Ultramarinos de Lucas nos habla sobre sus 18 años de creación escénica
¿Cómo surgió Ultramarinos de Lucas?
A principio de los 90 unas cuantas personas de Guadalajara nos encontramos haciendo teatro en un taller. Descubrimos que nos apasionaban cosas parecidas, que entendíamos el teatro de una manera similar. Y que nos soportábamos bastante bien cuando estábamos juntos. En realidad, todo fue bastante casual y bastante natural. Éramos un grupo. Compartíamos pasión (seguimos compartiéndola). Luego nos obligaron a hacernos compañía y después empresa, como a todos. Así la cosa se nos fue complicando. Como a todos. Con el tiempo, los criterios de creación y la necesidad de búsqueda personal y artística (si es que son cosas diferentes) de cada uno fueron confluyendo. Así la cosa se nos fue poniendo un poco más fácil, (También es verdad que nadie más nos ofreció formar parte de su grupo.) Y en 1994, jugando, estrenamos Cosas del mar, con la técnica de luz negra, de la que desconocíamos todo previamente.
¿Cuáles son las premisas para seleccionar los proyectos de la Compañía?
La necesidad. Los proyectos parten de la inquietud de cualquiera de nosotros (por eso cada uno ha dirigido diferentes espectáculos). Uno necesita cuestionarse sobre un asunto y compartir sus cuestiones con el público y conmoverse con él (el público es básico en el planteamiento de nuestros espectáculos); entonces lo propone al resto y si a los demás les interesa, nos lanzamos a ello sin pensar demasiado. Por ejemplo, Pinocho surge de la necesidad de uno de nosotros de investigar sobre su lugar como padre y al mismo tiempo como hijo. Siempre nos interesa experimentar terrenos que no conocemos (por esa razón, no nos atenemos a una técnica en concreto, sino que ésta está al servicio de la comunicación con el público). Sabemos, aproximadamente, de dónde partimos, pero nunca a dónde vamos a llegar. En algún momento, alguien plantea la viabilidad económica del proyecto (no dejamos de ser una empresa con grandes dificultades para cubrir gastos), pero si hemos decidido que la aventura es necesaria, no nos para el dinero. Y no hacemos nada que no nos apasione. No podemos evitar hacer el teatro que hacemos.
¿Qué balance hacéis de estos años de existencia de la Compañía?
Cuando nos planteamos “celebrar” los 18 años del grupo repasando una parte de nuestra trayectoria en la Sala Cuarta Pared, apareció claramente la idea de fracaso. En realidad es algo que hemos tenido bastante claro siempre: vamos de fracaso en fracaso. Pero no entendemos el fracaso como algo negativo sino todo lo contrario: fracasamos porque siempre queremos llegar más lejos. Nos interesa más el viaje que el destino, la pregunta que la respuesta, el juego que el éxito. Porque fracasamos seguimos buscando, jugando. Por eso decidimos que esta “celebración” se llamaría Ultramarinos de Lucas, 18 años de fracasos (y lo que nos queda).
Pero también podríamos decir que 18 años después el balance es: alegría, crecimiento, números rojos, una nave hipotecada, una furgoneta muerta, otra exhausta, continentes hermosos, gente de ojos grandes, fracaso, fracaso, una puerta, fracaso, fracaso, fracaso, un haz de luz…Y estamos muy orgullosos de nuestros fracasos.
¿Qué evolución ha hecho la Compañía a lo largo de las diferentes producciones realizadas?
Cuando se está en permanente búsqueda, la evolución, el proceso es lento y no se sabe muy bien a dónde lleva, tal vez a ningún sitio, tal vez al próximo escenario, tal vez a la próxima búsqueda, a perderse y volver a perderse. Si bien es cierto que cada vez nos cansamos más y sabemos menos, también las sensaciones de pérdida e investigación van siendo más reconocibles. Y confiamos cada vez más en nosotros mismos cuando avanzamos en medio de la oscuridad, y nos permitimos mayores riesgos y más desnudez.
También confiamos cada vez más en el público: entendemos que el teatro es una construcción que hacemos a medias actores y espectadores. A su imaginación nos dirigimos y cada vez confiamos más en ellos.
¿Es importante tener unos colaboradores habituales en el equipo artístico y técnico?
Es esencial para nuestra forma de trabajar. Crecemos juntos, nos formamos juntos, investigamos juntos. Entendemos el teatro de una forma muy parecida, y cuando discrepamos, es una discrepancia creativa, no destructiva. Desde esos colaboradores, que en realidad son la compañía, porque tendemos a integrar y no a mantener meras relaciones profesionales, desde ellos nos abrimos a cuanto ocurre a nuestro alrededor.
¿Os ayuda tener un espacio estable de trabajo para realizar los procesos de creación?
Obviamente, aunque esto conlleve un gran gasto y, consecuentemente, una gran dedicación.
¿Se trabaja así con menos presión?
No. La presión nos la proporcionamos nosotros mismos, desde unos presupuestos de profesionalidad, implicación, trabajo.
En realidad la presión proviene de esta necesidad que tenemos de ponérnoslo difícil, de no transitar por caminos que ya hemos pateado, de partir siempre hacia lo desconocido, sin saber qué encontraremos al final
¿Cómo es el trabajo con el equipo artístico durante los procesos?
De una u otra forma, todos hacemos todo. Es posible que el impulsor de la idea de espectáculo lo dirija. O no. Repartimos tareas según lo que cada uno siente o necesita o puede hacer. Pero al final todos participamos de todo. Seguramente ésa es una de las riquezas de Ultramarinos de Lucas. Solemos tener unos procesos de ensayos bastante largos, porque nos gusta perdernos por el camino y dejar que las cosas nos descubran antes que forzarlas nosotros. Según las características del espectáculo partimos de un texto, una imagen, unos objetos, una idea… Luego nos alimentamos con todo tipo de estímulos más o menos relativos al montaje (músicas, libros, exposiciones…). Desconfiamos de las ideas, de los prejuicios. Estamos más atentos a lo que nos ocurre que a lo que se nos ocurre. Al final, puede ocurrir que el director lleve las luces, un actor monte focos, el protagonista planche o el dramaturgo monte la escenografía.
¿Hay una línea ética y estética en la Compañía?
Creemos que ética y estética van muy unidas. Intentamos ser muy cuidadosos al respecto. En el plano estético, de una forma más o menos consciente estamos muy implicados con la naturaleza que nos rodea. En muchos de nuestros espectáculos tienen mucha importancia los elementos naturales: la madera en primer lugar, el agua, las piedras, la tierra… Pero en realidad, de nuevo la estética está supeditada a lo que compartimos con el público. Y así llegamos al plano ético: tenemos un compromiso con el público. Sin ser complacientes, todo lo que hacemos lo hacemos para el público (al fin y al cabo es un compromiso con el ser humano, con nosotros mismos). Así, intentamos no ser demasiado listos y dar más de lo que recibimos. Diríamos que tenemos unos postulados éticos (más asumidos que verbalizados) que son: la humildad de aceptar sin miedo que no sabemos nada, que cuando empezamos un proyectos no sabemos qué debería ser ni cómo va a ser; la generosidad de dar todo lo que somos capaces, de no guardarnos nada para nosotros; la honestidad de no engañar, de no dejarnos llevar por lo fácil, la vanidad, la complacencia…
Intentamos mirar al público de tú a tú, sin importar su edad, compartiendo con él sinceramente nuestras dudas. Vamos de fracaso en fracaso. Pero insistimos. Nuestros postulados éticos.
¿Se pueden realizar propuestas combativas y alternativas en estos tiempos de crisis?
El simple hecho de existir, insistir, persistir, resistir se está convirtiendo en algo subversivo. El hecho de ponerse ante el público y hablarle de corazón a corazón (jugando, ¿eh?, jugando, nada de psicodramas) nos parece un teatro combativo y alternativo. Si hablamos del teatro de denuncia política, también creemos que este debe ser el tiempo de los bufones. El actor debe ser la voz del pueblo, del pisoteado (incluso a pesar del pueblo y del pisoteado). Desde luego esto es mucho más fácil si eres un actor famoso.
¿Cuál ha sido el recorrido de las producciones que presentáis en Cuarta Pared durante estos años? ¿Tenéis espectáculos en repertorio?… ¿En gira?…
Ahora mismo tenemos 10 espectáculos en repertorio y uno que estamos a punto de estrenar (peZes, para público de 1 a 4 años, el 16 de marzo en La Casa Encendida). De ellos hemos hecho una selección consensuada con la sala Cuarta Pared. Nos habría gustado mostrar más espectáculos, hacer más representaciones, pero somos conscientes de las dificultades. Las obras seleccionadas son de alguna forma emblemáticas para nosotros: desde Cosas del mar, nuestro primer montaje, que lleva desde 1994 de gira ininterrumpida, hasta Pinocho, la última que hemos estrenado (2012), pasando por espectáculos que han girado dentro y fuera de España como Las aventuras de Huckleberry Finn (2006) y Otra vez (2007). Finalmente presentaremos La sombra de Lear [Shakespeare], lo último que hemos hecho para adultos (2009).Tener un repertorio tan extenso desgasta, pero también nos permite seguir a flote y continuar aprendiendo con cada montaje. Normalmente tenemos los espectáculos en cartel hasta que dejan de ser contratados o hasta que se hace materialmente imposible mantener la estructura necesaria para que sigan girando. Alguno, como Esperando a Godot, planeamos remontarlo cuando seamos mayores y sepamos de qué va esto de hacer teatro.
¿Hay un planteamiento distinto si hacéis un montaje para adultos o para niños?
No hay absolutamente ninguna diferencia de planteamiento cuando preparamos un espectáculo para adultos o para niños. Partimos de no saber y buscamos compartir dudas y aventuras con el público, sin imponer ni impostar, da igual la edad del espectador.
La diferencia radica en el lenguaje. Cuando trabajamos para niños tenemos que elaborar mucho más, es infinitamente más difícil.
¿Qué proyectos tenéis entre manos?
El 16 de marzo estrenaremos en La Casa Encendida, en Madrid, peZes, un espectáculo para público de 1 a 4 años.
Llevamos años rumiando otros espectáculos. Tenemos más ideas y proyectos que nunca. La situación económica es dura, la creativa todo lo contrario.
¿Creéis que los recortes y el aumento del I.V.A. van a afectar a los proyectos de teatro?…
Con toda seguridad. Los recortes afectan porque las administraciones destinan muy poco dinero a contratar teatro (y la mayoría de los teatros son públicos). La subida del IVA en las entradas hace que menos espectadores vayan al teatro. Y que bajen los cachés, porque la mayoría de las compañías no hemos repercutido esa subida en nuestros precios. De hecho los nuestros han bajado en los últimos 3 años. Pero lo que más va a influir es que cuando ha habido dinero, en el teatro se ha utilizado para hacer propaganda, invirtiéndolo de manera absurda, sin pensar en el futuro, sin consolidar proyectos a largo plazo. Ahora resulta que todos los teatros eran de cartón piedra, y los que creíamos estar dentro nos encontramos a la intemperie, tiritando con cara de tontos. Es cierto que de una u otra forma, todos contribuimos a consolidar ese modelo absurdo. Todos.
¿Qué montaje que hayáis visto últimamente, os ha interesado?¿Por qué?
Como compañía lo último que compartimos que nos revolviera fue la trilogía Le Jardin, Le Salon, Le Sous Sol de la compañía Peeping Tom. Nos sorprendió su carga de humanidad, de sencillez, de humor y de rigor. También quisiera mencionar el espectáculo Tierra pisada de El Canto de la Cabra. Demuestra un compromiso y una búsqueda artística inquebrantable. Nos hacen plantearnos lo que hacemos y nos dan aire para seguir nuestra travesía.
Fernando Soto nos habla de su experiencia y colaboración con José Manuel Mora en Autopsia
Balance de vuestra trayectoria…Como actor, Fernando Soto ha estado ligado durante varios años al Teatro de La Abadía, participando en obras como Sobre Horacios y Curiacios, Premio Max al Mejor Espectáculo 2005; La melancolía de King Kong, con texto de José Manuel Mora; o Medida por Medida, dirigida por Carlos Aladro. Se le ha podido ver, además, en espectáculos como La Avería, dirigido por Blanca Portillo; Alejandro y Ana (Lo que España no pudo ver del banquete de boda de la hija del presidente), a cargo de la compañía Animalario; o Madre Coraje y sus hijos, producción del Centro Dramático Nacional. Como director, ha llevado a escena las piezas Hamster, Al final todos nos encontraremos, Así pasan los días, Rulos, Prohíbido besar y Mejorcita de lo mío (de la que también es coautor). Para EscenaTe ha dirigido montajes menos convencionales como Sueño y capricho, El encanto de Lugo y La pintura a escena. El siglo XIX en el Museo del Prado. Ha interpretado papeles en los largometrajes Celda 211, Una palabra tuya y La suerte dormida y es actor habitual en varias series de televisión.
José Manuel Mora es autor, dramaturgo y profesor. Cursó estudios de Dramaturgia y Dirección de Escena en la Real Escuela Superior de Arte Dramático y amplió su formación en Londres, Ámsterdam y Berlín. Entre sus obras se encuentran Trevélez (Me muero de amor), Cancro, La bendita pureza, Vértigo, Los cuerpos perdidos, Mi alma en otra parte y La melancolía de King-Kong. Sus textos han recibido numerosos premios y se han representado en espacios europeos como el Jerwood Theatre Upstairs del Royal Court Theatre de Londres, el Festival Internacional de Varsovia y el Berliner Festspiele, entre otros.
¿Cómo surge el proyecto que presentáis en Escena Contemporánea?…¿De qué va la obra?…
Este proyecto nace del encuentro entre dos creadores, José Manuel Mora dramaturgo y Fernando Soto actor y director, al que se incorpora más tarde la escenógrafa Monica Boromello. A partir de una ayuda a la creación del matadero de Madrid y el marco de DRAFT.INN, espacio de reciente creación que en la ciudad de Madrid reúne a un colectivo de jóvenes creadores en un proyecto de trueque de experiencias y reflexión cultural, donde experimentar las artes escénicas del siglo XXI. Nace de la necesidad de diseccionar la realidad como partes integrantes de la misma, es decir bucear en los resortes que mueven al ser humano y que le llevan a ser consciente de algo que muchas veces es inercia pura:su propia vida. Ser consciente de su propia vida con la consecución implícita de la muerte( pero no muerte como un estado físico única y exclusivamente sino como la parte integrante de una dualidad) y de la convivencia entre dichas partes..No pretendemos plantear un espectáculo donde se enjuicie o se dogmatice nada, buscamos ahondar en el concepto de comunicación con el espectador a través de un acto de consciencia sin ningún tipo de moralina alguna sino aludiendo a su contenido activo: ser conscientes. Pretendemos ser ese filtro por el que pase toda la información, ser el espejo dónde el espectador pueda elegir mirarse o no. Autopsia es una necesidad de comunicar no una obligación de imponer. Autopsia es un ejercicio de autocuestionarse tanto actor como espectador.
En Autopsia (Fábula moral en tiempos de crisis) hay un hombre. Una isla. El dolor inconmensurable de la pérdida del ser querido. Hay una fractura con el mundo, una necesidad de volver al epicentro de la catástrofe. Hay también un encuentro. Un encuentro convertido en esperanza de calma, de renacimiento.
¿Cómo fue el proceso dramatúrgico y de montaje de la obra?…
El proceso dramatúrgico dura aproximadamente un año y se ha basado en diversos encuentros, largas conversaciones y continuas referencias y estudio sobre la obra de diversos autores, los cuales giraban todos entre esa contraposición entre lo vida y la muerte, lo vivo y lo caduco. Nuestra intención era ir diseñando (en torno al trabajo de mesa) a partir de una idea motor el espectáculo, tanto a nivel de escritura como de estética. Queríamos soñar el espectáculo, visualizarlo, darle forma en nuestro imaginario. De este trabajo salen seis borradores del texto y tres esquemas de escenografía, totalmente abiertos a ser modificados en el proceso de montaje, pero lo que nos facilita tener claro el camino de lo que si debe permanecer intocable a la hora de ponerlo en pie. En estos momentos estamos en la penúltima semana de ensayos, y el texto ha variado, se ha ido descargando para quedar lo que creemos esencial. Podemos decir que durante todo este proceso hemos generado muchísimo material para intentar llegar al germen de lo que queríamos contar.
¿Conoces la obra de otros creadores contemporáneos en España?…
Si, conozco la obra de bastantes creadores contemporáneos en España y creo que en este país hay gente que propone un teatro interesante y comprometido, otra cosa es que haya circuitos para poder mostrar esos trabajos.
¿Qué opinas de la programación de Escena Contemporánea XIII?…
Me parece una programación plural y comprometida con la realidad que vivimos. Además me parece que en esta edicion como en tantas otras se han vuelto a hacer malabares ajustandose a presupuestos y medios para hacer llegar al publico un teatro actual. No lo digo de verdad porque yo este incluido en esta programación, lo pienso honestamente. Creo que Salva Bolta y su equipo han hecho un esfuerzo titánico por sacar esta edición adelante.
¿Qué función crees que ha de tener hoy la creación contemporánea para la sociedad en la que vivimos?…
No debe distraer o entretener, debe plantear y cuestionar. Creo que debe ser un espejo donde mirar qué estamos haciendo bien y que mal. Debe plantear preguntas que movilicen, que nos ayuden a creer que las cosas se pueden hacer de otra manera que no sea la establecida.
¿Qué te motiva o inspira para realizar proyectos que mostrar en vivo?…
Mi máxima inspiración es el ser humano. Es alguien el cual intento comprender desde que empezó en esto, intentar comprender como funciona, cual es su mecanismos. Para mi tiene mucho de antropología el teatro
¿Crees que afectará mucho la subida del I.V.A. y los recortes al teatro para la escena alternativa?…
El teatro alternativo siempre ha estado afectado por una cosa u otra. Pero ahora esta situación es como si ya acabaran por asfixiarlo. Esta afectando y mucho, me entristece ver como compañeros que han trabajado hasta la saciedad para sacar una sala o un proyecto adelante tienen que echar el cierre. También siempre he cuestionado el termino «alternativo». Yo siempre he dicho que esa etiqueta para mi es porque no nos dejan otra alternativa. Si abrieran más los grandes teatros a otro tipo de lenguaje, la cosa funcionaria de otra manera, no se trata solo de economía en las producciones, es más una cuestión de lenguajes.
