ÁLVARO LAVÍN: Nuestras producciones teatrales descansan fundamentalmente en el trabajo de los actores
¿Cómo surgió Meridional?…
En el verano de 1991, Julio Salvatierra y yo, que estábamos estudiando en la RESAD, nos fuimos a Reggio Emilia a aprender Commedia dell’Arte con Antonio Fava. Allí coincidimos con actores de medio mundo y, al finalizar el curso decidimos con Miguel Seabra (portugués) y Stéfano Filippi (italiano) juntarnos al verano siguiente para iniciar un proceso de trabajo basado en las técnicas que habíamos aprendido. Así surgió nuestro primer espectáculo “Ki fatxiamu noi kui” que significó el pistoletazo de salida para nuestro Teatro Meridional y con el que tuvimos la fortuna de girar por medio mundo.
¿Cuáles son las premisas para seleccionar los proyectos de la Compañía?…
No hay una forma establecida de iniciar un proyecto. Cada uno de los montajes ha tenido un inicio particular. Alguno de nosotros tres (Julio Salvatierra, Marina Seresesky o yo) comparte con los otros una inquietud, una idea que le emociona y cuando la rueda empieza a girar ya no hay quien la pare.
¿Qué balance haces de estos años de existencia de la Compañía?…
Los que me conocen saben de mi naturaleza optimista pero es que ni en el mejor de mis sueños me hubiera imaginado así, trabajando en lo que me apasiona y con una estructura donde poder hacer realidad tantos y tan diferentes proyectos. Me siento enormemente afortunado y no lo oculto. Ahora, trabajo día y noche, te lo puedo asegurar.
¿Qué evolución ha hecho la Compañía a lo largo de las diferentes producciones realizadas?…
Creo que la evolución de Meridional ha ido pareja a nuestro crecimiento como personas. Siempre hemos entendido que la estructura que habíamos creado tenía que estar a nuestro servicio y nunca a la inversa. Eso nos ha dado una enorme libertad a la hora de afrontar nuevos proyectos. Empezamos montando espectáculos gestuales, onomatopéyicos casi, saltamos al teatro de texto, luego comenzamos a producir adaptaciones de autores clásicos, llevamos a escena nuestros propios textos (Julio Salvatierra), iniciamos una rudimentaria experimentación con la imagen en el teatro y hace 6 años, gracias al empuje creativo de Marina Seresesky, empezamos a producir cine. Ojalá que como personas hayamos sabido aprovechar todo lo que estas producciones nos han legado.
¿Es importante tener unos colaboradores habituales en el equipo artístico y técnico?…
Siempre digo que es fundamental rodearte de creadores con tanto talento que te hagan aparecer ante los demás mejor de lo que realmente eres. Sinceramente, me veo así. No solo tengo los mejores compañeros de viaje en Marina Seresesky y Julio Salvatierra, a los que admiro y con quien continuo disfrutando como el primer día, es que durante estos años, han ido acercándose a Meridional una serie de artistas con mucho talento sin los cuales todo este tiempo hubiera sido no solo diferente sino mucho más aburrido. Gente como Luis Perdiguero, Mariano Marín, Tomás Charte, nuestros compañeros Chani Martín, Elvira Cuadrupani, Eugenio Villota, Iván Villanueva, etc, etc
¿Cómo ha influido tener un autor que colabora en los proyectos desde su origen?…
Influye enormemente en todas las etapas de la creación de un nuevo montaje. La dramaturgia y la puesta en escena siempre las hemos entendido como algo de lo que se puede y se debe debatir para mejorarlo. Empezamos con un texto que se va transformando durante los ensayos gracias a las aportaciones y sugerencias del director y de los actores. El trabajo del dramaturgo también consiste en terminar de dar forma a esa transformación y en ayudar a encontrar una manera propia de contar historias.
¿Os ayuda tener un espacio estable de trabajo para realizar los procesos de creación?…
Sin duda alguna. Para nosotros no hay nada mejor para trabajar que la tranquilidad. Y tener nuestro local de ensayos nos ayuda a crear las condiciones necesarias para iniciar cada proceso. Hace años un buen amigo nos aconsejó que buscáramos un lugar donde poder encontrarnos cada vez. Tuvimos suerte en seguir su consejo.
¿Se trabaja así con menos presión?…
Imagina no tener a nadie que te diga cuando terminar un ensayo o cuando empezarlo. Ese lugar te permite poder acompañar las aportaciones de los actores sin presiones innecesarias. Además de acoger los procesos de trabajo de otras compañías, amigos…
¿Cómo es el trabajo con el equipo artístico durante los procesos?…
Como director, el tiempo me ha ido enseñando que lo más inteligente es abrir bien las orejas para poder escuchar con claridad lo que los demás piensan y así, mejorar tu trabajo. Y es lo que hago, intentar dar a cada uno su espacio para que se sienta confortable y aporte. Desde luego no siempre lo consigo, claro está. En teatro no existe la fórmula exacta que te permite ser cómplice de todo el mundo.
Cuando hay que tomar una decisión definitiva, esa me corresponde a mi, aún a riesgo de meter la pata hasta el fondo.
¿Se pueden realizar propuestas combativas y alternativas en estos tiempos de crisis?…
Creo que debemos llevar a cabo proyectos que nos ilusionen, que nos sean necesarios, que nos permitan opinar, proponer, independientemente de la situación en la que nos encontremos. Siempre, pero sobre todo en estos momentos de tantas dificultades para toda la sociedad, las gentes que trabajamos en el sector cultural tenemos la “obligación” de utilizar todos nuestros recursos artísticos para intentar mejorar la sociedad en la que vivimos.
¿Cuál ha sido el recorrido del montaje que presentáis en Cuarta Pared?…
“Qfwfq. Una historia del universo” se estrenó, en su primera versión, el año 1999. Ese montaje recorrió toda la geografía española e hizo numerosas giras por Latinoamérica.
Ahora, con este “Qfwfq” revisitado, desde su estreno a final de enero en el Teatro El Castillo de Villafranca del Bierzo, hemos girado ya por la Comunidad de Madrid, Canarias, País Vasco, Valencia y hemos hecho una pequeña temporada en Barcelona.
Para presentar el espectáculo en Madrid siempre pensamos que la Cuarta Pared era el espacio natural para esta función por la complicidad y amistad que tenemos desde hace años con todo el equipo de la sala y porque, como ellos disfrutan tanto con su trabajo, te hacen sentir en casa. Y no hay nada mejor que hacer teatro en casa, rodeado de amigos y “familia”.
¿Tenéis otros espectáculos en repertorio?…
Meridional nación como una compañía de repertorio, viajera. Seguimos representando los espectáculos que continúan emocionándonos. Es verdad que las obligaciones profesionales de cada uno de nosotros son cada vez mayores pero intentamos mantener vivos nuestros trabajos más representativos (“Miguel Hernández” “Calisto. Historia de un personaje” “Negra!”)
¿En gira?…
“Romeo. Versión montesca de la tragedia de Verona” continua su gira por España y en septiembre viaja al Festival Internacional de Teatro de Nuevo León que se celebra en Monterrey, México. Continuamos también representando “Miguel Hernández” y “Qfwfq” viajará pronto por Galicia, Aragón, vamos a Málaga, y de nuevo al País Vasco. Esperamos mantenerlo vivo mucho tiempo.
¿Cómo surgen los trabajos audiovisuales realizados por el equipo de Meridional?…
Desde hace tiempo nos interesa la idea de jugar con las imágenes en nuestros montajes teatrales. Empezamos incluyendo fotografías en “Miguel Hernández”, imágenes en movimiento en “Como ser Leonardo”, películas propias en “La verdadera historia de los hermanos Marx” y cuando hace unos años Marina Seresesky empieza a presentarnos sus guiones de cortometrajes nos entusiasmamos al instante y decidimos producirlos. Sus trabajos han ido teniendo cada vez más proyección hasta el punto de haber sido nominados a los Premios Goya con “La boda”, nuestro último corto. Lo natural era continuar produciendo y en esas estamos. En un futuro próximo rodaremos nuestro primer largometraje de ficción, escrito y dirigido por Marina, titulado “La puerta abierta” y que protagonizarán Carmen Machi, Amparo Baró y Asier Etxeandía.
¿Están conectados con la teatralidad de la Compañía?…
Nuestras producciones teatrales descansan fundamentalmente en el trabajo de los actores. Todos somos actores, sobre todas las cosas. Trabajamos con un dramaturgo que no solo escribe para nosotros sino que, mientras lo hace, ya sabe qué actor va a interpretar cada uno de sus personajes. Y creo que el trabajo que Marina desarrolla en nuestros proyectos audiovisuales tiene una de sus características principales (aunque no es la única) en la relación que desarrolla con los actores a los que dirige.
¿Qué proyectos tenéis entre manos?…De Meridional o con otras compañías…
En cine, además de “La puerta abierta”, ya casi en fase de preproducción, estamos desarrollando otros tres proyectos de largometraje y una coproducción de un guión ajeno. En breve soñamos con grabar el piloto de un serie para televisión también escrita por Marina.
En teatro estrenaremos una nueva producción en el segundo trimestre del 2015. Un texto original de Julio Salvatierra que seguramente coproduciremos en varias autonomías. También trabajamos en una adaptación del “Rey Lear” que, desde hace un tiempo, queremos producir.
Pondremos todo nuestro empeño en sacar adelante estos proyectos y si no lo conseguimos seguro que sacaremos algo grande del tiempo que les estamos dedicando. Voluntad no va a faltar.
¿Cómo están afectando los recortes y el aumento del I.V.A. a los proyectos de teatro?…
No hay más que ver todas las compañías que se van quedando en el camino. Estructuras de producción artística que además eran una fuente constante de creación de empleo en un sector tan precario como es el nuestro. Por no hablar de todas aquellas que ni siquiera han tenido la oportunidad de nacer.
Con la situación actual es de locos hacer temporadas en ciudades que no sean aquellas de donde son las compañías. El margen de beneficio, si lo había, desapareció con la brutal e insensata subida del IVA. No me explico como los responsables de estas decisiones que se han demostrado erróneas no rectifican inmediatamente para intentar subsanar las enormes consecuencias negativas. Y si en teatro estamos sufriendo, en el cine la situación es catastrófica con las pocas productoras que se atreven a rodar produciendo sus películas en el extranjero donde se sienten mucho más cuidadas y protegidas.
¿Qué montaje que hayas visto últimamente, te ha interesado?¿Por qué?…
“Misántropo” de Kamikaze Producciones. Me dejó sin palabras.
Pia Tedesco: “Crear es una necesidad inherente al hombre.»
¿Cómo fueron tus inicios en el teatro?…
Empecé a estudiar en el Instituto, hicimos algunas cositas, fuimos a un festival…
Me encantaba ver teatro. Una de las cosas que más recuerdo es una versión de “Don Gil de las Calzas Verdes” en el Teatro San Martín de Buenos Aires. Yo era muy pequeña y esa puesta en escena me dejó fascinada. Todavía puedo tararear la melodía que cantaban al final de la función.
Luego estudié con varios y buenos profesores, hasta que llegué al estudio de la (norte) americana Joy Morris que acababa de llegar a Argentina de la mano de Leonardo Sbaraglia. Él, fascinado, le había organizado un workshop en la ciudad. Estudiando con ella, encontré mi fortaleza para el escenario. Luego trabajé para ella tres años y pude asistir a todos sus cursos, talleres y seminarios durante ese tiempo (unos cinco días a la semana, y las clases duraban de catro a ocho horas, según el formato).
Lo primero hice fue un musical bastante raro (jjj) y luego empecé a hacer teatro independiente, o clásicos y a montar mis propias cositas en Buenos Aires.
¿Qué balance harías sobre tu trayectoria?…
El balance es muy positivo. Excelente.
Hubo muchos “desvíos” en el camino, pero fueron, en realidad momentos de aprendizaje que ahora me lo dan todo. Cada cosa extraña que he probado me ha servido para convertirme en este personaje que bebe de infinitas fuentes y se expresa a través de distintas disciplinas.
Me encanta trabajar para otros, y, sin embargo, puedo montar y dirigir espectáculos. Eso me hace muy libre, y cada vez que decido servir al proyecto de otro, lo hago con entrega y cariño, porque sé lo que cuesta crear algo desde cero.
Seré siempre aprendiz. Eso me encanta. Y, poco a poco, también soy cada vez más maestra en ciertas cosas.
El balance es positivo, muy positivo. Amo lo que hago.
¿Qué sentido ha de tener el teatro para la sociedad en la que vivimos?..
Hay que hacer teatro como quien vive:
Uno vive, porque siente deseos de vivir, y después le buscas la explicación.
El primer sentido, lo encuentro para mí misma.
Hay una frase de Picasso que me impactó mucho: “El arte es una mentira que nos acerca a la verdad”.
Como artistas, transformamos nuestros propios fantasmas en amigos, hablamos de ellos como si fueran los de otro. Hacemos humor donde hay dolor. Ponemos la lupa en cosas diminutas… creamos un mundo paralelo en el que tratamos las verdades, las procesamos, las convertimos en la única verdad del momento. Y, así, somos capaces de enfrentarnos, función tras función a hechos con los que nos costaría mucho más relacionarnos si no fuese porque el teatro rodea todo de magia.
De la misma manera, y muchas veces sin quererlo, acercamos al público a esas mismas cosas a las que no le dedicaría más de un pensamiento, si no estuviesen rodeadas de esa magia del teatro, si no fuesen el conflicto de un personaje al que queremos, o si no se oyesen a través de una música preciosa.
Es decir, el teatro, tiene la capacidad (aunque siempre depende de quien esté en la butaca, suelo, silla o cojín, que no todo son teatros a la italiana) de enfrentarnos por propia voluntad, a realidades que a veces evitamos o que se nos escapan.
El sentido del teatro es hablar de lo que no se habla, mostrar lo que no se muestra. Poner la lupa donde interesa. Despertar la imaginación, provocar, inspirar.
El teatro funciona muchas veces como la expresión del inconciente colectivo. Y eso es muy grande.
¿Cómo surgen las ideas y los proyectos en los que te embarcas?¿Qué te anima a participar en ellos?…
Siempre, siempre son proyectos en los que siento que tengo algo que decir, que aportar. Ya sean míos, compartidos o de otros.
Me anima a participar en un proyecto, como te decía, el hecho de sentir que lo que se cuenta o cómo se lo cuenta, vibra con alguna cuerda de mi instrumento personal.
Otra de las cosas que me atraen son los desafíos, las ideas descabelladas (tengo bastante trayectoria embarcándome en cosas ‘imposibles’ que finalmente han resultado exitosas – o no!).
Y algo más que me seduce es el colaborar con gente con la que me siento orgullosa y feliz de trabajar (pueden ser distintos los motivos: admiración, cariño, respeto…).
¿Cómo surgió el cabaret que presentarás en TEATRO del BARRIO…?…Háblanos de este proyecto y tu trabajo en él…
“Bordeaux, Historias de Cabaret” es una maravilla de criatura.
Es divertido, original. Tiene música, tiene teatro.
Tiene las proyecciones de Eponine Franckx, y una banda de músicos en directo que es una maravilla.
Investigué sobre canciones de cabaret de todos los tiempos y varios continentes y me quedé con lo más divertido y especial que encontré. Luego traduje casi todas las letras (son una maravilla y merecen ser traducidas con cariño y comprendidas al instante por el espectador).
Cada canción es muy potente en sí misma. Tanto por los arreglos como por los textos.
Una vez, después de dar un concierto, me dijeron algo que cambió mi vida. “Cantas muy bien todas estas canciones, pero es un camino ya recorrido. Lo que hay que hacer es algo que nadie más pueda hacer”.
Y dejé de buscar tanto en lo que otros hacían. De hecho, hace cinco años, cuando empecé a hacer cabaret en España, había muy poquita gente que lo hiciera, y mucha menos gente que lo hiciera con respeto o calidad. La gente de “La vi e bel” es excelente, o el cabaret que montaron Jorge Usón y Carmen Barrantes con las canciones de Boris Vian… Pero en general se confunde el Cabaret con el circo o el vodevil.
Porque lo único que nadie puede hacer es lo que uno es: una mezcla única de experiencias y conocimientos.
Cada cual tiene esa receta maestra en su esencia, y me dediqué a buscar la mía. Canto canciones de otros, y canciones mías. Digo textos de otros y textos míos. Genero mi propio imaginario que bebe de muchos imaginarios. Pero todo lo paso por mi “émbolo transformador”.
¿Cómo preparas los personajes?¿Tienes algún método?…
Ahora, con “Bordeaux, Historias de Cabaret” son casi todo canciones.
Y cada canción la trato como si de un monólogo o escena se tratase. En realidad son eso: pequeñas obras dramáticas de corta duración, en las que, además, cantas.
Suelo trabajar un personaje para todo el espectáculo y luego afinar cada escena.
He trabajado con maestros que buscaban desde fuera hacia adentro y al revés, también. Combino todo a lo que he tenido acceso, cada momento, cada día, cada desafío es distinto e investigo hasta que doy con la esencia que quiero transmitiry luego busco los medios para hacerlo: desde el pasado del personaje, imágenes, vestuario… Pero sobre todo trabajo el aquí y ahora. En un escenario no hay nada más que la verdad que sucede momento a momento, y de ella me nutro para devolverla transformada.
¿En qué proyectos has participado durante el último año?…
Este año he estado en varias cosas interesantes.
Como cantante he participado en el próximo disco de Víctor Coyote, que, ya os lo aviso, es genial.
He estado actuando en Argentina por primera vez desde que vine a vivir a Madrid y compartí escenario con gente fabulosa.
Estoy componiendo canciones para mi próximo disco.
He actuado en la gala de los Premios Max rodeada de unos artistazos enormes y dirigida por Mariano de Paco, que es uno de los directores con más carisma que conozco.
Hemos celebrado la Sexta Edición del CABARET FLOTANTE, una fiesta que ha nacido de la unión de imaginarios entre Raúl Márquez (violinista único de jazz y flamenco) y yo. El Cabaret Flotante es uno de los eventos más bonitos que te puedas imaginar (buscad fotos en las redes y lo comprobaréis): una Cabaret Jam Session en Barcas que organizamos anualmente en la Casa de Campo de Madrid, en la que todo tipo de disciplina artística es bienvenida, y pronto se hará en más sitios.
He seguido con las funciones de “Bordeaux, Historias de Cabaret”.
He retomado la enseñanza del canto, así que tengo varios alumnos.
Y algunas cosillas más por ahí!.
¿Qué proyectos tienes entre manos?…
Ufff! Jajaja! Bastantes. Dos o tres, que son muchos!
Aunque prefiero mostrarlos cuando esos “niños” hablen por sí mismos. Hay cosas potentes gestándose.
Por lo pronto, el “Cabaret Flotante” crece, e inspira a muchos de nosotros para trabajar en ello.
Sigo haciendo teatro y musiquita.
¿Cómo crees que están afectando los recortes y el aumento del I.V.A. a los proyectos de teatro?…
Los recortes son sólo un reflejo de la política cultural que se lleva adelante.
Las prioridades de una nación deberían ser educación, salud y cultura. Eso, si te interesa crear una nación fuerte y pensante.
Si lo que se quiere es devaluar el valor de la vida creando miedo, y minando la moral, si lo que se hace es alejar a las personas del conocimiento, es porque en vez de buscar guiar a un pueblo fuerte, lo que se busca es dominar a un pueblo débil desde el temor.
Y nuestros gobiernos son sólo el reflejo de lo que apoyamos a pequeña escala. Cuando dejemos de creer que el dinero lo es todo, dejarán de dominarnos desde el dinero, desde las hipotecas, desde los pequeños o grandes sobornos.
