta historia, que le pusiera melodía a nuestras historias y que se enrolara en un proyecto de teatro de sombras con nosotras. Aceptó y de esta manera nació Luz, micro y punto.
¿Qué balance hacéis de la trayectoría de la misma?…
El balance es muy bueno, nuestra compañía es muy joven de 2013 y ya hemos actuado en diversos festivales, entre ellos FETEN 2014, nuestro espectáculo nos ha llevado en Cataluña, Aragón, País Vasco, La Rioja, Cantabria y Asturias, por supuesto. Este mes de marzo estaremos por primera vez en Madrid y estamos muy ilusionadas. Podemos decir que tenemos trabajo y cuando tenemos algún descanso aprovechamos para avanzar en nuestro segundo proyecto.
¿Cómo son los procesos de creación de vuestras obras?¿Cómo surge el tema y la estética?…
A grandes rasgos…Chantal y yo creamos la historia a partir de un pensamiento, una idea, un tema en el que nos guste profundizar. A partir de ahí desarrollamos la historia que queremos transmitir. Cuando la tenemos, comenzamos con el storyboard y ahí es cuando Verónica que a partir de la temática ha ido escogiendo instrumentos adecuados para esa obra, comienza a componer la música para esa nueva historia.
Tras el storyboard, se comienza a plantear la construcción de las marionetas, de los títeres si los hay, de los mecanismos necesarios, de las plantillas y de la escenografía.
Después es cuestión de ir trabajando cada escena y los enlaces entre ellas de manera que tenga todo una continuidad. Al final, ensayo, ensayo y ensayo hasta tener la obra finalizada.
¿Tenéis colaboradores habitual?…¿Tenéis un espacio estable de trabajo?…
De momento no tenemos colaboradores, creemos que tenemos muy corta trayectoria para tenerlos y aunque nos gustaría, ahora mismo estamos centradas en nuestro segundo proyecto y hasta su finalización no tenemos tiempo para nada más. Pero más adelante no lo descartamos para nada.
Nuestra primera obra se gestó en Paraíso Local Creativo de Oviedo y actualmente disfrutamos de una residencia en LAboral Centro de Arte y Creación Industrial de Gijón. Hemos adaptado nuestro primer trabajo On el funambulista a formato mediano y ahora estamos trabajando en nuestro segundo proyecto. Es una suerte poder estar allí por el espacio y el fabLAB que tenemos a nuestra disposición.
¿Cómo le afecta el IVA a vuesto trabajo y funciones?…
Lo que nos supone es un esfuerzo económico muy importante, no entendemos que la cultura, el teatro en nuestro caso tenga ese porcentaje tan altísimo. La cultura hay que respaldarla, es un medio idóneo para transmitir valores, en nuestro caso a los niños. Además de una puerta al mundo, a la creatividad y donde se incentivan las ganas de hacer y de estar activo.
Háblamos del espectáculo que presentáis en Madrid este fin de semana…
El espectáculo que presentaremos el 14 y 15 de marzo en Madrid será:
On el funambulista…
On, es una marioneta son su sombra que nos llevará a descubrir paisajes sonoros e inesperados avatares. Podremos viajar a su interior y acompañarle en la búsqueda de su equilibrio.
On el funambulista, es un Teatro de Sombras analógico y artesano, que utiliza como lenguaje narrativo la imagen proyectada y la música en directo. Su peculiaridad es poder ver durante el espectáculo, el montaje de cada una de las escenas que componen la historia. Decorados hechos a mano, materiales de un solo uso para cada función y melodías interpretadas por un acordeón, un piano y un metalófono que acompañan a On a lo largo de toda la obra.
Títeres, música y espectadores, compartiremos en la función, algo más que las sombras.
El espectáculo dura 45min y es apto para todos los públicos a partir de los 4 años de edad.
El sábado 14 de marzo será en el Teatro del Barrio -c/Zurita, 20- a las 12 y las 17 horas y el domingo 15 de marzo en la Quinta del Sordo -c/Rosario, 17- a las 17:30.
Nos hace mucha ilusión, es la primera vez que actuamos en Madrid, así que…OS ESPERAMOS!!!.
¿Alguna sugerencia para seguir creando en estos tiempos difíciles…?
Que nunca se pierda la ilusión. Cada cosa que se crea, que se genera de la nada repercute en uno mismo de manera muy positiva, hacer cosas bonitas sienta muy bien.
Arturo Turón: Levantar un proyecto a día de hoy ya es una propuesta combativa
¿Cómo surge el proyecto de Alma…?
Alma es un proyecto que lleva mucho tiempo dentro de mi cabeza, y mucho tiempo de vida muy presente, la primera vez que me lo plantee pienso que era demasiado pronto y que quizás no estaba preparado para afrontarlo, y que quizás no era el momento mas oportuno para poder arrancarlo, además el montaje era demasiado para nosotros (Nada en la nevera) así que teníamos que encontrar aliados, en nuestro inicio como compañía era difícil encontrar estas alianzas, así que una vez que Confesiones a ala comienza a crecer y a ir haciéndose hueco en la escena teatral, esto fue algo mas fácil, y así conseguimos esa ansiada alianza, y se cruzo en el camino Es. Arte y la productor María Allas, quien firma la producción de este proyecto y que sin ella esto no hubiera sido así real.
Háblanos de la adaptación y del montaje…
La adaptación estaba escrita desde antes que confesiones, pero claro me toco sacarla del cajón y volver a trabajarla prácticamente de cero, ya que no me funcionaba como la primera vez que me lo plantee, la verdad es que estoy muy contento con el resultado final y con las cosas que fui encajando, y sobre todo con mi particular versión, mas bien visión de lo que es y significa para mi esta película, cada vez que avanzaba en el texto veía la necesidad de ir integrando partes y hacer guiños a otros autores y a otras piezas teatrales, así que dentro de Alma encontraremos alguna que otra sorpresa, que no están en “Persona”, en cuanto al montaje un reto, un gran reto para mi, ya que finalmente es mi particular visión y de mi propio significado tanto personal como profesional de quizás para mi la obra maestra de Bergman. Así que imagínate lo que ha sido para mi transformar esta pieza tan visual como es, poder dotarla e integrarla dentro de un escenario, y a esto sumarle el mundo de Bergman y toda la base y lo importante de esta película (que es todo o casi todo), y dotarlo del mío particular y conseguir que estos queden unidos.
¿Cómo ha sido el proceso de creación?…
Lleno de facilidades, por todos los lados, empezando por la productora María Allas que únicamente me fue facilitando y trazando cada uno de los caminos por los que ir transitando, su ayudante Paula que esta en todo y con todo, los chicos de Nave73 Roció, Álvaro y Alberto que han sido fantásticos en todo el proceso de ensayos, con Sergio Lardiez… Buuffff que decir de este genio “Eres un Dios” magia pura, poder volver a trabajar con mis socios de Nada en La Nevera, Ana López Cobos que vuelve a firmar el vestuario en esta obra, y Jon Corcuera que diseña también la Luz de Alma… en este montaje he tenido la suerte también de contar por primera vez con Juan Divasson director de Arte de “Stockholm” y gran amigo, y que firma la escenografía de la obra, Beatriz y todo el equipo de Making Off Hair que trabajaron la peluquería de las chicas, y María José Barta costurera de unas piezas maravillosas diseñas por Ana López Cobos. Luego sumar el equipo ya habitual en mi primer montaje Lydia Ruiz mi ayudante, y Estaban Ruiz sonidista con el que no voy a ninguna parte sin el, y por ultimo poder volver a contar y rencontrarme con Chon López técnica de luces de la obra que colaboro también en Confesiones… y en piezas audiovisuales mías.
¿Cómo ha sido el trabajo con las actrices?…
La verdad es que ha sido un proceso, duro y complicado, bueno todo proceso creativo lo es, pero poco a poco fuimos encontrando el tono y la forma, la verdad que fue muy pronto, y por fortuna ellas me lo pusieron muy fácil desde el primer momento, no teníamos mucho tiempo para poder realizar un buen trabajo previo de mesa y de investigación, así que en cada ensayo estábamos en ese camino el de investigar y encontrar, trabajar con Rocio Muñoz-Cobo la verdad es que ha sido todo un descubrimiento para mi, y es una actriz con un talento impresionante, en cada gesto, en cada mirada, esta lleno de palabras… con Andrea Dueso pasan cosas muy similares tanto con su mirada, como con sus pequeños momentos de silencio, ya que es la que lleva todo el peso de la obra a través de su palabra, creo que su interpretación y aceptación del personaje ha ido creciendo poco a poco, fue un proceso lento y delicado, dadas las aristas y las complejidad del personaje, pero creo que fuimos cosiendo con un hilo muy fino y delicado cada costura de Alma y que conseguimos llevarla un punto muy interesante y mágico, sin lugar a dudas creo que finalmente el traje que logramos confeccionar del personaje esta realizado totalmente a la medida de Andrea. Luego esta Cristina Masson que creo que tengo que meter dentro de este apartado, que es la coreógrafa y bailarina en este montaje, y que ha sido para mi todo un descubrimiento, desborda arte por los cuatro costados, es pura magia, es pura felicidad, es pura alegría en cada momento en el que esta presente.
¿Hay algún referente técnico o artístico del que has partido para crear esta puesta en escena?…
Referentes creo que están por todos los lados en esta película, obviamente y partiendo de la base de la propia película… además en este montaje mezcle referentes que nada o poco tienen que ver con Bergman, empiezo quizás por el que si “La Mas Fuerte” de Strindberg. Los que no, o poco o nada pues esta mi particular versión de una pequeña pieza de Electra quizás con algún tinte Lorquiano, La Violación de Lucrecia de William Shakespeare unido a la danza contemporánea, la escenografía que tiene muchas referencias a Dogville, por otro lado también en una pieza audiovisual que ha sido montada y creada por una de mis mejores amigas Saray Oñate, y que es una pieza muy importante que esta dentro de la obra esta llena de todas las influencias tanto visuales como pictóricas de la obra, pero quizás y sin lugar a dudas una de las grandes cosas que me pasan en este montaje es poder integrar un poema de mi idolatrado Jim Morrión, esto sin lugar a dudas es una de las cosas con las que estoy mas feliz en este montaje ya que fue su música la que me acompaño en grandes momentos del proceso de adaptación de esta obra.
¿Por qué haces teatro?…
Al principio y con mi primer montaje Confesiones a Ala,tenia un miedo terrible ya que mi experiencia siempre había sido en el mundo audiovisual y tenia mucho respeto y miedo al teatro, pero después de esa experiencia y de mi primera experiencia… solo pasa por mi cabeza hacer teatro, es algo mágico, creo que no podría poder expresar en esta entrevista todas las partes de mi que se activan en cada montaje. Es un vicio, es una gran droga…
¿Qué influencia tiene el cine en tu teatro?…
Mucho, ya que mi formación es audiovisual. Así que esta muy presente en cada montaje, además siempre integro piezas audiovisuales en cada montaje.
¿Qué balances haces de tus trabajos como director?…
Sinceramente creo que esta pregunta no la debería contestar yo, quizás sea escurrir un poco el bulto, pero creo y muy sinceramente que tendrían que ser mas las personas con las que trabajo y colaboro, o el publico que ve mis montajes y mis trabajos.
Háblanos del proyecto y puesta en escena de Confesiones a Alá…
Pues que contar de confesiones que no haya dicho ya en todo este tiempo, que contar mas de un montaje que me ha abierto las puertas a seguir creyendo en mi profesión y sobre todo a seguir amándola como la amo hoy en día, sin lugar a dudas Confesiones… me devolvió a la vida, y del montaje y de Confesiones… en si es todo pura magia tanto todo lo que sucedió en la puesta en marcha como cada día y cada función.
¿Qué función crees que ha de tener hoy el teatro para la sociedad en la que vivimos?…
La misma que me propuse cuando me decidí a dar el paso, entretener, divertir, emocionar, hacer pensar a las personas y quizás para mi el mas importante que logren desconectar de sus problemas por un instante, y de todo lo que sucede en nuestro entorno y que no es poco lo que sucede día tras día en nuestro país, y no solo aquí en el mundo en el que vivimos.
¿Cómo crees que está afectando la subida del I.V.A. y los recortes al teatro en España?…
Mucho, mucho, mucho, mucho… vamos que es insostenible no solo en el teatro, si no en el cine, en la danza, en la pintura, vamos… a todo el sector cultural, afecta en todos los aspectos, la no creación de empleo, cierres de productoras, cines, espacios teatrales como por ejemplo el siempre querido y adorado Garaje Lumiere, y no solo en Madrid en toda España es muy triste este maltrato al que estamos sometidos, es muy triste solo pensar las personas que pierden su trabajo, los proyectos que se quedan en el camino y que nunca llegaran a verse, los lugares que están desapareciendo, pero sobre todo es muy triste vivir en un país en el que la cultura tiene un 21% y el porno un 4% creo que esto ya lo dice todo.
¿Qué obra de teatro has visto últimamente?…
Las Heridas del Viento de Juan Carlos Rubio, su ultimo día en el Teatro Lara.
¿Qué te pareció?… Un ejercicio maravilloso, lleno de magia, tanto actoral, como de texto, como de dirección, lo que hacen Kiti Mánver y Dani Muriel en esta obra y con este texto es una verdadera salvajada.