¿Qué obra de teatro, danza o performance has visto últimamente?¿Qué te pareció?…
«El traje». Me pareció una propuesta arriesgada y diferente. Un gran trabajo.
¿Cómo ves la creación contemporánea en el lugar donde trabajas?…
Veo que hay mucha gente que quiere buscar nuevos caminos e investigar diferentes lenguajes escénicos, lo malo es que el circuito de exhibición para este tipo de lenguajes cada vez es más reducido.
¿Alguna idea para seguir creando en tiempos de crisis?…
Trabajar y seguir creyendo en lo que uno hace, y sobre todo creer que hay público que le interesa lo que hacemos, que desgraciadamente muchas veces se le subestima
¿Proyectos?…
Intentar que este montaje crezca a partir de su estreno en este festival. Por otro lado seguir colaborando con Draftinn en nuevas propuestas que estamos dándoles vueltas. Intentar montar una versión de Cámara Lenta de Pavlosky y seguir de gira con Yo soy don Quijote de la mancha dirigida por Luis Bermejo.
Los componentes de Ricci/Forte nos hablan de la filosofía de su trabajo el día de su presentación en Casa Encendida-Escena Contemporánea
Balance de vuestra trayectoria…
Las sumas, los balances, son actitudes ego-referenciales que dejamos pendientes para el momento de retiro en la montaña encantada. Hay demasiadas ocasiones de reflexión que el Hoy nos escupe encima como para sacrificarlos hacia un análisis personal de ruta. El proyecto Ricci/Forte – desarrollado en el 2006 como ensemble – avanza en continua metamorfosis, enfocando, en cada etapa, las modalidades del viaje: la investigación trasversal sobre el cuerpo emotivo contemporáneo junto a una visión que transfigura la realidad minima en la que nuestra existencia está envuelta para exaltar una mirada diferente, que pone la fantasía como un baluarte que hay conquistar, cueste lo que cueste.
¿Cómo surge el proyecto que presentáis en Escena Contemporánea?…¿De qué va la obra?…
Macadamia Nut Brittle surge desde las cenizas de un evento luctuoso privado. En las consideraciones preliminares del proyecto, comenzado con las lecturas de Dennis Cooper sobre los limites que hay que superar para calmar un sufrimiento y amortiguar los reflejos hasta la auto-destrucción a través del sexo, nos encontramos involucrados en primera persona con el tema de la perdida. Qué queda y como sobrevivir cuando alguien que ha formado parte de ti te abandona? Nuestras madres, afectadas por el cáncer se apagaban en una cama de hospital y la investigación ha cogido un camino que intentara obtener respuestas sobre aquello que queda de la esencia de un amor, cuando esto materialmente se extingue. Como se sobrevive a un tsunami de tales proporciones.
Macadamia Nut Brittle, nombre de un celebre helado, se ha convertido en la metáfora de esta aventura que es la Vida, en la que – exactamente como los helados – nos derretimos y nos solidificamos en formas distintas cada vez para gustar a los demás: en cada abandono nos recompactamos y volvemos a encontrar esa sonrisa para resistir. No hay crueldad o al menos, si está presente, existe porque de por si es tremendamente brutal lo que nos rodea: la dificultad de comunicación, los sueños rotos, el amor. Las series tv, los dibujos animados se convierten de esta manera en nuestros amigos, aquellos que nunca te abandonan cuando todo el mundo se aleja de ti. Los personajes de las tele-series se transforman en nuestra balsa salvavida que, junto a una excesiva y casi maniática colección de relaciones sexuales inútiles intentan llenar ese abismo debajo del esternón en que nos hemos transformado.
¿Cómo fue el proceso dramatúrgico y de montaje de la obra?…
“Cada hombre es un abismo, da vértigo si se mira en su interior.” (Georg Büchner). Ha comenzado por la elección de las personas. Al lado de un elemento estable y solido del proceso, Anna, le hemos acercado tres nuevos performers (Giuseppe, Andrea y Fabio) que desde entonces son fundamentales para cada proyecto. Pero en 2009 se acercaban por primera vez a nuestro mundo, hecho de improvisaciones y caídas en el vacío sin red de seguridad. Justo desde esta desestabilización hemos avanzado vendados hacia un periscopio-sonda del bagaje emocional individual, en búsqueda de una huella para dejar encima del escenario que estuviese lo más cerca posible de la experiencia personal, sin esconderse detrás de las armaduras de los personajes que hasta ese entonces los tres chicos habían encontrado. La fragmentación, las visiones que explotaban durante el periodo de ensayos y que se entrelazaban con los conceptos-guía en un primer momento los han aturdidos pero lentamente se ha ido componiendo un lenguaje sensorial que ha amplificado el sentido de hacer teatro.
¿Conoces la obra de otros creadores contemporáneos en España?…
Excepto a Rodrigo Garcia, Calixto Bieito, Angelica Liddel, Alex Rigola y Lluís Pasqual, cuyos trabajos tuvimos ocasión de conocer en varios festivales internacionales, no hemos tenido la ocasión de sumergirnos en los fermentos de la investigación contemporánea de este País.
¿Qué opinas de la programación de Escena Contemporánea XIII?…
El Festival goza de una estupenda reputación y las elecciones hechas por su actual director artístico Salva Bolta en esta ultima edición declaran una mirada curiosa hacia Europa y una voluntad de mantener contacto con las instancias de un continente que, a pesar de la crisis económica, sigue produciendo excelentes resultados. Con los recortes a la Cultura que están matando al espectáculo en vivo, participar en este festival es, ademas del perfil artístico, el testigo de una resistencia activa. También debemos agradecer por esto al Instituto Italiano de Cultura de Madrid.
¿Qué función crees que ha de tener hoy la creación contemporánea para la sociedad en la que vivimos?…
Germinar dudas, provocar reflexiones con un ritmo de absorción gradual. Sintonizarnos con el tiempo presente probando a rascar el estado soporífero intelectual y ético en los que flotamos desde hace tiempo inmemorial.
¿Qué te motiva o inspira para realizar proyectos que mostrar en vivo?…
Afloran como burbujas ulcerosas a la superficie, piden atención. Las inspiraciones, las sugerencias, las necesidades de construir una selva de señales para decir en voz alta aquello que demasiado a menudo se susurra en una botella. Nos gusta más bien un teatro sabroso y especiado como la sopa de las brujas que un caldito soso de los teatros de tapicería.
¿Crees que afectará mucho la subida del I.V.A. y los recortes al teatro para la escena alternativa?…
Ya han metamorfoseado pesadamente la escena teatral contemporánea. No creemos que la solución o una progresiva vuelta de tortilla a las cosas aparezca en tiempos breves. Está claro que los innumerables recortes a las subvenciones han obligado a muchas estructuras a volver a reorganizar sus propias temporadas en términos mediocres, para no ahogarse. Esto ha llevado también al cierre de espacios y manifestaciones que han castigado a los grupos que, como nosotros, se mantienen sin ninguna ayuda estatal. Es un mal y una regresión nacional, que empuja a los jóvenes a intentar re-dimensionar su propio afán de hacer proyectos en favor de una posible visibilidad, siempre más quimérica, y una mercantilización del pensamiento.
¿Cómo ves la creación contemporánea en el lugar donde trabajas?…
Es fascinante e inaguantable como mirar un eclipse permanente de sol. Aparte de algunos guardianes, el cementerio se llena de lapidas cada día. Demasiados fallos: la vieja investigación de los años pasados ha monopolizado algunas regiones y puesto en trinchera a viejos críticos detrás del polvo de una investigación conceptual anacronistica, que boquea debajo de una cortina de oxigeno absolutamente auto-referencial. Los jóvenes críticos que hacen germinar un blog cada día como las setas después de un aguacero, creen abrirse camino adoptando los vicios de quienes los han precedido, no por ultimo el itálico defecto de los compañeros de meriendas que celebran bacanales para parientes y amigos de botellón. Ese “Bel Paese” que nunca se ha movido de las imágenes de las películas de Germi. Solo que en ese entonces todo era más genuino, sincero, ahora todo está envuelto por un hipócrita velo radical de izquierdas que empequeñece aun más. En este pantano hay algunas informaciones que estimamos y que intentan mostrar su propia visión La fatiga es titánica, y en esto no podemos hacer otra cosa que sentirnos participes ya que la vivimos cada día sobre nuestra piel.
¿Alguna idea para seguir creando en tiempos de crisis?…
Darnos cabezazos para impedir al caos de desperdigarnos en las tinieblas de la insensatez cómoda de nuestro país. Obstinados y armados, hemos testimoniado nuestra receta para tiempos de crisis montando un trabajo con 16 performers en escena, IMITATIONOFDEATH, que hemos estrenado el pasado noviembre en el RomaEuropa Festival. Cuando todo el mundo te sugiere preparar monólogos de fácil comercialización, ya estás hacia el “faldistorio”. Lucidez y honestidad de intentos + una desvergonzada pureza de mirada son las armas que utilizamos en contra de la horda barbara que empuja detrás de nuestras puertas: desvanecerá en su propia inconsistencia. Darnos cabezazos para impedir que el caos nos desperdigue en las tinieblas de la insensatez cómoda de nuestro país.
¿Proyectos?…
Continuar mirandonos en el espejo, sonriendo por haber conseguido entender, otra vez, adonde no queremos ir.
Más info de la Compañía en:
Paco Bezerra nos habla de sus proyectos.
¿Cómo surge el proyecto AHORA EMPIEZAN LAS VACACIONES?…¿De qué va la obra?…¿Cómo ha sido el viaje dramatúrgico de El Pelícano a tu propuesta textual?…
Luis Luque había pensado montarla, ya tenía los actores y todo, de hecho hasta había hablado con ellos y se lo había propuesto, así que me pidió hacer la versión y yo acepté. Podríamos decir que se trata de un encargo, como la obra anterior que hice con él, La escuela de la desobediencia. La obra va de una madre desnaturalizada que tiene muertos de hambre y de frío a sus hijos desde el día en que nacieron, y esto lo utilizo para hablar de nuestro presente. El viaje dramaúrgico ha partido de los personajes y conflictos del original, pero podría decirse que he reescrito la obra. He metido elementos nuevos y he eliminado a uno de los personajes. También me he inventado alguna escena que otra, la del final, por ejemplo, en la que creo que no hay ni una sola palabra escrita por Strindberg.
¿Hiciste algún tipo de documentación sobre el tema antes de realizar tu texto final?…
Partí de las lecturas del original, vi varias veces el Estudio Uno que interpretó en su día Irene Gutiérrez Caba y Tina Sáinz, y, a partir de lo que todo esto me sugirió, empecé a investigar sobre el hambre y el apetito. Entonces, descubrí una isla en la que nadie jamás había pasado nunca hambre, en el Pacífico Sur, Vanuatu se llama, el lugar con mayor calidad de vida de todo el planeta Tierra. Y eché la imaginación a volar a partir de ahí.
¿Cómo surge llevarlo a La Casa de la Portera?
Ya estaba en la propuesta de Luis, venía con el encargo, todo en el mismo paquete. Si yo no hubiese hecho la versión, él la hubiese estrenado igualmente en La casa de la portera.
Eres un autor premiado…¿Sirven los premios para que tus textos se visibilicen?…
Sí, pero para que se visibilicen los textos que no han sido premiados. Curiosamente, los textos que han ganado premios importantes no se han hecho, esos no se representan, se representan otros que me encargan, pero las obras que han ganado más premios aún no se han hecho.
¿Opinas como algunos autores, que no hay que publicar un texto hasta verlo estrenado?…
No, si yo pensara así ahora no tendría más que tres textos publicados, y dos de ellos versiones o dramaturgias de otras obras que no son mías, originales, entonces, habría publicado sólo Grooming. Además, si no se publican antes de estrenarse… ¿cómo llega el texto a manos de un director de escena? ¿Cómo puede montar alguien un texto si no está publicado? ¿O cuántas obras hubiésemos leído de Don Ramón del Valle-Inclán? Imagino que habrá dramaturgos que tengan contactos y que conzcan a productores y directores de teatros, pero si no conoces a nadie publicar es la única manera de que tu trabajo tenga cierta difusión. No, qué barbaridad, yo no pienso así, yo soy dramaturgo, escribo para la Literatura Dramática, no para la escena. Si mis obras se hacen, fenomenal, pero si no se hacen yo las voy a seguir escribiendo igualmente. ¿Por qué no iba a poder tener la gente acceso a leerlas?
¿Qué balances haces de tus últimos trabajos como autor?…
El balance ha sido positivo. He estrenado tres obras en el último año y medio, así que no me puedo quejar.
¿Qué función crees que ha de tener hoy el teatro para la sociedad en la que vivimos?…
La de siempre: la de plantearle preguntas al lector/espectador, no ofrecerle respuestas, la de hacerle dudar de lo que piensa, la de cuestionarle y ponerle en un dilema moral ante una situación determinada… Viene siendo así desde antes de que naciera Jesucristo. El teatro ha cambiado mucho, pero sólo en su forma, en el fondo, el teatro sigue siendo muy parecido al de hace más de dos mil años.
¿Qué te motiva o inspira para escribir teatro?…
El paisaje desértico de Almería, mi padre y mi madre, mi abuela, mi hermana, mi tía, mis vecinas y todo lo que sale por boca de estas personas que acabo de enumerar. Un pozo sin fondo.
¿Crees que afectará mucho la subida del I.V.A. y los recortes al teatro?…
¿Y no está afectando ya?
¿Qué obra de teatro has visto últimamente? ¿Qué te pareció?…
Vi Alma de Dios, de Carlos Arniches y Enrique García Álvarez, con Cristina Marcos, Tomás Pozzi y Manuela Velasco, dirigida por Jesús Castejón, en el Teatro de la Zarzuela. Una maravilla. Me encantó. De hecho, creo que voy a escribir una Zarzuela, que es algo que los dramaturgos españoles no deberían haber dejado de hacer. La Zarzuela es lo más.
¿Cómo ves la autoría teatral en estos momentos en nuestro país?…
Pues muy bien, mejor que nunca, la veo tal que así: Alfredo Sanzol, Manuel Calzada Pérez, Sergi Belbel, María Velasco, Lluisa Cunillé, José Manuel Mora, Guillem Clua, Angélica Liddell, Carlos Be, Josep María Miró, Miguel del Arco, Juan Mayorga, Guillermo Heras, Jordi Galcerán, Luis García-Araus, Pau Miró, José Ramón Fernández, Marta Buchaca, Alberto Conejero, Lucía Vilanova, Antonio Rojano, Eva Hibernia, Gracia Morales, Zo Brinviyer, José Cruz, Jordi Casanovas, Juan Carlos Rubio, David Desola, Laila Ripoll… y se me olvidarán por lo menos ciento cincuenta más.
¿Proyectos?…
Me acaba de conceder el INAEM una beca para el Desarrollo de las Dramaturgias Actuales, creo que se llama, así que es la primera vez que me ayudan económicamente antes de escribir una obra y eso me alegra porque creo que han empezado a confiar en mí. Voy a escribir una obra que se llama El rescate del dragón.
Jesús Nieto de Onírica Mecánica nos habla de Morfología de la ceguera la víspera de su estreno en Cuarta Pared-Escena Contemporánea
Balance de vuestra trayectoria…
Onírica Mecánica (www.oniricamecanica.com) se creó en 2006, así que solo llevamos 6 años trabajando. Para ser una compañía relativamente joven estamos muy contentos con los resultados. Hemos producido 5 montajes que han girado por festivales de España, Italia, Marruecos, Francia o Brasil.
¿Cómo surge el proyecto que presentáis en Escena Contemporánea?…¿De qué va la obra?…
El proyecto surge de la idea de trabajar sobre los imaginarios que construyen las personas invidentes y de como nuestra realidad se construye a partir de estímulos perceptivos. Morfología de la Ceguera, es una experiencia sensorial para 25 espectadores que se adentran en el imaginario de Alicia. En sus pequeñas felicidades y en sus paisajes oscuros.
¿Cómo fue el proceso dramatúrgico y de montaje de la obra?…
Este espectáculo no se hubiera llevado a cabo sin el apoyo de ETC (Espacio Teatro Contemporáneo) y Cuarta Pared que acogieron el proceso dramatúrgico de la obra con el apoyo de Borja Ortiz de Gondra. Levantar un proyecto tan arriesgado tan solo para 25 espectadores en el cual trabajan 7 personas es una locura en estos tiempos. Una locura maravillosa en la que hemos investigado sobre como crear imaginarios a través de otros sentidos.
¿Conoces la obra de otros creadores contemporáneos en España?…
Si, además creo que se están creando cosas muy interesantes en estos momentos.
¿Qué opinas de la programación de Escena Contemporánea XIII?…
Nos sentimos muy orgullosos de estar ahí, creemos que es una programación plural, arriesgada y que forma un buen mapa de las propuestas diferentes que se están creando en nuestro país.
¿Qué función crees que ha de tener hoy la creación contemporánea para la sociedad en la que vivimos?…
Poner la mirada y el foco en lo que no es fácil ni cómodo de ver. Una llamada de atención sobre lo que nadie mira. Asimismo investigar y generar nuevas formas de creación escénica.
¿Qué te motiva o inspira para realizar proyectos que mostrar en vivo?…
Una necesidad pura que a veces ni yo mismo se donde va. El proceso de trabajo se convierte en el descubrimiento de la realidad que esconde y que demanda salir a la luz.
¿Crees que afectará mucho la subida del I.V.A. y los recortes al teatro para la escena alternativa?…
Es obvio que si, pero la pura creación está por encima de cualquier recorte.
¿Qué obra de teatro, danza o performance has visto últimamente?¿Qué te pareció?…
Los trabajos de compañeros como: Macarena Recuerda Shepherd, Agrupación sr Serrano, Los Hedonistas o Teatro en el aire. Trabajos muy interesantes con búsquedas personales, sociales y formales que valoro positivamente.