Así que más vale que leamos, aprendamos y amemos: son las mayores rebeliones posibles ante la mediocridad.
La falta de amor te vuelve indiferente ante el sufrimiento de otros.
Foto: José Luis Castelló Ramo
¿Qué montaje que hayas visto últimamente, te ha interesado?¿Por qué?…
Ahora mismo: La Ópera del Malandro. En el Centro Cultural de la Villa.
Artistas talentosos en escena, un libro basado en la “Ópera de los tres peniques” de Brecht.
Un tema interesante: el pez que se muerde la cola.
Una sociedad que se estafa y se roba a sí misma constantemente, y es tan ciega que cree que la culpa la tienen los demás.
¿Alguna sugerencia para seguir creando y haciendo teatro en tiempos de crisis?…
Crear es una necesidad inherente al hombre.
Quien renuncia a crear, renuncia a su alma. Crear de la manera que sea.
Debes contar lo que necesites contar, con los medios con los que cuentes ahora. Más adelante serás otro, serás mejor, serás más rico o más reconocido, o no estarás. Crear en el presente es lo único que tienes y lo que te hace artista.
Todo es teatro: Desde bailar frente a un fuego para otros hasta actuar en el Teatro Real dirigido por Bob Wilson.
Lo relevante es la importancia que le des. Y eso te lleva a donde tienes que estar.
José Luis Alcobendas: «Mantenernos siempre activos y alerta»
¿Cómo fueron tus inicios en el teatro?…
Era estudiante de 3º de BUP en un colegio de curas del barrio de Hortaleza. Tenía quince años cuando, de mutuo acuerdo con el profesor de Historia, decidimos no hacer una lectura dramatizada sino representar en el teatrito del colegio Las meninas, de Antonio Buero Vallejo. A mí me tocó hacer de malo, el Marqués. Nos entusiasmó tanto la experiencia que decidimos montar otra obra más y otra y otra… Durante siete años estuvimos mostrando nuestros trabajos en centros culturales, institutos y colegios. Licenciado ya en Veterinaria, tocaba disolver el grupo y dispersarnos. Alguien me sugirió presentarme a las pruebas de ingreso en la RESAD. Lo hice y me admitieron. Allí me encontré con Ángel Gutiérrez con el que descubrí el «Teatro de Arte» y que se convertiría en mi maestro.
¿Qué balance harías sobre tu trayectoria en teatro?…
Bueno, lo que en principio pudiera parecer una vocación por descubrir, tardía y peregrina, se convirtió en mi vocación que es la que me ha mantenido y me mantiene fiel a un compromiso y apegado a una tarea exigente, gratificante aunque, por momentos, decepcionante y penosa pero siempre necesaria y hermosa.
¿Cómo surgen las ideas y los proyectos en los que te embarcas? ¿Qué te anima a participar en ellos?…
Todo lo que he hecho en teatro procede de ideas y proyectos de terceras personas, propuestas que acepto. Los actores tenemos mucho de mercenario. Yo, alguna idea y algún proyecto tengo pero pendientes de materializar. Me preocupa la salud del ser humano y el grupo. No puedo mirar para otro lado y como considero que el teatro es, como tal, un servicio a la sociedad, pongo todo mi esfuerzo y toda mi fe, sobre todo, en aquellos proyectos en los que el teatro resulta ser un medio para la reflexión, para formar conciencias, para dar luz, un bálsamo, un aguijón, un espejo donde vernos ridiculizados, una tribuna donde elevar la voz…
¿Cómo surgió tu participación en Un hombre con gafas de pasta? Háblanos de tu personaje…
Inge Martín que es una actriz muy valiente se decidió a producir este espectáculo. Un buen día me llamó y le dije que sí. Me sorprendió el texto de Jordi Casanovas. Una historia curiosa, intrigante y crítica presentada en un género teatral desconcertante porque es una mezcla explosiva e inesperada de varios géneros lo que sacude al público y le obliga a hacer un viaje de vértigo.
En Un hombre con gafas de pasta yo soy el hombre con gafas de pasta, Marcos Sarasate. Este hombre, poeta, intelectual, animal de tertulias, galerías de arte, inauguraciones, cenas honoríficas, presentaciones y eventos varios, alimenta su ego con la admiración y la envidia que provoca a su alrededor. Son personas muy dañinas, vampíricas, porque roban la energía de los incautos y generosos, sobre todo. En la historia que presentamos, este ser atractivo/odioso se encuentra con tres víctimas que intentará no desaprovechar: una ingenua y desarmada Aina recién golpeada por la ruptura con su chico y una alegre pareja, Laia y Óscar, con un hijo en camino.
¿Cómo creas los personajes? ¿Tienes un método?…
No sé si «método» Lo que tengo es una cocina donde me monto mis platos pero sin recetas. Después de más de veinte años dedicándome a esto he ido llenando el saco con cursos, talleres, ensayos, consejos, advertencias, experimentos y funciones con público. Cuando empiezo un proceso de ensayo me siento totalmente vacío, frágil, con una sensación de estar situado al borde del abismo, como de recién nacido. De verdad, es la sensación de no saber nada. La lectura atenta del texto es la que me da toda la información que se enriquece con la visión del director y de la del resto de compañeros. A partir de ahí, comienzo a hacerme con herramientas y sostenes con los que crecer y sentirme poco a poco más seguro. Necesito comprender qué es lo que pasa en la obra, por qué actúa cada personaje como actúa, que sucede en cada escena, etc. Cuanta más información obtenga mejor. Tras este análisis previo, absolutamente racional, dejo la cabeza en la mesa, me levanto, nos levantamos y nos confrontamos en escena donde dejamos que se produzca lo espontáneo y sorprendente, el conflicto, la pasión, la animalidad, los afectos, el humor, la magia.
¿En qué proyectos has participado durante el último año?…
Desde hace más de una año y hasta este mes de junio he participado en un Julio César de W. Shakespeare dirigido por Paco Azorín. Pasé en octubre por el CDN con el montaje de Doña Perfecta dirigida por Ernesto Caballero y desde el 7 de abril que estrenamos en la Pensión de las pulgas con Un hombre con gafas de pasta, escrita y dirigida por Jordi Casanovas.
¿Qué proyectos tienes entre manos?…
Pues aparte de Un hombre con gafas de pasta que esperamos tenga una larga vida, participo en un proyecto en torno a la figura de El Greco a punto de estrenar (28 de junio en el Festival Internacional de Teatro Clásico de Cáceres): El Greco y la legión tebana, dirigido por Ignacio García.
¿Cómo crees que están afectando los recortes y el aumento del IVA a los proyectos de teatro?…
Pues viendo las medidas tomadas por el gobierno con respecto al teatro en particular y a la cultura en general, se diría que pretenden exterminarnos. Nos están haciendo sudar sangre. Compañías que tienen que echar el cierre y proyectos simplemente inviables por ese mordisco que supone el IVA. Esta penosa situación nos trae ruina, precariedad, inseguridad, pérdida de calidad, incertidumbre, espantada de público, paro… Pero como alguien dijo, el ministro de turno, el gobierno de turno, pasarán, el teatro quedará. Defendemos algo que tiene el peso y la trascendencia de siglos. Esa fuerza enorme es la que nos sigue impulsando y animando día a día. Pero, joder, que mal nos lo están haciendo pasar.
¿Qué montaje que hayas visto últimamente te ha interesado? ¿Por qué?…
El Misántropo de Molière en versión y dirección de Miguel del Arco. Un vivo retrato donde vernos con perplejidad los hombres y mujeres del siglo XXI, con nuestros anhelos, nuestras miserias, nuestras contradicciones, nuestras ilusiones y frustraciones.
¿Alguna sugerencia para seguir creando y haciendo teatro en tiempos de crisis?…
Perseverancia y fe. Mantenernos siempre activos y alerta, que la oferta de trabajo nos pille bien dispuestos para la creación. Y si la oferta esa no llega, propiciarla, provocarla. Y a pesar de la falta de dinero, de espacio, de tiempo, no descuidar nunca la calidad, la excelencia en todo lo que hagamos, el rigor y la exigencia evitando la autocomplacencia.
Juan, el Mistela: «Cuando llega el duende es todo mucho más emociante»
¿Cómo surge el proyecto que presentas en Suma Flamenca?…
Surge como todo de la inspiración y de la unión de experiencias y sentimientos de dos artistas de Los Palacios. Álvaro Begines y un servidor.
Háblanos de él…
Siempre he pensado que nacemos con una impronta propia que no está determinada sólo genéticamente sino que es un compendio de matices que con el aprendizaje forman nuestra personalidad. En el arte esto toma quizá una relevancia especial. El bailaor, el pintor, el cantaor o el poeta, por ejemplo, lo es casi desde nace aún sin saberlo. Quería contar esto en “Bailando la vida”, espero que se entienda y que emocione. Cuento con un reparto fantástico y me siento satisfecho con el resultado.
¿Qué balance haces de tu trayectoria?…
He tenido la suerte y el placer de trabajar junto a maestros del baile y la dramaturgia como Mario Maya o Salvador Távora respectivamente.
Además de haber trabajado en los principales teatros de Europa y America.
Ahora me siento ilusionado y además con la madurez que te da el tiempo.
Hoy cuento con una compañía teatral que me avala La Buenaventura Teatro.
¿En qué proyectos has participado en el último año?…
He estado involucrado con el joven dramaturgo David Díaz en “Bailando la vida”, es un espectáculo complejo y ha necesitado mucho tiempo de creación y puesta en escena. Además ya estamos involucrados en un nuevo espectáculo muy flamenco.
¿Qué te parece la programación de SUMA FLAMENCA?…
Como en casi todo, están los que son pero no son todos los que están, quizá porque eso es demasiado complicado.
Proyectos como la SUMA FLAMENCA son un gran aliciente para los flamencos y para darle a nuestro arte flamenco la importancia que merece.
¿Cómo ves el panorama del flamenco en nuestro país hoy?…
El flamenco siempre tiene su público. Creo que hay en la actualidad muy buenos artistas, gente con mucha técnica y preparación. Tal vez, a veces, hecho de menos en lo mío, en el baile, bailaores y bailaoras más completas, que no centren su baile sólo en los pies o en las manos, veo esto como un todo y siempre me he preocupado por cuidar mucho eso, lo aprendí de mis maestros y es la forma de bailar que me gusta.
¿Están surgiendo bailarines mejor preparados en estos momentos?…
Esta pregunta puede ser respondida en la anterior. Sin duda, hay más técnica y más preparación, espero que esto nunca esté reñido con la flamencura.
¿Qué es el duende para ti?…
Es aquello que viene nunca se sabe cuando y que consigue que lo que has hecho desde siempre cambie en un segundo su nombre y apellidos. Cuando llega el duende es todo mucho más emociante y ya cuando el pueblo lo siente y existe esa conexión… Pare usted de contar.
¿Qué proyectos tienes en preparación?…
Tengo por detrás una compañía que pertenece al grupo Buenventura Media Group, gente joven muy creativa con la que estamos en continua creación. Ya estamos inmersos en nuevo espectáculo muy flamenco y actual del que todavía no puedo hablar demasiado.
¿Cómo crees que están afectando los recortes y el aumento del I.V.A. a los proyectos de danza?…
A la danza, al teatro, al cine… Creo que es el I.V.A cultural más alto de Europa, precisamente en el país que más cultura exporta, una locura que nadie entiende.
Es dificilísimo espero que esto cambie por el bien de todos.
¿Qué espectáculo has visto últimamente que te haya interesado?¿Por qué?…
Hace poco estoy viendo un espectáculo de Antonio Gades en Televisión, aún sigue estando de actualidad, una genialidad.
¿Alguna sugerencia para seguir creando en tiempos de crisis?…
Seguir creando poniéndolo todo, hacerlo por el mero de que esto se convierte en una necesidad artística o anímica, diría yo y no tenemos más remedio que seguir adelante.
Todas las crisis económicas o creativas pasan y esta no va a ser diferente.
Eduardo Guerrero: Los artistas estamos hechos para contar cosas.
¿Cómo surge el proyecto que presentas en Suma Flamenca?…Háblanos de él…
Es un espectáculo que siempre estaba en mi mente, la idea de volver a mis raíces a mi identidad a la esencia del flamenco. Es un recorrido por los primeros palos del flamenco con los que tuve contacto pero llevados a los tiempos en los que estamos con momentos de fusión pero siempre de vuelta a mis raíces y siempre sin dejar de recordar a mis maestros de los cuales sigo aprendiendo y admirando.
¿Qué balance haces de tu trayectoria?…
El balance ha sido muy positivo desde que comencé mi carrera he tenido la suerte de poder trabajar con grandes figuras del flamenco y de la danza española mi primer contacto fue con uno de los grandes Javier Latorre del cual he aprendido mucho, luego llegue a la compañía de Aída Gómez una de mis grandes maestras a la cual admiró y sigo compartiendo escenario con ella, después la compañía de Eva Yerbabuena con ella acabo de cumplir 10 años subiéndome a los mejores escenarios del mundo, luego fue con Rocío Molina y eso es fabuloso me encanta trabajar con ella es aprendizaje día a día, luego con Antonio Canales maestro entre los maestros eso fue beber de la fuente del flamenco. Mientras trabajaba con todas estas compañías no he dejado de hacer mis proyectos en solitario algo que ha sido gracias al apoyo de todos ellos. Colaboraciones con la cantante Pasión Vega y aunque se que todavía me quedan muchísimas más cosas que hacer creo que hasta el momento es una trayectoria muy positiva.
¿En qué proyectos has participado en el último año?…
En el año 2013 termine con dos grandes proyectos y sueños cumplidos uno el del premio Desplanté en el Festival de la Unión las Minas en Murcia y la invitación del director del Teatro Bolshoi de Moscú el gran bailarín Vladimir Vasile. 2014 comenzó con una gira por New York, Miami, Japón y China. He estado presentando coreografías en el Teatro Alberts Holl de Bruselas, acabo de estrenar un espectáculo llamado «Unión» donde nos hemos reunido los ganadores del festival de la unión estrenado en Granada en el Teatro Alhambra dentro de la programación Flamenco viene del sur. Este año también he pasado por las tablas del Tablao Corral de la Moreria en Madrid.
¿Qué te parece la programación de SUMA FLAMENCA?…
Es una programación muy interesante como su título dice es el festival de la suma de todos los artistas tanto los ya consagrados como los jóvenes que queremos y necesitamos un espacio donde contar nuestras historias y es una escaparate fabuloso. Para mí es una gran oportunidad de poder mostrar a los madrileños mi arte. Suma y su programación también me ha dado la oportunidad de compartir cartel con grandes nombres del panorama del flamenco como José Merce, Carmen Linares, Jorge Pardo etc… Para mí es un orgullo poder estar dentro de la programación y poder pisar el día 27 las tablas del Teatro de la Abadía con muchas ganas de que los madrileños disfruten de mi trabajo en solitario y el día 28 en el Teatro Coliseo Carlos III de El Escorial.
¿Cómo ves el panorama del flamenco en nuestro país hoy?…
El flamenco es hoy patrimonio universal de la humanidad, nos pertenece a todos y cada uno de los que amamos y mimamos este arte y además el flamenco es embajadoro de la Marca España. Cada vez tenemos algo más de apoyo para poder hacer nuestros proyectos y el flamenco, hoy, está llegando a grandes teatros y a todos los lugares del mundo y eso es algo muy importante.
¿Están surgiendo bailarines mejor preparados en estos momentos?…
No es que estén mejor ni peor preparados, la danza como todo en la vida pasa por fases y diferentes estados habrá momentos en los que veamos una forma de baile que nos guste pero luego volvamos a buscar algo más sencillo y no tan preparado, es lo que yo pienso; al final siempre volveremos a nuestros principios, lo importante es que cada uno lo haga con su propia visión.
¿Qué es el duende para ti?…
El duende es algo muy difícil de explicar, para mí, sucede cuando estas en el escenario y te sientes como sí no existieras tu persona es algo que se apodera de ti, en ese momento la mente está fuera de sí, es un momento mágico que aparece en el baile, cante o el toque y cuando estoy como espectador lo veo en ese momento en el que descubres la transformación radical del artista, algo que nunca has visto.
¿Qué proyectos tienes en preparación?…
Preparando ahora mismo el espectáculo que presentare en suma flamenca «Re_Torno». El 3 de octubre estaré presentado «El callejón de los pecados» en la Bienal de Sevilla. Cerrando una gira por suiza con mi espectáculo D’Dolores. Trabajando con la bailaora Ursula López con su espectáculo «La otra piel» y también en la nueva producción de Rocío Molina para Francia y la bienal de Sevilla.
¿Cómo crees que están afectando los recortes y el aumento del I.V.A. a los proyectos de danza?…
Ha sido un golpe muy duro para todos los artistas, esperemos que cuando pase esta situación volvamos a un IVA que facilite a los artistas poder seguir trabajando con mayor comodidad y para que los espectadores puedan volver a ir al teatro con un precio en la entrada asequible al bolsillo de todos. Al final esto nos afecta a todos al que presenta, al programador, a quien contrata, etc…
¿Qué espectáculo has visto últimamente que te haya interesado?¿Por qué?…
Ay!! Un espectáculo de Eva Yerbabuena por qué en el descubres a la gran artista que es Eva lo recomiendo a todo el mundo.
¿Alguna sugerencia para seguir creando en tiempos de crisis?…
No pensar que estamos en crisis, los artistas estamos hechos para contar cosas ya sea en estos tiempos o en otros, la cuestión es que sigamos apostando por nuestro arte que es lo más importante .
La Toñi: La vida es una discoteca, ¿no?.
¿Cómo fue tu infancia?…
La verdad es que tuve una infancia muy feliz, es la única etapa de mi vida de la que no tengo ningún recuerdo amargo. Crecí en una ciudad pequeña, o pueblo grande, como quieras llamarlo, y soy de la generación que jugábamos en la calle, volvíamos con las rodillas peladas y tomabamos tostadas de pan de hogaza con un chorrito de vino. ¡Ah! Y en casa estaba Raquel, una mula preciosa con la que mi padre iba al campo, y me gustaba jugar en el heno a su lado y el olor de su sudor. Siempre he pensado que deberían hacer un perfume con sudor equino.
¿Es verdad que fuiste una niña robada?…
Mira, no me gusta hablar de intimidades, pero te voy a dar una exclusiva porque me caes bien. Ya adolescente, trajinando cajones en el cobertizo donde mi madre guardaba tesoros absurdos, encontré unos documentos con un nombre: «Marco Antonio Salvatore». Durante años creí que tenía un hermano oculto en algun lugar de Italia. Cuando pregunté mis padres se hicieron los locos, pero una noche les escuché discutir. Mi padre, como siempre que no tenía razón, gritaba demasiado como para mantener secretos: «El niño quiere saber, el niño quiere saber…» «¡Deja al niño que está muy bien como está, si no fuera por nosotros vete tú a saber que habría hecho con él esa puta italiana!» ¡Y así descubrí que era italiano! Todo encajaba, no era normal que aprendiera tán rápido las letras de las canciones de Mina…
¿Estuviste secuestrada en la Orden del Santo Membrillo?…
No fue nada fácil, pasaron muchos años y tuve que tirar de muchos hilos para conseguir información sobre mi madre biológica, y gracias a un juez que fue un gran amigo mio y que hizo mucho por este país aunque se le ha tratado muy, muy mal, bueno, pues eso, que las pistas me llevaron al convento y como la madre superiora, Sor Leona, tiene mucho carácter y mucho que ocultar, tuve que poner todo de mi parte para que me abrieran sus corazones… No puedo juzgarlas, ¡es muy dura la vida conventual! Yo soy una mujer mundana, pero ellas, ellas viven entre fantasías y realidades muy manipuladas, ¡las pobres!