¿Proyectos?…
Soy todo oídos… no en serio, pues ahora mismo esta Alma y espero poder estar mucho tiempo y que tenga una larga vida, Confesiones… continua en el Teatro Lara todos los miércoles y ahora esta empezando a salir los fines de semana por diferentes ciudades de España, y no hace muchos días Marta Nieto me hizo llegar un texto que estoy empezando a verlo con muy buenos ojos y que ahora mismo poco mas puedo decir sobre el, ya que seria aventurarme un poco y tiene que ir todo poco a poco, pero bueno podría ser lo siguiente, por que no, también tengo una cosa que otra en el fondo del cajón de la mesa de mi escritorio pero es muy pronto quizás para poder hablar ahora de ellas.
¿Se pueden hacer propuestas combativas de teatro hoy?
Claro que si, levantar un proyecto a día de hoy ya es una propuesta combativa a este gobierno y al propio estado.
Susi Sánchez: El arte representa la belleza, la verdad y la justicia y eso son valores eternos e indestructibles.
¿Cómo fueron tus inicios en el teatro?…¿Realizaste otras facetas además de la actuación?…
Tomé mi primer contacto con el teatro a los 16 años. Yo estaba estudiando estética. Nunca pensé que sería actriz, era lo más alejado de mi que podía imaginar. Era excesivamente tímida y la idea de tener que subirme a un escenario me daba terror. Pero mi hermano Ismael había entrado en un grupo de teatro universitario (era la época de la dictadura franquista) y fui a ver un ensayo. Luego me apunté a un cursillo de expresión corporal que organizaba el propio grupo, para adolescentes y ahí, algo me pasó en un ejercicio que me dejó llena de inquietud y con una curiosidad tremenda por ver más, conocer qué naturaleza se escondía detrás de un trabajo de movimiento con los ojos cerrados. Creo que ahí, descubrí lo que llaman la «magia del teatro”. Desde entonces no quise hacer otra cosa.
¿Qué es el teatro para ti?…¿Por qué haces teatro?…
El teatro para mi es un camino de aprendizaje, de investigación. Me ayuda a entender la vida, al ser humano y a mi misma. Es una vía de comunicación con los demás. Una manera de compartir lo que sé y lo que aun no sé. Hago teatro porque me siento útil, siendo canal de los personajes, siendo parte de un equipo que trabaja para que el espectador pueda vivir una experiencia emocional y humana y salga del teatro haciéndose preguntas que quizá antes no se habría hecho.
¿Qué balance harías sobre tu larga trayectoria?…
Ha sido y sigue siendo una carrera de fondo. Desde que empecé me di cuenta que la actuación era como un trabajo de atleta. Había que entrenar y estar preparada para cuando llegara la oportunidad. Pero la preparacion del actor no solo es física, tambien hay que cuidar el equilibrio emocinal y psicológico. Hubo un momento en que entré en contacto con la psicoterapia y el trabajo sobre mí misma me ayudó mucho a conocerme más y desde ahi, saber y comprender más acerca de los movimientos internos de los personajes. Creo que la conciencia de la espiritualidad es esencial para estar en contacto con nuestro arte. También he tenido grandes maestros que me han impulsado y me han dado mucha confianza: Lupa, Veronese…
¿En qué ha cambiado el teatro de tus inicios a hoy?…
Cuando empecé casi no había escuelas que impartieran técnicas de trabajo coherentes. Se hablaba de Stanislavski, de Brecht, Piscator… pero eran solo teorías que nadie sabía exactamente como se llevaban a la práctica útil para el actor. Cada actor se buscaba la vida como podia y se dejaba mucho a la inspiracion del momento. Era muy dificil crear equipos con un sentido del trabajo homogeneo. Ahora y cada vez más, los actores se forman y aprenden un lenguaje común que ayuda a avanzar y profundizar mucho más en el trabajo.
¿Qué función crees que ha de tener el teatro para la sociedad de hoy?…
Schakespeare ya dijo, sabiamente, que era la de poner un espejo ante el mundo. Creo no puede haber mejor definición. Somos luz y oscuridad, seres complejos y con un enorme deseo de mejorar.
¿En qué proyectos has participado durante el último año?…Háblanos de ellos…
El ultimo montaje de teatro en el que he participado, antes del actual: BUENA GENTE, ha sido CUANDO DEJE DE LLOVER, un texto extraordinario de teatro contemporaneo de Andrew Bovell, dirigido por Julián Fuentes Reta. Ha sido una experiencia de equipo intensa y muy honda. Hemos tenido cuatro nominaciones de los compañeros de la Unión de Actores por ese trabajo y siento que ese reconocimiento se da, en realidad, a TODO el equipo, ya que es un trabajo completamente coral. Pero en la Unión aun no se contempla un reconocimiento a la totalidad de un elenco, cosa que espero se llegue a considerar. En esta obra especialmente, el trabajo propio no tiene mucho sentido sin “tomar” el trabajo del compañero. Siento profundamente que el teatro es un trabajo de equipo y cada día lucho porque así sea.
¿Cómo surgió tu participación en Buena Gente…?…Háblanos de este trabajo…
Fuí a ver Lluvia constante y salí impactada por el espléndido trabajo de los actores. Allí conocí a David Serrano. Hablé con él de la función y lo que me había gustado la sutil mano de su direccion, me gustan las obras donde no se hace protagonista la presencia del director. El ya me conocía y a los tres días me llamó para invitarme a participar en BUENA GENTE. Cuando leí el texto, me sorprendió que me ofreciera un personaje de comedia y tan alejado de lo que yo había trabajado hasta ahora, pero me gusto el reto y le di toda mi confianza. Y aquí estoy, disfrutando de mi nuevo equipo y tratando de descubrir cada dia más a GLORIA, mi personaje, el único que en apariencia no tiene un conflicto propio en la función pero que está llena de fuerza y de lealtad. De ganas de vivir y con un alto sentido de la justicia.
¿Cómo creas tus personajes?…¿Tienes un método?…
Si, tengo una guía. Pero varía dependiendo de los personajes y de su contexto. En general, antes de ponerme a memorizar el texto, leo varias veces la función o el guión. Voy tomando algunas notas, intento leer sin juicio, solo dejándome libre en mis sensaciones. Luego, busco toda la documentacion que puedo sobre lo que trata la obra y sobre el personaje (si es histórico es más fácil), trabajo sobre su caracter, por qué hace lo que hace, cual es su motor, sus deseos, sus temores… etc. Luego voy estudiando el texto y viéndo qué lugar ocupa dentro de la historia, qué parte me toca contar para que tenga un sentido en la totalidad. Y luego…, prepararme para ponerme a “su” servicio, ser su canal. Ganar cada vez más libertad y disfrutarlo al máximo. Y por supuesto, tengo a mi coach: Consuelo Trujillo.
¿Cómo crees que están afectando los recortes y el aumento del I.V.A. a los proyectos de teatro?…
Básicamente ha servido para que el gobierno gane más dinero con nosotros y nosotros menos dinero trabajando. (Sacrificando puestos de trabajo y destruyendo la industria)Parece como un castigo a la cultura. La verdad es que sigo sin entenderlo, pero está siendo muy doloroso. Pero no acabarán con nosotros, el arte representa la belleza, la verdad y la justicia y eso son valores eternos e indestructibles.
¿Qué montaje que hayas visto últimamente, te ha interesado?¿Por qué?..
La verdad es que haciendo teatro puedes ver muy poco teatro pero me gusto mucho, como digo, el trabajo de Lluvia constante y me conmocionó el ultimo trabajo de Peter Brook: El Valle del Asombro. Brook siempre me emociona.
¿Proyectos?…
Ahora estamos en plena grabación de la serie para TVE: CARLOS REY EMPERADOR, en la que encarno a Luisa de Saboya, madre de Francisco I de Francia. Un regalo de personje. En preparación una nueva película con Ramón Salazar, con quien tuve el privilegio de trabajar en “10.000 Noches en Ninguna Parte”. Y otra película apasionante de la que creo que aun no puedo hablar, pero ya hemos arrancado con ensayos…
¿Alguna sugerencia para seguir creando en tiempos de crisis?…
No dejarse vencer por el desánimo. Seguir ofreciendo toda la calidad posible en cada trabajo, aunque sea pequeño. Mantener viva la imaginación y los deseos de crear y reunirse con gente afín y trabajar en equipo.
Denis Rafter: «El teatro es, y debe ser, fundamental para cualquier sociedad.»
¿Cómo surge el proyecto que estrenaste en el Teatro Español?…Háblanos del texto y del montaje…
Desde hace 30 años estoy haciendo un monologo sobre Oscar Wilde que llevé por medio mundo incluyendo el Festival de Edinburgo. Pero ahora con mi propia experiencia de la vida, sus altas y bajas, me di cuenta que Wilde hablaba sobre cosas muy profundas sobre el comportamiento del ser humano. Me di cuenta que no obstante sus obras nos hacen reír por su frivolidad, la grandeza de él es en su gran humanidad. Y eso es lo que quería comunicar en Beloved Sinner. El texto tiene mucho de Wilde pero también hay mucho de mi tanto en el contenido que en mi interpretación de Oscar. Como cualquier papel me gusta que el público no sabe donde esta Oscar y donde esta Denis en el personaje.
¿Cómo ha sido el proceso de creación?…
La obra estaba creciendo dentro de mí durante años. Y de repente no podía dejarlo más sin darle forma y finalmente una representación por delante de un público. He hecho mucha investigación sobre Wilde durante sus últimos años de vida, a través de lo que el mismo decía y escribía y lo que decía sus amigos e incluso sus detractores. Por encima de todo quería ser justo con él y no tapar tampoco sus errores y debilidades. Hacerlo diferente hubiera sido una traición de él y de mi mismo.
¿Hay algún referente técnico o artístico del que has partido para crear esta puesta en escena?…
Antes de todo quería hacerlo minimalista para no distraer al publico de la esencia de Wilde y sobre todo, de la belleza y sabiduría de sus palabras. Las hojas de otoño son de mi jardín y era una decisión por accidente. Mientras estuve sentado en un banco al aire libre cayo una hoja roja, más que cayó fue flotando hacia mí y me inspiró. Otra decisión muy importante era sobre la caracterización de Wilde. No tengo pinta de Wilde para nada y poner maquillaje hubiera quedado en caricatura y en el ridículo. Entonces confiaba en el poder de mi interpretación, es decir, conseguir que el público se olvide de las apariencias para enfocar solo en los sentimientos y espíritu del personaje.
¿Por qué haces teatro?…
Nací actor; no puedo evitarlo. Es un don que no puedo ignorar. Me siento vivo cuando doy cuenta que por algo estoy aquí en este mundo. No hay nada más vital que escuchar las risas, los sollozos, la respiración de un público sea en China, España, Irlanda o cualquier otro país.
¿Qué balances haces de tus trabajos como director y actor de teatro?…
Creo que en los muchos años que llevo trabajando en España he aportado algo diferente a los escenarios españoles, no digo mejor o peor, pero si diferente. Normal… ¿no?. Soy un actor formado por tres culturas, el irlandés, el inglés y el español. Cada una me ha influido de una manera fuerte, única y original. Entonces cuando hago un Calderón o un Shakespeare lo hago con ojos de un irlandés; y cuando hago un autor irlandés estoy influido por mis experiencias en España. Como actor siempre he tenido que romper cualquiera barrera de idiomas; por eso me concentro en las emociones, porque son universales. Y como maestro de actores comparto mis ideas con la inocencia y alegría de un niño.
¿Qué función crees que ha de tener hoy el teatro para la sociedad en la que vivimos?…
El teatro es, y debe ser, fundamental para cualquier sociedad. En la historia universal y desde tiempos antiguos siempre ha sido así. Es un instinto natural del ser humano. Durante los primeros años, los niños hacen teatro. El teatro es una de las puertas hacia la felicidad, la espiritualidad y lo sentimental del ser humano. Es un lenguaje que rompe barreras y que puede también romper perjuicios. Nos hace pensar, contemplar y comprender las cosas más profundas de la vida. Perderlo es un riesgo que no podremos permitir.
¿Cómo crees que está afectando la subida del I.V.A. y los recortes al teatro en España?…
Después de decir lo que acabo de decir sobre la importancia del teatro puedes imaginar el disgusto que tengo por la locura de la I.V.A. actual en España sobre un arte y un instinto natural de cualquier ciudadano. Incredulidad ante unos políticos tan insensibles. Me preocupa que toda una generación de actores, autores y directores estén sufriendo tanto por su arte y por la ignorancia de unos pocos.
¿Qué obra de teatro has visto últimamente?¿Qué te pareció?…
Vicky Peña en Long Day’s Journey into Night de O’Neill. Genial, es una gran actriz.
¿Proyectos?…
Nada más volver después de Navidad he escrito y dirigido una obra sobre Teresa de Ávila que se estrena hoy sábado en la Iglesia de Santa Teresa en Ávila. Y he de hacer una gira con Beloved Sinner. Pero un proyecto que tengo en mente desde hace tiempo es escribir un libro sobre el teatro.