¿Cómo ves la creación contemporánea en el lugar donde trabajas?…
En Murcia se nota mucho el momento difícil que estamos viviendo. Sin embargo eso mismo ha impulsado la creación de nuevos espacios alternativos como: El quirófano, Los pájaros ateneo huertano, La nena o la chimenea, en los que todas las disciplinas se mezclan y que en el futuro generarán proyectos interesantes.
¿Alguna idea para seguir creando en tiempos de crisis?…
No permitir que las noticias nos paralicen. La creación no está en crisis ni tiene nada que ver con los sistemas de producción comerciales.
¿Proyectos?…
Nuestro nuevo proyecto se llama Frágil es un co-producción con Ferroluar (www.ferroluar.com) y habla sobre las fragilidades humanas que a veces intentamos esconder. Estas fragilidades son interpretadas por autómatas mecánicos. Puñados de hierros con alma.
Alicia Blas nos habla de su trayectoria como escenógrafa y pedagoga
¿Cómo fueron tus inicios en el diseño escenográfico?…
Me resulta muy extraño oír esta pregunta formalizada en pasado. Los años pasan para tod@s, pero, creo que afortunadamente, sigo considerándome una principiante. Alguien que está “empezando”; aunque lleve más de 20 años en la profesión… Bromas aparte, lo que atrajo a la frustrada alumna de arquitectura que era entonces, fue precisamente el carácter efímero del diseño escenográfico; y la posibilidad que brindaba de realizar un trabajo conceptual que, de alguna forma, “siempre queda inacabado”, pero que al mismo tiempo, y paradójicamente, es muy concreto, artesanal y definido por plazos estrictos.
En plena crisis personal, toparme con el Curso experimental de Escenografía que se ofertaba en la Real Escuela Superior de Arte Dramático de Madrid fue providencial. Los compañeros de un Taller de Maquinaría Teatral en el que participaba en la Sala Cuarta Pared, me informaron de la existencia de la convocatoria de sus primeras pruebas de acceso. Sin mucho pensarlo, me presenté al examen, y entré en la RESAD. Allí pronto tuve oportunidad de explorar, y de diseñar escenografías, con y para mis compañeros y profesores. Fue en el año 92. No he salido de allí: Primero como alumna de Escenografía, luego de la carrera de Dirección de escena, y más tarde como docente, siento mi trayectoria como parte de un contínuum fluido.
¿Lo has compatibilizado con otros trabajos?
Claro. Sobre todo he dado clases de espacio escénico. Pienso que mi verdadera vocación es la investigación. Tampoco veo mucha diferencia entre la enseñanza y diseñar: son sólo formas de “hacerse preguntas” y de trabajar con “gente”… Me acerco a los distintos medios con igual curiosidad y respeto, e intento integrarme en las estructuras de producción en las que he tenido la suerte de participar, con idéntico compromiso personal: Siempre abierta. La experiencia en el medio teatral, por ejemplo, me ha sido muy útil en mis incursiones en el diseño publicitario, e incluso en el interiorismo. Y a la inversa… Así se aprende mucho.
¿Qué balance harías sobre tu trayectoria?
Creo que soy afortunada, y más en los tiempos que corren, por encontrar un campo tan mutante en el que desarrollar mi creatividad, y mi vida… Un medio que exige una reinvención constante, y que ayuda a prepararse para los cambios y las crisis que llegan con el tiempo… Quizás en su momento, parecía una locura dedicarse a la experimentación pedagógica y al diseño teatral. Sin embargo, su inestabilidad me ha instruido para las “no muy favorables” condiciones de hoy, y me permite mantener la esperanza de seguir adelante también ahora; apoyándome en la satisfacción de hacer algo con lo que disfruto. Más allá de reconocimientos externos.
¿Cómo surgió tu participación en La Rendición? ¿Qué has querido proponer desde el espacio?
Trabajar en el espacio escénico de La Rendición ha sido una muestra de esas oportunidades de disfrute que se pueden obtener en las ocasiones imprevistas. Un verdadero regalo que empezó como un encargo, casi un reto: el lanzado por el CDN al proponerme diseñar una escenografía sostenible para las tres obras programadas como parte del Ciclo de la novela al teatro, en la pequeña Sala de la Princesa del María Guerrero. Creo que no se había hecho algo similar antes, y ha sido un privilegio que se acordaran de mí.
Incluir La Rendición en esa propuesta global parecía complejo: Una puesta en escena ya estrenada exitosamente en el Microteatro, y que partía de un proyecto muy personal impulsado por la adaptadora del texto, Isabelle Stoffel, que también lo interpretaba. Había un importante cambio de escala y la dificultad de integrarse en un equipo ya constituido; sin embargo, la relación con Isabelle y con su director, Sigfrid Monleón, fue desde el primer momento muy fluida, y pronto encontramos, tanto Pilar Velasco, la iluminadora de todo el ciclo, como yo, nexos a partir de los cuales desarrollar el aspecto espiritual, casi místico, de una temática aparentemente muy profana. Remitir a un “espacio sagrado”, íntimo y público al mismo tiempo, fue la propuesta principal del espacio.
¿Cómo te surgieron las ideas para este proyecto? ¿Cuánto margen tuviste para crear durante el proceso?
A lo largo de todo el Ciclo, medio en serio, medio en broma, hablamos de “milagros” y “sincronías”: Las distintas influencias se conectaban con una sencillez que a veces asustaba. Como el punto de partida era aprovechar “a favor” las características de la Sala de la Princesa, y las condiciones materiales del proyecto, nunca sentí que se coartara mi libertad creativa. Además, contábamos con el apoyo del gran equipo técnico del María Guerrero, y la forma casi circular de La Princesa y la cercanía al espectador ayudaban a crear la atmósfera buscada: envolvente e inmersiva. Similar a la de los teatros anatómicos del Renacimiento italiano, y dotada de la cualidad casi táctil y sensorial característica de la arquitectura oriental, que lo emparentaba con un “espacio sagrado”.
Incluso las columnas con las que está salpicada la sala eran perfectas para remitir en esta ocasión, al ábside de un templo cristiano o al interior de una estupa budista. Rodeadas de nuestros biombos-bastidores traslúcidos, sólo tuvimos que pintarlas de los colores “adecuados”. Y estos aparecieron en una de las primeras reuniones con Sigfrid e Isabelle: En ella me contaron como Toni Benley, la autora del libro en el que está basada la obra, tenía su dormitorio enteramente pintado de dorado por el misterioso amante protagonista. Me pareció que usar el tópico del oro y el rojo púrpura podía ser interesante para crear una “sala relicario”, contenedora de memorias y recuerdos fetichizados; materializables gracias a sombras. A ambos le encantó la idea. Que Toni se emocionara cuando asistió al estreno fue un honor añadido, pero para conseguir el ambiente buscado fue decisivo que la iluminadora no sólo no se asustara ante la propuesta, sino que muy al contrario la alentara, e insistiera en las posibilidades de experimentar con la luz sobre dichas texturas. Busqué el material adecuado, e hice muchas pruebas y experimentos: añadir pan de oro al washi (papel tradicional japonés) fue un gran hallazgo… Bajo la delicada iluminación de Pilar Velasco tiene un comportamiento casi mágico.
¿En qué proyectos has participado durante el último año?
Desde mis tiempos como estudiante de escenografía, no había tenido una actividad escénica tan frenética y estimulante como la de este año. A pesar de la crisis, o quizás precisamente por ella, se están haciendo cosas… Por supuesto, no todas llegan al público, y muchas cuentan con muy pocos recursos económicos. Pero la implicación y las ganas que ponen los equipos, a veces consiguen compensar lo exiguo de las partidas presupuestarias.
Entre los que llegaron a puerto, además del espacio para La Rendición, he diseñado para el mismo ciclo del CDN, la escenografía de Atlas de geografía humana de Almudena Grandes, dirigida por Juafra Rodríguez; he colaborado con la creación de las marionetas para los audiovisuales de Los cuentos enchufados que Christina Rosenvinge presentó en la programación infantil del Día de la música del Matadero, y he participado como coordinadora del diseño del espacio escénico del Don Juan Tenorio dirigido por César Barló en el Campo de Cebada de la Plaza de la Latina.
¿Qué proyectos tienes entre manos?
Ahora estamos sumergidos en los ensayos de la última obra del ciclo del CDN: Kafka enamorado. Está siendo muy interesante, porque José Pascual, su director, lo está planteando como un trabajo en proceso, con todo el equipo implicado en los ensayos. Incluyendo el autor del texto, Luis Araujo… Se estrena a mediados de marzo.
Para después, estoy involucrada en un par de proyectos promovidos por jóvenes directores. Casualmente, ambos parten de ideas de creación y autoría colectiva; así que, de distinta forma, seguiré en la misma línea. No puedo adelantar mucho, porque aún no están del todo en marcha, y no quiero gafarlos.
Lo que si he hecho ya, es matricularme en un Máster en Redes Sociales y Aprendizaje Digital. Me gustaría, gracias a él, relacionar las estructuras horizontales de aprendizaje cooperativo que se desarrollan en las redes sociales, con mis clases de Pedagogía Teatral en la RESAD y con la práctica creativa en el teatro. Investigar sobre esto, es mi próximo gran proyecto personal. A ver si consigo encauzarlo…
¿Crees que los recortes y el aumento del I.V.A. van a afectar a los proyectos de teatro?
Los recortes y la subida del I.V.A. no sólo afectarán, sino que ya están afectando al teatro… Como el resto de las consecuencias de la crisis sistémica que nos asola. Lo hacen a la sociedad en su conjunto y a los proyectos vitales de todos sus ciudadanos, así que no podemos pretender permanecer en una isla. El teatro, como el resto de la cultura, forma, y debe formar parte, de la colectividad. En lo bueno y en lo malo… Únicamente espero que no sólo lleguen los aspectos más negativos. Quiero ser optimista, y tengo fe en que las transformaciones también pueden traer cosas buenas: Nuevas formas de trabajar, de vivir y de desarrollar la creatividad… Algo se atisba en las redes sociales y en las asambleas ciudadanas. Desgraciadamente, como en tantos otros aspectos, parece que siempre son los más débiles los más perjudicados, y muchas de esas esperanzas están viéndose frustradas.
¿Qué montaje que hayas visto últimamente, te ha interesado? ¿Por qué?
Como dije antes, creo que se están haciendo cosas interesantes y diversas. Me cuesta elegir; pero ya que tengo que hacerlo, voy a seleccionar dos que destacaron por la ambición de sus “dimensiones” y, cada una a su manera, por su riesgo. Sobre todo en el “espacio”. Ya que no se desarrollaron en ámbitos escénicos convencionales.
La primera, y aunque puede estar mal destacarlo aquí, porque participé de alguna manera en ella, es el Don Juan Tenorio 2012 del Campo de la Cebada. Pero mi colaboración como coordinadora de espacio, fue lo suficientemente despegada, como para poder valorarlo como espectadora… Me interesó la utilización de un lugar público y al aire libre, para contar una historia a través de un recorrido físico que lo vinculaba con la arquitectura pre-existente. El intento de recuperar un ritual de encuentro comunitario por medio de un texto muy popular y tradicionalmente asociado a un momento del año, la relación con el barrio en su fase de ensayos y construcción, y fundamentalmente la ilusión puesta por un equipo enorme que trabajó sin ningún tipo de contrapartida económica, pero con gran profesionalidad y dedicación. El propio proceso fue un ejemplo de cómo se puede trabajar en red, en comunidad, y ejemplifica que, como decía su director César Barló, repartiendo el trabajo y aunando voluntades, pueden hacerse grandes cosas con pocos medios económicos.
La otra propuesta está en las antípodas como producción; ya que fue una de las más costosas del año: aproximadamente un millón de euros. También se pensó para una estructura espacial poco frecuente: circular completa. Juego de cartas 1: Picas, de Robert Lepage, en el Teatro Circo Price de Madrid, fue muy criticada desde ciertos sectores. En general, puede ser comprensible no “ver bien” que, en una época como la actual, se inviertan tantos recursos en una obra que para su estreno mundial, llevado a cabo en España, ni siquiera estaba “acabada”… Sin embargo, si lo analizamos como parte de una producción en proceso, en la que salas de más de 13 países de todo el mundo, se han unido para fomentar la experimentación teatral y crear la Red de espacios circulares 360º, adquiere otra perspectiva. Esa es la mía.
¿Alguna sugerencia para seguir creando en tiempos de crisis?…
Bueno te diré lo que suelo recomendar a mis alumnos: Creo que no hay que perder la esperanza y las ilusiones. No hay que ser impaciente, ni dejarse llevar por el desaliento. Me parece que romper la mediocridad gris de la depresión social y resistir a la tiranía de los apremios es una forma de rebeldía.
Pero es difícil: Las cambios importantes llevan su tiempo, y ahora podemos estar en uno de dimensiones enormes. Mientras ocurren, “hay que seguir comiendo”, así que la mayoría estamos abocados a hacer un arte de trincheras y resistencia… Supongo que hay que cambiar de prioridades. Estoy muy orgullosa de que muchos de mis antiguos y nuevos alumnos, ahora convertidos en compañeros y maestros, sean mis guías para este viaje. El punto de vista de la gente más joven, me está ayudando a asumir las difíciles transformaciones que el nuevo paradigma cultural obliga a hacer; con su capacidad de adaptación y flexibilidad, su generosidad y su sentido del colectivo y la comunidad… Sólo instalados en la cultura de lo que está por venir y evolucionar, se puede valorar positivamente lo que nos está tocando vivir: la crisis, la decadencia, lo inacabado, lo mudable e incompleto; y podremos encontrar la belleza y el disfrute en las cosas no convencionales, sencillas, algo toscas e imperfectas. Ya que sólo dando importancia lo que tenemos cerca y dentro, podremos alcanzar las cotas más altas y lejanas; personales y profesionales. Como dice David Lynch en Atrapa el pez dorado: Las ideas son como peces. Si quieres pescar pececitos, puedes permanecer en aguas poco profundas. Pero si quieres pescar un gran pez dorado, tienes que adentrarte en aguas más profundas. En las profundidades, los peces son más poderosos y puros. Son enormes y abstractos. Y muy bellos.
Desgraciada, o afortunadamente, nos hemos quedado casi sin “pececitos”… Así que no nos queda otro remedio que buscar nuevos caladeros, aún por explorar. Para mí, la sistematización de un trabajo procesual, la búsqueda de una metodología que te permita trabajar en equipo y la aceptación de lo inevitable, sólo es una forma de ayudar a zambullirnos más al fondo, en busca de ese gran pez. Esperemos no ahogarnos en el camino.
Entrevista a CHÉVERE aprovechando su presencia en Escena Contemporánea
Balance de vuestra trayectoria…
Chévere lleva 25 anos como compañía y solo el hecho de haber llegado hasta aquí manteniendo la independencia creativa y profesional es un balance suficientemente positivo. Hemos hecho siempre lo que hemos querido, hemos hecho de todo, no nos hemos conformado con nada y hemos sobrevivido a nuestros errores y aciertos con dignidad.
¿Cómo surge el proyecto que presentáis en Escena Contemporánea?…¿De qué va la obra?…
Citizen surge en un momento de madurez creativa y estabilidad profesional como una experiencia de produción que debía ligar el funcionamiento de la compañía a una sala estable, la Nasa. Un proyecto de creación en proceso que se presentó al público a lo largo de toda una temporada. Citizen es una historia de ficción basada en un personaje real llamado Amancio Ortega, que ha construído un imperio llamado Inditex, más conocido como Zara. Esta ha sido una buena disculpa para hablar, ironizar y cuestionar los efectos de la globalización en relación con nuestras identidades individuales y colectivas.
¿Cómo fue el proceso dramatúrgico y de montaje de la obra?…
La obra se ha ido montando por partes, por episodios. Cada uno trataba un tema y se ubicaba en un momento concreto y en cada uno nos proponíamos usar un lenguaje y un tono distintos: el texto, la palabra, la imagen proyectada, el cuerpo, el humor, el melodrama, lo documental, la economía… A lo largo de una temporada se hicieron y estrenaron por separado tres episodios y al final los juntamos en una pieza completa, que es la que se presenta en Madrid.
¿Conoces la obra de otros creadores contemporáneos en España?…
Si, conocemos de primera mano el trabajo de muchos creadores contemporáneos españoles, sobre todo por nuestra actividad como anfitriones en la sala Nasa, por donde han pasado autores y compañías muy representativas de la escena más contemporánea durante casi veinte años, gente como Carlos Marquerie, Sergi Faustino, Sonia Gómez, Angélica Liddell, Rodrigo García, Legaleón-T, Olga Mesa, Colectivo 96, General Electrica, Elena Córdoba, Marcel.lí Antúnez, Konic thtr, Esteve y Ponce, F.T.I., Hnos. Oligor, Iker Gómez, La República, Cambaleo, Playground, Conservas, La Tristura… (escribiendo de memoria)
¿Qué opinas de la programación de Escena Contemporánea XIII?…
Creo que mantiene la pluralidad de propuestas, de lenguajes, miradas y procedencias que se le pide a un festival que trata la escena de creación contemporánea. Ofrece una panorámica interesante y personal de lo que se está haciendo, en la que caben con naturalidad la fría exactitud de La Veronal, el teatro juguetón del Pont Flotant, la mirada poética de La Tristura o la cruda exposición de David Espinosa, por poner sólo algunos ejemplos.
¿Qué función crees que ha de tener hoy la creación contemporánea para la sociedad en la que vivimos?…
La de ser una invitación a participar en los debates del presente ampliando la zona de juego más allá de la pura realidad de los hechos.
¿Qué os motiva o inspira para realizar proyectos que mostrar en vivo?…
Para nosotros el teatro es una manera de participar activamente en la sociedad en la que vivimos. Cada proyecto es la posibilidad de iniciar una conversación. A veces son cosas que oyes en un bar o en la calle, que lees en un periódico, en un libro o en un blog y que quieres oír en voz más alta. Otras veces son cosas tuyas que no te puedes callar. Pero siempre está la necesidad de oir a la otra parte, aquello que no solo eres tu ni los tuyos, aquello que es el público.