No fue un secuestro, fue una reclusión voluntaria y tengo mucho que agradecer a esa época de mi vida y a mis compañeras y hermanas.
Dicen que tuviste problemas con tus compañeras en un cursillo de peluquería siendo adolescente. ¿Por qué?…
Yo siempre he sido muy autodidacta, y eso, las que no tienen talento lo llevan muy mal. A mí el hacer las cosas según un manual me aburre y ya de joven, en un cursillo de peluquería me dio por experimentar con algunas compañeras ¡y se lió la de Dios! ¡Que si le estás friendo el pelo, que si se lo quemas, que qué cosa más horrorosa! ¡Pero mira por dónde, al final mi éxito fue reconocido y hoy en día todo el mundo sabe que fui la inventora del «body», un tipo de permanente muy abigarrada que se llevó mucho en los ochenta! Y eso fue gracias a mi espíritu creativo y a mi osadía al saltarme las normas.
¿Cuándo descubriste que querías ser artista?…
De pequeña esperaba impaciente el sábado para poder ver Aplauso en la tele, ¡las coreografías de Giorgio Aresu eran mi sueño! Toda mi vida apuntaba al sábado. Me las aprendía del tirón, y eso que todavía no existían los vídeos y no las podía grabar, así que desarrollé una memoria fotográfica. Todavía hoy en día puedo reproducuir cualquier paso al momento, siempre fui muy dotada. Para el baile, se entiende.
¿Quiénes te han inspirado?…
Mis referentes son Romy Schneider -su vida fué un drama pero ella luchó por ser libre y arrancarse de la piel etiquetas de buena chica, de princesa angelical, y la verdad es que tuvo muy mala suerte con los hombres y eso no lo merecía… un poco como yo-. También me gustan mucho Rocío Jurado, Massiel, Mina y, por supuesto, Isabel Tenaille.
Háblanos de la época de Elepé…
Fueron unos años preciosos, mis últimos años…
La verdad es que Madrid era una fiesta, ¡Tierno Galván! Un alcalde que nos invitaba a colocarnos. Respirábamos aire puro después de cuarenta años de dictadura. Elepé fué un referente de la Movida, fue agua cristalina en medio del desierto, para mí y para muchos. Allí reímos y lloramos y vomitamos y follamos y cantamos y bailamos y volamos como locos felices, porque los ochenta eran nuestros -siempre me encuentro ligada a Ana Diosdado sin saber por qué…-.
Lucía fue mi alma gemela, mi hermana mayor y pequeña. Y Ángel… Bueno, siempre estuve secretamente enamorada de Ángel, pero su pureza estaba más allá de nuestro mundo terrenal. Ni siquiera Lucía, que era el verdadero amor de su vida, pudo retenerlo.
Elepé fué un paréntesis, un regalo de la vida en el que hice grandísimos amigos, y tambien perdí a muchos otros… Allí me despedí de todos los que amé, y allí dediqué mi ultima canción a todas las personas que se fueron por el sida… Qué década la de los ochenta, y qué precio tan alto tuvimos que pagar.
Pero no nos pongamos tristes. La vida es una discoteca, ¿no?.
María Velasco: Detesto el entretenimiento.
¿Cómo surgen los proyectos dramatúrgicos y de dirección que han presentado este año?…
Cada uno tiene un punto de partida. “Günter” (dentro del ciclo ETC, de Cuarta Pared) es un viejo proyecto, de 2009, rescatado; “El Banquete” cumple ahora un año, habiendo sido estrenado en el Fringe 2013, y lo concebí con la directora Sonia Sebastián, mano a mano; “Intimidad” (Surge Madrid) fue un trabajo menos “comprometido” de adaptación y colaboración con Simbiontes Teatro; “Manlet”, ahora en cartel en la Nave 73, es una grata sorpresa: la directora, Inés Piñole, rescató el texto y lo montó por su cuenta, dando a luz una hermosa propuesta.
¿Cómo fue el proceso de ETC con los actores?…
Generalmente trabajo con actores de mi confianza, con los que comparto una trayectoria mínima. A veces el “casting” no es el ideal, sin embargo esto garantiza que la comunicación sea fluida y que no “escatimemos” riesgos en el proceso. Me gustan los actores-creadores, con iniciativa y creatividad. Mi carrera está unida a la de Aarón Lobato juntos creamos la firma “Pecado de Hybris”.
¿Cómo fue el trabajo de documentación sobre el tema antes de empezar a escribir?…
Descubrí la obra de Günter Brus, en la cual se inspira el texto, en el Museo de Arte Contemporáneo de Barcelona. Sentí un deslumbramiento. Una conexión. Desde entonces prestaba atención a todo lo que tenía que ver con el Movimiento Accionista que se desarrolló en Viena en los años 60 (de Goya y el expresionismo al arte de acción, pasando por la crueldad artaudiana). A partir del “metarelato” de las vanguardias de los años sesenta era posible pensarnos como artistas.
¿Cómo ha sido el proceso del texto a la puesta en escena?…
Ha consistido, en parte, en olvidar la puesta en escena que tenía en mente cuando lo concebí. Buscar imágenes que, sin emular la plástica del Accionismo, partían del mismo subsuelo conceptual. Me he acompañado de un codirector, Diego Domínguez, que aportaba cierta objetividad y frescura a un proyecto “masticado” a lo largo de años. Como tenemos miedo de la “violencia” en escena, preferimos generar imágenes poéticas y efectistas.
¿Ha cambiado tu visión del texto a partir de la lectura hecha en la puesta en escena?…
Siempre rehago mis textos en función de las puestas en escena, aunque las dirija yo misma. Los textos se publican y, de esa manera, se osifican, y no me disgusta, es romántico. Pero el teatro permite dar rienda suelta a la obsesión relacionada con la revisión que compartimos los escritores de todos los géneros. Cada montaje es la excusa para un replanteamiento.
¿Cómo ha sido el proceso de varios autores en El Banquete?…
Creamos un molde, o una estructura englobante. Nunca pretendimos que se tratara de una obra homogénea, sino que dimos prioridad a las texturas. Cinco discursos sobre el amor y cinco plumas. Parte de la gracia de la obra está en la heterogeneidad. Para que esa heterogeneidad fuera “organizada” y “conciliada” hicieron falta muchas reuniones y diálogos. Cuando la escritura colectiva (respetando todas y cada una de las individualidades) funciona, se produce algo mágico. Uno empieza a creer en lo “asambleario”.
¿Participas siempre del proceso de puesta en escena de tus textos?…
Lo intento. No lo puedo evitar, es como una enfermedad. Sin embargo, no creo que sea la única vía. A veces se sobrevalora. Inés Piñole, por ejemplo, ha hecho una lectura muy fidedigna de mi texto “Manlet” sin haber mantenido una sola conversación conmigo. A veces dedicamos demasiado tiempo a “teorizar” y a las “relaciones públicas”. No hay que olvidar la dimensión solitaria del trabajo del escritor, por mucho que el teatro sea un trabajo en grupo.
¿Crees que ha habido crecimiento técnico en lo actoral y la puesta en escena para abordar textos contemporáneos?…
Desde luego. Considero que la literatura dramática –cuando es estimulante- sirve, como decía Heiner Müller, para sugerir desafíos, forzar los ingenios y recursos de la interpretación y la puesta en escena. No es algo exclusivo de la contemporaneidad. Tiene más que ver con un “modo” que desafía el academicismo y el realismo para abordar lo “impresentable” (Lyotard).
¿Se potencia el aprendizaje contemporáneo en las escuelas?…
No demasiado. En la RESAD, por ejemplo, se echa de menos una “apertura” hacia la investigación artística contemporánea. A menudo, se justifica su cerrazón porque la escuela, como su propio nombre indica, es de arte dramático… pero lo posdramático y lo performativo hunden sus raíces en el mismo sustrato. No podemos ignorar una tendencia viva.
¿Cómo ves las nuevas generaciones de creadores?…
En general, creo que hace falta más compromiso y radicalidad. Y me incluyo. Somos demasiado tibios. Hacemos cultura, pero raras veces arte. En el teatro, concretamente, seguimos yendo a la zaga de la música y de las artes plásticas. Seguimos sin sacudirnos al pariente pobre del drama.
¿Están surgiendo nuevos valores en la dramaturgia?…
Disfruto mucho leyendo a algunos de mis contemporáneos (José Manuel Mora, Alberto Conejero, Antonio de Paco…). Infinitamente más que con muchos clásicos. Falta perspectiva (histórica). Sin embargo creo que es un buen momento para la escritura de los países hispanoparlantes. Hace poco con ocasión de un ciclo de textos noruegos organizado por Draftinn y el Teatro Español unos nórdicos nos comentaban sus facilidades económicas para el desarrollo de nuevas dramaturgias, pero hablaban casi con celo de la “crisis”, o el dolor como acicate creativo.
¿Qué opinas sobre el Festival Surge Madrid?…
Creo que hay más cantidad que calidad. Que se ha hecho con poco “mimo” y un gran desconocimiento de los déficits y demandas de la profesión teatral. Se trata de una primera edición… confío en que pueda mejorar.
¿Qué opinas de los espacios no convencionales que están apareciendo en Madrid?…
Por una parte, una cierta ebullición es inherente a la multiplicación de estos espacios. Por otra, empezamos a estar sobrados de salas que ofrecen poco más que unos metros cuadrados, con escasa dotación técnica e infraestructura, y sin un organigrama para la producción o la distribución, etcétera.
¿Qué sentido ha de tener el teatro hoy?…
Rabia. Detesto el entretenimiento. En los tiempos que corren me parece un insulto a la inteligencia.
Alguna sugerencia para crear en tiempos de crisis…
Considerar que la crisis es un momento para el riesgo.
¿Qué obra de teatro has visto últimamente que te haya interesado? ¿Qué te pareció?…
Me gustó mucho “La cena del rey Baltasar”, dirigida por Carlos Tuñón, en la Sala Kubik. Exprimía toda la vigencia del auto sacramental de Calderón. Un gran guiñol de las pasiones humanas. Ardo en deseos de ver qué puede hacer este director con un texto contemporáneo; tampoco puedo dejar de mencionar la propuesta escénica de Inés Piñole sobre “Manlet”, no por el texto, sino por la rigurosísima dirección de actores, la economía de las imágenes, y su elegancia.
¿Proyectos?…
El 1 de julio, en el marco del Orgullo Gay, se estrena “Infamia”, una dramaturgia sobre textos de Oscar Wilde que se centra en los procesos judiciales por los cuales fue condenado por sodomía a dos años de prisión y trabajos forzados. Es un seudomusical de pequeño formato, dirigido por Diego Domínguez y protagonizado con Richard Collins Moore, con el que hice migas en mi experiencia de Escritos en Escena en el CDN. Por lo demás, el proyecto más personal que tengo entre manos tiene que ver con un texto autobiográfico, “Líbrate de las cosas hermosas que te deseo”, que se presenta la próxima temporada en Cuarta Pared dirigido por Jorge Sánchez.
Antonio Canales: «El duende es el orgasmo de Dios»
¿Cómo surge el proyecto que presentas en Suma Flamenca?…Háblanos de él…
Bueno , llevo ya unos años trabajando con Rojas, y hace muy poquito vi el último trabajo de La Lupi: Cartas a Pastora, y en ese momento comprendí que debíamos hacer algo juntos…Ya Miguel andaba detrás de ello y a él le debemos este encuentro….
¿Qué balance haces de tu trayectoria?…
Uffffff, es difícil hacer un balance, pues durante una tan larga carrera se pasa por muchas pistas, carreteras y caminos pecuarios…. Pero yo diría fructífera ….
¿En qué proyectos has participado en el último año?…
Duende con Miguel… Plata y Oro en Japón, y mi última creación: Una Moneda de de dos Caras…
¿Qué te parece la programación de SUMA FLAMENCA?…
Siempre es interesante la Suma… Ya es un Festival muy consolidado.. En el que se apuesta por lo añejo y por las nuevas tendencias… Y en el que siempre hay exposiciones, novedades, y cosas variadas… Como en estos últimos años se han alargado los brazos hacia los tablaos y salas flamencas… Faltan cosas para niños y talleres de flamenco docentes…
¿Cómo ves el panorama del flamenco en nuestro país hoy?…
Esta un poco anémico en cuanto a ayudas y demás sarandongas tan necesarias para avanzar y evolucionar… En cuanto a talento, España es el país más talentoso del universo… Y el Flamenco es un bicho que siempre esta vivo y coleando…
¿Están surgiendo bailarines mejor preparados en estos momentos?…
Pues claroooo, jajajja, se alimentan mejor y tienen más recursos y posibilidades de elegir… Eso no es que hagan el Flamenco mejor que antes noooo, sólo que están más preparados; no hay que confundir…
¿Qué es el duende para ti?…
El orgasmo de Dios…
¿Qué proyectos tienes en preparación?…
Debo crear en Japón «A ti Maestro» y por supuesto continuar de Gira con «Una Moneda de dos Caras» que es lo más importante para mi en estos momentos…También voy a crear para la compañía americana de Hijastros, el Hombre deshabitado de Rafael Alberti…y ante todo no perder la ilusión…
¿Cómo crees que están afectando los recortes y el aumento del I.V.A. a los proyectos de danza?…
No, no esta afectando: Los incapaces de este gobierno están hundiendo la cultura… No hay derecho, con tanto despropósito acabaremos muy mal…
¿Qué espectáculo has visto últimamente que te haya interesado?¿Por qué?…
TITANIUM por lo novedoso y la fusión de estilos y el virtuosismo de sus intérpretes… Cartas a Pastora… Por lo magistral de la dirección de Rojas y los grandes intérpretes de la misma y por supuesto la Lupi única… Y un enconado y un magistral trabajo de Alberto Velasco y Chevi Muraday en La Casa de la Portera para no olvidarlo jamás: CENIZAS…
¿Alguna sugerencia para seguir creando en tiempos de crisis?…
Hecha le guindas al pago, que yo le hechare a la pava, azuquita canela y clavo… Un besote amigos…
RUBÉN OCHANDIANO nos habla de su trabajo para la escena
¿Cómo fueron tus inicios en el teatro?…
Estudiaba «Teatro para adolescentes» en la Sala Cuarta Pared. Javier G. Yagüe se disponía a montar «Nunca dije que era una niña buena», de Gustavo Ott; necesitaba un chaval jovencito para uno de los personajes y, tras verme en una muestra de fin de curso me propuso trabajar en el espectáculo.
Era el año 1996, cobraba cinco mil pesetas por función. Y fui absolutamente feliz. Desde entonces, no he parado.
¿Qué balance harías sobre tu trayectoria en los diferentes ámbitos en los que has creado… Interpretación, dirección, escritura?…
Disfruto creando en todos esos ámbitos. No quiero renunciar a ninguno.
¿Qué sentido ha de tener el teatro para la sociedad en la que vivimos?..
El teatro tiene que despertar, movilizar, hacer reflexionar, conmover, avivar el alma y sembrar poesía… Y entretener.
¿Cómo surgen las ideas y los proyectos en los que te embarcas?¿Qué te anima a participar en ellos?…
Son pasiones que me arrastran. O que me alimentan. O que me pagan muy bien.
¿Cómo surgió la publicación de tu texto?…Háblanos de este proyecto…
«ANIMAL» es un texto escrito hace tres años. El verano pasado surgió la posibilidad de llevarlo a escena. Más o menos por aquel entonces conocí el trabajo de la editorial «Antígona» y les propuse que leyeran la función. Les interesó y accedieron a publicarla.
¿En qué proyectos has participado durante el último año?…
He dirigido un espectáculo nuevo, «LA EVOLUCIÓN» y he rodado la película «VULCANIA», del director argentino José Skaf.
¿Qué proyectos tienes entre manos?…
Comienzo el rodaje de la producción francesa «LE SANCTUAIRE», y en septiembre volvemos al Teatro del Arte con un doblete: «ANIMAL» y «LA EVOLUCIÓN».
Seguimos tratando de levantar, desde hace un año, nuestra versión de «El jardín de los cerezos».
¿Cómo crees que están afectando los recortes y el aumento del I.V.A. a los proyectos de teatro?…
Me aburre y me enfada seguir hablando de esto. Es la debacle de nuestro sector.
¿Qué montaje que hayas visto últimamente, te ha interesado?¿Por qué?…
Ninguno… Porque desde hace meses no he tenido tiempo para ir a las salas!. Estoy con muchas ganas de ver el trabajo de Mencheta, sé que es un tipo interesante… Y espero no perderme «Misántropo», siempre me gusta y me toca lo que hace Miguel del Arco.
¿Alguna sugerencia para seguir creando y haciendo teatro en tiempos de crisis?…
Resistir.
Elisa Sanz nos habla sobre su trayectoria y proyectos.
¿Cómo fueron tus inicios en el diseño de vestuario?…
Mis inicios fueron en una pequeña compañía de teatro que creamos en el Instituto en Burgos. Me encargaba de la escenografía y Vestuario ya que nadie más lo hacía. Luego comencé el experimental de escenografía en la Resad, posteriormente en un master en Londres y finalmente la licenciatura ya reglada en la Resad. En la Escuela de Arte dramático realizaba vestuario para muchos de los talleres que se realizaban. Al mismo tiempo que terminaba mis estudios hacía vestuario y escenografía para compañías pequeñas y también trabajaba de sastra y ayudante de escenógrafos y figurinistas importantes, y así, poco a poco fui trabajando en proyectos más importantes.
¿Lo has compatibilizado con otros trabajos?…
Al principio, mientras estudiaba, trabajaba en todo lo que aparecía, camarera, dependienta en la bisutería de mi tía durante navidades… Posteriormente ayudantías y giras como sastra, utilera, conductora de compañía, coordinadora y dirección técnica…Y ahora lo compatibilizo con la dirección de un mercado alternativo en Burgos y como ama de casa y madre, que también es un gran trabajo que necesita mucha dedicación y entrega.
¿Qué balance harías sobre tu larga trayectoria?…¿Qué proyectos destacarías?…
Mi trayectoria creo que es la creada por mucho esfuerzo, trabajo y dedicación. El balance es muy positivo ya que, a veces, aunque te esfuerces y trabajes no siempre consigues tus metas. Yo creo que las he conseguido y, aún ahora, vivo de mi trabajo como escenógrafa y figurinista, lo que es mucho decir.
De los proyectos en los que he participado, de todos y cada uno de ellos destaco algo. Unos por ser pequeños y con dificultades que superar, otros por ser grandes y difíciles de crear. Unos por ser con compañías con las que he crecido, otros por ser con equipos nuevos con los que empezar de nuevo. Todos y cada uno de los proyectos son importantes en mi trayectoria y de todos destacaría algo.
¿Cómo surgen las ideas?…¿Cuánto margen te dejan para crear durante los procesos?…
Las ideas suelen surgirme trabajando en ellas, pero siempre queda algo que aparece de repente en un sueño o en una imagen que por casualidad llega a mis manos y hace que todo cobre sentido.
Todos los procesos son diferentes. En unos la creación es totalmente libre, en otros comienzas ya con una dirección determinada, en algunos tienes que luchar por que tus creaciones venzan y convenzan, en muchos tu trabajo hace que la puesta en escena sea una creación conjunta en la que mis bocetos junto con las demás aportaciones del equipo artístico formen una creación escénica única.
¿En qué proyectos has participado durante el último año?… 2013 – 14
EN TEATRO
• “Como Gustéis” de W.Shakespeare. Versión y Dirección: Marco Carniti. CDN. Teatro Valle Inclán. 10 de mayo 2014.