¿Se pueden hacer propuestas combativas de teatro hoy?…¿Qué les dirías a las nuevas generaciones del teatro?…
El teatro es un camino duro y difícil. Pero hay que seguir con ilusión. Si uno siente, en lo más profundo de su alma, la necesidad de compartir sentimientos, es un valor sin precio. Y otro consejo… Intenta no dejarte engañar por gurús falsos o profetas que engañan. La única verdad es lo que uno siente dentro de sí mismo. El mejor lugar para que un actor combata, es sobre el escenario con un buen teatro que transcienda sobre ideas parroquiales y menores.
Oscar de la Fuente: «Me encuentro vivo haciendo teatro.»
¿Cómo fueron tus inicios en el teatro?…
La verdad que jamás me planteé ser actor, ni por asomo, con 20 años empecé haciendo teatro aficionado en mi pueblo por casualidad, tenía un amigo que estaba en el grupo de teatro y un día me dijo que fuera con él, que me lo pasaría bien, fui un sábado, mi amigo no apareció y … Ahí cambió todo, aquel día descubrí algo dentro de mí que jamás había sentido. Desde entonces actué con mi grupo de teatro aficionado, Teatro Tierra se llamaba, hacíamos muchas funciones, ahora que lo pienso más que algunas compañías profesionales ahora en los tiempos que corren, en fin, al año siguiente entré en la Escuela de Arte dramático de Valladolid y antes de acabar la escuela ya estaba trabajando profesionalmente con la compañía Rayuela Producciones, continué con otras compañías de Valladolid y castilla y león, hasta que en el 2008 me vine a Madrid a formar parte del elenco de la Abadía.
¿Realizaste otras facetas además de la actuación?…
Pues fíjate en las compañías de provincias se hacía de todo, allí decíamos que actuábamos para descansar, porque cargábamos la furgo, conducíamos, descargábamos, montábamos el escenario, pecheábamos, programábamos la mesa de luces, actuábamos, desmontábamos, cargábamos de nuevo la furgo y volvíamos a conducir de vuelta, imagínate si hacíamos otras facetas además de actuar, actuar era lo más fácil.
Pero si te refieres a que en una compañía, Guetto 12/26, hice el espacio sonoro, no se me daba mal, también hice de técnico de luces y diseños de luces para alguna compañía, hasta que un técnico me dijo que lo hacía muy bien, que me planteara que es lo que quería ser si actor o técnico, a la semana siguiente me llamaron para hacer otro diseño de luces, dije que no.
¿Qué es el teatro para ti?…
Vaya pregunta, uff, para mí es una forma de vivir, de ver la vida, seguramente suene a tópico pero es así, yo soy con el teatro, me encuentro vivo haciendo teatro.
…¿Por qué haces teatro?..
Porque no sé hacer otra cosa, porque es una necesidad vital, cuando cierro los ojos antes de entrar a escena algo dentro de mí se coloca en su lugar, siento que me transformo y mi alma comienza a respirar, todo se coloca, todo toma lugar, si pudiera compararlo a algo supongo que sería algo así como entrar en trance, el hecho de enfrentarme a retos cada vez que me proponen un proyecto me hace sentirme vivo.
Creo que si no fuera actor sería cocinero o pondría una ferretería.
¿Qué balance harías sobre tu trayectoria?…
No lo sé; gracias a amigos, profesionales y compañeros que han confiado en mí como Fefa Noia, Carlota Ferrer , Ernesto Arias, a los cuales conocí en La Abadía, gracias a ellos estoy donde estoy, y por supuesto a muchos otros, creo que la trayectoria, al menos la mía se ha ido forjando al lado y gracias a grandes profesionales.
¿Qué función crees que ha de tener el teatro para la sociedad de hoy?…
No creo que el teatro deba tener ninguna función, qué función tiene la pintura en la sociedad de hoy, o la música, o la danza, si te soy sincero no se responder a esta pregunta, creo que el teatro tiene una función por sí misma, el teatro crea ya preguntas.
¿En qué proyectos has participado durante el último año?…
LOCOS POR EL TE, protagonizado por María Luisa Merlo y Juanan Lumbreras, dirigido por Quino Falero, estuvimos 6 meses en el Alcázar, fue una experiencia maravillosa, nos lo pasábamos como enanos y el público también, teatro comercial que yo no había hecho nunca y me parece que si tengo la oportunidad volveré a repetir.
LA NARCISA para Storywalker, una maravillosa iniciativa de Kubik Fabrik que lleva el teatro a la radio. AYUDA de Maria Goos, dirigido por Fefa Noia. EL FEO esta vez de protagonista, todo un éxito, desde agosto hasta diciembre con público hasta la bandera en el Teatro Lara. AMAME una versión libre de Misery, dirigido por Adriana Roffi y donde comparto escena con Carlota Ferrer, lo creamos para la pensión de las pulgas. LOS NADADORES NOCTURNOS, una joya de texto de JM Mora, dirigido por Carlota Ferrer, en este tipo de trabajo es donde me encuentro como pez en el agua, explorando, trabajando investigando, proponiendo, jugando , me siento muy orgulloso de ser un nadador nocturno , un trabajo en el cual hemos aportado todos los actores , carlota nos ha permitido jugar y crear con ella y con Mora, creo que Carlota esta reinventando el teatro, y lo está haciendo muy bien, atención a Carlota Ferrer, y atención a Los Nadadores Nocturnos.
Ahora están de gira, yo me reincorporaré en cuanto pueda.
50 VOCES PARA DON JUAN dirigido por Mario Gas, un acto en benéfico de FEDER (Federación Española de Enfermedades Raras) donde 50 actores dábamos voz a los personajes de la obra, junto a grandes actores como Asunción Balaguer, Carlos Hipolito, Mauel Galiana, Fernando Cayo…
y LOS CUENTOS DE LA PESTE de Mario Vargas Llosa , dirigido por Joan Ollé, para el Teatro Español…
Háblanos de ellos…
Todos ellos me han dado muchas alegrías,
En Locos por el Te emprendí mi primer proyecto en un espectáculo “comercial» donde aprendí mucho, nos lo pasábamos muy bien creando con Quino, había momentos de los ensayos que teníamos que parar los ensayos porque nos meabamos literalmente de la risa, si pudiera volvería a repetir
La Narcisa, fue una mañana grabando en el bar barajas cerca de la Kubik un audio para una de las historias creadas para Storywalker junto con Fernando Soto, Ana Cerdeiriña y otros compañeros, con la dirección de Fernando Sánchez Cabezudo, una historia real del barrio de Usera.
Ayuda, fue un montaje que hicimos porque el texto nos gustaba muchísimo, habla sobre un hombre de negocios que tiene que estar postrado en la cama por una hernia y su “ayuda domestica” le atiende en ese tiempo, un texto que habla de cómo nos engañan en los negocios, sobre quien ayuda a quien, muy pronto en la cuarta pared tendréis la oportunidad de verlo, junto con David Luque.
El Feo, que ya lo habíamos hecho lo retomamos para hacerlo en el teatro Lara, habla en forma de comedia sobre la obsesión de la belleza, de las vicisitudes de Lette alguien muy feo que se opera para ser más guapo.
En Ámame, empezamos a trabajar sobre el texto original de Misery, pero nos dimos cuenta que era más interesante darle una vuelta, y es lo que hicimos, junto a Adriana Roffi y Carlota Ferrer que protagoniza esta pieza estupenda.
Con Los Nadadores Nocturnos, tengo que reconocer que tengo especial cariño, aparte de que Carlota Ferrer, la directora, se ha rodeado por un magnifico elenco, Miranda Gas, Esther Ortega, Marcos Marín, Jorge Machín, Joaquín Hinojosa, Paloma Díaz, Ricardo santana, Alberto Velasco; el trabajo y la investigación mano a mano, que en cada función cambia y está vivo, junto a Carlota y JM Mora ha sido el componente más importante de este proyecto, un texto que habla sobre la sociedad actual , con una poesía brutal , nos envuelve en una sociedad en la cual todo se vende y se compra y todo está a punto de estallar. Creo que Carlota esta reinventando el teatro con una nueva forma de trabajo, atención a Carlota Ferrer y a los Nadadores Nocturnos.
50 voces para don Juan… en todos ellos con unos compañeros formidables y es que el teatro una de las cosas más maravillosas que tiene son las familias que creas en cada proyecto.
Y ahora estoy en el Teatro Español representando Los Cuentos de La Peste…
¿Cómo surgió tu participación en Los cuentos de la peste…?…Háblanos de este trabajo…
Pues surgió porque el director, Joan Ollé vino a ver los nadadores nocturnos, y me dijo después que me quería hacer una prueba, estaban buscando a “Pánfilo”, el personaje que hago en la función, me preguntó si podía hacer mil personajes a la vez, si hacía acrobacia, malabares, yo por supuesto le dije que sí, y a la semana siguiente estaba haciendo la prueba.
El trabajo ha sido todo un lujazo, imagínate, con un premio Nobel como compañero, es todo un acontecimiento, todo el equipo tanto técnico cómo artístico hemos estado trabajando a tope para llevar a escena el texto de Mario.
Empezamos ensayando en la sala de abajo del Teatro Español, esperando a que prepararan el escenario en la sala grande del español, han levantado todo el teatro y dispuesto un escenario a cuatro bandas, nosotros actuamos en el patio de butacas, ahora convertido en una villa de Florencia, creo que hacía mucho tiempo que no se hacía algo así.
Trabajábamos e íbamos montando las escenas con el director y era muy bonito ver como a Mario se le iban iluminando los ojos y la sonrisa a medida que iba viendo como sus personajes y su obra cobraba vida. La verdad que ha sido muy fácil con compañeros como Aitana Sánchez Gijón, Pedro Casablanc, Marta Poveda y el propio Mario Vargas Llosa.
¿Cómo creas tus personajes?…¿Tienes un método?…
Depende de las necesidades del montaje, de su naturaleza, de los compañeros, va surgiendo poco a poco con los ensayos, pruebas muchas cosas y un día…¡¡Zas!! Aparece el personaje.
¿Método?, tengo mi propio método, supongo, fruto de una mezcla de aprendizajes, pero no siempre uso las mismas herramientas, como te he dicho depende de muchos factores.
Para mi crear es como cocinar, la cocina es la sala de ensayos, vas probando, utilizando los ingredientes perfectos hasta que das con la receta perfecta, y le das el perfecto toque de sal, emplatas… y sirves.
¿Cómo crees que están afectando los recortes y el aumento del I.V.A. a los proyectos de teatro?…
Están aniquilando el teatro, están acabando con las nuevas propuestas, con los nuevos talentos, sólo las grandes producciones y los viejos barcos subsisten, además nadie se arriesga, y algunos programadores de teatros menos, cuando son los que deberían arriesgarse, pero como la mayoría son funcionarios… bueno esto sería un articulo a parte, en fin… es una vergüenza que la cultura este considerada un lujo.
¿Qué montaje que hayas visto últimamente, te ha interesado? ¿Por qué?…
¿Proyectos?…Entremeses, y Hacía la alegría, los dos montajes los vi en la Abadía. El primero es una reposición por el 20 aniversario, un acto de precisión actoral, un montaje que tiene 20 años y parece nuevo.
Hacía la alegría es una lección de buen hacer de uno de los mejores actores de España, Pedro Casablanc, impresionante.
¿Proyectos?…
De momento acabo en el español y me voy al CDN pero ya te iré contando según se vayan haciendo realidad, de momento nada es seguro.
¿Alguna sugerencia para seguir creando en tiempos de crisis?…
Soñar, Sonreír y Amar, que de momento es gratis.
Jesús Barranco: El teatro es el único medio por él que descubro que tiene sentido la realidad.
¿Cómo fueron tus inicios en el teatro?…¿Realizaste otras facetas además de la actuación?…
Conocí el teatro alrededor de los 16 años. Por un lado estudiando clases particulares en con una actriz que me enseñaba a decir textos de La Gaviota de Chejov, y por otro realizando talleres con Andrey Skandera, director polaco que durante años llevó al Escuela municipal de teatro de Segovia. Gracias a estas dos epifanías pude formar parte enseguida del elenco de dos compañías amateur que han marcado mi doble trayectoria como actor: Picatrix, una compañía dirigida por dos actores experimentales que abandonaron la RESAD, y Los Amigos de Real Coliseo de San Lorenzo del Escorial con los que ensayaba piezas de repertorio.
Simultáneamente a mis descubrimientos como intérprete realizaba trabajos de camarero, encargado de supermercado, dispensador de sellos en un despacho de quinielas, estudiando filología hispánica y dando clases de teatralidad a niños. Después de estas empresas y licenciado en filología, alrededor de los 24 años realicé un pacto con mi madre por él cual pude desarrollar mis estudios en Arte Dramático, a cambio de su apoyo económico y emocional. Durante estos años fue fundamental el trabajo y la compañía de Domingo Ortega con el que formé el grupo de creación Blenamiboá (que este año cumple los 20 años) y mis descubrimientos al lado Luca Aprea del teatro de movimiento, de nuevo dos epifanías que supusieron dos nuevo inicios artísticos. Este periodo de fudamentación de la poética personal terminó con el primer contrato como trabajador asalariado en el Teatro de la Abadía.