¿Crees que afectará mucho la subida del I.V.A. y los recortes al teatro para la escena alternativa?…
Sí. No de una manera definitiva, porque no estamos hablando de una escena que mueva mucho público en términos cuantitativos, pero si es una forma de debilitar aún más una red con mucha precariedad. Y más allá de los números, este IVA refleja la incomprensión de la clase política hacia la cultura y la injusticia con la que se trata a la creación artística en España.
¿Qué obra de teatro, danza o performance has visto últimamente?¿Qué te pareció?…
He visto dos trabajos recientes muy interesantes de dos compañías de Galicia como Berrobambán y Voadora, y uno menos interesante de la compañía madrileña Animalario.
¿Cómo ves la creación contemporánea en el lugar donde trabajas?…
En Santiago de Compostela practicamente ha desaparecido de la cartelera y es sin duda la parte más precarizada de nuestro teatro. En cuanto a programación y creación se ha pasado de una situación envidiable a un panorama desalentador, consecuencia tanto de la debilidad estructural de los agentes creativos como de una política cultural de pura rapiña. Aún nos estamos preguntando como se puede destruir tanto en tan poco tiempo, y como no pudimos defender todo lo que habíamos conseguido.
¿Alguna idea para seguir creando en tiempos de crisis?…
Crear en tiempos de crisis mola más. Todo está más cerca de uno. Por ejemplo, en nuestro caso, la crisis ha convertido en necesaria la posibilidad de hacer teatro en escaparates o en las casas de la gente, nos ha ayudado a que otros vean lo bueno que es el teatro para transformar a las mujeres en hombres por un día, o para tratar los conflictos y abiciones de un grupo de adolescentes.
¿Proyectos?…
El más inmediato es el estreno de una nueva obra, que se titula Eurozone, el próximo 22 de febrero. Será en Teo, un pequeño ayuntamiento cercano a Santiago de Compostela, que ha acogido a Chévere como compañía residente. Allí además seguimos haciendo las Ultranoites, un cabaré político sobre la actualidad, que este año girará por otras ciudades gallegas. Y entre marzo y abril seguiremos desarrollando un proyecto de teatro en escaparates que se podrá ver en Pontevedra.
¿Qué es una creación Pop?…Jorge Calvo nos lo aclara en esta entrevista.
¿Cómo surge el proyecto de LAS HUÉRFANAS?…
Miguel me paso antes de verano los dos textos que tenía escritos para ver que me parecían y este me gustó para mi desde el primer momento. Le dije que quería hacerlo y que había pensado en Jose Martret para el otro personaje porque parecía escrito para que él lo interpretara. Miguel me dijo que él también había pensado en nosotros dos y ahí decidimos arrancar.
¿Hubo ocasión durante el proceso para que se modificaseis la dramaturgia los actores al realizar la puesta en escena en La casa de la portera?…
El texto no hubo que modificarlo para hacerlo en La Casa De La Portera porque desde el primer momento me pareció perfecto para hacerlo allí. Sí se hicieron cambios durante el proceso, pero los típicos que se hacen cuando se trabaja un texto con libertad y jugando con lo que los actores aportamos durante el proceso.
¿Cómo ha sido el proceso de creación?…
El proceso de creación ha sido largo, difícil y muy enriquecedor para encontrarle el punto exácto que queríamos conseguir. No ha sido solo tarea de Miguel, que estuvo en el proceso con nosotros para hacernos entender bien como eran esos personajes, se ha conseguido un equipo fuerte para hacer lo que usualmente se llama Creación Colectiva y que yo prefiero llamar Creación Pop.
Trabajas en televisión, cine…pero siempre que puedes vuelves al teatro…¿Es importante para ti?…
El teatro me fascina, me encanta, me hace sentir muy bien, es el medio en el que más cómodo me encuentro y por eso me gusta hacer buenos proyectos, desde hace mucho tiempo nunca me conformo con cualquier cosa. Respeto mucho el teatro y aunque este haciendo otra cosa siempre vuelvo. El año pasado estaba haciendo Amar En Tiempos Revueltos y no pude renunciar a hacer al mismo tiempo Luces De Bohemia y El Inspector. Acabé agotado pero mereció muchisiiiisimo la pena el esfuerzo.
¿Qué balances haces de tus últimos trabajos como actor en teatro?…
El balance es muy positivo. Hacer De Ruben Darío en Luces De bohemia fue algo increíble, agradezco tanto a Lluis Homar que confiara en mi. Tabajar un texto de Valle Inclán es un lujo. Después estuve en El Inspector con Miguel Del Arco y fue otro regalazo. Me permitió crear e inventar un personaje que no estaba en la función y que se convirtió en el mejor de los tres que tenía que interpretar. Además el proceso con Lluis y con Miguel fue radicalmente distinto, no se puede pedir más…bueno si, hacer Las Huerfanas, y aquí estamos.
¿Cómo ha sido el trabajo con el director?…
Como te dije antes este no ha sido un proceso con un director como se hace habitualmente. Una Creación Pop, como a mi me gusta llamarlo, nace desde sitios intelectualmente complejos hasta lugares absolutamente intuitivos o espontáneos.
¿Qué función crees que ha de tener hoy el teatro para la sociedad actual?…
Yo creo que el teatro fundamentalmente tiene que ENTRETENER. Adoro la palabra ENTRETENIMIENTO. Que sea desde el lugar que sea pero que entretenga, y creo que se puede entretener desde muchos lugares y cada uno tiene que elegir el suyo. Además no todo el mundo se entretiene con lo mismo, se puede entretener desde la intelectualidad, desde la vanguardía o desde la comedia más ligera, o mezclando todo, porqué no? Y en cualquier caso lo importante es que haya una buena historia que contar porque si la hay enseguida se mueven conciencias.
¿Crees que afectarán los recortes al teatro en lo que veremos durante los próximos meses en los escenarios?…
Claro que afectaran, pero no menos que lo que ya afectan desde hace mucho tiempo. Fijate que cuando Lluis Pascual dirigió Luces De Bohemía en el año 84 para el María Guerrero en el reparto había 41 actores y nosotros el año pasado en la dirigida por Lluis Homar, también para el María Guerrro, éramos 15. Estuvimos dos meses en Madrid y no pudimos hacer gira, en cambio en la de Pascual estuvieron creo que dos ó tres años. Lo del 21% de IVA es vergonzoso y una muestra clara de lo que nuestro gobierno aprecia nuestro trabajo.
¿Te preparas de manera distinta un personaje para tv, cine o teatro?…
Todos los medios son muy distintos y todos los procesos también, no tengo una receta clara para hacer los personajes, confío mucho en los directores cuando tienen muy claro su proyecto y eso hace que tu proceso de trabajo también cambie.
¿Cómo preparas los personajes?…
A mi madre, que era una gran cocinera, cuando le preguntaban como hacía sus guisos siempre respondía los mismo, «CON LAS MANOS» jjajajjajajaj…yo te digo lo mismo, no reveló los ingredientes, aunque si te diría que sigo al pie de la letra lo que me enseño Yolanda Monreal, mi profesora de interpretación, que siempre decía que lo más importante era La Observación.
Háblanos de QUÉ MARAVILLA!…¿Para cuándo una próxima?
Que Marávilla es un gran show de cabaret underground que dura varias horas y que hago cuando me apetece. Es un Espectáculo que he hecho 10 veces en tres años y que cada vez es completamente distinto. Define todo lo que yo soy,lo que me gusta y en el soy absolutamente libre. Tengo la suerte de contar con unos colaboradores de lujo, desde Jose Martret que es parte fundamental e inspiración creativa hasta un moton de artistas que han pasado por el escenario de Laydown( el local donde se representa). Desde Loles León, Alaska. Hugo Silva, Chevy Muraday, Concha Cuetos, Asier Etxeandía, Vivían Caoba, Diabeticas Aceleradas y un montón de artistas desconocidos y otros Undergound. Prometo hacer una pronto e invitarte.
¿Proyectos?…
Proyectos hay, en breve empiezo a ensayar LA CHUNGA de Vargas Llosa dirigida por Joan Ollé para el Teatro Español de Madrid.
Pilar Gómez nos habla sus experiencias como actriz
¿Cómo surge el proyecto Mejorcita de lo mío?…¿Qué evolución ha tenido durante el tiempo que lo llevas representando?…
El proyecto surge de una inquietud personal, de una pregunta que me hacía a mí misma sobre mi profesión. Ya me sentía capaz de ponerme al servicio de lo que un director quería contar con un determinado texto, pero tenía ganas de descubrir qué contaría si fuera yo la que contara y con qué lenguaje. Yo me formé en una escuela (Instituto de Teatro de Sevilla. CAT) donde se potenciaba mucho el actor como creador y después de unos años trabajando profesionalmente, tenía ganas de investigar un poco en esta línea. Y Tenía también una necesidad de contar cosas, aunque lo que tenía era un batuburrillo sin mucha forma. De ahí que el encuentro con Fernando fuese fundamental, tanto como motor, como en la aportación de ideas, como para darles forma, como para compartir y descubrir desde donde queríamos hablar.
La evolución del espectáculo ha sido la natural de asentarse y coger firmeza. A base de hacer, cada vez he encontrado más comodidad en algunas zonas del show, otras han crecido y han mejorado y otras van y vienen, las encuentro y las desencuentro. Lo mejor de este espéctaculo es que la estructura funciona tan bien (y eso es labor de direccion sin duda) que incluso cuando estoy más “desencontrada” funciona.
¿Hubo ocasión durante el proceso para que aportases ideas en la dramaturgia y la puesta en escena?…
Claaaaaaaro!! El proceso entero fue aportar ideas y traducirlas a lenguaje del escenario. Este es un proceso en el que se escribe desde el escenario. El actor improvisa sobre una idea y de ahí se rescata lo más interesante y se sigue trabajando, así poco a poco se va creando el texto y la estructura. Y con la puesta en escena igual, un intercambio de ideas entre Fernando y yo. Por eso subtitulamos el espectáculo como “una conversación de Fernando Soto y Pilar Gómez”, porque el proceso lo fue. Y ha sido uno de los procesos más fluidos y bonitos hasta ahora en mi trayectoria profesional.
¿Hay algún referente técnico o artístico del que has partido para crear este trabajo?…
Muchos. Recuerdo que tuve un momento en que no paraba de ver monólogos. Me sirvieron como referentes un monólogo que hizo Marta Belenguer que no recuerdo el título, por su forma de estar en el escenario y lo directo y sencillo de su lenguaje. También recuerdo a Esteve y Ponce por el ingenio y la plasticidad, a Cristina Medina y su Solala como clown, que para mí es un lenguaje fundamental del actor… y me ayudaron mucho cursos como el de Guillermo Weickert y el de Will Keen, donde descubrí perlitas que se incluyeron en Mejorcita.
¿Cómo fue el proceso de creación durante los ensayos?…¿Ha habido cambios durante las funciones?…
Creo que te lo he contestado entre la primera y la segunda pregunta. Ha habido cambios en las funciones en cuanto a que la obra ha rodado mucho y ha ganado y crecido, pero en general es el texto con el que empezamos y es un texto fijo que admite alguna zona de improvisación puntual, pero es simempre el mismo texto y estructura.
¿Qué balance haces de tus últimos trabajos como actriz en teatro?…
Con Mejorcita llevamos seis años y para mí ha supuesto, sobre todo mi madurez profesional, que no es poco. Durante estos seis años sólo ha parado un año y medio por mi maternidad. En estos seis años me he enfrentado a otros proyectos como María Estuardo dirigida por Pedro Alvárez Ossorio y Nuestra Señora de las Nubes dirigida por Balbino Lacosta. En general, me gustaría trabajar con más fluidez en otros proyectos y conocer más formas de trabajo con otros directores pero el tiempo dirá.
¿Cómo preparas los personajes?…¿Usas algún método?…
Pues cada trabajo requiere de algo distinto. Yo no aspiro a tener un método cerrado que resuelva mi forma trabajar o de enfrentar un personaje, no lo necesito, prefiero estar abierta e ir sumando lo que sienta que voy encontarndo y que me vale. En general podría decir que para mí el 90% de esta profesión se resuelve teniendo ganas de jugar a eso que se propone en el escenario. Pero jugar DE VERDAD. No soy muy usuaria de los métodos psicologistas, me parecen poco útiles en escena, prefiero estar atenta y con muchas ganas de comunicar aunque sí considero que un actor debe conocerse y saber poner en uso sus recursos puesto que somos nuestro propio instrumento.
¿Qué función crees que ha de tener hoy el teatro para la sociedad en la que vivimos?…
Pues no sé si tiene una sola. Creo que tiene muchas. Para mí cumple la función de compartir y comunicar experiencias o historias, la de conmover (mover en algún sentido) al espectador, la de encontrarnos en directo para CONTAR. Pero creo que también tiene una función muy necesaria de entretenimiento y evasión, y de ser capaz de remover y hacer reflexionar a la gente (desde lo más personal a lo más político). Creo que todo cabe en el teatro y eso lo hace grande.
¿Crees que afectará mucho la subida del I.V.A. y los recortes al teatro?…
Ya ha afectado. Una pena y un dolor. Supondrá un desastre para el teatro de pequeño formato, ese que no puede cobrar una entrada de 25 euros. Se seguirá haciendo porque esta profesión es una pasión pero no podremos comer de nuestro trabajo que es lo que dignifica nuestra profesión, entre otras cosas. Pero es un tipo de teatro donde los políticos obtiene pocos titulares y se pueden poner pocas medallas así que… interesa poco. Pero vivo seguirá. Sólo que con más hambre.
¿Qué obra has visto últimamente que te haya interesado?¿Por qué?…
No veo demasiado teatro últimamente porque o lo estoy haciendo yo, o esa hora es un lío para mí con una hija pequeña. Me interesa mucho Alfrezo Sanzol y lo que cuenta y cómo lo cuenta, su sentido de la estética en el escenario y su poética. Me interesó especialmente “Delicades” que dirigió para una compañía catalana y “Sí, pero no lo soy”. Hace ya un tiempo…“La Omisión de la familia Coleman” me fascinó.
¿Proyectos?…
Ahí estamos, intentando sacar algo nuevo con Ignacio Mateos y dirigido por Chiqui Carabante, pero estamos tan en el principio que no sé si mejor ni nombrarlo para que salga.
Edgar Chías, autor de Ternura suite, nos habla de Dramaturgos mexicanos aprovechando su presencia en Escena Contemporánea
Balance de vuestra trayectoria…
Dramaturgos Mexicanos es una asociación de artistas que lidera Beatriz Luna. Desde ahí, hemos producido dos espectáculos: Historias de una hiena vacía bajo la dirección de Alberto Villarreal en 2007 y Ternura suite bajo la dirección de Richard Viqueira en 2011, dos emisiones de un festival de semi montados (o lecturas en espacio) de obras de autores dramáticos mexicanos de última generación (2005 y 2006) y hemos traducido un volumen de obras del autor brasileño Samir Yazbek (Libros de Godot, 2012) y Nuevos territorios del diálogo (Paso de Gato, 2013) del investigador francés Jean-Pierre Ryngaert. La intención de este grupo es lanzar espectáculos poderosos asociando algunos de los creadores mexicanos más interesantes (nacional e internacionalmente) y realizar actividades que fomenten el desarrollo de la dramaturgia mexicana, estableciendo diálogos con el mundo.
Kraken teatro es una compañía liderada por Richard Viqueira, quien es uno de los directores de escena mexicanos más destacados de su generación. Sus espectáculos han sido de alto impacto en el país. Se caracterizan por el riesgo físico (en el sentido deportivo, incluso de alto riesgo) que asumen los actores. Destacan, en su repertorio Vencer al sensei (2007), El evangelio según Clark Kent (2009), Por favor no mande riñones por correspondencia (2010) y Ternura suite (2011). Recientemente han incursionado en los circuitos internacionales con El evangelio (EU, 2010) y Ternura suite (ahora, aquí).
Yo soy autor dramático, tengo una cátedra en la Universidad Nacional Autónoma de México (UNAM) y también traduzco, actúo, dirijo y hago gestión cultural (desde 2003 realizo un festival de nuevas escrituras en México). Mi obra ha sido traducida y publicada en griego, francés, italiano, alemán e inglés. He dado a conocer algunas de mis obras en el Piccolo Teatro de Milán, la Schaübhune de Berlín, el Centro Dramático Nacional de Madrid y el Royal Court Theater de Londres (entre otros). Actualmente tengo en cartelera en la Ciudad de México la obra Disertaciones sobre un charco.
¿Cómo surge el proyecto que presentáis en Escena Contemporánea?…¿De qué va la obra?…
Este fue un proyecto que diseñó Dramaturgos Mexicanos. Teníamos muchas ganas de entablar una colaboración con Kraken Teatro, así es que comenzamos a planearlo desde 2010. Ternura Suite es una obra que escribí en 2006 con la intención de discutir de forma directa y práctica la violencia sistemática que se adueña de todos los ámbitos y gestos de la comunidad en mi país. Con la obra me propuse un acontecimiento que debía suceder en un recinto no teatral. La idea es poner en crisis el sistema de representación estatal. En todos sentidos. Su representación política lleva colapsando más de 18 años y promete ponerse peor. Pero la forma en que las instituciones del estado conciben al teatro es algo que debe quebrarse también. Por eso pensamos en todo lo que no es políticamente correcto y lo efectuamos, pero con un sentido. El de reflexionar sobre la corrupción del tejido social. De paso, quisimos abrir un boquete para que por él escaparan de la demasiada quietud nuestro espectáculo y sus actores. La obra se hizo en sótanos y bodegas aledaños a los edificios teatrales. La institución se puso en jaque, con lo que logramos muchas cosas, creo yo. En principio, que les quede claro que es la comunidad organizada la que dicta las reglas, no la institución, porque la institución está para garantizar los intereses de la comunidad y no viceversa, cosa que parecen haber olvidado los funcionarios culturales (y en todos los niveles). El teatro, su práctica, dicta la norma y los caminos, no los recintos ni las programaciones que pretenden que todo suceda sin sobresaltos, sin desajustes. Lo que pasa es que las instituciones (en todos niveles) quieren ciudadanos obedientes. Nosotros queremos ciudadanos disidentes, vivos, reflexionando, e instituciones a su altura, a la altura de una comunidad que se mueve, que se transforma. Ternura suite ha sido un escándalo en México. Ha puesto en crisis todo. Los límites de la teatralidad, de los permisos sobre lo que debe hacerse, la relación del espectador con el espacio público, la ética del actor y del director, la idea del riesgo en la escena. Todo lo ha cimbrado. Tuvimos varias pequeñas temporadas en la Ciudad de México desde 2011. Nos presentamos en un par de ciudades antes de llegar en 2012 a la Muestra Nacional de Teatro que organiza la Coordinación Nacional de Teatro. Y ahora estamos aquí, en Escena Contemporánea. La obra, a nivel de historia, es muy sencilla: Un intruso abusa de su anfitrión obligado (lo fuerza a recibirlo, en todos sentidos). Esta línea fabular simple nos da pretexto para reflexionar un poco sobre la desigualdad y la violencia a que obliga.