• “Locos por el té” de Danielle Navarro –Haudecoeur & Patrick Haudecoeur, Dirección: Quino Falero. Estrenado en Teatro Cofidis Alcazar Madrid, 16 Enero 2014. Diseño de Escenografía y Vestuario
• “El arte de la Entrevista” de Juan Mayorga, Dirección: Juan José Afonso. Estrenada en Teatro Palacio Valdés de Avilés. Diseño de Escenografía y Vestuario.
•
• Nómadas” Teatro Paraiso. Dirección Charlote Fallón. Estreno en Vitoria. 16 Febrero 2014. Diseño de Vestuario.
• “Taitantos” de Olga Iglesias Durán, Dirección: Cote Soler. Julio 13. Teatro Lara de Madrid.
•
• “Emilia” de Claudio Tolcachir. Estrenada en Teatro Palacio Valdés de Avilés. Diseño de Escenografía y vestuario.
•
• “Nada tras la puerta” de Juan Cavestany, José Manuel Mora, Borja Ortiz de Gondra, Yolanda Pallín y Laila Ripoll. Dirección: Mikel Gómez de Segura. Diseño de escenografía y Vestuario. Estrenada en Septiembre en la sala Francisco Nieva del Teatro Valle Inclán de Madrid.
• “El hijoputa del sombrero” de Stephen Adly Guirgis, Dirección: Juan José Afonso. Estrenado en Teatro Príncipe Gran Vía de Madrid. Diseño de escenografía y Vestuario.
• “Recortes” de Juan Cavestany, Dirigida por Mariano Barroso. Estrenada en el Teatro Cuarta Pared de Madrid. Diseño de Escenografía y Vestuario.
•
• “Las chicas del Calendario” Autor: Tim Firth / Adaptación: Marc Rosich/ Dirección: Antonio Calvo. Estrenado en los teatros del Canal. Abril 2013. Diseño de Vestuario.
EN DANZA
• “Con la música en otra parte” Compañía Rafaela Carrasco.
•
• “Constelaciones” Coreografía: Enrique Cabrera. Aracaladanza. Estrenado en el Teatro de la Abadía, Madrid.
¿Te ha tentado alguna vez desarrollar otras facetas más allá del diseño de vestuario?…
Si claro. De hecho las desarrollo. Tengo una marca de ropa transformada Vintage y complementos que diseño yo misma que se llama FuaFua. Dirijo un mercado alternativo que se llama Hangarmarket en Burgos. También realizo otros proyectos en mi ciudad como Pasarelas de ropa Vintage – reciclada, Exposiciones, etc…
¿Cómo surgió el proyecto de Cómo gustéis?…Háblanos del proceso…
Surge de una llamada del CDN. Me reuní con Marco Carniti que estaba buscando a un figurinista y después de reunirse con varios profesionales creo, finalmente me escogió ya que también podía ayudarle con la escenografía. El proceso ha sido rápido e intenso. El proyecto ya se había estrenado en el Globe y en Italia, por lo que aparentemente estaba todo hecho. Pero el resultado es totalmente diferente a lo presentado antes y la mayor dificultad ha sido esto mismo: No copiar lo que ya se había hecho pero trabajando con una misma dirección a la anterior y un concepto ya creado. Ha sido un proceso muy poco habitual y por ello su dificultad, pero creo que, aún no teniendo un trabajo primero con una mesa en blanco, he podido finalmente crear mi mundo a partir de directrices muy estrictas y predeterminadas. Lo que te decía antes, he tenido que luchar para que mis creaciones vencieran y convencieran cediendo a algunas ideas que ya estaban muy fijadas.
Otra gran dificultad ha sido la envergadura del proyecto y el poco tiempo con el que se contaba para ello. Diecisiete actores con dos o tres cambios, tres horas de función… Un presupuesto y tiempo ajustado que ha obligado a crear el vestuario con piezas de stock y vestuario diseñado nuevo y hacer que todo esté en la misma línea y no se note…En fin, ha sido un proceso complicado pero esta complicación ha creado un equipo artístico muy unido y trabajando 100% para la puesta en escena con una gran profesionalidad y complicidad.
¿Cómo ha sido el trabajo con el director?…
Marco es un hombre que tiene muchos años de profesión en la lírica y en los escenarios. Un director que entiende la dramaturgia visual como prioridad y la música como camino de emoción. Tiene muy claras las imágenes que busca y se detiene en todos los detalles de la puesta en escena. Cada elemento de utilería, vestuario, escenografía o iluminación los sigue y los decide.
Nuestra relación ha sido fantástica ya que parecía que nos conocíamos de toda la vida. Y como a alguien al que quieres tienes momentos en el que lo amas y momentos en el que lo querrías matar. Como una bonita relación. Pero con toda la exigencia que ha existido en el montaje siempre hemos terminado con una sonrisa. He aprendido mucho con Marco y es un creador muy muy generoso. Me ha ofrecido su obra y la ha compartido con gran talento estético.
¿Qué proyectos tienes entre manos?…
Ya estoy con “Largo viaje del día hacia la noche” con la dirección de Juan José Afonso y un elenco extraordinario: Mario Gas, Viky Peña, Juan Díaz, Alberto Iglesias y Mamen Camacho. Otros proyectos de los que aún no puedo hablar y la nueva producción de Mónica Runde para 10&10 danza y de Aracaladanza.
¿Cómo están afectando los recortes y el aumento del I.V.A. a los proyectos de teatro?…
Pues que te voy a contar que no sepamos. Bajada de cachés, personal mínimo, presupuestos bajísimos…Un desastre. Pero esperemos que finalmente estos políticos se den cuenta del enorme error que están cometiendo y el gran daño que están causando a la cultura en España.
¿Qué montaje que hayas visto últimamente, te ha interesado?¿Por qué?…
El que más me ha interesado ( y no he estado involucrada) en los últimos meses, es la propuesta de José Antonio Portillo “Archivo de gestos emocionales”. Lo vi en Enero en una capilla en Burgos. Más que un montaje es una propuesta artística. Me emocionó más que ninguna puesta en escena tradicional y me interesa tanto el proceso como la trayectoria de este artista.
¿Alguna sugerencia para seguir creando en tiempos de crisis?…
Sugerencia? No. Necesidad. Es necesario seguir creando. Son necesarias nuevas propuestas, son necesarias nuevas lecturas y es necesario hacer oír las voces del hombre contemporáneo.Es necesario seguir llamando a la emoción y emocionar para despertar corazones y así, humanizar este mundo que están intentando hundir con la destrucción de la empatía.
CECILIA SOLAGUREN nos habla de sus proyectos para la escena
¿Cómo fueron tus inicios en el teatro?…
Pues creo que mi pasión por este oficio me viene de familia. En mi casa el arte siempre ha estado muy presente. Mi madre ha tenido una escuela de música y danza en Bilbao durante 25 años, mi padre es un lector empedernido, escribe poesía ahora que es dueño de todo su tiempo, y mis hermanos se dedican a las música. Tengo recuerdo de hacer teatro en verano, en Murguía, una obra de teatro que escribía mi padre y dirigía mi madre, y participábamos todos los jóvenes de Vitoriano, un pueblito de Alava, y era un gran acontecimiento. Curiosamente me ponía muyyy nerviosa y a veces no salía al escenario, y creo que esa responsabilidad que tenía ya de pequeñita, presagiaba que mi interés por el teatro era muy grande.
Ya con 18 años, mi madre me “empujo” a hacer un taller en Canet de Mar con Comediants, verano del 89, un mes de vivencia y trabajo con Comediants y a partir de ahí decidí ir a la RESAD. Y hasta hoy.
¿Qué balance harías sobre tu trayectoria en la interpretación?…
Positivo. A veces pienso que hacer teatro me ha salvado y me ha enseñado a vivir de manera mas consciente. Es una profesión complicada donde te pones a prueba constantemente, y hay que aprender a vivir así. Siento que he trabajado en sitios muy diferentes, personajes muy distintos con gente muy variada y mi crecimiento personal va muy ligado a lo que voy haciendo en un escenario. Hay mucho por hacer y pelear.
¿Qué sentido ha de tener el teatro para la sociedad en la que vivimos?..
Debería ser una brújula, un espejo de lo que es nuestra sociedad. El teatro debe ser un lugar donde se pueda observar los comportamientos humanos de manera libre. El teatro debe tomar el pulso a nuestra sociedad y servir para “vernos” reírnos y tomar nota de cómo estamos. Una especie de terapia colectiva.
¿Cómo surgen las ideas y los proyectos en los que te embarcas?¿Qué te anima a participar en ellos?…
De muchas maneras diferentes. En ocasiones los proyectos parten de “cerca”. Yo he puesto en marcha algún proyecto propio, como productora y actriz, el último Vitalicios, de Sanchis Sinisterra. Me han llamado para participar en proyectos únicamente como actriz. A veces caes de rebote en algún proyecto, otras por prueba…Muchas maneras, aunque es verdad que cada vez tengo mas impulso para hacer cosas propias, tengo mas claro que es lo que quiero contar y como lo quiero contar.
¿Cómo surgió tu participación en Verónica?…Háblanos de este proyecto y tu trabajo en él…
El proyecto nace de Carlos Molinero, guionista y Ana Villa, actriz. Ellos me llamaron para participar en Verónica. Carlos escribió un texto estupendo de cuatro amigas y a mi me tocó un personaje precioso, una “hermana teresiana” con secretos…Ellos empujaron hacia delante el proyecto. Entro Gabriel Olivares en la dirección junto a Carlos, “El reló” en la producción y todo se puso en marcha. El equipo se completó y nos pusimos a trabajar.
Es una función de teatro de terror. Un genero muy común en el cine pero en teatro…estamos abriendo camino!. Hay alguna obra de terror, pero está es nueva nueva. Estamos investigando mucho sobre las técnicas y recursos para provocar miedo. Es muy parecido a la comedia, es algo muy fino, el terror como el chiste, están en algo muy técnico y en conocer bien cuando y como tienes que actuar para conseguir lo que quieres. Todo un mundo. Estoy aprendiendo mucho.
¿En qué proyectos has participado durante el último año?…
He puesto en marcha, junto con un gran equipo, una obra de Sanchis Sinisterra que se llama Vitalicios. Dirigida por Yayo Cáceres y con Ricardo Reguera y Candela Fernandez, y yo de actores. Un proyecto propio que espero que nos de muchas alegrías mas. También acabamos de terminar un poema recitado de Sylvia Plath, dirigido por Jesús Cracio en interpretado por Vicenta N´dongo, Violeta Pérez, Celia Laguna en el piano y yo. Un espectáculo muy delicado, emotivo y necesario.
¿Qué proyectos tienes entre manos?…
Verónica, Vitalicios y un par de obras de teatro que queremos poner en marcha en breve.
¿Cómo crees que están afectando los recortes y el aumento del I.V.A. a los proyectos de teatro?…
Está afectando mucho, sin ninguna duda. En otros países este iva es 0 o es mínimo. Eso facilita mucho las cosas. Facilita las cosas y te das cuenta de que las administraciones “cuidan” a sus actores y sienten que son necesarios. Y que las características de nuestra profesión son muy concretas y específicas.
En nuestro país, siento que hay un descuido y una falta de conocimiento de nuestra profesión por parte de la administración, enorme. Nosotros no trabajamos todos los días, ni todos los meses, a veces estamos años sin trabajar!!! Nuestra profesión es así, y en base a esas características debería configurarse las maneras para poder seguir ejerciendo nuestra profesión con dignidad y con dedicación.
Y no es pedir demasiado, es pedir que nos dejen hacer nuestro trabajo sin ponernos piedras en el camino.
¿Qué montaje que hayas visto últimamente, te ha interesado?¿Por qué?…
Un trozo invisible de este mundo, con Juan Diego Boto. El está impresionante, y lo que cuenta es muy necesario. La escenografía de Carlos Aparicio y Mencheta es brutal. Está contado con inteligencia, talento, humor y mucho conocimiento de lo que está manejando. Un placer, emocionante. Es de estos espectáculos que te dejan “eco” para siempre.
¿Alguna sugerencia para seguir creando y haciendo teatro en tiempos de crisis?…
Unirnos, unirnos y unirnos. Ahora mas que nunca los equipos son necesarios. Dentro de la escena y fuera. Dentro, para desarrollar proyectos interesante y comprometidos, donde haya diversidad de opiniones para llegar a lo bueno. Y fuera de los escenarios, para no dejar que nuestros derechos se vean pisoteados, y hagamos que nuestra profesión sea fuerte y con buena voz.
VANESSA MARTÍNEZ nos habla de sus experiencias para la escena
¿Cómo fueron tus inicios en el teatro?…¿Realizaste otras facetas además de la dirección?…
Yo aterricé en el teatro a través de la ópera. Estudié la carrera de canto y durante bastante tiempo me dediqué a la lírica. De hecho, cuando empecé a estudiar interpretación actoral con Juan Pastor en la escuela Guindalera tenía toda la intención de aplicar esos conocimientos a la construcción de mis personajes operísticos, pero en el camino descubrí que mis ideas sobre la puesta en escena en ópera no encontraban reflejo en la realidad escénica que me circundaba, y decidí estudiar dirección para cambiar esa realidad. Con tan noble intención comencé la carrera de dirección de escena en la RESAD. Y durante ese viaje apareció Shakespeare y apareció el teatro del siglo de oro español, y entendí que aquello que amaba en la ópera (la forma musical) era el sustrato del teatro clásico, en especial del teatro en verso. Así que he estado compaginando la dirección de teatro clásico y ópera durante 12 años, aplicando lo aprendido en un medio al otro, y viceversa.
¿Tu trayectoria en el teatro lo has compatibilizado con otros trabajos?…
Sí, muchos. Como estudié magisterio en la especialidad de educación musical, he sido profesora de música en colegios. Guardo especial recuerdo de mi experiencia de cinco años en el colegio Estilo, dirigido por la gran pedagoga Josefina Aldecoa, de quien tanto aprendí. Pero sin duda de quien más aprendí fue de los niños: digerí su capacidad de asociación libre, su ausencia de preconceptos, su vivencia del proceso por encima del resultado… Además he seguido trabajando como soprano, en producciones propias y ajenas, y también he sido directora de coro. Uno de los trabajos que más me ha gustado y que ha sido un compendio de mi formación teatral y musical, ha sido la dirección musical del espectáculo “En este vida todo es verdad y todo es mentira” de Calderón de la Barca para la CNTC, dirigido escénicamente por Ernesto Caballero, hacia quien no tengo suficientes palabras de agradecimiento. Luego repetimos formato en “Montenegro” para el CDN, donde me atribuyó las funciones de entrenamiento vocal y arreglos corales. Todo aquello que fusione música y teatro es el mejor de los paisajes para mi.
¿Qué balance harías sobre tu s trabajos?…Háblanos de los montajes más significativos…
El balance, con perspectiva, es inmejorable. Llevo 12 años trabajando y he dirigido más de 20 espectáculos teatrales y más de 10 óperas. Todo ello surge, por supuesto, de la inversión vital, económica y emocional de los dos componentes de Teatro Defondo, que somos Pablo Huetos, (productor, actor y alma mater) y yo. Esta inversión no siempre ha sido productiva a corto plazo pero me ha permitido aprender mucho y muy deprisa, desarrollar todo mi imaginario, sin restricciones, sin mediadores, con una confianza y una ilusión algo suicida. Todo ha sido muy intenso, todos los espectáculos son hijos míos. Incluso algunos que al principio sentía como ajenos, cuando el día del estreno me senté en el patio de butacas, me quedé con la boca abierta. “¡Pero si yo estoy ahí, y no me había visto!”.
Si tuviera que elegir tres espectáculos especialmente relevantes para mi serían:
1. “El maestro de danzar” de Lope de Vega, mi primer clásico español, mis primeros pre-mios como directora, mi primera gira grande.
2. “Mucho ruido y pocas nueces”, de W. Shakespeare, mi primer Shakespeare (vinieron tres mas, ¡y todos los que quedan!), con el elenco más grande que he dirigido en teatro hasta la fecha, y aderezado con la maravillosa presencia de Will Keen como asesor y maestro, de quien tantísimo he aprendido.
3. Y finalmente “Don Giovanni” de W. A. Mozart, que tuve la enorme suerte de dirigir en gran formato en el Templo de Debod delante de 1000 personas. Este espectáculo fue probablemente el más personal de todos los que dirigí. Cuando tenía 18 años y empezaba a cantar, mucho antes de saber que yo alguna vez sería directora de escena, escuchaba incesantemente Don Giovanni y lo imaginaba todo en mi cabeza, intención por intención, escenario tras escenario, incluso me hice una especie de (entonces ni sabía lo que era) cuaderno de dirección con diagramas de movimientos escénicos. Almacenaba esa ópera desde hacía 15 años cuando finalmente la estrené. Fue un proceso increíble, los dos elencos ensayaron dos meses y medio 7 horas diarias… Conseguí realizar, gracias a un equipo de cantantes jóvenes talentosísismos (entre los que destaca el grandísimo barítono mejicano Manuel Gorka) el Don Giovanni que existía en mi cabeza. Verlo estrenado fue una emoción muy intensa.
¿Cómo surgen las ideas y los proyectos en los que te embarcas?¿Qué te anima a participar en ellos?…
Mi motor es siempre el amor. Yo me enamoro de los textos, o de las músicas, y entonces empiezo a generar imágenes y sonidos. Mi devoción por la forma, adquirida a través de mi trayectoria en la lírica, me decanta por aquello que revela un enorme contenido a través de una forma estricta y perfecta. El cómo es para mi tan importante como el qué. Y creo que he hallado en Shakespeare y en Mozart el balance perfecto entre los dos.
¿Ha sido importante tener unos colaboradores habituales en los equipos artísticos y técnicos?…
Ha sido vital. He tenido la inmensa fortuna de contar con compañeros/as maravillosos en mi carrera: Pablo Huetos, por supuesto, y una enorme cantidad de actores fantásticos como Pedro Santos, Mon Ceballos, Gemma Solé, Javier Román, Celia Nadal, Maya Reyes, Vicente Colomar, Carmen Gutiérrez… seguro que me olvido muchos. Ellos han sido mis maestros y mis compañeros, hemos podido crear un grupo más o menos estable de “habituales de Teatro Defondo” del que nos sentimos orgullosos.
¿En qué proyectos has participado durante el último año?…
Esta temporada pasada la comencé estrenando en el Teatro de la Maestranza el espectáculo “Dos pianos con Pasión”, que escribí y dirigí, interpretado por Pasión Vega junto al Dúo Del Valle, y que se acaba de estrenar en el Teatro de la Zarzuela de Madrid este pasado 20 de mayo. Después dirigí escénicamente dos veces en el Teatro Real: la primera fue “El hombre que se llamaba Amadé”, sobre la vida de Mozart, y la segunda un espectáculo titulado “A mis amigos”, un regalo del gran Jose Manuel Zapata donde colaboró José Mercé, Emilio Aragón, Rocío Márquez, Cecilia Gómez… A continuación estrenamos nuestro proyecto estrella para este año con Teatro Defondo: “La Opera del Malandro” de Chico Buarque, que estrenamos en Madrid este próximo 6 de junio en el Teatro Fernán Gómez. Y continuamos con la gira del “Sueño de una noche de verano” de W. Shakespeare, que parece que nos va a seguir dando muchas alegrías en 2015 después de las 70 funciones que lleva ya. Mucho trabajo, mucho teatro, mucha música… como te decía, ¡el mejor de los paisajes!.