¿Qué es el teatro para ti?…¿Por qué haces teatro?…
El teatro es el único medio por él que descubro que tiene sentido la realidad. La realidad, digo la realidad más absoluta, sea el que sea, en el escenario adquiere sentido. Considero el teatro, y por extensión las “artes vivas”, una oportunidad para ser y comprenderme como ciudadano. No tengo miedo a decir que es un acto que se organiza entre lo terapéutico, lo comunitario y lo artesanal.
¿Qué balance harías sobre tu trayectoria?…
En estos momentos de la mitad de mi vida, ¡!, podría afirmar tres certezas, que no balances, sobre mi trabajo como actor. La primera certeza, a la que también he llegado cuando he dirigido piezas escénicas, es que creo que la naturaleza creadora del intérprete está al entero servicio de las propuestas de los otros, ya sean directores, ya sean acompañantes. He atestiguado que puedo no estar de acuerdo con las propuestas formales de los que están fuera mirando mi cuerpo, pero siempre siento un profundo respeto por lo que quieren contar, y esto me hace entrar en diálogo artístico. Y cuando hablo de respeto hablo del aprendizaje que supone entregarse. Me alucina tomar partido por todo aquello que me hace no ser yo, que me hace no estar sólo en mi discurso.
La segunda certeza es que he debido aceptar que soy un actor fronterizo, dispuesto a vivir entre el teatro de repertorio dentro de elencos institucionales, y las propuestas experimentales en espacios no siempre convencionales. Podría denominarme también como artista mediador, actor chaquetero, chapero o monje obediente. No soy capaz de hacer balance sobre que trabajos se han visto contaminados por los otros, si mi trabajo como actor de elencos grandes se ha visto pervertido por la libertad creadora de mis piezas más personales, o si las piezas más personales que comparto con amigos se han visto expuestas a la tentación de la excelencia y el virtuosismo.
Y una tercera certeza es: creo en el amateurismo como primer impulso para enfrentarme a la creación y evitar en lo posible los prejuicios que invoca la experiencia. El amateurismo como una conciencia de fragilidad del estatus profesional y como una tentación constante por el desapego.
¿Qué función crees que ha de tener el teatro para la sociedad de hoy?…
Siento que la función que le queda al teatro es de reivindicar el rito como acto revolucionario, como una práctica de convivencia real que permita no tener miedo al otro. No creo en el teatro como un lugar de masas, creo en la ingenua posibilidad de que aún dos personas desconocidas pueden ponerse una delante de la otra y hacer e imaginar una tregua para auto-denunciarse juntos.
¿En qué proyectos has participado durante el último año?…Háblanos de ellos…
He formando parte del elenco de Los Macbez, una pieza dirigida por Andrés Lima. Una versión de Juan Cavestany sobre el texto de Shakespeare situada en la Galicia contemporánea. Ha estado en gira desde que terminó la temporada en el CDN en junio de 2014.
Este año he podido cuestionarme mis incapacidades personales como intérprete en la pieza Mi Piedra Rosetta de José Ramón Fernández, dirigida por David Ojeda con su compañía Palmyra Teatro.
Desde septiembre de este 2014 estoy en un proyecto ideado por Santiago Ortiz para reflexionar sobre la distopía. Es un proyecto de investigación a largo plazo en el que estamos unas 13 personas trabajando sobre un supuesto “reality” televisivo en una sociedad de ciencia ficción. Es un proyecto interdisciplinar entre el net.art, el video y las artes escénicas.
También inicié un grupo de investigación llamado Investro -artes plásticas y escénicas- con otros compañeros con el que estamos desarrollando un lenguaje de entrenamiento propio que tiene su sede en el Teatro Fronterizo del barrio de Lavapiés.
Con el colectivo Armadillo, con el que llevo trabajando desde hace diez años, hemos estrenado en Teatro Pradillo la última pieza, 66 ejercicios de estilo, inspirado en el libro Ejercicios de estilo de Raymond Queneau. Un trabajo en el que mi gran compañero Raúl Marcos y yo, ponemos en cuestión si el estilo es o no una falacia efímera. Ahora iniciamos el recorrido de su distribución y cuestionamiento como pieza en los contextos que nos quieran.
Formo parte de La cena del rey Baltasar, un auto sacramental de Calderón de la Barca que ha dirigido y adaptado Carlos Tuñón, con él que estamos los lunes en la sala Kubik en el barrio de Usera de Madrid. La pieza para doce comensales es una revisión no religiosa de lo sacro.
¿Cómo surgió tu participación en el montaje de La cena del Rey Baltasar?…Háblanos de este trabajo…
El proyecto se inició como un trabajo de investigación del director Carlos Tuñón de final de 3º año en la asignatura de verso de la RESAD. Se mostró en un aula durante una semana y la experiencia quiso que fuéramos programados en una sala de exhibición con público no especializado. Iniciamos la temporada pasada en Kubik y después fue seleccionado en el Off del Festival de Almagro.
Para mi concretamente el trabajo empezó siendo un impulso entre el entrenamiento y la duda. Era enorme la ilusión de trabajar con compañeros jóvenes en edad y experiencia profesional, pero también me sentía frágil a la exposición. Tuve que enfrentarme a la energía actoral de esos cuerpos jóvenes, y la exigencia de estar inmóvil y tener la palabra como la única acción. Siempre estuve acompañado de Carlos, de alguna manera él quiso que pusiera en práctica las investigaciones que había realizado años pasados con el cuerpo moribundo en el proyecto fedón 2004.2010. Tuve que volver a entrar en el cuerpo que espera morirse. Para mi encarnar Baltasar los lunes a las 21:00 h. en Kubik es siempre una oportunidad para desapegarme del concepto de trabajo bien hecho y entrar en el terreno de la experiencia conjunta con el espectador. Es una manera de dialogar entre los límites -verso y partitura física- y el abismo de descubrirme distinto, sin la conciencia de las huellas pasadas. Siempre que realizamos la pieza descubrimos que se hace distinta ante la cercana visión del público. Para mi es la pieza es una oportunidad para cuestionarme la autonomía frente a la divinidad.
¿Cómo creas tus personajes?…¿Tienes un método?…
Últimamente cuando reflexiono sobre la metodología para trabajar, para crear una artesanía diaria, llego al convencimiento, nunca a la verdad, de que es el entrenamiento del cuerpo y del imaginario la privada locura. Entrenar por la calle, en la sala de trabajo, en las funciones, en la escucha de los otros, y no desde la obsesión por lo concreto, sino en la absoluta reacción. Para mi el trabajo actoral no es tanto la creación de personajes como el descubrimiento de personas en mi, incluso a riesgo de no entrar en los perfiles que te solicitan desde fuera. Creo tanto en el juego como en la posesión, y si estas dos herramientas están a la par, la realidad es inevitable. No sé si hablo de método como de procedimiento para conocer la realidad e incrementarla como dice Gadamer a propósito de la representación.
¿Cómo crees que están afectando los recortes y el aumento del I.V.A. a los proyectos de teatro?…
Creo que sobre todo afectan a la pérdida del riesgo artístico tanto del creador, del programador como del espectador. Ante esta medida ya no hay confianza en la propuesta artística, sino en la inversión que vaya a tener beneficios. Parece que como artistas del medio teatral tuviéramos que estar siempre dando explicaciones de cada paso para ser solventes. También considero que este aumento injusto del IVA es también una manera de alarmar por parte de la clase política sobre lo caprichoso del trabajo artístico.
¿Qué montaje que hayas visto últimamente, te ha interesado?¿Por qué?…
Este final de año he visto dos montajes inspirados en la ciudad de Berlín que me han dejado muy removido: Berlín no es tuyo de Ricardo Santana con texto de Alejandro Moreno (estrenado en Teatro Pradillo el 27 de noviembre); y Desde Berlín de Andrés Lima (estrenado en Las Naves del Matadero el 5 de noviembre). El primero porque el intérprete y creador Santana se apodera de un testimonio sin ningún tipo de reivindicación ideológica, sino dejando que la palabra y el juego sencillo sean armas para dejar que el dolor sea respirado por los espectadores sin darse cuenta. El segundo por lo contrario, por la entrega al dolor sin prejuicios de los intérpretes -Natalie Poa y Pablo Derqui- en un acto de recreación, de construcción continua como una larga canción. Las dos piezas usan Berlín para hablar de la imposibilidad del amor sublimado, para hablar del amor decadente, del amor como una fuente de dolor abusiva. Parece que las dos piezas son dos maneras de enfrentar el canon teatral de esta ciudad de Madrid, que siempre es bipolar, entre las narraciones recreadas y los conceptos vividos. Las dos tienen calidad suficiente para ser vistas por el mismo público, pero el mismo público no se acerca a ver las dos.
¿Proyectos?…
Ahora estoy empezando en un proyecto sobre la necesidad de la cooperación internacional al desarrollo. Está apoyado por Oxfam. Trabajo con varios compañeros del colectivo Armadillo y junto a otros creadores madrileños. Es una re-lectura de El alma buena de Sezuan de Brecht para tratar de entender lo bueno y lo malo en el duelo países ricos-países empobrecidos. Creemos que puede ser una manera de reflexionar sobre la neutralidad del ciudadano de a pie ante el desconocimiento de la ayuda económica que no dan nuestros gobiernos.
Iniciaré el año que viene con un proyecto de creación entre las artes visuales y la música electro-acústica con Marta Azparren y Sergio Blardony.
De nuevo bajo las órdenes de Carlos Tuñón el mismo elenco del Baltasar nos enfrentamos un nuevo auto sacramental: El hospital de los Locos de Valdivieso.
Junto a dos compañeros del Teatro de La Abadía, Daniel Moreno y Jorge Gourpegui, estamos insertos en un proyecto de formación e investigación que hemos denominado Fuso Negro, espacio de investigación en artes escénicas.
Y continuo mis trabajos de investigación en doctorado en la Universidad Autónoma de Madrid sobre la representación y sus niveles en artes vivas.
¿Alguna sugerencia para seguir creando en tiempos de crisis?…
Asumiendo lo mesiánico de este acto, diría que es importante entender el día a día como la única ambición posible. Asumir que la crisis es una naturaleza más del momento en el que vivimos, y no tanto una excusa para ser posibilista. En estos momentos mi experiencia es que no es tan cierto el compromiso político como el compromiso ideológico con lo artesano. Considero que es importante asumir la dignidad del trabajo artístico como la asume cualquier otro trabajador consciente de que es ciudadano. Claro que la industria cultural no es considerada por nuestro gobierno como una prioridad para el conocimiento, por lo que es importante, y más ahora, crear un contexto de resistencia personal e íntima para posibilitar que nuestros conciudadanos se apropien de las preguntas de las perguntas, y sienta que el arte es una necesidad tan segura como la sanidad, el salario, la diversión o el plan de pensiones.
Juan Antonio Lumbreras: El teatro se ha convertido en mi modo de vida.
¿Cómo fueron tus inicios en el teatro?…
Al terminar la RESAD nos juntamos un grupo de personas con afinidades en cuanto a lo que queríamos hacer y así empezó todo.
¿Realizaste otras facetas además de la actuación?…
Al principio hay que hacer de todo y todos nos implicábamos en la escenografía, el vestuario, la dramaturgia…
¿Qué es el teatro para ti?…
Se ha convertido en mi modo de vida.
¿Por qué haces teatro?…
Es mi forma de ganarme la vida, se gana poco, sí, pero yo soy muy frugal.
¿Qué balance harías sobre tu trayectoria?…
Estoy muy contento y creo que he tenido muy buena suerte, pero hay que estar ahí y enfrentarse a cada trabajo como si fuera el primero.
¿Qué función crees que ha de tener el teatro para la sociedad de hoy?…
El teatro nace cuando las personas toman conciencia de que son ciudadanía. Debe ser político, hablar de lo que nos atañe, colocarnos delante de un espejo, y, por supuesto entretener.
¿En qué proyectos has participado durante el último año?…Háblanos de ellos…
Locos por el Te dirigida por Quino Falero; El Loco de los Balcones, dirigida por Gustavo Tambascio y una serie de TV que no se ha estrenado aún.
¿Cómo surgió tu participación en la obra que se ha estrenado en Cuarta Pared…?…Háblanos de este trabajo…
Vicente Colomar y yo hemos tenido y tenemos proyectos teatrales juntos. Además es mi amigo, así que…
¿Cómo creas tus personajes?…¿Tienes un método?…
Intento usar la lógica, pero realmente no se…
¿Cómo crees que están afectando los recortes y el aumento del I.V.A. a los proyectos de teatro?…
Mal. La recaudación en las artes escenicas ha caído un 24% desde 2008. En otros campos de la cultura tampoco van bien o están incluso peor. Muy mal.
¿Qué montaje que hayas visto últimamente, te ha interesado?¿Por qué?…
Lady Be Good y Luna de Miel en El Cairo, me hicieron muy feliz.
¿Proyectos?…
En marzo empiezo a ensayar Edipo Rei, dirigido por Alfredo Sanzol para El Teatro de la Ciudad.
¿Alguna sugerencia para seguir creando en tiempos de crisis?…
La verdad es que yo soy muy pesimista, pero hay que seguir.
Chete Lera: El teatro para mí es una forma de vida.