¿Cómo fue el proceso dramatúrgico y de montaje de la obra?…
Como te decía, la obra se escribió en 2006. En 2010 hice una revisión y llegué a la versión que se ha publicado, que es cercana a la que se puso en escena. Digo que es cercana porque Richard Viqueira quiso usar una de las versiones primarias de la obra, y desde luego que hubo algunos ajustes sobre la puesta en escena. El montaje partió de la idea de reducir al máximo la simulación y el simulacro. Partió de la idea de realizar en escena acciones reales. Partió de la idea de evidenciar el «montaje» de la violencia. Una especie de paradoja: las acciones que se ejecutan en la performance son reales, pero se evidencia que tal violencia está «producida», que es intencional. Un poco para señalar la intención del estado, su indiferencia intencionada en torno a la desigualdad, al derecho al no derecho.
¿Conoces la obra de otros creadores contemporáneos en España?…
Me interesan Angélica Lidell, Juan Mayorga, Sergi Belbel, Paco Bezerra, Pau Miró. Me interesa lo que crea en España Rodrigo García. Quiero conocer a La Tristura y a Animalario.
¿Qué opinas de la programación de Escena Contemporánea XIII?…
Se mira muy interesante. Me habría encantado poder ver toda la programación. Lo interesante de eventos como este es la reunión de creaciones que se desarrollan desde la divergencia, la pluralidad, lo anómalo. Te hacen sentir menos solo. A mí me toca mirar una parte reducida de la programación general.
¿Qué función crees que ha de tener hoy la creación contemporánea para la sociedad en la que vivimos?…
En México, en donde todo está perdido o por perderse, la creación contemporánea ha de servir para restablecer el tejido social que la política contemporánea y las economías delincuentes están desgarrando. Creo que el teatro contemporáneo en México debe recuperar las antiguas misiones del teatro: la educación y la civilización de las comunidades, porque a nadie le importan. La creación contemporánea en México puede prestarle estructuras de orden a la realidad que se ha derrumbado. Puede ser una actividad que garantice la participación de las personas en algo constructivo, que le de sentido a las asociaciones, a las reglas, a las personas. Que demuestre el valor de las acciones. La creación contemporánea puede ser el espacio de reflexión en un país desastrado.
¿Qué te motiva o inspira para realizar proyectos que mostrar en vivo?…
La acción transformadora. Saber que luego de hacer algo, ya nada puede ser lo mismo. Ya no puedes ser el mismo luego de actuar. Eso me pasa. Estoy convencido que ese es el sentido de las artes escénicas -para mí-. Hacer, transformar. Mirar y vivir el cambio. En todos los sentidos.
¿Crees que afectará mucho la subida del I.V.A. y los recortes al teatro para la escena alternativa?…
En México hay un gesto muy poderoso hacia la cultura en general y hacia el teatro en particular. Todo se vende. Todo lo que vende demuestra su sentido y utilidad, en la lógica de los pobres demonios que tenemos en los puestos políticos que administran nuestra desgracia. Esos pobres bufones no entienden de cultura. Para ellos el arte es lo que ven en la televisión. Tenemos un presidente que difícilmente sabe leer. Así es que la cultura no solo no les interesa sino que los asusta porque los desafía, es un espacio que los amenaza, así es que atentan decididamente contra él. El teatro independiente está bajo amenaza. El estado dedica recursos para el teatro, pero para el privado (porque en él reconocen a los actores de la televisión). Del otro saben lo mismo que de astrofísica. Nosotros comenzamos el año con el anuncio de un recorte presupuestal importante a la cultura. Cuando se enteren de que eventualmente se usan libros en el teatro, quizá los prohiban. Te digo que las letras y las ideas no se le dan a nuestros dirigentes. ¿Es parecido por acá?.
¿Qué obra de teatro, danza o performance has visto últimamente?¿Qué te pareció?…
Hasta hoy no he podido ver cosas en España. Trataré de ponerme al corriente en los pocos días que dura mi estancia.
¿Cómo ves la creación contemporánea en el lugar donde trabajas?…
Con fuerza. Mucha fuerza de parte de los creadores. A pesar de la torpeza, la indiferencia, y a veces la decidida idiotez de los funcionarios de cultura, en México estamos viviendo un momento muy brillante para las artes escénicas. El año pasado estuvo en Escena Contemporánea Lagartijas tiradas al sol, una estupenda compañía mexicana. Así como ellos, hay una importante cantidad de compañías, de creadores, de autores y actores que no se veía en muchos años, no con este brillo ni con esta abundancia.
¿Alguna idea para seguir creando en tiempos de crisis?…
Estamos un poco acostumbrados. Así lo hemos hecho desde hace años y así seguiremos bastantes más. Creo que la estrategia es la obstinación y la táctica la asociación hormiga.
¿Proyectos?…
Muchos:
-Una obra concierto. Es una historia de familia casi griega de tan negra. Lo tiene todo. Todos los excesos. Pero, han de contarla tres actrices y un músico en escena. Con canciones y todo, pero no es un musical en el sentido que conocemos.
-Una instalación en recintos de museos. Diseñaremos un dispositivo que se pueda operar varias veces a la semana, a ciertas horas, pero que quede a solas y que se baste a sí misma cuando los asistentes lo experimenten sin la intervención de los performers. No es teatro, no es concierto, no es una instalación con audiovisuales. Es todo eso, pero con chatarra y Bertolt Brecht. Los procedimiento son el azar y el reciclaje.
-Un texto sobre la desaparición de las lenguas originales.
Shintaro Hirahara nos habla de Shun Project aprovechando su estancia en Madrid donde han presentado el proyecto «Recuerdo» con Carmen Werner
¿Cómo surge el proyecto de Recuerdo?…¿Cómo se realiza la co-producción España-Japón?
He permanecido en contacto con Carmen desde que nos conocimos, en 2004, y he participado en las obras que ella ha creado en Japón.
En 2012 se me ocurrió la idea de empezar algo nuevo en Japón. Parecía natural pensar en un proyecto con Carmen y ella estuvo de acuerdo en crear una pieza en colaboración. Eso es lo que pasó.
¿Cómo ha sido el proceso de creación?¿En qué medida habéis participado los bailarines en la dramaturgia y la puesta en escena?…
En un principio Carmen me dio el título: Recuerdo. Yo le envié un vídeo con sugerencias de movimientos en respuesta a esa palabra. Ya con Carmen en Japón, los bailarines improvisaban y sugerían ideas durante los ensayos, de las que Carmen elegía elementos que incorporaba para desarrollar la estructura de la pieza.
¿Cuál es la trayectoria de Shun Projet?… ¿Tiene un estilo definido?…
«Shun-Project» es una compañía con sede en Hokkaido, la parte norte de Japón, compuesta por tres bailarines, una fotógrafa y un músico. Funciona en proyectos ocasionales. Su estilo es único en el uso de la fotografía en las artes escénicas y nuestras actuaciones tienen un ambiente muy vivo.
¿Colaboráis habitualmente con otros creadores como en el caso de Carmen Werner?…Como Shun Project es la primera colaboración con otros artistas. Shintaro Hirahara sí ha colaborado a título individual con coreógrafos y bailarines extranjeros como Alessio Silvestrin, Shintaro Oue o el artista residente en Nueva York Midori Harima.
¿Cómo es la danza contemporánea en Japón?…¿Tiene apoyos estatales y por parte del público?…
La danza contemporánea está considerada en Japón un género menor. Tuvo un momento álgido entre finales de los 90 y 2005 y parece que se ha estabilizado. Uno de los motivos es que sólo existe una compañía residente financiada por un gobierno local. Existen becas gubernamentales pero exigen mucho papeleo y es complicado acceder a ellas. A causa de esto, las becas están limitadas a compañías consolidadas que disponen del personal administrativo especializado, por lo que parece que existen menos opciones para artistas jóvenes y compañías pequeñas.
¿Qué idea se tiene, culturalmente de España, en Japón?…¿Se conoce algo más que el flamenco?…
Creo que en España existe mucha madurez en el terreno de la cultura artística. Existen muchos artistas muy conocidos, como Gaudí, Picasso, Dalí o Goya. También son famosos en Japón. Las culturas de España, como los bares, el jamón serrano, el vino o los equipos de fútbol, son familiares para la gente de Japón. Allí hay muchos aficionados a la comida y los equipos de fútbol españoles. España y Japón mantienen relaciones diplomáticas desde hace mucho tiempo, por lo que en Japón existe una sensación de afinidad con España. Pensamos que la gente aquí es simpática, amable y apasionada. Por la gran distancia geográfica que nos separa, no es fácil para los japoneses venir de visita a España y esto hace que sea uno de los países a los que los japoneses más anhelan viajar.
¿Has visto algún espectáculo en Madrid?¿Qué te pareció?…
Es my típico pero he ido a los museos y me ha conmovido la originalidad y singularidad del arte español. Creo que los artistas españoles tienen un sentido muy fuerte de lo humano.
¿Conoces la obra de otros creadores de danza contemporánea en España?…
Daniel Abreu es un bailarín en el que estoy realmente interesado. Estoy deseando poder ver su trabajo en Japón algún día.
Conozco a bailarines españoles como Jone San Martín y Ander Zabala, de la compañía Forsythe.
¿Qué referentes internacionales tienes en la danza contemporánea?…
Me remito a los diseños escénicos de ROSAS y aprendo de las construcciones ambientales de las piezas de Peeping Tom.
¿El I.V.A. para la cultura, en Japón, es tan elevado como en España?…
No existen impuestos a las artes. Sin embargo, las entradas para las artes escénicas son muy caras y creo que ésta es la razón de que la partida para programas culturales en los presupuestos gubernamentales sea inferior al 1%, tan solo el 0,11%. En Japón, el precio medio de una entrada para una función de ballet clásico es 80 euros, 30 euros para danza contemporánea y 60 para teatro. Para una persona normal, es imposible ver actuaciones a diario. No hay impuestos pero las entradas son caras incluso para los museos o teatros tradicionales japoneses, como Nou o Bunraku. Esto reduce las oportunidades de que la gente aprecie el arte. El resultado es la disminución del interés de la gente por el arte en Japón durante los últimos 20 años. Parece que hay una marcada decadencia en comparación con otros países desarrollados. Si en España continúa el aumento de los impuestos a las artes, el interés de los españoles por el arte también podría verse afectado.
¿Proyectos?…
Como Shun Project nos gustaría hacer exposiciones de fotografía, aunque no hemos decidido las fechas todavía. Como Shintaro Hirahara produzco y organizo actuaciones con el nombre de OrganWorks. Mostraré mis nuevos trabajos en marzo, abril, junio y septiembre. Además, apareceré en un programa de televisión de la NHK(Japan Broadcasting Corporation) el 1 de enero.
30 años de Teatro SANPOL
¿Cómo surgió el proyecto de La Bicicleta y San Pol?
El Teatro Sanpol y la Compañía La Bicicleta, surgen del la complementación y el esfuerzo de dos compañías dedicadas al Teatro para niños, “Coktail Teatro Pirata” y la “Compañía Chirimbolo”.
¿Cuáles son las premisas para seleccionar los proyectos de la Compañía/Sala?
Ambos están unidos ya que el equipo de gestión tanto de la compañía como el de la sala es el mismo. Siempre hemos pensado y cada día más en producir espectáculos de calidad y que sean para toda la familia.
¿Qué balance haces de estos años de existencia de la Sala/Compañía?…
Totalmente positivo. La producción de 37 espectáculos, el trabajo de 1230 actores y técnicos, la presentación de 415 espectáculos de 225 compañías. La visita de más de 3.000.000 de espectadores son para nosotros la mejor tarjeta de presentación de la actividad desarrollada durante estos 30 años.
¿Qué evolución ha habido en la Compañía a lo largo de las diferentes producciones realizadas últimamente?
Desde las primeras obras que pusimos en escena donde teníamos una gran participación activa de los espectadores, a las producciones de musicales de hoy en la que hemos incorporado a los mejores creadores de las diferentes áreas del teatro, y que algunas de ellas han recibido premios y nominaciones a las propuestas realizadas.
¿Es importante tener unos colaboradores habituales en el equipo artístico y técnico?.
Es fundamental. Por esta razón hay escenográfos y vestuaristas, iluminadores y técnicos de cabina que participan de nuestro trabajo desde hace 25 años.
¿Participan del proceso de creación?
Cuando iniciamos el trabajo de selección de una nueva producción, generalmente hasta dos años antes de su estreno, la incorporación de las diversas artes se van incorporando a medida que el proyecto lo solicita y mantienen durante todo el periodo de producción una participación muy activa.
¿Os ayuda tener un espacio estable de trabajo para realizar los procesos de creación?.
El tener la sala de exhibición y la posibilidad de utilizar el escenario o el hall del entresuelo del teatro nos permite una gran libertad para planificar ensayos sin molestar a las representaciones. Esto también es el producto de que con un año de anticipación, y a veces mas, ya tenemos planificada nuestra programación.
¿Se trabaja así con menos presión en una ciudad como Madrid?…
Naturalmente por todo lo que te hemos expuesto en el punto anterior. El hecho de ser libres para decidir que producir, como hacerlo y poder decidir la utilización de tu tiempo sin presiones externas hace mucho mas fácil el trabajo. Esto no exime a que en los últimos 15 días previos al estreno todo se acelere como en cualquier montaje teatral.
¿Cómo es el trabajo con el equipo artístico durante los procesos?…¿Hay una línea ética y estética en la Compañía?.
La ética ante el público para el cual realizamos nuestro trabajo es fundamental. Tenemos un máximo respeto por nuestros espectadores y por nuestro trabajo. Y en cuanto a la estética nos hemos ido adaptando a los tiempos. Treinta años nos han permitido incorporar nuevas formas de presentar nuestros espectáculos y de tener un bagaje amplio de experiencias para incorporar al proceso de creación artística. La flexibilidad del equipo han permitido enriquecer las diversas expresiones artísticas utilizadas durante estos años.
¿Se pueden realizar propuestas combativas y alternativas para el público familiar en estos tiempos de crisis?.
Se pueden hacer. Acabamos de presentar a una Compañía Chilena que ha presentado un espectáculo totalmente distinto a los que nosotros mostramos habitualmente. El público que asistió lo tomo como lo que realmente era, un espectáculo diferente dentro de la programación habitual de Sanpol.
¿Qué apartados pedagógicos y teatrales tiene la sala?.
El teatro es de por si una experiencia fundamental en la vida cultural de cualquier espectador. El teatro le ofrece al niño ampliar con su imaginación todo aquello que la escena y los personajes les entregan. En las funciones que realizamos para niños y adultos invidentes, con el apoyo de la O.N.C.E., esto se ve multiplicado al infinito. Son magnificas las versiones que estos niños o adultos expresan a los actores en los coloquios que solemos realizar al final de las representaciones. Sus preguntas, sus opiniones a los actores que ellos ven como personajes te dejan muchas veces con la boca abierta. Y esto que ocurre con estos niños, en nuestra opinión, es lo que ocurre con el público en general que asiste a nuestros espectáculos. Creemos que nuestro espacio es mágico, un teatro que a las 10 de la mañana tiene sus luces de la calle encendidas. Que les ofrece un espectáculo atractivo, que les permite soñar antes de volver a su realidad cotidiana. Hace que allí encuentren todo lo pedagógico que tiene el teatro en general. Además para complementar el trabajo de los profesores entregamos al final de las representaciones una ficha didáctica, realizada por profesionales, que les permita globalizar en diversas áreas todo lo que acaban de vivir.
Programáis espectáculos de otras compañías…¿Es necesario para sobrevivir en estos tiempos?.
Programamos otras compañías para dar una diversidad a nuestra programación. Generalmente lo hacemos en la “Campaña Escolar” ya que nuestro público espera los fines de semana producciones de nuestra Compañía La Bicicleta.
¿Qué proyectos tenéis para los próximos meses?.
La crisis nos ha obligado a ampliar nuestra programación en un horario nocturno. Por lo cual estamos preparando una programación familiar que no rompa con la tradicional exhibición de Sanpol.
¿Crees que los recortes y el aumento del I.V.A. van a afectar a los proyectos de teatro en el futuro?..
Rotundamente si. Sin duda no podremos este año y el próximo por lo menos, producir espectáculos de gran envergadura. Serán obras con menos personajes, con la utilización de los recursos técnicos que tenemos y naturalmente con la disminución de contratación de actores y técnicos.
¿Qué montaje que hayas visto últimamente, te ha interesado?¿Por qué?
La producción de ”Tom Sawyer” que se represento hace unos días en Sanpol pienso que es una apuesta diferente en el actual panorama del teatro para niños. Dos actores con una gran disciplina artística, con un texto preparado por ellos mismos, con la utilización de materiales de reciclaje para realizar la escenografía y unos muñecos muy útiles a la escena. Nos ofrecieron un producto que los niños supieron apreciar y realizaron reflexiones muy interesantes en las representaciones que se recrearon para colegios. Una apuesta valiente sin grandes medios técnicos pero con una gran carga intelectual. Te mencionaría también nuestra actual puesta de “La isla del tesoro” un musical con mucha fuerza actoral y de medios técnicos en contraste con el espectáculo anterior.
Rodolfo Cortizo reflexiona sobre la trayectoria de La pajarita de papel y la función de La Puerta Estrecha
¿Cómo surgió el proyecto de La Pajarita de Papel? ¿Cuáles son las premisas para seleccionar los proyectos de la Compañía?