Háblanos del proyecto de La ópera del Malandro…¿Cómo surgió este proyecto?… ¿Cómo ha sido el proceso?…
Este proyecto surge como todos los demás, surge del amor. Conocí hace año y medio la obra de Chico Buarque y me quedé sin aliento. Entre toda su producción una pieza llamó poderosamente mi atención, por su música deliciosa y compleja y por su poesía y sus imá-genes de altísimo nivel, que dibujaban el sentir de la sensualidad femenina de un modo que yo jamás había escuchado; la canción se llama “O meu amor”. Cuando empiezo a investigar sobre la canción en internet veo que la letra tiene indicado el nombre de dos personajes, Teresinha y Lucia. Y descubro que pertenece a una obra de teatro musical llamada “La opera del Malandro”. Como yo ya había dirigido “La opera de los tres peniques” de Bertold Brecht, entendí la asociación inmediatamente: ¡aquel era el dúo del segundo acto entre Polly y Lucy! Muy emocionada por el descubrimiento me hice con el texto completo (en portugués, no estaba aún traducida al castellano) y descubrí que tal y como sospechaba Chico Buarque escribe en 1978 una brillante versión del original brechtiano (a su vez versión de John Gay) ambientada en el barrio de Lapa de Rio de Janeiro en los años cuarenta, en plena dictadura de Getulio Vargas. El texto era pura dinamita, descarado, actual, rítmico… una vez más, la forma perfecta. Y la música era sencillamente deslumbrante. Era para mi la oportunidad perfecta para hacer realidad un antiguo sueño: reivindicar el género del “teatro musical», tan vilipendiado por los márgenes comerciales de nuestra profesión. Este es un GRAN musical, de texto preciso, personajes definidos, argumento vertiginoso, poética sorprendente y con una calidad musical digna del autor de música popular brasileña más importante de su generación.
El proceso fue muy intenso: comenzó con un taller de música brasileña y repertorio impartidos por Pedro Moreno(director musical) y Mario Bidart (maestro repertorista y especialista en canto popular brasileño) en la Casa do Brasil. Entre los participantes del taller seleccionamos a los nueve actores/cantantes que compondrían en elenco. Tras un mes de barbecho acometimos un proceso de ensayos largo y denso, complejo por la propia idiosincrasia de la obra. No puedo estar más contenta del resultado.
¿Qué proyectos tienes entre manos?…
De manera inmediata dirijo mi primer espectáculo de danza. Es una versión de “El Principito” en el que firmo la versión y la dirección escénica, y la coreografía es del gran bailarín José Tirado. Estaremos ensayando en los Teatro del Canal todo el mes de julio.
La temporada que viene tengo dos cosas en perspectiva: la primera es la siguiente produc-ción de Teatro Defondo, que será casi con toda seguridad un Shakespeare aún no estrenado en España. Recuperaremos todos nuestros espectáculos shakespirianos ya estrenados (“Mucho ruido y pocas nueces”, “Macbeth”, “La Tempestad” y “El Sueño de una noche de verano”) y haremos un ciclo Shakespeare para gira con las cinco funciones y un elenco estable. Al estilo inglés…
El tercero de los proyectos, quizá uno de los más importantes de mi carrera, que gracias a Dios ya está confirmado y cerrado, es para abril de 2015 pero aún no puedo revelar nada sobre él. Seguro que a no mucho tardar sabréis de qué se trata.
¿Cómo crees que están afectando los recortes y el aumento del I.V.A. a los proyectos de teatro?…
Está siendo un tsunami destructor, como casi todas las iniciativas que sobre cultura se están tomando de un tiempo a esta parte. Ya no somos empresas teatrales, es imposible tener beneficios, y mucho menos con un espectáculo que da trabajo a nueve actores, cuatro músicos y tres técnicos. Ahora somos devotos teatrales. La profesión se está devaluando, se trabaja de cualquier manera a cualquier precio.
¿Cómo ves la realidad teatral en Madrid?…
No comparto el optimismo generalizado. Hay mucho teatro de mala calidad, con pocos medios, muy mal pagado. El teatro low cost es exactamente eso, teatro barato. Salvo para los tres o cuatro tocados por la mano de los centros de producción nacionales, la ausencia de tejido teatral profesional nos supone una mengua, no un acicate.
¿Qué montaje que hayas visto últimamente, te ha interesado?¿Por qué?…
Ejemplar “Novecento” del compañero Raul Fuertes con el gran Miguel Rellán. Tiene la escenografía más cara del mundo.
Muy emotivo “Ay, Carmela” del compañero Pepe Bornás. Historias bien contadas, con compromiso e ideas. Eso es teatro.
“Viaje a ninguna parte”, interesante concepción espacial, correcto el trabajo con los actores, donde sobresalía claramente el maestro Antonio Gil.
Si en algún lugar de España coincidís con la gira de “Barroqueros”, la macarrada más culta de José Manuel Zapata, no dudéis en llevar a todosvuestros hijos para iniciarles en la música antigua.
¿Alguna sugerencia para seguir creando en tiempos de crisis?…
1. No conformarse con “hacer lo que se pueda”.
2. No devaluar la profesión; ergo, no devaluarse a uno mismo.
3. Conservar el espíritu crítico.
4. Conservar la dignidad.
5. No olvidar que no somos las circunstancias que vivimos, sino las elecciones que hace-mos en esas circunstancias.
Carmen Ruíz nos habla de su trayectoría como actriz
¿Qué es el teatro para ti?…¿Por qué haces teatro?…
El teatro es una parte muy importante de mi vida. Contar historias, el aquí y ahora, el trabajo en equipo… son algunas de las muchas cosas que me motivan y llenan de ilusión para hacer teatro. El teatro te hace estar con los pies en la tierra. Siempre alerta ya que es un arte que se crea y desarrolla a cada instante.
¿Qué balance haces de tu trayectoria como actriz?…Háblanos de tus últimos trabajos…
He tenido la oportunidad y la suerte de formar parte de proyectos muy diferentes tanto en cine, televisión y teatro que me han aportado muchas satisfacciones como actriz, aunque aún me queda mucho por aprender y hacer.
Actualmente se está emitiendo la tercera temporada de «Con el culo al aire» en la que participo. También se estrenó en cine «La vida inesperada» una preciosa película de la que me siento muy orgullosa de formar parte. Y ahora estar en «Las dos Bandoleras» en el Teatro Pavón es para mi muy importante y satisfactorio.
¿Cómo surge tu participación en el proyecto de Las Bandoleras?…
Surge de una llamada de Carme Portaceli, la directora, proponiéndome el personaje de Doña Inés. Me encantó la dramaturgia que habían hecho Carme y Marc Rosich y el proyecto me pareció un estupendo reto profesional.
Háblanos de tu personaje…
Inés es una mujer sensible, valiente y muy inteligente. Va siempre por delante de los acontecimientos. Es la mayor de las dos hermanas y la que pone el punto de cordura.
¿Cómo ha sido el proceso creativo?…Háblanos del trabajo con la directora de escena…
Ha sido un proceso estupendo tanto con el verso como con el trabajo físico. Carme es una gran directora, sensible, generosa, clara y muy concreta a la hora de dirigir.
Hemos contado con Gabriel Garbisu como asesor de verso con el que hemos hecho un trabajo muy meticuloso.
Además hemos tenido que trabajar varias coreografías de esgrima. Ha sido extraordinario y hemos tenido la gran suerte de contar con Jesús Esperanza y Kike Inchausti como maestros.
¿Cómo preparas los personajes?…¿Cuál es tu método?…
Eso depende mucho del tipo de personaje y del proyecto. Lo primero siempre es hacer un buen análisis del texto. Pero no tengo el mismo método para todo y voy siempre muy abierta para poder hacer con libertad todo lo que el director me proponga y todo lo que vaya surgiendo con los compañeros. Me gusta sorprenderme y que me sorprendan.
¿Qué función crees que ha de tener hoy el teatro para la sociedad en la que vivimos?…
Creo que el teatro debe hacer pensar, soñar, divertir, conmover e intentar no dejar indiferente al espectador.
¿Cómo crees que está afectando la subida del I.V.A. y los recortes al teatro?…
Es tremendo. Entre la subida de impuestos y el recorte en las subvenciones hacer una obra de teatro es una heroicidad. Aunque creo que a nivel artístico en estos momentos hay muy buenas ideas y muchos profesionales extraordinarios, la situación no acompaña.
Todo esto aleja al público que se piensa mucho qué ir a ver porque no se lo puede permitir.
Distanciar a la sociedad de la cultura es una tragedia y es lo que está pasando.
¿Alguna sugerencia para seguir creando en tiempos de crisis?…
Sería muy osado por mi parte hacer ningún tipo de sugerencia. Lo que pienso es que hay que seguir adelante, confiar en las historias que queremos contar, en el talento de tantos buenos profesionales que tenemos y seguir luchando por un teatro de calidad. Seguir teniendo hambre de llegar al público. Seguir. No tirar la toalla.
¿Qué obra de teatro has visto últimamente?¿Qué te pareció?…
El minuto del Payaso un fantástico espectáculo dirigido por Fernando Soto con un brillante Luis Bermejo.
«La cortesía de España» dirigido por Josep María Mestres de la Joven Compañía de CNTC que también me gustó mucho.
Ahora no puedo ver mucho más porque estoy con funciones de martes a domingos. En cuanto terminemos en el Pavón me pondré al día.
¿Proyectos?…
De momento «Las dos bandoleras»
Gustavo del Rio nos habla de su trabajo en gestión y creación
¿Cómo surge la propuesta que presentas en Surge Madrid?… Háblanos del texto, de la puesta en escena…
VAGOS Y MALEANTES surge de la inquietud de visibilizar, una vez más dentro de la línea de trabajo de la compañía, aspectos de la sociedad que no son conocidos. Desde el trabajo con Silenciados y Tocar Madera tenía ganas de irme a algo histórico, de trazas nacionales y muy vinculado a Madrid. Introducir mi visión del teatro desde una puesta en escena más convencional que otras veces pero sin abandonar la marca sudhum en la propuesta. Con un texto casi en su totalidad escrito por Luis Andrés, dramaturgo con el que colaboré en Tocar Madera y que impregna de inteligencia y esencia teatral cada palabra que utiliza. VAGOS Y MALEANTES en un recorrido, a través de varias leyes, de la historia de España vista desde la visión del más débil.
¿De qué referentes estéticos o temáticos te has nutrido para su escritura?…
El tema es la Ley de Vagos y Maleantes y Ley de Peligrosidad social. Hemos tenido la oportunidad, tanto el dramaturgo como yo de poder conocer a gente que la ha adolecido y eso nos ha dado una visión muy cercana de la misma. Siguiendo una estética correspondiente a cada momento histórico.
¿Cómo surgen las ideas y los proyectos en los que te embarcas?…
Surgen de la necesidad de contar historias. Para mí el teatro es eso, un marco privilegiado para contar historias cercanas y comprometidas.
¿Qué te anima a participar en ellos?…
Me anima la necesidad. Me anima el pensar que puedo aportar algo.
¿Cuál ha sido tu evolución como autor-director?…
Mi evolución como director y autor es clara. No tanto en el resultado ni en el proceso. Tengo la enorme suerte de rodearme de profesionales y amigos que le dan a Sudhum la calidad y la entrega que luego se ve en escena. Yo muchas veces me siento vulnerable como el primer día y procuro llevarlo al proceso de ensayos, intento escuchar y dejarme llevar por lo que el otro me da. Creo que hubo un momento en el que dejé de mirarme hacia adentro para escribir o dirigir y comencé a ver lo que me rodeaba, el día a día y la sociedad, hay está la motivación por visibilizar mis dramaturgias o proyectos…
¿Has realizado otras tareas en teatro además de escribir y dirigir?…
Buff, jejejej, sí, creo que en esta profesión hay que ser un poco todoterreno. Es decir, motivarte con cada uno de los aspectos que te da el teatro y tirarte a la piscina. Desde la Jefatura de Sala de Cuarta Pared, donde aprendí muchísimo, hasta ponerme delante de niños de edades tempranas, diseño iluminación, etc… la verdad es que ahora procuro dejárselo a profesionales que lo hacen mejor que yo, jejje. Mis últimos años han sido más dedicados a la gestión y a ARTEMAD.
¿Se puede tener una compañía estable hoy?…
Es complicado pero se puede. Es deber de las instituciones proteger el tejido teatral en Madrid. Generar y potenciar la estabilidad. Creo que están en otro discurso y eso es un peligro.
Háblanos de tu experiencia docente…
Disfruto de la misma forma impartiendo clase que representando mis piezas. Enseñar teatro es maravilloso y ser el inicio de muchos de mis alumnos en esta profesión me emociona. Creo que la vulnerabilidad y entrega de los primeros años es increíble y verla cada día me encanta.
Háblanos de tu trabajo en la gestión…
Actualmente presido ARTEMAD, Asociación de Empresas de Artes Escénicas de Madrid formo parte de FAETEDA, la Federación Estatal. Creo que hay un largo camino de trabajo por delante. Basado en el consenso de todos los agentes que intervienen en el tejido cultural de Madrid. Es importante reflexionar sobre el momento en el que estamos y llevar a cabo propuestas de cambio.
¿Qué te parece la iniciativa de Surge Madrid?… ¿Cómo ves la situación teatral en estos momentos en nuestra ciudad?…
Complicado. Surge Madrid es una iniciativa que une muchas realidades que está transformando la profesión. Creo que se ha metido todo en el mismo saco, es decir, salas con licencia y otras que no, compañías profesionales y otras no, autores noveles y otros no, compañías con estructuras legales y otras no. Unificado todo en el mismo huevo, imagen de la muestra. Creo que cuando termine debemos romper ese huevo para sacar lo que hay dentro y ver cómo cocinarlo. Es importante establecer nuevas normas del juego y que todos cumplamos esas normas. Un actor, un productor, un director de escena, un bailarín deben tener las mejores condiciones en su trabajo y en lugares óptimos habilitados para su supervivencia, tanto artística como económica. Hay que regular las multiprogramaciones de los teatros privados, hay que ayudar a las compañías a generar continuidad y estabilidad. Es la misma institución la que no lo hace con proyectos como el Talent Madrid.
¿En nuestro país?…
A nivel estatal la cosa cambia un poco, desde la Secretaría general de Cultura, INAEM, con el Plan Platea se han repercutido seis millones de euros para la distribución de los espectáculos. Es ahí donde hay que incidir. Lo mismo que Surge cuando termine, tenemos que hacer una valoración para mejorar futuras ediciones. Los políticos deben escuchar más al sector y realizar propuestas conjuntas, mesas de trabajo comunes. La situación es delicada y tenemos que cambiarla entre todos.
¿Qué montaje que hayas visto últimamente, te ha interesado?…
Estoy ansioso por ver el Misántropo de Kamikace producciones, creo que es de los mejor que existe en nuestro país actualmente. La verdad es que últimamente me encuentro más a gusto como espectador de danza.
¿Alguna sugerencia para seguir creando y haciendo teatro en tiempos de crisis?…
Crisis significa cambio. Busquemos el cambio creando. No sé una formula exacta, simplemente dejarte llevar por lo que eres y sientes.
Antonio Domínguez y Rosel Murillo nos hablan del proceso a dos que han experimentado con la producción de «Adela»
Sobre ADELA…
¿Cómo surgió el proyecto de ADELA?…¿Qué evolución ha tenido durante el tiempo que lo lleváis representando?…
Adela surge tras una invitación de Bilbao Eszena para investigar lenguajes teatrales, en el marco de espacio privilegiado debido a que los artistas contamos realmente con plena libertad fuera de el circuito comercial, y sobre todo, porque cuentas con el tiempo necesario que estimes conveniente para dar profundidad a tu obra.
Rosel: Ha requerido de un proceso de escenificación natural, su valor no está en cómo se ha organizado el trabajo, quizá en esto no haya nada de original, sino en la valentía y la profundidad con la que se encara este montaje. El montaje ahora mismo continúa creciendo y evolucionando, porque a su llegada al Centro Cultural de la Villa, debido a la configuración de su espacio, su disposición a tres bandas, y su especial cercanía con el público, nos hacen leer las situaciones de una manera que antes no habíamos sentido.
Antonio: Tanto yo como Rosel somos directores que nos preocupa la evolución de la obra, la cual reescribimos, reescuchamos, pensamos en ella cuando han pasado unos días, la modificamos continuamente. Cada vez más conviven el cuerpo con la palabra y encontramos una totalidad del actor que nos está resultando muy enriquecedora para nosotros como artitas y para el propio lenguaje del espectáculo en sí.
Y de momento, se acaba de estrenar en el Teatro Fernán Gómez de Madrid, donde va a hacer su temporada madrileña. Este mes Adela también participa en el encuentro La incubadora, que realiza el Corral de Comedias de Alcalá junto al Teatro de La Abadía. Y ahora se está empezando a programar la gira, que empezará en UNIA Baeza en julio. Todo esto conlleva un riesgo especialmente duro, puesto que toda la producción es íntegra de Barluk, es decir, no hemos contado con subvención del INAEM ni de ningún organismo público.
¿Cómo fue el proceso de creación al participar juntos en la dirección?…
Rosel: Maravilloso, y no es algo que se diga, porque esto va a ser publicado. Mis ideas, iban modificándose a ideas mayores, porque con Antonio somos dos cabezas pensando, influyéndonos en ver las distintas maneras de ver lo mismo, encontrado sumas, y sumas y sumas a tus propias percepciones.
Antonio: Para mí Adela ha sido mi primera codirección y tengo que decir que con Rosel ha sido un trabajo muy sencillo, porque además es la autora del texto, y convivir con un autor que dirige, y que está montando su propio universo, pudo ser peligroso, y sin embargo no ha sido nada restrictivo, sino todo lo contrario. A Rosel creo que le gustaba ver incluso como los actores y yo íbamos soñando su texto. Se divierte viendo lo que se hace con las situaciones que ella ha imaginado, da libertad, y su texto te guía seguro, porque realmente tiene mucha, mucha fuerza.
¿Hay algún referente técnico o artístico del que habéis partido para crear este trabajo?… ¿Se escribió el texto y después se montó o se ha transformado durante los ensayos?…
Antonio: Adela es además un texto dramático que se escribe necesariamente para nuestro encuentro, buscando los límites de la convivencia entre lo gestual, lo textual, lo rítmico y lo poética de la imagen.
Rosel: He escrito este texto para que sirviera como gran continente de un sentido específico, y que versa sobre la necesidad de los seres humanos de unirse y de separarse, de necesitarse y de permanecer unidos.
De la invitación de Bilbao a la investigación, de la investigación al cuerpo, y del cuerpo a la palabra, y de la unión de todo ello a la puesta de dirección. Cada aliento ha influido en el texto, que se ha reescrito, que se ha buscado, que se ha vaciado de sentido, que se ha colocado como una capa superficial, pero maravillosamente expresiva, de las corriente internas de la obra.
¿Cuál es el planteamiento de futuro para la Compañía?…
Antonio: Pues estamos bastante centrados en Adela y queremos girar con ella y cubrir todas las plazas a donde podamos llevar. Este verano se empieza la preproducción del siguiente montaje que se empezará a ensayar en Septiembre, aunque con la inestabilidad en la que los políticos han dejado el teatro, todo depende de múltiples factores en la que solo nuestro amor por el teatro está asegurado para que este viaje continúe.