¿COMO FUERON TUS INICIOS EN TEATRO?…
Participé en la fundación de la Compañía de Teatro ESPACIO CERO a finales de los setenta. Una aventura extraordinaria que duró alrededor de 12 años en los que produjimos entre otros LA MAQUINAHAMLET de Heiner Müller, CAMARALENTA de Eduardo Pavlosky, EL PLAUTO DE Carlos Trías o CARAMBOLA de Antonio Fdez Lera.
¿REALIZASTE OTRAS FACETAS ADEMAS DE LA ACTUACION?…
Director de la Compañía, sobre todo en lo que se refiere a la administración y relaciones con el exterior, además de la contratación de directores colaboradores y otros actores cuando los miembros de la compañía no bastaban, así como la elección de los textos.
¿QUE ES EL TEATRO PARA TI?…
Una forma de vida. Espero que no te resulte muy escueto ni manido. Creo que es suficientemente esclarecedor.
¿POR QUE HACES TEATRO?…
Por la capacidad que ofrece al que lo ejerce de comunicación con la humanidad.
¿QUE BALANCE HARIAS SOBRE TU YA LARGA TRAYECTORIA?…
Como ya indicas en tu pregunta «larga», ja. Por lo demás fructuosa y emocionante la mayoría de las veces.
¿QUE FUNCION CREES QUE HA DE TENER EL TEATRO PARA LA SOCIEDAD DE HOY?…
Muchas y muy diversas. Entretenimiento? Diversión? Sí, pero más concienciación, crítica y desarrollo de los problemas que nos acucian.
¿EN QUE PROYECTOS HAS PARTICIPADO DURANTE EL ULTIMO AÑO?…
Con la Compañía INCONSTANTES TEATRO las siguientes producciones: ANTIGONA SIGLO XXI versión de Isidro Timón y Emilio del Valle, EL COLOQUIO DE LOS PERROS de Cervantes y PEDRO Y EL CAPITAN DE Mario Benedetti. Todos estos proyectos estaban de gira más o menos intensamente. Estupenda experiencia junto a mi amigo y socio teatral Emilio del Valle.
¿COMO SURGIO TU PARTICIPACION EN EL MONTAJE NARANJA AZUL?…
A través de una oferta que me llegó de la mano de Bruno. Acepté inmediatamente por la importancia que, sin duda, tiene la obra. Ha resultado un trabajo complejo pero altamente satisfactorio. Espero que sigamos trabajando y mejorando. En cuanto a la función te remito a una excelente crítica que nos hizo…
Javier Vallejo en EL PAIS. Está incorporada en la web del TEATRO GUINDALERA.
¿COMO CREAS TUS PERSONAJES… ¿TIENES UN METODO?…
Casi siempre los enfrento con determinación y con la seguridad de que me voy a equivocar muchísimo. Afortunadamente una de las características de este oficio es «el equipo». Director, ayudantes y resto del elenco. Ahí es dónde radica lo fundamental. Si hay sintonía será satisfactorio, si no… un desastre del que es imposible evadirse… más allá de la profesionalidad.
¿COMO CREES QUE ESTAN AFECTANDO LOS RECORTES Y EL AUMENTO DEL IVA A LOS PROYECTOS DE TEATRO?…
Te contesto con un supuesto.
Precio de la localidad 16 euros
50% para la empresa exhibidora 8 euros
21% IVA 1,68 euros
además distribuidora, gastos diarios de mantenimiento del espectáculo, autores, etc. Beneficio a repartir aprox.4 euros. Tres actores a 1 euro por entrada vendida ¿Bien, no? de qué coño se quejan si hacen lo que les gusta…
¿QUE MONTAJE QUE HAYAS VISTO ULTIMAMENTE, TE HA INTERESADO?…¿POR QUE?
EL COLECCIONISTA en la sala ARTE Y DESMAYO. Por su interés cultural y su compromiso con el teatro de riesgo. Y porque Juanma Gómez es amigo mío… toma ya!.
¿PROYECTOS?…
Sí, varios
Rocío Marín: Hago teatro y doy clases de teatro porque no sé hacer otra cosa.
¿Cómo fueron tus inicios en el teatro?…
Mis inicios en el teatro se remontan a mis 14 años (ósea hace 19 años ya!!). Interpreto mi primer papel protagonista, en un Certamen llamado Histrión en Jerez de la Frontera con mi grupo de teatro del colegio. Ni más ni menos que a Bernarda Alba..¡¡¡Hay que tener valor!!! Ya por entonces tenía fijación por los personajes fuertes. Eso me continúa hasta hoy.
¿Realizaste otras facetas además de la actuación?…
No. Soy teatrera de profesión. Aprobé con un 7,5 selectividad y mis padres no comprendían que me metiera a estudiar teatro en William Layton en Madrid sin que me pidieran nota para acceder…a todo esto yo tenía 17 años.. Mis padres vieron que no había otra y me apoyaron a muerte.
¿Qué es el teatro para ti?…
El teatro para mí es el PROTAGONISTA en mi vida. La verdad es que a veces me vuelva loca pero adoro hacer teatro, soñarlo, gestarlo, pelearlo y por fin compartirlo.
¿Por qué haces teatro?…
Porque me divierte y me enseña mucho de mí misma y de los demás. Hago teatro y doy clases de teatro porque no sé hacer otra cosa.
¿Qué balance harías sobre tu trayectoria?…
Positivo aunque muy luchado la verdad, desde que terminé Layton en el 2002 no he parado de crear y de buscarme proyectos para vivir de mi profesión. Aunque no es fácil para nada, llevo un tiempo viviendo del teatro…sobreviviendo más bien. Ahora quiero que me contraten, para variar…jajajajaja.
¿Qué función crees que ha de tener el teatro para la sociedad de hoy?…
La función que ha tenido desde sus inicios transformar. Hoy más que nunca necesitamos que nos muevan y nos meneen por dentro para espabilar de este letargo.
¿En qué proyectos has participado durante el último año?…
Ha sido un año muy muy movido, he estado en 5 proyectos:
“Barrocamiento” (texto y dirección de Fernando Sansegundo), primer montaje de Siosi Teatro(compañía que fundo con Alicia Lobo y Zaloa Zamarreño). A este proyecto le tengo un amor especial porque fue creado desde la nada total. Fernando fue nuestro profesor de texto hacía 15 años en Layton y confió en nosotras para lanzarse a escribir esta maravilla de texto. Le pusimos al proceso toda la ilusión del mundo. Ahí cambió algo para mí. Interpretar a la escritora María de Zayas me da y me enseña mucho. Además a día de hoy, después de 2 años, seguimos con bolos.
“Safronia “(Texto José Padilla, Juan Vinuesa y Antonio de Cos)dirigido por David Boceta que estuvo en La casa de la Portera.
“Ustedes Perdonen”(Dirigido por Salva Bolta)Judas Tadeo Producciones. Estuvimos también en La casa de la Portera.
“Ascensión y caída de Mónica Seles”(Texto de Antonio Rojano y dirección de Victor Velasco)Mi tercera vez en la Casa de la Portera.
“Un cuento de Invierno” William Shakespeare (Adaptación y dirección de Carlos Martínez-Abarca) Segunda producción de Siosi Teatro. Estrenado en Clásicos en Alcalá este verano pasado y que ahora retomamos . El re-estreno tuvo lugar el 31 de enero en Nave 73 y estaremos los sábados y domingos a las 19 horas hasta el 22 de febrero.
¿Cómo surgió tu participación en Cuento de invierno?…
La busqué yo. Deseaba trabajar un Shakespeare y como la llamada de ”otros” para contratarme no llegaba, sentía que era el momento como actriz de meterme en un texto así. Busqué a Carlos Martínez-Abarca, porque sabía que era la persona indicada, nos pusimos en marcha y hasta ahora que seguimos metidos en este cuento de invierno tan hermoso con el que disfrutamos y al que amamos cada día más.
Interpreto a dos personajes preciosos: Paulina, mujer ,con mucho carácter, de la corte de Sicilia que se enfrenta al iracundo y celoso rey Leontes y maga de la reina Hermíone. De esos personajes ,que como te comentaba antes, me chiflan por su fuerza. Y también interpreto a un chico (esto me hace especial ilusión) llamado gañán, un chico de pueblo bastante ingenuo, que sale en la segunda parte de la obra el Reino de Bohemia. Dos bombones.
¿Cómo creas tus personajes?…
Yo soy fiel al texto, para mí es la base. Creo los personajes desde lo que dicen para luego habitar lo que callan. También soy muy física y sé que tengo dentro un personaje cuando sé cómo anda.
¿Tienes un método?…
Tengo el mío que está siempre en continuo aprendizaje. He tenido y tengo grandes maestros pero finalmente creo que “el método o tu método” está en el oficio de seguir creando vida en el escenario. Se va haciendo en el camino. Cada personaje es un reto y el reto está en seguir trabajando y amando lo que hacemos.
¿Cómo crees que están afectando los recortes y el aumento del I.V.A. a los proyectos de teatro?…
Ay madre pues terriblemente, es muy duro seguir adelante en condiciones de trabajo tan precarias. Esto debe cambiar ya.
¿Qué montaje que hayas visto últimamente, te ha interesado?¿Por qué?…
“Cuando deje de llover” dirección de Julián Fuentes que estuvo en el Matadero. Porque el texto es brutal y la dirección impecable.
¿Proyectos?…
Una nueva obra con Salva Bolta. Deseando volver con este hombre al que adoro y que con el equipo al completo de Judas Tadeo que son ya mi familia.
¿Alguna sugerencia para seguir creando en tiempos de crisis?…
Que elijamos hacer lo que realmente necesitamos contar para darnos y dar luz.
José Moreno Arenas: «Maduro mucho las ideas en la mente, de manera que ya están prácticamente escritas en el vacío cuando realmente me pongo a escribirlas.»
José Moreno Arenas, alboloteño, granadino, dramaturgo, vive un momento dulce. Sus obras encuentran cada vez más producciones en cualquier rincón de España, obtiene presencia en festivales internacionales (ha venido hace muy poco de participar en una muestra de teatro español contemporáneo en Grecia), prepara gira por EEUU y no deja de publicar. El teatro le sonríe, y la universidad también: a final del 2014 se dedicaba un Seminario universitario de estudios teatrales a desgranar su figura y la de Alfonso Zurro. El teatro mínimo, que él tanto ha practicado, parece vivir una época de oro. Conversamos con el autor de Farsas de ayer y de hoy y 13 Minipiezas para saber más de su figura y, sobre todo, de su teatro.
He oído que el escritor nace, pero el dramaturgo se hace… ¿cuándo surge el dramaturgo Moreno Arenas? ¿Hay algún hecho que orientara su escritura hacia el teatro?…
Fue mi madre la iniciadora de esta pasión por el teatro. A partir de ahí, el teatro ha ido constituyendo mi persona, formándola según iba madurando como autor… con el tiempo he visto el teatro cada vez de una manera más descarada e inconformista, como si en cada obra quisiera dar una patada a la conciencia del espectador. Como escritor he aprendido mucho del Siglo de Oro español, de Aristófanes, con su carácter corrosivo, por supuesto Valle-Inclán y el humor del “otro 27”, los Mihura, Poncela, Álvaro de Laiglesia… después está el absurdo y el surrealismo, Ionesco, Beckett…
¿Cómo escribe Moreno Arenas?…
Como mi teatro, soy bastante anárquico. Espero siempre a que llegue la idea, sobre todo no me acerco a escribir si no me veo preparado para ello. Maduro mucho las ideas en la mente, de manera que ya están prácticamente escritas en el vacío cuando realmente me pongo a escribirlas. Eso me permite que después las pueda escribir en muy poco tiempo. Están prácticamente hechas antes de sentarme a teclear.
Con tus pulgas dramáticas, vas buscando jugar de manera continua con los elementos mínimos del hecho dramático, siempre destilando hasta quedarte con lo absolutamente necesario… ¿Por qué es tan importante para Moreno Arenas esa reducción de la realidad?…
Me gusta recordar esa definición de Eugene O’Neill en la que decía que en teatro, la forma más perfecta de comunicación es el silencio. Yo trabajo mucho el silencio en mis piezas. El conflicto es el acelerador de las emociones para el espectador, y no se puede encontrar solamente en la palabra. La vanguardia nos enseñó precisamente que hay muchas formas de conmover al espectador, sin que los actores sean exclusivamente bustos parlantes. Merece la pena explorar esos caminos, uno es muy libre de experimentar. No me importa escribir “contra el público”, si con eso llego a despertarles, a levantar sus sentimientos.
Cada vez se está investigando más desde ámbitos universitarios el teatro de Moreno Arenas, lo que es señal indiscutible de su calidad y vocación de perdurabilidad, pero ¿Cómo define el propio autor su teatro?…
Cuando comienzo una historia, siempre tengo en mente que no haya limitación alguna. Mi teatro es anárquico porque está totalmente al servicio de lo que quiero contar. Esa libertad a veces lleva precisamente a que se despoje con frecuencia al teatro de toda restricción o estructura que le coarte, y pienso que hago un teatro sin cortapisas, y con mucha vida.
¿Te dicen con frecuencia que es difícil de montar?…
Puede ser complicado a veces, entiendo que realizar un montaje de una obra de un par de minutos no es sencillo, de ahí que haya que buscar fórmulas, como reunir varias que juntas conformen un espectáculo de duración convencional o construir un espectáculo cuya historia permita enlazar varias piezas mínimas. Además, hay que tener en cuenta que el teatro también se lee.