A finales de 1982, un grupo de personas que veníamos de distintas experiencias sentimos la necesidad de agruparnos en un colectivo y con un texto de teatro infantil que yo había escrito un tiempo atrás comenzamos la andadura en 1983. Las premisas para seleccionar los proyectos han ido cambiando algo en todos estos años, pero siempre tuvimos muy claro que nos interesaba el teatro de texto y así fuimos transitando por distintos autores y casi inmediatamente nos interesamos sobremanera por las autoras que notábamos que estaban como si alguien las estuviera escondiendo y con el tiempo abordamos textos de Djuna Barnes, Sylvia Plath, Marguerite Duras, etc. y textos de compañeras que integraban la compañía como Concha Roales Nieto y Eva Varela Lasheras.
¿Qué balance haces de estos años de existencia de la Compañía?
El balance es altamente positivo. En estos 30 años de existencia hemos aprendido uno del otro y hemos crecido artísticamente en una retroalimentación permanente. Obviamente ha habido épocas de crisis muy malas pero también de esas experiencias salíamos fortalecidos porque siempre ha habido algún integrante de la Compañía que tiraba para adelante y nos alentaba para seguir en el teatro que queríamos hacer como una actitud frente a la vida.
¿Qué evolución ha habido en la Compañía a lo largo de las diferentes producciones realizadas últimamente?
La evolución ha sido artística y personal. Fuimos siendo cada vez más conscientes de nuestras limitaciones y con esas limitaciones hemos ido trabajando hasta transformarlas, poco a poco, en una manera de hacer y decir sobre un escenario.
¿Es importante tener unos colaboradores habituales en el equipo artístico y técnico? ¿Paricipan de proceso de creación?
Yo diría que más que importante, es indispensable. Uno va creciendo artísticamente porque, entre otras cosas, los integrantes de la Compañía también van creciendo artísticamente y en ese ir y venir vas amalgamando conceptos, ideas, maneras de ver las cosas, que poco a poco se transforman en acciones sobre el escenario y así vas construyendo la obra que estás montando, participando toda la Compañía en el proceso creativo a veces de manera dispersa, a veces de manera muy clara, pero siempre manteniendo la constancia y sobre todo la coherencia y aquí sí lo personal cuenta mucho porque la dinámica que se va creando es de todos y no sólo del director.
¿Os ayuda tener un espacio estable de trabajo para realizar los procesos de creación? ¿Se trabaja así con menos presión en una ciudad como Madrid?
La Puerta Estrecha, nuestra casa artística, es fundamental, yo agregaría que vital, para nuestras creaciones. Ten en cuenta que al montar en tu propio espacio, éste también cuenta porque te va hablando y a veces es complicado escuchar lo que nos va diciendo, pero a medida que el trabajo va creciendo se va adaptando a las necesidades que nos plantea nuestra casa y así vamos avanzando. Es una relación muy dialéctica, de ida y vuelta, pero sobre todo afectiva. La Puerta Estrecha es un integrante más de la Compañía.
¿Cómo es el trabajo con el equipo artístico durante los procesos? ¿Hay una línea ética y estética en la Compañía?
A menudo parece muy caótico si alguien lo mira desde fuera, pero nosotros hemos ido aprendiendo que es una manera de no dejarnos nada dentro de cada uno. Vamos proponiendo cantidad de cosas durante los ensayos y aunque a veces uno cree que es una tontería, también lo dice. Es una manera de que no se te conviertan en fantasmas que te vayan impidiendo el avance. A veces los ensayos van en zigzag, muchas veces para atrás, pero llega un momento en que todo eso se va puliendo, filtrando y vamos encontrando un camino que comienza a convencernos de que estamos yendo hacia delante. Es evidente que con el trabajo que hemos venido desarrollando en estos 30 años, la línea ética y estética está presente, no la ocultamos, al contrario, la reivindicamos.
¿Se pueden realizar propuestas combativas y alternativas en estos tiempos de crisis?
Las propuestas combativas y alternativas siempre se pueden hacer, no sólo en tiempos de crisis. Nunca hemos sido oportunistas para acomodarnos a los tiempos y que los trabajos tengan más repercusión por una determinada situación social o política. Nos damos la libertad de decir sobre un escenario lo que en ese momento tenemos necesidad de decir y lo mostramos.
¿Cómo surgió la idea de La Puerta Estrecha? ¿Qué apartados tiene la sala? ¿Qué balance haces del espacio?
Alrededor del año 2000 con Eva Varela Lasheras, integrante de la Compañía hace ya casi veinte años, nos planteamos la necesidad del espacio propio y así surgió La Puerta Estrecha en el año 2004. Tanto Eva como yo somos las cabezas más visibles de La Puerta Estrecha y codirigimos el espacio, pero es innegable e indudable que todos los integrantes de la Compañía apuntalan y conforman La Puerta Estrecha. Sin el trabajo de todos, y te puedo asegurar que hay momentos muy duros de superar, La Puerta Estrecha no podría existir.
Trabajáis también más allá de Madrid… ¿Es necesario realizar giras para sobrevivir?
Vamos a trabajar y mostrar nuestros montajes adonde nos llaman. Las giras ayudan y hay que hacerlas pero hace unos pocos años que cada vez son más difíciles de realizar, al menos para nosotros. No sólo por lo económico, porque cada vez se van pagando menos los bolos, sino y sobre todo, por el desparpajo, por no decir la insolencia de muchas instituciones que pagan, con suerte, a un año vista. También somos conscientes que por nuestras propuestas teatrales muchas veces los responsables de la programación teatral no quieren correr riesgos y recurren a la fórmula simplista de: “la gente de aquí no está preparada para ver ese espectáculo”. ¿Quiénes se creen que son todos esos programadores que impiden que la gente pueda tener opciones y decidir qué tipo de teatro les interesa más?
¿Qué proyectos tienes entre manos?
Como buen teatrero que eres, Adolfo, sabes que hablar de proyectos futuros a veces tiene su riesgo. Hay varias cosas pero todavía no están decididas.
¿Crees que los recortes y el aumento del IVA van a afectar a los proyectos de teatro en el futuro?
Lamentablemente creo que sí y mucho más de lo que se piensa. Nos enfrentamos a una realidad cada vez más dura. Los gobiernos de los países, de los estados, se han transformado prácticamente en algo así como gendarmes que sólo están para garantizar la seguridad interna de los países y los estados. El resto ha caído en manos de Davos y sus secuaces. Pero no nos podemos resignar, habrá que seguir caminando y exigiendo que las decisiones importantes y que afectan profundamente a la gente estén en manos de la gente.
¿Qué montaje que hayas visto últimamente, te ha interesado? ¿Por qué?
Puedo ir poco al teatro, sobre todo porque La Puerta Estrecha nos tiene casi todas las noches sobre el escenario. Pero lo último de La Zaranda me ha conmovido, como siempre lo hacen esos creadores. La coherencia y la calidad artística que tienen es extraordinaria. Desde mi punto de vista, una de las mejores compañías teatrales que se pueden ver en cualquier parte del mundo.
Entrevistamos a Marta Fernández Muro mientras representa en La casa de la portera
¿Cómo surge el proyecto de UN PASADO EN VENTA?…
Porque quiero escribir un monólogo para interpretarlo yo. Y lo llevo a cabo.
¿Hubo ocasión durante el proceso para que se modificase la dramaturgia al realizar la puesta en escena en La casa de la portera?…
Tengo 3 o 4 versiones del monólogo. La última versión se adecuó especialmente para «La casa de la portera».
¿Cómo ha sido el proceso de creación?…
No sé explicar un proceso. Empiezo sabiendo lo que quiero contar y luego lo voy desarrollando. En la puesta interviene la dirección y el proceso se desarrolla conjuntamente.
Trabajas en televisión, cine…pero siempre que puedes vuelves al teatro…¿Es importante para ti?…
Me gusta mucho el teatro. Me siento más cómoda y más libre.
¿Qué balances haces de tus últimos trabajos como actriz en teatro?…
Positivos. Me siento contenta del trabajo que hice en «La abeja reina» de Narros, y en «La Celestina» de Lepage. Si me remonto más y más, estoy muy orgullosa de «Carcajada Salvaje» y de «La secretaria», un texto inédito de Natalia Ginnszburg.
¿Cómo ha sido el trabajo con la directora?…
Me ha ayudado a ver desde fuera un texto en el que estoy en exceso implicada.
¿Qué función crees que ha de tener el teatro para la sociedad actual?…
La de siempre. Contar una historia que ilumine al espectador.
¿Crees que afectarán los recortes al teatro en lo que veremos durante los próximos meses en los escenarios?…
No. El trabajo siempre es el mismo. Cambia el medio, pero no la esencia del trabajo.
¿Te preparas de manera distinta un personaje para tv, cine o teatro?…¿Cómo los personajes?…
Los entiendo con la cabeza y los hago con el cuerpo.
¿Qué espectáculo de teatro has visto últimamente?¿Qué te pareció?…
Lo último «Huérfanas» con texto de Miguel Albaladejo… Genial. También resalto el trabajo de la Portillo en «La vida es sueño».
¿Proyectos?…
Seguir.
Paco Maciá nos habla de la trayectoria de Ferroviaria durante sus funciones en el Círculo de Bellas Artes
¿Cómo surgió Ferroviaria?…¿Cuáles son las premisas para seleccionar los proyectos de la Compañía?…Ferroviaria surgió a partir del colectivo de Danza que formábamos Sol Pico, Lípi Hernández, Gurene Marín y yo mismo A finales de los 80 y principios 90. Tiempo después me desplace sólo por los raíles de Ferroviaria.
¿Qué balance haces de estos años de existencia de la Compañía?…Las premisas constantes que aparecen en la elección de los proyectos son de carácter siempre creativo. Textos e historias que permitan el juego y la transformación de los intérpretes, la escenografía, los objetos, el espacio escénico. También la elección de historias cercanas a mi pulso vital en cada momento.
¿Qué evolución ha hecho la Compañía a lo largo de las diferentes producciones realizadas?… El balance en términos generales es bueno. La CIA. es respetada y se esperan sus proyectos por el riesgo que se asume. Hemos pasado del Laboratorio barcelonés a la dimensión más pública sin perder las constantes de la investigación. Durante un tiempo escogimos textos conocidos y de referencia con un deseo de acercarnos a una audiencia mayor. Actualmente esperamos que el público nos siga por la singularidad de las propuestas.
¿Es importante tener unos colaboradores habituales en el equipo artístico y técnico?… ¿Participan del proceso de creación?…Es importante escoger muy bien a esas personas, a partir de ahí respeto muchísimo el aporte de cada especialidad para conseguir resultados con más volumen. Cada colaborador sabe de sus materias más que yo y me parecería absurdo no contar con sus aportaciones dentro de la obra. Es uno de los signos distintivos de Ferroviaria la colaboración estrecha con todos los colaboradores.
¿Os ayuda tener un espacio estable de trabajo para realizar los procesos de creación?…¿Se trabaja con menos presión y mayor apoyo en vuestra Comunidad?…Tener un espacio propio es lo que desde la profesión siempre hemos deseado, un lugar ajeno a horarios o compromisos sociales, un lugar sin restricciones mentales. Si es importante, convoca unas energías y te da libertad, aunque por supuesto no quiere decir que se pueda construir desde otros parámetros y limitaciones.
Nos sentimos respetados en nuestra Comunidad y también con menos presión o el histerismo de las grandes urbes. Las ayudas como todos sabemos son escasas y la CIA. tiende a la búsqueda de Co-producciones con teatros para financiar sus producciones como ha sido el caso de El Sueño de la Razón… ahora este camino es indispensable para la profesión sobre todo para la que podemos denominar de creación.
¿Cómo es el trabajo con el equipo artístico durante los procesos?…¿Hay una línea ética y estética en la Compañía?…¿En qué medida influye en los procesos y resultados que provengas de la danza?…La relación al inicio de los procesos es muy activa, sobre una primera idea los colaboradores proponen sus propios puntos de vista que son respetados si considero que superan mis planteamientos, y cuanto más tiempo nos conocemos hay más sinceridad en la propia controversia. La obra, una vez iniciada coge su propio camino, hay que dejar que pase esto, es muy importante.
La ética y la estética van juntas, en nuestro caso el escenógrafo es un artista plástico y por tanto sus intervenciones poseen su propio significado dramatúrgico, en el espacio sonoro ocurre lo mismo.
Nos damos cuenta que las temáticas que abordamos giran en torno a la justicia o a la falta de ella sobré todo en relación con el poder…. Al menos ha sido así en El Círculo de Tiza, Himmelweg y El Sueño de la Razón.
Mi formación en danza como intérprete y coreógrafo se refleja en la manera de utilizar el espacio, en la utilización de las luces de una forma no literal, en el trabajo del gesto del intérprete como una partitura de movimientos conscientes y orgánicos, aunque tengo que decir que a muchos actores les cuesta esta disciplina o simplemente la descartan. Por otro lado me gustaría introducir mucha más danza y movimiento en los montajes, hay que buscar en cuales, los textos no vale la pena violentar los gratuitamente.
¿Se pueden realizar propuestas combativas y alternativas en estos tiempos de crisis?…Estoy seguro que si, tienen su propio espacio precisamente porque necesitamos pensar de otra manera. Otra manera, la que nosotros adoptamos consiste en tratar de crear una expectación en torno a la propuesta sin complejos y con la decisión de que sea aceptada por todo el mundo.
¿Cómo surge el proyecto de EL SUEÑO DE LA RAZÓN?…Estuvimos un año buscando una obra que nos convenciese y al mismo tiempo fuese defendida por nuestro Co-productor el Teatro Circo de Murcia dirigido por César Oliva. Como te he dicho antes el texto de Buero tiene esos componentes estéticos y éticos con los que trabaja la CIA.
¿Qué proyectos tienes entre manos?…Varios, aunque en etapas muy primigenias. La dramatización de la novela Sara del escritor alcoyano Carles Cortés cuya temática gira en torno a la bajada a los infiernos de una mujer arrastrada a las drogas, la perversión sexual y la dependencia. Con nuestro escenógrafo queremos abordar un proceso sobre la Divina Comedia. Estoy muy interesado en alguno de los textos de Wadji Mouawad.
¿Crees que los recortes y el aumento del I.V.A. van a afectar a los proyectos de teatro?…La subida de IVA en este régimen de cachet a taquilla significa la desaparición del sector teatral tal como lo entendemos, las compañías, excepto en teatros de prestigio con su público, pierden dinero actuando. Esto nos lleva al siguiente modelo desde mi punto de vista: Teatro Comercial de Boulevard y la subsistencia de creadores de prestigio capaces de aglutinar algunos recursos en torno a ellos, el resto se va a convertir en economía sumergida con el beneplácito de las administraciones o van a desaparecer.
¿Qué montaje que hayas visto últimamente, te ha interesado?¿Por qué?…Me gustó mucho: The suit, el último espectáculo de Peter Brook presentado en el Festival de Otoño en Primavera, en los Teatros del Canal, un texto de un escritor sudafricano, me gustó porque logró que fuera de una emocionante falsa sencillez, con un trabajo actoral muy emotivo. Me volvió a hacer pensar qué cosas son importantes y cuáles no.
MARIANO CRUCETA nos habla de sus últimas experiencias en la danza
¿Qué trabajos has estado realizando fuera de España?
En este momento acabamos de participar en la clausura del FFLAM (Festival Flamenco Montreal) con nuestra última propuesta “La Diosa Impura”, donde también se proyecto nuestro corto Invernadero dentro de la muestra paralela del FFLAC (Festival Flamenco de cortometrajes). Por otro lado estuvimos impartiendo cursos y talleres por diferentes ciudades canadienses: Montreal, Quebec, Ottawa, Alma y Chicoutimi más algún bolo suelto y alguna colaboración especial. Han sido dos meses muy intensos y gratificantes.
¿Cómo surgieron estas propuestas?
Hace casi una década que comparto mis procesos creativos con la guitarrista-compositora Canadiense Caroline Planté y mi vinculo con Canada cada día es mas estrecho. Anteriormente habíamos sido invitados a producir en Toronto y en el VIDF(Festival Internacional de Danza de Vancouver) pudimos celebrar nuestra primera decada con la c.í.a. También hemos participado en el prestigioso Festival de jazz de Montreal y en ocasiones colaboramos como artistas invitados en distintas producciones locales. Afortunadamente cada vez estamos abriendo mas camino por estas admirable tierras.
¿Es más fácil salir a trabajar fuera que empeñarse en mostrar aquí?
LLevo viajando mas de dos decadas, creo que es muy bueno extender nuestra cultura y desarrollarnos en el exterior, los viajes aportan mucha experiencia y además nos reciben con los brazos abiertos, valoran muy bien nuestra cultura. Yo no me empeño en mostrarme aquí, lo que ocurre es que mi estudio y mi casa estan en Madrid, me encanta el lugar que tengo para mis procesos creativos y mi forma de vida, he invertido mucha illusión, esfuerzo y dinero en ello, no es facil abandonarlo todo definitivamente para emigrar a otro país, lejos de tu cultura, tu idioma y tu forma de vida. Ademas, ¿quien puede vender, comprar o alquilar dignamente en esta etapa?, ¿Quien te puede garantizar un pago hoy en España?. En estas condiciones muchos estamos con la soga al cuello y los recursos economicos que generamos fuera lo utilizamos para mantener espacios y propuestas estancadas aquí por el mal funcionamiento de los mecanismos. Por otro lado para mi un proceso creativo es una necesidad y me entrego desinteresadamente a mis inquietudes artisticas, esto esta por encima de todo, entonces seguiré asumiendo proyectos con los medios que tenga y desarrollandolos donde me apoyen y se interesen.
¿Cómo está la danza contemporánea fuera de España?
Concretamente en Canada me parece que la danza contemporanea está muy consolidada en la sociedad desde hace mucho tiempo y obviamente tiene una gran afluencia de público. Yo veo que esta respetada y bien apoyada por Instituciones u organismos publicos o privados con distintos tipos de ayuda. Pienso que existe buena comunicacion entre asesores, programadores y artistas porque cuando un proyecto es subvencionado el propio organismo facilita y garantiza su distribución; logicamente amortizan y desarrollan bien el ingreso. Deberiamos tomar ejemplo. Me parece un país bien educado y creo que eso le hace destacar en su gestión cultural, en este sentido me parece admirable.