¿Qué balance hacéis de vuestros trabajos para la escena?…
Antonio: Pues considero que está en una constante revisión. Desde el paso por la RESAD siempre he pensado que a los directores buscaban colocarnos en una cierta manera de hacer, una poética propia… todo esto me resulta muy aburrido. Yo veo mucho esfuerzo y millones de horas entregadas al teatro. En mis trabajos están múltiples experiencias personales y de artistas que he seguido como público o que he trabajado con ellos y que han dejado en mí influencias, como es el caso de Miguel del Arco. Mirando hacia atrás desde aquí veo que mis trabajos abordados desde la interpretación, la escritura o la dirección siguen el común denominador de un trabajo inmenso sobre la palabra en acción, y sobre la imagen escénica. Lo que más me interesa del teatro es el actor y creo que está en todos mis trabajos de dirección. Y veo mis obras muy pegadas a mí mismo, cada uno de ellas están muy ligados a la situación en la que estaba en ese momento y también que me han hecho crecer a mí personal y profesionalmente. Le tengo un cariño inmenso a Nuestra Ciudad que dirigí hace apenas medio año. Digo, en voz muy alta, y a riesgo de que suene pretencioso, que me siento muy orgulloso de todas mis obras.
Rosel: Es necesario para mi encontrar la conexión del trabajo con la piel, necesito ponerle el corazón para vivir en un proceso tan intenso como es una puesta en escena. En cada trabajo estoy yo, mis pensamientos, emociones y cicatrices. No podría vivir en el teatro de otra manera. Igualmente quienes me acompañan en este viaje están implicados de la misma manera. Cada uno de mis trabajos habla del momento personal en que me encontraba, porque en cada uno de ellos me he desnudado para dar lo mejor de mí. Me reconozco y veo como los actores y el público pueden reconocerse en él. Mostrar de la forma más bella y extraordinaria lo que todos hablan.
¿Qué os mueve a poner en marcha un proyecto teatral?…
Antonio: La necesidad de contar, de comunicarme, de buscar la belleza del ser humano en comunidad con más gente, más artistas, más público. Hablar, sobre todo tener voz, me gusta pensar que amo este mundo y las personas que estamos en él a través del teatro y que desde ahí, entrego mi granito de arena.
Rosel: La necesidad de expresarme de una manera distinta, de poder contar lo que en particular me preocupa a mí pero que veo compartido a mi alrededor. El momento de trabajar con los actores, vivir la magia del teatro.
¿Qué función creéis que ha de tener hoy el teatro para la sociedad en la que vivimos?…
Antonio: La de la revisión. Se acabó el pensar en el discurso único y que las cosas solo pueden ser de una determinada manera. Admiro a la gente que con su fuerza y su convicción pueden llegar a otros. Creo que un teatro de divertimento no tiene sentido para nuestra sociedad, aunque creo que uno puede divertirse inmensamente encontrando dentro de sí la fuerza de lo verdadero. También últimamente pienso, y debido a lo desolado que me deja cuando pienso en nuestro entorno, que como decía el gran Lorca: “en la sociedad en la que vivo sólo se puede abrazar la tragedia”
Rosel: Creo que estamos volviendo de hace un tiempo a esta parte a un teatro social comprometido con los ojos que vienen a verlo. No podemos hacer oídos sordos a lo que nos está pasando, bajar la cabeza y seguir. El teatro debe contestar y lo está haciendo. Anteriormente decía que contaba en mis trabajos mis preocupaciones, pero que eran las mismas que las de mi vecino, y el teatro está para que mi vecino también tenga voz. Un claro ejemplo de esto es el maravilloso Sergio Peris-Mencheta.
¿Cómo está afectando la subida del I.V.A. y los recortes al teatro?…
Antonio: Pues está haciendo un daño inmenso, porque el teatro tiene una naturaleza que no se está teniendo en cuenta: se trabaja con el prototipo. Esto conlleva un altísimo nivel de riesgo, por lo que puede ser que un espectáculo sea un éxito o un fracaso en una delgada línea. Cuando tienes un éxito, como artista buscas crecer, una función en la que puedas dirigir a más de dos actores, que puedas llegar a público un poco más lejano de la comunidad de producción… continuamente volverás a enfrentarte al prototipo. Lo que hacían las ayudas a la producción y el IVA redudido era dar una mínima estabilidad a la vida del artista y a la del empresario de teatro. Ahora todo esto se ha destruido. Es gravísimo como lo están pasando los profesionales, jóvenes, posicionados, actores mayores… es una vergüenza inmensa la que siento. El estado se ha comido el mínimo beneficio empresarial que había en las artes escénicas, lo que da la posibilidad de crecer y nos ha abandonado al riesgo que podamos tomar cada uno por cuenta propia, por lo que cada vez más artistas llegan a la penuria con tal de sacar su obra adelante. Todo esto unido a que seis millones de personas las pasan putas y no pueden ni soñar con ir al teatro, pues deja la situación bastante desolada. Espero de verdad que aproveche el 21% de nada que ha desfomentado tanto al teatro y que está causando tantos crímenes en todo nuestro entorno.
Rosel: Que más puedo añadir a la gran reflexión de Antonio Domínguez. Creo que lo estamos viendo, y sufriendo, todos los días. Es un acto de valentía proponerte simplemente el hecho de hacer teatro. Nunca tienes un mínimo de seguridad y todo son dificultades, no estamos ayudando al teatro, lo estamos ahogando. Nuestros políticos han decidido que el pueblo no necesita de la cultura, que no necesita pensar. Y así nos va. «¿No te asusta la idea de un mar con todos los peces atados con cadenitas a un solo punto sin conciencia?» Federico García Lorca.
¿Qué obra habéis visto últimamente que os haya interesado?¿Por qué?…
Antonio: Hay muchísimo que ver: La joven con La cortesía de España, Misántropo, pero he visto un montaje que me dejó bastante impactado en la RESAD, y fue La visita de la vieja dama. Espero que a los compañeros que terminan la escuela con este montaje les vaya muy bien, porque realmente vi mucho talento y mucha profundidad en el trabajo que hacían.
Rosel: Este mes de mayo está cargado de mucho teatro, y eso es una alegría. Lo último que vi fue la propuesta escénica de La casa de Bernarda Alba de Hugo Pérez, de quien anteriormente había visto Por los ojos de Raquel Meller. Como siempre no me decepcionó, me encanta la estética y la maestría con la que resuelve acciones escénicas complicadas. Un maestro que se lo merecía hace mucho tiempo estar donde está.
¿Proyectos?…
Antonio: Esta semana también se estrena Como gustéis en el CDN, donde he sido ayudante de dirección de Marco Carniti. Esto junto con Adela me han pasado como un ciclón por el cuerpo. Ahora empiezo estos días a dirigir a Ana Marzoa para la Maratón de Monólogos de la AAT. Después de esto, el proyecto es descansar, leer, estar un poco en el día a día y luego preparar la siguiente temporada.
Rosel: No paramos. Como explicaba Antonio estamos pendiente de comenzar el próximo proyecto de Barluk teatro en septiembre. En junio estaré junto a Víctor Algra en Microteatro con una propuesta escrita y dirigida por mí. Este año me quedo sin verano pues estaré en PENTACION preparando las nuevas producciones para la temporada de septiembre. Mientras esto llega viviremos el momento que Adela nos ha regalado.
SIGFRID MONLEÓN nos habla de sus experiencias para la escena
¿Cómo surge la propuesta que se presentas en Surge Madrid?…
“Un cielo” surge de la lectura de la obra de Genet, concretamente de algunos textos narrativos suyos, de un programa radiofónico y de algunas entrevistas donde el autor ha hablado de los orígenes de su pasado criminal y de las cárceles infantiles donde pasó su infancia y adolescencia.
Háblanos de Un cielo…Del texto, de la puesta en escena…
La obra pone el foco en las relaciones entre el testigo y el testimonio en la palabra poética, desde la sospecha de que uno ha suplantado a su prójimo y vive en lugar de él. ¿Qué significa hablar por aquellos que no pueden hacerlo? Se trata de responder a esta pregunta, no desde la perspectiva de los hundidos o de los salvados, sino desde lo que sobrevive a la misma posibilidad de hablar, un resto desde el que es posible testimoniar. La puesta en escena intenta explorar con la mayor sencillez este recorrido íntimo donde uno acaba siendo otro.
¿De qué referentes estéticos o temáticos te has nutrido para este montaje?…
La referencia del montaje es Genet, pero más su narrativa que su literatura dramática. También está presente en la obra el “universo concentracionario” de autores como Primo Levi.
¿Cómo surgen las ideas y los proyectos en los que te embarcas?¿Qué te anima a participar en ellos?…
Este proyecto nace tras mi primera dirección teatral, que fue La rendición, un monólogo interpretado por la actriz Isabelle Stoffel. Como vengo del cine, quise a continuación plantearme otro monólogo, pero esta vez con un actor (Francesco Carril), para ir abriéndome las puertas del teatro poco a poco. Llevaba mucho tiempo deseando dar el salto a las tablas, pero quiero hacerlo paso a paso, sin caerme por un precipicio.
¿Has realizado otras tareas en teatro además de dirigir?…
A la dirección teatral llego desde la dirección cinematográfica, pero tras atesorar como lector un largo idilio con la literatura dramática y, como espectador, con el teatro. Cine y teatro se han trenzado en mi carrera, de hecho mi próximo proyecto cinematográfico es una película documental sobre Alfonso Sastre.
¿Qué te parece la iniciativa de Surge Madrid?…
Es lo que hay, una exhibición de la precariedad imperante. Un clavo ardiendo.
¿Cómo ves la situación teatral en estos momentos en nuestra ciudad?…¿En nuestro país?
Hay una explosión de creatividad, con nuevas propuestas, nuevos espacios y nuevos públicos, pero creo que el voluntarismo, la precariedad y la sobrevivencia tienen un límite. Cuidado con desfallecer.
¿Qué montaje que hayas visto últimamente, te ha interesado?¿Por qué?…
Me ha gustado Misántropo, más allá de sus valores como montaje, porque transmite la “joie de vivre” el teatro de una compañía estable, sostenida contra viento y marea en estos tiempos que corren. Es un verdadero acicate.
¿Alguna sugerencia para seguir creando y haciendo teatro en tiempos de crisis?…
No me atrevería a dar ninguna sugerencia general, desde la certeza de que cada cual encuentra su propio camino cuando se trata de colmar la necesidad de expresión y comunicación que conlleva el teatro.
Alfredo Sanzol nos habla de sus proyectos como autor y director.
¿Cómo surge el proyecto de Aventura!?…¿De qué va la obra?…
El proyecto surge de las ganas de contar una historia muy situada en el presente, pero muy conectada con problemas de siempre. A veces la actualidad no nos deja tomar perspectiva y esta obra intenta ayudar a ampliar la visión. La historia va de seis socios que reciben una oferta de compra por parte de una empresa, y de cómo las cosas se complican hasta el punto de plantearse la venta de una de las socias.
¿Hiciste algún tipo de búsqueda o documentación sobre el tema antes de empezar a escribirla?…
Sí, la historia surge de una anécdota real que me contó una amiga, los periódicos me han acompañado durante toda la escritura, las conversaciones con los amigos, y el libro de Marina Pequeño tratado de los grandes vicios.
¿Cómo fue el proceso de escritura?…
Arranqué pensando que iba a escribir una obra de sketches, pero la primera historia fue cogiendo fuerza y los personajes querían más espacio y más protagonismo hasta el punto de que se acabaron quedando con toda la historia. Fue un motín de personajes en toda regla.
¿Cómo llevas a cabo el trabajo de puesta en escena al ser autor-director?…
La puesta en escena es una continuación de la escritura, porque el trabajo de los actores es lo que cierra el sentido de las situaciones, y de las reacciones. Además creo que en esta obra con más importancia que en otras.
¿Opinas, como algunos autores, que no hay que publicar un texto hasta verlo estrenado?…
Bueno, sí, es una opción inteligente. Los ensayos son los que dan la forma definitiva.
¿Qué balances haces de tus últimos trabajos como autor-director?…
Estoy buscando una voz, un estilo, y sigo con la búsqueda, no veo cada obra como un resultado si no como una parte de una obra, es como si cada una de ellas complementara a la otra, tengo la sensación de estar escribiendo una obra que se compone de muchas otras.
¿Qué función crees que ha de tener hoy el teatro para la sociedad en la que vivimos?…
Creo que el teatro tiene la función de satisfacer la necesidad del público de ver otros mundos, de ver otras historias y de hacerlo en directo.
¿Qué te motiva o inspira para escribir teatro?…
Intentar entender la vida.
¿Crees que está afectando mucho la subida del I.V.A. y los recortes en las ayudas para el Teatro?…
Por un lado nos han subido los impuestos, por el otro bajan las subvenciones, y por otro no se aprueba la ley de mecenazgo. Es difícil hacerlo peor.
¿Qué obra de teatro has visto últimamente?¿Qué te pareció?…
El minuto del payaso, Misántropo, Los Mácbez y Un hombre con gafas de pasta. Cuatro espectáculos buenísimos muy diferentes y que son un ejemplo de la variedad y la calidad que tenemos.
¿Cómo ves la autoría teatral en nuestro país en estos momentos?…
Estamos en un momento muy bueno que es el resultado del esfuerzo que se viene haciendo desde los años ochenta por poner al teatro en el lugar que la sociedad merece. No es algo que haya surgido de una casualidad, es algo muy difícil de conseguir y debemos cuidarlo entre todos.
¿Proyectos?…
La calma mágica. La produce Tanttaka y el CDN y se estrenará en octubre en la Sala Nieva del Teatro Valle Inclán.
Bruno Ciordia nos habla de sus proyectos para la escena
¿Cómo fueron tus inicios en el teatro?… Empecé a hacer teatro en el grupo amateur de mi pueblo, La Trapera, a los 13 años y actué con ellos hasta los 18, edad en la que decidí venir a Madrid a estudiar interpretación en la RESAD. Después he vuelto a trabajar con el mismo grupo en varias ocasiones pero esta vez como director.
¿Qué balance harías sobre tu trayectoria en el teatro?…Uno siempre es inconformista y se fija más en lo que le queda por hacer, que es mucho. Pero si miro hacia atrás y veo todo lo que he hecho desde que empecé, no puedo sino estar agradecido a…no se…la vida, porque he podido trabajar con regularidad y poder vivir de esto hasta ahora. Es verdad que últimamente cuesta bastante más.
¿Cómo surgen las ideas y los proyectos en los que te embarcas?… ¿Qué te anima a participar en ellos?…
Eso depende de si los proyectos los genero yo o me embarco en proyectos que me proponen otros. En cualquier caso, el germen para empezar cualquier proyecto es siempre el texto. Encontrar algo que te enganche, que te movilice a contar esa historia. Creo que un buen texto siempre es el mejor compañero de viaje.
¿Cómo surgió Tape?…En el caso de Tape, surgió de la llamada de Yolanda Vega, productora y actriz. Tenemos un amigo común que hizo de celestina y nos lanzamos sin conocernos muy bien a la piscina movidos por el trepidante texto de Stephen Belber, y la verdad es que estoy muy contento de cómo está yendo todo hasta ahora.
Háblanos de la puesta en escena… He intentado que sea lo más sencilla y directa posible. Sin artificios. La historia cuenta una relación de amistad de larga duración deteriorada por un hecho puntual y por cómo los personajes vivieron y recuerdan aquel acontecimiento con el paso del tiempo. Hemos intentado sumergirnos en los hechos y en todo el dolor que eso provocó en los personajes y lo hemos sacado a jugar a la escena. La mayor dificultad en este caso ha sido contar esa amistad de más de 10 años por actores que se conocieron en la primera lectura pero creo que tanto Fran Calvo y Jano Sanvicente como Yolanda hacen un trabajo espectacular.
¿En qué proyectos has participado en el último año?…Pues comencé este 2014 en el CDN a las ordenes de Ernesto Caballero en su versión de las Comedias Bárbaras, Montenegro, montaje que retomaremos en septiembre para salir de gira por España, y acabo de estar en El sol de York con el monólogo Un buen día de Dennis Lumborg dirigido por Mariano de Paco y producido por mí, y que espero que pronto pueda volver a verse en Madrid.
¿Qué proyectos tienes entre manos?…Pues ahora, cuando terminemos Tape en La pensión de la Pulgas volveremos a ensayar para ponerla a punto de nuevo en disposición a la italiana, ya que entramos en el Teatro Lara los jueves de mayo y junio a partir del 22 de mayo. También estoy comenzando a buscar los apoyos para poner en pie un espectáculo sobre la figura de Lorca y sus años como director de La Barraca durante segunda república. Una versión propia que pretendo dirigir. Un texto que habla con distancia histórica de todos los problemas que estamos encontrando actualmente los artistas para hacer nuestro trabajo.
¿Cómo crees que están afectando los recortes y el aumento de el I.V.A. a los proyectos de teatro?…Está siendo una verdadera sangría. El margen que ahora se lleva el I.V.A. es el único beneficio que tenían antes las compañías para seguir produciendo. Si eso lo eliminas y lo pagas en impuestos se agota el negocio. ¡Objetivo conseguido! Esto es una cruzada que ha emprendido el gobierno contra todo aquello que considera innecesario. Y la cultura parece que lo es.
¿Qué montaje que hayas visto últimamente, te ha interesado?… ¿Por qué?…
En construcción dirigida por Tristán Ulloa, por ejemplo, que ha estado en abril en la sala Mirador, me pareció una historia muy sencilla, contada con extrema sensibilidad y llena de aciertos. Realmente me tocó. También he visto hace poco La cortesía de España de Lope de Vega, donde la joven Compañía Nacional de Teatro Clásico da una lecciones de maestría y virtuosismo bajo la dirección de Josep María Mestres. Verso bien dicho, montaje sencillo y un buen trabajo de elenco que nos demuestra que tenemos unos jóvenes preparadísimos.
¿Alguna sugerencia para seguir creando y haciendo teatro en tiempos de crisis?…
Los tiempos de crisis han llegado para quedarse si no lo remediamos. Por tanto, hay que seguir creando y haciendo teatro por la pura necesidad de hacerlo, y sobre todo, hacerlo con el corazón. Como decía Lorca “Hay que dejar el ramo de azucenas y meterse en el fango para ayudar a los que buscan las azucenas».
David Planell nos habla de su experiencia al dirigir su texto Bazar
¿Cómo surge la propuesta que se presentas en Surge Madrid?…
Alberto San Juan estaba interesado en una obra que tengo a medio escribir, y por medio se cruzó
el SURGE, así que le ofrecí BAZAR, que ya estaba escrita y llevaba tiempo queriendo atacar
como director. La leyó, le pareció apropiada para el TEATRO DEL BARRIO, y aquí estamos,
estrenando tras dieciocho sesiones de ensayos.
Háblanos de Bazar…Del texto, de la puesta en escena…
Obra antigua mía previamente dirigida por otros, me sirve para estrenarme con director de escena
después de mucho tiempo dedicado al cine. Una puesta sencilla, pero eficaz que, partiendo del
realismo, se ajusta muy bien poéticamente al frenesí de dos días muy agitados. Actores y texto son
la base de mi trabajo, y sacar el máximo provecho de ellos es mi obsesión.
¿De qué referentes estéticos o temáticos te has nutrido para su escritura?…
Mamet, Bekett, Azcona, Berlanga.
¿Cómo surgen las ideas y los proyectos en los que te embarcas?¿Qué te anima a participar en ellos?…
Vida real, prensa, literatura. La curiosidad por explorar zonas (temáticas o estilísticas) que
considero no exploradas antes, y que por tanto me pueden sorprender a mí o a cualquiera que las
vea.
¿Cuál ha sido tu evolución como autor?…¿Y la experiencia de dirigir?…
Guionista primero de cine y televisión, y después director. Ahora me estreno como director de
teatro con una obra propia, aunque estoy deseando romper el hielo con algún texto ajeno.
¿Crees que se puede aprender a escribir teatro?…
Claro. Otra cosa es el manual o el maestro que decidas seguir.
¿Hay que esperar a que un texto se haya estrenado para publicarlo?…
No, a veces el libreto tiene valor propio y es interesante que vea la luz.