¿Qué siente uno cuando comienzan a investigarle en la universidad, cuando alguien decide hacer una tesis doctoral sobre su trabajo?…
El trabajo de los investigadores y analistas es muy importante, por el esfuerzo que realizan de desentrañar los mecanismos compositivos de un autor, y llegar al lugar al que no ha llegado un lector o espectador. Por supuesto es un motivo de orgullo, pero sobre todo ilusiona saber que alguien va a llegar tan lejos en el conocimiento de tu trabajo, y que los resultados de su estudio van a estar disponibles para que más gente te conozca. Además, uno siempre ha tenido la intención de ofrecer ciertos temas éticos y remover conciencias. El hecho de que los estudiosos encuentren esos temas, los glosen y los expliquen desde tu teatro te dice que realmente ha quedado expresado y contenido de la manera adecuada.
¿Qué personajes son los más queridos para Moreno Arenas?…
Todos aquellos que unen tipo e individualidad. Me interesa un banquero como banquero, es decir, como estereotipo, pero también como persona. Intento dotarles de ambas cosas: un envoltorio reconocible y un interior original.
Solamente se puede quedar con una obra de Moreno Arenas… ¿Cuál?
Resulta difícil… pero quizá me quedaría con El atraco… porque como autor me lleva a una etapa más definitiva, de madurez. No sé si con El atraco se abren las puertas a mi teatro definitivo, pero no hay duda de que con su escritura se inició una nueva andadura que dio un giro a mi dramaturgia.
*Esta entrevista ha sido realizada por nuestro compañero de QRLA: Rafael Ruiz Pleguezuelos
Pedro Pavia de Los Modernos: El actor combate desde su lugar de batalla
¿Cómo surge vuestra peculiar manera de hacer teatro de humor…?…Habladnos de la obra que presentáis en Madrid…
Nosotros surgimos en el año 2002, en Córdoba, Argentina, tiempo de caída de gobiernos, corralitos, momentos políticamente complejos con repercusiones sociales dramáticas. La gente no iba al teatro y debimos ir a por la gente. De esa primera etapa de bares y restaurantes, llegamos recién al teatro. El humor fue un lenguaje que nos permitió transitar dicha crisis y ofrecer una lectura original, novedosa en nuestro medio, de la realidad. El espectáculo actual, Rómulo, es resultado de la evolución de tantos años. Un espectáculo de humor, poesía y reflexión como ha sido toda nuestra obra, un viaje por la alegría, acompañados por un espectador al que respetamos y no subestimamos.
¿Cómo ha sido el proceso de creación de esta propuesta?…
Los procesos son similares en cada obra: mientras se representa la obra actual, se van generando ideas, estímulos que nos guían naturalmente, a la siguiente. Mas o menos 1 año de escritura, 2 meses de ensayos y luego, a la cancha!.
¿Hay algún referente técnico o artístico del que habéis partido para crear esta puesta en escena?…
No. En cada obra debemos estar pendientes de nosotros mismos: renovarnos, mantener estilo sin repetirse, sorprender.
¿Por qué hacéis teatro?…¿Cómo fueron vuestros inicios?…
Alejandro ha tenido vocación desde niño y yo, Pedro, he llegado más tarde; una vocación tardía, de las que también existen.
¿Qué balances hacéis de vuestros trabajos hasta el día de hoy?…¿Cuál ha sido la evolución de la compañía a lo largo de estos años?…
Los comienzos te los he comentado. De ese primer año, pasamos al teatro en Córdoba y, al año siguiente, nos radicamos en Barcelona, con una maravillosa repercusión. Se nos ha reconocido con diferentes premios durante nuestros casi cuatro años de estar allí. Luego nuevamente Argentina con giras por Sudamérica. Siempre hemos sido respetados artísticamente, con críticas maravillosas. Hemos podido vivir dignamente de nuestra profesión.
¿Qué función creéis que ha de tener hoy el teatro para la sociedad en la que vivimos?…
El actor es individuo de su tiempo y como tal, intenta dar desde su lugar de trabajo, con humildad y firmeza, su lectura de la realidad, su compromiso solidario con el otro, su deseo de vivir, naturalmente, en términos de igualdad, de respeto y admiración el acto mínimo y máximo de estar vivos.
¿Cómo creéis que está afectando la subida del I.V.A. y los recortes al teatro en España?…
Afectan negativamente a la producción y por lo mismo, la realización de las obras. Dramáticamente.
¿Qué obra de teatro habéis visto últimamente?¿Qué os pareció?…
He ido a ver a Ron Lalá, en el Festival de Olite, su obra «En un lugar del Quijote». Noche de verano, Castillo de Olite y Ron Lalá y su versión libre de Cervantes: una maravilla!.
¿Proyectos ‘…
Luego del fin de gira, quedan algunos bolos por nuestro Sur y… a seguir navegando.
¿Se pueden hacer propuestas combativas de teatro hoy?…
Sí; lo hemos sugerido en respuestas anteriores. El actor combate, desde su lugar de batalla, la falta de justicia, la mediocridad; reivindica la esencia, el aire para oxigenar, el agua para purificar. Exige, desde la metáfora de su obra, DIGNIDAD. Y, en nuestro caso, con humor, poesía y reflexión.
SILVIA DE PÉ: El teatro es un lugar donde todo es posible
¿Cómo fueron tus inicios en el teatro?…No encajaba en ninguna actividad extraescolar en el cole. En fútbol era muy mala, corría hacía mi propia portería. Me echaron. La gimnasia rítmica me parecía un rollo. Le supliqué a mi madre que me sacara de allí. Un día de sexto de E.G.B. anunciaron que empezaba un curso de teatro y pensé: «mmm esto puede ser divertido», me apunté y flipé en la primera clase, me acuerdo que llegué a casa y le conté a mi madre: «mamá, no te lo vas a creer, pero es posible hablar con la tripa» y me envenené. Tenía 11 años.
¿Realizaste otras facetas además de la actuación?…
¿Que si puse copas? Sí, claro. Un buen actor que se precie debe hacerlo. Jajajajaja. Sí, además de actuar, también dirijo de vez en cuando. Me encanta y me divierte mucho.
¿Qué es el teatro para ti?…Es un lugar donde todo es posible. Es magia.
¿Por qué haces teatro?…Porque me alimenta y me hace muy feliz .
¿Qué balance harías sobre tu trayectoria?…Un balance muy positivo. He sido coherente casi siempre, he trabajado mucho, he disfrutado y sufrido mucho también, me ha hecho mejor persona, y desde hace 12 años (llevo 18) sólo como de mi vocación, así que sí, un balance muy positivo.
¿Qué función crees que ha de tener el teatro para la sociedad de hoy?…La misma de ayer, la misma de siempre. Es muy básica. Es el alimento del alma y del espíritu y como tal, lo necesitamos para sobrevivir. Es una cuestión de vida o muerte.
¿En qué proyectos has participado durante el último año?…Háblanos de ellos…
La mayor parte del 2014 he estado con «Verónica» una obra de miedo, escrita y codirigida por mi admirado Carlos Molinero, que talento tiene este hombre! El otro director es el incombustible Gabriel Olivares con el que trabajo en otros proyectos. Estrenamos en el Lara y luego estuvimos hasta Noviembre en el Maravillas. Una experiencia muy interesante, la verdad, no hay obras de teatro de miedo. Yo quise hacer una hace 15 años y fue muy complicado. Este proyecto me ha brindado la oportunidad de explorar ese género tan inusual en el teatro y además acompañada de un lujo de actrices/amigas/compañeras, Ana Villa, Cecilia Solaguren y Lorena Berdún. Tenerlas al lado ha sido un regalo cada día.
Paralelamente a «Verónica» estuve con funciones de «Los Menudillos del Sol de York» dirigido por un hombre de teatro y amigo desde hace 18 años (empezamos juntos en esto, en Zaragoza) Alberto Castrillo Ferrer. Una propuesta teatral interesantísima. Varias piezas de 45 minutos escritas por Daniel Dalmaroni (vino a vernos desde Argentina) con un enrome sentido del humor, negro y ácido y de una inteligencia desbordante. Y acompañada de unos seres entrañables (si es que soy una afortunada!!!), Nacho Rubio, Antonia Paso, Julián Ortega, Laura Gómez Lacueva, Carlos Urrutia, Elena de Frutos, Javier Ortiz y Patricia Estremera. Lo retomamos ahora, a partir de Marzo estaremos todos los martes en el Teatro Fígaro.
También he tenido funciones este año y temporada en Barcelona de «Tomás Moro, una utopía» obra dirigida por Tamzin Townsend (es un divertimento trabajar con ella y un placer que no hay que perderse) y con la que hicimos temporada en Noviembre del 2013 en el Fernán Gomez con grandes compañeros también (que le voy a hacer si tengo suerte con los compis!) Jordi Aguilar, Lola Velacoracho, Chema Rodriguez, Dani Ortiz, Paco Déniz, César Sánchez, Ricardo Cristóbal, Sandra Arpa, Jose Luis Patiño, Angel Ruiz, Richard Collins Moore, Manu Hernández.
También un par de Microteatros escritos por José I. Tofé, el autor de «El Tesorero» y dirigidos por mí: «Menuda Mañanita» con Joan Carles Suau, Mario Tardón y Ricardo Cristóbal y «Pesadilla en el Microteatro» con Antonio Ponce y Mario Tardón. Con este plantel de casting, una experiencia deliciosa, como no podía ser de otra manera.
Después, a finales de Octubre, se solaparon dos proyectos, «En el baño» con Olivares y «Perdona si te mato, amor» dirigida por Castrillo-Ferrer y con ésta he terminado y he empezado el año y no se me ocurre otro modo de empezarlo mejor. Colgando cartel de localidades agotadas, el público aplaudiendo a rabiar, riendo sin parar, diciendo en alto «esto es teatro!!».Que dos meses más maravillosos!!! Ha sido un proyecto PERFECTO a todos los niveles. Pocas veces pasa y ésta es una de esas veces. Y con un equipo de quitarse el sombrero y hacer genuflexiones. No puedo nombrar a todo el mundo pero todos y cada uno de ellos profesionales como la copa de un pino y buena gente, gente buena, incluido el equipo del Matadero. En el escenario vivía un sueño cada día de función al lado de Nacho Rubio, Antonia Paso, Rafa Blanca, Julián Ortega y Javi Coll. Y por supuesto, Encarni Corrales. Amigos para siempre ya.
Creo que la cosa no termina aquí…no debería, desde luego, sería un gran error………….Veranos de la Villa…es muy probable…
¿Cómo surgió tu participación en la obra que estrenáis en el Teatro Arlequín…?…Háblanos de este trabajo…
Más bien en la cocina! En el entrenamiento/investigación con Gabriel Olivares. Ya estaba con él en otro proyecto que empezó en Septiembre «El Debut», una peli experimental, y me invitó a formar parte de «En el Baño» que ya venían cocinándolo desde hacía unos meses.
Esta obra ya la estrenaron mis queridas compañeras, Ana Villa, Marian Aguilera, María Kaltembacher, Eva Higueras, Roser Pujol y Mónica Vic en Noviembre del 2014. La que se estrenó el 31 de Enero con el personaje de Coco, soy yo.
¿Cómo ha sido el trabajo con el director?…Gabriel es la búsqueda, la investigación y el inconformismo. Valores muy buenos para un director, bajo mi punto de vista. Hemos explorado mucho con «puntos de vista» (Anne Bogart) y «suzuki». Un proceso enriquecedor, muy creativo y agotador, pero ya aprendí con mi maestra Mar Navarro que hay que sudar la camiseta, así que ha sido muy estimulante. Este método de trabajo de Gabriel te obliga a ser directora además de actriz en el escenario, a tener más responsabilidad, por lo tanto, a ser consciente de todo lo que es el acto teatral, a responder en el momento, en definitiva a que la cosa esté viva pero ¿acaso no se trata de eso? Yo soy exigente con mi trabajo y me gusta que mi director lo sea también.
¿Cómo creas tus personajes?…Aquí tengo una contradicción, no creo en el «personaje», aunque luego pienso: «que bonita es Coco» o «como quiero a Madeleine». Ves! es contradictorio!.
¿Tienes un método?…Parto siempre de mí en «esa situación» y digo las palabras que están escritas en el texto con la sensación de que no podría decir otras, de que son las perfectas, las necesarias. A esto le sumo el intentar no chocarme con los muebles (no es tan sencillo como parece, sobre todo cuando trabajas en un espacio de 2X2) y, a veces, da buenos resultados, a veces, cobra vida durante un rato algo parecido a un «personaje». Casi siempre los hallazgos más alucinantes los encuentro en mis compañeros, en cómo me hablan, en cómo me miran. A veces, sólo hay que mantener los ojos y las orejas bien abiertos.
¿Cómo crees que están afectando los recortes y el aumento del I.V.A. a los proyectos de teatro?…
O lo asume la compañía o lo asume el público que compra esa entrada. Insostenible en muchos casos. Han cerrado salas de teatro, compañías y muchos proyectos interesantes y necesarios no han llegado ni a nacer. Es una locura se mire por donde se mire, en fin…
¿Qué montaje que hayas visto últimamente, te ha interesado?¿Por qué?…
He visto muchos montajes este año pasado y algunos muy buenos, pero me viene una y otra vez a la cabeza «El triángulo azul» de Laila Ripoll y Mariano Llorente, dirigido por Laila. Debería ser Patrimonio Nacional este espectáculo, no entiendo que sólo estuviera un mes en cartel. Me parece absurdo y me cabrea. No tiene sentido.