¿Cómo se ve la realidad cultural de España desde la distancia?
Yo la veo sinceramente lamentable y creo que predomina la mediocridad, atascados en tradiciones, religión, futbol y variedades. Me entristece ver las calles principales de las grandes ciudades llenas únicamente de entretenimiento superfluo. Respeto que existan y sean un buén negocio las grandes producciones comerciales, porque son buenas para la difusion de la cultura en general y atraen al grán público, pero no es saludable limitarnos unicamente a esta formula de consumo. El uso que se les da a los medios de comunicación me parece un desperdicio, salvo en algunos escasos programas. Pienso que la población en general se refujia en un desmesurado consumo y que estamos llenos de debilidades y miedo.
Por otro lado he perdido toda la fe en nuestros gobernantes, su única intención es llegar al poder. Estamos facilmente dominadados por una clase politica en general poco preparada, ambiciosa, cruel e incluso corrupta. Me parece un mal uso de las libertades…
La educación publica esta muy debil y la cultura es el ultimo escalafón. Tenemos buenos profesionales en cualquier ambito paralizados sin posibilidades de desarrollo. Todo esto genera mucha fustración… incluso se esta agrediendo a las personas que salen a la calle para denunciar la situacion. Es angustioso…
Para mi es necesario mantenerme a veces alejado de España y soy afortunado de poder hacerlo. Me muevo en la dualidad amor-odio.
¿Cuál es el balance artístico de los trabajos presentados en el último año?
La última producción (La Diosa Impura) me ha tenido bastante ocupado. Estoy agradecido de haber podido contar con un equipo artístico y técnico muy profesional, que además ha tenido la paciencia de aguantarme. El interés mostrado por ellos en la propuesta, me ha dado la fuerza y la confianza para afrontarla, aunque personalmente nunca termino satisfecho del todo con los resultados porque creo que siempre podemos mejorar algo. Por otro lado ha sido muy duro afrontarla economicamente debido a los continuos retrasos en los cobros de las galas y las ayudas a la producción, esto ha condicionado un proceso más lento.
¿Tienes algún proyecto en mente para cuando vuelvas? Háblame de él…
En mente tengo muchos proyectos, otra cuestión es si podré materializarlos. De momento presentamos La Diosa Impura el 23 de marzo en el C.C. La Jaramilla de Coslada y el 13 de abril en el Teatro Paco Rabal de Madrid ambas dentro de la Red de teatros de la Comunidad de Madrid. Por otro lado teniamos previstas tres actuaciones en distintos distritos dentro de Danza en Proximidad Cultural organizado por el Ayto. De Madrid, pero el plan de recortes (decidido por la Alcaldesa Ana Botella) nos ha perjudicado notablemente y hemos perdido dos. Como veras, la inestabilidad aquí es evidente y es dificil crearse espectativas dentro del país.
Fuera de España el año proximo nos invitan a participar en el Festival Flamenco de Vancouber y también vamos a dar unos cursos en el campamento musical de Saguenay Lac St-Jean en la provincia de Quebec. Llevo mucho tiempo presentando anualmente nuevas propuestas en Madrid y en 2013 no tengo previsto ningún estreno. Me gustaría seguir madurando más La Diosa Impura porque creo que aun tiene mucho potencial, apenas hemos hecho siete representaciones desde el estreno y además creo que tiene un formato adecuado para distribuirla bien aquí y fuera de España. La crítica y el público han reaccionado muy positivamente, me gustaria disfrutarla más y tomarme el siguiente proceso creativo con mucha calma. Por otro lado tengo en desarrollo mi segundo cortometraje y producir el segundo disco de Caroline Planté.
¿Va a cambiar mucho el planteamiento de producción y creación tras los recortes en cultura y la subida de I.V.A.?
España es especialista en enterrar a sus creadores en la miseria para que después algunos aprovechados trafiquen y especulen con sus obras, así parece haberlo demostrado su historia. Creo que habiamos avanzado levemente hace algún tiempo, pero con el invento de «la crisis» y todas estas medidas de presión es inviable crecer culturalmente. Volveremos a vivir las mismas tragedias. De momento; festivales suspendidos, teatros cerrados, programaciones y subvenciones escasas, bailarines y coreografos parados ect…
La indecente subida del I.V.A. no puede traer nada bueno y las previsiones son realmente escalofriantes para los próximos años, la gente está cansada, cabreada y paralizada. Cada vez se ven más caras tristes resignadas…
¿Alguna sugerencia para seguir creando en estos tiempos de crisis?
No me atrevo a dar consejos, personalmente me esfuerzo en no perder la motivación y trato de no ponerme grandes metas. Busco artistas por cualquier lugar remoto con los que compartir y disfrutar del arte. Pienso que tengo mucha suerte de haber encontrado este camino y agradezco mucho cualquier apoyo para seguir avanzando. Hay tanta cosas bellas.. el arte nunca muere.
¿Qué pedirías que no desapareciese con respecto al apoyo de la cultura?
El apoyo es insuficiente y así lo demuestran los resultados. Yo creo que mas bien se trata de crear nuevas fórmulas y reciclar o sustituir gestiones que estan generando gastos que no benefician realmente. Las subvenciones tal y como estan planteadas no funcionan si el proyecto no tiene salida por el planteamiento individualista y sectario de programacion. Los asesores de danza con los que contamos dicen estar atados de pies y manos sin apenas medios para realizar su labor y cumplir objetivos. Este tema me aburre tremendamente porque llevamos demasiado tiempo en el mismo circulo vicioso y lo que pediría es mas honestidad y formación entre los reponsables culturales de cualquier ámbito. Estoy seguro que si cada ciudad, festival, red, sala alternativa o pequeño teatro tomara en serio realmente su gestión cultural y estuvieran verdaderamente preparados y sensibilizados para desempeñar su trabajo las cosas cambiarian notablemente. Ellos lo saben, pero eso require un esfuerzo que no todos estan dispuestos hacer; estan muy cómodos con su salario garantizado y además estan mal acostumbrados a que el artista vaya a mendigarles.
Pepe Viyuela nos habla de sus trabajos en teatro.
¿Cómo surge el proyecto de LOS HABITANTES DE LA CASA DESHABITADA?…
Es una idea de Juanjo Seoane, me lo propuso, yo tenía muchas ganas de hacer un Jardiel y no pude negarme.
¿Hubo ocasión, durante el proceso, para que los actores aportaseis ideas en la dramaturgia y la puesta en escena?…
Sí claro, no concibo otra forma de trabajar que no consista en aportaciones por parte de todo el equipo. El director es finalmente quien decide, pero en el camino todo el mundo ayuda.
¿Hay algún referente técnico del que has partido para crear los personajes?…
Supongo que cada uno va, con el tiempo, elaborando una forma particular, propia, que nace de su experiencia y de lo aprendido anteriormente. Lo que intento siempre es divertirme. La idea de «juego» es la que tengo siempre como referencia. El teatro es juego, hay que respetar unas reglas, pero lo importante es divertirse haciéndolo.
¿Cómo ha sido para ti, como actor, el encuentro con Jardiel?
Jardiel es una caja de sorpresas. Está lleno de posibilidades, nunca llegas al fondo del todo, cada día descubres cosas nuevas. Es muy enriquecedor para un cómico.
Trabajas en televisión, cine…pero siempre que puedes vuelves al teatro…¿Es importante para ti?
Es donde más me divierto, donde más aprendo y donde más directamente siento la respuesta del público.
¿Qué balances haces de tus últimos trabajos como actor en teatro?
Cada nueva función me sitúa ante mis límites, ante mis carencias, además me aporta la convicción de que me queda mucho por aprender. Y eso me hace sentirme joven? Quiero seguir haciendo teatro, seguir formándome como actor, eso es lo que saco en claro después de cada proyecto.
¿Te preparas de manera distinta un personaje para tv, cine o teatro?
No, nunca pienso en dónde tengo que hacer un personaje. Mi trabajo consiste en elaborarlo lo mejor posible y eso hay que hacerlo igual tanto en un medio como en otro.
¿Cómo preparas los personajes?…
Leo el guión o la obra varias veces, eso me va dando una idea global, de conjunto, que sirve para situar la acción general. Intento documentarme sobre el autor, la época en la que se desarrolla la historia y, por último, me centro en mi personaje y lo imagino en esa época y dentro de esa acción concreta. Imagino cómo habla, como siente, cómo se comporta… y poco a poco intento dar a vida a todo eso que he imaginado, poniéndolo en pie y sobretodo intentando escuchar mucho a los compañeros. La escucha es fundamental. El teatro es un arte colectivo, hay que trabajar juntos.
¿Qué función crees que ha de tener hoy el teatro para la sociedad en la que vivimos?
El teatro es un reflejo de lo que somos. Podemos vernos en él, nos retrata, nos denuncia y a veces consigue sugerirnos alguna solución a nuestros conflictos, pero generalmente sólo nos hace preguntas.
¿Crees que afectará mucho la subida del I.V.A. y los recortes al teatro?
Ya lo está haciendo. Esto es un atentado no sólo contra el teatro, sino contra toda la sociedad y muestra el bajo nivel de sensibilidad de este gobierno y su ministro de cultura. Un gobierno que obedece únicamente dictados financieros y se rige por los dictados del Fondo Monetario Internacional y a la vez ignora las demandas de su pueblo, es un gobierno decididamente nefasto y al que habría que invitar a rectificar o a marcharse cuanto antes.
¿Proyectos?
Inmediato, «El baile» de Edgar Neville, con versión de Bernardo Sánchez y dirección de Luis Olmos. Compartiré escenario con Susana Hernández y Fernando Cayo y estrenaremos en septiembre. Ahí es donde tengo depositada en este momento la ilusión profesional.
SALVA BOLTA nos habla de la nueva edición del Festival Escena Contemporánea
¿Qué evolución crees que ha experimentado Escena Contemporánea desde sus inicios hasta hoy?…
En sus trece años de existencia y gracias al trabajo de los anteriores directores, en sus 13 ediciones, el Festival Escena Contemporánea se ha convertido en una realidad cultural que ha dado plataforma a expresiones artísticas de creación escénica contemporánea. Escena ha ampliando los límites que en otros espacios de las artes escénicas se encuentran codificados en formas y modos convencionales, enriqueciendo con ello tanto a creadores como a espectadores. Este Festival ha ido apostando año tras año por las expresiones de naturaleza escénica de calidad, por la colaboración, por la educación y la generación de nuevos públicos, por la captación de nuevos espectadores, por la apertura a los circuitos internacionales, por el talento y por la creatividad.
¿La crisis te ha obligado a pensar en otras estrategias a la hora de diseñar la programación de este año?…¿Cuáles?…
La principal estrategia ha sido el intentar establecer redes de colaboración entre instituciones públicas y privadas con el fin de enriquecer su delicada financiación. Por otro lado, he intentado reunir el mayor número posible de compañías/creadores con trabajos de mediano y pequeño formato, que con unas necesidades de producción y exhibición austeras y a pesar de ello, atrapen al público por su talento artístico, poder escénico, poética y belleza.
El Festival como tal no dispone de espacio propio donde poder dar residencias artísticas. Pero lo que si ha hecho, de nuevo trabajando en red, ha sido vincular a compañías e instituciones que si que disponen de estos espacios. En este sentido agradezco al CC de Humanidades Sierra Norte de La Cabrera el haber puesto su teatro a disposición de la Tristura para que en muy buenas condiciones artísticas y técnicas y durante dos semanas, pueda terminar su espectáculo.
Lo que también hemos hecho este año, ha sido impulsar proyectos mediante la fórmula de la coproducción: el Festival ha seleccionado en la medida de sus posibilidades, proyectos en su fase embrionaria de artistas en los que ha confiado, asegurándoles la programación en el festival y contribuyendo con esta parte de financiación a que los mismos se pudieran llevar a cabo. De esta manera ha protegido a las compañías permitiendo realizar su trabajo en condiciones de mayor estabilidad. Los proyectos que en esta pequeña medida coproducimos son los de cuatro compañías de Madrid:
LOS LUNES / LA TRISTURA / GRUMELOT-TEATRO EN TRÁNSITO / FERNANDO SOTO &DRAFT.INN
¿Qué líneas base hay en el programa de este año?.
La XIII edición propone un catálogo nada dogmático de múltiples experiencias de naturaleza escénica, que recoge la pluralidad de ángulos de la creación contemporánea. Podemos hablar de que, una parte muy importante de la programación, recoge trabajos de creadores que con fuerte conciencia social, apuntan nuestras miradas hacia la realidad que nos atraviesa. Trabajos de observación exterior y respuesta. Encuentro entre pensamiento crítico y acción política. Una reacción activa al sufrimiento, que no impide pensar y actuar. Un reconocimiento del teatro como el lugar donde se encuentran arte y vida y de la acción escénica como encuentro activo entre la mirada del creador y la del espectador.
Por otro lado, he intentado en esta 13ª edición el Festival hacer una clara apuesta por lo emergente, proponiendo una mirada sobre una capa generacional jóven, que bajo mi punto de vista reúne el suficiente talento, potencia muscular y poder escénico como para suponerles eso que llamaríamos una “larga carrera de éxitos”. Creadores y compañías en sus primeros trabajos y que en tiempos de demasiado dolor, pérdida y duelo como los que estamos viviendo, tienen la ventaja en mi opinión de tener menos pasado que futuro.
¿Cómo ves el panorama de la creación contemporánea en nuestra Comunidad?…¿Hay relevo generacional?…
En buena parte, la respuesta a esta pregunta está incluida en la propia programación: hay una presencia importante de compañías / creadores de Madrid. Y en esta selección, puedo asegurarte que he tenido que lamentar no tener “una mesa más grande” para poder invitar a más gente a participar. Te pongo un ejemplo: el Festival lanzó una convocatoria de proyectos para espacios no convencionales, en la cual recibimos aproximadamente ciento cincuenta propuestas. De ellas, más de la mitad fueron de compañías, artistas, colectivos de la Comunidad de Madrid. Y verdaderamente fue doloroso tener que descartar tanto número; me impresionó la cantidad de propuestas llenas de planteamientos, ideas, recursos, desde cualquiera de las disciplinas que te puedas imaginar. Sin lugar a dudas, lo que acaba asomando a la superficie es solamente lo que consigue superar estas circunstancias tan poco favorables para la creación que estamos atravesando. Pero ahí debajo, hay un filón de oro, lo suficientemente rico para alimentar presente y futuro.
¿Afectará la subida del I.V.A. para que acuda el público a las salas en la edición de este año?…
No, podéis estar tranquilos!!! En esta 13ª edición y a pesar de las estrecheces y de la tremenda subida del IVA, sosteniendo la política de entradas de las anteriores ediciones: el precio de los espectáculos es de seis euros, permitiéndole de esta manera el acceso a, esperamos, un grandísimo número de espectadores.
Más info en: www.escenacontemporanea.com
Silvia Marsó reflexiona su tu trabajo en el teatro.
¿Cómo surge el proyecto de Yerma?…
Hace tiempo que Miguel Narros y yo queremos trabajar juntos, las dos veces que me llamó anteriormente no pude hacer el proyecto por estar ocupada en otro trabajo, pero a la tercera va la vencida
¿Cómo ha sido el proceso de creación y montaje?…
Siempre profundizo en el texto, buscando las claves, las pistas que te da el autor, poniéndole toda la verdad posible y buscando cada día, sin cesar, nunca se acaba… Lo importante es evolucionar y no cerrarte a una forma concreta de hacer el personaje, no tener en la mente “la manera”…Dejar que las emociones y la relación con los otros actores en escena te vayan dando las pautas…Es un trabajo de artesanía, que no me gusta preconcebir…
¿Cómo ha sido el trabajo con el director?…
Una sorpresa, nunca pensé que Miguel Narros fuera tan aparentemente caótico en los ensayos y digo aparentemente, porque al poco de empezar descubrí que es como un pintor impresionista que va dando pinceladas, mezclando colores, superponiendo trazos, hasta que de la “locura” va saliendo la forma, el color y la expresión, me gusta decirle que es el Van Gogh del teatro y él se ríe mucho…
¿Qué balances haces de tus últimos trabajos como actriz en teatro?…
He tenido una suerte inmensa al poder representar personajes tan difíciles e interesantes como La gran Sultana de Cervantes, Doña Rosita la soltera de Lorca, Nora de Casa de muñecas de Ibsen o Antonia de Aquí no paga nadie de Fo…Son personajes que te hacen crecer como actriz, que te ayudan a superarte y que además te enriquecen como ser humano.
¿Preparas de forma distinta un personaje para tv, cine o teatro?…¿Cuál es tu método de trabajo?…
Cada medio es absolutamente distinto, lo difícil es saber diferenciar lo que debes aportar en cada momento, pero la dificultad mayor, creo que está en el teatro, donde tienes que expresar todo con tu cuerpo, llegar con la voz a la última fila y dar toda la verdad y emoción, como si te pasara en ese mismo instante, lo que has repetido durante meses en cada representación.
¿Qué función crees que ha de tener hoy el teatro para la sociedad en la que vivimos?…
La que siempre ha tenido desde hace tres mil años, el debate, la reflexión, la crítica, debería ser un lugar de encuentro para debatir los problemas y conflictos eternos de la sociedad… También puede divertir, la profundidad de contenido no tiene nada que ver con la forma, hasta un clown puede resultar corrosivo si tiene un planteamiento critico.
¿Crees que está afectando mucho la subida del I.V.A. y los recortes al teatro?…
Totalmente, es una medida injusta, absurda y deleznable,…¿Quién puede considerar que el futbol es mas cultura que el teatro?!!!…¿Por qué no han subido su I.V.A.?…
¿Qué obra de teatro has visto últimamente?…
El Diccionario de Manuel Calzada, con Vicky Peña…
¿Qué te pareció?…
Me maravilló el texto y la interpretación.
¿Proyectos?…
Seguir con la gira de Yerma por toda España y centrarme en elegir bien los siguientes proyectos.