¿Has realizado otras tareas en teatro además de la escritura?…
Aparte de producir esta versión de BAZAR, la he dirigido.
¿Se puede vivir hoy de escribir teatro?…
Hay gente que lo hace. Deduzco que sí.
¿Qué te parece la iniciativa de Surge Madrid?…
Todo lo que sea apoyar el flujo creativo teatral de Madrid me parece muy acertado.
¿Cómo ves la situación teatral en estos momentos en nuestra ciudad?…¿En nuestro país?…
Económicamente rozando lo inviable, creativamente muy interesante.
¿Qué montaje que hayas visto últimamente, te ha interesado?¿Por qué?…
Llevo dos meses tan enfrascado en la dirección de BAZAR que no he visto nada de teatro. Estoy
deseando reengancharme a la cartelera.
¿Alguna sugerencia para seguir creando y haciendo teatro en tiempos de crisis?…
Ser honesto en la búsqueda lo que cada creador considera su mundo, y una vez localizado, ir por él
y trabajarlo sin tregua hasta llegar al meollo expresivo del asunto.
Fran Calvo nos habla de sus múltiples proyectos para la escena
¿Cómo surge la propuesta que presentáis en Surge Madrid?… Estábamos buscando un teatro para estrenar «Constelaciones» en Madrid y en cuanto se lo comentamos a Fernando Sánchez-Cabezudo nos abrió las puertas de Kubik Fabrik, sala que participa dentro del festival y presentamos la obra al festival a través de ellos.
Háblanos de la obra…De tu personaje…Del montaje… «Constelaciones» es un texto maravilloso. Su autor es Nick Payne, un joven dramaturgo inglés que estrenó en la sala pequeña el Royal Court (Londres) en 2012. La reacción de público y crítica fue excelente y la obra fue transferida a un gran teatro del West End.
Es una historia de amor entre una profesora de física cuántica de Universidad (Inma Cuevas) y un apicultor urbano. A partir de ahí el autor teje un entramado de universos paralelos y vemos las infinitas posibilidades que se pueden dar en esta relación. Es una dramaturgia ágil y con una estructura muy particular.
El personaje que interpreto es Roland, el apicultor urbanita. Es un jóven empresario que ha dejado el campo por la ciudad, y trabaja fabricando polen y miel.
El montaje está dirigido por Fernando Soto. Es una propuesta muy limpia, despojada de artificio y basada sobretodo en el trabajo de los actores, con el espacio escénico practicamente vacío. La luz juega también un papel muy importante en este espectáculo. Creo que Fernando nos ha facilitado mucho el trabajo con una propuesta liberadora pero exigente, que capta perfectamente la esencia del texto, y con un trabajo de movimiento escénico (a las órdenes de Antonio Gil) que ayuda a construir y apuntalar la obra, que tiene más de 50 transiciones. Es todo un viaje emocional.
¿Cómo surgen las ideas y los proyectos en los que te embarcas?¿Qué te anima a participar en ellos?… Cada proyecto tiene un origen distinto. En algunos casos te llaman y te proponen algo concreto y cerrado, y en otros debe nacer de uno mismo. Considero que es nuestra responsabilidad como actores mantenernos activos y no parar en la búsqueda de nuevas historias y nuevas formas de contar las cosas.
Particularmente, lo que me anima a embarcarme en un nuevo proyecto (teatral) es un buen texto y el equipo de trabajo que lo forme. Hay por supuesto otras variables que afectan pero, sin duda, para mi esos son pilares fundamentales.
¿Cómo fueron tus inicios en el teatro?… En Estados Unidos, en el año 2002, con un montaje de «Los cuentos de los Hermanos Grimm».
¿Qué balance harías sobre tu trayectoria en teatro?… La verdad es que nunca me paro a hacer balance. Intento siempre mirar hacia delante. Estoy en una etapa muy feliz de mi vida, personal y profesionalmente, y estoy muy ilusionado con todo lo recorrido en estos dos últimos años, pese a las circunstancias de nuestro sector y pese al enorme esfuerzo y desgaste que esto supone a veces.
«Constelaciones» es uno de los mayores retos en los que he podido trabajar en mi trayectoria profesional, y estoy disfrutándolo intensamente, pero creo que para llegar a este punto y con los matices y trabajo que requiere la obra ha sido de vital importancia pasar por un recorrido profesional y una experiencia vital de muchos años viajando, conociendo distintas culturas y observando lo que tenía alrededor.
¿Cómo creas los personajes?¿Tienes un método?… Bueno, hay una mezcla de componentes. Para mi todo parte de un buen análisis del texto. Una vez tengo claro ese esqueleto textual, combino un trabajo de observación y documentación, para luego materializarlo en ensayos con propuestas concretas a nivel formal y con un trabajo de imágenes. Un profesor mío siempre nos decía que «oír es ver lo que se dice, hablar es extraer imágenes visuales». Esas imágenes mentales crean un estado de ánimo que nos harán sentir.
Me gusta hacer también siempre un trabajo previo sobre el ritmo interno y la energía del personaje antes de darles vida y antes de confrontarlo con el resto. Y a partir de ahí, todo debería ser juego y exploración. Es muy rico llegar con ese trabajo previo a los ensayos y sorprenderte, y jugar y equivocarse, y «afinar al personaje» en el proceso.
¿En qué proyectos has participado durante el último año?… Muchos, la verdad. Teatralmente ha sido un año de mucho trabajo y ahora que lo pienso, creo que necesito unas vacaciones jajaja
He trabajado con Gabriel Olivares en un vodevil francés que se llama «La caja», de Clèment Michel y con el que hice 2 temporadas en el Teatro Lara el año pasado; también la pasada temporada estuve en una adaptación del clásico de Strindberg «La señorita Julia», bajo versión y dirección de Miguel Angel Cárcano; «El feo», una comedia ácida del alemán Marius von Mayenburg, que se presentó en Matadero Madrid dentro del festival Fringe 2013, dirigida por Paco Montes y que retomaremos este mismo verano; un nuevo proyecto de Teatro En Serie que se llama «La casa de huéspedes», escrita por Luis López de Arriba, y que son obras de teatro por capítulos en espacios no convencionales; y las 2 obras que tengo actualmente en cartel: «Tape», que llega a la sala grande del Teatro Lara el 22 de mayo, y «Constelaciones», con la que tenemos de momento cerradas 6 únicas fechas entre mayo/junio en la Sala Kubik Fabrik, también en Madrid.
Como director he montado el año pasado «Secundario», un monólogo que protagoniza Antonio Velasco y que acaba de volver a la cartelera madrileña, a El umbral de Primavera, todos los viernes de Mayo. Un emotivo homenaje a los cómicos y al teatro.
¿Qué proyectos tienes entre manos?…
No me da mucho la cabeza para pensar en nuevos proyectos ahora. Me ha llegado algún texto que tengo pendiente leerme pero hasta otoño no me planteo nuevos proyectos. Creo que es bueno oxigenarse, dedicarme plenamente a todos los montajes en los que tengo la suerte de estar trabajando ahora y dejar que lleguen nuevos aires.
¿Cómo crees que están afectando los recortes y el aumento del I.V.A. a los proyectos de teatro?… Terriblemente. A consecuencia de los recortes y de un IVA desproporcionado, cada vez existe más precariedad y el tejido profesional es difícilmente sostenible. Confío que las conversaciones que se llevan manteniendo desde hace tiempo para regular el tema del IVA cultural sean satisfactorias y que lo veamos pronto. No obstante, el daño está hecho y tristemente se ha perdido gran parte de un trabajo de muchos años y de muchas personas, no solo en las grandes ciudades, sino a nivel de giras y producción teatral en focos alejados de Madrid y Barcelona.
¿Qué te parece la iniciativa de Surge Madrid?… Toda iniciativa que promocione el teatro me parece positiva. Con este festival en particular, y con el despliegue masivo de estrenos que anuncia me siento más escéptico. Me pregunto si realmente creará público para el teatro alternativo madrileño, es decir, si conectará con el público que habitualmente o el resto del año no es asiduo de las salas alternativas, o si solo hará que el público habitual se tenga que multiplicar para ver más obras en un mes. Para mí ahí radica el éxito de un festival con estas características. Que trascienda al público que de otra forma no iría a (o no conoce) las salas alternativas.
¿Cómo ves la situación teatral en estos momentos en nuestra ciudad?…¿En nuestro país?… Muy fértil e ilusionante a nivel creativo pero preocupante en términos de sostenibilidad y apoyo Institucional.
¿Qué montaje que hayas visto últimamente, te ha interesado?¿Por qué?… Me vienen a la cabeza «Un buen día», de Dennis Lumborg, un monólogo protagonizado por Bruno Ciordia que estuvo en El Sol de York y que me pareció un soberbio trabajo de construcción de personaje, de capas y de pincelada fina para un texto demoledor; la versión de «El caballero de Olmedo» que ha dirigido Lluís Pasqual, que tuve ocasión de verla en el Pavón hace un par de meses, por su minimalisto elegante, la musicalidad y la frescura en la propuesta; y por último «Entre Actos», una historia de amor de dos mujeres que está en La casa de la portera, y que me pareció la definición perfecta de sutilidad y sensibilidad en el trabajo, con el público a un palmo de distancia. Muy recomendables las tres.
¿Alguna sugerencia para seguir creando y haciendo teatro en tiempos de crisis?…
Mucho amor, paciencia, esfuerzo, sacrificio y deseo de seguir haciéndolo, le pese a quien le pese.
José Luis Arellano nos habla de su trabajo escénico con la Joven Compañía
¿Cómo fueron tus inicios en el teatro?…¿Realizaste otras facetas además de la dirección y la escritura?…
Comencé en el teatro, supongo como tantos otros, en los grupos de teatro de barrio y en la escuela municipales de teatro de la ciudad donde me crié cuando era un adolescente. Esta es la respuesta oficial, aunque realmente dentro de mí pienso que inicié este camino la primera vez que siendo un niño me subía a una mesa todas las tardes y les contaba a mis amigos historias inventadas de robots (influencia Mazinger Z).
Y sí, durante los años de profesión, sobre todo al principio me subí alguna vez al escenario e hice de actor. Digo hice porque me di cuenta enseguida que eso no era lo mío, y no tuve mas que hacer. El interprete para mí es un gran héroe y yo no tenía madera de héroe. Así que estudié dirección y viajé cuanto pude (aun lo sigo haciendo claro esta) para entender el secreto de la vida. Iluso de mí. Y es lo que intento hacer cada día que me enfrentó al teatro, descubrir en cada palabra y en cada gesto el secreto de la vida.
¿Qué balance harías sobre tu trayectoria?…
Me aterra hacer balances… No tengo ni idea, yo voy haciendo sin pararme a pensar en las consecuencias ni en un plan establecido. Hago y ya esta. Eso sí, siempre intento hacer impulsado por una vibra emocional que me empuja a realizar un acto concreto.
¿Cómo surgen las ideas y los proyectos en los que te embarcas?¿Qué te anima a participar en ellos?…
Imagino que como cualquier artista las ideas llegan y uno tiene que estar preparado para escucharlas dentro de su alma. Y cuando llegan te susurran cosas y si estas dispuesto a arriesgarte y a darles voz, entonces estas preparado para iniciar el proceso. Personalmente necesito esa implicación personal, pero también social y política. Necesito que de alguna forma, las cosas que uno hace tengan una respuesta social. Quizá suene demasiado vanidosos pero sigo la máxima (espero que no demasiado manida) de que lo que haces ayude a mejorar o a entender la percepción que la sociedad tiene de la realidad. Continuo creyendo en el teatro como elemento de transformación social. Y esto me anima a contar historias.
¿En qué proyectos has participado durante el último año?…
Al margen de la Joven Compañía, que reconozco me ha ocupado mucho tiempo (algo que me encanta, desde luego) comencé la temporada con la ayudantía de «Maribel y la extraña familia» que dirigió Gerardo Vera al igual que la de «El Cojo de Inishman» para el Teatro Español, dirigí un Cabaret Barroco con textos del siglo de Oro en el teatro GALA en Washington DC (teatro que adoro y con el que colaboro desde hace mas de 6 años, algún día tendríamos que hablar de ellos y de su labor por el teatro en castellano en los Estados Unidos, ahí te dejo la propuesta…) y ahora estamos inmersos en los nuevos proyectos que haré junto con Gerardo Vera la temporada que viene y como no, los de la Joven Compañía en el Teatro Conde Duque. Estamos a punto de presentar la nueva temporada y los talleres para nuevos participantes.
Háblanos de El señor de las moscas …¿Cómo surgió este proyecto?… ¿Cómo ha sido el proceso?…
El señor de las Moscas… Pues este proyecto surgió hace ya muchos años, cuando yo era un adolescente y leí la novela por primera vez. Me golpeó tanto la cabeza, me enloqueció la sencilla poética del mal, el dolor de la perdida de la inocencia de una forma tan brutal, que a lo largo de mi vida siempre he tenido la deuda moral de compartir esa sencilla transformación del alma que a mí, personalmente me produjo la lectura de la obra de William Golding. Y eso he hecho en cuanto he tenido oportunidad. Un tarde salía de un ensayo en el Teatro Español, hacía mucho frío, y sin venir a cuento pensé, ahora es el momento. Y lo hice. Sin mas. Era el momento de contarles a los jóvenes la visión que de una sociedad distópica nos plantea el autor. Quizá también, porque en estos tiempos parece que nos han abandonado las utopías y no estaría mal volverlas a recuperar.
En cuanto al proceso, ha sido maravilloso y doloroso, como mucha veces ocurre en la creación cuando pones de ti algo mas que tu propio talento. Y ha sido maravilloso porque durante el trabajo nos encontramos todos con el niño que perdimos hace muchos años (yo mas que el resto de la compañía…) y pudimos mirarlo cara a cara y ver que aquel niño era inocente. Y doloroso por comprobar que aquel niño, ya no está y que mirar el mundo se ha convertido ahora en otra cosa.
Háblanos de La Joven Compañía…
La Joven Compañía es un proyecto teatral y pedagógico que pretende establecer canales culturales entre los jóvenes que inician su carrera en el teatro, en cualquiera de sus disciplinas, y los nuevos públicos, otros jóvenes cuyo acceso al teatro no es siempre sencillo. Pero además pretendemos mostrar a la comunidad adulta que el teatro hecho por jóvenes no es un categoría menor. Para ello nos hemos agrupado en torno a una asociación un grupo numeroso de profesionales del teatro (desde Gerardo Vera, Josep María Mestres, Ariadna Gil, Juan Cornejo, Mariano Marín… ) y profesores y pedagogos para construir entre todos juntos un tejido social que implique a jóvenes interesados por la cultura, por el teatro o a los que no han podido o no han accedido a ello, abrirles una puerta que les anime a participar ya sea como espectadores o como profesionales.
¿Qué proyectos tienes entre manos?…
Te hablaré de La Joven Compañía. Estamos ahora mismo a punto, como te decía antes, de presentar la temporada que viene, 2014-15 en el teatro Conde Duque. La actual termina con este montaje de el Señor de las moscas, con el que participaremos también en los Veranos de la Villa en el mismo teatro Conde Duque durante el mes de Julio los viernes y los sábados, para todo el que quiera enfrentarse cara a cara con el mal. También haremos los nuevos talleres de La Joven Compañía tanto para los actuales integrantes como para los nuevos aspirantes. Los talleres estarán impartidos por grandes maestros del panorama nacional y tendrán una duración de dos semanas intensivas en las aulas del propio Conde Duque. Así que desde aquí animo a los jóvenes de entre 17 a 23 años que quieran participar en los talleres que se apunten. Toda la información en nuestra web: http://www.lajovencompania.com
En cuanto a la nueva temporada hay que estar atentos porque tenemos varias sorpresas importantes.
¿Cómo crees que están afectando los recortes y el aumento del I.V.A. a los proyectos de teatro?…
Pues lo sabemos todos los que estamos a pie de teatro todos los días. La gente se lo piensa dos veces y es muy selectiva a la hora de elegir un espectáculo porque probablemente solo pueda pagarse uno al mes (y eso con mucha suerte, y hablando de los aficionados al teatro). Lo que hace un tiempo empezaba a ser en Madrid una pequeña costumbre, eso de ir al teatro a dejarse sorprender, ahora creo que regresamos a la tendencia de dejarse llevar por el que mas promoción o famosos tenga. Y volvemos al clientelismo teatral. Solo hay dinero para quien está cerca…
En cuanto a los proyectos, no nos podemos engañar pero aun asumiendo que deberíamos olvidarnos de «papá estado» y levantar los proyectos con la energía demoledora de la creación y con el apoyo del resto de ciudadanos que necesitan la cultura, porque huelga recordar que la cultura es un bien universal, la subida del IVA ha asfixiado o ahogado a pequeñas grupos (pequeñas empresas) culturales que no pueden afrontar el trato impositivo de la administración que nos considera como si fuésemos un bien prescindible.
¿Qué montaje que hayas visto últimamente, te ha interesado?¿Por qué?…
El Misantropo, en versión de Miguel del Arco, y hay que verlo porque a parte de un puñado de actores excelentes que nos demuestra una vez mas, la calidad de nuestros interpretes, por escuchar con calma, desde la butaca, lo que ahí se dice.
¿Alguna sugerencia para seguir creando en tiempos de crisis?…
No soy de dar consejos, cada uno es consecuente con sus actos y tiene muy claro que es lo que quiere o desea para sí o para la sociedad en la que habita.
Sin embargo, si que animaría a seguir creando, con fuerza y sin complejos. Demandar lo que es nuestro. Pero no es fácil. Por ello tenemos que dialogar con la administración para que nuestros profesionales puedan crear con dignidad y puedan vivir de su trabajo creativo. Nuestros impuestos necesitan ser devueltos a la sociedad transformados en arte. Exigir espacios para el desarrollo de nuestra profesión. Pero sobre todo, ser honestos con nosotros mismos, escuchar a la sociedad y contarles las cosas que a lo mejor, no quiere oír.
Marta Poveda nos habla de sus proyectos para la escena
¿Cómo surge la propuesta que se presentáis en Surge Madrid?…
Fue un precioso ofrecimiento de Vanessa Espín… ella conoció el texto en un taller de José Sanchís Sinisterra, y nos ofreció las tablas del Teatro del Barrio. Nos hace mucha ilusión estrenar este texto en esta sala.
Háblanos de la obra…De tu personaje…Del montaje…
Una mujer que un día dice: “hasta aquí”. No más golpes. Ha decidido defenderse de la bestia, encerrarla, poder con ella. Mónica es una mujer “socialmente elaborada” que ha decidido recuperar su instinto, su cuerpo, su naturaleza, su pasado, su yo. El espectáculo lo trata desde una concepción del espacio muy esencial con un par de referencias que son más que suficientes para llegar muy lejos. El espectador habita la casa de esta mujer, que acaba de ser un campo de batalla y la acompaña en el tránsito de su reinvención, en la toma de su decisión… vivirá una duda emocional y moral muy radical. Sería interesante descubrir qué hubiera hecho cada uno de los espectadores que vengan a ver la función.
¿Cómo surgen las ideas y los proyectos en los que te embarcas?…
Supongo el camino que elige cada actor le va llevando cada vez con más certeza a trabajos que tienen que ver con sus inquietudes artísticas. Con José simplemente sería imposible no embarcarme. Es mi maestro, mi amigo, mi ejemplo, mi referente. Lo admiro a todos los niveles. Es un científico del teatro, un investigador en constante evolución a quien no le importan lo más mínimo ofrecer resultados comerciales ni la imagen. Una no se puede perder cualquier posibilidad de trabajar a su lado. José y yo tenemos mucha química como director/actriz.