Me conmovió, me sacudió, me enseñó, me hizo reflexionar y está claro que me ha marcado. Recuerdo que estuve llorando, con hipo, todo el camino, desde la plaza de Lavapies hasta Callao. Catarsis, también. Una catarsis en toda regla.
¿Proyectos?…
Estoy dirigiendo una pieza corta para microteatro que se estrena el 10 de febrero. Se llama «Intelecplastia» un texto muy ingenioso de Maria Eugenia Rodriguez. Las actrices son Ana Belén Serrano y Laura Salido, una combinación muy interesante. Nos estamos divirtiendo mucho montándola, así que yo creo que va a salir algo bueno de aquí, seguro.
Como comentaba antes volvemos con «Los menudillos» o mejor dicho «Crímenes de andar por casa» que es su nombre ahora. Estaremos en el Fígaro los martes, a partir de Marzo.
Ensayando ya «Our Town» dirigido por Gabriel Olivares que se estrena el próximo 23 de abril en el Fernán Gómez y estaremos hasta el 17 de Mayo.
Remontaré (por tercera vez, siempre diferente) y retomaré en Junio «Pudor», un espectáculo de literatura erótica, con mi amigo y compañero Jose Carrillo.
Y un secreto, un secreto muy bonito y personal del que no voy a contar nada pero que espero parir antes de que acabe el 2015.
¿Alguna sugerencia para seguir creando en tiempos de crisis?…
Como dice mi padre: «el que come, escapa!».
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MIGUEL HERMOSO ARNAO: Creo que debemos aspirar a un espectáculo del que un espectador salga distinto a como entró, con más dudas y nuevas inquietudes en la cabeza.
¿Cómo fueron tus inicios en el teatro?…¿Realizaste otras facetas además de la actuación?…
Entré en la RESAD cuando todavía se hallaba ubicada en el Teatro Real. Recuerdo aquellos años como un despertar constante… El teatro se me manifestó como una oportunidad de “arte total”, no era lo que yo imaginaba cuando leía textos en mi adolescencia, iba mucho más lejos. Era capaz de reunir música, acción, narración y estética en un lugar sagrado, frente a unos espectadores -que yo por aquel entonces siempre imaginaba hastiados o aletargados- deseosos de emociones.
Yo ya había estudiado música en el Real Musical (solfeo, piano y guitarra) y excitado por la posibilidad de participar en la creación de un espectáculo total, me inscribí en una escuela de jazz y rock para aprender armonía y composición contemporánea. Llegué a formar un ruidoso grupo de Funk-Metal. Leer a Antonin Artaud y a Nietzsche me inspiró grandes ideas y quiméricas expectativas que lógicamente no pude o no supe poner en práctica pero que anduve bordeando en cada iniciativa en la que participé como creador y no como intérprete (que en realidad era el sustento de mi experiencia) Es obvio que la realidad de tener que trabajar para subsistir me acortó las alas, pero aún sueño (tal vez deliro) con un espectáculo en el que pudiera poner todos los elementos que me apasionan juntos.
¿Qué es el teatro para ti?…¿Por qué haces teatro?…
Antes era más talibán: “esto sí es teatro, esto no…”. Me he vuelto mucho más tolerante y pienso que es maravilloso que exista desde una comedia ligera que no te convulsione el alma pero que te acaricie el diafragma con terapéuticas risas hasta experiencias arrasadoras como el Medea de Pandur. Todo es teatro. Y el teatro es cualquier historia contada en vivo por actores frente a un público. Ahora mismo yo diría que lo hago porque ya no sé hacer otra cosa… pero también por esos momentos -caros y difíciles de conseguir, sí- en los que consigues sincronizar tu pulso emocional y tu voz con los espectadores. Eso es comparable al Rock and Roll.
¿Qué balance harías sobre tu trayectoria?…
Que es desigual, zigzagueante y que carece de toda coherencia. Lo que me propongo es, en cada nuevo trabajo, poner toda la experiencia acumulada en anteriores -tanto la buena como la mala- para aprender o descubrir algo nuevo. He aprendido mucho, por ejemplo, de trabajos televisivos muy mercenarios y a veces no tanto de iniciativas mías en las que me convertía en productor-actor-dramaturgo y me acababa estrellando contra mi falta de flexibilidad y dominio de los elementos.
¿Qué función crees que ha de tener el teatro para la sociedad de hoy?…
Creo, como te decía antes, que cabe todo lo que no sea aburrido. Yo mismo como espectador aprecio muchísimo un rato de pura diversión, aunque creo en el espectáculo Brechtiano, creo que debemos aspirar a un espectáculo del que un espectador salga distinto a como entró, con más dudas y nuevas inquietudes en la cabeza.
¿En qué proyectos has participado durante el último año?…Háblanos de ellos…
Escribí la adaptación de “El hijoputa del sombrero” de Stephen Adly Guirgis y actué en la misma producción. Fue una experiencia total, pero solventada con muchísimas dificultades: me ví en la necesidad de, como co-productor, pedir a los actores que trabajaran en cooperativa. El resultado artístico fue bastante consistente, pero económicamente todo el mundo estaba descontento. Tras esta agotadora experiencia me apunté al placentero ejercicio de mi puro oficio de actor interpretando el glorioso personaje de Quevedo en la serie de TV “Alatriste”, que ahí anda batiéndose a capa y espada en el fango de la programación actual. Después me esperaba Blanca Portillo con su tenorio…
¿Cómo surgió tu participación en el DON JUAN que se está representando en la Compañía Nacional de Teatro Clásico…?…Háblanos de este trabajo…
Blanca Portillo me habló del proyecto hace un par de años, cuando sustituí a José Luis García Pérez en “La Avería”. Ella quería enfrentar a dos hombres de un acentuado perfil masculino comprometidos con la causa de derribar un mito machista. Me apasionó la idea, tanto estética como ideológica. Eso sí, me exigió un estado de forma digno de un atleta… Y así aproveché para ponerme al día con mi más que abandonada salud. Ahora gracias a Blanca y gracias a Tenorio, me siento casi tan joven como recién salido de la escuela. De hecho el trabajo que hemos hecho me recordaba a aquellos años de ambiciosa creatividad y sacrificio físico y emocional. Don Juan ha sido como una segunda RESAD para mí, en gran parte gracias al contacto con una nueva y potente generación de actores de escuela cuya excelente preparación nos ha puesto en jaque a todos los veteranos de la compañía. Un antes y un después para mí.
¿Cómo creas tus personajes?…¿Tienes un método?…
Tengo el método de “todos los métodos”. Trato en primer lugar de amoldarme al espíritu de la producción en la que estoy participando: según eso me aproximo al personaje desde un ángulo más físico o más intelectual. Profundizar intelectualmente en la psicología no me ha dado muy buenos resultados, la verdad. Escuchar al antagonista con verdadero interés y esperar a tener una reacción lógica y emocional a lo que recibo sí me ha proporcionado muchas soluciones.
La experiencia me enseña que las decisiones tomadas de antemano son inútiles, y que es en el tránsito de los ensayos cuando uno debe ser permeable a sus compañeros y flexible con las exigencias, tanto las propias como las del director/a. Tengo la sensación de que sabiduría creativa pasa por vaciarte de prejuicios en cada nuevo espectáculo y dejar que tu instinto te guíe: el juez no debes ser tú mismo, eso te impide lanzarte al ruedo con plena honestidad. La norma de oro sería: hagas lo que hagas, hazlo de verdad. Esa es la única manera de pergeñar ese sólido y convincente engaño que es un personaje.
¿Cómo crees que están afectando los recortes y el aumento del I.V.A. a los proyectos de teatro?…
No soy capaz de decirte algo nuevo sobre esto. Es una guerra abierta del Partido Popular al mundo del espectáculo. Un castigo duro y silencioso a un gremio que para una parte de los españoles es prescindible. Debemos convencer, no ya a los políticos de derechas, sino a los ciudadanos que los votaron, que se equivocan despreciando la cultura. Pero hay que empeñarse en seducir a este electorado más que en combatir a sus representantes. Hagámoslo produciendo obras que maravillen y que muestren cómo una sociedad no podrá prosperar ni progresar nunca sin esa deriva humana por su propia imaginación y su subconsciente: el arte.
¿Qué montaje que hayas visto últimamente, te ha interesado?¿Por qué?…
“Camisas de fuerza”, un texto divertidísimo y ácido de Nacho del Valle dirigido por Manuel Gancedo. Dos personajes en una habitación de un psiquiátrico, con la puerta abierta, que no saben salir. Inspirador…
¿Proyectos?… Una gira maravillosa con el Tenorio por los teatros más bonitos de España: el Arriaga de Bilbao, el Principal de Alicante, el Jovellanos de Gijón… Delicioso.
¿Alguna sugerencia para seguir creando en tiempos de crisis?…
Leer mucho a Peter Brook. Y recordar que el teatro de verdad no requiere más que una inversión mínima de dinero y sí una máxima de talento dramatúrgico y honestidad actoral.
Y por supuesto nunca abandonar la autocrítica.
Carlos Martín-Teatro del Temple: Creo que mis sueños se han ido cumpliendo
¿Cómo fueron tus inicios en el teatro?.. Muy divertidos, en la escuela de teatro lo pasamos fenomenal y en nuestro primer colectivo teatral, Akratea Anemosa allá por los ochenta, todo fue una fiesta.
¿Por qué haces teatro?… Por despistar a la realidad.
¿Tu función en el teatro lo has compatibilizado con otros trabajos?… No ha hecho falta siempre he trabajado en esto.
¿Qué balance harías sobre trayectoria?…
En el teatro siempre se empieza, yo llevo treinta y dos años y estoy empezando.
¿Cuál ha sido la evolución del Teatro del Temple?…
Empezamos como compañía independiente, con un estilo mas personal y vamos creciendo hacia una estructura mas compleja donde la coproducción y la colaboración con otras empresas es primordial. Ahora somos también co-gestores de un espacio escénico integral, El Teatro de las Esquinas, de Zaragoza, con 500 butacas que se convierte en auditorio para 1000 personas, cuenta también una escuela de mas de trescientos alumnos, servicio de restaurante y cafetería. Es nuestra tercera temporada y estamos satisfechos.
¿Qué diferencia hay para ti del teatro que se hacía en tus principios al que se hace hoy en día?… El teatro en los ochenta era mas orgánico, mas impulsivo, basado en intuiciones; ahora se meditan mucho mas las propuestas y se tiene mas en cuenta al espectador.
¿Cómo surgen las ideas de los proyectos que se ponen en marcha en la Compañía?…
Las ideas vienen de muchos lados, unas responden a necesidades personales y creativas, otras son fruto de propuestas externas y otras surgen de del afán de colaborar con otros colectivos.
¿Ha sido importante tener unos colaboradores habituales en los equipos artísticos y técnicos?… Fundamental, las tareas tiene que estar repartidas y cada uno tiene que especializarse en su área, sin perder nunca la capacidad de coordinarse con el resto.
¿En qué proyectos has participado durante el último año?…
He dirigido la puesta en escena de Ricardo III para el Teatro Español, de DAKOTA de Jordi Galceran y Arte de las putas , adaptación de José luis Esteban, ambas para Teatro del Temple.
Háblanos de Ricardo III y de la obra que estrenáis en el Fernán Gómez…¿Cómo surgieron?…¿Cómo ha sido el proceso?…
RicardoIII ha sido un proyecto emocionante, hemos hecho una gran familia entre todos los actores y el equipo técnico, además el publico ha respondido llenando el teatro en todas las funciones. Hace mas de veinte años que Juan Diego y yo hablábamos de trabajar juntos y al final el sueño se ha cumplido.
En el Fernan Gomez presentamos Arte de las Putas, «una historia de amor». Es una propuesta de José Luis Esteban, actor con el que llevamos muchos años colaborando. La adaptación del texto de Nicolás Fernández de Moratin nos pareció una idea sugerente e ingeniosa y decidimos apoyarla desde la dirección artística y desde la producción.
¿Qué proyectos tienes entre manos?…
Lo más próximo una coproducción entre Teatro del Barrio, La Rambleta y Teatro del Temple: Las Guerras correctas, escrita y dirigida por Gabi Ochoa. Tenemos tres proyectos en preparación, pero hasta que no se concreten no podemos hablar de ellos. Entre tanto sigo con la dirección artística del Teatro de las Esquinas y de Teatro del Temple.
¿Hay algún proyecto que nunca pudiste realizar y te gustaría?…
Creo que mis sueños se han ido cumpliendo. Quizá la ópera es el deseo pendiente.
¿Cómo crees que están afectando los recortes y el aumento del I.V.A. a los proyectos de teatro?… Los proyectos de teatro salen adelante porque los artistas se dejan la piel en ellos, la calidad sigue siendo alta, el publico sigue apoyando, pero las resistencia del sector a unas condiciones tan penosas económicamente pesan mucho. Esta situación tiene que resolverse, no tiene ningún sentido, la cultura es un valor que define la identidad de un país y además genera riqueza.