Jaroslaw Bielski hace balance de los diez años de Réplika Teatro
¿Cuál es el balance de estos DIEZ AÑOS de Réplika Teatro?…
Sólo pensar que hemos aguantado 10 años ya es síntoma de que las cosas no han salido tan mal. En este tiempo, hemos realizado espectáculos importantes que no hubiéramos podido hacer sin tener una sala propia, manteniendo un grupo fijo de actores que han crecido con nosotros y que han contribuido de manera indiscutible en la definición de nuestros espectáculos.
Sonia Sebastián nos habla de sus proyectos.
¿Cuáles son los proyectos e ideas para el Espacio Cervantino de cara a los próximos meses?…
De momento prorrogaremos «Lorca al vacío» a partir de Marzo-Abril. Nuestra intención es ir combinando arte contemporáneo, encuentros literarios con propuestas teatrales que no puedan verse en otros espacios. Tenemos unas jornadas de teatro y hay un proyecto de hacer en Junio un encuentro de teatro con distintas compañías durante una semana.
¿Cuál es tu función dentro de ese espacio?…
En este momento soy la persona encargada de dirigir el espacio mediante una puesta en común con la Junta Directiva de la Sociedad Cervantina. Junto con este equipo de 14 personas nos dedicamos a programar y ver cómo sacar rendimiento cultural al espacio.
¿Es un lugar con proyectos dirigidos por un colectivo o están abiertos a proyectos externos?…
El espacio está abierto a proyectos externos siempre que se potencie la figura de Cervantes o que los textos sean de nuevos dramaturgos españoles así como que el proyecto esté comprometido de algún modo con la cultura. Valoramos especialmente la implicación de la gente que haga algo en nuestro espacio ya que este año no contamos con subvenciones ni ayudas por el momento por lo tanto necesitamos mano de obra.
¿Cómo surgió Lorca al vacío?…
Lorca al vacío nació a partir de una conversación entre la dramaturga María Velasco y yo. Después de eso hicimos un exploratorio con los actores durante una semana y empezamos a darle cuerpo al espectáculo. Ha sido un proceso increíblemente enriquecedor para todos con un magnífico resultado. Cada vez creo más en la creación grupal.
¿Cómo fue el proceso de creación con la autora y los actores?…
Ha sido un proceso de mucha escucha y mucha generosidad por parte de todos. Embebidos de la obra de Lorca hemos jugado, hemos buscado y hemos ido creyendo cada día más en el proyecto. Cada uno de nosotros, desde los actores hasta los artistas plásticos pasando por producción, vestuario, maquillaje y demás, ha ido aportando aquello que conocía, sabía o imaginaba.
¿Está previsto que se pueda volver a ver?…
Reestrenaremos a primeros de Abril, dependemos un poco del tiempo ya que tenemos varias escenas en el patio que nos gustaría que se aprovecharan bien.
¿Tenéis apoyos de algún tipo en estos tiempos de recortes?…
En el 2012 tuvimos apoyo del Ministerio de Cultura, Educación y Deporte para las actividades teatrales, pero el 2013 se presenta más negro. Esperemos que para los nuevos proyectos podamos encontrar financiación pública o privada.
¿Cómo va a afectar la subida del I.V.A. y los recortes para el mundo del teatro?…
La subida del IVA al teatro es una autentica locura. El teatro y el cine son un bien cultural que hay que proteger como se hace en la mayoría de los países europeos. Espero que sea una medida que se recapacite y vuelva a su ser.
¿Alguna sugerencia para seguir creando en estos tiempos de crisis?…
El trabajo en grupo. Unirnos y con la fuerza del conjunto crear nuevos proyectos. Creo que en tiempos de crisis se crea más y mejor.
¿Proyectos artísticos personales para el futuro?…
Ahora estoy en plenos ensayos en el Teatro Español de «Los Cenci» de Artaud que estrenaremos el 17 de Enero en la Sala Grande. Es un texto con tintes clásicos con una puesta en escena vanguardista siguiendo pautas del manifiesto del Teatro de la Crueldad de Artaud en la que entremeclamos texto, danza y acciones performaticas. Estoy viviendo un proceso creativo maravilloso con el elenco de actores y el equipo artístico que me acompaña.
Lucía Bouzas nos habla del proyecto de Teatro del Arte
¿Cómo surgió el proyecto del TEATRO DEL ARTE?
Pues, sin duda, de la necesidad de llenar un espacio que Madrid estaba pidiendo a gritos. Obras de calidad, con actores de calidad, montajes potentes que no tiene salida en teatros de grandes aforos o comerciales pero que en las salas pequeñas tampoco tienen cabida.
Realmente no sabemos si nosotros buscamos el espacio o el espacio nos buscó a nosotros porque cuando lo encontramos supimos desde el primer momento que eso era lo que queríamos.
¿Cuáles son las premisas para seleccionar los proyectos programados en este espacio?
El proceso de selección de obras es el alma mater de nuestro proyecto teatral. En principio, no programamos nada sin verlo antes varias personas de nuestro equipo. En unos casos serán obras ya montadas que no han visto la luz, pero en la mayoría de los casos estaremos en el proceso de gestación de los montajes. La calidad del texto, de los actores y del montaje son determinantes.
Hemos denominado medio en serio medio en broma “consejo de especialistas” a las personas que actúan como filtro. El criterio es puramente la obra. Se lee, se comprueba su viabilidad, la diversidad de estilos, que responda a una realidad social…Lo analizamos todo: el texto, la dirección, la interpretación, la escenografía… El resultado sólo es bueno, si cada uno de los elementos es bueno y están bien conjugados.
Concebimos el hecho teatral como un continuo que empieza en el texto y termina en su representación.
¿Qué equipo conforma este proyecto a nivel producción y gestión?
Sería largo de contar, porque somos una gran familia en la que cuidamos que nada falle, desde la gerencia al último acomodador o el último elemento decorativo.
¿Habrá una escuela estable?
Si, nuestra escuela de teatro Subealescenario, tomará posesión de las instalaciones en Enero con carácter estable.
¿Qué plan pedagógico y materias hay en el programa de esta escuela?
Nuestra escuela forma profesionales en el ámbito del teatro, desarrollando un proceso de tres años en el que el alumno prepara su herramienta de trabajo: EL CUERPO, LAVOZ, LA IMAGINACIÓN, LA ATENCIÓN, LA ESCUCHA. Es preciso que el actor sepa usar su voz, estar de pie en un escenario, moverse en él, tiene que saber usar su imaginación, su capacidad de creer, sus impulsos, tiene que proyectar hacia fuera, sentirse libre e interactuar orgánicamente. Formamos profesionales de la interpretación, porque entendemos que es la fuente de donde nace lo demás (cine, TV….)
Estamos cerrando una programación muy especial para 2013 con tres monográficos que impartirán profesionales de primer orden a nivel mundial.
Tenemos también algunos grupos no profesionales con los que formamos pequeñas compañías que preparan una función y la representarán en el teatro entre los meses de Mayo y Junio. Hay también un pequeño grupo de adolescentes con los que pretendemos hacer cantera.
Lo que nos diferencia como escuela es la calidad del profesorado y que desde el principio el alumno trabaja en un escenario de un teatro abierto al público donde hacen sus representaciones, no como simple trabajo de fin de curso, sino integrándolos en la programación del teatro un día a la semana, los lunes o los martes.
¿Hay colaboraciones habituales en el equipo artístico y técnico?
¿Participan del proceso de gestión y creación?
Como ya se ha dicho, la simbiosis entre todas y cada una de las personas que formar parte de Teatro del Arte, es permanente.
Sólo se puede funcionar bien si existe participación e intercambio de ideas con total libertad, las mejores ideas surgen cuando se generan las sinergias apropiadas.
¿Van a producirse espectáculos o sólo se va a programar?
Efectivamente, queremos tener producción propia. En estos momentos estamos dando ya los primeros pasos en ello.
¿Hay una línea ética y estética prevista para la programación o habrá diferentes tipos de teatro programado?
Para nosotros ética y estética son lo mismo, o son uno.
En este sentido el talento está de suerte: única y exclusivamente nos interesa la calidad y no estamos cerrados a nada, ni siquiera a lo rompedor, arriesgado, descarado, inquieto o innovador.
Podría decirse que ese uno que conforman la ética y la estética para nosotros es la libertad más absoluta para buscar modelos en las tradiciones y en las expresiones más distantes, en el presente y en el pasado.
Esa libertad hará despertar en nuestros espectadores la capacidad de sorpresa que está muy perdida en los últimos tiempos.
¿Se pueden realizar propuestas combativas y alternativas en estos tiempos de crisis?
El teatro debe configurarse en la sociedad como un instrumento de contrapoder. El teatro actual no sólo es resistencia: también es resilencia, esa capacidad de fortalecerse y construir en las situaciones más adversas.
Por eso no es que se puedan sino que es obligación que realicen este tipo de propuestas. Si el teatro no es espejo de la sociedad en que vive, el hecho escénico pierde toda su validez.
¿Qué fórmulas pondréis en marcha para crear el público del Teatro del Arte?
Estamos entre el Paseo del Arte, el Barrio de las letras… Tenemos mucho potencial en nuestro entorno más cercano, será nuestro público natural, nuestros cómplices.
¿Formulas? Sólo una: ofrecer calidad y que funcione el boca a boca.
¿Qué proyectos tenéis previstos?
Tenemos dos proyectos para el teatro, 2 producciones de pequeño formato, pero con la categoría suficiente para programarlas aquí. Son proyectos… saldrá uno, los dos o ninguno¡¡¡
¿Crees que los recortes y el aumento del I.V.A. van a afectar a las salas de teatro?
Para hacer teatro sólo hacen falta un espacio vacío, un actor que lo atraviese y un espectador que lo observe. La falta de dinero no paraliza al teatro si éste logra explotar la precariedad como consigna estética e ideológica.
Bueno, esto es poesía, cuando ponemos los pies en la tierra y te sientas con tu contable, la verdad, es que los números sólo salen gracias a la capacidad de renuncia de todos los implicados que estamos en esto por verdadero amor al teatro.
¿Qué montaje que hayas visto últimamente, te ha interesado? ¿Y por qué?….
Pues uno dirigido por Esteve Ferrer, y me interesó por lo que me interesan todos, por la calidad interpretativa, por el texto, la escenografía y por la dirección.
Estoy en contacto con la productora para que entre en mi espacio, pero todavía no hay nada concreto.
Y por supuesto, lo míos: Razas, Oddi y Absolutamente comprometidos, tres funciones absolutamente imprescindibles.
Isabel Ordaz nos habla de sus proyectos artísticos.
¿Cómo surge el proyecto de Lúcido?…¿De qué va la obra?…¿Y tu personaje?…
La obra me llega a través de Amelia Ochandiano que me propone el personaje de Teté. Cuando la leo quedo fascinada, tanto por la estructura de la que se sirve Rafael Spregelburd para contar esta obra, como de la historia y de los personajes. Lúcido está llena de secretos y no se puede desvelar demasiado la historia, pero diré que se trata de una madre (Teté) que trata de no perder a sus hijos (Lucrecia y Lucas) y también de un amante, un camarero, un riñón trasplantado, risas y lágrimas y una sorpresa final que conmueve enormemente.
¿Cómo ha sido el proceso de creación del montaje con la directora y el resto de actores?…
El proceso de creación ha sido diríamos que intenso, es mi segundo trabajo con Amelia Ochandiano y ella no se conforma nada más que con lo perfecto. En este caso lo más difícil era encontrar el tono de la obra, pues Lúcido podría ser una tragicomedia pero también mucho más, un crisol de géneros. Una vez que dimos con ello, con el tono, nos quedamos más tranquilos. El resto del equipo es estupendo, Tomas, Itziar y Alberto, estupendos. Y por supuesto la escenografía, de Ricardo Sánchez Cuerda, un acierto.
¿Qué balances haces de tus últimos trabajos como actriz en teatro?…
Para no alargarme hablaré de los 3 últimos. Mi apuesta para montar Los Días Felices de Beckett, en la que entré en la co-producción, fue todo un desafío y un empeño, hacía años que quería saber de que estaba compuesta Winnie debajo de su duna, al final creo que lo descubrí y fue hermosísimo. Me parece que debajo de sí Winnie guarda todo el siglo XX, que no es poco, sus dos terribles guerras, el principio del fin del sueño europeo, etc., en fin sería muy largo. Para el Nacional hacer a Madame Collete en el montaje de Lluis Homar de Luces de Bohemia fue un lujo, Lluis es un gran hombre de teatro y siempre se aprende con él. Y Ahora Spregelburd, donde Amelia me ha hecho un extraordinario regalo: a Teté, inmensa, y a la que todavía estoy conociendo.
¿Preparas de forma distinta un personaje para tv, cine o teatro?…¿Cuál es tu método de trabajo?…
El entusiasmo es el mismo, el medio impone sus reglas, eso es todo.
¿Qué función crees que ha de tener hoy el teatro para la sociedad en la que vivimos?…
El teatro, hoy y siempre, es el espejo donde se mira una sociedad, es el status de civilización de una sociedad. Hoy en día, al competir con tanta oferta en este parque del entretenimiento en el que estamos inmersos, lo que el teatro creo que aportaría es el concepto noble de FICCIÓN, en el sentido de la creación (literaria, dramática, plástica) como instrumento para el conocimiento de nosotros mismos, y no la verdad en sí como parecen querer vendernos los apólogos de las telerealidades, etc.
¿Crees que está afectando mucho la subida del I.V.A. y los recortes al teatro?…
Sí, está afectando, como al resto de las áreas, la cultura o el arte no es una marcianada que no se sabe de dónde viene ni a dónde va, sino aquello, junto con la educación, que nos hace ser mejores. El Rey Lear dice: “Quítale al hombre lo superfluo y no le distinguirás de un animal”. Así que, cuidadito con lo superfluo.
¿Qué obra de teatro has visto últimamente?¿Qué te pareció?…
La última que he podido ver ha sido Noche de Reyes de Shakespeare, montada por Eduardo Vasco, en La Abadía. Una delicia.
¿Proyectos?…
Spregelburd, Lúcido, Teté, haremos gira, y espero que dure. También estoy preparando un libro de cuentos. Y por favor que se acaben los privilegios y los desmanes de los bancos.
Mónica Cano nos habla sobre sus experiencias teatrales
¿Cómo surge el proyecto de Vitriolo?…
Unas compañeras y yo hemos creado un grupo de trabajo, con la idea de hacer textos que nos gusten, crear nuestros proyectos. Estoy madura como persona y como actriz tengo la necesidad de expresarme, de dejar testimonio de mis recuerdos, de aportar mi granito de arena a la cultura, al Teatro. Siempre me ha gustado escribir, ahora tengo tiempo y lo estoy haciendo. Estrenamos el año pasado “Historia de la Nati”, gusto, y eso me dio estimulo para estrenar este año “Vitriolo”, en el Nudo, una sala alternativa en la que nos acogen.
¿Cómo ha sido el proceso de creación y montaje?…
Fácil y grato, mis compañeras Saturna Barrio y Vene Herrero son portentosas actrices, con una gran curiosidad, las tres nos hemos zambullido en el argumento de cabeza, hemos desmenuzado la historia, y la hemos recompuesto una vez metabolizada, para mostrarla tal cual es.
¿Qué balances haces de tus últimos trabajos como actriz en teatro?…Háblanos también de tus otros trabajos y experiencias en el ámbito del teatro…
El balance es bueno. He tenido la suerte de hacer grandes personajes, “la Pichona” de “Las Comedias Bárbaras” de Valle Inclán o “Yocasta” versionada por Steven Berkoff entre otros muchos, de todo ha habido, siempre he vivido únicamente de mi trabajo en la profesión y ya sabes…no siempre puedes elegir, por hacer he hecho hasta transexuales, uno se de ellos se llamaba Mª Fernanda. ¡Qué gracia¡ ¡Estoy contenta¡ He trabajado con los mejores directores y con autores a los que venero como por ejemplo Lorca.
¿Preparas de forma distinta un personaje para tv, cine o teatro?…¿Cuál es tu método de trabajo?
Soy Stanislavskyana. Disfruto mucho componiendo el personaje. En su inicio, es como si lo engendrara, poco a poco va cobrado vida, adquiriendo costumbres, relaciones, facciones, emociones…no lo dejo en ningún momento, duermo con él, sueño con él, lo paseo, lo siento…despacio, lentamente, y al cabo de algún tiempo cuando le parece bien, se materializa y ahí está, listo para exhibirse. Para televisión el proceso por desgracia debe ser más ágil, hay que ser fresca inmediata y tener el texto muy sabido, no hay tiempo, todo es fulminante. En cine intento ser económica de gestos, todo pequeñito, con las emociones en los ojos. Siempre a las órdenes del director. Soy bastante disciplinada.
¿Qué función crees que ha de tener hoy el teatro para la sociedad en la que vivimos?…
La de siempre, mostrar la tragedias de la vida y de la muerte, que nos veamos en ese espejo, etimológica mente la palabra Teatro significa “Lugar para ver” “Lugar para contemplar”, para ver y contemplar, para aprender a existir, de la forma más bella más elevada, mas apasionada. Transgredir, criticar, reprochar, estremecer, emocionar, mostrar, entretener, activar los cerebros y los corazones son algunos de los condimentos de la “Función Ideal”, intemporal.
¿Crees que está afectando mucho la subida del I.V.A. y los recortes al teatro?.
Claro. Estamos siendo represaliados por el poder. El Teatro en sus orígenes era un arma de paz, para denunciar a los políticos corruptos, a los personajes celebres, a los malvados. Los cómicos siempre han sido perseguidos por los gobiernos de ciertas filosofías que prefieren otro tipo de ocio. No quieren que la gente se cultive. Afecta de una manera letal a las salas alternativas y por supuesto a las clases con menor poder adquisitivo que no pueden ir al cine, ni al teatro…ni a casi nada…
¿Qué obra de teatro has visto últimamente?¿Qué te pareció?…
“Lúcido”… Me encanto, un texto escrito por un actor argentino, Rafael Spregelburd, nacido en 1970. Dirigida por Amelia Ochandiano, he trabajado con ella y le tengo mucha estima.
¿Proyectos?…
Seguir luchando por hacer mis montajes, y si salen cosas interesantes pues aquí estoy esperándolas. Pero muy feliz de hacer lo que estamos haciendo…Vitriolo.
Que Revienten los Artistas 
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