¿Qué te anima a participar en ellos?…
Me anima el equipo artístico principalmente. Si se genera un grupo de creación con objetivos creativos, el proceso sin duda será jugoso… a partir de ahí se puede hacer cualquier cosa. Lo más maravilloso del teatro es que es un trabajo de equipo… al menos así lo entiendo yo.
¿Cómo fueron tus inicios en el teatro?…
Después de asomarme un poquito en el instituto, comencé a estudiar en la Cuarta Pared. Tuve la suerte de que mi primer maestro, Juan Pedro Enrile, me condujo directamente a amar el teatro. Fue un primer año increíble, lleno de descubrimientos. Mis labios tocaron aterrados las palabras de Brecht y de Delibes. Caí en las riendas. Seguí estudiando en la Cuarta Pared, donde me enseñaron que el actor, ante todo es un creador. Y allí mismo pude conocer a Sinisterra con quien empecé a trabajar en Barcelona, en la Beckett. Estudié también en el Teatro de la Danza, y con ellos estuve dos años haciendo Las bicicletas son para el verano, que dirigió Luis Olmos con Gloria Muñoz, Gerardo Maya, David Lorente, Lucía Quintana, Pedro G. De las Heras, Enriqueta Carballeira, Charo Soriano… Eso es como hacer un master. Una verdadera gira de cómicos como las que cuenta Fernán Gómez.
¿Qué balance harías sobre tu trayectoria en teatro?…
Hasta el momento el recorrido está siendo vibrante, cañero, divertido, inmenso, duro, fácil, difícil, frágil, emocionante… cada día comprendo que cada día me queda más por aprender. El teatro es infinito.
¿Cómo creas los personajes? ¿Tienes un método?…
Cada proceso para mí es completamente diferente ya que cada historia, cada texto y todo lo que los rodea es diferente. A veces, hago un trabajo de mesa muy exhaustivo, otras me lanzo directamente al charco, otras es algo que nace del físico, otras es más cerebral… Cada equipo, cada director y elenco es un planeta… uf… difícil de contestar.
¿En qué proyectos has participado durante el último año?…
Con la CNTC hemos estado embarcados en dos espectáculos: La vida es sueño y en La verdad sospechosa, drama y comedia. Hemos hecho temporada en Madrid y giras con muchas y bonitas plazas. También intentando impulsar proyectos que espero tarde o temprano vean la luz.
¿Qué proyectos tienes entre manos?…
Estrenar en Almagro una comedia de Rojas Zorrilla, Donde hay agravios no hay celos. Un reparto llenos de bicharracos de la escena: Oscar Zafra, Mónica Buiza, David Lorente, Clara Sánchis, Fernando Sansegundo, Natalia Millán, Rafa Castejón y Jesús Noguero. De nuevo dirige Helena Pimenta. ¡Con muchas ganas! Almagro es un festival increíble, el ambiente que se respira allí como de “vacaciones teatrales”.
¿Cómo crees que están afectando los recortes y el aumento del I.V.A. a los proyectos de teatro?…
La subida del IVA provoca un alejamiento entre la sociedad y la cultura. La cultura es un arma contra la ignorancia. La ignorancia es un arma de destrucción masiva …
¿Qué te parece la iniciativa de Surge Madrid?…
Cualquier iniciativa artística, si es buena para la gente, si hace “feliz”, me parece positiva.
¿Cómo ves la situación teatral en estos momentos en nuestra ciudad?…
Tremendamente viva. Un hervidero de ideas que afloran en respuesta a la represión en muchos casos, lo cual es esperanzador….
¿En nuestro país?…
Me parece que hay muchas carencias. Hay ciudades en las que apenas se puede acudir al teatro, a conciertos, a danza, no hay suficiente oferta… Y desde luego no es por falta de ella, sino por el “no uso” de ella. En todos los lugares de este país hay artistas, grupos de artistas, proyectos, espectáculos, compañías con mucho que ofrecer. Si por mí fuera, en cada pueblo debería haber un teatro explotado al máximo, para todas las edades, y con participación por parte de todos, talleres, grupos, cursos… Es una utopía con la que me gusta soñar.
¿Qué montaje que hayas visto últimamente, te ha interesado?¿Por qué?…
He visto un montón de cosas que me han encantado pero te digo un par. Las heridas del viento: Kiti Mánver y Dani Muriel han elaborado una composición de personaje que los pone “en pelotas” a nivel emocional, con unos matices deliciosos. El texto me traspasó la piel y el espacio siempre me cautiva, el hall de Lara. Hace meses vi un espectáculo que me emocionó muchísimo, El viaje a ninguna parte.
¿Alguna sugerencia para seguir creando y haciendo teatro en tiempos de crisis?… Seguir creando y hacer teatro en tiempos de crisis. Quizá te suene ingenuo, pero eso no nos lo quita nadie. Eso lo podemos hacer siempre, en las circunstancias que sea. Sólo hace falta hacerlo, y a partir de ahí cualquier cosa es posible.
Julio Michel, director de TITIRIMUNDI nos habla de la historia del Festival
¿Cómo surgió Titirimundi?…
Después de asistir en Francia al festival mundial de Charleville Mezieres me pareció una forma promocional muy apropiada para difundir en España las Artes de la Marioneta, tan olvidadas entonces. Después tuve la fortuna de conocer al Director General de Promoción Cultural de la Junta de Castilla y León que apoyó con entusiasmo mi proyecto y en abril de 1985 se inauguró la primera edición del festival, cumpliéndose el dicho popular que afirma, muy acertadamente, que “el que tiene padrino se bautiza”. Sin duda alguna, de no haber tenido ese contacto privilegiado hoy no existiría Titirimundi.
¿Balance de su historia?…
El objetivo principal era y sigue siendo la difusión, la promoción y el fomento del Teatro de Títeres, objetivo plenamente logrado. Hoy, gracias a festivales como Titirimundi, los títeres han entrado, con mayor o menor éxito, en las carteleras de todos los teatros públicos, incluido el Centro Dramático Nacional.
¿Cómo es la programación de Titirimundi 2014?… Háblenos de ello…
El programa siempre ha sido ecléctico y abierto. Pensando en todos los públicos, de manera que cada cual pueda encontrar siempre aquel espectáculo que responda a sus inquietudes y preferencias estéticas. En Titirimundi tienen la misma importancia las tradiciones que las formas contemporáneas, los espectáculos infantiles que la experimentación más vanguardista.
Hace 30 años que se celebró la primera edición del festival y para festejarlo el programa rinde un homenaje a los títeres, con dos espectáculos que nos muestran la esencia, las entrañas, el alma de los títeres. Me refiero a The Table y a Dans l´attelier, dos pequeñas tesis existenciales titiriteras.
También hemos tenido que adaptarnos a la situación económica recortando programación y proponiendo pequeños formatos que permiten ajustar los precios de las entradas.
¿Cuáles son las premisas para seleccionar los proyectos programados en este Festival?…
Tratándose de un festival tan ecléctico y libre, no caben más criterios restrictivos que los relacionados con la calidad artística y el interés de las propuestas. Obviamente esto obedece a un criterio personal subjetivo. La experiencia ha demostrado muchos mas aciertos que errores.
¿Qué equipo conforma este proyecto a nivel producción y gestión?…
Durante todo el año trabajan dos personas a media jornada y dos meses antes del festival se incorpora el resto del personal. El equipo del festival está formado por 8 personas apoyadas por 120 voluntarios.
¿Hay colaboradores habituales en el equipo artístico y técnico?… ¿Participan del proceso de gestión y creación del Festival?…
El equipo se compone de las mismas personas desde hace varios años. Cada uno de ellos conoce perfectamente su cometido y los contenidos del programa son competencia exclusiva del director artístico. Obviamente muchas decisiones de orden práctico o técnico se toman tras consultar con el equipo.
¿Hay una línea ética y estética en cada edición de la programación del Festival?..
No, no la hay, ni considero que deba haberla. La programación es tan libre como rico y fértil es este ámbito de la creatividad artística ¿Para qué condicionar o poner límites al programa?.
¿Cómo surgen las prolongaciones de las funciones de Titirimundi?..
Titirimundi nació en 1985 con vocación regional. Si el objetivo primero del festival es difundir y potenciar las artes de la marioneta, es natural que tratemos de expandirnos todo lo posible, sin más limites que nuestra capacidad organizativa. Estas extensiones proporcionan, además, ventajas funcionales y de orden económico.
¿Se pueden realizar propuestas combativas y alternativas en estos tiempos de crisis en el mundo del títere?…
Una característica destacada del teatro de títeres contemporáneo es su permanente cuestionamiento. Además el teatro de títeres siempre fue rebelde y trasgresor.
¿Qué fórmulas ponéis en marcha para crear nuevo público en cada edición?…
Tratamos de sensibilizar y captar a nuevos públicos desde las escuelas infantiles. La educación es fundamental para la formación del público.
Otra estrategia consiste en acercarnos al público universitario a través de los voluntarios que colaboran con el festival. Cada año tenemos más de 100 voluntarios.
También consideramos los aspectos económicos, tan importantes hoy. Este año alguno de los espectáculos más interesantes son de pequeño formato y de corta duración, algo que nos permite aplicar precios asequibles a cualquier bolsillo. Prueba de ello es que dos semanas antes del inicio del festival, la mayoría de las entradas para los espectáculos de pago están agotadas y estamos considerando la ampliación de la programación.
¿Hay ideas nuevas previstas para las próximas ediciones?…
Ya tenemos muy avanzada la programación de 2015 y por el camino surgirán, sin duda, nuevas ideas, como algunos talleres o exposiciones, por ejemplo.
¿Cómo afectan los recortes y el aumento del I.V.A. para un festival como Titirimundi?…
Entre los recortes y el IVA nos han dejado el festival en la mitad de lo que fue hace cuatro años.
¿Qué montaje que hayas visto últimamente, te ha interesado?¿Por qué?…
“El bosque de Grimm”, un montaje para niños de la compañía andaluza La Maquiné, que me sorprendió por la calidad de la interpretación y el rigor de la puesta en escena. Me gustó mucho constatar que podemos confiar en los nuevos creadores de este país, que irrumpen con nuevas ideas y con una gran exigencia estética.
Alguna sugerencia para seguir creando en tiempos de crisis…
Crear con pasión, con ganas y necesidad de expresarse: el ánimo y la capacidad de resistencia son inquebrantables. No pasarán.
Raúl Hernández Garrido nos habla de su trayectoría como autor en vísperas de presentar dos textos suyos en Surge Madrid
¿Cómo surgen las propuestas que se presentan de tus textos en Surge Madrid?
EL PROCEDIMIENTO arranca inspirado en unos hechos que tuvieron lugar en la empresa en la que trabajo, TVE. En ella, hace 5 años, se dio una curiosa caza de brujas, que realmente era una maniobra de distracción ejecutada por las directivas para desviar la atención sobre un hecho de manipulación muy burdo durante la transmisión de un partido de Final de Copa del Rey. La final reunía al Athletic de Bilbao y el Barça… Y la afición, tanto la vasca como la catalana, abucheó el himno nacional ante el mismo rey en el comienzo del partido. En TVE en el directo no se emitió ese momento, y luego, cuando se recuperó, se presentó con un sonido en el que apenas se apreciaba ese pitido. Ante la posible acusación de manipulación informativa, en pleno gobierno de Zapatero, RTVE decidió emprender una persecución contra los trabajadores que habían trabajado en la transmisión, acusándoles de obedecer las órdenes recibidas… Fue el comienzo de esta locura política que llega a las barbaridades que estamos viendo en estos momentos y en los que nos jugamos de forma muy temeraria valores ganados a pulso desde hace dos siglos… Tras una andadura primera en la que he visto como se rechazaba este texto, el año pasado recibió un premio de dramaturgia y este año ha sido presentado en Nueva York. Ahora, en montaje de Teatro del Astillero y dirección de Luis Miguel González Cruz se estrena en la Cuarta Pared, esperando volver pronto a Madrid por una larga temporada.
En cuanto a SEGUNDA ESTRELLA A LA IZQUIERDA, es un reencuentro con Adolfo Simón tras una muy fructífera serie de trabajos en común. Él quería trabajar conmigo de forma abierta en una propuesta que pudiera ser presentada ante el CDN. Me lanzó dos ideas que fructificaron en el proyecto de “Un bosque en el que perderse”, el proyecto del cual SEGUNDA ESTRELLA es una primera o segunda fase. Por una parte, la idea de alguien que lucha por definir su identidad más allá de un sexo natural que no siente como propio. Y luego, la de las identidades forzadas de estos casos de niños robados que tan bien exploró una pieza que admiro, “Potestad”, de Tato Pavlovski y que yo había tratado en dos textos, “Si un día me olvidaras” y “Todos los que quedan” (este último texto, parte de otra propuesta de Adolfo Simón.) “Un bosque en el que perderse” quizá nunca sea producida por el CDN pero Adolfo, tras mil proyectos estupendos, ha encontrado hueco para dar su versión de lo que no es un texto, sino un borrador, y así ofrece en esta SEGUNDA ESTRELLA A LA IZQUIERDA un ensayo escénico sobre una posible obra aún por escribir. Es su versión escénica frente a la mía textual, dos borradores enfrentados que espero que acaben dando lugar por una parte a un texto literario-dramático y por otra a un texto poético-escénico, ya sea en el CDN o en otro ámbito favorable.
Háblanos de los dos textos…
¿De qué referentes estéticos o temáticos te has nutrido para su escritura?…
Los textos son muy diferentes. EL PROCEDIMIENTO está diseñado como un trozo de actualidad, servido con premura, con lo que me interesaba un dibujo naturalista, que actuara como reflejo de una realidad inmediata. Pero además, en la obra, el tema del reflejo está jugado también en los personajes y en las intenciones. Cada uno de los personajes es una contrafigura del otro. Un reflejo invertido del otro. Y entre medias, se juega el porvenir de cientos de seres anónimos que pasaran por el prisma formado por estos dos espejos contrapuestos. Lo resultante, un juego minimalista de estrofas, antistrofas, repeticiones, variaciones, series, etc. Lo que se expresa con esto, las maniobras del poder que tuercen una y otra vez el sentido de la lógica para siempre tener razón incluso en la contradicción, con lo cual la verdad es algo que deja de tener sentido.
En cuanto al trabajo entregado para SEGUNDA ESTRELLA A LA IZQUIERDA, tiene otros referentes. En este caso, partiendo de referentes de la realidad, queríamos crear una fantasía metafórica, grotesca y deformada, para hablar de la pérdida de la identidad, de su búsqueda, de la soledad. Aquí los referentes son por una parte los cuentos de hadas y también la llamada por Bataille Literatura del mal. Se dan cita J. M. Barrie con su Peter Pan, Perrault y los hermanos Grimm con Maeterlinck, Sade, Koltés, el mismo Bataille.
¿Cómo surgen las ideas y los proyectos en los que te embarcas?¿Qué te anima a participar en ellos?…
Hay ideas y proyectos que surgen en mí, por el impacto de una noticia, una visión, una lectura, un sueño, una vivencia… Que surgen en la soledad tan transitada de la individualidad… Mientras que otras veces nacen de un trabajo en equipo; trabajando, más habitualmente, con directores, y otras veces, con otros dramaturgos, con actores…
Desde luego, cada proyecto debe tener algo que me enganche. Si no, no hay manera de que ese proyecto llegue a desarrollarse en mi interior y dé lugar a nada. ¿Qué es eso que me debe enganchar, concretamente? Pues lo mismo que me puede interesar y que busco en una obra individual.
¿Cuál ha sido tu evolución como autor?…
No lo sé. Eso lo tendrá que decir otro, no yo. Yo sobrevivo. Y sigo sin venderme. Eso para mí es lo más importante, aunque me haya llevado a una situación de aislamiento, de invisibilidad. Pero sigo buscando, eso es lo importante para mí.
¿Crees que se puede aprender a escribir teatro?…
¿Aprender a escribir teatro? Cézanne, con 70 años, se iba como copista al Louvre para descubrir nuevas formas de expresión aprendiendo de antiguos maestros. Otro pintor, Goya, titula uno de sus últimos dibujos, de cuando estaba en el exilio en Burdeos, “Aún aprendo”. Vivimos. Cada día, si permanecemos atentos y no nos dejamos imbuir por la televisión, el whatsapp y las formas de comunicación y manipulación masiva, podemos aprender algo nuevo. Y debemos aprenderlo.
¿Aprender a escribir teatro? Continuamente. Porque escribir teatro es vivir, y siempre estamos aprendiendo a vivir.
¿Hay que esperar a que un texto se haya estrenado para publicarlo?…
Un texto puede tener muchas vicisitudes, el estreno es una de ellas. Los textos en cierto momento te avisan cuando están maduros. Y cuando quieren cambiar o no. El estreno es una vicisitud importante, pero es solo una de ellas. De hecho, un texto teatral debe ser escrito no para su montaje de estreno, sino para ese otro que lo espera cuando nadie se acuerde ya de él y lo desempolve, cuando quizá el autor ya no esté vivo para intentar influir en ese hipotético montaje.
¿Ha sido importante tener unos colaboradores habituales en los equipos artísticos y técnicos?…
Sí, y estoy contento con aquellos con los que he compartido este camino, que ya empieza a ser largo.
¿Has realizado otras tareas en teatro además de la escritura?…
Trabajé al principio en producción. Dirigir, he dirigido poco en teatro, aunque sí lo he hecho en cine y televisión. Y aparte de escribir, realizar dramaturgias, adaptaciones y talleres de escritura.
¿Se puede vivir hoy de escribir teatro?…
No lo sé. Nunca lo he intentado. Para bien y para mal, tengo otro trabajo, remunerado con un salario, que si bien me permite vivir, me roba tiempo para el teatro de una forma que, últimamente, realmente es agobiante. Pros y contras…
¿Qué te parece la iniciativa de Surge Madrid?…
Que toda iniciativa para apoyar los pequeños centros de exhibición son positivas, pero me duele que desaparezcan puntos de encuentro como fueron Escena Contemporánea o que el Festival de Otoño se diluya como está ocurriendo ahora.
¿Cómo ves la situación teatral en estos momentos en nuestra ciudad?…¿En nuestro país?…
Como dije antes, uno de los inconvenientes del trabajo es que me roba tiempo, para escribir y para ir al teatro. La crisis ha mandado al paro a media población, mientras que las medidas de este gobierno han duplicado o triplicado el trabajo de los que aún tenemos un empleo, al tiempo que los salarios han mermado… Lo cual hace que ir al teatro sea algo casi inviable para mí.
Veo que en Madrid hay un rabioso resurgimiento teatral. Que aparecen (y también, desaparecen) salas de una forma vertiginosa, adoptando formas nuevas, algunas insospechadas. Me parece positivo, estimulante. También hay una nueva generación de autores (sobre todo, de mujeres) muy interesante. Pero en todo esto, quizá por la necesidad de sobrevivir, veo que tanto ese movimiento como esa nueva generación de dramaturgos corren un peligro de ir a lo fácil, de estancarse. Ojalá no sea así.
¿Qué montaje que hayas visto últimamente, te ha interesado?¿Por qué?…
Ver teatro me es difícil, por tiempo y por dinero. Me quedo, aunque tenemos que ir a dos años atrás, con las experiencias escénicas de tgStan, que señalan nuevas formas de interpretar el texto… O quizá, no tan nuevas, pero muy vigentes y que señalan un camino para no caer en lo fácil.
¿Alguna sugerencia para seguir creando y haciendo teatro en tiempos de crisis?…
Eso mismo te iba a preguntar… Cuando la vida empieza a apretar, crear se hace más difícil y se convierte en una forma de supervivencia… quizá letal, pero imprescindible.
Que Revienten los Artistas 
Debe estar conectado para enviar un comentario.