¿Qué montaje que hayas visto últimamente, te ha interesado?…¿Por qué?…
El Misántropo, por su dinámica escénica y su originalidad dramaturgica.
¿Alguna sugerencia para seguir creando y haciendo teatro en tiempos de crisis?…
Hacer, no parar, colaborar, hasta que superemos la crisis, como el cuento de la rana y la mantequilla.
MIGUEL ÁNGEL BERNA: La danza, como todo en esta vida, tiene que ser vocacional
¿Cómo fueron tus inicios en la danza?…
Fueron de lo más espontáneo y natural. Un niño que tiene la necesidad de bailar y la posibilidad de hacerlo a través de su tradición.
¿Cómo fue surgiendo tu personal lenguaje en el escenario?…
Fueron 17 años dentro del mundo del «folclore» o mejor dicho del «folclorismo «(que nada tiene que ver con la verdadera Tradición) y 21 de búsqueda personal. Un camino muy lento pero muy intenso, con la posibilidad de ser autodidacta y poder buscar mi propio camino.
¿Qué evolución ha hecho la Compañía a lo largo de este tiempo?…¿Qué balance harías?…
La primera Compañía se creó en 1990, con el nombre de «Danza Viva», pero realmente comienza en 1999 cuando se presenta en Madrid, en el Circulo de Bellas Artes, con el espectáculo «RASMIA».Su evolución ha sido tanto musical como dancística. Creo que el hecho real de haber creado un lenguaje personal a través del uso de la castañuela en el dedo corazón y sobre todo el desarrollo de ésta como instrumento coreutico, ha sido un paso muy importante.
El balance es muy positivo aunque todos sabemos que estamos en un país muy difícil,en el cual creo que hay una gran pérdida de nuestra memoria histórica y en consecuencia una gran confusión e ignorancia sobre nuestra identidad, y en consecuencia genera mucha mediocridad y mucha envidia.
¿Es importante tener colaboradores habituales en el equipo artístico y técnico?… ¿En qué medida participan del proceso de creación?…
En mi caso sí. He tenido la suerte de que las personas que me acompañan desde siempre hayan estado comprometidas con este trabajo. En lo musical he tenido la suerte de trabajar con grandes artistas tanto en lo profesional como en lo humano, que a veces es más importante. Alberto Artigas es un ejemplo de ello. En lo dancístico trabajar con Manuela Adamo, que entre otras cosas es mi mujer, ha sido clave para poder encontrar todas esas preguntas que nadie me respondía y que han empezado ha contestarse sobre todo a partir del espectáculo «Mediterráneo».
¿Impartes cursos habitualmente?…¿Cómo enfocas el trabajo en ellos…?¿Cuáles son los objetivos?…
No suelo dar cursos normalmente, aunque ahora es un buen momento para poder dar a conocer este trabajo. Los objetivos son por una parte el mostrar la parte teórica y de recopilación de documentos que ayuden a comprender el porqué de este trabajo. Por otra parte está el desarrollo corporal y técnico de los pasos y el método de tocar las castañuelas en el dedo corazón. Todo basado en la propia experiencia, que en este caso es importantísimo.
¿Cómo ves el panorama de la danza en nuestro país?¿Qué colectivos te interesan?…
Estoy muy alejado de lo que ocurre en la danza de este país. No me identifico con ningún colectivo en especial.
¿Qué temas o propuestas te seducen a la hora de poner en pie un proyecto?…
Creo que es la Naturaleza la verdadera fuente de inspiración que mueve a los artistas. Fuera de ella la única posibilidad es contar nuestras propias miserias, que creo no interesen a nadie. Creo que a estas alturas todavía tenemos muchas preguntas sin contestar, y son precisamente esos temas los que nos interesan.
¿Hay un proceso o plan de trabajo que sigues habitualmente cuando empiezas un nuevo trabajo?… Háblanos de ello…Siempre he concebido el espectáculo como un todo, aunque a veces la gente se empeña en diseccionarlo. Todos somos piezas fundamentales ( bailarines, músicos, cantantes, técnicos, …). Por una parte es muy importante la documentación sobre el tema que vas a tratar y por otra poder aplicar tu propia experiencia real al proyecto. Es difícil hablar del hambre si no sabes realmente lo que es. Es inútil cantar una jota en japonés si no sabes cantarla de verdad en español.
Háblanos del proyecto: Mediterráneo que presentas en los Teatros del Canal…
«Mediterráneo» es una búsqueda, una investigación sobre los orígenes e influencias que ha tenido la Jota con otras culturas a través de la historia, y en ella he encontrado un fuerte nexo de unión con la Tarantella italiana, no sólo en el aspecto coreutico sino en la funcionalidad que han desempeñado los dos bailes en las tradiciones populares, entre las cuales está la función terapéutica, ya que tanto la Jota como la Tarantella, son danzas ligadas a la cura del tarantismo ( Marius Schneider «La danza de espadas y la tarantella» ).
¿Cómo está afectando los recortes y el aumento del I.V.A. en vuestra compañía?…
A veces es difícil entender ciertas medidas, y esta del iva cultural es una de ellas. En el espectáculo «Mudéjar» hay una palabra importantísima: «el que sobrevivió». Y eso es lo que estamos haciendo, sobrevivir.
¿Se pueden plantear propuestas arriesgadas hoy?…
Siempre he estado trabajando con propuestas arriesgadas. Para mí no es ninguna novedad.
¿Qué le dirías a un joven que empiece hoy en la danza?…
La danza, como todo en esta vida, tiene que ser vocacional. Cuando empiezas tienes que tener muy claro que es para servirte como crecimiento y desarrollo tanto material como espiritual. El mayor enemigo que tiene un bailarín es uno mismo (incluído el espejo), y es ahí, potenciando tus virtudes y mejorando tus defectos cuando todo empieza a tener un sentido. Uno de los males peores de esta profesión es la envidia y la crítica, y curiosamente todo lo que criticamos es lo que tenemos dentro de nosotros.
¿Qué le pedirías a las Instituciones Culturales para la danza?…
La pregunta la invertiría directamente.
¿Qué referentes en la danza internacional tienes?…
Mis dos referentes de la danza, han sido españoles. Por una parte Rafael de Córdoba, con quien tuve el privilegio de tomar alguna clase, y Antonio Gades, por la sencillez de su mensaje y lo mal que lo hemos entendido las siguientes generaciones.
¿Proyectos?…
Todos los que me ayuden a crecer como persona y como ser. Mientras sea la Naturaleza la fuente de inspiración, pienso que todo irá bien.
ANA GRACIA: El teatro es una creación que se hace de nuevo a diario en común con el público y por tanto, una experiencia vibrante y única
¿Cómo fueron tus inicios en el teatro?…¿Realizaste otras facetas además de la actuación?…
Empecé con suerte porque estaba tomando clases de teatro en la universidad y el profesor, Manuel Canseco, acababa de crear una compañía de teatro clásico y me invitó a formar parte.Además de mi trabajo como actriz en la compañía hacía el trabajo de llevar el vestuario. En aquel momento todavía existía el meritoriaje y cobraba como tal ,por eso llevar el vestuario me ayudaba a tener un mejor sueldo. Estrenamos el Teatro Real Coliseo del Escorial vivía en un apartamento encima del teatro y mientras representábamos una obra ensayábamos otra, luego hicimos una larga gira. Tuve además la suerte de tener algunos compañeros mayores como Manuel Galiana o Jose Antonio Correa o Paco Hernandez que me ayudaron, tutelaron y me enseñaron mucho ,tanto en lo artístico como en lo que se refería a conocer los entramados de la profesión. No se me olvidará nunca y siempre estaré agradecida por todo lo que recibí.
¿Qué es el teatro para ti?…¿Por qué haces teatro?…
Hago teatro por necesidad, por una necesidad expresiva y de comunicación. Para mi el teatro tiene un sentido vital, me conecta profundamente con la vida precisamente por lo efímero que es y con el conocimiento de lo humano a través de los textos.Pero el teatro es sobre todo ,para mi, una experiencia de unión entre el texto, el equipo y el público, y le llamo experiencia a un viaje que hacemos con el público y para él , y todo, de la nada ,sólo con la imaginación. Una creación que se hace de nuevo a diario en común con el público y por tanto ,una experiencia vibrante y única.
¿Qué balance harías sobre tu trayectoria?…
Me cuesta mucho hacer balances o cuentas o valoraciones. Sólo puedo decir que a pesar de la dureza o las dificultades ha merecido la pena ,al menos hasta ahora. Actuar me ha dado la vida y me ha ayudado a comprender más al ser humano y a conocer la compasión. Me ha dado la posibilidad de desarrollar mi espíritu creativo y mi sentido de la belleza. Ta vez me hubiera gustado tener una trayectoria como tienen actrices de mi generación en un país como Inglaterra donde actrices con una experiencia y dedicación similar a la mía no paran de hacer buenos títulos, y donde la profesión ,incluso la industria está más viva y respeta más a los suyos.
¿Qué función crees que ha de tener el teatro para la sociedad de hoy?…
La que ha tenido siempre, revelar algo del ser humano,sobre todo aquello que está más en la sombra, de una forma sutil y compleja,tratando al público como gente sensible e inteligente, respetándolos y dándoles lo mejor sin caer en la complacencia.
¿En qué proyectos has participado durante el último año?…Háblanos de ellos…
Mi trabajo como actriz este año ha sido «Hambre ,locura y genio” el espectáculo sobre Strindberg que ha dirigido Juan Carlos Corazza. Para mi es una ocasión única, primero de hacer un texto tan difícil y especial como el del Pelícano de Strindberg, de una forma que para mi es importante que es en colaboración con el director y el resto de los actores, en un equipo donde se escucha a sus miembros y donde todos aportan algo a la totalidad,donde lo principal es qué es lo que estamos dándole al público; donde continuamente , y esto por la perseverancia y genio de Juan Carlos Corazza ,nos cuestionamos como llegar a transmitir lo que para nosotros es fundamental en la historia que estamos contando. Juan Carlos nos guía en esta búsqueda y dirige siempre a partir del material artístico y humano del que disponemos.
¿Cómo surgió tu participación en el montaje de Hambre, locura y genio…?…Háblanos de este trabajo…
Mi participación surge por mi cercanía a Juan Carlos Corazza , por amistad, por coincidencia profesional y artística , este ya es el tercero de sus proyectos en el que colaboro como actriz, pues he participado en otros con otros cometidos ,como dramaturgia o traducción ,y porque me interesa y me nutre poder participar de una manera más activa en la creación de un espectáculo y porque admiro la mirada que Juan Carlos tiene sobre los textos y su forma de darles vida.La parte que corresponde a porque cuenta conmigo tendría que responderla él , aunque a menudo hablamos de los textos que podríamos o nos gustaría hacer. Supongo que él piensa en mi cuando imagina textos que querría hacer ,y yo ,de la misma forma ,pienso en él cuando reviso o leo por primera vez muchos textos.
¿Cómo creas tus personajes?…¿Tienes un método?…
Si método le llamas a tener un tipo de organización, un orden o estructura, sí, lo tengo , y también una técnica que me ayuda a sostener ,alimentar todo lo que tiene que ver con imaginar y hacer imaginar al público aquello que no existe. Una forma de trabajar que he ido aprendiendo y practicando durante mi formación, en el trabajo y en un proceso de búsqueda e investigación en el que sigo metida. Esto no se acaba nunca.Lo que tu llamas método sigue en continua formación.La preparación de cada personaje es un poco distinta, en los tiempos y en el orden de trabajo, también en los apoyos para cada uno.
¿Cómo crees que están afectando los recortes y el aumento del I.V.A. a los proyectos de teatro?…
Está afectando minando los pilares económicos ,convirtiendo esta profesión en una afición,nunca tantos actores han tenido que compaginar su profesión con otras dedicaciones que los sustenten,de esta forma el profesional empieza a dejar de serlo pues su tiempo se divide y no lo emplea en seguir haciéndose mejor profesional. Hay muchos actores trabajando por verdaderas miserias, demasiados que no pueden vivir de su profesión,demasiadas pequeñas compañías o pequeños productores que no se pueden sostener. Es una absoluta masacre.
¿Qué montaje que hayas visto últimamente, te ha interesado?¿Por qué?…
Lo más impactante que he visto últimamente ha sido Riverrun, un monólogo de una actriz irlandesa sobre Finnegan´s Wake de Joyce. Me interesó el viaje de ese río que va a morir en el mar ,la forma en que la actriz lo hacía imaginar tanto a ese personaje ,el río, como todo y todos aquellos que se encontraba a su paso.Un viaje que evocaba el de cada uno de nosotros. Otro ha sido The valley of Astonishment, porque revelar de una forma tan sencilla y sutil el misterio y el “asombro” que habitan en nosotros, es algo que no sucede a menudo.
¿Proyectos?…
Ahora mismo nada. Planes y deseos de mover algún texto nuevo , sólo eso.
¿Alguna sugerencia para seguir creando en tiempos de crisis?…
La verdad es que no tengo ni idea ,sólo puedo decir que no podemos hacer otra cosa que seguir creando y trabajando porque esta es nuestra vida y para eso estamos aquí.
Que Revienten los Artistas 
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